ANÁLISIS SEMÁNTICO DE ALGUNAS PINTURAS

Nombres: Andrés Jaramillo; Cesar Silva

Fecha: 20 de oct. de 17
1. Cuadro: Persistencia de la memoria – S. Dalí.
 Forma-Línea
En esta obra predomina el
contraste entre formas
geométricas regulares e
irregulares, tales como el
prisma rectangular de la
mesa y las esferas
irregulares de los relojes.
Esto implica, además, el
uso de líneas rectas que se
complementan con las
líneas curvas creando un
efecto de incongruencia o
contradicción, pero, a su
vez, da la impresión de que
esta fusión tiene el
propósito de acentuar las
características y demuestra una saturación, sino
propiedades de los objetos.
Como, por ejemplo, la mesa
de volumen uniforme sobre
la cual están los relojes que
han perdido su habitual
tacto duro y ahora tienen
volúmenes heterogéneos
Composición (Uso del espacio)
La composición maneja un punto
de fuga vertical elevado que se
extiende desde la base hasta la
parte superior de la pintura, es
por ello que, la definición de los
detalles se hace más vaga a
medida que los objetos se alejan
de la base y, al mismo tiempo,
conducen el foco de percepción
hacia el paisaje. Sin embargo,
esta pérdida de definición
también está dada por las líneas
horizontales como la de la mesa
y la rama del árbol que dividen
los planos. Por otra parte, la
ubicación de los objetos no
que, trasmite una total autonomía
e independencia de los objetos.
En adición, vemos que en la
parte izquierda hay más cantidad
de objetos que en la parte
derecha.
Color Textura
Allí hay un acoplamiento La textura parece ser
entre los colores fríos de los áspera, lo cual significa una
relojes y el tono opaco de la ventaja para la aplicación de
mesa y el suelo que se la técnica y el efecto que
destacan sobre el fondo pretende transmitir a quien
cálido del paisaje, con lo observa esta pintura.
cual se da una armonía de
matices que se
complementa, aún más,
gracias al manejo de la luz
y los efectos de sombra.
Esto último, tiene gran
importancia a la hora que
resaltar el realismo de las
cosas y el contraste entre
figuras y colores. Claro vs
oscuro, oculto vs evidente
etc.
Cuadro: Guernica – P. Picasso.
 Forma-Línea
La estructura formal de esta
obra es geométrica. Emplea
diversas figuras regulares e
irregulares compuestas por
líneas rectas y curvas que
no obedecen a un patrón,
sino que, más bien, poseen
una libertad de movimiento
lo cual crea un efecto de
deformación en el contorno
de las representaciones,
pero, también, estos sufren
trasfiguraciones que hacen
que las cualidades de una
cosa se asemejen total o
parcialmente a otras.
En adición, en la obra
domina la apariencia
bidimensional, con lo cual
todas las figuras que se
muestran son planas y
algunas con aristas y
ángulos bastante definidos o
punzantes. El efecto semi-
tridimensional se debe más
bien al uso de los matices
Composición (Uso del espacio) Color Textura
El primer detalle que salta a la La limitación cromática de Aunque la simplicidad
vista es que no se usa ningún tipo esta obra consiste en una cromática da la apariencia
de perspectiva y por ello, el gama de matices grisáceos de una fluidez sin rugosidad,
cuadro solo muestra un plano que varían del blanco al es evidente la aparición de
general a pesar de que el fondo negro, dando la apariencia cierta aspereza en algunos
se aleje de las demás figuras. de ser manchas de tonos detalles.
Aunque, da la impresión de que planos, aunque con un nivel
existe una división que dirige la de gradación para dar un
atención hacia el centro del efecto de sombra o de luz
cuadro. que ilumina la escena sin
obedecer a ningún tipo de
Hay, también un aglutinamiento foco.
de figuras y líneas sin escapatoria
visual, con lo cual se trasmite la
idea de policentrismo o de total
relevancia.
 claroscuro.
3.
Cuadro: El grito –

Forma-Línea Composición (Uso del espacio) Color Textura

 Hay una leve relación Aunque la composición de la Existe, de nuevo, Se percibe una textura de
entre líneas curvas y obra no está dada por una una contraposición entre las suavidad y un leve relieve
rectas. división definida, es posible gamas cálidas y frías que en la pintura por la
 No se aprecian formas encontrar tres planos contrastan entre sí. distribución de líneas.
geométricas concretas horizontales que tienen en En cuanto a la luz, no hay
debido a la relación común un punto de fuga un foco determinado y por
trazo-forma. transversal (el muelle). En el lo tanto, no hay efectos de
 Las formas curvas primer plano, encontramos la sombra ni el uso de
muestran suavidad en figura principal, en el segundo claroscuro.
el cuadro en el primer plano y con los mismos trazos se
y tercer plano, pueden apreciar dos personajes
mientras que en el muy confusos. En el tercer plano
segundo da la se puede apreciar lo que es el
sensación de rigidez. paisaje que envuelve la escena.
Gracias a la presencia de las
líneas onduladas y el tamaño de
las figuras, se tiene una fuerte
sensación de espacio que nos
lleva desde el primer plano hasta
el fondo sin puntos intermedios,
comunicando así figura con
fondo y creando un cierto
desasosiego a la hora de
contemplar la escena,
llevándonos con movimientos
rápidos de un lugar a otro. 
4. Cuadro: La Danza – Henri Maatisse
Forma-Línea
Presenta figuras que giran
alrededor de la curva y el
circulo, la línea recta no
existe dentro de la pintura,
lo que genera que el cuadro
la impresión de movimiento
y de fluidez.
Composición (Uso del
espacio)
Muestra figuras que se
siguen en secuencia
dentro de un circulo de
movimiento que da la
sensación de equilibrio y
fluidez, lo que le da un aire
de infinito, ya que en su
fondo encontramos un
contraste de dos colores
guiado por una curva que
permite dar relevancia al
movimiento de curva no
solo hacia los lados, sino
también de arriba abajo.
Color Textura
En lo que respecta a los colores A pesar de la fluidez visual
es preciso mirar la calidez del rojo del cuadro podemos afirmar
anaranjado que llevan en si los que su textura por
cuerpos que se cogen de las momentos es rugosa y por
manos, este color se presenta en otros es más suave por los
los cuerpos dentro de un contraste degrades lentos que se
de luz y oscuridad , es decir que evidencian en partes de la
en momentos de línea prevalece pieza.
más un tono opaco y en espacios
de relleno el tono es más lúcido
,por otra parte esta calidez del rojo
es contrapuesta por un tonos más
fríos, representados por un azul
profundo que se desvanece a uno
agua marina de derecha a
izquierda, lo que realza el
movimiento de toda la obra y no
solo de los personajes en tonos
cálidos, aunque esta muestra del
color puede ser agresiva
visualmente, el autor lo equilibra
magistral mente con un verde
azulado el cual es un color
secundario que se encuentra entre

5. Hortensia Azul – Claudio
Bravo
Se evidencia un manejo
con gran calidad de los
puntos de fuga uno de ellos
está fuera de la misma
obra, el cual le da un sitio
especifico al bodegón de la
mesa el plato y el florero, y
por lo tanto este es el que
le da fortaleza a la
composición, por otra parte,
se observa la ilusión de
profundidad circular que
vemos dentro del florero, la
cual es dada por un uso de
cinco puntos de fuga, lo que
genera en la óptica, la
ilusión de 3D, no solo al
florero sino también a las
frutas y a las flores.
El punto de fuga es quien
le da la secuencia a la
composición, por medio de
la línea de horizonte, de
esta manera se muestra
un orden casi rígido de las
putas de la realidad, por
otra parte, vemos que el
tono va de abajo hacia
arriba con un
desvanecimiento de tonos
lucidos a otros más
oscuros, lo que genera
que el centro de la obra
este resaltado por flores
azules ya que se
encuentran en un sitio
estratégico, justo en el
medio de este cambio.
un frio (azul) y un cálido (amarillo).
Podemos afirmar que los colores
comparten una característica A pesar de sus grandes
especial, y es que son tonos tierra contrastes que en su
que se presentan con mayor o mayoría son bruscos, el liso
menor luz, además de esto hay un de la textura se hace
uso de colores compuestos entre palpable en el florero, las
el amarillo y el violeta que son los cortinas, y la mesa, y
que generan los puntos álgidos de aunque es muy mínimo se
la luz y la oscuridad, y por ser ven partes de rugosidad
complementarios dan el equilibrio sobre todo en las flores y en
a la obra, pero no solo eso sino los frutos.
también que son el telón de fondo
perfecto para realzar las
características de colores como el
azul y el verde de las frutas,
vegetales y flores, y como para
darle el toque d la cereza al pastel
el autor pone el naranja en el plato
para darle un poco de movimiento
a un cuadro con poca agresividad.
 Sol Naciente – Claude Monet
Muestra figuras ambiguas
creadas por líneas
verticales y líneas que
salen de distintos puntos de
fuga, pero que respetan la
ida y vuelta del cuadro de
derecha inferior a izquierda
superior, igualmente el
círculo hace su aparición.
Descripción (colores, tonos, formas, texturas, focalización, encuadre)
Interpretación:
La capacidad de En segmentos de claroscuro la luz Su fluidez esta contrapuesta
engrandecer la del azul toma fuerza de por la rugosidad misma del
importancia de la luz y de movimiento como si pudiera tener lienzo y por las formas
las veladuras que esta da, el carácter de calidez, y en otras ásperas de las
son las herramientas se estaciona en su estado más construcciones creadas por
principales de esta obra, pasivo, además el rojo anaranjado líneas verticales, por otro
es decir la veladura toma del sol le da estabilidad a la gran lado hay momentos de color
el papel protagónico de la cantidad de azul que plano, lo que genera menos
pieza, por los tonos como encontramos, su punto de acuerdo rigidez y rugosidad pero que
lo son el rojo anaranjado y está en el café que como color igualmente se percibe.
ese azul-violeta que con terciario tiene aspectos de los dos
un estilo de esfumado colores.
retoma una gran cantidad
de espacio lo que en
teoría debería saturar al
ojo, pero que en realidad
lo deleita con la
combinación, de su
aspecto más suavizado en
la parte baja y de su lugar
más neutro con un marrón
obscurecido.