CARACTERÍSTICAS DEL PERÍODO BARROCO 1.1.

CARACTERÍSTICAS GENERALES: Entendemos por Período Barroco aquella época de la historia comprendida entre aproximadamente 1600 y 1750, delimitación hecha por dos hechos importantes concernientes a la música: la primera ópera publicada (1600) y la muerte de Johann Sebastian Bach (1750). 1.2. CARACTERÍSTICAS ARTÍSTICAS: El aspecto artístico reflejó fielmente las características sociales de la época. Algunos aspectos detallados de las características en el arte, fueron:
   

Abundancia (en cierto término exagerada) de elementos decorativos. Explotación y agudización de los contrastes. Imitación de la naturaleza. Propensión a lo trascendental, a lo solemne y a lo magnífico.

Estas características fueron comunes a casi todas las naciones, pero a pesar de ello, cada una de ellas desarrolló su aspecto artístico dependiendo de su estructura social y su organización política y religiosa, instituciones que ejercieron gran influencia en el desarrollo del arte. 1.3. CARACTERÍSTICAS MUSICALES: Una característica importante fue que los detalles del arte en el barroco no se aplicaron a la música. Se buscó en un principio desechar las complicadas líneas melódicas de la polifonía renacentista para dar lugar a la homofonía (la polifonía recuperará más tarde con Bach todo el esplendor que la ha caracterizado), dando de ésta manera más fortaleza y protagonismo al texto, pues la música giraba en torno a una sola melodía bien formada y acompañada por acordes, para que fuera "entendible" el texto. Esto debido en gran parte a la corriente humanista. Y a propósito del acompañamiento, se ideó un sistema de anotación conocido como el bajo continuo. Era una parte para bajo, usualmente escrita para teclado (dado que casi todo acompañamiento en la música barroca era con órgano o clavecín), con unas cifras que señalaban las armonías exigidas. Otros hechos importantes del barroco musical fue el nacimiento del género operístico, la improvisación y las primeras formas instrumentales. 2. FORMAS VOCALES 2.1. Recitativo: Parte de la ópera donde el texto se "canta" como si fuera recitado. En realidad no es una forma vocal bien definida, pero cabe dentro de este análisis. 2.2. Aria: Es una composición musical, o una forma, para una sola voz y con un acompañamiento de uno o varios instrumentos. 2.3. Cantata: Parte de la ópera donde se alternan el narrador y los diferentes personajes en una escena lírica sin acción teatral.

2.4. Oratorio: En realidad no es una forma vocal, sino una composición de carácter religioso, también denominado ópera religiosa, en la cual no hay parte escénica, ni de actuación, vestuario decorados, etc. 2.5. Bel Canto: Forma vocal caracterizada por libertades interpretativas, donde el uso del rubato (elasticidad rítmica) y la libre ornamentación la fue llevando a absurdos excesos. Fue el origen más tarde de la cadenza en el concierto para instrumento solista. 3. FORMAS INSTRUMENTALES 3.1. El Concerto Grosso: Se derivó de la escritura para grupos. En esta forma musical, uno o varios instrumentos se destacan (concertino) en determinados pasajes, en contraste con la generalmente reducida orquesta (tutti o ripieno). Sus primeros representantes fueron los italianos Corelli y Geminiani. Más tarde sería el maestro Vivaldi quien llevaría el concerto grosso a su máxima esplendor. A partir de él, esta forma tuvo por lo general 3 movimientos (allegro-adagio-allegro), y se sentaron las bases del virtuosismo de los solistas en el futuro. 3.2. La Suite: Es un conjunto de danzas contrastantes y en la misma tonalidad (generalmente), pero con diferente medida y tiempo. Con Bach y Haendel adquirió una estandarización con cuatro danzas principales: allemande, courante, sarabande, gigue, precedida por una introducción denominada preludio u obertura. 1. Preludio: Introducción. A veces formado mediante la improvisación sobre un tema rítmico o melódico. 2. Allemande: Danza lenta de ritmo binario, de carácter expresivo y melódico. 3. Courante: De ritmo ternario, y carácter animado, suele contrastar notablemente con la anterior. 4. Sarabande: Danza lenta, majestuosa e imponente. Un componente infaltable de la suite barroca, con ritmo ternario, con stress o prolongación del segundo beat de cada compás. Curiosamente, no tiene relación alguna con la rápida danza con el mismo nombre, que las postrimerías del siglo XVI fuera prohibida por Felipe II de España por su carácter lascivo. Si bien estas cuatro danzas fueron las más importantes, con frecuencia se incluían algunas adicionales como Bourré, Gavotte, Minuet, y otras. 3.3. La Sonata: Es una composición de estructura binaria o ternaria, ejecutada por uno o dos instrumentos, en tres o cuatro movimientos. Existían dos tipos de sonata: La Sonata de Camera (sonata de cámara, basada en movimientos de danzas) y La Sonata de Chiesa (sonata sacra, de carácter más serio). 3.4. La Toccata:

3. pero se advierte la proximidad del fin. Consiste en su forma más simple. 1731).1. Compuso cinco colecciones de sonatas para iglesia y cámara (1681 – 1700) y una de concerti grossi (1714). ITALIA Una de las naciones más importantes en el barroco. Desarrollo: Se "juega" con los aspectos rítmicos y melódicos del tema central. Vivió y enseñó muchos años en Dublín y Londres. Tomaso Albinoni (1671 – 1750): Violinista y compositor veneciano. Su obra L’Orfeo (1607) marcó un hito en la historia operística. 3. 3. COMPOSITORES Para una descripción más clara.4. Compuso obras instrumentales y numerosas óperas que se conservan incompletas. francesa. Exposición: Aparece el tema en cada una de las voces en forma sucesiva. Sección Conclusiva: Regresa el tema central en su versión original. 1641. Francesco Geminiani (1687 – 1762): Violinista y compositor italiano.1. Es como si la melodía se fugara de una voz a otra en imitaciones interminables.). inglesa o alemana.5. Luego perdería importancia. Principal representante del Concerto Grosso. Autor de sonatas para violín y clavecín de concerti grossi y de un método sobre técnica violinística (El Arte de Tocar el Violín. 3. A veces hay un tema secundario llamado contrasujeto. tanto en el arte como en la música.5. La fuga obtiene con Bach su estructura perfecta. . de una composición que gira sobre un tema y su contrapunto.5. Arcangelo Corelli (1653 – 1713): Compositor y violinista. Coda: Es una pequeña sección que afirma el tono central de la obra para darle su sentido conclusivo.5. 1608. 4. También compuso otras óperas (Arianna. Los compositores más importantes de la época fueron: Claudio Monteverdi (1567 – 1643): Fue el gran maestro de la ópera florentina. salmos. 4. Tiene como características sus pasajes virtuosísticos de lucimiento. La Fuga: Composición musical que tuvo su origen en el renacimiento. 3.5. De esta forma se contemplan cuatro secciones: 3.Básicamente es una pieza musical destinada generalmente para instrumentos de teclado.2. El tema melódico que está en la tónica se le denomina sujeto y al que va en la dominante se le denomina respuesta. etc. se clasificarán los más grandes compositores de acuerdo a su nacionalidad: italiana. Bach utilizó algunos de sus temas. Se le asocia estrechamente con la fuga en el Barroco Tardío. repetidos en diferentes tonos. motetes y madrigales. La Coronación de Popea.

y dejó escrita una importante obra teórica (Tratado de la Armonía Reducida a sus Principios Naturales. clavecinista y compositor.3. uno de los máximos exponentes de la escuela napolitana. Cadmo y Hermione (1673). Sobresalió por su virtuosismo en el teclado. los . 1716) y de numerosas composiciones (obras para clavecín. el oratorio y la cantata. San Juan Bautista (1675. Johann Sebastian Bach (1685 – 1750): Organista y compositor. toccatas. etc. caracterizada por la riqueza orquestal y la intensidad expresiva. Considerado como el iniciador de la ópera inglesa con su Didos y Eneas (1690). corales: El Clave bien Temperado.Domenico Scarlatti (1685 – 1757): Organista. del resto de su producción. etc. odas. Sobresalen sus Concerti Grossi. Autor de un método didáctico (El Arte de Tocar el Clavecín. Compuso más de quinientas sonatas para clave.2. realmente un personaje anticipado del Romanticismo. fuel el más importante representante del concerto grosso. Doriclea (1677. El más célebre de la familia (y de toda la historia de la música :). organista en Weimar y maestro de capilla en Leipzig. Intérprete virtuoso (considerado el precursor de Paganini!) autor brillante y colorista (dominio del contrapunto. Intervino en la "querella de los bufones". y fue profesor de violín en el Hospital de la Piedad. en especial Las Cuatro Estaciones. Jean-Philipp Rameau (1683 – 1764): Compositor renovador de la ópera francesa clásica. Jean-Baptiste Lully (1632 –1687): Compositor francés de origen italiano. con Hipóclito y Aricia (1733). suites. INGLATERRA Henry Purcell (1659 – 1695): Fue miembro de una familia de músicos de la corte. se destacan Las Indias Galantes (1735) y Cástor y Pólux (1737). ALEMANIA Alemania fue la cuna de los más grandes compositores barrocos: JS Bach. unas 75 sonatas. Antonio Vivaldi (1678 – 1741): Compositor y violinista. Gran renovador. Se ordenó sacerdote (1703). Compuso más de 470 conciertos. 1722) 4. Junto con Corelli. sonatas. Alessandro Stradella (1642 – 1682): Compositor y cantante. elevó la fuga a su máxima expresión. Fue el creador de la ópera francesa. Armida (1686) fueron algunos de sus trabajos operísticos. GF Haendel y GP Telemann. Verdadero creador del concierto para solista. ella todas las posibilidades contrapuntísticas. de la escuela barroca veneciana.). unas 45 óperas. aunque dando más realce en sus obras a la melodía. sonatas. uno de los más grandes clavecinistas de la historia. Se mantuvo dentro de la tradición contrapuntística. también escribió cantatas. si bien tuvo que renunciar al ejercicio de su ministerio. debutó en el género operístico en plena madurez.4. partitas. óperas y cantatas. 4. danzas. Fue músico de la corte. corales. Conocido organista y autor de piezas para clave. ópera). a favor de la tradición. Definitivamente es mi compositor favorito. extrayendo de. FRANCIA François Couperin (1668 – 1733): Fue junto con el Italiano Scarlatti. oratorio). y suites instrumentales. incluidos en El Fundamento de la Armonía y la Invención (1725). Rolando (1685). De su vasta obra cabe destacar numerosos preludios. exhuberancia armónica). 4. Contribuyó a la evolución del aria. Fue llamado Couperin el Grande. sonatas.

En su vasta producción sobresalen óperas (Agripina.Conciertos de Brandemburgo. En el siglo XVIII se lo usó en sentido peyorativo para describir las características del género musical del siglo anterior. Su obra. envuelta». el Magnificat. comprende cantatas. sobre todo. una construcción «pesada. es uno de mis compositores favoritos. Origen del término El término barroco se tomó de la arquitectura (donde designaba algo «retorcido». la Pasión según san Mateo. El Pastor Fiel. el concerto grosso y el ballet francés. italianos y franceses. suites. combinó elementos alemanes. pero por su obra. Johann Pachelbel (1653 – 1706): Compositor y organista alemán. formando parte de la profesión musical. tanto de música religiosa como profana. áspero y anticuado». A diferencia de épocas anteriores. Al igual que Bach. elaborada. Se buscó en un principio desechar las complicadas líneas melódicas de la polifonía renacentista para dar lugar a la homofonía (más tarde la polifonía recuperará con Bach todo el esplendor que la había caracterizado). representando la síntesis entre la escuela contrapuntística y el estilo armónico. siendo el significado original del término un lusismo que describía una perla deformada o joya falsa). Judas Macabeo.. por el género vocal recitativo. En esta época se desarrollan la sonata. Su extenso número de trabajos que hoy día se conserva es una fértil fuente para guitarristas. más dramáticos que religiosos (El Mesías. Personalmente. lo deberíamos incluir entre los italianos o los ingleses. Una característica importante fue que los detalles del arte en el Barroco no se aplicaron a la música. extraño. pues la música giraba en torno a una sola melodía bien formada y acompañada por . 1709. el Arte de la Fuga. Georg Philipp Telemann (1681 – 1767): Fue maestro de capilla en Hamburgo. que se consideraba «tosco. la música sacra y la música profana conviven armoniosamente. los oratorios. fugas. 1742. Fue considerado el precursor de Bach. Dejó una extensa producción. La mayor permisividad estética lleva a que la interpretación musical tienda a enriquecer las partes mediante una profusión de ornamentos y recursos expresivos. 1745). Una obra importante fue Divertimento Musical (1691). es decir. ecléctica y exenta de artificios. Características El género hoy llamado "barroco" se caracteriza estéticamente por la preeminencia de lo emocional sobre lo racional. motetes. 1714) y. Georg Friederich Haendel (1685 – 1759): Clasificamos a Haendel entre los compositores alemanes por su nacimiento. en el cual el ritmo de la palabra determina el discurso melódico -donde "la música ha de ser sirviente de la poesía". corales.y por un auge de la música instrumental pura. Sylvius Leopold Weiss (1686 – 1750): Fue el principal compositor para laúd de la escuela del Barroco Tardío. dando de esta manera más fortaleza y protagonismo al texto. o funcionales como en el caso de la música de danza. sin relación con consideraciones ideológicas que se deriven de un texto.

un subgénero de monodia acompañada. Esto fue debido en gran parte a la corriente humanista. El auge de la música instrumental La música instrumental. al servicio de una fuerte expresión emocional. esto es.acordes. Tienen gran importancia la teoría de los afectos. que transfiere conceptos de la oratoria tradicional a la composición del discurso musical del Barroco. hay un gran florecimiento en géneros. El Barroco temprano (1600-1650) Este período es conocido como el seicento: alrededor del año 1600 se destaca en la historia de la música un compositor de inusual talento. La transición al Clasicismo (1740-1770) A finales del Barroco hay varias tendencias estéticas: el galante francés desde 1730. técnicas. para que fuera "entendible" el texto. tanto en versión polifónica como en versión para solista y bajo continuo. tiene un auge sin precedentes en los siglos XVII-XVIII. Se destacó el caso del violinista Arcangelo Corelli . el "Lamento d'Arianna". Carl Philipp Emanuel Bach (1714-88). en Inglaterra Georg Friedrich Händel.1695) y su contemporáneo alemán Johann Pachelbel (1653 . El cultivo de la música puramente instrumental llevó a un importante desarrollo de la técnica. El Barroco medio (1650-1700) El Barroco medio es el lapso comprendido entre 1650 y 1700. caracteriza la música de este período. Claudio Monteverdi. La seconda prattica. en Alemania Johann Sebastian Bach y en Francia Jean Philippe Rameau. El Barroco tardío (1700-1750) El Barroco tardío va entre 1700 y 1750 (aproximadamente) y sus compositores característicos son: en España Domenico Scarlatti. en Italia Antonio Vivaldi. es considerado el padre de la sonata clásica. intérpretes y compositores que se acercaban a un profundo conocimiento de los instrumentos. uno de los hijos de Johann Sebastian. y la retórica. una o varias voces solistas y bajo continuo. Monteverdi y Antonio Vivaldi fueron los dos compositores estudiados más asiduamente por Johann Sebastian Bach. por primera vez en la historia. que en la época anterior dio el primer asomo en la música académica. en él sobresalían el compositor inglés Henry Purcell (1659 .1706). la sonata y la sinfonía y el Rococó. la música vocal e instrumental están en plena igualdad. Compuso una de sus obras de Calahorra más famosas. que considera a la música como creadora de emociones. Fue un maestro de los dos géneros entonces preponderantes: la prima prattica o el polifónico género madrigal y la seconda prattica o recitativo de la música vocal solista. La música instrumental alcanzó su primera madurez. ello conforman una suerte de preclasicismo. el desarrollo en Italia de la ópera buffa.

el bajón o un instrumento similar y el continuo doblaba esta línea y realizaba el "relleno armónico".quien. como Johann Sebastian Bach y Dietrich Buxtehude en el caso del órgano. por sus descendientes. Importantes centros del género instrumental concertante son Módena. según el testimonio de François Raguenet. Pergolesi. cada parte es ejecutada por más de un instrumento. Cantata. Buxtehude y Bach. La ejecución a tutti alterna con pasajes a soli a la manera de la triosonata. El Barroco fue una época de esplendor para muchos instrumentos. la viola da gamba y el laúd vivieron su gran época dorada a nivel técnico. También aparecen intérpretes virtuosos que por su gran destreza técnica explotan al máximo el instrumento. . se cultivó intensamente la música de cámara para grupos instrumentales con acompañamiento de bajo continuo. La etapa final del Barroco (1700-1750) será el cenit y el ocaso del clavecín y la viola da gamba que en la segunda mitad del siglo XVIII caerán en el olvido y quedarán totalmente relegados. El equivalente en la música para instrumentos de teclado es la toccata. tenía los ojos enrojecidos y. De un modo equivalente a la sonata. más rápida —como la gallarda. la viola da gamba y el órgano En esta época. lograba expresarse a la perfección. Arcangelo Corelli y Giuseppe Torelli en el violín. más lenta —como la pavana— con otra alta o de salto. que habitualmente alternaban una danza baja o de paso. como por ejemplo el violín. y Antonio Vivaldi. cuya estructura habitual es recitativo-aria da capo. interpretativo y compositivo. ya en la época clásica. la cantata es una composición para canto solista y bajo continuo. dividida en tres o cuatro movimientos de carácter contrastante. El concerto grosso A mediados del seicento. Sonata. Se destacan las obras de Corelli. se convierte en el género instrumental más típico de la época. Toccata La sonata barroca —que no debe ser confundida con la sonata clásica de forma sonata— denota una composición para uno o dos instrumentos de cuerda o viento y bajo continuo. el clavecín y el órgano. (el clavecín en la sonata da camera y el órgano en la sonata da chiesa) que era el encargado de completar las armonías. pese a todo esto. y el continuo. La alternativa contrastante de movimientos sucesivos es herencia de la suite o serie de movimientos de danza. A diferencia de la música de cámara. Gottfried Reiche (1660-1734) a la trompeta. Domenico Scarlatti. pues la línea del bajo era interpretada por la viola de gamba. el órgano. Händel. La Triosonata o sonata en trío La heredera del género polifónico renacentista y la principal forma de cámara del Barroco es una sonata para dos instrumentos agudos (frecuentemente violines). el clavecín. el violín. cuando tocaba en público "perdía el dominio de sí mismo". Jean Philipe Rameau y François Couperin al clavecín. uno bajo. de modo que la triosonata requiere cuatro ejecutantes. habitualmente allegro-adagio-allegro (sonata da camera) o adagio-allegro-adagio-allegro (sonata da chiesa). como ocurre típicamente en la orquesta. Sammartini. Bolonia y Venecia. La época dorada del clavecín. el violonchelo y el forte-piano.

A. el instrumento renacentista por excelencia. y Juan Cabanilles (1640-1712) en España. En Alemania J. Reincken (1623-1722) en Alemania François Couperin (1668-1733) en Francia Henry Purcell (1659-95) en Inglaterra. William Boyce y Cristan Arne. donde su música empieza a conocer su edad dorada por su destacable calidad. 1722 y 1730) de Couperin y los libros de suites (1706. el órgano también entra en decadencia en Francia. En la segunda mitad del siglo XVII. en especial por sus 555 sonatas. Schiedermann en Alemania Correa de Arauxo en España y Jean Titelouze (1563-1633) en Francia.El laúd. cayó en el olvido ya por 1690-1700. François Couperin. Cabe mencionar los 4 libros de órdenes (1713. Bach (1685-1750) representa el máximo apogeo del órgano barroco. el órgano vivirá su máximo esplendor en Alemania para después iniciar su decadencia a partir de 1750 a nivel general. desde 1712 G. los compositores más destacados son: Dietrich Buxtehude (1632-1707). compuestas en la Península Ibérica. Son notables Antonio Soler (1728-83) en España y en Inglaterra. que es el más notable en esta generación. Domenico Scarlatti es el más destacado representante de la música italo-española para teclado. rica y compleja que destaca por el alcance de la . Rameau y Couperin son los más altos exponentes de la escuela francesa. que es la cumbre de la música barroca francesa para teclado. El órgano El órgano tuvo ilustres exponentes en toda Europa en el principio del período. 1665-1746) y J.F. que exprimen las posibilidades del instrumento creando una obra variada. Johann Pachelbel (1653-1705) Georg Böhm (1661-1733) Johann Caspar Ferdinand Fischer (c. A partir de 1710-20. Johann Sebastian Bach. Händel (16851759). 1717. Georg Friedrich Händel y Domenico Scarlatti son los más destacables en el ámbito del clavecín de la primera mitad del siglo XVIII. por lo que en la última etapa del Barroco no habrá en ese país ningún compositor notable. En la primera mitad del siglo XVIII. la última etapa del Barroco. los compositores más destacados son:      Jan Pieterszoon Sweelinck en Holanda Girolamo Frescobaldi en Italia Samuel Schein H. donde el instrumento no conocerá más compositores de talla internacional. El órgano subsistirá pero ya no con el auge anterior. En la primera mitad del siglo XVII. el órgano entra en decadencia en Italia y en los Países Bajos. los tres por el concierto para órgano solista y cuerda. Hacia 1650. El clavecín Artículo principal: clave Jean Philippe Rameau. desplazado por la guitarra y el clavecín. donde la Toccata y fuga en re menor BWV 565 (1708) es la más famosa y conocida obra para este instrumento. 1724 y 1728) de Rameau. donde representan el máximo apogeo de la música clavecinística barroca. S.

dejó tras de sí un gran repertorio de preludios con fugas de suma importancia. Los compositores Italia Giovanni Gabrieli (1555-1612) es el principal exponente del Barroco temprano. en particular por sus Toccatas para clavecín. representando la cumbre y ocaso barroca de su país. El alemán Händel es el máximo exponente del Barroco inglés para teclado. Alemania . Bach es quizá el compositor más destacable de todo el período. Antonio Vivaldi (1675-1741). Giuseppe Torelli y Alessandro Scarlatti (1660-1725) son los que dominan la escena nacional de la segunda mitad del siglo XVII hasta principios del siglo XVIII. influidos por la música popular española. Domenico Scarlatti (1685-1757) y Giuseppe Tartini (1692-1770) son los que más sobresalen. aunque en su época no fue muy reconocido. Ya en la primera mitad del siglo XVIII. donde sus obras El clave bien temperado (BWV 846-893). J. A mediados de siglo. Girolamo Frescobaldi (1578-1643) tuvo gran importancia en el desarrollo de la música para teclado. una de las cumbres de la suite para teclado. Destacan entre su obra las 8 grandes Suites (1720). sobresale Giovanni Legrenzi(1626-1690). Claudio Monteverdi (1567-1641) es el primer gran compositor del Barroco que inauguró este nuevo género en Italia y Europa. las Variaciones Goldberg BWV 988 y El arte de la fuga son un antes y un después de la música de teclado en general y la cima de la literatura clavecinística barroca.modulación y un cromatismo que se percibe en las tonalidades y ritmos. S. Arcangelo Corelli (1658-1711). Su música contiene ya los elementos estilísticos esenciales de la nueva época estética. Bach.

contemporáneos de Heinrich Schütz. El Barroco alemán. llamado el padre de la música alemana. Johann Joseph Fux (16601741). que introduce la ópera en Francia. El Barroco alemán empezó con la figura de Heinrich Schütz (1585-1672). es el músico más importante del Barroco tardío alemán. siendo John Blow (1649-1708) y su alumno Henry Purcell (1659-95) los más destacados e influyentes en la segunda mitad del siglo XVII. Georg Friedrich Händel (1685-1759). Inglaterra En Inglaterra el Barroco tarda en desarrollarse hasta la restauración de 1660. Johann Kuhnau (1660-1722). junto con Bach. y ya siendo el ocaso nacional. es el más importante. un italiano de nacimiento. Johann Hermann Schein (1586-1630). Francia El género se consolida con Jean-Baptiste Lully (1632-87). En la segunda mitad del siglo XVII. y marca igualmente el inicio de la transición de la música barroca hacia la música clásica de la segunda mitad del siglo XVIII en su país. desde su llegada en 1712 al país. siendo la cumbre del Barroco inglés y. 1665-1746) y Georg Böhm (1661-1733) son los más prominentes. a mediados del siglo XVIII destacan Thomas Augustine Arne (1710-78) y William Boyce (1711-79) poniendo el punto final al Barroco inglés. Dietrich Buxtehude (1637-1707) es el más sobresaliente. junto con Bach.La obra de Bach está considerada la cumbre de la música barroca. Johann Sebastian Bach (1685-1750). Reinhard Keiser (1674-1739). Después de Händel. Al cabo entre los siglos XVII y XVIII. Johann Jakob Froberger (1616-67) y Georg Muffat (1653-1704) destacan asimismo. Georg Philipp Telemann (1681-1767). cuyas "Pasión según San Mateo" y el "Clave bien temperado" son cimas de la música occidental. el más notable en la primera mitad del siglo XVII alemán. También sobresale en el mismo siglo Marc Antoine Charpentier (1640-1703). . Johann Pachelbel (1653-1706). destacable e influyente. Johann Mattheson (1681-1764). Su obra es la cumbre y ocaso de la música barroca. y en general. Johann Caspar Ferdinand Fischer (c. siendo en 1705 visitado por un joven Bach. culminó y dio su máxima madurez. esplendor y cenit en la primera mitad del siglo XVIII con uno de los compositores más importantes de la música universal. también son bastante notables en esta época. Samuel Scheidt (1587-1654) y Michael Praetorius (1571-1621). que agotó todas las posibilidades de la música barroca. siendo el más importante compositor nacional del siglo XVII en ese país. En la primera mitad del siglo XVIII. Johann Adolph Hasse (1699-1783) y Carl Heinrich Graun (1703-59) junto con un joven Händel (1685-1759) -hasta que en 1712 se fue a Inglaterra. siendo el máximo rival de Lully. y marca el fin del periodo en Alemania y en Europa. el más importante del Barroco tardío.son los más destacables junto con Bach.

espressivo y representativo llevan a nuevas libertades en los medios sonoros empleados en las composiciones . En el ámbito de los géneros vocales. junto con Couperin. como el drama litúrgico. en particular el grupo conocido como camerata florentina. José de Torres. España En España sobresalieron Gaspar Sanz. escribió en 1581 un tratado contra el género musical polifónico neerlandés bajo el título Dialogo della Musica Antica e della Moderna. Juan Cabanilles. teniendo en 1717 un duelo musical con Bach. Sebastián Durón. Los géneros musicales recitativo. siendo una de las cumbres del Barroco francés. En las colonias españolas en América también hubo actividad musical. . Los géneros vocales La ópera Artículo principal: Ópera Las corrientes humanistas buscaban una renovación del antiguo teatro griego. En el Barroco. los géneros instrumentales alcanzan su madurez y se crean los primeros grandes géneros instrumentales: la sonata. los italianos Domenico Scarlatti y Luigi Boccherini. siendo en los últimos años testigo del cambio del Barroco al Clasicismo en su país. Los géneros y las formas En los géneros del Barroco ya se percata una clara división en géneros instrumentales y géneros vocales. la cumbre barroca nacional y el cenit del género francés barroco en la primera mitad del siglo XVIII. basándose al mismo tiempo en formas musicales recientes.Al cabo de los siglos XVII y XVIII. Mucha de esta música aún se conserva y ejecuta. el Padre Soler. cantantes. el drama pastoral. donde compusieron la mayor parte de sus obras. François Couperin (1668-1733) es el más importante. instrumentistas. Antonio de Literes. junto con los géneros antiguos del motete y la misa. Jaime Facco. Jean-Philippe Rameau (1683-1764) es. padre de Galileo el astrónomo.disonancias y modulaciones. la ópera y el oratorio. siendo la ópera el género vocal nuevo más importante del Barroco y uno de los de la música académica. Louis Marchand (1669-1732) también destaca. Vincenzo Galilei. con compositores -como el milanés Roque Ceruti-. José de Nebra. Joaquín García y Tomás de Torrejón y Velasco Por entonces vivieron en España. las comedias madrigalescas con figuras de la commedia dell'arte y los intermezzi teatrales. José Marín. Juan Hidalgo. se crean tres importantes géneros que darán una época dorada a los géneros vocales: La cantata. Francisco Corselli. gracias al auge de la música instrumental. el concierto y la suite. Les interesaba sobre todo la antigua monodia helénica con acompañamiento de kithara.

Una vez imitado. Si bien el primer motete fue de carácter puramente religioso. detrás va una fuga.Entre las primeras óperas conservadas se cuentan Dafne de Jacopo Peri..en donde sobresalieron compositores como Leonin y Perotin. Si una fuga es a tres voces. Las fugas suelen ser a 2. Los preludios son piezas de dos o tres páginas con una dosis de técnica. hace alguna variación o crea unas falsas repeticiones conocidas como puentes o colas (repetición de la célula sin hacer el motivo completo. Eurídice de Giulio Caccini y Orfeo de Claudio Monteverdi. sin que estén escritos). cuatro veces se verá el motivo. . Preludios. transpone (cambia de tonalidad). sino que simplemente se repite la célula para cambiar. En esta actúan de 6 a 8 ejecutantes que se destacan por tocar música preludiana. pasa lo mismo. 4 ó 6.). si hay preludio. 3. este género tuvo un curioso devenir histórico llegando a escribirse motetes profanos durante el "ars nova" y el Renacimiento. Este primer motete aún primitivo partía de contraponer secciones con polifonía (aún en desarrollo) y secciones puramente monódicas. Los géneros instrumentales La sonata Artículo principal: Sonata La sonata es parte de la música barroca en el período medio. cuyo tema fue tomado de las Metamorfosis de Ovidio. Una fuga a dos voces significa que hay una voz con una célula (uno o dos compases) que crea un motivo (una melodía) y al cabo de un tiempo la otra voz lo imita. La suite Artículo principal: suite Una suite es un conjunto de movimientos o piezas agrupados. tocatas. en la mayoría de los casos. de tonalidad). El motete El motete se desarrolla en Europa desde épocas medievales relacionadas a la antigua escuela francesa conocida como Ars antigua . yendo así del motete medieval no funcional y puramente polifónico interválico al motete tonal desarrollado en el Barroco. Son piezas expresivas. Como es lógico. este género se fue adaptando a las características técnico-musicales de los diversos períodos de la historia de la música. cargadas y con libre interpretación. ya que los trinos y los ornamentos son libres (los crea el propio ejecutante. fantasías y fugas Artículo principal: Toccata Artículo principal: Preludio Artículo principal: Fantasía (música) Artículo principal: Fuga Por regla general. pero el motivo debe de repetirse tres veces (en voces distintas) y así sucesivamente (si es a cuatro voces. para luego volver a su carácter eminentemente religioso en el Barroco..

Dentro de la suite. Minué: obra parecida a un vals. Zarabanda: movimiento lleno de energía pero pausado. 5 Arcangelo Corelli Canón Música acuática 8 grandes suites Conciertos de Brandenburgo Johann Pachelbel Georg Friedrich Händel Georg Friedrich Händel Johann Sebastian Bach . aristocrática. tan característica de esta época en Alemania. la música es digna. C.). con intrusiones de (B. 1717 1720 1722 Orfeo (ópera) Fiori musicali Daniele Selva morale e spirituale Symphoniae Sacrae Pasión según san Mateo Roland Dido y Eneas Hexacordum apollinis Obra Compositor Claudio Monteverdi Girolamo Frescobaldi Giacomo Carissimi Claudio Monteverdi Heinrich Schütz Heinrich Schütz Jean-Baptiste Lully Henry Purcell Johann Pachelbel Sonatas para violín y bajo continuo op. Giga: movimiento mucho más rápido y enérgico. etc. con esa reunión de variedad y decoro de encanto italiano y gravedad teutónica. Obras destacadas del Barroco Obras destacadas del Barroco Año 1607 1635 16-1640 1629-44 1666 1685 1689 1699 1700 1680 c. vigorosamente rítmica y melódicamente rica.La suite habitualmente tenía seis partes:       Allemande: pieza cortesana. Courante: movimiento que generalmente es un poco más rápido que el anterior. La suite puede contener un par de minués. Rondó: pequeña obra basada en la repetición de un tema (A). D.

Utilizan afinaciones distintas a las empleadas por las orquestas sinfónicas actuales. entre otros. Les Cyclopes (Francia). Rose Consort of Viols (Inglaterra). Hilliard Ensemble (Inglaterra). existen. Il Giardino Armonico (Italia). L'Arpeggiata (Europa). Florilegium early music ensemble (Inglaterra). XIX en Occidente). Les Muffatti (Bélgica). Salomon Quartet y Sarband (Alemania). así como tempos y ritmos poco ortodoxos (de acuerdo al cánon que ha imperado desde finales del S. Una de las principales características de estos grupos es que buscan rescatar estilos de interpretación e instrumentos propios de la época barroca. Ars Rediviva (República Checa). sin embargo. The Dufay Collective (Inglaterra). Oni Wytars (varios países). Fretwork (Inglaterra). Periodos de la música barroca .1722-44 1724 1725 1727 1706-28 1713-30 1733 1742 1749 1749-50 1762 El clave bien temperado Giulio Cesare Las cuatro estaciones Pasión según San Mateo 3 libros de suites 4 libros de órdenes Música para la mesa El Mesías Johann Sebastian Bach Georg Friedrich Händel Antonio Vivaldi Johann Sebastian Bach Jean-Philippe Rameau François Couperin Georg Philipp Telemann Georg Friedrich Händel Música para los reales fuegos de artificio Georg Friedrich Händel El arte de la fuga El juicio final Johann Sebastian Bach Georg Philipp Telemann Intérpretes contemporáneos de música barroca En la actualidad la música barroca es interpretada por un gran número de conjuntos musicales en todo el mundo. Musica Antiqua Köln (Alemania). Phantasm (Inglaterra). Collegium Musicum Den Haag (Holanda). entre los que destacan Ars Antiqua (Austria). The Harp Consort (varios países). conjuntos que se han especializado en música de este periodo. Respectable Groove (Inglaterra). incluyendo aquellas que ejecutan una amplia variedad de música clásica. Hannoversche Hofkapelle (Alemania). Red Priest (Inglaterra).

surge la ópera-ballet y la comedia-ballet. El término barroco para designar a la música de este estilo no se conoció sino hasta 1920. se propaga hacia Francia y Alemania. asimismo. Gabrieli y Di Lasso. cuando musicólogos alemanes así lo determinaron. que serviría de base al barroco. y de esta manera se crea el stille rappresentativo. En esta época la ópera adquiere nuevas características. representadas por Palestrina. y soltura en la digitación. famosos compositor. este último es una forma musical en donde dos grupos instrumentales distintos tocan como si se tratara de un coloquio entre ellos. sino de dobles y triples. barroco pleno y barroco tardío. También sufre una división en dos tendencias: la ópera bufa y la ópera seria. · El Barroco pleno: se extiende a casi todo el s XVII. Su estilo de tocar creó una escuela que su característica principal era la expresividad. quizás porque es el antecedente de la plenitud y de la época tardía de este estilo. especialmente con las plásticas. En España el renacimiento iniciado por Alfonso el Magnánimo generó en Nápoles un importante intercambio de músicos españoles e italianos. Esta época musical tiene lugar durante el renacimiento. · Durante el barroco tardío se desarrollan las formas instrumentales basadas en la suite y el concerto grosso. Tuvo gran influencia en la generación posterior. Sebastián Bach. mientras que los estilos medievales del auto sacramental evolucionaron hacia las églogas. persigue las interpretaciones no solamente de un solo coro. En este mismo terreno instrumental cabe citar a Frescobaldi. en la que introdujo mejoras. Las danzas antiguas se estilizan en suites instrumentales. El barroco pleno. inicialmente ligado a Italia. · Periodo primitivo (1575-1630): esta etapa coincide con el desarrollo de la polifonía neerlandesa.Marsella Cruz. Guerrero De Morales. Muchos otros cambios importantes existieron: la polifonía religiosa adquirió características más expresivas. Por su parte. Es importante aclarar que el periodo de la música barroca no coincide con los demás de las bellas artes. demanda. cierta libertad en ritmo. En este siglo se desarrollan los estilos concertantes y algunas formas instrumentales. el villancico escenificado. y se le ha llamado el periodo primitivo de la música barroca. la . de tal suerte que parecería una conversación musical. El barroco busca ser más sonoro y el contraste del individualismo con la masa sonora. y su participación en el canto se hizo imprescindible. aunque muchos estudiosos lo han considerado como el antecedente de la música barroca. Por su parte los instrumentos llegaban a donde las voces no lo hacían. Victoria. romana y española. Estudiosos de la música han coincidido en dividir la música barroca en tres periodos: barroco primitivo. en donde a su primer concierto asistieron 30 000 personas. de la cual uno de sus representantes es J. y se desarrolla el bel canto. las ensaladas y la tonadilla escénica. veneciana. la expresividad en las composiciones. del solo acompañado. en Roma. y con ello preparó el siglo de oro español en el que se dio gran auge a la música instrumental. todos ellos formas escénicas españolas que tuvieron gran influencia del barroco italiano. organista de la Basílica de San Pedro.

mientras que Bach no escribió óperas. Antonio Soler fueron otros compositores de la etapa final del barroco. . Bach. Características del Barroco musical Los tres músicos. pero llevó la herencia barroca en cuanto a expresión a las formas instrumentales (órgano. Museo Nacional de Berlín Las principales características que definen la música barroca son estas:   Predominio del estilo vertical u homofónico. Domenico Scarlatti. oratorios y misas. con quienes se inicia un nuevo periodo. Nacimiento del bajo cifrado o bajo continuo: el compositor da toda la importancia a las voces extremas. S. Haendel fue el principal representante de la ópera italiana. cuadro de Velázquez. pasiones. Haendel y J. clave) como a las corales-instrumentales: cantatas.cantata tiene en este periodo un puesto junto al oratorio. El barroco tardío llega a su clímax con G. F. La voz superior es la melodía. El acompañamiento se indica mediante una serie de cifras (bajo cifrado) que señalan al organista los acordes que puede ejecutar.

en este período se busca una codificación de todos los parámetros musicales (ritmo. y en Alemania M.F. Aparición de la orquesta y perfeccionamiento de los grupos de cámara. Rameau (considerado el fundador de la moderna armonía): “…la música es una ciencia que debe disponer de unas reglas bien establecidas. y con ello el énfasis en el ritmo mecánico. Uso de acordes disonantes con mayor frecuencia. Los compositores más relevantes de esta época son: H. G. todavía. Los compositores más destacados son: en Italia C. D. Incorporación de instrumentos. BARROCO TARDÍO (1680-1750). La tonalidad queda totalmente establecida. Supremacía de la música profana sobre la música religiosa. Si el arte Barroco representa al hombre de su época. y con ella. cantata.B. Mayores posibilidades tímbricas. Vivaldi. Nacimiento y esplendor de la música dramática: ópera. P. Las formas adquieren unas dimensiones más largas. etc. G. Así pues. aparece el estilo concertado. tonalidad. Se produce un rechazo al contrapunto renacentista. Peri. de poca extensión. Delimitación e independencia entre música vocal e instrumental. El hombre era concebido aún como miembro de un todo. Lully en Francia. Comienza la diferenciación entre música vocal e instrumental. La representación de los sentimientos humanos en la música barroca será pues estilizada y no personal. Frescobaldi. Se da un predominio de la música instrumental sobre la vocal. El compositor practica todos los géneros de su época.S. Etapas Podemos hablar de tres sub-periodos a la hora de estudiar la música barroca:    Características BARROCO TEMPRANO (1580-1630). Se produce una vuelta hacia el contrapunto. BARROCO MEDIO(1630-1680). contrastes tímbricos. principio que no puede revelarse sin ayuda de las matemáticas…. Las más destacados son : . Teleman. ya bien constituido. Se da un mayor predominio de la música vocal sobre la instrumental. dichas reglas deben derivar de un principio evidente. uso de dinámicas. la distinción entre aria. ||||||la orquesta. Etapas y característcas del barroco musical El pensamiento barroco (razón-sentimiento) se va a hacer muy patente en el panorama musical. Las figuras más representativas son: los italianos A. Es la época de la ópera y la cantata. arioso y recitativo. Praetorius. Haendel y G.…) como forma de ordenar y racionalizar la música.          Supremacía de un estilo armónico: sentido vertical en la música. Scarlatti y los alemanes J.” Pero además. Esto lo podemos constatar en la siguiente frase de J. Purcell en Inglaterra y J. J. se van a crear nuevas técnicas para poder expresar de la mejor manera posible los sentimientos (monodía acompañada.…). Aparición de un ritmo reiterativo y muy marcado.P. La música instrumental va ganando terreno y se pone a la altura de la vocal. Monteverdi. Las obras son. Bach. Dentro del lenguaje musical barroco se van a dar una serie de importantes novedades que darán a este periodo una sonoridad característica indiscutible. la Música Barroca representa sus afectos y sentimientos. La ópera será el género que más desarrolle la expresión de los sentimientos. no como individuo con libertad personal.

arioso y aria. a lo largo del siglo XVII se generaliza la escritura de la música utilizando compases. está a medio camino entre el canto y la declamación. Es un recurso para dar mayor expresividad a la música. creando un relleno armónico que va cambiando durante toda la obra. La música quedaba medida por completo y atrás se dejaba cualquier atisbo de ritmo libre. Además. el concierto (grosso y solista). la sonata Música Tocata y fuga en re menor. Se trata de relacionar no cuatro o cinco voces.  EL BAJO CONTINUO: Es una línea de notas graves que se interpreta de manera ininterrumpida desde el inicio hasta el final de la composición. Normalmente. el oratorio.LA MONODÍA: Los compositores del Barroco consideraron excesiva la complejidad a la que había llegado el contrapunto renacentista. pero el intérprete puede improvisar sobre las mismas.  EL POLICORALISMO. La melodía principal es acompañada por esas sencillas notas del bajo. Arioso: está a medio camino de las dos anteriores. El barroco busca el contraste. aunque también aplicable a la música vocal. Esta técnica les permite comprender el texto y transmitir una mayor expresividad. dando lugar a un sistema de escritura denominado bajo cifrado TEXTURA: la textura que caracteriza a este período musical se llama monodía acompañada. ya que así no se podía expresar ningún tipo de sentimientos. se forman diferentes coros y se responden unos a otros. BWV 565 . la pasión. el clave o el arpa.    NUEVAS FORMAS como la ópera. concertino. El bajo continuo se va a aplicar a todo tipo de música excepto a la escrita para un instrumento solista.…). la sonoridad llega a unas novedades imposibles antes: el uso de contrastes y ecos. sino hasta doce o más.  NACIMIENTO DEL ESTILO CONCERTATO: Es una técnica que nacerá sobretodo para la música orquestal. Con ello. una de las innovaciones que van a crear es el uso de la monodía acompañada (una sola melodía con acompañamiento instrumental). Por ello. Se basa en contraponer distintos planos sonoros y timbres de un grupo de instrumentos (tutti. soli. Creando tres maneras de cantar el texto: recitativo. la suite. Los acordes son improvisados. Es la característica que define y distingue a la música barroca. Recitativo: declamación del texto siguiendo sus acentos. los instrumentos que se encargarán del bajo continuo serán instrumentos polifónicos como el órgano. Es uno de los inventos que hacen evolucionar de manera sustancial al canto.  Se intensifica la fuerza emocional de las palabras dentro de la música vocal.  ESTABLECIMIENTO DE LA TONALIDAD Y DEL RITMO: En el Barroco se establece el concepto de tonalidad tal y como lo conocemos hoy. Aria: melodía cantada y enriquecida mediante adornos. se especifican por medio de cifras que se escriben encima o debajo de la línea del bajo. Se formulan tratados de armonía en los que se establecen unas estrictas normas sobre las tonalidades y la formación de acordes.

«Aleluya» El Mesías de Georg Friedrich Händel. Primavera. BWV 565 de Johann Sebastian Bach. 1er movimiento: Allegro Las cuatro estaciones de .Tocata y fuga en re menor.

También hay coincidencia en que. 9 de Domenico Scarlatti.Antonio Vivaldi. Entre los especialistas se acepta que la música entre los albores del siglo XVII y mediados del siglo XVIII tiene una serie de características que permite clasificarla como un período estilístico. Primer movimiento Preludio (Adagio) de la Sonata en trío Op. el denominado Barroco en la historia musical occidental. aunque el período pueda acotarse entre 1600 y 1750. 2 n. Sonata K. algunas de las características de esta música ya existían en la Italia de la segunda parte del siglo XVI y . 9 en re menor Sonata K. ¿Problemas al reproducir estos archivos? Artículos principales: Música del Barroco y Compositores del Barroco.º 11 de Arcangelo Corelli.

142 La música barroca a menudo tenía una textura homofónica. palacios. donde la parte superior desarrollaba la melodía sobre una base de bajos con importantes intervenciones armónicas. ópera. medio. los alemanes Heinrich Schütz. iglesias. extendidas y vigorosas. Algunos autores dividen a su vez el barroco musical en tres subperíodos: temprano. La extensión geográfica de la música barroca alcanzó a toda Europa desde Italia: la música sonaba en todos los lugares. fuga. teatros. El bajo continuo era una línea independiente que duraba toda la obra.141 Sin embargo. El vigor de las formas barrocas se siguió expandiendo en los siglos siguientes con una fuerza que hoy todavía continúa. prefiriendo señalar los rasgos estilísticos únicamente musicales que pueden ser calificados de barrocos simplemente por ser contemporáneos de las artes plásticas y la literatura. en los 150 años de este período la música occidental cobró un gran impulso. Johann Pachelbel y Johann Sebastian Bach.143 Entre los muchos compositores barrocos destacan los italianos Claudio Monteverdi. por eso recibe el nombre de continuo. La polaridad que resultó del triple y del bajo llevó desde la transición entre los siglos XVI y XVII al uso habitual del bajo continuo: una línea de bajo instrumental sobre la que se improvisaban en acordes los tonos intermedios. colegios. suite y tocata. normalmente un teclado.145 Período temprano (1600-1650) . preludio. conventos. Alessandro Scarlatti. otros autores estiman excesivas esas analogías. concierto grosso. Antonio Vivaldi y Tommaso Albinoni. oratorio. hasta finales del siglo XVII. los franceses Jean-Baptiste Lully. y por tener una unidad espiritual y artística con el período post-Renacimiento. de allí el nombre de bajo cifrado. sonata (para tres instrumentos o para uno solo). El bajo continuo fue esencial en la música barroca. Jean Philippe Rameau y Marc-Antoine Charpentier. cantata. Apoyado en la base del bajo se improvisaban melodías mediante acordes con un instrumento que los pudiese producir. fantasía. hasta mediados del siglo XVII. Estos acordes se solían especificar en el pentagrama mediante números junto a las notas del bajo. Arcangelo Corelli. hasta las muertes de Bach y Händel. Domenico Scarlatti. convirtiéndose en una de las artes más variadas. etc. y los ingleses Henry Purcell y Georg Friedrich Händel (alemán de nacimiento). concierto para un instrumento solista. coral. Georg Philipp Telemann. y tardío.144 Para Francisco Camino. La variedad la aportaban los géneros y formas que se establecieron en este período: aria de capo. François Couperin. llegándose a denominar la «época del bajo continuo».141 Se han estudiado paralelismos y similitudes entre los rasgos musicales de esta época con los de las otras artes de este período histórico como la arquitectura y la pintura.otras se mantuvieron en zonas periféricas de Europa hasta finales del siglo XVIII.

147 148 La nueva estética musical cambió el estilo vocal. la primera gran obra maestra del género. el concierto sacro vocal. como el madrigal. En los 400 años de historia de la ópera en Italia se han estrenado unas 30 000 óperas y en el mundo se estiman unos 50 000 estrenos de obras de ópera. tanto vocales como instrumentales. llegando en sus últimas óperas a desarrollar completamente el género. entre los variados colores vocales o instrumentales. La nueva forma se basaba sobre todo en una voz solista. el aria para solista. la ópera. siendo el primero en dotar a los elementos esenciales (drama. acción y expresión) de unidad y cohesión. Los compositores experimentaron con el nuevo estilo y. entre solos y tuttis. la sonata para solista o la sonata en trío. En Venecia en el siglo XVII se estima que se estrenaron más de mil óperas y otras mil en el siglo XVIII. entre rápido y lento. el bajo continuo con sus acordes se ocupaba de la armonía. música. lo que favoreció el desarrollo de la misma y el público de la ciudad se volcó en ello. Se buscaba el contraste de diversas formas: entre suave y fuerte. buscando ser más expresivo se dejaron de emplear las voces polifónicas renacentistas. la nueva idea de la monodia abogaba por una sola voz protagonista que buscaba que el texto solista y la melodía desnuda se escucharan con claridad expresando los afectos.150 Período intermedio (1650-1700) . Monteverdi exploró todas las posibilidades del teatro musical. Acompañando al texto y sustentando la melodía.148 149 La ópera tiene un papel destacado en la cultura desde entonces.143 Así describe el musicólogo Adolfo Salazar la innovación de la monodia frente a la polifonía: se abandonaron las múltiples combinaciones de voces superpuestas del Renacimiento. entre diferentes voces e instrumentos.El Palacio Ducal de Mantua donde fue estrenada la ópera La fábula de Orfeo de Monteverdi en 1607. Fue un período de experimentación dominado por la supremacía de los estilos monódicos en diversos géneros. 146 Los compositores abandonaron las formas renacentistas de continuidad melódica y rítmica plana con texturas homogéneas y se decantaron por la discontinuidad dentro de la misma obra. entre ellos. En Venecia comenzó la ópera y se construyeron teatros de ópera financiados por las familias nobles poderosas.

en Francia instrumentos como la trompeta y el oboe tuvieron un importante desarrollo técnico y sus intérpretes impulsaron las posibilidades de estos instrumentos. la cantata. El concierto y la sonata para instrumento solo o en trío adquirieron un gran desarrollo.151 152 El florecimiento de la música italiana originó que los artistas italianos fuesen reclamados en toda Europa y estos fueron emigrando e instalándose en otros países. la intuición de los compositores mejoró la intensidad y calidad de su sonoridad gracias a nuevas técnicas de ejecución de estos instrumentos. fomentando la aparición de nuevas formas y géneros musicales. El contrapunto se volvió a desarrollar. Aunque los instrumentos de cuerda habían dominado el panorama musical. Los principales compositores italianos compusieron fundamentalmente para estos instrumentos de cuerda.151 En Italia en este período el violín se destacó como el instrumento más importante de la orquesta. relegó a la monodia lírica. que fueron incorporados a las orquestas. La disonancia se acotó de forma más estricta. el grosor de sus tablas hasta conseguir una sonoridad más potente e intensa manteniendo su calidad. el violonchelo y el contrabajo. dando preferencia en la misma al ballet. Fue un período de consolidación. perfeccionaron la construcción del violín.143 Entre las innovaciones de este período medio apareció el estilo vocal belcantista. la viola actual. formada a partir de arias y recitativos.143 Desde su amplio florecimiento en Italia. como las familias Amati. que tenía un gran predicamento en la corte francesa. Bajo la dirección de Lully. tanto en grandes masas orquestales como en pequeños grupos de instrumentos.148 Así. difundiendo el estilo . El oratorio y la cantata religiosa en los países protestantes elevaron el concierto sacro. De sus talleres salieron el violín y sus familiares. mientras que el recitativo expresivo desarrollado en el tiempo anterior perdió relieve. Paralelo al perfeccionamiento en la construcción de la familia de cuerda. Stradivarius y Guarneri. era muy admirada en toda Europa. Se desarrolló el lenguaje tonal. la nueva música se difundió por toda Europa. los instrumentistas de la corte francesa adquirieron un gran nivel técnico y su orquesta de cuerda. El compositor italiano Jean-Baptiste Lully emigró a Francia y allí adaptó la nueva música y la ópera al gusto francés. La sonata para solista y para trío alcanzó un modelo estable. que fomentó el virtuosismo del cantante. aunque de manera totalmente nueva. estudiaron sus óptimas medidas. Luthiers italianos. que acompañaba sus óperas.En esta época los fabricantes de violines perfeccionaron este instrumento.

que alcanzó en desarrollo a la música vocal. En Austria y Alemania se impuso tanto la música italiana como la francesa. junto a la de Domenico Scarlatti. especialmente los castrati. especialmente la ópera. la tonalidad quedó definitivamente establecida mediante normas adquiriendo esquemas más amplios. especialmente Antonio Vivaldi. Con estas técnicas compositivas las formas alcanzaron grandes dimensiones. Arcangelo Corelli y otros compositores italianos exploraron y extendieron la música instrumental. en cambio en Inglaterra predominó la influencia italiana.153 143 La música italiana continuó un desarrollo inmenso. Antonio Vivaldi. Algunos cantantes de ópera alcanzaron gran fama y eran muy populares. tanto la instrumental como la vocal. Jean Philippe Rameau y Georg Philipp Telemann. la música italiana. consolidaron y llevaron a su esplendor. con especial énfasis en la ópera.154 Grandes compositores del Barroco tardío Antonio Vivaldi cimentó el género del concierto. A finales del siglo XVII. También el estilo antiguo de música instrumental y religiosa que se había mantenido durante todo el siglo XVII se renovó en el estilo fugado tonalmente ordenado por J.S. Es el autor de los conciertos para violín y orquesta Las cuatro estaciones. . Apareció el concierto para un instrumento solista que los compositores.151 Período tardío (1700-1750) En el Barroco tardío.153 La música barroca llegó a su plenitud en las composiciones de Johann Sebastian Bach y Georg Friedrich Händel. mientras la armonía se fusionó con la polifonía.de música de su país. La ópera se enriqueció con el incremento de la participación orquestal y los compositores exploraron las potencialidades expresivas del género. Bach y otros compositores. tenía una gran influencia en Europa.

especialmente ópera y oratorio. J. fusionó los conocimientos musicales de su época. Autor de la Pasión según San Mateo y El clave bien temperado. Así conoció los estilos de los principales compositores de Italia. Compuso El Mesías. Domenico Scarlatti compuso sonatas para clavicémbalo.S. Bach está considerado la cumbre de la música barroca. desde la tradición de la iglesia alemana protestante.G. Händel destacó en todos los géneros musicales. Analizó la obra de los otros compositores copiando y arreglando sus partituras. por las que es universalmente reconocido. Johann Sebastian Bach.F. .

la intervención paulatina de las distintas potencias europeas gradualmente convirtió el conflicto en una guerra general por toda Europa. epidemias y profundo malestar económico (paralelamente surge el Rococó. •Guerra de los Treinta Años: conflicto ocurrido entre los años 1618 y 1648 que aunqe inicialmente se trató de un conflicto religioso entre estados partidarios de la reforma y la contrarreforma dentro del propio Sacro Imperio Romano Germánico. así como a ajustar el esquema armónico.154 BARROCO: •Contrarreforma: lucha del catolicismo contra el protestantismo > se enviaron a construir iglesias y se obligó a los artistas a alejarse de los temas paganos predominantes en el Renacimiento.156 En cambio Haendel. pareciendo ya anticuada su forma de componer. de Vivaldi. también alemán de nacimiento pero con una formación musical tanto alemana como italiana. De los italianos y. revueltas. •Crisis del siglo XVII. Alemania y Austria.Francia. que acarreó hambre. por razones no necesariamente relacionadas con la religión.155 Bach compuso sus obras maestras a partir de 1720. lo que unido a su maestría en el contrapunto. Los elementos que asimiló los desarrolló en toda su potencialidad. dio origen a su personal estilo bachiano. creó el oratorio inglés y dio nuevos significados a otros estilos tradicionales. cuando un nuevo estilo forjado en los teatros de ópera italianos se extendía ya por Europa. retratos del interior de la vida de corte) . aprendió a desarrollar los temas con concisión y en grandes proporciones. se estableció en Londres y compuso en un lenguaje musical totalmente cosmopolita: óperas italianas. Por ello el conocimiento completo de su obra debió esperar al siglo XIX. sobre todo.

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