EDITORIAL

S
i una banda en la actualidad tiene la capacidad de aunar a públicos de distintos géneros
STAFF y crecer exponencialmente en años venideros, esa es Ghost. El proyecto musical del
sueco Tobias Forge se ha convertido en un ente del que nadie puede escapar: los ves
DIRECTOR en festivales, con Metallica, te los cuelan en las listas de Spotify o tu mejor amigo te da
Sergi Ramos la chapa con que los escuches insistentemente. Desde el herpes que no se había inventado
algo con tal capacidad de permanencia y adaptación al medio. Si bien tuvimos preparada una
ASSISTANT EDITOR portada para el número de junio, tuvimos que posponerla por la imperativa actualidad del
Dani Bueno triunfo en directo de Metallica en España. Ahora, en coincidencia con la esperada gira de
Ghost por nuestro país, es el momento de mostrarles nuestro respeto con una merecida
DISEÑO Y MAQUETACIÓN portada y reportaje de acompañamiento que nos retrata a un Tobias Forge que, si bien se
Dani Bueno IRGYIRXVEEP½REPHIGMGPS]EPKSGERWEHSXMIRIQY]GPEVSUYIIPJYXYVSHIPEJSVQEGMzRIWXj
QjWUYIHI½RMHSTEVEPSWTVz\MQSWEySW
FOTOGRAFÍA DE PORTADA
Mikael Eriksson La actualidad manda y son Iron Maiden y Kiss otras dos de las bazas importantes de este
número con reportajes de análisis o retrospectivos, algo que queremos explotar más
COLABORADORES en próximas entregas de la revista. Nadie puede ser crónica de la actualidad mejor que
Laura Cano, Javier Bragado,
Internet -donde nuestro portal www.themetalcircus.com no deja de subir en visitas hasta
Diego Rubio, Kaisla Virtanen, Olga Vidal,
superar ya las 650.000 mensuales- y las revistas tenemos que tomar una posición más
Víctor Vallespir,Víctor Gallego,
VI¾I\MZEWSWIKEHE]EREPuXMGE6ITSVXENIWGSQSIPHIPFPEGOQIXEPHIPQIWTEWEHSSPSWUYI
Mikel Yarza, Zoe Lilith, Iria López,
Jano Carbia, Júlia Benevelli,
encontraréis en éste número son la tónica a seguir en un futuro inmediato junto con los
Titus Ferrer, José Antonio Fernández, evidentes retazos de actualidad: ahí están Frank Carter, Borknagar, Arch Enemy, Insomnium,
Marc Fernández, Melanie Silva, %TSGEP]TXMGE%QSR%QEVXL&IVVM8\EVVEOIMR½RMXSWQjW
Yalinku Melero, Rosa Chenlo,
Almu de Andrés, Tamara Ruiz, %LSVE Wu ETVSZIGLEQSW IWXI RQIVS TEVE HIWIEVSW YREW FYIREW ½IWXEW ] UYI ELSVVqMW
Lluís García, Ana Doblado, mucho para los abonos de los festivales. Este año vienen muy cargados.
Satur Romero, Carlos Neubert,
Javi Félez, Mavi Parra, Itsaso Urkia, Sergi Ramos
Alejandro Ortega, Daniel Cruz,
Diego Solana, Sandra Obarrio,
Jesús Martínez, Javi Puntas,

SECCIONES
Pol Mascaró, Unai Endemaño,
Aritz Sola, Ángel Corral,
Pablo Gándara, Nocnar Tosnophal,
Clara Vitaller, Aitor Chaparro,
María del Carmen Tajuelo, Nana Parra,
metal hammer 385
Antxonio Madueño, Nerea Hernández,
Inés Chamil e Ignacio Sánchez-Suárez.

EDITA 6 CONCIERTOS RECOMENDADOS 40 EVETH

DICIEMBRE 2019 POWER METAL BALEAR

8 TOUR LIFE 42 IRON MAIDEN

INSOMNIUM DISCOGRAFÍA: DE PEOR A MEJOR
TIENDA ONLINE
www.connecorrevistas.com 10 PHOTOPASS 48 STREET LETHAL
MÖTLEY CRÜE ORGULLO DE JUVENTUD
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18 GHOST
IMPRIME LA CEREMONIA FINAL 58 CONCIERTOS
Monterreina AMON AMARTH, MACHINE HEAD,
26 KISS MAYHEM, LEPROUS, THRICE, KADAVAR,
916213060 40 AÑOS TRAS LA IMPLOSIÓN INSOMNIUM, ANNIHILATOR, ABORTED,
FRANK CARTER & THE RATTLESNAKES,
Impreso en España (Made in Spain) 30 DOBLE ESFERA ROYAL REPUBLIC, INGLORIOUS,
Precio para Canarias: 3,85 € STUDIO REPORT MOONSPELL, JORN, SACRED REICH,
Depósito Legal B-42.463-87 KING GIZZARD & THE LIZARD WIZARD,
32 FRANK CARTER TRUCKFIGHTERS, ELECTRIC MARY,
12/20 & THE RATTLESNAKES BERRI TXARRAK, CYPEFEST, SOMAS CURE,
TERREMOTO MENTAL DAMASK FEST, HACKIVIST, DESAKATO,
Reservados todos los derechos, se prohibe la
reproducción total o parcial por ningún medio, DERBY MOTORETA’S BURRITO
electrónico o mecánico, incluyendo fotocopias, 36 CRYSTAL VIPER KACHIMBA, SINAIA, RITVAL FEST,
grabados o cualquier otro sistema, de los artículos LEYENDAS Y MISTEROS INMUNE, SARATOGA...
aparecidos en este número sin la autorización
expresa por escrito del titular del copyright
Metal Hammer no se hace responsable de la opinión 38 BORKNAGAR
HIWYWGSPEFSVEHSVIWRMWIMHIRXM½GERIGIWEVMEQIRXI EL NORTE VERDADERO
con lo publicado.

metal hammer | 3
 CONCIERTOS
madrid is the dark
El festival madrileño de metal extremo
acuñado por Meister Producciones
y Doomed Events llega a su séptima
edición con un cartel digno de tal hazaña.
Durante los días 6 y 7 de diciembre la
sala But de la capital española recibirá
grupos de la talla de los extremos
Borknagar, el atmosférico Saor, los
barceloneses Obsidian Kingdom o los
míticos The Gathering (que celebran
nada más y nada menos que su 30º
aniversario con este show). Sin embargo,
los dos pesos pesados serán los cabezas
de cartel: Alcest y Paradise Lost.
La relación entre los franceses y el
festival ya viene de lejos pues la primera
vez que los reyes del doom pisaron el
país fue gracias al ‘Madrid Is The Dark
II’. Además, acaban de lanzar su nuevo
álbum ‘Spiritual Instinct’, por lo que es
de esperar que el show que van a dar
será digno de enmarcar.
Por otro lado, Paradise Lost no regalan
material nuevo a sus fans desde ‘Medusa’,
pero con títulos legendarios como
‘Draconian Times’ o ‘The Plague Within’,
ni falta que les hace para demostrar que
están dónde están por un motivo.
Con los abonos de dos días ya
terminados a fecha de cierre de revista
y los tickets diarios en números rojos,
se prevé que el evento marque un antes
y un después en la historia del doom
en Madrid. Para aquellos y aquellas que
no se lo quieran perder, aún pueden
encontrar entradas físicas en Escridiscos,
en el pub Hellraiser u online a través de
la página web de Entradium.
No te pierdas la noche más extrema
ERXIW HI ½REPM^EV IP EyS GSR YR GEVXIP
que difícilmente se repetirá en próximas
ocasiones en nuestro país.
6 | metal hammer
sonata arctica alter bridge
Ya vinieron al Rock Fest Barcelona 2019
pero, antes de que acabe el año, Tony
Kakko y los suyos volverán a pasarse por
)WTEyE)RIWXESGEWMzRPSW½RPERHIWIW
presentarán su nuevo trabajo, ‘Talvijö’,
tanto en Madrid como en la ciudad
condal el miércoles 4 de diciembre en la
sala La Riviera) y el jueves 5 de diciembre
en la sala Salamandra respectivamente.
Con sus primeros álbumes como
‘Ecliptica’ o ‘Reckoning Night’, los de
Kemi llevaron el power metal a un nuevo
nivel mezclando teclados melódicos
altamente adictivos con unos agudos
veloces de infarto. Esto les hizo erigirse
rápidamente como unos referentes,
pero la experimentación se apoderó de
sus composiciones y sus últimos discos
han recibido opiniones muy dispares
dentro de la escena. Este cambio también
WILEZMWXSVI¾INEHSIRWYWGSRGMIVXSW
UYIIPERXIWLMTIVEGXMZS/EOOSTVI½IVI
ahora afrontar con madurez. También
aprovecha para hacer gala de la amplia
trayectoria de la banda con un setlist
que contiene temas inesperados de
todas las épocas… Aunque siempre hay
tiempo para unos imprescindibles “Full
Moon” o “Tallulah”.
Edge Of Paradise y Temple Balls también
formarán parte de esta gira bajo el
nombre “The Raven Still Flies Over
Europe”.
Ha llegado el momento: Alter Bridge
vuelve a España para presentar su
último trabajo: ‘Walk The Sky’.
El grupo, formado por el carismático
Myles Kennedy (voz), junto a Mark
Tremonti (guitarra), Brian Marshall
(bajo) y Scott Philips (batería), irrumpió
en 2004 en el hard rock con un ‘One
Day Remains’ que sacudió todos los
cimientos del género. Le siguió una
subida meteórica, estelar, que culminó
con un ‘Fortress’ (2013) como obra
cumbre. Tal éxito se puede entender, en
parte, gracias a su magnético directo,
donde descargan con energía exitazos
como “Blackbird”, “Rise Today”, “Open
Your Eyes” o “Addicted To Pain”.
En esta nueva aventura europea les
acompañan Shinedown y The Raven
Age. Los primeros son bastante difíciles
de ver en nuestras tierras, pero cada vez
que han aparecido por aquí han ofrecido
un show espectacular: para muestra,
el que nos regalaron en el Download
Festival Madrid 2018 tras el lanzamiento
de su más reciente ‘Attention Attention’.
Este fantástico cartel se merece recintos
a la altura: se les podrá escuchar
en Barcelona y en Madrid en la sala
Razzmatazz el miércoles 4 de diciembre
y en el Palacio Vistalegre el sábado 7 de
diciembre respectivamente.
RECOMENDADOS
eclipse
Erik Martensson (voz) y Magnus
Herniksson (guitarra) forman junto
a Philip Crusner (batería) y Magnus
Ulfstedt (bajo) una de las bandas
de hard rock más destacables de la
actualidad. Con nueve álbumes en su
haber, Martensson y el resto han tenido
tiempo de sobra para tocar todas las

teclas dentro del género y, aun así,
son de los pocos grupos que pueden
presumir de tener una trayectoria
sólida, atractiva y prometedora, cargada
de hits y álbumes sin apenas relleno.
El cuarteto sueco brilla especialmente
en el directo, al que se lanzan de cabeza
con todo el espectáculo que un show en
vivo merece. Aunque se desenvuelven
especialmente bien en las baladas y en
los medios tiempos, tampoco se les
escapan las canciones más movidas,
las cuales hacen sonar de tal manera
que es difícil no abandonarse al baile,
los saltos y los gritos. Por suerte, este
diciembre Eclipse llegará a España para
presentar su nuevo disco, ‘Paradigm’. El
nombre de la gira, “viva la VicTOURia”,
hace referencia al estribillo del single del
nuevo álbum, que es en castellano.
El tour aterrizará en Barcelona (sala
Razzmatazz) el sábado 7 de diciembre,
mientras que en Madrid (sala Mon) se
llevará a cabo el día siguiente, domingo
8 de diciembre.
ghost
Tras reinar como teloneros de Metallica
en una gira espectacular, Ghost vuelven
a España como cabezas de cartel.
Esta gira, titulada “Ultimate Tour Named
(IEXL²PIWPPIZEVjETSV½RPSWKVERHIW
recintos: ya lo intentaron en su anterior
periplo, pero tuvieron que reducir el
aforo de Barcelona. Por contra, este
año han asegurado el Sant Jordi Club
en la capital catalana y han seleccionado
el nada desdeñable WiZink Center en
Madrid (en formato Ring) para la doble
cita en las dos grandes ciudades de
nuestro país. Estos dos recintos serán el
emplazamiento ideal para que, en los días
8 y 11 de diciembre respectivamente, el
Cardinal Copia y sus ghouls den una
auténtica y excitante misa negra.
Por primera vez desde el lanzamiento
de su álbum ‘Prequelle’, los suecos
traerán su producción completa a
nuestro país -un espectáculo único en el
mundo del metal actual que merece ser
visto para entender cuál es la situación
actual y futura del género-. Además, si
se tiene en cuenta que Tobias Forge ha
anunciado que no hay planes para girar
en 2020, esta es una oportunidad ideal
para ver a la punta de lanza de la nueva
generación. Junto a ellos nos visitarán
otras dos bandas que no son moco de
pavo: Tribulation y All Them Witches.
diciemBRE 2019
jinjer
Lo han demostrado hartas veces tanto
en el Resurrection Fest como en el Rock
The Coast o en todas las ocasiones en
las que nos han visitado en solitario: los
benjamines del groove/djent han llegado
para quedarse. Con 10 años de vida y
4 álbumes (el mas reciente, ‘Macro’, que
EGEFEHIPER^EVWIE½REPIWHISGXYFVI
los ucranianos han conquistado toda
Europa y más allá gracias a su impagable
carisma, incuestionable talento y
eléctrica presencia. Raras veces ocurre
que los cuatro integrantes de una
banda sean excelentes tanto en el
disco como en directo pero, aquí, tanto
Roman Ibramkhalilov (guitarra) como
Eugene Abdukhanov (bajo), Vladislav
Ulasevich (batería) o, por supuesto,
Tatiana Shmailyuk (voz), se comen
los escenarios como si no les costara
ningún esfuerzo.
En esta gira el cuarteto llega
acompañado de los canadienses The
Agonist (a quienes Jinjer telonearon en
el pasado: se cambian las tornas), los
embajadores del electrometal Khroma
y los experimentales (y también
ucranianos) Space Of Variations. Este
tour parará los días 10, 11 y 12 de
diciembre en Murcia (Garaje Beat Club),
Madrid (sala Mon) y Barcelona (sala
Salamandra -tras quedarse la Bóveda
pequeña-) respectivamente.
metal hammer | 7
 TOUR LIFE

INSOMNIUM
TEXTO: DANI BUENO y laura cano foto: KAISLA VIRTANEN

Hemos estado con Insomnium en su “casa” (bueno, no exactamente, pero sí en algunos sitios
cruciales para su forma de componer y vida diaria como los alrededores de su tierra y su estudio
de grabación con su último lanzamiento ‘Heart Like A Grave’) y en su camerino antes de saltar
a las tablas españolas dentro de su reciente gira que les ha llevado a Barcelona, Bilbao y Madrid,
por lo que no quisimos perder la oportunidad de llevar a cabo con ellos esta entrega de nuestra
sección Tour Life.
La melancolía es un elemento palpable en las melodías y en las para ellos es disfrutar tocando, tanto como su relación fuera de las
letras de Insomnium, pero eso no tiene que ver con su estado de tablas, donde en este tramo empezaron a bromear y a piropearse
ánimo y con su actitud frente a la vida. Siempre que nos hemos entre risas y cervezas, ejemplo de ello una cita como “¡Somos los
GVY^EHSGSRPSW½RPERHIWIWWYGEVELEWMHSWSRVMIRXI]PEWFVSQEW mejores guitarristas del universo, no solo de la Tierra!”.
LER¾YMHSHIWHIIPTVMQIVQMRYXS)WKIRXIUYIHIWHIJYIVETYIHIHEV
la impresión de ser “oscura” por la mística y tematización de la banda, Cómo no, les preguntamos por su mayor recompensa por un
pero luego en el día a día lo más probable es que te encuentres a sus concierto, momento en el que se fueron por las ramas para hablar
miembros buscando un lugar donde tomarse una buena piña colada del negocio y de que lo ven de otro modo. Unos bolos los cobran
o, si es una época en la que haga una temperatura medianamente más y otros menos, pero buscan una media entre ellos que sumada
EKVEHEFPIGSRGEQMWEWHI¾SVIWSHIQjWIWXEQTEHSWI\XVEZEKERXIW a royalties y demás ventas sostenga económicamente a la banda. La
de las que se pueden conseguir fácilmente en tiendas como Primark conclusión de esta parte fue “si quieres ser rico tienes que hacer otra
por precios que rondan los 10€. cosa que no sea tocar death metal (risas), hacer como Ed Sheeran y
meter 70.000 personas en cada show”.
)WXIIWYRINIQTPSHIPSUYITEVEIPPSWWMKRM½GEPEZMHEHIKMVE]
más ahora que han acudido como cabezas de cartel de su propio tour
con los estadounidenses The Black Dahlia Murder y sus compatriotas
Stam1na como artistas invitados), pero quisimos averiguar más
información de lo que han sido algunos momentos concretos de su
trayectoria en la carretera y por ello enfrentamos a Markus Vanhala, Jani
Liimatainen, Niilo Sevänen y Markus Hirvonen a nuestras preguntas,
las cuales contestaron intercambiando información entre ellos y
comentando anécdotas entre bromas como en una conversación
típica en un bar tomándose algo con nosotros (solo que no estábamos
en un bar).
En primer lugar, como solemos empezar nuestro cuestionario, les
preguntamos por su concierto con más gente, a lo que nos contestaron
que en formato festival probablemente en Hellfest o Wacken, donde
no sabían el número de personas que había en su concierto, pero para
ser modestos (entre risas) dijeron que unas 15.000. En el formato
de sala, su record está en Z7 Konzertfabrik, recinto suizo donde
congregaron a unos 1.700 seguidores, aunque declararon que les da
YRTSGSMKYEPWMLE]SE½GMSREHSWPSMQTSVXERXIIWLEGIV
un buen show. En ese aspecto destacaron al público de Bilbao, que
“se vuelve loco”. En alusión al número de asistentes más reducido,
como casi siempre, recordaron uno de sus inicios en el que habría
menos de siete fans. Menos que la crew del grupo. Lo fundamental
8 | metal hammer
La charla empezó a desvariar cuando les preguntamos cómo
calentaban. Se empezaron a turnar de manera natural para soltar cada
uno mayor barbaridad sin parar de reír (de broma, luego ya lo que
hagan…): “Meternos crack y esnifar cocaína”, “a caballo”, “meternos
caballo a caballo, y esnifar cocaína”,“y después leer mi capítulo favorito
de la Biblia, por supuesto”. Llevábamos todos un día largo cargado de
cervezas y sidra. Para el post concierto fueron más sencillos sobre lo
que hacían: “Pelárnosla y a dormir. Pero depende mucho del show, a
veces quieres liarla y a veces solo quieres descansar. Y, desde luego,
comer muchísimas patatas fritas”.
Sobre su momento más vergonzoso, siguieron bromeando con
GSWEWGSQSUYIWIVIPPSWQMWQSW]EPSIVEWY½GMIRXITIVSHIJIRHMIVSR
después que nunca hay que avergonzarse por lo que pueda suceder
encima de un escenario. Para terminar, acerca del glamour en sus giras,
volvieron a bromear con que meterse caballo a caballo era lo más
glamuroso que habían hecho, y continuaron en este plan diciendo que
una vez había cerveza en el backstage, otro dijo que sí pero porque
tuvo que pagar por ella, otro que una vez vio a una chica entre el
público de un concierto. Todo se iba de madre y era hora de acabar la
entrevista y seguir disfrutando de la conversación, pero ya en un tono
menos serio, si es que en algún momento lo hubo.
 ARTISTA:
Ö T LE Y C RÜE
M
FECHA/LUGAR: ORF (14 DE NOVIEMBRE DE 2015
üSSELD
ISS DOME, D
FOTÓGRAFO:
sergi ramo
PHAOSTOS
P
El plan era ideal. Mötley Crüe y Alice Cooper actuaban
un sábado en Düsseldorf en plena gira de despedida de los
primeros. Al día siguiente, Motörhead, Saxon y Girlschool
EGXYEFERIR4EVuWHIRXVSHIWYKMVEHISXSySHI9R½R
de semana fantástico viendo a cinco legendarias bandas en dos
ciudades europeas y volviendo bien cargadito de reportajes a
casa. Todo era ideal hasta que aquel viernes de noviembre, en
GYERXS XYZI GSR½VQEHSW PSW TEWIW QI HMS TSV GSQTVEV PSW
billetes de avión. Un Barcelona-Düsseldorf, un Dusseldorf-París
y un París-Barcelona. Tal y como acabé de hacer las reservas y
QIPPIKEVSRPSWIQEMPWHIGSR½VQEGMzRIRXVqIRPE[IFHIYR
diario por inercia a ver cómo estaba el mundo. Decían que la sala
Bataclan de París estaba siendo objetivo de un ataque terrorista
con varios tiradores asesinando a asistentes a un concierto. Las
informaciones no estaban claras en ese momento, pero eran
sobrecogedoras. Pronto se fueron ampliando: varios hombres
armados entraron a la conocida sala parisina durante un show
de Eagles Of Death Metal y tirotearon a todo el que se les
GVY^EFE(IVITIRXIPETIVWTIGXMZEHITEWEVYR½RHIWIQERE
encerrado en recintos de conciertos donde en cualquier
momento podía entrar un loco con una pistola se volvió menos
atractiva que nunca.
A lo largo del sábado me fui a Düsseldorf para ver el directo
de Mötley Crüe que, ni que decir tiene, fue especialmente
WSQFVuS4VMQIVSTSVIPKVYTSUYIIWXEFEEP½REPHIWYKMVE
de despedida y ni establecían contacto visual entre ellos. En
segundo lugar por el frío espectáculo que ofrecieron, donde
simplemente se dedicaron a desgranar canciones de su set
clásico con un gran espectáculo pero con cero motivación. En
tercer lugar por la voz de un Vince Neil cada vez más venido a
menos que pronunciaba una palabra completa de cada cuatro
incapaz de gobernar su propia respiración.Y no nos olvidemos
de que, al llegar al recinto, el presunto pase de fotógrafo (que
IWXEFEGSR½VQEHS
RSIWXEFE]REHMIWEFuEREHEHIqPPSGYEP código de acceso para entrar. La seguridad, incluso varios años
resolví con un clásico: meterte la cámara en los genitales y
IWTIVEVUYIRSXIGEGLIIRHIQEWMEHS%YREWuIPXVEQS½REP
del show fue eléctrico con el gran despliegue de “Kickstart
My Heart” y un sentido “Home Sweet Home” interpretado
desde un escenario secundario en medio del público. Pero
hasta la banda hizo una breve mención al atentado del día
10 | metal hammer
)
s
anterior y el público -pese a ser alemán- demostró que no
estaba enteramente por la labor en ese día. En comparación, el
siempre efectivo Alice Cooper hizo un gran concierto -como
siempre suele suceder-.
Se me antoja curioso que una gira de reunión de Mötley
Crüe en pleno 2020 vaya a ser mejor que lo que vimos en 2015.
Una formación al límite de sus capacidades, menoscabada por
años de estúpidas batallas y adicciones y con una retahíla de
viejos hits de los ‘80 cuyos estribillos se revelaron como única
manera de sustentar su concierto. Pero ahí están los grandes
promotores garantizándoles decenas de millones de dólares
para girar con otros artistas de la época dorada de los ‘80 por
grandes recintos estadounidenses.
Evidentemente, volviendo a la historia original, al día
siguiente no hubo concierto de Motörhead, Saxon y Girlschool
IR YRE 4EVuW UYI IR EUYIP ½R HI WIQERE ] HuEW WMKYMIRXIW
parecía sitiada. Durante el sábado pude ir intercambiando
WhatsApps con el manager de Saxon, que a su vez es el
organizador del Wacken Open Air, Thomas Jensen. Finalmente,
el mismo domingo por la mañana me informó de que no iba a
celebrarse el evento. Las fuerzas de seguridad francesas habían
recomendado que no se realizase ninguna gran concentración
de personas ante el evidente riesgo de que pudiese repetirse la
situación acaecida en Bataclan.
Eagles Of Death Metal sobrevivieron escondiéndose en
sus camerinos en un primer momento y huyendo del recinto
poco después, aunque algunos de su crew no lo lograron.
Años después pude visitar los camerinos de la sala parisina y la
sensación de que aquellos espacios habían sido el escenario de
una masacre no se me iba de la cabeza. Cada camerino contaba
con un teclado numérico en su exterior con el que marcar un
HIWTYqWWIKYuEWMIRHSQY]½VQI0SUYITSHVuELEFIVWMHSYR
KVER½RHIWIQEREHIVSGOERHVSPPXIVQMRzWMIRHSYREXVMWXI
constatación de que todo lo que nos rodea en este mundo es
muy frágil y de que Mötley Crüe estaban acabados como banda,
por muchos efectos especiales que usasen. Veremos si en su
reunión son capaces de mejorar aquello.
metal hammer | 11
LOS 5 DISCOS FAVORITOS DE…
Perttu Kivilaakso
(apocalyptica)
TEXTO: SERGI RAMOS foto: jesús martínez
Apocalyptica está a punto de dar a conocer su nueva
y esperada obra de estudio: un retorno a la música
absolutamente instrumental que llevará por título ‘Cell-O’.
Recientemente pudimos hablar con uno de los cellistas de la banda,
Perttu Kivilaakso, quien tuvo a bien listar sus cinco discos favoritos
de todos los tiempos como músico. Evidentemente, los gustos de
un miembro de Apocalyptica, con formación clásica y curtido en la
Helsinki Philarmonic Orchestra, no van a ser los mismos que los de
un rockero de pro curtidos en bares y garitos de los bajos fondos. Aun
así, la mezcla que propone Perttu es de las más interesantes:
Skid Row - Skid Row (1989)
Uno de los trabajos más importantes para mí fue éste. Cuando
comencé a tocar el cello tenía cinco años y me pasé toda mi infancia
en el mundo de la música clásica. Al escuchar las primeras canciones
de Skid Row, los ojos se me abrieron de par en par y descubrí un
nuevo mundo que me llevó a escuchar a Judas Priest, Testament y,
evidentemente, Metallica. Todo comenzó con ese disco de Skid Row
para mí.
Metallica - …And Justice For All (1987)
Fue el primer disco de Metallica que escuché y fue algo novedoso
para mí que cambió todo mi gusto musical. Me pasé los años de
instituto escuchando música cada vez más oscura, especialmente
black metal noruego. Todavía me sigue gustando una gran cantidad
de música metal por lo que supuso ese disco de Metallica en mi
desarrollo personal. Junto con el de Skid Row, fueron los álbumes que
me marcaron el paso de la adolescencia a la edad adulta.
12 | metal hammer
Verdi - Aida (1991)
Esta es mi ópera favorita; especialmente la interpretación de
Placido Domingo y Montserrat Caballé con Riccardo Muti como
conductor. La música clásica y la ópera es muy importante para mí.
Si estamos en una gira larga, donde todo es ruido, estrés y gente,
escuchar ópera en casa te devuelve a la calma y a la tranquilidad.
Aunque el silencio también está muy bien, créeme.
Muse - Showbiz (1999)
No te sabría decir un álbum, pero las canciones de Muse me
abrieron los ojos a otro mundo. Hasta entonces, yo me consideraba
un metalhead estricto salvo por mi amor por la música clásica. No
obstante, en los últimos quince años he escuchado mucha música y
muy variada, incluso rap y techno. Hay tanta buena música en todos
los géneros… Si he de escoger un disco de Muse debería ser el que
tiene el tema “Sunburn”, ‘Showbiz’. No sé si es mi disco favorito de
Muse, pero fue el disco que me motivó a encontrar un nuevo sonido
que no conocía hasta entonces. Me enamoré de ese tema, “Sunburn”,
y del sonido de guitarras y sintetizadores que usaban.
Assassin’s Creed Origins (2017)
Podría decir cualquier álbum en ese sentido, realmente, porque las
bandas sonoras de videojuegos han sido tremendamente importantes
para mí. La de Assassin’s Creed es solo una muestra pero hay una
enorme cantidad de buena música en ese campo. Incluso te diría que
una de las canciones del nuevo disco de Apocalyptica, ‘Cell-O’, que se
XMXYPE±'EPP1]2EQI²IWXjEQTPMEQIRXIMR¾YIRGMEHETSVIPGSRGITXS
de banda sonora de videojuegos. Soy un gamer y me motiva mucho
ese tipo de música.
)R GEHE GERGMzR HI%TSGEP]TXMGE LE] MR¾YIRGMEW HI YRE GSWE Y
otra. Todo lo que te gusta acaba encontrando un hueco en la música
UYILEGIW)WXS]WIKYVSHIUYIMRGPYWSTYIHIWIRGSRXVEVMR¾YIRGMEW
de Muse en este próximo disco en una canción como “Beyond The
Stars”. Siempre hay elementos de tus gustos personales, no puedes
evitarlo.
 NEW BLOOD

khous
REFERENTES EN AUTENTICIDAD
Sin atajos ni redimirse ante lo popular, Khous continúan tras casi dos décadas
de carrera defendiendo su proyecto con letras en euskera y un sonido que nace
de sus inspiraciones personales.
TEXTO: OLGA VIDAL
Actualmente se encuentran defendiendo su nuevo álbum,‘Geoaren (M½GYPXEHIWIRVIEPMHEHRSPEWLE]]EUYILE]KVYTSWIRIYWOIVE
LE^MEO´½RHIYREXVMPSKuEUYIGSQIR^zGSRHSW)4W]XIVQMREGSR que tocan a nivel internacional. Lo que tal vez sí sea menos común
este larga duración que han ido forjando a lo largo de una década. para el público es escuchar una banda de este estilo en euskera,
:IXIVERSWIRQMPFEXEPPEWIRIWXEHYVEMRHYWXVMEWIQERXMIRIR½VQIW cuando lo más habitual es que lo hagan en inglés o en español, por lo
creyendo en su propuesta con la humildad por bandera. que incluso puede ser una seña de distinción. La música no hay que
entenderla, hay que sentirla.
Comenzasteis en 2001 y vuestro primer álbum tiene
ya 11 años. ¿Cómo veis la evolución que ha sufrido Khous Teniendo en cuenta vuestra experiencia adquirida en
desde entonces? ¿Es más fácil ahora sacar adelante a la estas últimas dos décadas y que sois de los pocos que
banda que en vuestros comienzos? todavía se animan a escribir en euskera, ¿os consideráis
un referente dentro de la escena del metal en vuestra
La evolución del grupo ha ido sucediéndose desde el primer disco tierra?
hasta este último. ‘Geoaren haziak’ es mas cañero que los anteriores,
pero sin perder la esencia de Khous. Nos hemos ido guiando por Más que un referente consideramos que el euskera es lo que nos
las ideas que nos iban surgiendo y lo que nos apetecía tocar en cada da personalidad, lo que nos hace ser mas auténticos en unos tiempos
momento. Ahora esta mas difícil sacar un grupo adelante. La escena donde el inglés se ha convertido en el idioma más utilizado para la
musical esta complicada, la brecha que hay entre las bandas más mayoría de bandas. Es nuestro idioma, nuestra cultura, y nos queremos
punteras y las emergentes es cada vez mayor, por lo que a grupos presentar así al resto de la gente.
como nosotros nos complica bastante las cosas.
Muchos de nuestros lectores no hablan euskera y no pueden
¡% UYI HM½GYPXEHIW WI IRJVIRXE YRE FERHE GSQS PE entender vuestras letras, ¿podríais explicar la temática general
vuestra que decide escribir letras en euskera? de las canciones de vuestro nuevo álbum, ‘Geroaren Haziak’?
14 | metal hammer
 Se trata de canciones que están totalmente ligadas entre sí en
cuanto al tema. Su título ‘Geroaren Haziak’ (semillas del mañana)
serían las dos palabras que mejor resumen el todo. En resumen: hablan
HIXSQEVEMVI]VI¾I\MSREVHIETVIRHIVHIPTEWEHSTEVEEJVSRXEVIP
futuro, o incluso de no tener miedo de sentirse diferente. Habla de
aquellos que anhelan una mejor vida y mueren en el mar, de los que
hablan y no dicen nada y de los que quieren hacer y no saben cómo
hacerlo. Es un todo que representa a cada uno y a todos a la vez.
Vuestro nuevo álbum, ‘Geroaren Haziak’, está
disponible desde el 16 de noviembre. ¿Cómo veis su
recepción por el momento por parte de vuestros
seguidores?
La mayoría de las ventas las hacemos en los bolos. Es una buena
señal ya que hoy en día la gente apenas compra música y que lo hagan
HIWTYqWHILEFIVXIZMWXSEGXYEVIRHMVIGXSIWQY]KVEXM½GERXI
¿Qué os ha llevado a esperar casi una década para
sacar vuestro tercer larga duración? ¿Habrá que esperar
otra para escuchar el siguiente?
En realidad ha sido la culminación de un trabajo en formato de
trilogía, que se inicio en el 2013. Publicamos dos EPs: ‘Itsukeria’ (2013)
y ‘Fedea’ (2014) y, a la hora de ver la luz el tercero, ‘Sinergia’ (2017),
HIGMHMQSWUYIIVEQSQIRXSHIYRM½GEVPEXVMPSKuE]TVIWIRXEVPEGSQS
disco. De ahí a que sea un disco tan largo para lo que se publica hoy
en día. Los EPs se publicaron de manera auto producida y, viendo que
ese camino para llegar a la gente era complicado, decidimos sacar el
‘Geroaren Haziak’ de la mano de Art Gates Records.
Vuestro sonido es duro y contundente, pero con
mucha presencia de elementos melódicos. ¿Cómo
es vuestro proceso de composición para llegar a ese
resultado? ¿Diríais que vuestro sonido es el resultado de
PEWMR¾YIRGMEWHIPSWMRXIKVERXIW#
Los 4 integrantes aportamos en las composiciones por lo que las
MR¾YIRGMEWHIGEHEYRSXMIRIREPKSUYIZIV2SWKYWXEGSQFMREVGSQS
dices, riffs duros y contundentes con pasajes melódicos, que oxigenan
los temas y hacen que todo contraste mucho más. Es lo que hemos
buscado en estas composiciones. Además buscamos un sonido más
crudo para el disco, ya que queremos que alguien que escucha un
disco nuestro, además de disfrutarlo, cuando venga a algún directo vea
que lo que ha escuchado es lo que suena en el escenario.
Habéis participado recientemente en el Mass Grave
Metal Fest y en el Breakdown Fest. ¿Es habitual veros
por pequeños festivales de este estilo?
La mayoría de bolos los estamos haciendo en esos formatos de
pequeños festivales, que son los que se nos hacen más accesibles.
Hemos llamado a las puertas de grandes festivales pero de momento
no tenemos ninguno en la agenda. Quién sabe en un futuro…
Os habéis inscrito en el Band Contest del Resurrection
Fest. ¿Es vuestra primera vez probando suerte? En
vuestra opinión, ¿ese tipo de concursos deberían
hacerse en todos los festivales de gran formato para
dar visibilidad a bandas menos conocidas o pensáis que
habría formas más adecuadas de hacerlo?
Hemos probado suerte en otras ocasiones en este tipo de
iniciativas. Creemos que la idea con las que se originan es buena,
la de dar oportunidades a bandas emergentes, y que es complicado
conseguir seleccionar de la manera más justa. Es muy difícil salir
seleccionado con la cantidad de bandas que hay. Además, se suele
presentar un tema y no siempre los temas que se escuchan son lo que
luego te vas a encontrar en el directo... Lo importante es el público
y son ellos los que deciden si un grupo gusta o no. De todas formas
estas iniciativas se agradecen.
¿Después de la publicación del álbum hay planes de
gira? ¿Podrá verse algún directo vuestro fuera de las
salas de Euskadi?
Si. Tenemos intención de salir a diferentes ciudades y enseñar
nuestro trabajo a la gente. Estamos preparando fechas para lo que
sería la segunda parte de la gira presentación de ‘Geroaren haziak’.
metal hammer | 15
 michael amott
(Arch enemy)

TEXTO y fotos: SERGI RAMOS

Figura reverenciada como pocas y una de las piezas clave en el sonido y estilo de guitarra del death metal
melódico sueco. Su trabajo en el seminal ‘Heartwork’ de Carcass se tendría que estudiar en la universidad,
pero lo que ha logrado con Arch Enemy en el siguiente tramo de su carrera (llevar el metal extremo al gran
público) es digno de elogio. Nos sentamos en Barcelona con el recién levantado guitarrista.

SUS TIERNOS INICIOS
Comencé a tocar a la temprana edad de 13 años. En aquella época
era muy popular tocar la guitarra.Tenía a varios amigos que tocaban la
guitarra en mi entorno y me fue picando el gusanillo. Algunos de ellos
venían a mi misma clase y les dieron unas guitarras muy antiguas, así
que nos pusimos a aprender por nuestra cuenta. Uno tocaba rítmica
y otro tocaba melodías. De ese modo fuimos aprendiendo a hacer las
cosas. Era divertido ir probando. Mi primera guitarra la conseguí a los
14 años. Era una copia de una Les Paul de marca coreana, una Arirang
que se asemejaba a una Les Paul Sunburst.
EL VALOR DE SER AUTODIDACTA
Fui autodidacta y nunca acudí a lecciones de ningún tipo. Quizá a
veces me esfuerzo más porque siento esa falta de educación formal
con la guitarra. No obstante, en directo estoy en mi zona de confort
con Arch Enemy y las otras bandas con las que toco. Es mi música, son
las cosas que yo he compuesto y me siento cómodo con ellas.
No soy un músico de versiones, no puedo tocar cualquier canción
sin más. Tampoco sé leer música. Tengo un buen sonido, un buen feel
y un buen tono, mi propio estilo, pero no tengo el conocimiento
WY½GMIRXITEVEXSGEVGSRSXVEKIRXIIRYRJSVQEXSHINEQSWMQMPEV
Normalmente enseño lo que tengo en la cabeza con la guitarra; creas
tu propio lenguaje, dices: “es como aquel solo de Slayer pero sin
aquella parte y tal y cual”. Así te consigues comunicar.
FIEL A LA V
Me compré la primera V en 1993, era una de Gibson. La toqué
una temporada y luego me la robaron, aunque la recuperé unos años
después. Es bueno tener una V porque me sienta muy bien tocarla.
Creo que mi lenguaje corporal está hecho a medida de tocar una V.
Por otra parte, todos mis músicos favoritos tocan guitarras V: Michael
Schenker, Dave Mustaine, etc.
CAÑERO PERO MELÓDICO
Siempre busqué el sonido de un K. K. Downing y Glenn Tipton o un
Dave Murray y Adrian Smith. Me gustan las partes de guitarra con melodía
y armonía, los buenos solos que te dicen algo. Si estoy creando música, la
guitarra no es un instrumento para mostrar mi técnica, sino para aportar un
contenido emocional a la canción. Pienso que la música debería ser así. Hay
música progresiva que está hecha para músicos, donde tienes que contar
compases y tienes tempos complejos pero eso no consigue comunicarle
nada al gran público. Yo soy más sencillo. Una de mis bandas favoritas es
Scorpions: son heavies pero tienen una gran cantidad de melodía.

16 | metal hammer
 LA ¿NUEVA? OLA DE GUITARRISTAS
Cuando escucho a nuevos guitarristas y suenan a mí es divertido.
Hay muchos grandes músicos hoy en día, pero vivimos en una época
en la que hay mucho guitarrista de YouTube. Mucha gente que toca de
manera muy técnica y que no conecta en absoluto conmigo.
GARY MOORE COMO INSPIRACIÓN
No suelo meterme en YouTube a seguir tutoriales, pero puedo
pasarme un buen rato viendo videos de Gary Moore tocando en
directo. Consigo más haciendo eso que viendo a shredders jugando
a ser los mejores. Gary Moore hizo grandes cosas con Thin Lizzy,
especialmente en ‘Black Rose’. No obstante, luego se fue y montó
su carrera en solitario con el hard rock e hizo grandes discos como
‘Dirty Fingers’, por ejemplo. Canciones como “Empty Rooms” o
discos como ‘Corridors Of Power’ se hallan entre mis favoritos. Luego
se puso a hacer blues y, aunque no es una opinión muy popular, me
encanta su carrera en ese género. ‘Still Got The Blues’ es un álbum
XVIQIRHSHITVMRGMTMSE½R)PGSRGMIVXSHI1SRXVIY\HIIWEKMVE
es brutal. Un tema como “The Messiah Will Come Again” de Roy
Buchanan, del cual tengo los dos primeros trabajos, cobraba nueva
vida en manos de Moore.
Tiene un picking muy rápido pero lo hace con mucha actitud y
sentimiento. No quiero sonar amargado, pero no me gusta el estilo
frio y sin emoción. Intento no ser muy cerebral cuando toco, siempre
intento tocar con el estómago o el corazón. Claro que necesitas
una determinada técnica para tocar el material de Arch Enemy, pero
intentas que sea la mínima necesaria. Cuando llega el solo, si estoy
cómodo, me abstraigo y me voy a otra dimensión.
EL TEMA MÁS COMPLEJO DE ARCH ENEMY
Hay algunas canciones de gran velocidad donde vamos al límite.
Es complicado tocar bien esas canciones y corretear por el escenario
proyectando mucha energía. Canciones como “Nemesis” o “The
World Is Yours” necesitan que seas un guitarrista bastante solvente
para poder tocarlas. Necesitas tener un picking muy rápido, como
Metallica o Slayer, pero a la vez necesitas tener un gran vibrato para
las armonías. Siempre estamos a medio camino entre dos mundos
distintos, el del metal extremo y el hard rock y heavy metal tradicional.
SU RUTINA DE CALENTAMIENTO
Toco mejor si he calentado. A menudo interpreto alguna de las
canciones nuevas o repaso algunos de los solos. No estoy calentando
junto a una claqueta ni nada por el estilo. No hago escalas ni nada
de eso. Simplemente me hago amigo del instrumento durante un
rato antes de salir a escena. En ocasiones no puedes porque estás en
un festival y tus guitarras están en el escenario y tu camerino a 600
metros, así que haces lo que puedes.
EL RIG DE MICHAEL AMOTT
El técnico de Michael Amott es el afable Dirk Breenkötter, un
EPIQjRUYILEXVEFENEHSGSR,IPPS[IIR9(34VMQEP*IEVIMR½RMHEH
de bandas. Michael nos lo presenta y nos explica con todo detalle
PEGSR½KYVEGMzRHIWSRMHSHIPFVMXjRMGS±0PIZEQSWXVIWKYMXEVVEWHI
gira”, explica el técnico. “Una es una versión custom de su Dean Tyrant
y la otra es una versión como la que se encuentra en las tiendas. La
custom se puede conseguir también bajo demanda. También tenemos
la Splatter, la de la sangre, que es la más conocida. Normalmente lleva
cinco guitarras de gira y las va rotando, pero en este tour hay solo tres.
Las cuerdas de Michael son Rotosound del 11 al 59.
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standard. Su señal va a un transmisor y de ahí a un Line6 G90 y de ahí
llega a un rack. El rack es un wah de Dunlop que pasa por un overdrive
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que no es el standard, sino uno que salió después. Esto lo llevamos a
dos cabezales JVM Marshall que pasan a una pantalla que está en el
escenario con 2 micrófonos. Nuestro técnico de guitarra tiene cuatro
pistas de guitarra viniendo por cada lado, de modo que puede escoger
lo que es mejor para el recinto”.
Los efectos están preparados para que Amott pueda correr con
¾YMHI^TSVIPIWGIREVMSWMRXIRIVUYITVISGYTEVWIHIIWXEVGIVGEHI
su pedalera para lanzarlos. “Con los GSP de Digitech podemos tirar
los efectos. Los efectos los hacemos con un midi desde un sistema
informático que está ligado a la batería. Si las cosas están como deben,
el cambio se hace automático y sino lo tienes que hacer manualmente.
Al menos tienes la opción. Si estás en la otra punta del escenario
y tienes que cambiar de guitarra solista a guitarra rítmica, puedes
hacerlo automáticamente. Si algo falla, puedes hacerlo manualmente
llegando a tiempo a tu pedalera”.
metal hammer | 17
 ghost LA CEREMONIA FINAL

TEXTO: sergi ramos fotos: sergi ramos y mikael eriksson

Ha sido un año y medio frenético para Ghost. Lo terminan con una amplia gira europea
que recala en nuestro país y Tobias Forge hace una valoración profunda de lo que ha
?53:5ŋ/-0;1?@1<1>5;0;<->-8-.-:0-/;:9Ÿ?<>;E1//5±:018>;/70A>;-/@A-8

Cuando en una noche de septiembre llama Tobias Forge la en el medio de ese salto y es mareante. No muchas formaciones
sensación es la de que está cansado. Lleva un año y medio de XMIRIR IWE STSVXYRMHEH ] RS QYGLEW FERHEW XMIRIR PE GSR½ER^E
gira desde que ‘Prequelle’ vio la luz y, con Ghost, está encarando necesaria para dar ese salto. De golpe pasas de tocar con una crew
IP XVEQS ½REP HI YR GMGPS UYI LE WMHS YRE EYXqRXMGE QSRXEyE determinada en tus giras a tener al triple de personas implicadas.
rusa. Después de un valle con multitud de problemas legales con Hay más personal, hay más camiones, hay más todo”. El comentario
antiguos miembros de Ghost llegó un exitoso disco que le abrió no es en vano: Ghost llegan a España con siete tráileres y una
las puertas a un nuevo público gracias a canciones como “Dance producción que incluye todos los elementos que Tobias Forge
Macabre” y un exitoso tour por todo el mundo que le ha llevado a adora de las grandes producciones del rock duro y el heavy metal.
teatros y arenas por méritos propios y a estadios junto a Metallica.
El mareante ciclo, de 18 meses, terminará con una serie de “En esta gira americana hemos tocado en muchas ciudades en
actuaciones en Europa dentro del “A Pale Tour Named Death” que las que no habíamos tocado en cinco o seis años y en otras tantas
devolverá Ghost a suelo español para los que serán sus mayores en las que no habíamos tocando nunca, lo cual ha sido muy bueno.
hasta la fecha, con sendas citas el 8 de diciembre en el Sant Jordi Llegamos a ciudades ahora donde, cinco años atrás, había solo 400
Club de Barcelona y el 11 de diciembre en el WiZink Center de personas viéndonos. Ahora hay diez veces más y pueden ver el
Madrid. ¿Tras eso? Un 2020 libre de todo concierto. gran show, con un gran escenario y bombas explotando. Es muy
satisfactorio darle a todo el público tu show”.
“Habrá muy pocos conciertos en 2020”, explica Forge. “Para
WIVQjWIWTIGu½GSLEFVjGIVSGSRGMIVXSWWEPZSYRWLS[UYILE] Tobias hace un apunte curioso: el de la separación y segregación
en marzo en México. El próximo año estará dedicado a hacer de las audiencias según las ciudades en las que se encuentran.
un nuevo disco, un álbum que aparecerá a principios de 2021. “Cuando estás creciendo como grupo te encuentras con que hay
Después de eso habrá otros 18 meses de gira. Que no haya gira cierta segregación entre unas audiencias y otras, pero eso es parte
en 2020 no quiere decir que no vaya a haber un montón de cosas de las leyes de mercado cuando estás girando con una banda”,
sucediendo alrededor de Ghost. Estoy seguro de que veréis a VI¾I\MSRE±%LSVEIWXEQSWGSVVMKMIRHSIWS²
Ghost en muchos sitios el próximo año”, desvela con su clásico
halo de misterio y de no estar diciendo todo lo que quiere decir. NO ES ORO TODO LO QUE RELUCE
Finalmente, con ‘Prequelle’ la banda ha llegado al nivel al que La gente tiene tendencia a pensar que un grupo a la altura de
quería llegar. Arenas medianas e incluso algunas más grandes en Ghost debe estar nadando en dinero, pero como se ha visto en
Estados Unidos y Europa han permitido a Ghost emplear una MR½RMHEHHISGEWMSRIWRSWYIPIWIVIPGEWS0SWGSWXIWMQTPMGEHSW
producción de directo que no tiene nada que envidiar a los grandes en mover una gran producción escénica pueden rondar las
shows de los ‘80 que todos idolatramos. El repertorio, además, decenas de miles de euros por día. Extrapolado al nivel de arenas
viene ya muy repleto de canciones que son hits indiscutibles de y estadios, el coste de estar en la carretera puede aumentar a los
la formación. Los temas de ‘Prequelle’ como “Rats”, “Miasma” cientos de miles de euros por día. Girar es una maquina de quemar
o “Faith” ya están plenamente integrados al nivel de anteriores dinero que solo se puede mantener a costa de realizar la mayor
gemas como “Cirice” o “Absolution”. Para Tobias, el ciclo ha cantidad de shows rentables en el menor espacio de tiempo.
servido para conseguir la mayor parte de aquello a lo que aspiraba
originalmente. ±(MKEQSW UYI XIRIQSW YR TPER ½RERGMIVS² GSQIRXE *SVKI
“No estamos esperando hacer un montón de dinero con éste
“Mi principal meta, aunque siempre tengo varias metas a la vez, ciclo concreto de la banda. En los años ‘80 las bandas, incluyendo
era consolidar a la banda en esta gira”, relata por teléfono el líder las mayores formaciones del mundo hoy en día, podían vivir y
del grupo. “Quería consolidarla bajo la idea de que Ghost es un mantenerse gracias a los ingresos que les generaban las ventas de
KVYTSHITVSHYGGMzRGSQTPIXE)WSWMKRM½GEUYITSHIQSWPPIZEV discos. Ese dinero cubría prácticamente toda su actividad, porque
nuestra producción en la gira y que cualquiera que nos vea, ya sea básicamente giraban para vender discos. Aquellos shows, aquellas
en una gran metrópolis donde tocan todos los artistas grandes o giras, no eran tan gigantescas como las de hoy en día, pero aun así
en una pequeña ciudad de la periferia, pueda ver el mismo show los grupos que tocaban en mercados secundarios y terciarios no
de Ghost. Sea donde sea. llevaban sus mayores montajes.
En este otoño e invierno, mientras dure la gira americana y Nosotros vendemos discos, los que se venden hoy en día, y
IYVSTIE LEFVIQSW PSKVEHS IWXEFPIGIV ½REPQIRXI E PE FERHE E eso está muy bien. No obstante, lo que para las bandas de los
ese nivel y lograr mi objetivo”, asegura. “Es algo fantástico. Lleva ‘80 eran las ventas de álbumes, para nosotros es la venta de
muchísimo tiempo llegar a ese punto y lleva mucho esfuerzo y merchandise. Eso es lo que nos sustenta”, revela. “Perdamos lo
colaboración que todos los implicados den el salto, que tengan la que perdamos en acarrear una gran producción para todas las
JIWY½GMIRXIGSQSTEVEPPIZEVEGEFSXSHSIWXS'VISUYIIWXEQSW ciudades, lo recuperamos con el gran apoyo de la gente en la

18 | metal hammer
metal hammer | 19
20 | metal hammer
compra de merchandise. La gente se vuelca mucho en apoyar a la
banda por esa vía. En los tiempos que corren, los artistas se apoyan
en la venta de merchandise para sobrevivir. Si no tienes eso, estás
jodido”.
El merchandise de Ghost es uno de los más cotizados del metal
actual. Pocas bandas, junto quizá con Amon Amarth y los primeros
espadas, tienen un éxito tan amplio en el terreno del merch. Ghost
tienen diseños espectacularmente cuidados y precios razonables
que van desde los 25€ por una camiseta a 115€ por una chaqueta
estilo bomber. Por el camino se pueden encontrar desde peluches
del Cardinal Copia por 30€, vasos de cerveza por 15€, máscaras
de Nameless Ghoul por 27€, llaveros por 13€, anillos por 30€,
hoodies por 45€ y hasta bañadores por 40€. Es fácil encontrar
varios ítems agotados en sus shows.
LA MÍSTICA Y EL COSTE DE LA FAMA
La mística de Ghost quedó aparentemente destruida cuando
un hiriente proceso legal fue arrojado contra Tobias Forge por
parte de algunos músicos que habían colaborado en Ghost durante
años y que consideraban, por motivos que solos ellos saben, que
un pedazo de la banda y sus ingresos les correspondían en lugar
de un simple sueldo. La exposición de la persona tras el personaje,
IWHIGMVPEGSR½VQEGMzRHIUYI8SFMEWIVEIPLSQFVIXVEW+LSWX
podría haber tenido un coste tremendo para el músico sueco y la
estrategia de marketing detrás del grupo.
Pero casi como si de un alquimista se tratase, Forge no solo
sobrevivió al envite sino que Ghost pasaron a crecer varios enteros
en términos globales. Desde entonces, el frontman es el tipo que
GETMXERIE+LSWXWMRXIRIVUYI½RKMVUYIIWYR2EQIPIWW+LSYP
más. Cuando le conocimos en Madrid en el año 2013, era Forge
quien realizó la entrevista con nosotros. Cuando descolgábamos
el teléfono, era su voz la que oíamos. Siempre fue él y ahora sigue
siendo él pero sin tener que parapetarse. Pero, ¿a qué coste tiene
lugar esa exposición tan personal? ¿Ha sido bueno para la mística
de Ghost lo que ha pasado en este tiempo?
“Depende del nivel de mística del que estemos hablando”,
sonríe. “Si hablamos del nivel de mística que yo quería tener
alrededor de la banda en 2008, no; si hablamos del nivel de mística
que quiero tener alrededor de la banda en el año 2019, sí. Ahora
podemos hacer tantas cosas que antes no podíamos hacer…
Si quisiese tener un menor grado de exposición en lo personal,
probablemente escogería cambiar de marcha.
4IVSXEQTSGSIWYRRMZIPHIWEGVM½GMSXERKVERHIKIRIVEPQIRXI
hago un show en una ciudad y luego hago un par de entrevistas
telefónicas. No es que yo llame cada día a Blabbermouth para
decirles ‘hey, publicad esto’. Normalmente recibo peticiones para
hacer entrevistas y dejamos a un lado aquellas que no tienen
demasiado impacto. Alguien me da una lista con las entrevistas
que hay que hacer, tengo conversaciones como esta que estamos
XIRMIRHS ] VIWTSRHS TVIKYRXEW 2S IW YR IRSVQI WEGVM½GMS²
sostiene.
“Sé que muchos artistas se vuelven locos para que su voz sea
escuchada. Están constantemente buscando oportunidades para
emitir sus opiniones o estar presentes en los medios. En el caso
de Ghost, no estamos haciendo nada de eso. Hago todo lo que
está en mi poder para mantener a esta banda como una entidad
interesante y provechosa que puede permitirse girar por todo el
mundo y estoy contento con cómo están yendo las cosas”.
A menudo, los fans de Ghost y la gente del negocio se
maravilla por la capacidad para emitir un discurso articulado e
inteligente del músico sueco. “Yo soy mediocre. Lo que pasa es
que todo el mundo es muy tonto”, dice riéndose. “Mis colegas
del negocio del rock, en general, representan la sociedad en su
totalidad”, analiza. “Tienes desde completos imbéciles funcionales
hasta profesores. Podríamos decir lo mismo sobre los atletas y
deportistas profesionales. Hay algunos que están muy orientados
a cultivar el músculo, pero no su cerebro. Luego tienes a los que
son tremendamente inteligentes. Creo que no hay una manera
de medir o equiparar unos músicos a otros. Vienen en todos los
tamaños y formas”.
EL GRAN SALTO
Cuando Ghost solo acudían para tocar en festivales (el
Sonisphere Madrid de 2012 con túnicas blancas o el “bi” Sonisphere
Madrid y Barcelona de 2013) existía la gran duda de si algún día
les veríamos en un club, a solas, con toda su magia y ambientación.
Todavía tuvieron que pasar un par de años para que eso sucediese,
pero la banda actuó en unas repletas salas Apolo y La Riviera a
½REPIWHITEVEHIQSWXVEVUYIWuUYIIVEIPQSQIRXSHIHEV
el paso y venir solos ante un público que no dejaba de aumentar.
El salto fallido llegó después, en plena gira de “Popestar”,
cuando el grupo tuvo que recoger cable y pasar de un Sant Jordi
Club a un Razzmatazz en Barcelona y actuar en un WiZink Center
en formato pista sin llenar en Madrid. Un tour que, celebrado
metal hammer | 21
en semana santa de 2017 debería haber contribuido a la mística, Cuando llevas quince años en un grupo con cuatro personas y
pero que siendo esto España y en Semana Santa, un éxodo para el estáis acostumbrados a ganar dinero con las giras o, como mínimo,
trabajador medio, no tuvo el éxito debido. a poder vivir de ellas es complicado hacer el salto”, comenta el
músico. “Tienes todo controlado al detalle, sabes que necesitas
Ahora las cosas han cambiado. Cuando nos reunimos con a siete tíos girando contigo como técnicos y sabes exactamente
Forge en mayo antes de su show con Metallica, el sueco miraba lo que vas a ganar si estás 30 días de gira. Esa es la situación de
de reojo el vecino Sant Jordi Club anexo al Palau Sant Jordi. “En muchísimas bandas que están en la parte media del poster de
la próxima gira tocaremos en el Sant Jordi Club y, si todo va bien, cualquier festival de rock.
en la siguiente pasaremos al Palau Sant Jordi”, explicaba Forge
con brillo en los ojos. Se pasó toda su infancia viendo el video en Si tienes que dar un salto a otro nivel te has de rodear de mucha
directo de los Rolling Stones actuando en el Estadi Olímpic de más gente, cambiar tu dinámica y tu rutina e invertir una tonelada
&EVGIPSREIRTPIREKMVE±9VFER.YRKPI²HI)PWMKRM½GEHSPE de dinero y tomar una gran cantidad de riesgos. Es algo que la
victoria moral de llegar a acercarse a ese nivel, era tremendo. mayoría de formaciones no quieren hacer porque es incómodo,
es incierto. Es necesaria mucha más coordinación. Pero a mí me
Pero en ese proceso ha habido que batallar contra todos los encanta eso: siempre he estado tremendamente interesado en
elementos y, en especial, contra las expectativas de los promotores las giras de producción completa. Si no hubiese podido lograr
de todo el mundo, que saben que el riesgo de un gran show no es mi sueño de ser músico me habría dedicado a ser un production
el mismo que el de un show en una sala.“Lo más complejo es llegar manager o un diseñador escénico. Es lo que hago, es lo que llevo
al punto en el que te ofrezcan las giras y los grandes recintos”, haciendo desde que era un niño”.
detalla Forge. “Generalmente, los promotores son escépticos a la
hora de meterte en un recinto mayor al de la anterior ocasión y :YIPZIRYIZEQIRXIEWYMRJERGMETEVEIWGIRM½GEVPEMQTSVXERGME
jugársela en ese sentido. Lo complicado es que un promotor diga que tiene, a sus 38 años, todo lo que le está sucediendo a Ghost.
‘deberíamos subir un nivel’”. “En los años ‘80 me sentaba a ver los vídeos de los Rolling Stones
y Pink Floyd y dibujaba el escenario tal y como yo lo imaginaba.
La problemática existente en nuestro país respecto a los Cuando ya estaba en el colegio y alguna vez hacíamos una excursión
recintos medios (para cinco, seis o siete mil personas) no es un a unas pistas de hielo, yo miraba todo el recinto. Observaba el
hecho aislado, sino que sucede en la gran mayoría de grandes techo, observaba la zona de ‘backstage’. Pensaba: ‘aquí es donde
ciudades donde recalan las bandas en sus giras. El estudioso se cuelgan los focos, porque lo he visto en aquel video’ o ‘mira,
*SVKI LE MHIRXM½GEHS IP QMWQS TVSFPIQE EPPu HSRHI LE MHS±0E ahí se pondría el foco de seguimiento’. Eso era todo lo que me
gran mayoría de recintos alrededor del mundo son similares” interesaba de modo que, lo que estoy haciendo ahora es lo que he
explica. “Tienes el recinto típico donde actúan todos los artistas querido hacer toda mi vida. Lo que pasa es que tienes que ir dando
independientes que acoge a unas mil, dos mil o máximo tres mil pequeños pasitos para llegar hasta aquí.
personas en algunos casos. Ya no hablo de los clubs de rock que
acogen a unos cientos, sino de las opciones que te encuentras Yo nunca he girado de la manera en que estamos girando ahora
cuando comienzas a congregar a más de mil y pico personas. La -salvo en mi cabeza-. Ahora sabemos lo que se siente tocando
cuestión es que, en todo el mundo, hay pocos recintos que acojan en arenas o en estadios, lo cual es satisfactorio artísticamente,
a unos pocos miles. Pasas de los espacios de dos mil personas a especialmente hacerlo por nuestro propio pie. Pero claro, es como
los de ocho mil y de ahí a los de quince mil. Hay unos saltos muy lo de las bodas: en una vida media las personas vamos a unas diez
grandes entres las capacidades de los recintos y lo más complicado bodas. Todos sabemos cómo son las bodas, como empiezan, como
es pasar de un nivel a otro. Es uno de los mayores problemas para acaban y todo eso. Pero hasta que no montas la tuya y te das
los grupos. cuenta de la cantidad de detalles implicados, no entiendes el follón

22 | metal hammer
metal hammer | 23
24 | metal hammer
que es. Que si las servilletas, que si unos globos, que si la lista de muy consolidadas que pueden atraer a un público variado y no
MRZMXEHSWUYIWMYREW¾SVIWUYIWMPEPPYZMEUYIWMYREWGEVTEW© necesariamente fanático de su grupo”.
Ahí es donde aprendes de verdad”.
Mientras Forge sigue dando pistas sobre el próximo ciclo
LA IMPORTANCIA DE LOS CLÁSICOS de la banda, el ocaso de la gira “Prequelle” está llegando. Tobias
ha revelado recientemente que no será el Cardinal Copia el
El sentido de la concepción escénica viene motivado por dos encargado de liderar la banda en el próximo ciclo, sino que será
FERHEWUYILERVIWYPXEHSWIVYREGPEVEMR¾YIRGMEIR8SFMEW-VSR Papa Emeritus IV quien llevará el peso de Ghost. También ha
Maiden y Metallica. “Creo que en este momento, en esta parte de desvelado que se encuentra concentrado en la búsqueda de un
la gira, estamos trabajando con una derivación del escenario que productor adecuado para el próximo disco de la banda.
tuvimos en el anterior ciclo. De algún modo es muy ochentero
en cuanto a planteamiento”, explica el multiinstrumentista. (IQSQIRXS+LSWXLERPPIKEHSEP½REPHIWYKMVETVIWIRXERHS
“Siempre he sido un enorme fan de Iron Maiden y Metallica y dos nuevas canciones tituladas “Mary On A Cross” y “Kiss The Go-
desde un punto de vista práctico, las ideas que tuvieron en los ‘80 Goat” como parte de un single titulado ‘Seven Inches Of Satanic
con ‘Powerslave’ y ‘...And Justice For All’ hicieron del concepto Panic’ que da un giro hacia un sonido más setentero y casi surf-
de producción escénica rockera algo totalmente distinto e ideal rock en algunos aspectos. Nada de lo que asustarse: Ghost tienen
TEVEYREFERHEXERXIEXVEPGSQSPERYIWXVE%P½REPPEQE]SVTEVXI una asombrosa facilidad para cabalgar sobre distintos géneros que
de los elementos técnicos de tu escenario están cubiertos y son aparentemente nada tienen que ver con el heavy metal. “Miasma”
invisibles para el público, y esa es una gran ventaja”. no tiene nada que ver con “Rats”, ni esta con “Absolution”, ni esta
a su vez con “Square Hammer”. La virtud de Ghost está en su
“Pensando más allá”, prosigue, “si alguna vez llegamos al nivel capacidad camaleónica y, si más no, en su paciencia.
de esas bandas, las cosas se volverán más elaboradas y podremos
IHM½GEV GSWEW IWTIGMEPQIRXI IR PS UYI VIWTIGXE E GSRWXVYMV “Es algo curioso, porque el rock and roll es el único estilo en
elementos fuera del escenario. En ese punto comenzaría a hacer el que los artistas se hacen gigantes cuando están en su madurez”,
cosas que fuesen menos genéricas y estándar. Hoy en día tienes una declara. “Salvo en el caso de The Beatles, que tocaron en el Shea
estructura escénica que no deja de ser común a todos los grupos, Stadium en su día, o Led Zeppelin, que se hicieron gigantes a los
lo que vendría a ser el típico escenario de festival. Volviendo un veintitantos… La mayoría de bandas se hacen grandes cuando
poco a la pregunta que me hacías antes, tienes que ser capaz de están en su época madura y tras varias décadas de actividad.
crear algo que puedas defender en todas las situaciones, algo que
te permita garantizarle a todo el público de todas las ciudades que Es curioso. La mayoría de grupos que ves tocando en estadios
el show que va a recibir es el mismo. Todo se basa en que tus 40€ hoy en día, ya sean AC/DC, Foo Fighters, Red Hot Chili Peppers,
o tus 40$ estén bien gastados y sientas que así ha sido. Metallica, Green Day… Todos ellos llevan varias décadas a sus
espaldas. Casi ninguno fue realmente grande cuando sus miembros
La parte más complicada de llevar a las miles de personas allí tenían veintipocos años, como sucede en el pop. Y está bien, es
dentro es convencer a los que no son fans”, asegura. “Seamos guay. Lo que te dice eso es que si tienes paciencia, si trabajas duro y
realistas: cuando metes a 50.000 personas en un recinto de si eres persistente, las cosas llegan. Ahí tienes un poco de ‘abc’ del
conciertos, no hay 50.000 fans acérrimos. La gente va a ver algo rock con el que aprender algo de la vida. Sé majo, trabaja duro y las
de lo que ha oído a hablar, pero no sabe exactamente lo que es. cosas llegan. Es uno de los mayores problemas para la gente como
Quizá conocen el gran single de hace quince años, pero no mucho yo, que quiere que todo suceda ya, ahora. Nos volvemos locos si
más. Es por eso que la gran mayoría de artistas que consiguen no sucede todo inmediatamente, pero mirar a nuestro alrededor
hacer grandes shows son artistas de cierta edad, bandas ya nos recuerda que tenemos que ser muy, muy pacientes”.

metal hammer | 25
 kiss
40 AÑOS TRAS LA IMPLOSIÓN
TEXTO: sergi ramos

(1:«-: 01 4-/1> 8- 35>- 9Ÿ? 59<>1?5;:-:@1 01 ?A @>-E1/@;>5- 4-?@-
la fecha, el tour de ‘Love Gun’ y ‘Alive II’. Acababan de editar cuatro
discos en solitario que, colectivamente, vendieron casi tres millones
de copias -dos millones menos de las que fabricó Casablanca Records-.
Habían salido recientemente por televisión con su primera película,
la infame “Kiss Meets The Phantom Of The Park”. Kiss no estaban
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?A<1>.-:0- 1: 18 <A:@; Ÿ8350; 01 ?A /->>1>- ; 01.«- 4-.1> :-0-
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el caos”, explicaba el contable de Kiss de la época, C.K. Lendt, en su recomendable y controvertido
libro “Kiss And Sell” editado en 1997. “En Enero de 1979, Casablanca recibió dos millones de copias
retornadas de los discos en solitario de Kiss. Colectivamente, los discos en solitario de Kiss vendieron
muchas copias bajo cualquier estándar, pero la industria de la música funciona en base a expectativas,
y si fabricas cinco millones de copias es porque esperas vender esa cantidad; si no, has fracasado. Esa
fue la percepción de los discos en solitario de Kiss”.
Los álbumes en solitario fueron una maniobra de Neil Bogart, dueño de Casablanca Records,
y Bill Aucoin, manager de Kiss, para mantener las tensiones a buen recaudo y permitir que los
cuatro miembros de la formación pudiesen expresarse por separado y evitar la implosión de Kiss.
Cuatro miembros, cuatro discos en solitario. Cada uno con un planteamiento y un presupuesto más
disparatado que el anterior. El resultado fue que Casablanca Records fue la víctima de la implosión:
la calamitosa debacle de las devoluciones de los álbumes en solitario llevó la compañía al desastre
½RERGMIVS)R'EWEFPERGEIWXEFEEPEZIRXE
Kiss, por su parte, estaban en una dimensión totalmente distinta ajenos por completo a la realidad.
En los años ‘70, Kiss era el grupo más famoso de Estados Unidos. La prensa peleaba por tener a
Kiss. Los fotógrafos se mataban por conseguir una foto de los miembros de la banda sin maquillar.
La televisión emitía anuncios del merchandise de Kiss. El grupo grababa hasta dos trabajos al año y
giraban incesantemente cuando no estaban en el estudio. Japón les adoraba. Estados Unidos estaba
sumido en la histeria. Solo había un camino para Kiss en ese punto: saturar el mercado por completo.
SUPER KISS, EL CONCEPTO

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desde la perspectiva de que Kiss, como tal, no era más que algo del pasado. Lo que venía era Super
Kiss. El grupo quería llevar más allá su papel como iconos de la cultura pop, una especie de personajes
Disney del rock capaces de conquistar a padres e hijos por igual con su rijoso rock and roll y su
GSPSVMWXEMQEKIRGEHEZI^QjWVI½REHEGEHEZI^QjWI\IRXEHITIPMKVSWEPZSTSVPEWERKVIUYIFVSXEFE
de la boca de Gene Simmons a medio concierto.
Dado que el batería Peter Criss estaba siendo el principal quebradero de cabeza de Kiss -sus
adicciones y su errático estilo como batería llevaban de cabeza a Gene Simmons y Paul Stanley- la
formación decidió hacerle un gesto y usar a Vini Poncia como productor del próximo disco de la
banda. Poncia había sido el productor que había lidiado con Criss en su disco en solitario -el menos
ZIRHMHSHIPSWGYEXVS(IIWXMPSVI½REHS]GSRFYIRSuHSTEVEPSWWSRMHSWTST4SRGMEHMSPYKEV
a un álbum que ha quedado como testimonio de una época y de una era de Kiss que tiene tantos
seguidores como detractores.
Stanley rápidamente se puso a trabajar con Poncia y pronto, tras los ensayos de pre producción,
ambos decidieron que el estilo como baterista de Criss estaba muy menoscabado y que no encajaba
con el estilo de disco que Kiss querían hacer. Así pues, el batería Anton Fig, que había trabajado
IR IP jPFYQ IR WSPMXEVMS HIP KYMXEVVMWXE%GI *VILPI] JYI ½GLEHS TEVE KVEFEV PEW TMWXEW HI FEXIVuE
del disco. Criss, por su parte, tan solo tocó la batería en un tema, el único que cantó en todo el
disco, donde compartió créditos compositivos con Poncia y con su amigo Stan Penridge. No muy
sorprendentemente, el batería gatuno estaba fuera de la banda apenas un año después.
Si bien Criss estaba camino a la salida, en ‘Dynasty’ fue Ace Frehley quien vio cómo sus acciones
como miembro de Kiss subían verticalmente. Tras un disco en solitario que fue el más exitoso de los
cuatro, el grupo permitió a Frehley ubicar hasta tres canciones suyas en el trabajo: las hard rockeras
“Save Your Love” y “Hard Times” y la versión de los Rolling Stones “2000 Man”. Frehley estaba en
26 | metal hammer
estado de gracia musicalmente, aunque sus adicciones al alcohol y
las drogas le hacían progresivamente más difícil en el contexto de
una formación tan exigente como Kiss.
Los temas de Gene Simmons eran medianeros en el mejor de
los casos y difícilmente recordados 40 años después. Lejos estaban
los tiempos de “God Of Thunder”, “Calling Dr. Love” o “Christine
Sixteen”. Las dos contribuciones de Simmons se redujeron a
“Charisma” -uno de los estribillos más raros de la historia del
grupo- y “X-Ray Eyes”. Dos canciones de malote para un Simmons
que parecía más preocupado por conquistar el mundo que por
hacer buena música.

Fue Paul Stanley quien, en plena época de Studio 54 y residiendo

en Nueva York, le dio al disco el giro que lo hizo grande y generó el
mayor éxito de Kiss hasta la fecha. “Me fui a casa, puse una caja de
ritmos a 126 bpm y me senté a componer lo que sería ‘I Was Made
For Lovin’ You’”, explicaba en su biografía “Face The Music” de 2014.
Con la colaboración del magistral Desmond Child, Stanley dio pie al
que sería el mayor éxito radiofónico y mainstream de Kiss. A día de
hoy, mucha gente piensa en Kiss como “la banda de ‘I Was Made For
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y atrajo a otros. No sería hasta el inicio de la gira de ‘Dynasty’ que
la cruda realidad mostraría su cara. “No nos estábamos haciendo
más grandes”, recordaría Stanley en su biografía. “Nos estábamos
haciendo más pequeños”.

LA GIRA IMPOSIBLE
“No se escatimó en nada a la hora de organizar el tour de 1979
alrededor del concepto de Super Kiss”, recuerda Chris Lendt en
“Kiss And Sell”. “Una agenda diaria era impresa y repartida por una
de las secretarias de Aucoin Management y a media mañana se había
sustituido por una agenda revisada. Las reuniones eran incesantes.
4EVEGEHEYRE&MPP%YGSMRLEFuETVITEVEHSGYEHIVRSWGSRKVj½GSW
PMWXEWHMFYNSWIWTIGM½GEGMSRIWXqGRMGEW]EKIRHEW0SWQMRYXSWHI
cada reunión eran transcritos por una persona y se distribuían
entre el equipo en el plazo de 24 horas”.
El escenario debía ser el más espectacular de toda la historia de
Kiss. Tendría un truss hexagonal para las luces, con más de 400.000
vatios de potencia y llegaría de una punta a otra de los recintos.
Pasarelas y elevadores hidráulicos estarían repartidos por la parte
trasera. La banda emergería de dichos elevadores iluminados por el
color de su aura según lo aparecido en las portadas de los discos
en solitario. Los nuevos disfraces de Kiss serían tremendos. El éxito
sería tal que toda la estructura de la gira estaba basada sobre la
premisa de que Kiss harían varias noches en cada ciudad, de modo
que con dos o tres conciertos con el mismo escenario montado en
IPQMWQSVIGMRXSHEVuERPYKEVEMRSPZMHEFPIWFIRI½GMSWIGSRzQMGSW
Además, era imposible mover semejante mastodonte de escenario
de una ciudad a otra de un día para otro. No había más remedio.
Una tarde, tras una de muchas reuniones de la formación con su
management, Gene Simmons se quedó a solas en la sala de reuniones
con Lendt, el contable. En medio de toda la montaña de diagramas,
archivos, papeleo técnico y demás, Lendt le comentó a Gene que
quizá, tan solo quizá, “todo esto era demasiado Kiss”. Simmons le
respondió que “su opinión era respetable” pero que Kiss ya no era
“solo un grupo de rock”. “Solo Paul piensa que seguimos siendo
eso”, espetó. Kiss eran un concepto y, como tal, podía expandirse
de las maneras más insólitas. Kiss eran omnipresentes. Podían hacer
lo que quisiesen. El mundo era suyo.
Tal era el nivel de desquicie del momento que Gene y Howard
Marks, uno de sus consejeros económicos, delinearon algo que
debería ser incluso más grande que la propia gira: Kiss World.
Un parque temático que acompañaría a Kiss en sus conciertos
y que sería construido de modo adyacente a cada recinto de los
conciertos. Al pobre Lendt le tocó ponerse a preparar lo que sería
aquello y contactar con empresarios de circo que pudiesen poner
en marcha el proyecto y darle cara y ojos.
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la imagen de Kiss, con montañas rusas, un cine en 3D con vídeos
de Kiss, un museo con memorabilia de la banda y toneladas de
merchandise en puestos repartidos por todo el lugar. Entre
atracciones, generadores, motores, carpas, andamios, puestos
de refrescos, maniquíes de cera para el museo, un cine portátil,
domadores, mujeres barbudas, tragasables, enanos y demás, el
concepto se les fue de las manos. A la que Lendt se lo propuso a
uno de los promotores de la gira, vio que aquello era inviable. Se

metal hammer | 27
fue a Nueva York junto con un encargado de logística del promotor
que organizaba los tres shows de Kiss en el Madison Square
Garden. “Fui a inspeccionar un espacio entre las calles 50 West y
52 West”, recuerda Lendt. “Era una parcela sin desarrollar y tenía
las dimensiones ideales para Kiss World. […] En algún momento,
mientras caminaba por el solar, me entró la risa histérica. El tío de
la promotora no entendía nada. Todo se había vuelto demasiado
loco, demasiado complicado y demasiado excesivo. Kiss World, por
muy inteligente que pareciese, era una quimera”.
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“I Was Made For Lovin’ You” convertido en un éxito radiofónico, el
grupo se reunió en el Nassau Community College de Long Island
(Nueva York) para comenzar los ensayos de producción de la gira.
Allí el escenario fue construido y desmontado tantas veces como fue
necesario para que el tour funcionase. Los nuevos efectos tenían que
probarse, entre ellos una cortina de lasers a través de la que la banda
emergía al inicio del show y que no funcionaría ni en el primer concierto
-con un coste de la friolera de 250.000 dólares irrecuperables-.
Finalmente, el show fue trasladado a Lakeland (Florida), ciudad del
primer directo de la gira de 1979. Kiss siguió ensayando en el Civic
Center. Allí fue donde la realidad se hizo palpable. “Bill me llevó a los
camerinos”, recuerda Lendt en su libro. “El segundo concierto en
Lakeland estaba cancelado. Luego Bill sacó un trozo de papel de su
bolsillo y comenzó a detallar todas las otras ciudades cuyos segundos
bolos estaban cayéndose del itinerario de gira”.
28 | metal hammer
La estrategia estaba fallando. “En casi cada ciudad donde Kiss
esperaban hacer más de un show, apenas había demanda para
hacer uno”, escribió Lendt. Con unos costes iniciales de 2,2
millones de dólares de la época, el desastre que se avecinaba era
épico. Después de una reunión de emergencia en julio de 1979
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PSW GSRWINIVSW ½RERGMIVSW HI /MWW GSRWMKYMIVSR UYI%GI *VILPI]
pagase su provisión habitual de Dom Pérignon. Peter Criss acordó
no cargar a las cuentas de la gira sus cigarrillos.
Kiss estaban a punto de implosionar. En Shreveport (Luisiana)
el 8 de diciembre de 1979, las relaciones entre Criss y el resto de
PEFERHEWIJYIVSRETMUYIHI½RMXMZEQIRXI'SRYR'VMWWIVVjXMGS
por el consumo de cocaína, su ritmo de batería comenzó a decaer
progresivamente. Mientras la formación le miraba confundida, Criss
tocaba cada vez más lento hasta que dejó de tocar por completo.
Paul Stanley despidió el show, el confeti estalló y un “We love you,
Shreveport. Good night” sonó en el recinto. El grupo se encerró
IRIPGEQIVMRS]PSWKVMXSWHYVEVSRYRELSVE'VMWWEGSVHz½REPM^EV
los cuatro conciertos que le quedaban a la gira. La última noche,
un avión privado recogió a la banda, que no se dirigió palabra con
'VMWW )VE IP ½REP HI PSW /MWW SVMKMREPIW TIVS REHMI PS WEFuE IR
ese momento. No sería hasta el 15 de junio de 1996 en Irvine,
(California) que los Kiss originales volvieron a tocar juntos sobre
un escenario, maquillados y con todo su espectáculo.
 STUDIO REPORT

doble esfera
LA SALA DE MÁQUINAS (LORCA, MURCIA)

TEXTO Y FOTOS: ZOE LILITH

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>;/7<>;3>1?5B;EA:;?/AŸ:@;?3§:1>;?9Ÿ? ?11:/A1:@>-:A8@59-:0;8;?01@-881?E>1@;/-:0;@;0;
lo necesario para perfeccionar su cuarto y próximo disco de estudio, titulado ‘Futuro’. La grabación
ha sido producida por Pedro “el Loko” Martínez y co-producida por Antonio Elzaurdia. También ha
contado con la aportación del trabajo de grabación y maquetación de Manuel Torroglosa, técnico
01Ţ-%-8-01Ÿ=A5:-?Ţ':-<>;0A//5±:01/-850-0 /;:@A:01:@1E01ŋ:50-

El primer vídeo-single de adelanto, del mismo nombre, ya ha sido
publicado y está teniendo una gran recepción entre los seguidores
del grupo murciano. Doble Esfera además estrena formación en esta
nueva gira: Eladio Ruipérez a la voz, Antonio Elzaurdia a la guitarra, Willy
Medina a la batería, Johnny Lorca al bajo y Pablo Villena a los teclados y
electrónica. El grupo se fundó en el año 2010 en la ciudad de Murcia y
-además del punto acústico y personal y una sorprendente composición
mezclando inglés y castellano en la que nos transportamos a lo más
profundo de Texas-.
Estuvimos en el estudio viendo cómo iba el álbum acompañados por
Antonio Elzaurdia (guitarra), Willy Medina (batería) y Pedro Martínez de
GYIRXEGSRXVIWXVEFENSWHMWGSKVj½GSWERXIVMSVIW³1M9RMZIVWS´04
 Press Stop Records y nos contaron cómo se veían con los retoques que
‘El Baile De Los Necios’ (EP, 2015) y ‘Rock Duro Del S. XXI’ (EP, 2016).
DOBLE ESFERA EN EL ESTUDIO
Nos dirigimos a Lorca al estudio La Sala de Máquinas. En dicho
lugar se ha grabado la batería y se está mezclando y masterizando
el álbum. El resto de los instrumentos, las voces y los coros, se han
grabado en los Press Stop Records de Mula, que es el estudio de Pedro
“Loko” Martínez. Allí pudimos escuchar en directo y casi en exclusiva el
próximo trabajo al completo. Su próximo disco supone una evolución
en su sonido. Introduce electrónica y teclados, y está compuesto de
temas que dan un giro estilístico de 360 grados pero manteniendo su
gran la esencia con los riffs de vértigo, las voces melódicas (y a la vez
faltaban en las composiciones y cómo se habían visto en la evolución
musical que tiene este disco con el sonido característico que han añadido
con Pablo a los teclados, quien le da ese aire futurista y que recuerda
un poco a los años ‘80. Han conseguido que, sin olvidarse de su sonido
SVMKMREPWIPIWEQTPuIRLSVM^SRXIWIRPSUYIETFPMGSWIVI½IVIGSRIWXI
nuevo sonido fresco y original que crea un popurrí bastante curioso.
Escuchado la primera vez puede sonar algo extraño, pero las melodías
son muy limpias, todo el disco está muy cuidado y tiene un sonido muy
claro. A pesar de los toques electrónicos que en algunas canciones
tienen ese estilo futurista, ´Futuro´ no va a ser un CD conceptual de esa
idea pese a que ciertos temas se guíen por ese camino.
Junto a la introducción, el redondo se compone de 10 temas que
desgarradas) y sus ritmos pegadizos. Un viaje auditivo entre poderosos XIRHVjRYRSVHIRERTSVXIVQMREVHIIWTIGM½GEV
2SWGSRXEVSRGzQS
ritmos heavies junto a melodías que transportan al espacio exterior con para componer, se habían dividido claramente en tres canciones por cada
los toques electrónicos que refrescan el sonido habitual de la formación compositor. Las que más recuerdan al sonido original de Doble Esfera

30 | metal hammer
son los compuestos por el propio Antonio. Las que tienen los toques
futuristas son las compuestos por Pablo Villena, última incorporación
a la banda como compositor, teclista y el que aporta la electrónica y
los acústicos a la formación con frescura y novedad. Las compuestas
por Eladio Ruipérez (vocalista) mezclan perfectamente ambas etapas
manteniendo el sonido original de la banda pero añadiendo el toque
novedoso y fresco de las nuevas composiciones.
Todo ello hace del disco una obra en tres actos, aunque no van
en ese orden ni con esa intención, pero se podría ver de esa forma al
intentar reconocer cuáles están compuestos por cada uno de ellos, algo
bastante divertido y que hace que se explore más auditivamente y que
se esté más atento a los tecnicismos instrumentales de las canciones.
DENTRO DEL ‘FUTURO’ DE DOBLE ESFERA
Inferno: es el título de la intro del disco, compuesta por Antonio
Elzaurdia.
Futuro: Tiene temática futurista. Habla sobre un viaje espacial a
Andrómeda huyendo y luchando contra la maldad del planeta Tierra. Es
el primer single que se ha dado a conocer del nuevo trabajo -y dispone
de video-. Uno de los temas cuyo sonido hace de conexión entre la
etapa del anterior CD a esta nueva etapa.
La 4ª Esfera: Lleva temática futurista también. Está ambientada
libremente en la película
&PEHI6YRRIV)WYRSHIPSWRYIZSWGSVXIWUYIINIQTPM½GEIWIRYIZS
sonido de esta etapa que comienzan los murcianos con su nuevo trabajo.
Será el tercer single del álbum.
Padre: La letra habla sobre la relación tormentosa de un hijo y su
padre. Tendrá videoclip una vez se salga a la venta el disco el próximo
mes de enero. Una curiosa mezcla melódica en la composición que
atraviesa por dentro al oyente con un poderoso sentimiento. Será el
segundo single.
Deriva: Otra canción con la ambientación futurista basada
PMFVIQIRXIIRPETIPuGYPE+VEZMX]7YRSQFVIRSIWHI½RMXMZS]ZYIPZIGSR
la potencia que recuerda aún a los inicios de la banda, a esa esencia que
les ha llevado a donde están ahora pero metiendo las nuevas melodías
que caracterizan a este trabajo tan especial.
Con Nocturnidad Y Alevosía: Trata de una persona que busca
WYHIWXMRSIRRSGLIWWMR½REP)WYREYRMzRGPEVEIRXVIPEERXIVMSVIXETE
y la nueva con un sonido potente. La melodía y los ritmos cambiantes de
los riffs de guitarra de Johnny predominan con mucha fuerza, cosa que se
puede apreciar casi todas, pero en esta especialmente.
Three Sisters: La historia de este corte va sobre un viaje a un
paraje natural canadiense, Wapta Falls, y habla de sus montañas rocosas,
ríos, gentes, poblaciones... Pablo canta durante el estribillo en inglés en
vez de tocar los teclados; además han metido 3 solos donde cada uno
demuestra su habilidad con el mástil uno detrás de otro. Está muy bien
compuesto y masterizado. Combinan el castellano con el inglés y tiene
un sonido con un toque muy americano, algo country rock pero aunado
con el pesado heavy. También hay coros de su bajista Johnny.
La Reserva: Es un alegato contra la censura y a favor de la libertad
de expresión. Tiene tintes futuristas con guiños a las novelas “Un Mundo
Feliz” de Aldous Huxley y “1984” de George Orwell. Es una canción en
la cual se vuelve a tirar más hacia el rock duro y heavy con el sonido
característico de la banda.
429-2: Habla del fallecimiento de un ser querido. Un tema más lento
y acústico cantado y tocado por Pablo, el teclista, aunque también cuenta
con dos solos de guitarra, uno de él mismo y otro de Antonio. Vuelve a
haber coros de Johnny y Pablo. Sobrecogedor, auténtico, sentimental y
profundo. Envuelve al oyente con un fuerte sentimiento acompañado de
la dulce, suave y limpia voz de Pablo a través de las melodías de toda la
canción. Sin duda, una de las que se acabarán convirtiendo en las favoritas
del público.
Juicio Final: Para cerrar este álbum, una letra sobre qué va a
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de heavy-rock nacional. Es un tema que se pensó para antes de este
trabajo de estudio -de hecho ha tenido que ser regrabado entero- y al
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single suelto. Contiene el sonido totalmente original de Doble Esfera.
Después de haberlo escuchado entero a punto de terminar de
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canción, las intenciones que tenían en cada una de ellas deja con un
muy buen sabor de boca y con muchas ganas de que salga en físico para
poder disfrutar de él. Durante todo el álbum se tiene el irrefrenable
impulso de estar siguiendo cada ritm, junto a las limpísimas melodías
donde, unidas con las letras, crean una atmósfera llena de rock duro
potente y pegadizo, clásico pero actual y todo ello con la innovación de
los teclados y las pinceladas electrónicas que aportan ese curioso toque
futurista mencionado, lo que hace que se llene de frescura. Sin duda, uno
de los trabajos nacionales que se publicarán el año que viene que se
tendrán muy en cuenta a su salida al mercado.
metal hammer | 31
TERREMOTO MENTAL

FRANK CARTER
& THE RATTLESNAKES
Frank Carter es un personaje de lo más llamativo.
Contundente tanto encima como fuera del escenario,
afronta sus demonios mentales en base a un espectáculo
que le ha valido para ser uno de los máximos referentes
de la escena punk mundial.

TEXTO: VÍCTOR VALLESPIR FOTOS: VÍCTOR GALLEGO

El cantante de la banda ahora llamada Frank Carter & The

Rattlesnakes (antes militó en Gallows y Pure Love) se encontraba
en plena gira europea de presentación de su último esfuerzo
HMWGSKVj½GS XMXYPEHS ³)RH 3J 7YJJIVMRK´ UYI PI PPIZEVuE E XMIVVEW
españolas a mediados de noviembre- cuando atendió a la llamada
de esta revista. Entre los temas que se trataron, desde accidentes de
XVj½GSLEWXEWEPYHQIRXEPWITEWzTSVPSUYIEP½REPTEVIGIWIKYMV
siendo lo más importante en su día a día: la música y la libertad que
le produce encontrarse encima de un escenario.
“Está siendo una experiencia fantástica. Los fans lo están
dando todo y, en general, los conciertos están siendo de lo más
especiales”, responde Frank Carter con la voz algo cansada desde
algún camerino de quién sabe qué sala europea. Lleva un par de
semanas enfermo y, sin embargo, asegura que ésta está siendo
una de las mejores giras de su carrera. Sin ir más lejos, hace
pocas semanas colgó en sus redes sociales que acababa de dar el
concierto más memorable de su vida en tierras germanas. “Fue algo
espectacular, la verdad. No puedo explicar con palabras lo que se
siente en esos momentos, hay que estar allí. Hubo algo especial,
una energía en el ambiente y una conexión que nunca antes había
experimentado”, explica. Sin embargo, ¿qué es lo que hace que un
concierto sea más especial que otro para un tipo como él, que se
las ha visto de todos los colores encima del escenario? “Desde el
momento en que te subes al escenario empiezas a notar este tipo
de cosas. Puedes haber tocado el mismo concierto en cincuenta
ocasiones y, de repente, pueden ocurrir este tipo de cosas. Intento
que cada noche los conciertos sean así… pero no siempre ocurre”.
LA SALUD DE FRANK CARTER Y SU RELACIÓN CON
EL PÚBLICO

Las entradas para sus espectáculos están volando pese a

que, en algún momento, la gira llegó incluso a peligrar. Frank tiene
mucha suerte de poder estar realizando estos conciertos puesto que
tuvo que cancelar algunos shows en América debido a un accidente
de coche que, por fortuna, no acarreó más consecuencias para el
cantante.“No estaba preparado para algo así, y tuve que recuperarme
bien antes de volver a tocar. Ahora, por suerte, estamos mejor y
la energía de los fans ha hecho que esta gira europea esté siendo
mucho más sencilla”, revela. No tiene que ser fácil pasar por algo así,
y así se lo demostró a sus seguidores una vez la noticia corrió como
la pólvora por la red. ¿Cómo cambia a una persona una experiencia
como esta? “No puedes pasar por algo así sin verte afectado… Es un
evento realmente complicado en la vida. Duele mucho. Es muy difícil
pasar por algo así. No puedes imaginar lo que es tener un accidente
HIIWXIXMTS*YIQY]WEPZENI)WYREHIPEWGSWEWQjWXIVVSVu½GEWUYI
me han pasado en la vida”.
Frank Carter es un artista que ha sufrido depresión y que
siempre se ha mostrado muy abierto a hablar sobre esas problemáticas
con todos sus fans. Sin embargo, parece que encima del escenario

32 | metal hammer
todo cambia para él; de golpe, las debilidades se
transforman en virtudes, y la energía que llega a
desprender se contagia de forma irremediable
a todos los que asisten, patidifusos, a sus shows.
Pero no todo es tan fácil como parece. “Mi
estado mental va cambiando. Cada día hay que
afrontar la situación de una forma distinta. Doy
lo mejor de mí mismo para estar siempre en
el mismo punto, pero no siempre funciona.
Cuando me subo al escenario las cosas son
distintas, pero evidentemente no todos los
conciertos son iguales ni me siento de la misma
forma, igual que tú no te sentirás igual un lunes
o un jueves cualquiera”. Esto lleva también a
querer averiguar cómo afecta la vida real a un
artista que se pasa el día tocando sus mejores
canciones. “Siempre tengo en mente lo que
sucede a mi alrededor, si mi familia está bien, si
mis amigos están bien, etc. Es evidente que todo
eso tiene un impacto en mis conciertos y en mi
actitud cuando estamos tocando”.

Como bien comentábamos, el cantante

siempre ha sido un tipo muy abierto a hablar
sobre problemas de salud mental, su depresión
y acerca de lo vulnerable que uno se puede
llegar a sentir en según qué ocasiones. No
IWGSRHIUYIWYRYIZSXVEFENSHMWGSKVj½GS³)RH
Of Suffering’, fue compuesto y grabado durante
unos días realmente oscuros en su vida. “La vida
es un proceso de aprendizaje y zde ir creciendo
como persona. Como te he comentado antes,
mi estado mental cambia a cada día que pasa,
por lo que a veces, estando triste, escribo una
canción y al día siguiente ya no me siento de
la misma forma. Sigo con mi vida pese a que
la jornada anterior escribí una canción súper
depresiva”.
Su relación con el público es una
de las más honestas que se puede conocer
en nuestra escena, y es que hablando de sus
propias canciones, Frank Carter asegura que
pertenecen más a sus seguidores que a él.
“Mi trabajo es para la gente, para que puedan
expresarse a través de mis temas. Doy voz
a esa gente. Las canciones les pertenecen
a ellos, yo no tengo nada que ver con todo
eso. Simplemente tengo la responsabilidad
de seguir tocándolas para que la gente pueda
I\TIVMQIRXEV PS UYI IWSW XIQEW WMKRM½GER
para ellos”. Por lo que parece, la reacción del
respetable a estas nuevas canciones lanzadas
en ‘End Of Suffering’, que tiran hacia tendencias
cercanas al pop y al rock -en contraposición
al punk al que tenían acostumbrados-, está
siendo fantástica. “Los temas antiguos son más
rápidos. Evidentemente, las sensaciones son
distintas. De todos modos, tengo una actitud
un poco extraña con mis discos. Una vez los
he lanzado siento que yo ya no tengo ningún
XMTSHIMR¾YIRGMEIRPSUYITIVGMFIIPTFPMGS
No cuestiono mi propio material, simplemente
lo interpreto tal y como se espera desde la
audiencia. Creo que la gente está encantada
con este nuevo álbum, pero somos nosotros
los que somos afortunados por tenerlos a ellos.
Las reacciones están siendo fabulosas”.
Este nuevo trabajo, sin ningún tipo de
dudas, le habrá ayudado a llegar a un nuevo
tipo de público y, seguro, también a convencer
a unos antiguos seguidores que siguen
pudiendo disfrutar de la crudeza de sus nuevas
composiciones. A cada año que pasa es un
artista más grande, lo que lleva a preguntarse
cómo puede ser que un músico como él, que
ha alcanzado sus metas y que está obteniendo

metal hammer | 33
cada vez más reconocimiento, pueda vivir angustiado y con para mis seguidores. En mis redes sociales intento hablar sobre lo
problemas de depresión. Para Carter, una cosa no tiene nada que bueno y sobre lo malo, sobre lo que es mi vida real. Quiero que
ver con la otra. “No es mi trabajo explicar a la gente el porqué la gente aprecie lo que tiene”. Las redes sociales, sin embargo, son
HI PEW GSWEW 4VI½IVS IWTIVEV TEVE UYI PS TYIHER IRXIRHIV² YRXIVVMXSVMSTIPMKVSWSHSRHIPEWTIVWSREWZIRVI¾INSWEPSWUYI
Sin embargo, un tipo como Frank Carter entiende que vive una no se pueden equiparar y, a menudo, experiencias que nunca van
situación privilegiada y que trata de pasárselo bien en su día a a poder vivir. Para Frank, a pesar de todo, las nuevas tecnologías
día en la carretera. “Cada día intento por todos los medios estar son una bendición para un artista como él. “Las redes sociales
orgulloso de mi posición y de disfrutar de lo que la vida me ha me permiten conectar con mis seguidores sin ningún tipo de
dado. Pero no todo es tan bonito como parece desde fuera. Para MR¾YIRGMEI\XIVRE2EHMIZEEGEQFMEVQMWTEPEFVEWEWuUYITYIHS
mí es muy complicado pasar tanto tiempo alejado de mi familia ser lo más honesto posible con toda la gente que me sigue. El
y de mis amigos. Este trabajo tiene tantos pros y contras como hecho de ser abierto y honesto con la gente que te aprecia es lo
cualquier otro tipo de empleo. Yo no estoy aquí para juzgar a que hace que las redes sociales sean una buena herramienta, pese
la gente, así que espero que la gente tampoco me juzgue a mí. a todo lo negativo que puedan conllevar”.
Cuando pasen tres semanas encerrados en una furgoneta podrán
empezar a entender mi situación”. %P½REPHIPHuEPEQWMGEIWPSUYILEGIUYI*VERO'EVXIV
se vuelva otra persona y que, encima de los escenarios, se
El tiempo le ha dado una fama que no solo se reduce a la convierta en la bestia que todos conocemos. “No tengo miedo
música, y es que sus explicaciones sobre los procesos mentales de nada de lo que me rodea cuando estoy tocando. En mi día a día
a los que se ha visto evocado le han hecho también un referente temo por mis amigos y por mis familiares, por que les pase algo.
para aquellos quienes han sufrido, precisamente, esas mismas Sin embargo, en el escenario, me siento invulnerable, puedo ser la
GSQTPMGEGMSRIWIRPEZMHE%P½REPXSHSWIVIWYQIIRTSHIVLEFPEV persona que realmente soy”.Y esa es precisamente la versión del
de forma abierta de esos problemas de salud mental, un asunto GERXERXIUYIQINSVGSRSGIRWYWE½GMSREHSWIWTEySPIWUYINYWXS
que cada vez afecta a más personas y al que la sociedad actual, acaban de presenciar sus actuaciones en sala y que, entre otros
por desgracia, cada vez empuja más. “Deberíamos hablar más shows, aún recuerdan su fabulosa actuación en el Resurrection
abiertamente de la salud mental, cada día, y dar ayuda a la gente Fest del 2018, cuando dio uno de los mejores conciertos del
que la necesita, un espacio para discutir sobre esos problemas. festival. “Siento ese aprecio cada vez que vengo a España. El
Esa es una de las cosas más importantes, hablar de ello. A la concierto en el Resurrection Fest fue una locura, me encantó
gente le da miedo expresarse a sus amigos o a sus padres por cada segundo del concierto. Fue algo perfecto”, asegura desde el
miedo a que no le entiendan. No hay que juzgar ese tipo de otro lado de la línea.
personas; aunque no hayas tenido depresión y no te la crees,
no hay que causar un impacto negativo hacia esa gente. Hay que Un tipo como él, acostumbrado a cantar entre el público y
hablar más sobre ello tanto a nivel personal como institucional”. a darlo todo en cada uno de sus potentes conciertos, las ha vivido
de todos los colores. Ha tocado en todo tipo de situaciones,
EL ENTORNO DE FRANK Y SUS CONCIERTOS EN desde conciertos para pocas decenas de personas hasta en
ESPAÑA KVERHIW JIWXMZEPIW HSRHI RS WI TIVGMFI IP ½REP HI PE EYHMIRGME
Por este motivo le preguntamos acerca de las diferencias entre
¿Qué papel juegan las redes sociales en todo esto? Frank ambos tipos de actuaciones. “Las sensaciones son las mismas, lo
Carter las ha usado en múltiples ocasiones para reivindicar que único que cambia es la intimidad y la conexión que sientes con
es absolutamente normal padecer algún problema de este tipo tus seguidores. Los directos en sala permiten mostrarte como
y que, tal y como nos comentaba, lo importante es poder hablar realmente eres encima de un escenario, por lo que es la ocasión
HIIPPSGSRPEKIRXIUYIXIVSHIEfPXMIRIGMIVXEMR¾YIRGMEWSFVI perfecta para poder conectar con todos nuestros fans”. Para
sus seguidores, e incluso ha llegado a publicar algún post que se Frank Carter, todo se limita a ser honesto consigo mismo y con
ha vuelto viral, así que le preguntamos acerca de cómo gestiona un público que cada vez le adora más. ‘End Of Suffering’ es, sin
su papel en la red. “Entiendo que esa es la situación, que tengo ningún tipo de duda, el álbum que él quería hacer, una vuelta de
una notoriedad y tengo que ser responsable, y es por eso que tuerca a su particular visión de la música que, seguro, tendrá una
intento ser la mejor persona que puedo, un buen modelo a seguir respuesta en futuros lanzamientos de estudio.

34 | metal hammer
36 | metal hammer
 LEYENDAS Y MISTERIOS

crystal viper
Si a cualquiera que tenga más de 40 años le explicas en 1985 que un buen día un grupo de
heavy metal polaco sería una de las mayores esperanzas del género -y contratados por una
05?/;3>Ÿŋ/--819-:-
@105>«-=A1@11?@Ÿ?/4A@-:0;-83;
texto: sergi ramos FOTO: Tim Tronckoe
Crystal Viper es la prueba de que -por mucho que nos digan lo que el disco está gustando”, explica Marta. “A los fans también les
contrario- vivimos en tiempos mucho mejores de lo que nos damos está gustando, pero no puedes hacer feliz a todo el mundo siempre.
cuenta. No solo eso: Marta Gabriel, su principal líder y compositora, es Puedes hacer el mejor zumo de naranja del mundo, el más sabroso,
YREHIPEW½KYVEWJIQIRMREWQjWEHQMVEHEWHIPLIEZ]QIXEPXVEHMGMSREP pero siempre encontrarás a alguien a quien no le gusta el zumo de
en la actualidad. Siete discos de estudio y una incesante capacidad para naranja. Con la música pasa exactamente lo mismo”.
girar y atraer nuevos fans han hecho de la banda un torbellino que está
llamado a liderar el movimiento en años venideros. A nivel lírico, el álbum toca una variedad de temas que, por lo
general, tratan de leyendas y misterios históricos sin irse al terreno
El nuevo disco de la banda, ‘Tales Of Fire And Ice’ supone un conceptual en sí. “La mayoría de letras están inspiradas en leyendas,
pequeño giro en su sonido hacia un heavy metal algo menos tradicional misterios y secretos del mundo que nos rodea, así como la historia”,
IRIPWIRXMHSHIIWETVSPu½GE2I[;EZISJ8VEHMXMSREP,IEZ]1IXEP
 HIXEPPE+EFVMIP±3XVEWXMIRIRYRWMKRM½GEHSQjWTVSJYRHS)PTVMQIV
mucho más elaborado y, por momentos, oscuro. “En mi opinión nunca
hemos grabado dos discos que suenen iguales”, valora Marta Gabriel
en conversación telefónica. “Si pensamos en ‘Legends’ o ‘Crimen
Excepta’, son álbumes que son totalmente distintos. ‘Tales Of Fire And
Ice’ es, a su vez, distinto a todos los previos. No queríamos repetirnos.
A la vez, no teníamos intención de grabar algo que sonase forzado,
poco natural, como algo que no nos gustaría tocar. No se trata de
cambiar por cambiar”.
Con diez canciones y un bonus track con la versión de Dokken
“Dream Warriors”, el nuevo disco de los polacos es mucho más
apetecible al seguidor casual que ‘Queen Of The Witches’, su anterior
obra. “Este trabajo tiene más elementos de hard rock y power metal
melódico”. Gabriel ha compuesto acompañada, por primera vez,
quitándose parte de la presión y consiguiendo un resultado más
heterogéneo en retorno. “Pienso que las nuevas canciones son más
melódicas que en álbumes anteriores, pero creo que no son dulces.
Sigue siendo heavy metal puro. Nosotros sabemos cuáles son nuestras
raíces musicales y no renegamos de ellas”, asegura.
El grupo ha tenido varios cambios en los últimos años. Los más
recientes han sido los del guitarrista Eric Juris, el batería Ced y el
bajista Blaze J. Grygiel. Una sustitución de toda la sección rítmica
-que no es poco- y el añadido de un tercer guitarrista que junto con
Gabriel y su compañero de batallas, Andy Wave, ha hecho de éste
nuevo disco el primero con tres guitarristas al frente. “Este trabajo lo
hemos grabado en un nuevo estudio, distinto al que habíamos usado
siempre.También hay nuevos miembros de la banda”, indica la vocalista
acerca de las novedades del entorno de la formación, algo que también
se ha extendido a la manera de componer el álbum y preparar las
canciones. “Por primera vez alquilamos una casa en la montaña y nos
fuimos todos a componer juntos allí. Créeme: la experiencia ha sido
QjKMGE²I\TPMGE±)WYRHMWGSHMWXMRXSUYIVI¾INEYRTIVuSHSHMWXMRXS
de nuestras vidas. No es posible grabar el mismo LP dos veces porque
EP ½REP IWXjW WMIQTVI EFWSVFMIRHS XSHS PS UYI XI VSHIE GSQS YRE
esponja”.
UN TRABAJO MÁS ABIERTO
Si bien la banda no se ha desviado del sonido que les ha
convertido en una referencia dentro de la vertiente más clásica del
heavy metal, las líneas melódicas en canciones como “Still Alive” o
“Bright Lights” son mucho más trabajadas y el sonido general del
disco es más aperturista. “No creo que el heavy metal tradicional
nos estuviese limitando”, sostiene la vocalista. “Pienso que esto sigue
siendo un disco de heavy metal pero hemos tenido una evolución
natural como grupo. Con cada trabajo nos hemos ido convirtiendo en
músicos más experimentados y hemos ido aprendiendo nuevas cosas.
Ahora tenemos una producción más moderna y es lo que queríamos
desde un primer momento. No creo que el heavy metal tradicional
nos haya limitado porque fue lo que nos dio pie a existir como banda
en primer lugar. Tan solo hemos añadido algunos elementos de hard
rock y power metal para variar un poco la música”.
La reacción, en un primer momento, está siendo positiva, aunque
el álbum apenas ha salido a la calle el 22 de noviembre. “Hay algunas
críticas en internet que ya he leído y la mayoría de ellas apuntan a
single, “Still Alive”, trata sobre el Triángulo de las Bermudas y sobre
saber cómo encontrarte cuando parece que estás perdido, que estás
rodeado de nubes y truenos… Aunque al menos sigues vivo. No hay
que rendirse.
9REHIQMWJEZSVMXEWIW³9RHIV-GI´UYILEFPEHIRSWIVWYTIV½GMEP
y vacío, no juzgar las cosas a la primera de cambio. Tienes que ser
capaz de encontrar la verdad de las cosas. ‘Tomorrow Never Comes’
habla del incidente del paso de Dyatlov que acaeció en los montes
Urales en 1959, cuando varias personas murieron en circunstancias
que no están muy claras. En nuestra canción tratamos aquel suceso
desde una perspectiva inusual. Está explicado desde la perspectiva de
las fuerzas que quizá les mataron. Es algo que no ha sido resuelto hasta
ahora, pero el gobierno Ruso volvió a abrir este caso a principios de
año. Quizá en poco tiempo sabemos nuevos datos.
Hay otro tema llamado ‘Tears Of Arizona’ que trata sobre el USS
Arizona, el barco que se hundió durante el ataque a Pearl Harbor.
‘Neverending Fire’ habla de la tribu india de los Colegian y sobre
ser buenos los unos con los otros respetándonos y haciendo lo
correcto con la naturaleza que nos rodea. En general, tenemos una
gran variedad de canciones en este disco, desde historia a leyendas
pasando por ovnis”.
¿En que punto se interesa Marta por este tipo de
temáticas? ¿Cómo surgen ideas de este tipo?
Cuando compongo letras para las canciones me inspiro en los
momentos más inesperados. Quizá estoy caminando por la calle y
empieza a llover. Entonces me da por pensar que quizá también está
lloviendo en el Triángulo de las Bermudas y junto ambos conceptos
en mi cabeza y comienzo a pensar en música acorde para ello. Es algo
totalmente casual e inesperado. Siempre pasa de una manera distinta.
En ocasiones estoy tocando una melodía en mi piano y la idea para
una letra me sale sin más. Lo que estoy tocando se convierte en una
banda sonora de los pensamientos que se me cruzan por la cabeza.
Por otro lado, también puedo estar leyendo un artículo o viendo una
película y me aparecen en diez días. Cuando lees una historia como
la de “Tears Of Arizona” no puedes evitar quedar afectado por ello e
inspirarte.
Crystal Viper hizo un guiño a su idioma materno
cuando grabó “The Last Axeman” en polaco como
tema extra en el disco ‘The Curse Of Crystal Viper’.
¿Tenéis planes de volver a hacer guiños a su tierra en
ese sentido?
Para ser realista, no tengo ni idea (se ríe). Grabamos la versión the
“The Last Axeman” en polaco y, por otra parte, también grabamos un
single de ‘At The Edge Of Time’ en dos lenguas, y el polaco era una de
ellas.También grabamos dos videoclips en ambos idiomas. Es divertido
pensar en polaco, porque es mi lengua materna, pero el inglés encaja
mejor con el heavy metal. Crystal Viper es una banda que toca fuera
de Polonia principalmente, así que el inglés nos hace mucho más
asequibles para el público internacional.
metal hammer | 37
 BORKNAGAR EL NORTE VERDADERO

TEXTO: MIKEL YARZA FOTO: Jørn Veberg

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trayectoria. Su nuevo álbum llega marcado por los cambios de formación de la banda, que se despidió
este año de Baar Kolstad a la batería y el vocalista Vintersorg. Pero los músicos no son lo único que ha
cambiado en los últimos tres años. Para Øystein G. Brun, guitarrista y miembro fundador con quien
charlamos, se ha tratado de un viaje profundamente personal, viaje que ha servido para abrir una
nueva etapa creativa y emocional dentro de la banda.

Habéis pasado tres años escribiendo y reformando la
banda. ¿Cuál ha sido vuestro principal foco de atención durante
este periodo?
La respuesta fácil sería que nos hemos centrado desde el día uno en la
música. Pero, de algún modo, también se ha tratado de hacer frente a nuestras
adicciones personales. En mi caso, necesito objetivos y metas de forma constante,
mantenerme activo y crear algo. En la vida debes hacer frente a los obstáculos
que se te presentan a la hora de lograr esos objetivos y eso me gusta, porque
tengo una clara visión de lo que quiero conseguir. Para ‘True North’ teníamos
un puñado de canciones, por lo que nos sentamos y comenzamos a elaborarlos
en profundidad. Fuimos nosotros tres, Vortex, Nedland y yo. Desde fuera los
cambios han podido parecer de mayor impacto, recuerdo las reacciones de
la gente sobre todo cuando Vintersorg dejó el grupo. Pero para los que nos
hemos quedado no ha sido tan diferente, los tres formamos el núcleo creativo
de la banda desde hace ya un tiempo. Somos músicos experimentados, hemos
estado en situaciones similares con anterioridad, por lo que realmente no fue
un gran problema, se asemejó más a una transición natural que a una ruptura
abrupta. De algún modo, nos ha servido para centrarnos todavía más en la
creación artística.
Podría decirse que el black metal más salvaje ha
desaparecido de vuestra música y ahora enfocáis la creación en
una dirección más luminosa. ¿A qué se debe?
Siempre hago la música que realmente quiero hacer, pero ya no tengo
20 años, ahora tengo 44. Cuando era joven estaba más enfadado, en contra
38 | metal hammer
de todo. Ese enfado ya no está tan presente, he vivido muchas experiencias
transformadoras. De todos modos, no pienso en estilos, para mí lo más
importante es que la música sea honesta. Por ejemplo, cuando hablamos de
voces guturales y blast beats, no los percibo como elementos para hacer black
QIXEPWMRSGSQSYREI\TPSWMzRHIIRIVKuEGSRPEUYIVI¾INEVQMVIPEGMzRGSR
la naturaleza. Trato de capturar el aspecto más salvaje de la naturaleza y el
black metal es solo un estilo más que me permite conseguirlo. Con cada álbum
tratamos de dar un paso hacia adelante y ampliar nuestros horizontes. En ese
sentido, creo que dar equilibrio al conjunto de elementos musicales es lo más
importante.
Se trata además de un álbum que te afecta en lo más
personal.
Es irónico, porque la creatividad y el compromiso hacia la banda tienen
un precio. Durante el proceso de gestación de ‘True North’ perdí a mi padre,
UYMIR VIEPQIRXI WMKRM½GEFE QYGLS TEVE Qu fP JYI UYMIR QI MRXVSHYNS IR PE
música, le gustaba el rock progresivo de los años 70, y también me inculcó el
amor hacia la naturaleza. Por tanto, este álbum es muy personal. He atravesado
un periodo muy oscuro, no solo yo, también mis hijos y mi esposa, que han
sentido la pérdida muy de cerca. La canción “Wild Father’s Heart” es mi tributo
personal hacia él, en forma de balada. Resulta frustrante, porque durante todos
estos años he construido mi casa, mi estudio, un puñado de álbumes… pero no
he podido salvar a mi padre. La sensación de no ser capaz de hacer nada por
él estuvo muy presente, intenté canalizar esa frustración a través de la música.
En ese sentido, creo que el disco es ciertamente oscuro. Pero, a su vez, en el
instinto humano reside la necesidad de salir adelante cuando te encuentras
en la peor de las situaciones. Si estás en el agujero y no puedes caer más bajo,
debes levantarte. Ese es el mensaje positivo del álbum.
Las montañas rodean tu casa en Bergen, también tu
estudio en Hordaland. ¿Hasta qué punto ha sido la naturaleza
YREMR¾YIRGMEGVIEXMZEHYVERXIXYXVE]IGXSVME#
Siempre ha sido muy importante. He crecido y me he formado como
persona en el campo. Cuando era un niño no fui al parvulario ni nada parecido,
pasé mi infancia en el bosque. Ese era mi patio de colegio. A día de hoy sigo
viviendo en el entorno rural, es un lugar donde puedo encontrar paz, inspiración
y soledad. Por ejemplo, la sensación de estar de pie en la cima del monte es
fascinante. Es algo que siempre he tenido en alta estima, y supone algunos de
los mejores momentos de mi vida. El mero hecho de estar ahí, sintiendo las
tierras altas y, a su vez, percibiendo el aullido del viento, es muy bello porque
puedes observar todo lo que te rodea. Pero también es un lugar peligroso y
amenazante, el tiempo puede cambiar en cuestión de minutos de clima veraniego
a tormenta invernal hasta el punto de matarte. Esa sensación de montaña rusa
emocional también ha estado presente en nuestras composiciones. Trato de
compartir todas estas vivencias mediante las canciones con el público, ya que
esto es quien soy y lo que quiero contarles con mi música. Además, siento la
naturaleza y la cultura inspiradoras en cualquier punto del planeta. En nuestra
gira más reciente por Sudamérica viví un momento muy profundo escalando
las pirámides mayas. Sentí lo mismo que en casa. Por tanto, no es un vínculo que
se remite a Noruega, es algo universal.
El apartado lírico parece ahora más directo y no tan
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La muerte de mi padre también ha jugado aquí un papel importante.
Sentí como si cayera de una nube y recibiera un golpe de realidad. Durante la
gestación de ‘True North’ hablamos mucho sobre el deseo de acercarnos más
EPEVIEPMHEHHIEPKRQSHSWIVQjWEYXqRXMGSW]SVKjRMGSW)\MWXIWY½GMIRXI
FIPPI^E]QEKMEIRPEREXYVEPI^ETIVSRSRIGIWMXEQSWVI¾I\MSRIW½PSWz½GEWHI
forma constante. Esta vez buscábamos algo que fuera más directo, lo cual se
LEXVEWPEHEHSXEQFMqREPQEXIVMEPKVj½GS0ETSVXEHEIWQY]GPjWMGEUYIVuEQSW
una imagen simple pero imponente. En general, la producción del álbum ha ido
en esa misma dirección.
Hablemos sobre el título. ¿Cuál es el concepto principal que
se esconde tras ‘True North’?
Siempre intento que los títulos de nuestros discos tengan diversas
lecturas. ‘True North’ me pareció un concepto interesante, porque en realidad
es un término que se utiliza en la navegación. Cuando era un niño me gustaba
salir de noche y sumergirme en el bosque, que en el hemisferio norte puede
convertirse en un lugar realmente oscuro. Había un dicho: “si te pierdes en
el bosque, trata de encontrar la estrella polar, trata de encontrar el norte
verdadero”. De ese modo podías orientarte, saber donde estaban norte, este,
oeste... y volver a casa. En ese sentido, creo que el título del álbum es bastante
½PSWz½GS%½RHIGYIRXEWIRIPQYRHSEGXYEPQYGLEWGSWEWFYIREW]QEPEW
están sucediendo, pero sobre todo muchas cosas están cambiando. Siento que
la generación de mis hijos es una de las primeras que tiene una visión del futuro
realmente pesimista. La inestabilidad y la inseguridad son mayores hoy en día,
lo percibo al hablar con mi hija, que tiene 17 años y está deprimida debido
a todos los problemas a los que su generación debe hacer frente. El mundo
está cambiando de forma muy rápida y nadie sabe realmente a dónde nos
dirigimos. Por eso, es importante tener algo a lo que agarrarte, una constante
que siempre esté ahí para ti. En mi caso podría ser la guitarra. Eso es para mi
‘True North’ o el “norte verdadero”.
“Voices”, la última canción del disco, tiene un aura muy
especial. ¿Cómo le disteis forma y qué mensaje se esconde tras
ella?
0ETMI^E½REPTEVXMzHIYREMHIEHI:SVXI\)WGVMFMzIPXIQEHIYREJSVQE
muy diferente a la habitual, compuso solamente las líneas vocales y después
fuimos añadiendo baterías y guitarras. En el metal suele ser muy típico escribir
primero riffs y partes de percusión, para después dar paso al apartado vocal.
Pero en este caso hicimos lo contrario y ha otorgado a la canción un gusto
HMJIVIRXI )R GYERXS E PEW PIXVEW IW YR XIQE UYI VI¾I\MSRE WSFVI PE XSQE
constante de decisiones que forjan nuestras vidas. Tiene un espíritu triste,
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TVMRGMTEP UYI LIQSW I\TPSVEHS IR IWXI jPFYQ 9R GSRXVEWXI UYI E ½R HI
GYIRXEW IW VI¾INS HI PE TVSTME ZMHE E ZIGIW LIVQSWE SXVEW ZIGIW HSPSVSWE
“Voices” captura todo esto en una canción y sirve como gran cierre para ‘True
North’.
metal hammer | 39
 EVETH
POWER METAL BALEAR

La escena en Mallorca y en las Islas Baleares es tremendamente

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TEXTO: IRIA LÓPEZ

40 | metal hammer
 Los mallorquines Eveth son difícilmente nuevos en esto. Con una
trayectoria que parte de las cenizas de Habemus Rock, en 2010 se
puso en marcha Eveth con varios de sus miembros: el guitarrista David
Kamstedt, el vocalista David Dalmau y el baterista Leo Villar. Con cuatro
discos en su haber hasta la fecha, la banda encara en 2019 la edición de
‘Puerta Áurea’, un pelotazo de power metal repleto de buenas melodías,
doble bombo y solos que corear. Con la expresiva voz de Dalmau como
uno de los pilares de la propuesta del grupo y un sonido compacto y
poderoso, el combo mallorquín afronta el que seguramente es el álbum
más importante de su carrera hasta el momento. Hablamos con su
guitarrista David sobre cómo encaran este importante nuevo ciclo en
su carrera.
Sois de las Islas Baleares, concretamente de Palma
de Mallorca. Las opciones para ver un concierto son más
reducidas que en la península, especialmente a la hora
de asistir a conciertos grandes. Sin embargo, eso podría
favorecer a las bandas locales. ¿Cómo es el panorama
musical en una isla?
El panorama es sorprendentemente bueno. Hay un muy buenas
FERHEW]HIXSHSXMTS)RGYERXSEPQIXEPWIVI½IVIIPRMZIPIWQY]TSXIRXI
dentro de la amalgama del rock: thrash, death, brutal, punk, industrial...
Curiosamente los que nos dedicamos al heavy o power metal somos
EPKS QIRSW TIVS WY½GMIRXIW 4EVE WIV YR WMXMS VIPEXMZEQIRXI TIUYIyS
IWXjR E¾SVERHS YR QSRXzR HI FERHEW GSQS TSV INIQTPS8VEPPIV] UYI
lo están haciendo bien, o los clásicos Unbounded Terror y Golgotha, que
han vuelto ahora hacer de las suyas. También tienes a Taifa, que siguen ahí
al pie del cañón, o nuestros hermanos ibicencos MRC, que han sacado
segundo disco. La escena balear está repleta de buenos grupos. No sé qué
tendrán estas islas pero la verdad es que somos afortunados de tener
tantas bandas y tanta música.
¿Supone vuestra localización un obstáculo para darse
a conocer en el resto de España o no marca ninguna
diferencia?
)PGLEVGSWMIQTVIPPIZEEPKSHIHM½GYPXEH]GYVMSWEQIRXIEZIGIWIW
más por los posibles destinos que por nosotros. Creo que piensan que
vamos a pedir algo más de caché por el tema del viaje y demás, pero no
es el caso. No pedimos ni más ni menos que el resto de bandas de la
península. Si ganamos más o si perdemos es cosa nuestra. No obstante, es
algo que en ocasiones a algunos promotores les asusta.
Desde ‘Entelequia’ han pasado ya un par de años. ¿Qué
huella ha dejado en vuestro camino?
Marcó de una forma más clara el camino de hacia dónde queríamos
ir. Ya se intuía un poco en ‘El Legado de los Sueños’ y con ‘Entelequia’ ya
se ve claro.
Muchas bandas suelen decir que su próximo disco es el
mejor hasta la fecha, el más innovador o el más preparado.
¿Qué tenéis que decir vosotros sobre ‘Puerta Áurea’?
Pues la verdad es que nunca hemos buscado innovar ya que siempre
hemos pensado que el estilo propio viene por sí mismo. Es decir, por
mucho que nos guste Helloween o Iron Maiden nunca vamos a ser ellos
por mucho que quisiéramos imitarles, que tampoco es el caso. Cada uno
es único en el mundo y el forjado que te da la vida te hace más único aún.
)R IWXI HMWGS WI TYIHIR MRXYMV YR QSRXzR HI MR¾YIRGMEW WMR IQFEVKS
suena a Eveth totalmente. Hemos encontrado el camino y, sin duda,
pensamos que es nuestro mejor trabajo hasta la fecha.
¿De qué modo trabajáis en vuestros discos? ¿Cuál es
vuestro proceso de trabajo habitual?
Por lo general, lo iniciamos el vocalista David y yo partiendo de un riff
de guitarra o una idea vocal. Una vez tenemos una estructura, la llevamos
al local y le damos vida con la batería. Esto no siempre es así, puede
variar, ya que no hay norma escrita. A veces la idea primordial sale de una
improvisación en el local o de un tarareo en el coche. El hecho es que una
vez que ya tenemos estructurado todo vamos haciendo el resto: línea de
bajo, puentes, solos, etc.
Si bien componer puede ser una actividad más o menos
tranquila, por otro lado están las giras. Viajes con muchas
horas y kilómetros por delante, preparar instrumentos y
escenario, tocar y darlo todo. ¿Qué es lo que os gusta más
de las giras?
Tocar y conocer gente o encontrarnos nuevamente con nuestros
seguidores, y podría ser así de escueto (risas). Es duro marcarse un viaje
y alejarse de los tuyos, más cuando tienes hijos y estos son pequeños.Vas
casi sin dormir, cargando con el peso que haga falta y asumiendo riesgos
tanto económicos como motivacionales. Te puedes encontrar con que
al concierto vienen pocas personas pero aún así uno está dispuesto a
darlo todo, haya una persona o haya cinco mil. Nosotros estamos en esto
porque lo que más nos gusta es tocar en directo y darlo todo.Y si hay que
EXVEZIWEVIPTYXSMR½IVRSPSEXVEZIWEQSW]XSGEQSW
)W JjGMP MHIRXM½GEV E QYGLEW FERHEW TSV XIRIV GMIVXSW
elementos característicos. ¿Cuáles son las marcas de
identidad de Eveth?
Le damos muchísima importancia a las melodías y quizás esa sea
nuestra principal característica, damos caña y hacemos temas duros
fáciles de cantar para el público. Al igual que las partes instrumentales:
también se pueden cantar perfectamente.
Siempre en un disco (que no sea el primero) hay una
evolución, sea grande o pequeña, respecto a trabajos
anteriores. ¿Qué encontramos en este disco que marque
la diferencia?
En este hemos dado una vuelta de rosca, queríamos hacer un disco
muy heavy y cañero y eso apunta hacia nuestra identidad del power. De
momento hemos dejado algo de lado las intros largas y sobre todo las
FEPEHEW4IRWEQSWUYI³4YIVXEÅYVIE´IWMRXIRWSHITVMRGMTMSE½R]UYI
es muy buen disco.
Ya han pasado unas semanas desde la salida de este
trabajo, ¿qué tal está siendo el recibimiento?
De momento muy bueno o, por así decirlo, excelente. Ahora falta que
lleguen las contrataciones y, a ser posible, en festivales de cierto nombre
que apuestan por este estilo, que los hay y muchos.Aunque para nosotros,
desde que lo escuchamos al salir de la masterización nos pareció que era
un disco a la altura, siempre tienes ese miedo a que no guste o no se
entienda lo que estás haciendo. Por suerte la acogida por parte de la
crítica y del público está siendo muy positiva y eso nos enorgullece. La
verdad es que están pasando bastantes más cosas de las que esperábamos
y desde luego que con nuestros anteriores discos.
Carlos Sanz, cantante de Dünedain, colabora en el
tema “Por Convicción”. ¿Cómo surge esta colaboración?
Fue gracias a la insistencia de nuestro cantante, David Dalmau. En
principio no teníamos ninguna colaboración en mente, pero un día vino
David y lo propuso. Resulta que es uno de sus cantantes preferidos a
nivel nacional y ya mantenían una amistad mediante chats cuando tuvimos
la suerte de conocerlo en persona en un concierto junto a Débler en
Valladolid. A raíz de ahí, su amistad fue a más y después de hablar con
nosotros le pidió a Carlos la colaboración. Él aceptó de buena gana y
la verdad es que ha sido un lujo, porque no solo grabó las voces sino
que además se prestó a salir en el videoclip de “Por Convicción”. Solo
podemos estar agradecidos tanto a él como a Dünedain. Les debemos
unos cuantos chupitos.
Uno de los elementos más destacables del power metal
es lo enriquecidas que suelen ser sus letras, a menudo
hablando de historias épicas. ¿En qué están inspiradas las
letras de ‘Puerta Áurea’?
Pues por lo general hablamos de elementos históricos y mitológicos.
Muchos de ellos con una doble lectura, ya que mucho de esos temas
son atemporales. Aunque la novedad de este disco es que hemos metido
temas personales que están fuera de la onda histórica. “Cielo”, por
ejemplo, es un tema que escribió David pensando en su hijo, del cual yo
suscribo cada palabra y se la dedico al mío. Nos parece muy sentimental
y directa.
Desde que la banda comenzó han surgido muchos
cambios, desde la formación hasta el propio nombre. Pero,
¿qué es lo que perdura desde vuestros inicios? ¿Qué cosas
habéis visto cambiar?
De elecciones y gobiernos hemos visto ya unos cuantos (risas). Lo
UYIRSLEGEQFMEHSIWIPQIRWENI½REPUYIUYIVIQSWXVERWQMXMVUYIIW
el de no perder nunca la esperanza y rendirse, el mensaje de afrontar la
vida con positividad. Hay que luchar siempre y no perder la buena cara en
esta vida. En cuanto a lo musical hemos cambiado muchísimo, aunque en
esencia la idea es la misma: heavy metal melódico.
Tocáis power metal, un estilo que alcanzó su pico de
popularidad en los ‘90 y principios de los 2000. Cada vez
hay más y más diferentes estilos dentro del metal, unos
ganan popularidad a pasos agigantados y otros se quedan
en el olvido. ¿Cómo veis la situación en este género
actualmente? ¿Tiene futuro o está condenado a menguar
hasta desaparecer?
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estilo seguirá en pie, y si más contando con que el rock en general es
para inconformistas y para los que no siguen los cánones marcados por
las modas. Creo sinceramente que el metal y el rock en general seguirá
en pie. Lo que ya no puedo asegurar es en qué forma lo hará, pues esto es
una evolución constante pero aunque no sea estrictamente heavy clásico
será en esencia lo mismo.
metal hammer |41
42 | metal hammer
 iron
maidenA DEBATE:
SU DISCOGRAFÍA
DE LO PEOR A LO MEJOR

TEXTO: sergi ramos

foto: John McMurtrie

metal hammer | 43
 La discografía de Iron Maiden es rica en grandes obras. También es rica
en bodrios. Los fans más acérrimos de la banda nunca lo admitirán pero
Iron Maiden tiene auténticas castañas en su catálogo, algunas de las cuales
obedecen a esos años en los cuales la banda andaba especialmente perdida
tras la resaca del éxito ochentero.Tampoco escapan algunos de los discos más
recientes, donde la insulsa producción de Kevin Shirley ha hecho que todo
lo que Martin Birch consiguió construyendo el sonido de estudio de Maiden
en los ochenta se derrumbase como un castillo de naipes entrado el nuevo
milenio. La cuestión es que no todo el mundo reconoce que Maiden tienen
discos difíciles, porque el hecho de que tienen obras maestras es algo que ya
sabemos todos.

Procedemos pues, bajo criterios totalmente arbitrarios y subjetivos, a

ordenar los discos de Iron Maiden del peor al mejor. Se toleran opiniones
distintas. Por cierto, no incluiremos los directos, más que nada porque la
VIZMWXERSXMIRIWY½GMIRXIWTjKMREWGSQSTEVEEPFIVKEVXSHSIWIXI\XS

NO PRAYER FOR THE DYING (1990)

Este disco fue como levantarte un domingo por la mañana e intentar

ser funcional después de una borrachera de Jägermeister la noche anterior.
Puede que camines, que salgas a pasear el perro e incluso que te dirijas a
SXVSWWIVIWLYQERSWSXIGEPMIRXIWYRSW½HISWIRIPQMGVSSRHEWTIVSXSHS
será errático, lento, sin ganas y con tendencia a la descomposición. Para Iron
Maiden, la borrachera de Jäger fue el masivo éxito de los años 80, que provocó
divergencias internas en el grupo y, sobretodo, una desidia absoluta a la hora
de componer y grabar nueva música. Algo que se hizo evidente en un disco
que pasará a los anales de la historia por ser, precisamente, muy anal. La
entrada de Janick Gers supuso una alteración notable en el sonido de la
banda pues Adrian Smith era el maestro de la melodía y su aporte se echaba
QYGLSHIQIRSW(MGOMRWSRXIRuEPEZS^JVMXE,EVVMWRSXIRuEIP½PXVSEGXMZEHS
Hasta la portada de Derek Riggs es poco inspirada. Con el paso de los años,
±8EMPKYRRIV²]QjWIWTIGu½GEQIRXI±&VMRK=SYV(EYKLXIV©8S8LI7PEYKLXIV²
han permanecido en la memoria colectiva. El resto del disco ha sido olvidado,
también colectivamente.

VIRTUAL XI (1998)

No dejemos que una gran canción nos ciegue. Es cierto que ‘Virtual XI’
contiene “The Clansman”, seguramente el mejor tema que Harris compuso
entre 1990 y 1999 junto con “Fear Of The Dark”. También es cierto que el
resto del disco es bastante insufrible. La repetición eterna del estribillo de
“The Angel And The Gambler” podría ser considerada tortura por el Tribunal
Europeo de Derechos Humanos. La tristona “Como Estáis Amigos” mina
la moral a cualquiera. “Don’t Look To The Eyes Of A Stranger” dura ocho
minutos y le sobran siete -un anticipo de lo que estaba por llegar a partir de
2006. “Futureal” es un intento de hacer un tema veloz y “clásico” al estilo de
“Aces High” o “Moonchild” pero sin la gracia ni el gancho. Y todo esto sin
entrar a hablar, en ningún momento, de la incómoda voz cavernosa de Blaze
Bayley sobre un tamiz de guitarras chillonas de Dave Murray y Janick Gers. ¿En
qué estaban pensando?

THE X FACTOR (1995)

Después de un ciclo ganador como fue el de ‘Fear Of The Dark’, la salida

de Bruce Dickinson y la entrada de Bayley como vocalista abocaron a Iron
Maiden al desastre. Y tampoco es que la banda se concentrase en evitarlo.
Seguramente en 1995 era un milagro estar escuchando un nuevo disco de
Iron Maiden con la que estaba cayendo en el mundo del heavy metal, pero
visto con la perspectiva del tiempo “The X Factor” es un desastre en el que
solo se salvan “Sign Of The Cross”, “Lord Of The Flies” y “Man On The Edge”.
Todo lo demás ha sido escuchado por el mundo porque había un logotipo de
Iron Maiden en la portada. De no ser por eso, dichas canciones jamás habrían
alcanzado a la humanidad.
44 | metal hammer
 Eran tiempos convulsos y Blaze nunca terminó de cuajar. Pero que a nadie
se le escape que ni Harris supo encontrar el sonido ni la banda supo aportar
las canciones. No va a ser todo culpa del pobre vocalista.

A MATTER OF LIFE AND DEATH (2006)

Cuando un plato de comida tiene grandes propiedades nutritivas pero te

obligan a comerlo por decreto, terminas odiándolo. Eso fue lo que pasó, en
parte, con ‘A Matter Of Life And Death’: un disco de Iron Maiden progresivo
y rico en matices pero que la banda se empeñó en defender íntegramente en
directo, casi como si fuese su ‘The Wall’ particular. La paciencia de los fans de
-VSR1EMHIRJYIXIWXEHEIRYREKMVEUYIWSPSGSRXIRuEGMRGSGPjWMGSWEP½REPHI
cada show y el nuevo disco entero como motivo principal. Como resultado
obvio, todos quedamos ligeramente traumados, y no hemos terminado de ver
este disco con buenos ojos nunca más. No es un mal disco necesariamente
pero ‘A Matter Of Life And Death’ es una muestra de autoindulgencia musical
UYIEZIGIWGEVIGIHIYR½PXVSQjWJqVVIS±8LI6IMRGEVREXMSR3J&IRNEQMR
Breeg” fue el tema de salida con el que se presentó el disco y uno de los
mejores. Otros como el combativo “These Colours Don’t Run” o “Brighter
Than A Thousand Suns” son de lo poco salvable de un disco que tiene épica sin
contenido. No por repetir pasajes para llenar minutos un disco va a ser mejor.

FEAR OF THE DARK (1992)

Venerado por muchos como una especie de retorno a lo más alto tras el
insufrible ‘No Prayer Of The Dying’, lo cierto es que ‘Fear Of The Dark’ sufre
del mismo síntoma que muchos discos de Maiden en los últimos veinticinco
años: dos o tres canciones buenas y una serie de rellenos que solo se tragan
los acérrimos. Es evidente que el tema título fue un éxito en toda regla y
que el intento de thrashizar a la banda con “Be Quick Or Be Dead” les ganó
el favor del público más cañero. Del resto del disco, más bien poco a decir:
cada vez Janick Gers metía la zarpa como compositor, Dios mataba a un
gatito.“Weekend Warrior”, “The Apparition”, “Wasting Love”, “Fear Is The
Key”… Todos temas que podrían completar un recopilatorio de cassette de
aquellos que vendían en las gasolineras con los temas más malos de cada
banda.

THE FINAL FRONTIER (2010)

Seguramente el mejor de los discos recientes de Iron Maiden, al menos, uno

de los que más gancho tiene, pero evidentemente palidece frente a los clásicos
de toda la vida. La intro psicodélica descolocó a muchos, pero el tema título
es Iron Maiden en su formato más clásico y querido. Otras canciones como
“Coming Home” o la dramática “Mother Of Mercy” brillan con luz propia.
Ejercicios progresivos como “Isle Of Avalon” están mucho mejor medidos y
planteados que los que poblaban ‘A Matter Of Life And Death’. Pero cuando
alguien dijo que “When The Wild Wind Blows” es lo mejor que Steve Harris
había compuesto desde “Halloweed Be Thy Name” se pasó tres pueblos.

THE BOOK OF SOULS (2015)

Irregular como sus últimas obras,‘The Book Of Souls’ tiene la particularidad

de ser un disco doble donde Iron Maiden comparten canciones directas y
atractivas como “Death Or Glory”, “Tears Of A Clown”, “Speed Of Light” y
“If Eternity Should Fail” con algunos de los temas más largos que jamás han
hecho, como “Empire Of The Clouds” (¡dieciocho minutos!) o “The Red And
The Black” (¡trece minutos!). Si este disco hubiese sido comprimido en un solo
volumen seguramente estaríamos hablando del mejor trabajo de Iron Maiden
de los últimos diez años, pero tuvieron que alargarlo con varias canciones que
dicen más bien poco. Seamos sinceros: “The Book Of Souls” no es “Seventh
Son Of A Seventh Son” y por más largas que sean las canciones eso no implica
que tengan más sustancia. Es un trabajo inspirado y un ejemplo a seguir por
las muchas bandas de su época que siguen en activo, de eso no cabe duda.
Necesita simplemente, un par de hachazos.
metal hammer | 45
DANCE OF DEATH (2003)

Grandes canciones, nefasta producción, horrible portada. Tiene muchos

grandes momentos y eso anula cualquier pero. Desde la rápida “Wildest
Dreams” al colosal “Paschendale”, ‘Dance of Death’ es una más que digna
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Dickinson y Adrian Smith al seno de la banda.

BRAVE NEW WORLD (2000)

La nueva era de Iron Maiden arrancó en el año 2000 con un trabajo que,
seguramente, es el último trabajo del grupo que se puede escuchar de principio
E½RWMRTEYWEWMRXIVQIHMEW)PRMZIPGSQTSWMXMZSIPIQTYNIPEWKEREWGSRPEW
que la banda británica presentó ‘Brave New World’ ante el mundo fueron uno
de los motivos integrales por los que hoy en día el grupo mantiene su validez
y popularidad. De haber vuelto en un momento tan crucial con un disco lleno
de despojos de los ochenta y dedicarse solo a girar con sus grandes éxitos, el
TIV½PHI-VSR1EMHIRRSLEFVuEGVIGMHSXERXSGSQSPSLELIGLS

Pese a tener la producción de Shirley, “Brave New World” suena como

un cañón. Las voces dobladas de Dickinson en muchos temas, los casi dobles
bombos de Nicko McBrain en plena eclosión del power metal (¡aunque él
los hace con un solo pie!), los grandes solos (“The Wickerman”, “Dream Of
Mirrors”, “Ghost Of The Navigator”…), el excepcional estado vocal de Bruce
(todo el disco es una masterclass de como cantar heavy metal)… Todos los
detalles y un puñado de canciones especialmente inspiradas hacen de ‘Brave
New World’ un disco que llevó a Maiden al siguiente nivel y al que le deben
mucho de su actual status, casi tanto como a sus clásicos de los ‘80.

KILLERS (1981)

En 1981, Iron Maiden eran una bomba de relojería. Con el errático Paul
Di’Anno a la voz seguían cabalgando entre el heavy metal y el semi-punk, pero
su sonido cada vez se estilizaba más y ‘Killers’ fue el paso previo a la gran
explosión de Iron Maiden a nivel mundial. La introducción “The Ides Of March”
y el ataque inmediato de “Wrathchild” consiguen engancharte de manera
inevitable. La velocidad de “Murders In The Rue Morgue” y los contrastes
que muestra son testamento de la capacidad y versatilidad de Harris como
compositor. La instrumental “Genghis Khan” es una clase maestra de speed
metal antes de que el speed metal existiese. Y evidentemente, el tema titulo,
es un clásico por derecho propio. No hay que olvidarse del sonido de Clive
Burr como baterista y de la magia que generaban Dave Murray y Adrian Smith
capturados por primera vez juntos en un disco de la doncella.

IRON MAIDEN (1980)

Se suele decir que el primer disco de una banda es aquel que han tenido
toda la vida para componer y el que suele ser más inspirado. No se puede
GSRXVEHIGMVIWXEE½VQEGMzRIRIPGEWSHI-VSR1EMHIRPEGERXMHEHHIGPjWMGSW
que han salido de su primer trabajo es equivalente a lo que otras bandas han
conseguido en toda su carrera. Desde la épica de “Phantom Of The Opera” a
la inmediatez punk de “Sanctuary”, el primer disco de la banda muestra toda
la amplitud de la paleta musical de la banda.

PIECE OF MIND (1983)

Primer disco con Nicko McBrain como baterista y una auténtica prueba de
fuego para una banda que ya había sustituido al vocalista en el anterior trabajo.
‘Piece Of Mind’ es un trabajo repleto de clásicos pero seguramente el menos
inspirado de sus grandes trabajos ochenteros. Evidentemente, eso es como
decir cuál es el peor de tus coches: si el Jaguar, el Ferrari o Maserati. No puedes
decir que un disco es inferior cuando contiene “Flight Of The Icarus”, “Where
Eagles Dare, “The Trooper”, “Revelations” y “Die With Your Boots On”… Lo
que pasa es que en comparación con los que vienen a continuación…

46 | metal hammer
SEVENTH SON OF A SEVENTH SON (1988)

Para muchos, una de las tres obras maestras de Iron Maiden. ‘Seventh
Son Of A Seventh Son’ es una previa del camino que tomarían Iron Maiden
alguna década después: progresivos, con un sonido mucho más estilizado, con
utilización de teclados y sintetizadores (lo que hizo estallar a los fans más
puristas en su momento) y mucho más enfocados hacia la ambientación de las
GERGMSRIWUYIEPEEKVIWMzRQjWXSWGEHIWYWMRMGMSW*YIIP½REPHIYREKVER
qTSGE]XMIRIGMIVXEWIRWEGMzRHI½RHIGMGPSGYERHSYRSPSIWGYGLELS]IR
día. Estaba claro que después de esto, Maiden no tenían a donde ir sino era
hacia lo más básico.

SOMEWHERE IN TIME (1986)

Seguramente, uno de los discos más injustamente tratados de su época

más clásica. Es todo un misterio el porqué Iron Maiden reniegan en parte
de canciones como “Caught Somewhere In Time”, “Alexander The Great”,
“The Loneliness Of The Long Distance Runner” o “Sea Of Madness”. Es un
disco con un sonido muy AOR, en parte debido a la producción y al uso
de sintetizadores de guitarra. Seguramente, su mayor pecado sea haber sido
editado entre dos obras maestras como ‘Powerslave’ y ‘Seventh Son’, lo cual
le hizo ser tratado como una especie de valle. Pero no cabe duda de que en
‘Somewhere In Time’ encontramos a algunos de los temas más cautivadores y
clásicos de Iron Maiden. Sí, más allá de “Wasted Years”.

POWERSLAVE (1984)

Seguramente, las dos primeras posiciones serían fácilmente intercambiables

entre ‘Powerslave’ y ‘The Number Of The Beast’. No hay ningún motivo que
nos incline por uno frente al otro, excepto el simbolismo de ‘The Number’
con la llegada de Dickinson y la inclusión de los tres himnos más clásicos de
la banda.

El halo que la banda creó en ‘Powerslave’ es difícilmente superable.

Estamos hablando de un grupo en el pico absoluto de sus capacidades, con
una formación totalmente engrasada y con las neuronas funcionando a tope.
De este disco se pueden extraer muchas grandes canciones, algunas de ellas
clásicas imperecederas como “Aces High” o “Two Minutes To Midnight”. Pero
lo más importante es que Maiden demostraron que, como grupo, se atrevían
con cualquier cosa. Ahí quedan los catorce minutos de “Rime Of The Ancient
Mariner” en 1984, cuando el heavy metal más básico estaba en pleno estallido
mundial. Maiden demostraron que ellos no tenían miedo a nada y se atrevían
con todo musicando un poema de Coleridge. Si eso no era una declaración de
intenciones en toda regla, que baje Dios y lo vea.

THE NUMBER OF THE BEAST (1982)

No cabe lugar a dudas de que el simbolismo y el encaje temporal que

tiene ‘The Number Of The Beast’ en la historia de Iron Maiden y del propio
heavy metal es lo que hace que sea el disco más importante y el mejor de
toda su carrera. Aún con Clive Burr como baterista, ‘The Number Of The
Beast’ es un disco que muestra la épica incipiente (“Halloweed Be Thy Name”,
“Children Of The Damned”) y la inmediatez de los inicios (“Run To The Hills”,
“The Number Of The Beast”, “Invaders”) con un equilibrio casi perfecto.
Evidentemente, es el disco en el que Bruce Dickinson le muestra al mundo
EUYIPPSHIPSUYIIWGETE^EWuTYIWPEWMKRM½GEGMzRHIIWXIEWTIGXSIWQjWUYI
importante. Si una queja se puede achacar a este disco es no haber incluido
jamás en su listado original el clásico “Total Eclipse”, que quedó relegado a una
cara B y que siempre debería haber formado parte de la edición original del
disco.

Si hay un disco de Iron Maiden que permite entender el heavy metal a

quien no lo haya seguido jamás, ‘The Number Of The Beast’ es ese disco.

metal hammer | 47
 street lethal ORGULLO DE JUVENTUD
La New Wave of Traditional Heavy Metal también ha hecho mella en España, donde
han aparecido una retahila de buenas nuevas bandas que rinden homenaje a sonidos
de una época en la que la mayoría de sus miembros ni habían nacido. Street Lethal,
con dos EPs ya a sus espaldas, editan ahora un tercer trabajo titulado ‘Welcome To
The Row’. Hablamos con la formación barcelonesa sobre sus orígenes e inspiración.

TEXTO: Sergi Ramos foto: cristian gómez

¿Quiénes sois Street Lethal y de donde habéis salido?
Street Lethal es un grupo de heavy metal nacido en el Distrito de
Nou Barris de Barcelona. Queremos mostrar lo que para nosotros
WMKRM½GEIPQIXEPQjWTYVS]PSLEGIQSWQIHMERXIRYIWXVEWGSQTSWMGMSRIW
MR¾YIRGMEHEW TSV FERHEW GSQS .YHEW 4VMIWX%GGITX (MS 1YVS;EVPSGO
Hellion, Zed Yago y otras.
El nombre hace referencia, evidentemente, a los
KVERHIW6EGIV<¡*YIVSRYREMR¾YIRGMEIREPKRWIRXMHSS
simplemente os hacía gracia ese nombre?
El grupo ha evolucionado en muchos aspectos. Principalmente, donde
más se nota la evolución es en lo serio que nos tomamos el proyecto
actualmente. Un ejemplo notable es la diferencia de calidad en la grabación
de ese primer EP. De hecho, nos gusta referirnos a él mas bien como demo
que como EP. El gran problema que tuvimos al grabar ‘Chainbreaker’ es que
primero, quisimos correr demasiado y deberíamos haber esperado más,
y segundo, no disponíamos del dinero ni los medios para hacer algo con
una calidad mejor. Otro cambio notable en la banda es la composición de
nuestras canciones. Intentamos tomarnos muy en serio este aspecto y creo
que en eso hemos mejorado bastante. Lo podréis comprobar al escuchar
cualquier canción de nuestro nuevo disco ‘Welcome To The Row’.

A decir verdad, cuando buscábamos nombre quisimos ir a lo fácil y
pensar en nombres de discos que nos gustaban y elegir uno para usarlo
(risas). No obstante, con el tiempo nos hemos dado cuenta de que el
nombre nos pega perfectamente al representar de manera graciosa lo que
es nacer y vivir en la periferia de una gran ciudad como Barcelona. Además,
con el tiempo hemos compuesto temas con un toque más speed como
“Tyrants”, acercándonos un poco más al estilo característico de Racer X,
aunque remarco que nunca ha habido una relación directa entre nuestro
estilo o intenciones con el nombre Street Lethal o la banda Racer X, solo
hemos ido improvisando sobre la marcha hasta llegar a lo que es nuestro
sonido actual.
El primer EP, ‘Chainbreaker’, salió en 2014. ¿En qué ha
evolucionado más la banda desde entonces?
Apostáis mucho por el formato EP en lugar de hacer
discos completos. ¿A qué responde esa manera de distribuir
vuestra música?
Nosotros opinamos que es mejor un trabajo corto pero bueno que
uno largo pero aburrido. El formato ideal son los 30-35 minutos, 40’ como
máximo. No somos partidarios de tirar de canciones de relleno solo por
conseguir llegar a los 50 minutos de disco, preferimos tener canciones
sólidas y que hagan que la gente se quede con ganas de volverlo a escuchar
entero. Por otro lado, nosotros consideramos este nuevo álbum ‘Welcome
To The Row’ como LP ya que aún teniendo solo 6 canciones, la duración es
de 30 minutos, un tiempo aceptable para poder ser considerado LP y no EP.

48 | metal hammer
 ¿Qué sensación os produce la escena de Barcelona a día
de hoy? Más allá del entorno de Metalcova, ¿hay sitio para el
heavy metal tradicional en la ciudad?
Creo que ahora nos encontramos en una escena mucho más unida
que hace por ejemplo ocho años, aunque eso se debe justamente al
HIXIVMSVSHIPEQMWQE%GXYEPQIRXIIWQY]GSQTPMGEHSWEPMVHI½IWXETSV
Barcelona. Sí que existen bares de heavy como el Hell Awaits, el Ballbreaker,
el Purgatory o el Zeppelin, pero normalmente se encuentran en diferentes
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PEUYIWIGSRWMHIVEFEGSQSPE^SREHI½IWXELIEZ]TSVI\GIPIRGME1EVMRE
solo dispone de un bar heavy, el BB+. Eso sí, tenemos aún la suerte de
poder disponer de Metalcova y su amplio abanico de eventos de heavy
(Metalcova Fest, Nights of Heroes, Prospe Hell, Youngblood…), de alguna
otra asociación sin animo de lucro tales como Ripollet Rock, Can Mercader,
Metal Defenders, Matarock… Y del Rock Fest Barcelona, por lo que aún
LE]WEPZEGMzR]GMIVXSW½RIWHIWIQEREIRPSWUYIWITYIHIVIGYTIVEVIP
espíritu heavy de los ‘80.
El cambio cualitativo con la entrada de Killer Lethal a la
batería ha sido grande. ¿Por qué os decidisteis precisamente
por él?
A Killer le conocimos una noche de birras en casa de Guilty. Un amigo
al que habíamos invitado esa noche invitó a Killer y, entre cerveza y cerveza
(más toda la taja que llevábamos), le invitamos numerosas veces a formar
parte de la banda ya que Pandion tenía pensado dejarlo para centrarse en
su proyecto de vida personal. No obstante, él declinó la oferta ya que se
encontraba tocando con Inperius. Más adelante le pudimos ver tocar en
directo en el festival de bandas emergentes Prospe Hell y nos encantó. De
igual forma, él en un concierto nuestro nos compró nuestro segundo EP
³0SSO3YX
7XE]-R8LI7XVIIXW´]PEGERXERXI,IPP6SWIWIPS½VQzGSRPE tenéis para el futuro inmediato de la banda? ¿Vais a girar
siguiente dedicatoria: “Para el futuro batería de Street Lethal”. Finalmente,
-RTIVMYWWIHMWSPZMz]PI½GLEQSWGSQSFEXIVuE
La estructura de los solos de guitarra es muy típica de
los Judas Priest de ‘Ram It Down’ incluso en el sonido de las
propias guitarras. ¿Era ese disco vuestro punto de partida
para el sonido de guitarra?
Podríamos decir que sí. El sonido de guitarras lo escogió Dann y se
basó bastante en el sonido de Judas Priest de la época ‘Ram It Down’ y
 HI GEHE YRE HI
³4EMROMPPIV´ (I LIGLS IP EQTPM½GEHSV YXMPM^EHS IW YR )2+0 4S[IVFEPP 
de principio de los 2000. A todos nos encanta Judas Priest y ese es un
buen disco para tomar como referencia. Lógicamente, si no fuese por el
QEVEZMPPSWSXVEFENSTSVTEVXIHI+IVEVH]'EVPIWHI%QTPM½VI7XYHMSWRS
hubiésemos conseguido ese brutal sonido en las guitarras.
Apostáis por una voz femenina como principal baza. ¿Os
TIVQMXIIWSHIWTVISGYTEVSWHIPEE½REGMzR]WMPEWGERGMSRIW
se van muy arriba en algún momento, como le puede pasar
a una banda con vocalista masculino?
Ciertamente no. Hell es una gran frontwoman y una gran cantante,
pero siempre existen limitaciones que no tienen nada que ver con el
género de la persona. Por otro lado, hoy en día el heavy se encuentra muy
estereotipado, sobre todo con las bandas jóvenes. Actualmente se tiene
la falsa creencia de que el heavy tiene que ser muy rápido y con voces
muy agudas. Ese es un esquema que no compartimos del todo y creemos
UYIEP½REPRSWIXVEXEHIWMIPPEGERXERXIIWLSQFVISQYNIVWMRSHIWY
tipo de voz. A veces, es mucho más efectivo cantar con tonos graves o
medios que con los agudos. No obstante, Hell pecó de intentar componer
GSWEW HIQEWMEHS EKYHEW ] XYZMQSW UYI VIHI½RMVPEW HYVERXI PE KVEFEGMzR
TEVE RS HIWZMEVRSW HI RYIWXVS IWXMPS 'VIS UYI ½REPQIRXI LE WEPMHS YR
buen resultado vocal, pero siempre puede ir a mejor y prometemos
proporcionar mejores resultados en el futuro.
¿Os sentís más cómodos con los temas de desarrollo
lento como “Rulers Of The Underworld” o preferís las
piezas cortas y directas como “Welcome To The Row”?
Eso es muy relativo y depende de cada miembro. Podríamos decir que
un tema rápido y directo como “Welcome” es más divertido de tocar,
pero en los temas como “Rulers” es donde uno más se puede explayar y
dar rienda suelta a su imaginación. Cada canción es un mundo y te divierte
de maneras diferentes. Dos ejemplos serían “Roll Racing” o “Tyrants”, dos
cortes muy diferentes pero tal vez los más divertidos para tocar en directo.
Habéis editado el disco con Fighter Records. ¿Qué planes
con el EP?
Bueno, nos encantaría mucho poder girar con el disco y demostrar
al mundo lo que somos capaces de dar en directo. Ahora mismo estamos
trabajando en ello obteniendo contactos de salas o promotores para
empezar girando por el país. A la vez, tenemos intenciones de comenzar a
componer nuestro próximo álbum lo antes posible. Por otro lado, creemos
que por ahora ha habido muy buena recepción por parte de la escena
con el videoclip y eso nos incita a querer realizar un video musical (ya sea
IR JSVQEXS HI ZMHISGPMT SJ½GMEP PMZI ZMHIS S P]VMG ZMHIS
RYIWXVEWGERGMSRIW,S]IRHuEIWPEJSVQEQjWI½GE^HILEGIVPPIKEVXY
música al público. Es algo que están implementando bandas grandes como
es el caso de Metallica con su trabajo ‘Hardwired… To Self-Destruct’ y
grupos más jóvenes y no tan reconocidos como es el caso de Skull Fist con
su último disco ‘Way Of The Road’.
metal hammer | 49
 dais
UY!%(!'’
La formación barcelonesa Dais celebra su 15º aniversario coincidiendo con la publicación de su cuarto álbum,
‘Renovatio’, muestra de la madurez sonora que han adquirido a lo largo de estos años. Su estilo bañado
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familiaridad y, al mismo tiempo, tan particular.

TEXTO: olga vidal

¿Cuando comenzasteis a dar forma a ‘Renovatio’ y cual es
el proceso habitual que seguís con un disco?
David: En 2015, tras presentar nuestro tercer álbum, comenzamos
a escribir nuevas canciones que poco a poco fueron tomando forma y
creciendo en número. El proceso habitual en líneas generales suele ser
primero la escritura y composición de los temas, luego los ensayos, después
la grabación de las maquetas y grabación en estudio del disco.
¿Normalmente componéis todo David e Isa y luego lo
pasáis al resto de la banda o participan desde el principio?
David: Así es. Letra, composición, melodía, estructura y tono de la
canción viene marcado por Isabel y por mí. No obstante, dejamos libertad a
batería y bajista: Marcos García y Álvaro Vicente respectivamente, (que por
cierto han hecho un trabajo sobresaliente) en sus líneas.
Tenéis un tema que ha sido producido por Piet Sielck de
Iron Savior. ¿Como surgió el contacto y porqué os decidisteis
IWTIGu½GEQIRXITSVqP#
Isabel: Contactamos con él por mail, le comentamos que queríamos
que nos produjera una canción (una versión en inglés de uno de los temas
que forman parte de ‘Renovatio’ “Revolucionas Mi Pensar”) y le pareció
buena idea. Nos decidimos por él porque nos gusta su trabajo como
productor.
La portada es una pequeña obra de arte. ¿Quién se ha
encargado? ¿Tiene que ver la ilustración con el nombre del
disco o el concepto del mismo?
¡'YjPLEWMHSPEQE]SVHM½GYPXEHEPEUYISWLEFqMWXIRMHS
que enfrentar en vuestra carrera?
Isabel:'VISUYIPEQE]SVHM½GYPXEHUYII\MWXIIRPEWGSWEWUYIYRS
UYMIVILEGIVIWHIGMVUYILE]HM½GYPXEH1INSVSTISVLIQSWWIKYMHSIP
camino que creíamos que debíamos seguir para sacar estos cuatro discos,
que representan una parte de nosotros, cada uno de ellos en su momento.
Con respecto a vuestra evolución sonora a lo largo de 4
jPFYQIW¡LERGEQFMEHSZYIWXVEWMR¾YIRGMEW#
Isabel:4SVWYTYIWXS%YRUYIIWXEQSWQY]MR¾YIRGMEHSWTSVIPLIEZ]
de los 80, sí que a nivel personal yo he evolucionado escuchando nuevas
bandas del 2000 en adelante, muchas de ellas de power metal.
Ya habéis demostrado a través de vuestras redes sociales
en varias ocasiones vuestro apoyo a la compra de discos en
formato físico y dais mucha importancia a que la gente lo
pueda conseguir en tiendas tradicionales ¿Consideráis que se
puede volver a recuperar o que la venta de discos en formato
físico ya es una batalla perdida?
David: Para nosotros el formato físico es un formato romántico y ha
de preservarse. La música de Dais estará siempre disponible en las nuevas
tecnologías y al alcance de todo el mundo, sin descuidar el formato con el
hemos crecido y por el que ciertamente apostamos.
¿Consideráis que la escena del metal en Barcelona se
encuentra en peor estado que cuando comenzasteis hace 15
años?

David: La ilustración es obra de Felipe Machado, ilustrador de
portadas de bandas como Iron Savior, Blind Guardian o Rhapsody Of Fire
entre muchas otras.Y ciertamente, tiene que ver con el título y el concepto
del disco. Queríamos que la portada tuviera un estilo gótico y antiguo en
contraste con el título. Pensamos que lo antiguo hoy, sin duda fue algo
renovador en su tiempo. Todo es relativo, nos gusta lo clásico y lo moderno
también. Ya hay quien nos ha mentado como banda de tintes neoclásicos,
nos gusta eso.
Echando la vista 15 años atrás, ¿cómo compararíais a los
Dais que empezaron con quien sois ahora como banda?
Isabel: Sin duda alguna creemos que sí que ha habido un ‘Renovatio’
a lo largo de estos 15 años. Desde que empezamos hasta ahora, ha habido
una evolución musical natural y progresiva.
50 | metal hammer
Isabel: Creo que han crecido más los festivales orientados hacia
este género. De hecho, compañeros nuestros de otras bandas con también
QYGLSVIGSVVMHSIQTMI^ERE½KYVEVIRIWSWGEVXIPIW
¿Os ganáis la vida únicamente con la música?
David: No. Este mundo de la música no es fácil... Ante todo, hacemos
esto como medio de expresión a nuestra creatividad.
¿Cuáles son vuestros planes de gira? ¿Os veremos por las
salas españolas continuando la presentación de ‘Renovatio’?
Isabel: Eso esperamos. En 2020 pensamos seguir presentando
‘Renovatio’ y esperamos veros pronto. Un abrazo.

Los fanáticos de Rammstein recordarán este 2019 como un
EyS QY] TVSPu½GS TEVE WYW MRXIVIWIW 7M IP LIGLS HI UYI PE FERHE
germana volviera a obsequiar con un nuevo disco -nada menos que
una década después- y su consiguiente gira de estadios no había sido
WY½GMIRXIIQSGMzRWYGERXERXI]JVSRXQERZYIPZIEPEGEVKEGSRWY
proyecto paralelo, ese que regenta con la ayuda de Peter Tägtgren
(Hypocrisy y Pain) en busca de nuevas sonoridades y composiciones
más extravagantes, algunas de las cuales probablemente no tendrían
cabida en su grupo principal.
La unión de estos dos músicos viene de tiempo atrás, cuando ambos
coincidieron allá por el año 2000 en un pub sueco. La presentación
ZMRS HI PE QERS HI PSW EPXIVREXMZSW 'PE[½RKIV ] EPKS HIFMz WYVKMV
de aquel encuentro para que 13 años más tarde, aprovechando el
parón de Rammstein posterior a la gira del grandes éxitos ‘Made
In Germany’, el dueto aunase fuerzas para la creación de un par de
canciones que se acabaron convirtiendo en puñado debido a la gran
química entre ambos.
Con estos precedentes, el debut de Lindemann en solitario se
produjo allá por 2015 de la mano de un irregular ‘Skills In Pills’, donde
algunos de sus cortes -principalmente los singles “Praised Abort”
o “Fish On”- tuvieron un éxito moderado. Sin embargo, el trabajo
no alcanzó las cotas de reconocimiento esperado. Cabe decir que
dicho debut tenía como característica sus letras en el idioma de
7LEOIWTIEVI ] ELu WI LEPPE PE TVMQIVE HMJIVIRGME WMKRM½GEXMZE )WXj
altamente comprobado que el bueno de Till gana muchos enteros
entonando en su lengua natal, y en esta nueva obra el alemán vuelve a
recuperar su sitio en las líricas.
‘F&M’ está producido por el propio Peter Tägtgren, que si no
XIRuE WY½GMIRXI GSR WY PEFSV HI QYPXMRWXVYQIRXMWXE XEQFMqR INIVGI
PEWPEFSVIWXqGRMGEWXVEWPEWGSRWSPEW)PWSRMHSHIPjPFYQRSHM½IVI
demasiado a la mezcla de las últimas dos obras de Rammstein, con lo
que se puede intuir que el grandullón vocalista también tuvo mucho
que decir al respecto. Lo primero que se tuvo la suerte de escuchar
fue el single “Steh Auf”, que disipó las dudas de aquellos que aún tenían
IRQIRXIIPTWIYHSXVETPPEQEHS±1EXLIQEXMO²PER^EHSE½REPIWHI
2018 con la colaboración del rapero Haftbefehl donde las guitarras
brillaban por su ausencia.
Dicho single (en cuyo videoclip Till aparece con un imperdible en
la ceja -todo sea por el espectáculo-) se abre a golpe de una caja que
precede a las inconfundibles melodías de teclado que acompañan por
activa y por pasiva al bueno de Lindemann, aunque aquí no se tenga
la suerte de contar con la mente creativa y los dedos mágicos de
52 | metal hammer
lindemann f&m
Universal / vertigo berlin
FOTO: JENS KOCH
Christian “Flake” Lorenz. “Steh Auf” es directa, sencilla y muy pegadiza,
I½GE^QIRXI PER^EHE GSQS EHIPERXS PPIKz EP RQIVS  IR PEW PMWXEW
alemanas- ya que cautiva a aquellos que todavía no habían caído en las
redes de Lindemann más allá de Rammstein.
Lo siguiente en venir es “Ich Weiß Es Nicht”, donde se mantiene
una línea conservadora para permanecer en una composición de
tintes plenamente industriales. Más oscura que su predecesora, los
muros de sonido de guitarras muy distorsionadas sostienen todo el
corte en un nivel alto de agitación aderezado con melodías vocales
altamente coreables y los omnipresentes sintetizadores. El suave
comienzo de “Allesfresser” da paso a un vaivén de emociones
donde los protagonistas juegan con diferentes matices e intensidades
creando un tema que, tras el interludio digno de una banda sonora
de videojuego, remata por todo lo alto. Un halo gótico envuelve con
“Blut”, primera del disco que no entraría casi con seguridad en ningún
disco de Rammstein, aunque sabiendo de las inquietudes musicales
de casi todos sus miembros en la actualidad, quizás esto sea mucho
decir. Medio tiempo heredero de grupos como Paradise Lost que
consigue un ambiente meláncolico y tenebroso. Se nota que el dueto
Lindemann-Tägtgren se mueve como pez en el agua en este estilo y
realmente goza creando piezas como esta.
La gran joya de la corona de ‘F&M’ es “Knebel”, que parte como
balada acústica que no desentonaría como música de ambiente en una
½IWXEQIHMIZEP]WMRIQFEVKSTMPPEEXSHSWHIWSVTVIWEIRWYXIVGMS
½REPGSRZMVXMqRHSWIIRYRGERGMzRHIQIXEPMRXIRWEGSRPEZS^HI8MPP
llegando a distorsionarse de tal manera que recuerda al himno actual
que es “Puppe”, incluida en el disco homónimo de Rammstein.Todo se
vuelve mucho más alegre con la canción que da nombre al disco; “Frau
Und Mann” es una tonada simple y fácil de escuchar que no tiene más
pretensión que lograr hacer bailotear al oyente.
La versión de “Ach So Gern” de Pain no será de las favoritas del
público metalero. Su aire de música tradicional se convierte en el
tema más experimental -si se tiene como baremo estándar el metal
industrial- de la obra. Para muchos no pasará de ser una curiosidad a
la que no prestará mucha atención. Se vuelve al terreno de las baladas
con “Schlaf Ein”, pero está vez mucho más heredera de las clásicas
“Seemann” o “Frühling in Paris” con alto contenido en instrumentación
de cuerda. La compacta “Gummi”, la electrónica “Platz Eins” y la
nostálgica “Wer Weiß Das Schon” cierran un disco bastante superior
a ‘Skills In Pills’ que muchos tendrán suerte de disfrutar en directo el
próximo año. En España habrá que seguir esperando.
jano carbia

1349
THE INFERNAL PATHWAY
SEASON OF MIST
Después de cinco años de silencio,
el cuarteto noruego 1349 reaparece
con su séptimo trabajo construyendo
de nuevo el camino para el mismísimo
½R HI PSW XMIQTSW ³8LI -RJIVREP
4EXL[E]´ QEVGE HI½RMXMZEQIRXI PE
dirección a seguir después de alguna
que otra experimentación: recuerda
inevitablemente a los inicios de la
formación -allá por el ‘Liberation’-
mediante la combinación perfecta
entre riffs a velocidad desorbitada y
potencia implacable, y la oscuridad
con ese toque épico personal de la
banda. Todo al más puro estilo black,
pero con un sonido modernizado.
BENT KNEE
YOU KNOW WHAT THEY MEAN
INSIDE OUT MUSIC
Esta banda originaria de Boston
con sus integrantes graduados en la
prestigiosa universidad de Berklee
podría hacer pensar que ofrecen
una música académica y formal.
Afortunadamente no es el caso.
Vuelven un poco a sus raíces, pero
sin dejar de arriesgar y sorprender.
No hay barreras o limitaciones. Un
trabajo divertido, lleno de matices,
momentos de euforia, calma,
atmosféricos, oscuros, pesados,
toques indie-pop alegres y una
gama de sensaciones que genera
la eléctrica voz de la talentosa
Courtney Swain y que resultan
satisfactorios. Es recomendable
darle varias escuchas ya que cada
repetición descubrirá detalles
nuevos. Una recompensa segura.
CARLOS NEUBERT
Desde el inicio del LP
-de once cortes- queda
IWGIRM½GEHS GSR ±%F]WWSW
Antithesis” el impulso
imparable que recorrerá
todo el álbum y que
adquirirá protagonismo
en temas como “Enter
Cold Void Dreaming” o
“Towers Upon Towers”,
donde aparece combinado
con pasajes guitarrísticos
punzantemente estridentes,
y “Striding The Chasm”.
Para desconectar
tal intensidad pero sin
de
eliminar las atmósferas
más turbias, entran en
juego los interludios “Tunnel Of Set”
(VIII-X), como continuación de la
dinámica establecida en el ‘Demonoir’
(I-VII), en este caso posicionados
estratégicamente en los múltiplos de
tres.
La velocidad y la potencia más
pesadas pasan a un segundo plano en
“Through Eyes Of Stone” y “Deeper
Still”, que a partir de unas melodías
de guitarra más cantabili logran un
carácter épico y pasional. En los dos
últimos cortes del álbum se deja volar
más la creatividad y la innovación
mediante guitarras melódicamente
más densas y baterías más moderadas
pero más originales que dan lugar a
XVEQSW VIEPQIRXI QEKRu½GSW IR
“Dødskamp” y “Stand Tall In Fire”,
perfectos para el descenso.
júlia benevelli
HOLLYWOOD ARSON PROJECT
MADNESS GUIDING THE MASSES
QUADRIPLEGIC MATADOR RECORDS
Jeff Mallow ha llevado su
proyecto musical desde Los Angeles
a Málaga para juntarse con David y
Paco Nieto y continuar su legado.
Poco más de un año después de
esta unión nace ‘Madness Guiding
The Masses’, con un resultado tan
personal que difícilmente parece que
lleven solo un par de años juntos. El
sonido de la banda es crudo, directo
y con aires nostálgicos, acompañado
HIYREWPIXVEWUYIRSXMIRIR½PXVS
A pesar de ser un trío, no necesitan
más integrantes para mostrar una
interesante complejidad técnica
fruto de la compenetración
compositiva entre ellos. Se puede
apreciar en canciones como
“Untouchable”, “Punchline” o
“1136”.
olga vidal
AVATARIUM
THE FIRE I LONG FOR
NUCLEAR BLAST RECORDS
El batiburrillo de músicos
nórdicos de los inicios de
Avatarium derivó en una
formación estable en su anterior
y tercer trabajo ‘Hurricanes And
Halos’. Los suecos demostraron
sacar adelante la papeleta
compositiva contrarrestando el
vacío del líder de Candlemass,
Leif Edling, con más presencia
de solos de guitarras de Marcus
Jidell. Vuelven a repetir con
éxito su fórmula en otra gran
colección de canciones que, sin
perder la esencia doom, suenan
más directas. La garra, potencia
y cadencia de la voz de Jennie-
Ann Smith vuelve a embrujar y a
grabarse con fuego. De lo mejor
del año y del estilo en la actualidad.
satur romero
STRAY FROM THE PATH
INTERNAL ATOMICS
UNFD
El caso de Stray From The Path
es uno cuanto menos curioso, ya
UYI EWIRXEV WY GSRGITXS WMKRM½GE
EP TEVIGIV WEGVM½GEV TEVXI HI WY
denominación de origen. Aquella
estridencia casi aberrante fue la que
los lanzó al paladar de un público
que empezó a generar un boca a
oreja importante. Con sus últimos
trabajos -y a partir de ‘Subliminal
Criminals’- su sonido se fue
HIRWM½GERHS LEWXE GSRZIVXMVWI IR
el muro de hormigón que suponen
hoy en día.
Es innegable que muchos
echarán de menos los desquiciantes
efectismos tan directamente
AWAKE THE DREAMER
DAMAGED SOULS
ARISING EMPIRE
‘Damaged Souls’ es el álbum
debut de esta banda sueca que
HI½IRHI YR IWXMPS EGXYEP GSR YR
metalcore/post-hardcore con
detalles melódicos y una ejecución
destacable para una formación
con menos de un lustro. Este
álbum brilla, especialmente, por su
calidad técnica y la intensidad que
transmite su sonido. A pesar de
que no experimentan y se ciñen
a lo que su estilo requiere, captan
como deben la combinación
de potencia y melodía. Se trata
de una presentación que, bien
representada en directo, puede
llevar a este grupo a un puesto
destacable en la escena gracias a
canciones como “Lunar”, “Your
Mind” o “Vigilant”.
olga vidal
arrancados de Rage Against
The Machine, generadores
de versos y estribillos
inolvidables. Dicha
MR¾YIRGMEWMKYIELuTIVSIP
grupo se ha sumergido en
su totalidad en terrenos de
hardcore-metal con una
propuesta muy cercana a
la de Stick To Your Guns,
donde el musculo y la
mala uva tienen una base
más sólida en base a una
instrumentación más
agravada y gruesa. Tom
Williams esta vez podría
parar a los mossos a base
de riffs, y Craig Reynolds
a los parches está más presente y
poderoso que nunca. Ojo también
EP ½REP HI ±%GXMSRW 2SX ;SVHW²
habrá que ver si Drew York será
capaz de trasladar eso a los directos.
Al igual que su concepto, el
álbum es también en sí mismo
una amalgama de cañonazos, para
bien y para mal. Hay pocos temas
a destacar por encima de otros
y a su vez tampoco los hay que
desmerezcan al resto. Conscientes
de ello, el grupo decide contar
con un par de colaboraciones de
entre las que destaca la de Matt
Honeycutt de Kublai Khan en
“Double Down”, que no puede ser
más representativa de la identidad
que la formación parece buscar y
sin duda ha alcanzado.
titus ferrer
metal hammer | 53
DESPISED ICON
PURGATORY
NUCLEAR BLAST RECORDS
Vuelven de nuevo. No se
fueron por segunda vez, pero
desde luego si su anterior
“Beast” dejó a muchos a
medio camino. “Purgatory”
se encargará de lavar ese mal
sabor de las bocas de los fans a
base de, no solo tralla, sino de
velocidad, cambios de registro
a la clásica y una producción
tan oxidada que te contagia el
tétanos. Salvajadas como “Slow
Burning” o la base hardcore de
“Vies D’Anges” suponen una
vuelta a los mejores años de
una banda que realmente nunca
ha bajado el pistón. De regalo,
atmósferas esporádicas como
marca el manual. Lo mejor de
cada casa.
titus ferrer
KHOUS
GEROAREN HAZIAK
ART GATES RECORDS
En ‘Geroaren Haziak’ el
cuarteto vasco Khous trae su
tercer trabajo de larga duración
con nada menos que dieciocho
canciones. Con un estilo entre
groove y metalcore se encuentra
un disco con una instrumental
muy bien construida, a pesar de
que las voces líricas en según
qué canciones no terminan
de encajar -al contrario de las
guturales, las cuales están muy
bien trabajadas-. En este álbum
se halla una banda que ha sabido
tomar los mejores elementos
HI WYW MR¾YIRGMEW TIVS XSHEZuE
RS IWXjR PS WY½GMIRXI TYPMHSW
para hacerlos propios. Si siguen
por este camino podrán lograr
elaborar un sonido propio.
melanie silva
54 | metal hammer
DOUBLE CRUSH SYNDROME ESKIMO CALLBOY
DEATH TO POP
ARISING EMPIRE
Segundo disco del trio alemán
con las mismas intenciones (el título
del mismo habla por sí mismo) y con
esa mezcla tan efectiva y gamberra
de glam, metal, punk y rock. No hay
más que escuchar canciones como
“Whore” o la pegadiza “Death To
Pop” para darse cuenta de que
Andry Brings y los suyos no van de
farol. Composiciones directas, sin
EHSVRSW RM ¾SVMXYVEW MRRIGIWEVMEW
que tan pronto te recuerdan a
Billy Idol, Ramones, a la versión
simpática de Smashing Pumpkins
o a los mismísimos Twisted Sister.
Ahí están “With Me”, la cachonda
“Cocaine Lips”, “Tonight” o
“Refuse To Kiss Ass” como prueba
irrefutable de ello. ¡Puro rock and
roll!
lluís garcía
LIONHEART
VALLEY OF DEATH
ARISING EMPIRE
Lionheart se alejan de su
hardcore mas clásico y se
adentran en explorar nuevas
MR¾YIRGMEWWSFVIXSHSIRPETEVXI
instrumental y concretamente en
los arreglos de guitarras- incluso
añadiendo partes rapeadas. En
este segundo disco tienen un
sonido más maduro y propio.
Se aprecia que han cuidado
todos los detalles audiovisuales
para que se pueda entender
cómo es la historia que cuentan
en el álbum y así le dan mayor
solidez al trabajo. Si siguen este
camino llegará a ser un grupo
consolidado dentro de la escena
del hardcore sin tener nada que
envidiar a otros grandes artistas
del panorama actual.
melanie silva
REHAB
CENTURY MEDIA RECORDS
Después de esperar dos
años ve la luz el quinto trabajo
de los alemanes Eskimo Callboy.
Este nuevo disco es presentado
a la sociedad bajo el nombre
de ‘Rehab’. Un álbum con gran
variedad de estilos en el que se
encuentran temas con partes
rapeadas como es el caso del
corte homónimo “Rehab” o
“Nice Boi” (en esta última se
pueden escuchar fragmentos
acústicos). Un álbum donde
disfrutar de la combinación
de las voces melódicas y los
guturales más bestias con once
canciones plagadas de sonidos y
ritmos pegadizos para no dejar
de escuchar. Buen trabajo de los
germanos.
ALMU DE ANDRÉS
MAMMOTH MAMMOTH
KREUZUNG
NAPALM RECORDS
Dos años después de su último
lanzamiento, los australianos
virtuosos del pub vuelven al bar
con un nuevo álbum titulado
‘Kreuzung’ (Cruce), sinónimo del
hecho de que la banda se detendrá
en cualquier intersección de
su camino buscando el sonido
más puro. ¿De verdad? Sucios,
grasientos, burlones… así son
Mammoth Mammoth y así se
muestran en esta nueva entrega.
Parecen homenajearse a sí mismos
y al hard rock clásico australiano
al más puro estilo Buffalo o Rose
Tattoo despojados de sus slides
bluesianos. Su fórmula, la de
siempre: elementos de rock and
roll y stoner rock sólidos como
una roca.
J. A. FERNÁNDEZ
JOHN 5 AND THE CREATURES
INVASION
60 CYCLE HUM
Muchos guitarristas se
centran en lucir su virtuosismo
cuando sacan un disco, pero John
5 siempre sabe cómo añadir
entretenimiento al nivel de
maestría que tienen sus solos.
Se agradece mucho más que un
trabajo puramente técnico. Sus
composiciones instrumentales
suenan con la fuerza de un
concierto de heavy metal, lo
que hace que este álbum pueda
ser disfrutado por cualquier
público. La velocidad que alcanza
ejecutando sus punteos en temas
como “Midnight Mass” es de
vértigo y da un toque industrial
como en “I Am John 5” y otro
más funk como en “Zoinks!”. Un
trabajo sorprendente y divertido.
rosa chenlo
NANOWAR OF STEEL
NORWEGIAN REGGAETON
NAPALM RECORDS
Tras el éxito cosechado
durante todo el verano, Nanowar
Of Steel sigue ampliando
JVSRXIVEW EP ½VQEV GSR YRS
de los sellos más importantes.
Sin lugar a dudas, “Norwegian
Reggaeton” se ha convertido en
su mayor hit, y ahora formará
parte de un nuevo lanzamiento
donde se incluye además un
nuevo tema, “Beastie Di Seitan”.
Aunque el corte lleva claramente
la diversión marca de la casa, es
el track donde participan junto
a Charly Glamour de Gigatron
el que más brilla en este sencillo.
Parece que el “metalton” de
PSW QIHMXIVVjRISW RS XMIRI ½R
Habrá que ver con qué vuelven
en el futuro.
tamara ruiz
 heavy y el power metal
en los que hasta ahora
se movían surge un
nuevo ritmo frenético
que recuerda el speed
metal de principios de
los ochenta con toques
de modernidad. Los
juegos guturales no
parecen especialmente
exigentes y resultan
impersonales, carentes
de la fuerza y la garra
a la que Seraina tenía
acostumbrados
sus seguidores. Las
a
QUIET RIOT RAY ALDER
guitarras suenan HOLLYWOOD COWBOYS WHAT THE WATER WANTS
BURNING WITCHES frescas y afiladas capaces
de dejar sin aliento al más
FRONTIERS RECORDS INSIDE OUT MUSIC

WINGS OF STEEL plantado de los metaleros.

NUCLEAR BLAST RECORDS
Tras la espantada de su
líder fundadora, la cantante y
letrista Seraina Telli, a Burning
Witches no le quedó otra
que reinventarse fichando
una nueva vocalista, Laura
Guldemond, y así demostrar
a sus seguidores que su
fulgurante trayectoria no se
iba a ver truncada ante esa
adversidad. Un mes más tarde,
en julio de 2019 y de la mano
de Nuclear Blast, las suizas
invitan a descubrir el talento
de Laura a través de una
nueva canción titulada “Wings
Of Steel”, que, a la postre,
dará título de su nuevo EP. Del
Aun así, el tema deja muchas
Dos años después de su último
disco, Frankie Banali vuelve a sacar
Ray Alder, cantante de Fates
;EVRMRK TSV ½R LE IRGSRXVEHS
dudas por resolver. de paseo el viejo logo de Quiet el momento de lanzar su disco
Riot. Bajo el título de ‘Hollywood en solitario. Ha realizado un
Además de “Wings Of Cowboys’ se congregan doce gran trabajo vocal del que deja
Steel”, el nuevo trabajo se temas que abrazan los caminos constancia desde su primer
completa con “Executed”, del hard rock blusero y se alejan enérgico tema “Lost”. Un
“Open Your Mind” y de la garra del heavy metal. catálogo de música rico y variado
“Hexenhammer”, tres Aunque muchos de los cortes sustentado principalmente
canciones grabadas en suenan bastante correctos, por grandiosas líneas de bajo
directo en la pasada edición pasarían muy desapercibidos si y la voz del propio Alder, con
del Wacken Open Air que no se encontrasen bajo el amparo la que luce su mejor técnica.
supusieron la puesta de largo de uno de los nombres más Asimismo, se compone tanto de
de la banda en el templo icónicos de los ‘80. La producción canciones más contenidas como
del metal por excelencia. Su LE WMHS SXVE HI PEW ¾EUYI^EW “Crown Of Thorns” como por
publicación tendrá lugar en la cual provoca que la escucha algunas totalmente eléctricas
formato vinilo negro además llegue a ser hasta molesta, por como “Shine”. Este álbum está
de una edición limitada para PS UYI LEFVj UYI GEPM½GEV IP impregnado de la personalidad
coleccionistas de trescientas álbum meramente como un buen de Ray, quien ha sabido con su
unidades de color plata. intento. carácter ganarse su propio lugar.
J. A. FERNÁNDEZ TAMARA RUIZ ROSA CHENLO

Red’ tan letal. “My Way

Out” irrumpe con la
pesadez de un péndulo
de plomo para luego
volverse más tranquila,
lo que contrarresta
con los bongos de una
“Eliminate” directa
y veloz. Después de
la intro de “Now” se
introduce al recóndito
sonido de “Once
Below”, que tiene un
mimo compositivo y un
RINGS OF SATURN STEVE HACKETT aura que la convierte
en una de las joyas de
GIDIM GENESIS REVISTED BAND & ORCHESTRA:
LIVE AT THE ROYAL FESTIVAL HALL este trabajo. “Stone”
NUCLEAR BLAST RECORDS INSIDE OUT MUSIC y “Weight Of The

Rings Of Saturn traen otro
disco de ritmos pesados y
sonidos frenéticos. Sin innovar
demasiado en su fórmula vuelven
con algo similar a lo presente en
sus álbum anteriores. Aunque
hacen alarde de una increíble
técnica, musicalmente este
trabajo se queda un poco atrás.
Durante el mismo se pueden
encontrar algunas canciones
que destacan sobre las demás
con ritmos muy interesantes. Es
una pena que no hayan seguido
esa línea creativa en todos los
temas de ‘Gidim’, un buen disco
para los amantes del metal más
técnico, pero para el público
general un poco repetitivo para
escuchar.
MELANIE SILVA
Steve Hackett vuelve a dar LIFE OF AGONY
una nueva muestra de calidad y THE SOUNDS OF SCARS
nostalgia con este doble CD de NAPALM RECORDS
una factura impecable. Centrado
en temas de Genesis pero con El nuevo trabajo de los
canciones propias de su carrera neoyorquinos comienza con
en solitario, este disco deleita un cañero y movido “Scars”, al
a través de 42 canciones con que sigue un “Black Heart” más
lo mejor del rock psicodélico oscuro y atmosférico que enlaza
y con una orquesta de primer a la perfección y genera esa
nivel. Grabado en octubre del ilusión tan marca Life Of Agony
2018 en el Royal Festival Hall de de que no se está escuchando
Londres, es una obra maestra un disco, sino un solo tema muy
dedicada a los paladares más largo. Le sigue un “Lay Down”
exigentes. Disponible en Blu-ray, que probablemente tenga
es una pieza que todo fan tanto la introducción más brutal
del músico como de Genesis del trabajo y que es sin duda
debe tener en su colección ya uno de sus puntos más altos
que se trata de una auténtica antes de que “Then” sirva de
joya. introducción para el riff asesino
de un “Empty Hole” muy
yalinku melero reminiscente de ese ‘River Runs
World” siguen unas línea muy
similar a la del resto de la
producción, lo que continúa
ese esquema que oscila entre
lo directo y lo sugestivo tan
característico de los de Mina
Caputo. Finalmente “When”
introduce “I Surrender”, el
corte más épico de cuántos
componen este ‘The Sound Of
Scars’ y en el que más destacan
las extraordinarias capacidades
vocales de Caputo.
El álbum fluye en un
santiamén mientras alterna
segmentos brutales con
armónicos muy personales, y
aunque se distancia del sonido
clásico de la agrupación, es raro
que vaya a decepcionar a nadie.
marc fernández

metal hammer | 55

MONOLORD
NO COMFORT
RELAPSE RECORDS
El power trío sueco
Monolord vuelve a la carga con
‘No Comfort’, un nuevo álbum
donde refinan y enriquecen
su sonido habitual. Con su
música hacen que el tiempo
pase a cámara lenta a la vez
que envuelven al oyente en
una atmósfera oscura y caótica
-pero a la vez tranquila-.
La fórmula del éxito se
compone de riffs lentos y
pesados que vibran hasta
el límite patrocinados por
Thomas V Jäger así como lo
hace el bajo de Mika Häkki,
que se combina con guitarras
THE FLOWER KINGS
WAITING FOR MIRACLES
INSIDE OUT MUSIC
Tras renovar formación, la
banda liderada por Roine Stolt
ZYIPZI GSR YR HSFPI HMWGS ½IP
a su estilo pero con un sonido
fresco e integrando el estilo
sesentero con mejor resultado
que en anteriores trabajos. Cada
tema está cuidado al detalle y da
gran protagonismo al teclado y
las guitarras, que se adentran sin
tapujos en la música progresiva
que les caracteriza. Un álbum
donde destacan canciones como
“Black Flag” o “Steampunk”, en las
que los nuevos músicos se hacen
notar y demuestran que el grupo
está lejos de caer en la repetición.
El resultado es un LP muy
completo con quince cortes que
se complementan y no aburren.
yalinku melero
56 | metal hammer
en limpio que añaden
melodía por encima de
esta base. La batería a
cargo de Esben Willems,
consistente, acompaña
en todo momento; es
sencilla pero efectiva.
La voz de Thomas suena
alejada y distorsionada,
como si no quisiese
robar protagonismo a la
guitarra, que tanto con
la elevada distorsión
como en un tono más
limpio es quien lidera
los temas. Salen de la
zona de confort habitual
con su típica estructura
enmarañada y repetitiva
y añaden nuevos detalles
sonoros y compositivos para
no perder el interés en ningún
segundo durante los seis
temas. En ellos se encuentra
variedad: “The Bastard Son”
abre con un sonido ya familiar
para los fans de la banda, en
medio se encuentra “Larvae”,
la cual es el punto álgido del
álbum en cuanto a que es la
canción más elaborada que
finalmente culmina con un riff
más que pesado. En “Alone
Together” se atreven con
sonidos acústicos, algo que no
desentona con la calma general
del disco, y la homónima “No
Comfort” despide este trabajo
desprendiendo melancolía.
Iria López
TUNGSTEN
WE WILL RISE
ARISING EMPIRE
Este proyecto nació hace solo
3 años de la mano de Anders
Johansson -antiguo integrante de
Hammerfall- con sus hijos Karl
y Nick junto a Mike Andersson
como vocalista. El resultado de
esa mezcla generacional es la
GSQFMREGMzRHIMR¾YIRGMEWGPjWMGEW
y actuales. Ritmos pegadizos con
tintes folk y power. Una poderosa
voz y unas potentes instrumentales
son los principales protagonistas de
‘We Will Rise’, donde las diversas
corrientes de los integrantes de la
banda resultan en algo compacto
y propio (con mejor dominio
en las canciones de corte más
clásico). Destacan especialmente la
homónima “We Will Rise”, “As I’m
Falling” y “Remember”.
olga vidal
STRIGOI
ABANDON ALL FAITH
NUCLEAR BLAST RECORDS
Este proyecto musical
se podría definir como el
resultado de haber conseguido
superar y sacar partido de un
período azaroso en la vida de
Greg Mackintosh, ex guitarrista
de Paradise Lost, en el cual se
conjuga la esencia old school
del metal extremo y esa
oscuridad del black. Si se tiene
en cuenta la temática, el miedo
y la angustia se apoderan de las
formas que adquieren todos
los cortes a través de las letras.
“Phantoms”, single adelanto
de este álbum, sintetiza
perfectamente la intención,
línea de trabajo y artística de
Strigoi que han plasmado en
‘Abandon All Faith’.
ana doblado
SPOIL ENGINE
RENAISSANCE NOIRE
arising empire
Los belgas están viviendo una
segunda juventud gracias a la
entrada de Iris Goessens a la voz.
Desde la inicial “R!OT” hasta el
cierre del álbum con “Storms Of
8VEKIH]² XSHS IW YR ½IP VI¾INS
de su naturaleza sonora en la que
IQIVKIR MR¾YIRGMEW HIP HIEXL
melódico y del metalcore más
actual. Por el camino, la violencia
de “Venom”, la tensa calma de
“Golden Cage” o la endiablada
velocidad de “Warzone”, una
apisonadora en la que los riffs
de guitarra de Steven Sanders
dejan sin aliento. Si a todo esto
se le añade la colaboración de
Jeff Walker (Carcass) en “The
Hallow”, el disco es un claro
combo ganador.
lluís garcía
SYBERIA
SEEDS OF CHANGE
BLACK LIGHT MEDIA
Cuando un grupo tiene el
bagaje que tienen los catalanes
Syberia, uno sólo puede esperar
calidad. ‘Seeds Of Change’ es
una delicia instrumental en cada
pasaje. Cuando un grupo intenta
contarte una historia sin letra, lo
más complicado es transmitirlo
a través de la atmósfera de los
instrumentos. En este nuevo
álbum destaca ‘Beirut’, una
canción que transporta allá
donde la banda pretende hacerte
viajar. Durante casi una hora
te atrapa y te hace viajar en las
notas de cada músico, tratadas
con amor hacia la música y
perfectamente interpretadas. Un
XVEFENSWMR½WYVEWEYXqRXMGS]HI
obligada escucha.
yalinku melero
INFECTED RAIN
ENDORPHIN
NAPALM RECORDS
Infected Rain lanzan su tercer
trabajo en una escena musical
IR PE UYI TSV ½R TVSPMJIVER QjW
grupos con voces femeninas –y
donde es más difícil encontrar
bandas que llamen la atención-.
Aunque han pasado un poco
desapercibidos desde ‘Embrace
Eternity’, en ‘Endorphin’ llegan
con un sonido metalcore con
MR¾YIRGMEW HI SXVSW KqRIVSW
dispersas entre sus canciones
como “The Earth Mantra”,
donde han aprovechado muy
bien la temática del corte para
incorporar partes lentas con muy
buen gusto y otras con algo más
de fuerza. Un disco muy cuidado
y que se hace corto a la hora de
escucharlo.
melanie silva
CYHRA
NO HALOS IN HELL
NUCLEAR BLAST RECORDS
A pesar de su corta
trayectoria con solo dos
álbumes en la calle, esta banda
sueca ha conseguido que una
de las mayores compañías de
la industria de la música metal
se hayan fijado y apostado
por ellos: Nuclear Blast
Records. Este disco de Cyhra
se caracteriza por un estilo
heavy melódico con samples
electrónicos que consiguen
dar matices nuevos al estilo.
Es destacable cómo, de forma
individual, cada músico aporta
para conseguir un trabajo
cohesionado y cómo las letras
de este álbum van uniendo el
concepto en torno al cual gira
‘No Halos In Hell’.
ANA DOBLADO
DAIS
RENOVATIO
THE FISH FACTORY
Dais celebran sus 15 años
de carrera con su cuarto álbum
‘Renovatio’, que cuenta con un
estilo de corte sonoro clásico y
una voz lírica que contrasta con
unas instrumentaciones llenas de
intensidad. La linealidad y coherencia
estilística entre las canciones son
evidentes, pero muestran ciertas
diferencias entre ellas jugando con
cambios rítmicos y momentos
melódicos que se compaginan con
la potencia instrumental. No se
les puede considerar innovadores
ni especialmente originales, pero
saben lo que hacen y demuestran su
experiencia. Se puede destacar por
su calidad técnica canciones como
“Nunca Te Olvides”, “Caballeros

Del Mundo” y “Cristales Rotos”.
olga vidal
slayer
THE REPENTLESS KILLOGY: LIVE AT THE FORUM
NUCLEAR BLAST RECORDS
‘The Repentless Killogy: Live At The Forum’ es, salvo sorpresa mayúscula,
el último lanzamiento de Slayer después de más de tres décadas de carrera. El
directo grabado en Inglewood (California) el pasado 5 de agosto de 2017 cuenta
también con su versión audiovisual en una película –que fue estrenada en cines
en una fecha única previa a su lanzamiento en Bluray/DVD- donde la música no
es lo único a reseñar, ya que cuenta con una historia paralela escrita y dirigida por
BJ McDonnell donde aparecen actores de la talla de Danny Trejo o Jason Trost.
Todos ellos viejos conocidos de los seguidores de la banda norteamericana por
trabajar en los últimos videoclips de ‘Repentless’.
Al centrarse en el concierto lo primero que hay que destacar es el soberbio
setlist que agrupa en 20 canciones lo mejor de su discografía. Desde el primigenio
“The Antichrist” de su álbum debut hasta la nada desdeñable cantidad de cuatro
composiciones del concluyente ‘Repentless’. La década de los ‘90, a excepción
del querido y venerado ‘Seasons In The Abyss’, fue la etapa más olvidada, como
era presumible. Tampoco tuvo ningún protagonismo el infravalorado ‘Christ
Illusion’, lanzado en 2006.
El júbilo y la emoción que se siente con la épica “Delusions Of Savior” -la
mejor intro jamás compuesta por Kerry King y compañía- se torna en mueca una
vez empieza a sonar la inicial “Repentless”. ¿Cómo es posible que el supuesto
GSPSJzR½REPHIXYGEVVIVEXIRKEYREQI^GPEHIWSRMHSXERLSVVSVSWE#)WEIW
la pregunta que cualquier fan de Slayer se preguntará en repetidas veces quizá
sintiendo envidia de aquellos que veneran a Helloween de la misma manera (los
cuales se encontraron una auténtica joya con su ‘United Alive’ -que sí, que está
retocado en estudio, pero ojalá este ‘Live At The Forum’ también lo estuviera-).
Partiendo de la base de que el bajo de Araya no se sabe ni que existe o que
ecualización de la voz y las guitarras parecen de un bootleg o de un directo de
1984, es muy difícil disfrutar plenamente de este ‘The Repentless Killogy’, que
tendrá como gran aliciente y punto a favor el apartado sentimental. Serán la
pasión y el afecto por uno de los más grandes grupos de la historia del metal
los que mantendrán al oyente pegado al auricular. Pero, por favor, al ingeniero de
sonido que le evacuen de la sala lo antes posible.
“Disciple”, “Postmortem” y “Hate Wordwide” se encargaronn de seguir con
IPWLS[HIQERIVEMRMRXIVVYQTMHELEWXEUYITSV½RERXIWHIPLMQRSXSXEPUYI
es “War Ensemble”, Tom Araya se dirigió a las masas. Nunca fue el cantante de
origen chileno muy dado a grandes discursos. En este punto es probable que
nadie se esté acordando de la mezcla y simplemente el sistema inconsciente haga
cabecear de arriba para abajo como un poseído. Cosas que solo pasan cuando
eres amante de la música extrema. La parte central entrelaza grandes clásicos, de
esos que nunca jamás faltan en un show de Slayer, como pueden ser “Dead Skin
Mask” o “Mandatory Suicide”, con otras joyas que muchos agradecerán como el
hit que fue en su día “Bloodline” o la muestra de que sin Hannemann también
podían componer de manera soberbia que es (entre otras) “You Against You”.
Las gigantescas “South Of Heaven”, “Raining Blood” y “Angel Of Death” -con
“Chemical Warfare” entre medias- son el remate perfecto a la actuación. Nunca
un disco de thrash metal dejó tanta sensación de melancolía y nostalgia (aunque
UYM^jWSPSWIEYRJEPWS½REPUYMIRWEFI7SPSIPXMIQTSPSHMVj
jano carbia
metal hammer | 57
 amon amarth
El anuncio de la gira de Amon Amarth en arenas pequeños ya
preveía que esta gira iba a dar que hablar, y la unión anunciada
posteriormente de Arch Enemy e Hypocrisy como artistas
invitados no hacía más que engordar el hype (y la venta de
entradas) para las dos fechas confirmadas en España. Barcelona
y Madrid recibían uno de los tours del año, algo que se pudo
certificar al término del mismo, y ambas ciudades casi cuelgan
el cartel de sold out completo en ambos recintos, hecho nada
desdeñable para bandas que están llamadas a suceder a los
Metallica, Iron Maiden y Kiss de turno como cabezas de cartel
en los festivales.
Los horarios (tanto de apertura de puertas como de inicio
de los shows) se llevaron bastante a rajatabla, y el público pudo
entrar tranquilamente para ver a los primeros de la velada,
que incluso se adelantaron un pelín a la hora prevista de inicio.
Hypocrisy empezaron sin piedad alguna y formaron un enorme
mosh nada más arrancar su actuación con “Fractured Millennium”.
Este cúmulo de energía tan condensada al principio se desinfló
por parte del respetable al poco de generar todo ese movimiento
según avanzaron los temas, que no sonaban nada mal y que fueron
los que tuvieron el toque más oscuro y extremo de la noche.
Canción a canción, los suecos desplegaron su death metal sin
apenas distracciones (salvo una mención a uno de sus miembros
que estaba sustituyendo a otro). Prefirieron tocar todo lo posible
a una interacción mayor con la gente, pero claro, una oportunidad
como esa para tocar ante una masa tan poblada fuera del formato
festival no se tiene todos los días, y más cuando el aforo estaba
algo más lleno de la mitad (casi 2.000 personas aproximadamente).
Un buen concierto de Hypocrisy, que cumplió su cometido con
nota.
La mayoría de la escenografía de la banda se sustentaba
en la producción que llevaba Arch Enemy para su bolo. Los
telones compartían soporte, y la estructura del escenario estaba
compuesta de gran parte del material de la banda liderada por
Alissa White-Gluz, que después de las modificaciones pertinentes
al retirar el equipo de Hypocrisy y colocar el suyo, salieron a
comerse el escenario del Sant Jordi Club. La pista y la grada ya
estaban prácticamente pobladas con todo el mundo que había
comprado su entrada, y desde el comienzo con “The World Is
Yours”, uno de los singles de su último ‘Will To Power’ (2017),
el death metal melódico más cañero de los (también) suecos
sacudió las entrañas del recinto barcelonés.
58 | metal hammer
+ ARCH ENEMY + HYPOCRISY
sant jordi club (barcelona)
TEXTO: dani bueno FOTOS: sergi ramos
La batería estaba baja y la voz podría haber tenido más
protagonismo, pero no es descartable que se le diera más
cancha a las líneas de guitarra no por su calidad (indiscutible),
sino porque no es la primera vez que la cantante flaquea según
avanza el directo. Un ejemplo de esto se pudo comprobar, por
aludir a una fecha próxima, a enero de 2018 cuando Arch Enemy
acudió en un extraño paquete de gira en el que rodaba con Jinjer,
Tribulation y Wintersun. La vocalista dejó mucho que desear ese
día, última prueba en formato sala que había pasado el grupo en
España antes de esta, por lo que las miradas también se podían
centrar (más) en ella por este motivo -si es que no lo suelen
estar casi siempre al ser la frontwoman, posición clave para ello
en cualquier formación-.
Temazo tras temazo, Arch Enemy conformó un espectáculo
con una serie de cortes bien elegidos por su velocidad para
encender a las masas. Una muestra de ello fue la inclusión, como
también era de prever, de “War Eternal”, “The Eagle Flies Alone”,
“As The Pages Burn” o la siempre final “Nemesis” dentro de
su repertorio. No fue la mejor noche de Alissa cantando, pero
tampoco la peor. Cuando se comunicaba con los aficionados tuvo
algún que otro gallo, pero a la hora de interpretar su sección no
se le notó tanto, por lo que Arch Enemy consiguió cerrar un set
perfecto para avivar a los seguidores del Sant Jordi Club, que en
unos minutos tendrían el plato fuerte de la noche ante ellos.
El trío de suecos de este pack lo cerrarían los vikingos Amon
Amarth, que recibieron a sus fans barceloneses con “Run To The
Hills” de Iron Maiden a todo volumen y, por consiguiente, con
todos ellos dejándose la voz antes del inicio del show de Hegg y
los suyos. Un telón enorme con el nombre de su último trabajo
de estudio, ‘Berserker’ (2019), tapaba lo que habían montado
sobre las tablas, pero al son del single de este disco “Raven’s
Flight” este cayó a la par que una gran cantidad de llamaradas
azotaban junto a la potencia de Amon Amarth.
Las llamas mencionadas, las lonas traseras (gigantes) que iban
cambiando cuando avanzaban las canciones, la pirotecnia especial
formada por fuegos artificiales de diversos tipos que recorrían el
escenario de arriba abajo, confeti, explosiones, estatuas gigantes
de vikingos, la aparición de Loki, la elevación de la batería (que
estaba en una plataforma con forma del típico yelmo vikingo con
pantallas y cuernos -los cuales no usaban en su época pero que se
les ha atribuido con el paso de los años-), el enorme Gjallarhorn
que sacó Johan para brindar con quienes habían llevado sus
cuernos al grito de “skål”, el Jörmundgander que volvió a otro
bolo de los suecos para que Johan Hegg le derrotara con un
martillo cual Thor… Este show de Amon Amarth no era moco
de pavo.

El crecimiento de la formación a niveles de popularidad y

ventas de merchandise no solo ha sido exponencial, sino que su
puesta en escena también. En el último Download Festival Madrid,
el público español tuvo la oportunidad más reciente de ver hasta
dónde podían llegar estos vikingos metaleros (no confundir con
viking metal), sin embargo, el espectáculo de Amon Amarth fue
llevado a otro nivel en esta velada. Más allá de la elección de las
canciones de su setlist, muy acertada como en el caso de Arch
Enemy porque encadenaban hit tras hit, todo estaba cuidado a la
perfección para conformar una noche que todo el que presenciase
recordase en la posteridad.
Del repertorio, qué decir… Otro triunfo de los vikingos. No
solo excitaron en cada momento a los asistentes con éxitos del
calibre de “Death In Fire”, “Deceiver Of The Gods”, “The Way Of
Vikings”, “Guardians Of Asgaard”, “Raise Your Horns” o las finales
“The Pursuit Of Vikings” o “Twilight Of The Thunder God”, sino
que los nuevos temas como la primera “Raven’s Flight”, “Crack
The Sky” o “Shield Wall” hicieron vibrar a todos como si fueran
canciones que llevan años en su discografía. Hay mucho que decir
del potencial de la formación en directo, pero ellos mismos lo
expresan con su puesta en escena. Hacen falta grupos que se la
jueguen (junto a discográficas) y decidan dar un paso adelante en
lo que a elaborar un buen espectáculo se refiere para ascender
a la cima de la escena, y aquella lluviosa noche de noviembre
demostraron que la banda está totalmente decidida a hacerlo.
Amon Amarth hizo que su concierto fuera como un Ragnarök, y
con semejante show, Odín espera a sus miembros en el Valhalla.
Se lo han ganado.
metal hammer | 59
 machine head
olympia theatre (dublín, irlanda)
TEXTO: dani bueno
FOTOS: sergi ramos y dani bueno

60 | metal hammer
 La reunión de Machine Head por el
25º aniversario de su álbum de debut, ‘Burn
My Eyes’, unida a la renovada formación
merced a la estrepitosa salida de Phil
(IQQIP](EZI1G'PEMRHIWYW½PEWLEGuEHI
la gira de la banda en 2019 la más esperada
TSV PSW E½GMSREHSW HI PSW PXMQSW XMIQTSW
La escisión en el seno del grupo generó una
incertidumbre acerca del futuro de Machine
,IEH UYI HINz E PSW E½GMSREHSW GSR IWE
sensación de no saber cuál sería el devenir
de la banda. No obstante, Robb Flynn es el
líder absoluto del proyecto, y si su intención
era seguir cabalgando con él, la maquinaria no
se iba a detener por un “contratiempo” más
grave de lo habitual.
¿Que te quedas “en bragas” solo con tu
bajista? Pues recuperas al guitarrista (Logan
Mader) y al batería (Chris Kontos) originales
de Machine Head y te montas un tour
especial en honor al disco con el que nació
el grupo. Los tiempos han coincidido para
que no se vea como algo forzado -más allá de
que esto pudiese estar o no planeado antes
de lo sucedido-, y si a eso se le suma que se
han regrabado en una versión de directo en
estudio las canciones de ese ‘Burn My Eyes’
y que poco antes de comenzar el primer
periplo en vivo con esta gira se anunciaron
los nuevos miembros que pasan a formar
parte del line up de la banda, todo estaba
PMWXSTEVETSRIVWIIRQEVGLE;EGđE[±:SKK²
en los 24 shows de Machine Head en el
primer tramo de su gira europea. Más dinero
ingresado y menos que desembolsar por
persona). Todo a pedir de boca.
Con este background, Metal Hammer
España nos plantamos en Dublín (Irlanda)
para vivir el último show de este tour de
2019 en Europa. Siguiendo el modelo de
setlist de Metallica pero con alguna que
SXVE QSHM½GEGMzR QjW PE IWXVYGXYVE HI WY
repertorio era bastante similar y solo se
cambiaban canciones del mismo tipo entre
ciudades (solo en la primera parte del set,
UYIIWPERMGEWYNIXEEUYILE]E¾YGXYEGMSRIW
de temas). Como mucho, según el lugar y
cómo se encontrasen, ampliaban algún corte
o recortaban, pero todo bastante similar. El
lugar en el que se celebró el concierto no
fue un recinto en el que uno se imaginaría
un directo de Machine Head. Un teatro
con decoración clásica con una estética
más cercana a espectáculos con un público
vestido con ropajes de alta costura acogió
a la comunidad metalera irlandesa, que se
congregó para colgar el cartel de “no hay
billetes” en la capital de Irlanda.
El pistoletazo de salida del espectáculo se
llevó a cabo con un conjunto de canciones
de todos los trabajos de estudio de la
banda (salvo del primero) con una selección
bastante acertada de los hits que han marcado
que despidió un tramo que bien podía haber
cerrado un concierto completo de Machine
Head.
No hubo que esperar mucho para que
la segunda parte del concierto empezara.
Cambiaron rápido los telones y atuendos
HIPIWGIREVMSTEVEWYQIVKMVEPSWE½GMSREHSW
en la atmósfera de ‘Burn My Eyes’ y con ello
comenzó la interpretación del disco íntegro
con la sustitución de Vogg por Mader y de
Alston por Kontos. Quizás estos últimos
IR IRXVEV RS WI QSWXVEVSR XER ½IPIW E PEW
canciones como los primeros, pero sí dejaron
ver ese lado más entusiasta del artistas
con innumerables saltos de Logan, a quien
parece molestarle llevar ropa de cintura
para arriba porque no se ven sus incontables
abdominales, y la expresividad de Chris,
que actúa como una especie de Lars Ulrich
adaptando los temas a su forma de tocar
pero sin devaluarlas como el danés (y con
camiseta muy grande que compensa la que
no lleva Mader).
Entre columnas de humo (sin fuego
porque el teatro no lo permitía) y un
sonido más intenso y atronador en este
XVEQSIPRMGSIPIQIRXSUYIMRXIV½VMzIRPE
progresión de ‘Burn My Eyes’ fue el momento
de improvisación de versiones antes de la
última “Block”, pasaje que materializan cada
noche a modo de descanso y diversión. En
/MIđX]OE KYMXEVVMWXE HI (IGETMXEXIH
 ] 1EXX la trayectoria de Machine Head. A pesar de
Alston (batería de estudio y antes de esto
miembro de la crew de Machine Head como
técnico) fueron los elegidos para suplir a Phil
y Dave, y su profesionalidad ante el proyecto
musical más grande de sus vidas hasta la fecha
es indudable.
Para el ávido de Robb esto no es más
que una ventaja: el tour más ambicioso de
los últimos de Machine Head. No solo con la
idea de “An evening with” en la que el grupo
no quiere contar con teloneros y rehúye los
festivales, sino con un plantel más atractivo
que nunca y, probablemente, una cuantía
de “sueldos” que pagar menor. No hay que
engañarse, la ilusión que puede generar a
sus nuevos integrantes el hecho de estar
en una banda de esta índole (más todavía
si uno ya trabajaba con ellos antes) como
una de sus caras visibles y la recuperación
de dos músicos cuyas carreras artísticas no
están precisamente boyantes (Logan tiene
Once Human con su pareja, Lauren Hart,
pero su popularidad no le llega ni a la suela
de los zapatos a la de Machine Head) no le
ha debido salir especialmente cara a Flynn,
que ha congregado cerca de 80.000 personas
Dublín se extendieron y no solo se ciñeron a
que su último plástico se editó en 2018, no
hubo apenas temas de ‘Catharsis’ salvo su
homónima, lo que habla de cómo ha sido la
recepción de este último disco y de cómo
el propio Robb lo sabe para no devaluar su
show. La nueva que sí estuvo presente en el
setlist fue “Do Or Die”, la cual salvo por su
controvertida letra rememora los mejores
pasajes del grupo -instrumentalmente
hablando- que se potenciaron hace algo más
de una década con ‘The Blackening’ (2007) y
‘Unto The Locust’ (2011). Otros éxitos que
formaron parte del repertorio fueron la
inicial “Imperium”, “Now We Die”, “Beautiful
Morning”, “Locust”, “I Am Hell (Sonata In
#C)” o “Aesthetics Of Hate”, donde la gente
se desgañitó y estaba exhausta casi desde el
comienzo.
El monólogo de siempre de Robb que
parece que nunca se acaba entre acorde
y acorde sucedió, como es costumbre,
antes de “Darkness WIthin”, que dio pie al
arranque del último tramo del primer set
donde destacaron “Is There Anybody Out
There?”, la ya mítica versión de Iron Maiden
HI±,EPPS[IH&I8L]2EQI²]PE½REP±,EPS²
Metallica y Slayer como habían hecho hasta el
momento, sino que aparte de las pertinentes
“Master Of Puppets” y “Motorbreath” de
los primeros y “South Of Heaven” y “Raining
Blood” de los segundos, también deleitaron a
sus seguidores con covers menos comunes
como “Fuck Her Gently” de Tenacious D,
la hímnica “Seven Nation Army” de The
White Stripes y “Thunder Kiss ‘65” de White
Zombie.
Esta fue la guinda a un bolo especial
RS WSPS TSV WIV IP ½REP HI PE TVMQIVE
concatenación de directos de su gira europea,
sino porque tras algo más de 3 horas y 40
minutos de duración, fue el concierto más
largo de la historia de Machine Head. En
abril de 2020 el tour de los norteamericanos
empezará en España, y si se tiene en cuenta
que hacen hasta siete conciertos en la
geografía nacional (Zaragoza, Santiago de
Compostela, Madrid, Málaga, Murcia, Valencia
y Barcelona), perderse uno de los shows más
potentes del mundo en la escena metalera
WIVuEGEWMGEPM½GEFPIHITIGEHSTEVEPSWJERW
españoles. Épico.
metal hammer | 61
mayhem
+ gaahls wyrd + gost
SALA salamandra (hospitalet de llobregat)
TEXTO: javi félez FOTOs: mavi parra y alejandro ortega
Al ser la tercera vez que Mayhem visitaba Barcelona en estos casi 35 un muy buen directo aunque igualmente escaso: apenas tres cuartos de
EySW HI LMWXSVME IP PPIRE^S HI 7EPEQERHVE TEVIGuE QjW UYI NYWXM½GEHS hora (lo que duraba exactamente ‘De Mysteriis Dom Sathanas’, el disco que
4VIWIRXEFERWY¾EQERXI]VIGMqRWEPMHSHIPLSVRSRYIZSXVEFENS±(EIQSR² interpretaron íntegramente).
y los polémicos noruegos traían consigo un par de aperitivos cuanto menos
curiosos y atractivos. El pistoletazo de salida lo dieron los ascendentes En esta ocasión, sin embargo, Mayhem venían a por todas con una
GosT, quienes ya estuvieran por aquí el año pasado teloneando a Carpenter escenografía lograda y visualmente efectiva y un setlist de hora y media
Brut. Emparejados estilísticamente con estos -aunque con ciertos dejes que listo para contentar a todo el mundo; seguidores de su primera época,
se nutren del black metal-, su synthwave de corte ochentero sorprendió KIRXI HI QMVEW QjW EFMIVXEW E½GMSREHE HI WYW PXMQSW XVEFENSW JERW UYI
a más de uno que no acababa de digerir lo que estaba viendo y que iban atraídos por la “peligrosidad” del evento (mayormente adolescentes
probablemente esto era lo último que esperaba ver de un telonero de de aspecto turbio poco amenazador) y gente que simplemente no quería
Mayhem. ‘Valediction’, su nuevo trabajo, salió hace poco y tocaba defenderlo perderse la actuación de los padres del Black Metal nórdico. El sonido era
en directo, algo complicado únicamente con dos miembros sobre el QINSVEFPI TIVS ERXI YRE WEPE E VIZIRXEV HSRHI RS GEFuE RM YR EP½PIV PE
escenario si se tiene que disparar casi todo -teclados incluidos, aunque su histeria tardó poco en desatarse y nadie reparó mucho en el hecho de que
líder Baalberith hiciera el gesto de tocarlos-. Como performance, lo que Salamandra generalmente suena bastante mejor.
plantean GosT tiene su punto; ahora, vender esto como música en directo
es más que discutible. Venían los noruegos presentando ‘Daemon’, su nuevo plástico editado
recientemente por Century Media. Abrieron la velada con varios cortes
Para cambiar de registro completamente se presentaba el que fuera HIPQMWQSGSQS±&EH&PSSH²±-RZSOI8LI3EXL²±*EPWM½IH%RH,EXIH²S
líder de Gorgoroth durante sus años de mayor apogeo comercial, el señor “Malum”, que fueron intercalándose con otros temas de los últimos 20 años
Kristian Eivind Espedal (más conocido como Gaahl) con su nuevo proyecto como “To Daimonion”, “Symbols Of Bloodswords”, “Ancient Skin” o “My
Gaahls Wyrd (banda que puso en marcha hace 4 años y cuyo debut salió Death” -aunque lógicamente todos los vítores se los llevaron los clásicos
hace unos meses vía Indie Recordings). El sonido atroz y absolutamente de rigor que marcaron el devenir sonoro del género casi 3 décadas atrás-.
GEVIRXIHIHI½RMGMzRRSE]YHEFEIREFWSPYXSELEGIVHIIWXEYREGIVIQSRME “Buried By Time And Dust”, “Life Eternal”, “Freezing Moon” o “Pagan Fears”
a la altura de lo esperado, y los temas representaron a ‘De Mysteriis Dom
de su debut ‘GastiR - Ghosts Invited’ Sathanas’ (sorprendentemente quedó
fueron cayendo con más pena que fuera “Funeral Fog”, algo inconcebible)
gloria dejando un pufo de mediocridad mientras que las canciones aún más
e indiferencia considerable, algo viejas fueron las encargadas de cerrar el
inevitable cuando la gente te conoce show (léase “Carnage” -del célebre ‘Live
más por tus hazañas y extravagancias in Leipzig’-), “Deathcrush” (precedida
que por tu música. Gaahl, en su línea, de la mítica introducción “Silvester
tampoco puso mucho de su parte Anfang”), “Chainsaw Gutsfuck” o “Pure
para contagiar al público de lo que sea Fucking Armageddon” con la que se
que desease transmitir. Su presencia despidieron.
estática y desgana a la hora de cantar
sus canciones -a priori sus señas de Necrobutcher iba a su bola con
identidad escénicas- hacen que uno no alguna copa de más, Attila centraba
pudiera sino mirar las agujas del reloj todas las miradas con sus atuendos
IWTIVERHSEUYIWYWIX½REPM^EWI extravagantes, Hellhammer empujaba
desde atrás cual tanque y los nuevos
Igualmente polémicos aunque guitarristas, Teloch y Ghul, pese a su
musicalmente bastante más válidos y inexpresividad y racaneo escénico,
relevantes, los noruegos Mayhem aportaban el contrapunto de sobriedad
venían -esta vez sí- a hacer un concierto y musicalidad a semejante torbellino de
en toda regla. En su debut en la ciudad roña sonora en forma de black metal
condal en el 2004 salieron entre vetusto. Después de mucho tiempo un
abucheos tras 45 minutos de show tanto desorientados, Mayhem parece
infame y un sinfín de despropósitos, TSV ½R LEFIV VIHMVMKMHS WY GEVVIVE ]
mientras que hace un par de años aclarado el enfoque musical de cara al
volvían a Barcelona para llevar a cabo futuro. Nosotros lo celebramos.

62 | metal hammer
insomnium
+ the black dahlia murder + stam1na
sala razzmatazz 2 ( barcelona)
TEXTO: laura cano FOTO: itsaso urkia
Barcelona hospedó una noche de puro death metal en todas sus
facetas. Gracias al evidente éxito de su último ‘Heart Like A Grave’, los
½RPERHIWIW -RWSQRMYQ ] WY QIPSHIEXL QIPERGzPMGS WI TSWXYPEFER GSQS
indiscutibles cabezas de cartel, mientras que The Black Dahlia Murder
llegaban desde Michigan para aportar un death melódico de corte más
americano. Stam1na, también procedentes del país norteño, se apuntaban
al carro para dar un toque ecléctico y vanguardista al género. Fueran cuales
fueran las preferencias de los asistentes, todos encontrarían un motivo por
el que dejarse las cervicales.
Los primeros en enfrentarse a una sala que ya se antojaba
considerablemente llena fueron Stam1na, quienes giraban con su tour
³3GXSTYWW]´ &VSQEW ETEVXI IP XuXYPS WMVZI TIVJIGXEQIRXI TEVE HI½RMV PE
actitud de esta joven banda: aunque se les encasille -quizá por su procedencia-
dentro del melodeath, la verdad es que los de Lemi tienen una actitud y una
tralla más cercana al punk estridente que a la pesadumbre melódica de sus
compatriotas. Para muestra de ello, el guitarrista no se lo pensó dos veces
antes de echarse birra encima para refrescarse. Sin embargo, su propuesta,
que mezcla con muy poca vergüenza elementos del metalcore, el thrash y
IPQIXEPQjWGPjWMGSIRGENzQjWGSRYRTIUYIySKVYTSHI½RPERHIWIWUYI
con el tímido público autóctono, el cual se contentó con dejarse llevar por
los brutales rompecuellos que Antti Hyryynen y compañía soltaron a lo
largo de su corto set.
Poco tardó The Black Dahlia Murder en entrar a matar
por el headbanging, notaba como tal potencia le sacaba un poquito del
marco mental para el que venían preparados los fans. Dicha expectación
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de los de Joensuu. Una sala con todo el respetable lo más adelante posible
servía de eco para los resultados del plástico en listas: #1 en Finlandia, #10
en Alemania, #15 en Suiza y, poca broma, #54 en España. Era evidente que se
les esperaba con ganas, así que Niilo y compañía empezaron con los hits del
nuevo disco, “Valediction” y “Neverlast”, que pusieron la sala patas arriba
tan punto empezaron a tronar.
‘Heart Like A Grave’, que vuelve al formato tradicional después del
conceptual ‘Winter’s Gate’, ha sido muy bien recibido por los fans de la
formación. Es difícil escoger el mejor tema o, en este caso, el que mejor
funcionó en directo: además de los mencionados, hubo ovación grande
para “Pale Morning Star”, coros ensordecedores acompañando la melódica
“And Bells They Toll” y hasta un momento de piel de gallina cuando el
bombo retumbaba en el drop pre-estribillo de “Mute Is My Sorrow”. Pese
a que el foco del setlist fue el lanzamiento más fresco de la formación,
no se olvidaron de incluir también “Through The Shadows”, “Ephemeral” y
tantos otros clásicos imprescindibles que te hacen soltar una lágrima entre
cabezazo y cabezazo. En ese sentido, la gran sorpresa llegó con “Into The
Woods”, la cual hacía tiempo que no tocaban en directo, por lo que bien se
mereció el mosh que se le dedicó.
Mientras el caos se desataba en la pista, encima de las tablas tenía lugar
arremetiendo con todo y metiendo caña nada más empezar. Trevor Strnad
HIJIRHuEGSRWIRXMQMIRXSWYW
iba tan acelerado que apenas dedicó tiempo a compartir unas palabras con el
TFPMGS]TVI½VMzGSRGIRXVEVWIIRIRXVIKEVGSRTVIGMWMzRUYMVVKMGEKVS[PW
escalofriantes y jalear al público puño en alto. Era la hora de demostrar
toda la brutalidad del death melódico americano, por lo que el quinteto
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creaciones, mientras que Markus Hirvonen, ajeno a todo tras su batería,
ponía su atención en cuadrar cada redoble con el momento correcto. A
un lado del escenario, Markus Vanhala (guitarra) hacia malabares con su
V-shaped acaparando la atención de los fotógrafos e intercambiando solos
no escatimó en dobles bombos ni en solos distorsionados y clavó temas GSRIPVIGMqRMRGSVTSVEHSHIQERIVES½GMEP
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como “As Good As Dead”, “What An Horrible Night To Have A Curse”
 UYI LE TEWEHS E WYWXMXYMV E:MPPI *VMQER HI QERIVE S½GMEP XVEW
o “Everything Went Black”. Aunque su propuesta brilló con una fuerza
impepinable e hizo que muchos no se lo pensaran dos veces antes de saltar
de cabeza al primer mosh que tenían cerca, era evidente que esa noche la
gran mayoría de los asistentes habían salido de casa para viajar a las taigas
borrascosas bañadas en sol invernal de Insomnium. En ese sentido, The
Black Dahlia Murder fueron los grandes perjudicados, ya que se mostraron
delante de un público que, si bien disfrutaba de su energía dejándose llevar
%VGXMGE
años de colaboración puntual. Acunados por un gran juego de luces, que
a ratos imitaba las aguas de la aurora boreal, Insomnium acabó llegando al
bis más pronto de lo que cabía esperar. Aunque Niilo pidió calma al público
en la desgarradora “While We Sleep”, el respetable estaba ya caldeado y
ni siquiera un momento acústico un poco inconexo consiguió estropear
la magia de la titular “Heart Like A Grave”. La visita de Insomnium en
Barcelona acabó trayendo más alegrías que penas.
metal hammer | 63
frank carter
& the rattlesnakes
+ kid kapichi
sala razzmatazz 2 (barcelona)
TEXTO: víctor vallespir FOTO: daniel cruz
Hay conciertos que, por un motivo u otro, se convierten en
eventos de lo más especiales y que, aparte de reunir a gente con
gustos musicales aparentemente inconexos, sirven para formar una
comunidad de personas que se reúnen en un determinado punto
de la ciudad ya no solo para sentir y disfrutar de la música de uno
de sus artistas favoritos, sino para poder compartir un mensaje
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y sin lugar a dudas el concierto de Frank Carter y sus Rattlesnakes
fue una de ellas, de las grandes y de las que difícilmente se olvidan.
Se había comentado en los días anteriores al evento que las
entradas se estaban a punto de agotar. ¿Sorpresa? Muy poquita,
y más sabiendo de la trascendencia que tuvo el concierto del ex
Gallows en el ResurrectionFest allá por el 2018, cuando dio el gran
WEPXSIRRYIWXVSTEuW]WIGSRZMVXMzIRSFNIXMZS½NSHIQYGLSWHI
los seguidores de los sonidos más punkarras. Pero ojo, que eso no
es todo, puesto que el tipo se sacó de la manga este mismo año
un ‘End Of Suffering’ que va mucho más allá de esta premisa y que
ahonda sus matices sonoros en unos terrenos poperos que, maldita
sea, enganchan que no veas.
Y en esas estaba el público barcelonés mientras observaba la
actuación de Kid Kapichi, el invitado especial para este nuevo
tour de Frank Carter & The Rattlesnakes (y cuyo autobús
de gira, por cierto, lucía espectacular en el exterior de la segunda
sala de la Razzmatazz condal). La propuesta alternativa de la
formación inglesa vino de perlas para que la audiencia allí congregada
empezara a coger calor y que las primeras notas rockeras de la
noche empezaran a bañar el ambiente. Se dedicaron a presentar,
básicamente, su último lanzamiento hasta la fecha, un ‘Sugar Tax’ que
navega por terrenos pantanosos como el stooner y que sirve, al
64 | metal hammer
½REPTEVETVSTEKEVYRQIRWENITSPuXMGSHIPSQjWVIEPMWXE-RKPEXIVVE
está en crisis y los tiempos que corren son de lo más peligrosos.
7YRYIZSWMRKPI±7EVHMRIW²XYZSYREFYIREVIGITGMzR]TEVEIP½REP
del show, de unos 40 minutos, tenían a la audiencia entregada. Pero
aquello cambiaría de forma radical para cuando el cabeza de cartel
de la noche tomara el escenario.
Y es que desde las primeras notas de la aparentemente tranquila
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se hizo con todas las miradas del respetable y supo apoderarse de
un escenario que, más allá de erigirse como un refugio natural, es
el sitio donde mejor sabe transmitir los valores y la energía de su
propuesta musical. “Lo que tenéis que hacer es escuchar, solamente
escuchar, a todos aquellos quienes pasen por un mal momento”,
empezó con un completo recital de valores perfectamente mezclado
con los mejores temas que integran su último ‘End Of Suffering’,
sin duda uno de los mejores lanzamientos del año. La potencia de
“Tyrant Lizard King” ya sirvió para que el cantante se acercara a las
TVMQIVEW½PEW]YRSWTSGSWQMRYXSWQjWXEVHI]EIWXEFELEGMIRHS
GVS[HWYV½RKTSVIRGMQEHIPEQYPXMXYH(IXVjWWY]SYREJSVQEGMzR
con todas las de la ley que tiene en su guitarrista Dean Richardson
otro verdadero referente en escena, que incluso que atreve a subir a
la barra lateral de la Razzmatazz para recibir el calor y los aplausos
de un público completamente entregado a lo largo de la velada.
“Anxiety” fue precedida por un mensaje que nos encogió el
corazón, cuando Carter se encontró con una soga en el cuello
durante seis horas y vivió el peor momento de su vida, pero para
“Love Games” aquello se convirtió en una odisea erótico-festiva
propuesta por el propio frontman, que lo dejó todo de lado y volvió
a la potencia sónica de la mano de la poderosa “Juggernaut”, de su
celebrado ‘Blossom’. “Supervillain” fue otra de las nuevas que más
se celebró en un mosh-pit que no paraba en el centro de la sala,
mientras que “Devil Inside Of Me”, como no podía ser de otra
forma, lo preparó todo para un clímax irremediable.
)PHS½REP±'VS[FEV²]±-,EXI=SY²HSRHI*VERORMWMUYMIVE
tuvo que cantar debido al ruido ensordecedor de sus fanáticos,
puso el broche de oro a una actuación que llevó la intensidad por
bandera, con la calidad de unos temas de lo más variados clavados
en nuestros tímpanos y con la presencia escénica de unos tipos que
saben muy bien lo que se hacen en sus conciertos. Por algo son una
de las bandas más en forma del panorama punk actual; y lo que es
mejor, consiguen transmitir un mensaje de amor y sinceridad a la
altura de muy pocos artistas.
leprous
+ the ocean + port noir
sala shôko (madrid)
TEXTO: diego solana FOTO: sandra obarrio
Tildar esta velada de perfecta podría sonar algo pretencioso puesto
que la perfección es subjetiva y, por ende, casi imposible de demostrar.
Sin embargo, menos subjetivo sería decir que las actuaciones de Leprous,
8LI3GIER ]4SVX 2SMV GEVIGMIVSR HIETIREWTYRXSW¾EGSW )P GEQMREV
de los suecos, el misticismo de los alemanes y el aura que desprendieron
los noruegos se combinaron en cerca de tres horas de música elaborada
con complejidad y precisión. El hilo conductor, más allá del término
“progresivo”, que ya abarca demasiados conceptos, fue el buen sonido de
las tres intervenciones gracias al cual se pudieron percibir cada uno de los
matices de todas las músicas.
Comenzaron Port Noir, un power trio sueco que contó con media
hora para entregar un rock sólido y con paso andante en la onda de
artistas como Highly Suspect pero más pesados y con pocas melodías
con una potente “Firmament”, y puso la vista en la próxima visita de The
Ocean a nuestro país.
Después de esta descarga de intensidad y agresividad llegaba la
actuación de Leprous, que presentaba ‘Pitfalls’, un disco que va un paso
más allá en los sonidos más pop que tanto parecen gustarle a Einar (líder
de la formación) pero que esconde alguna que otra sorpresa. Armados
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en ocasiones, incomprensibles (como un bucle de una escalera mecánica)
Leprous abrió con “Below”, primer single y apertura de su último largo.
Con todo el público a los pies de los Noruegos coreando los grandes
éxitos a pleno pulmón, la banda se encontró con una situación perfecta para
desenvolverse al máximo. Tal fue, que el propio Einar decidió embarcarse
en lo que denominó como su nuevo proyecto: hablar al público, y así se vio
UYI IRKERGLEWIR WY TYRXS QjW ¾SNS
 0EW GEFI^EW HIP TFPMGS WI MFER la versión más natural e íntima del cantante y compositor.
aunando al son de sus riffs y del groove encuadrado, y los aplausos se
MRXIRWM½GEVSR XIQE E XIQE (IWTEGMS TIVS GSR FYIRE PIXVE 4SVX 2SMV
fueron convirtiéndose en un descubrimiento interesante para los
presentes. Como plato de apertura, una excelente elección para la venida.
Salieron los suecos y, durante el cambio, el escenario se fue llenando
HI LYQS E QIHMHE UYI WI IJIGXYEFE HI JSVQE VjTMHE ] I½GMIRXI 9RE
vez que la visibilidad sobre el escenario era nula, las luces se apagaron y
sonaba “Permian: The Great Dying” a medida que los alemanes se subían,
acompañados de una gran ovación. Con tan solo las luces que colocan
sobre el escenario y las del techo, The Ocean crearon una intensidad
visual que acompañó el ritmo de sus canciones en un show poco normal
pero impactante de igual forma. Sus temas, largos, densos y complejos
maravillaron al respetable que, boquiabierto, aplaudía cada momento que
se les permitía.
Dos de los protagonistas de la actuación fueron unos niños que, a
hombros de sus padres, parecían conocer las canciones y fueron invitados
por Loïc Rossetti al escenario en la última. Rossetti, líder de la banda,
aprovechó dos momentos del concierto para pegarse un baño de masas
lanzándose al público, lo cual, en un espectáculo con tan pocas interacciones
con el mismo, servía de relajante a la intensidad y de ambientación.
‘Phanerozoic I: Palaeozoic’ fue el protagonista del repertorio, que acabó
Con cortes como “I Lose Hope” y “The Flood”, se veía a los
seguidores disfrutar, pero cuando sonó el single de ‘Malina’, “From The
Flame”, el concierto pasó de ser de Leprous a de la gente que está ahí
presente. Durante los estribillos, Einar se volvió inaudible ante los cánticos
de una audiencia con ganas de más. “Observe The Train” o “Alleviate”
servían de presentación para el último álbum, pero cuando sonaron “The
Price” y “Stuck”, Madrid volvió a tornarse al unísono con las melodías
coreando riffs y coros a partes iguales. Uno de los puntos a destacar fue
la exposición de virtuosismo de Baard Kolstad, batería de la banda desde
‘The Congregation’, quien a pesar de su corta edad (no ha llegado a la
treintena) desplegó un arsenal de polirritmos y técnicas que asombraron
a más de un asistente.
)P ½REP HIP IWTIGXjGYPS PPIKz GSR±8LI 7O] -W 6IH² PE WSVTVIWE UYI
esconde ‘Pitfalls’: una obra de más de diez minutos donde Leprous saca
a relucir desde sus melodías más orientadas hacia el pop a los riffs más
metaleros. Si bien The Ocean y Leprous habían dejado durante las últimas
horas al público atónito, el cierre no fue más que la guinda sobre un
delicioso pastel musical que rompió con cualquier expectativa posible.
La forma en la que están los tres grupos que se prestaron sobre el
escenario es envidiable, un claro ejemplo de savoir faire, y su crecimiento
en audiencia sirve de prueba de ello.
metal hammer | 65

Después de quedarse la gira en vilo por el
triste fallecimiento de Randy Rampage, que iba
a subirse al escenario por el 30º aniversario del
celebradísimo ‘Alice In Hell’, los muchachos de
Jeff Waters siguieron adelante con un tour que ha
sido todo un éxito en su regreso a España. Los
encargados de abrir la velada fueron Archer
Nation, que aunque poseían un sonido que
cuajaba bien con la propuesta principal, no
acabaron de entusiasmar a los presentes. El trío
californiano presentó el que es su último trabajo,
‘Beneath The Dream’, y aunque trataron de
conectar con el público en repetidas ocasiones,
su actuación acabó sonando bastante monótona
a pesar del cristalino sonido del que disfrutaron.
Nunca es fácil abrir para una banda como esta,
pero al ser los únicos teloneros de la noche se
esperaba bastante más de ellos.
Tras una intro que sumió Razzmatazz 2 en
las tinieblas, Annihilator salió a por todas
con un “Betrayed” muy cañero al que siguió
un muy querido “King Of The Kill”, el primero
de los éxitos en caer. Sobre el escenario se
pudo ver a una banda cómoda, entusiasmada e
incluso sorprendida por el arrojo de un público
que nunca dio menos del 100%,
aunque, como siempre, todas las
QMVEHEW IWXEFER ½NEHEW IR YR .IJJ
Waters desatado, que desde que
asumió de nuevo el rol de vocalista
en 2015 ha mejorado mucho tanto
en desempeño como en presencia.
Poco tardó en caer otro
clásico atemporal de la banda
como es “Set The World On Fire”,
que pese a ser más lento que la
mayoría de temas que componían
el set logró unir a una audiencia
enloquecida que gritaba con fuerza
tanto el emblemático estribillo
como las deliciosas melodías de
guitarra. Sin embargo, no todo
fueron himnos, y es que cayó
una joyita como es “The Trend”,
de un ‘Annihilator’ muchas veces
ignorado por estar a la sombra de
‘Alice In Hell’ o ‘Never, Neverland’.
66 | metal hammer
“Hay tíos en comentarios de YouTube diciendo
que no puedo cantar y tocar esta canción. Vamos
a ver”, bromeó Waters antes de ejecutar a la
perfección el tema. Y de una joya pasaron a otra,
y es que interpretaron un “Schizos (Are Never
Alone) Parts I & II” que no poblaba el set de
la formación desde sus primeros tours y fue el
primer tema en sonar de este ‘Alice in Hell’ que
estaba de cumpleaños que concluyó por todo lo
alto con un solo de batería de Fabio Alessandrini.
Una queja común en los conciertos de Annihilator
es que el cambio constante de guitarras entorpece
el desarrollo del show, y si bien meter un solo en
medio del setlist parece una decisión sabia para
que Waters pueda descansar y recuperar la voz,
fue una pausa más en el que por lo demás fue un
FSPSUYI¾Y]zGSQSPEWIHE
Concluido el solo, Jeff volvió a saltar al
escenario para invocar a todas las féminas de
la sala -que no eran pocas- para que lo dieran
todo al ritmo de “Knights Jumps Queen”, al que
siguió un “Twisted Lobotomy” de un ‘For The
Demented’ que con el tiempo ha ido ganando
en enteros entre los seguidores de la banda. Una
nueva pieza que también gozó de una aceptación
annihilator + archer nation
sala razzmatazz 2 (barcelona)
TEXTO: Marc fernández FOTOS: daniel cruz
nada desdeñable fue “Psycho Ward” de ‘Ballistic,
Sadistic’, que verá la luz el año que viene. “Tricks
And Traps” fue el último corte que precedió a la
HIWGEVKEHILMQRSWUYIWYTYWSIPXVEQS½REPHIP
concierto. Este comenzó con un “Phantasmagoria”
que desencadenó los pogos más salvajes de todo
el show y que fue recibido por un rugido de
PSW E½GMSREHSW UYI WEGYHMz IP VIGMRXS LEWXE PSW
cimientos. Fue también el momento en que más
se involucró el grupo con unos seguidores a los
que invitaron a descargar toda su energía y furor
-cosa que lograron con creces-.
Pasada esta pequeña tempestad, Waters se
HMVMKMz E PSW ½IPIW TEVE VIRHMV WYW VIWTIXSW EP
fallecido Randy Rampage, punto que ganó una
emotividad extra cuándo Aaron Homma cogió
una camiseta de un fan en la que se leía “R.I.P.
Rampage”. En un ejercicio de humildad, Waters
dijo que sin él este disco debut que catapultó
a Annihilator a lo más alto y que no tardó en
convertirse en un clásico de escucha obligatoria
jamás habría sido posible, y que tanto ellos como
todos los que disfrutaban de la actuación tienen
mucho que agradecerle. Una vez presentados
los respetos necesarios se empalmaron tres
temas seguidos de este trabajo
tan querido y que es una pieza
fundamental en la historia del
thrash: el tenebroso y cañero
‘Alice in Hell’. La primera canción
fue otra joya muy querida como
es “Burns Like Buzzsaw Blade”,
que como ya pasara con “Schizos
(Are Never Alone) Parts I & II”,
ha vuelto a los sets de Annihilator
por todo lo alto. Le siguieron las
archiconocidas -pero no menos
celebradas- “W.T.Y.D.” y “Alison
Hell”, que en el contexto del
aniversario del debut del grupo
es importante tenerlas más en
cuenta que nunca. El espectáculo
terminó como empezó: por todo
lo alto. Aunque a estas alturas de
la película ya nadie se sorprende
de que Annihilator sea un seguro,
siempre es grato que vuelvan a
tocar en nuestro país.
KADAVAR
+ MARS RED SKY + HÄLLAS
sala mon (madrid)
TEXTO: ROSA CHENLO FOTOs: JAVIER BRAGADO
Kadavar son unos verdaderos alquimistas que emplean las técnicas más
tradicionales el rock de los setenta y han renovado el sonido doom con una
musicalidad absolutamente moderna. Pura artesanía del rock and roll creada
en analógico. Esto es lo que ellos transmiten y la gente lo sabe, por lo que
los alemanes consiguieron llenar por completo la sala Mon de Madrid para
presentar su disco más profundo, ‘For The Dead Travel Fast’.
Para abrir boca, los presentes tuvieron la oportunidad de conocer a
Hällas. Estos suecos mezclan la fantasía y aventuras retro-futuristas con el
rock progresivo de los ‘70 y teclados. El terciopelo azul y los brillos que lucían
mezclados con sus arpegios de teclados y guitarra sincronizados lograron
llevar a un viaje fantástico a todos los asistentes. Hipnotizados bajo el ritmo
del bajo y la voz suave de Tommy Alexandersson, dejaron disfrutar de los
temas más aclamados de su último disco como “Star Rider” o “The Astral
7IIV²]SXVSWQjWERXMKYSWGSQSIPLSQzRMQS±,mPPEW²)WXSWLMGMIVSRUYI
se ganaran a un público completamente entusiasmado con ellos.
ser los cantantes, y esto mismo le pasó a Lupus en los inicios. No obstante,
él tuvo el valor de asumir el riesgo pese a sus miedos y ha conseguido que
su forma de cantar sea una de las cosas que llamen más la atención en el
directo. Así continuaron los alemanes con uno de los grandes hits de ‘Rough
Times’ titulado “Into The Wormhole”. Esta nigromántica canción dejó bajo su
IQFVYNSEXSHSWPSWE½GMSREHSW
Su comodidad hace que el directo sea su hábitat natural y el lugar donde
más disfrutan desatando todo su potencial con total libertad. Fueron pura
pasión y autenticidad sobre el escenario, como completamente electrizante
fue “Living in Your Head”. A continuación, con “Black Sun”, corte de
PE qTSGE IR PE UYI YWEFER VMXQSW QjW ½IPIW E PE ZMINE IWGYIPE HI PSW³
dieron la impresión de que el mismo Jimmy Hendrix estaba en el escenario
improvisando con ellos. Otra de las más destacables de su último disco fue
“Demons In My Mind” que es otra de las canciones en las que Lupus más
I\TIVMQIRXEGSRWYZS^4SV½RVIGYTIVEVSRWYjPFYQ³&IVPMR´GSR±8LI3PH
Man”, la cual animó a todos a corear su punteo inicial. También del mismo LP
eligieron “Into The Night”, con lo que daría el inicio del momento de mayor
subidón de la noche junto a “Die Baby Die”. Se volvieron totalmente unos
poseídos y dieron prueba de la gran compenetración que hay entre ellos.
Lupus, Tiger y Dragon son tres piezas de un mismo aparato perfectamente
engranadas que funcionan con absoluta coordinación. Para terminar eligieron
un bis compuesto por “Children Of The Night”, “All Our Thoughts” y “
Come Back Live”. Kadavar es la prueba de que solo es necesario tener un
gran talento, trabajar duro y plena libertad creativa para triunfar sobre un
escenario.

La imaginación sonora de Mars Red SkyIWMR½RMXEGSQSIPIWTEGMS

Su stoner rock llega más allá de cualquier frontera del género conocida, pero
HI½RMXMZEQIRXIRSJYIPERSGLIHIPSWJVERGIWIW'SQIR^EVSRFEWXERXIFMIR
tocando temas de su nuevo disco ‘The Task Eternal’ como “Collector” o
“Crazy Heart”. El batería, Mathieu Gazeau, tocaba con una de sus baquetas
dada la vuelta, con lo cual la pegada se ejecutaba con más contundencia. Julien
Pras estaba sepultado por todos sus pedales, y justo esto fue lo que le dio
un buen disgusto. No le funcionaba el necesario. Después de pasar un buen
rato aguantando su impotencia, lo resolvieron y acabaron el concierto con
±1EVFPI7O]²]±7XVSRK6I¾IGXMSR²
Kadavar aparecieron sobre el escenario iluminados por sus
QMRMQEPMWXEW PYGIW ¾YSVIWGIRXIW 6jTMHEQIRXI PSW XVIW QMIQFVSW WMXYEHSW
en primera línea de batalla empezaon a tocar “The Devil’s Master”, a la que
continuó “Evil Forces”. Un inicio muy poderoso con el que Kadavar demostró
de forma tajante que para hacer la mejor de las músicas no se necesita más
que una guitarra, algunos pedales de distorsión, una batería y un bajo. Hace
falta para ello que te sobre talento, y Lupus, Tiger y Dragon demostraron
aquella noche que les salía por los poros. Lo que más destaca en este último
disco, y en estos dos primeros temas del concierto, es indudablemente la
importante evolución de la voz de Lupus. Su valentía hizo que se arriesgarse
con nuevas técnicas vocales, y ese ha sido uno de los factores determinantes
de la renovación del sonido de Kadavar en su último trabajo. Muchos
músicos en el momento de formar una banda quieren evitar a toda costa

metal hammer | 67
thrice
+ petrol girls
SALA cool stage (madrid)
TEXTO: diego rubio FOTO: mavi parra
Aunque parezca increíble (y si omitimos el paso fugaz e insustancial por
el Download Festival Madrid 2018), para encontrar la última vez que los
californianos pisaron nuestro país habría que remontarse a 2004, cuando
tocaron en la sala KGB de la ciudad condal. Ambas jornadas, tanto la de
Barcelona como la de Madrid (con Petrol Girls como artista invitado), se
presentaban con un sold out y muchas ganas.
La primera conclusión es que, si había un momento idóneo para saldar
la deuda, seguramente haya sido este. Porque es ‘Palms’ el disco con el que
Thrice, otrora banda clave del post-hardcore tardío, se han permitido
mirar hacia dentro y repasar su propio repertorio defendiéndolo en directo
GSRYRWIXPMWXUYIRSMRWMWXMzHIQEWMEHSIRIWXIPXMQSXVEFENS]TVI½IVI
contextualizarlo dentro de una buena nómina de hits clásicos de los de
Irvine, lo que dio más sensación de concierto de grandes éxitos que de
TVIWIRXEGMzRGERzRMGEHIRYIZSjPFYQ6IWYPXzKVj½GSHIWHIPSWTVMQIVSW
compases, que arrancaron con una inmersión controlada en las mareas de
“Only Us” pero fueron directos al grano dando forma a “Image Of The
Invisible” y “Silhouette”.
No serían los únicos momentos en los que Thrice recurriesen a ‘Vheissu’
y al ya mencionado ‘The Artist In The Ambulance’ -seguramente sus dos
mejores discos-. Sustentaron el show y le dieron coherencia, especialmente
el primero de los citados. Ahí están “Of Dust And Nations” y “Red Sky”, que
sirvieron para introducir el piano en la dinámica del estupendo guitarrista
8ITTIM8IVERMWLM]EPEZI^PEVIGXE½REPHIPGSRGMIVXSNYRXSESXVEWGERGMSRIW
que comparten instrumentación como “Doublespeak” e “In Exile” (de ese
experimento fallido que es ‘Beggars’). Pero si hubo algo de tranquilidad en los
estertores es mera ilusión, porque el espacio lo reclamó ese regreso potente
y progresivo que fue ‘To Be Everywhere Is To Be Nowhere’ con dos trallazos
como “The Window” y, sobre todo, la hipnótica “Black Honey”. El cierre del
set principal, no obstante, regresó al canon de ‘Vheissu’ con la monumental
“The Earth Will Shake”, que pasó por todos los estados de intensidad en
apenas cuatro minutos.
68 | metal hammer
(YVERXI IP KVYIWS HIP FSPS YRE LSVE ] QIHME E TMyzR ½NS ] WMR FENEV
la intensidad en ningún momento más de lo permitido por el guion, fueron
los balazos de ‘The Artist In The Ambulance’ los que pusieron la tralla
y los momentos más hardcore-punk, con un “Stare At The Sun” que se
sintió bastante comunional (como en general todo el concierto, coreado
enérgicamente por la gran mayoría del respetable) o la propia “The Artist
In The Ambulance”, salpicadas entre guiños a modos más extremos como la
reciente “Deeper Wells” (seguramente el momento más punk del concierto
y una buena prueba de la gran capacidad del grupo para ir y volver a placer
sobre sus orígenes), a formas más thrash metal como “The Arsonist” o
experimentos más heterogéneos como “Yellow Belly”, bien enlazadas las dos
con el riff de guitarra.
Tras el trámite de un abandono brevísimo, descargaron el cañoñazo que
es “Deadbolt”, la canción más antigua que sonó en Madrid. Está claro que
Thrice no ha sabido abrirse a nuevos públicos, lo que explica la edad en
general media-alta de los asistentes y una inusitada seriedad. Lo vivían, pero no
PSTSKYIEFER0SUYIQILEGIVI¾I\MSREVEGIVGEHIPEZIVHEHIVEREXYVEPI^E
del punk, que exige para sus rituales almas jóvenes, frescas, con poco que
perder y mucho que ganar -y que beber-. Esa madurez controlada del cuarteto
liderado por Kensrue se percibió también en su voz, rota y desgastada, a veces
para bien pero en otros momentos más latentes, melódicos y atmosféricos
(y por qué no decirlo, pop) para acercarle a Marcus Mumford, un registro
que no le sienta demasiado bien, ni a él ni a la banda, y que queda retratado
IRYRE±&I]SRH8LI4MRIW²UYITVIXIRHuEWIVETSXISWMWqTMGS½REP]UYIWI
quedó un poco en bajona y coitus interruptus. Sin embargo, también es esa
madurez la que les da el empaque con el que a día de hoy se presentan en
directo haciendo bien lo simple, que muchas veces se olvida de que suele no
hacer falta mucho más. Thrice repasaron con respeto su carrera con un buen
repertorio de canciones bien ejecutadas y siempre con la tensión justa entre
energía, épica (en la línea del grupo), estribillos a pleno pulmón, guitarras
E½PEHEWFEWIWGSRXYRHIRXIWEGEVKSHIYRSWWMIQTVIETPSQEHSWLIVQERSW
Breckenridge y ligeras dosis de calma. Deuda saldada.
entombed a.d. + aborted y unos paneles con el artwork de
+ baest ‘Terrorvision’, la última entrega de
sala parís 15 (málaga) Aborted. Poco tardaron en mover
las cervicales del respetable con una
TEXTO: satur romero FOTO: jesús martínez descarga llena de poderío y con algunas
explosiones de humos para adornar
más el cotarro. Death metal y grindcore
El menú de metal extremo sin concesiones con un Sven De
que ofrecía el cartel de la noche Caluwe al micro soltando sus más que
era más que apetecible para conocidos gritos gorrinos para repasar
el buen puñado de cientos de parte de su carrera. Contaron con un
comensales que se acercaron a apabullante sonido y demostraron por
la sala malagueña. qué son unos grandes en su terreno.
Como entrante salieron a A pesar de que el paladar de los
escena unos jóvenes Baest más exigentes no tolera la aventura
desenfundando un death metal del cantante Lars-Göran Petrov
clásico de claras reminiscencias con Entombed A.D. -por eso de
nórdicas que fue levantando vilipendiar el origen del nombre-,
el ánimo de los presentes con cuando las canciones de su nuevo
suma facilidad. Gran culpa la ‘Bowels Of Earth’ comienzan a sonar
tuvo su vocalista Simon Olsen, es casi imposible no dejar hueco para
todo un terremoto que no paró el segundo plato. Con una formación
hasta que todo el público se tan dinámica en directo el vocalista
moviera al son de sus canciones. lo tiene bastante fácil, y a su festín de
Los daneses ganaron muchos escupitajos y carantoñas de inexplicable
amigos a lo largo de su show. naturaleza le acompañaron temas
que se han convertido en clásicos
El primer plato tenía del género como “Left Hand Path”,
como guarnición unos cráneos “Serpent Speech” o “Supossed To Rot”
empalados, un par de esqueletos IRWYVIGXE½REP)PUYIXYZSVIXYZS]
putrefactos conservados en muy pocos se quedaron con hambre
frío que franqueaba la batería para pedir el postre.

royal republic
+ blackout problems
sala bikini (barcelona)
TEXTO: dani bueno FOTO: víctor gallego

Es una pena que la promoción de ciertos conciertos no se haga como
se debe. La ausencia de horarios y de publicidad provocó tanto que el bolo
de Royal Republic pasase desapercibido como que sus artistas invitados no
gozasen de la asistencia que podían haber tenido. Con una sala casi vacía
-rondaban las 50 personas-, se inició el show de Blackouts Problems,
unos completos desconocidos para la mayoría que sorprendieron gracias a la
IRIVKuEHIXSHSWWYWGSQTSRIRXIWIRHMVIGXS7YIWXMPSIWHMJuGMPHIHI½RMVTSV
la mezcla de estilos entre el pop, el rock y la electrónica, pero la interacción
de la banda con la gente hizo que conectasen desde el principio. Tanto fue así
que su frontman se bajó a la pista y empezó a rodear a la gente con el cable
del micrófono cual vaquero y empezó a apretar, hecho que descolocó a los
presentes -con quienes se disculpó después-.
La locura de los teloneros no cesó después cuando Royal Republic
saltaron al escenario tras una siempre sensual intro de “You Sexy Thing” de
Hot Chocolate y con sus bléiseres rojas (hicieron una encuesta en Facebook
para elegir si doradas o rojas). “Fireman & Dancer” dio pie a un repertorio en
el que la formación sueca se centró en su nuevo trabajo: ‘Club Majesty’. Un
juego de luces discotequero comandado por un rayo (el de la portada de su
álbum más reciente) detrás de la batería, un gran sonido y su actitud de osados
caballeros que te embarazan con la mirada consiguieron hacer cantar, saltar y,
sobre todo, mover el esqueleto a sus seguidores a base de rock and roll.
Pasó de todo: guitarras volando, una performance de Adam en la batería
sin que esta cesase de sonar, un solo de Jonas (que cambió el bajo por un
sintetizador) con fragmentos míticos de la historia del pop, una fan tocando
la guitarra y hasta un móvil y un par de cubatas de ginebra que aparecieron
sobre las tablas acerca de los que bromearon. Solo queda añadir que ojalá no
se pierdan los buenos bigotes, y más el del gentleman de Adam Grahn. Uno de
los conciertos del año.

metal hammer | 69
 JoRN
La noche del jueves 21 en Barcelona permitió ver
a la banda del vocalista noruego Jørn Lande en la sala
Apolo 2, que empezaba en la ciudad condal un tour
español especial para sus acérrimos aquí. Los teloneros,
que dispusieron de una “corta actuación pero intensa” + Kilmara
en palabras de su cantante antes de terminar, fueron sala apolo 2 (barcelona)
Kilmara, que contaron con un setlist reducido para
esta ocasión que fue viendo con el paso de los minutos TEXTO: dani bueno
GzQSPPIKEFEGEHEZI^QjWKIRXILEWXEUYI½REPM^EVSR FOTO: javi puntas
con “The Break Up”.

Un concierto correcto de los locales que precedió

a un directo de Jorn bastante particular. Lande saludó
EXSHSWPSWEWMWXIRXIWIRPEWTVMQIVEW½PEWHIWHIUYI
hizo acto de presencia, y el show, más allá de lo musical,
dejó un poco que desear. No solo porque tuviese que
ponerle cinta al micro para aguantarlo con el cable
KENIWHIPS½GMS WMRSUYI. VRTVIWIRXzEPKYREGERGMzR
cuando no era su turno y le tocó “recoger cable” o
incluso en un tema, como no estaban interpretándolo
de la manera correcta, decidieron pararlo a la mitad
para volver a empezarlo de manera adecuada. Esto
quedó hasta simpático al haber un ambiente muy
íntimo con los fans por el tipo de recinto, pero no es
una circunstancia que deba sucederle a un grupo de
esta índole.

La voz de Jørn -o vozarrón mejor dicho- compensó

estas carencias, y entre tragos de cerveza y discursos
entre canciones, cortes como “Sunset Station”, “Time
To Be King”,“Rock And Roll Angel”,“Stormcrow”,“Are
You Ready” (con solo de batería después) y sobre
XSHS±;EPOMRK3R;EXIV²PIZERXEVSREPSWE½GMSREHSW
Tore Moren no estuvo a la guitarra al lesionarse,
pero le sustituyó Jorn Viggo Lofstad -quien toca con
Floor Jansen (Nightwish) en Northward- y cumplió a
la perfección. Lande bromeó con sus seguidores, que
apenas entendían inglés y sus chascarrillos o historias,
y hasta tuvieron que avisar de que llegaban los bises
para que animasen y así despedirse como empezaron,
saludando a todo el mundo.

moonspell
Al ser como son dos bandas más que vistas en
Barcelona, sorprende enormemente ver que, pese
a su insistencia en tocar por aquí, siguen teniendo
semejante poder de convocatoria. Abrieron la velada
los suizos Silver Dust con una estética muy Tim
Burton y unas sonoridades cercanas al gothic metal
+ rotting christ + silver dust
-aunque bañadas de un sinfín de diversas y dispares SALA salamandra (hospitalet de llobregat)
MR¾YIRGMEW 'SR KEREW HI KYWXEV XYZMIVSR PE QEPE
fortuna de tocar ante una audiencia escasa más TEXTO: javi félez foto: pol mascaró
pendiente de posicionarse y ponerse en situación que
de conectar con quien fuese que estaba tocando.
Con Rotting Christ, obviamente, la cosa
cambió. En apenas unos minutos, la sala prácticamente
se llenó y los griegos -muy queridos por aquí de en
los últimos años- salieron para arrasar una vez más
Barcelona. Los hermanos Tolis han cambiado de
formación de nuevo, pero a nadie pareció importarle;
ellos son el alma y espíritu de esta banda y se llevan
todas las miradas y atención. El sonido era cristalino
aunque sorprendentemente bajo de volumen. Rotting
Christ no son unos teloneros cualquiera y siempre
supone un riesgo llevárselos de gira para que abran
tus shows, algo que Moonspell ya debería saber dado
que giraron juntos en 1996 (con parada obligatoria
en Barcelona junto a Samael). Su ristra de clásicos
es inacabable y desde luego no podían faltar “King
Of Stellar War”, “Apage Satana”, “Non Serviam”,
“The Forest Of N’Gai” o algunos de los cortes que
componen su última obra ‘Heretics’.
Con la sala ya caldeada, los lusitanos Moonspell
salieron y el recinto se vino abajo. Queridos por su
GIVGERuEKISKVj½GE]WYTEVXMGYPEVJSVQEHIIRXIRHIV
la música y anclarla a sus raíces de procedencia,
dieron un show excelente donde encontraron el
equilibrio idóneo entre viejos clásicos y temas más
recientes. Lejos de lo que cabría esperar, su nuevo
material tuvo una fabulosa acogida intercalándose
entre los hits de la banda tipo “Opium”, “Awake”,
“Vampiria”, “Mephisto”, “Alma Mater” o “Full Moon
Madness” (con la que cerraron). Fernando Ribeiro y
los suyos se despidieron con una sonrisa entre oreja
y oreja que deja muestra, una vez más, de la química
hispano-portuguesa.

70 | metal hammer
 La Stage Live acogió el directo de una de
las bandas más solventes dentro del panorama
actual hardrockero. Un conjunto que si
hubiese nacido a mediados de los ochenta,
seguramente hubiese vendido millones de
discos y hubiese jugado en la misma liga que
los grandes nombres que reinaban en Estados
Unidos por aquella época. Tristemente para
ellos, tienen que lidiar con audiencias pírricas
como la que les acompañó en Bilbao.
Abrieron para ellos estuvieron los
emergentes vitorianos Outgravity, un
grupo de post metal difícil de catalogar que
con solo un disco ya ha logrado actuar en el
Azkena Rock Festival y se está convirtiendo
en una de las revelaciones del año. Su
actuación demostró el incendiario
directo que gastan con una
Ingrid aplastante en a la voz.
Sobresalió de entre su
escueto repertorio
su pequeño gran
hit “Evolve” y
dejaron un
inglorious
+ OUTGRAVITY
sala stage live (bilbao)
texto y foto: unai endemaño
truckfighters
kafe antzokia (bilbao)
texto y foto: unai endemaño
Tal y como rezaba el nombre de
la gira se pudo disfrutar en Bilbao -en
perfecto orden descendente- de uno
HI PSW HMWGSW HI WXSRIV QjW MR¾Y]IRXIW
del presente siglo. Una obra capital
que 8VYGO½KLXIVW desplegaron con
su habitual empaque. Contaron con el
notable sonido que suele tener el Kafe
Antzokia y así desgranaron uno tras
otro himnos absolutos del género como
“Desert Cruiser” o “Momentum”. Piezas
de excelso minimalismo en las que el
irreal desierto siempre asomaba detrás
de cada riff. Como ya es costumbre en
sus conciertos, el papel protagonista
recayó sobre Dango, quien no paró de
maravilloso sabor de boca entre todos los que
por allí andaban.
Inglorious salieron con un brío
inusitado y mostraron desde el minuto
YRS PE EFWSPYXE GSR½ER^E UYI QYIWXVER
hacía su último ‘Ride To Nowhere’. Nathan
James comenzó su particular espectáculo al
micrófono con una rasgada “Breakaway”, a la
cual siguió sin dilación alguna la contoneante
erótica de “Time To Go”. Tras el poderoso
arranque, la banda pisó el freno por primera
vez a lo largo de la noche y dejaron que su
estrella se luciera en un emotivo “Glory
Days”. Fue el primer momento en el que más
de uno se quedó atónito ante la pasmosa
facilidad con la que cada palabra parecía
encajar perfectamente. La velocidad volvió a
la sala con “Warning”, pero el perfecto ritmo
que habían conseguido trabar de primeras
no volvería a aparecer hasta los últimos
compases de la comparecencia. Después de
dejar aparcados los medios tiempos y las
charlas excesivas con la audiencia, remataron
perfectamente con su perfecto ramillete de
clásicos personales. Zanjaron la noche con “I
Don’t Know”, “I Don’t Need Your Loving” y
un “Until I Die” que les hizo salir por la puerta
grande a pesar de todo.
dar saltos y de moverse con su
habitual gesto hiperactivo. Buena
parte de las miradas también
recayeron sobre Ozo, el auténtico
pilar bajo el que se cimienta el
sonido de los de Orebro. Tras
ellos, la batería no se quedó atrás
con muchos matices y detalles en
unas canciones tan emblemáticas.
Resultó increíble, una vez más, la
fácil que les resulta llenar todos
los huecos pese a ser tan solo
tres. Mezclaron, tal y como en
el álbum que tocaba, los pasajes
más salvajes con los devaneos
fumetas y dejaron tiempo para
UYI IP VIWTIXEFPI ¾SXEVE YR
rato sin gravedad, prisa ni pausa,
para acto seguido golpearles
descaradamente con ese sonido
de guitarra tan característico.
Una autentica demostración de
cómo manejar los tiempos la
que pusieron encima de la mesa
al tiempo que Dango se permitía
recorrer el recinto una y otra vez
como si de un mesías del stoner
se tratase.
Se marcharon con toda la sala
encendida y volando: un público
envuelto en su propia burbuja
de porros musicales. Un viaje
galáctico que pudo prolongarse
con un par de bises celestiales:
“Mexico” y la incontestable “Mind
Control”, ambas asestadas frente
a unos fans que aún andaban
frotándose los ojos bajo la
humareda sónica que sobrevolaba
el Kafe Antzokia. Una humareda
que no se disipó del todo hasta
que las luces brillaron, los pogos
dejaron de sacudir y llegó el
momento de volver a tocar suelo
de nuevo para volver a casa.
metal hammer | 71
 FESTIVAL SANTAS PASCUAS
PRIMAL SCREAM
+ FIRST GIRL ON THE MOON
sala zentral (pamplona)
texto y foto: aritz sola

Tres décadas, once álbumes y varios miembros más tarde, la banda

HI+PEWKS[PPIKzE4EQTPSRE2SGEFuEYREP½PIV]IPGEVXIPHIWSPH
out lució en la puerta de la sala con motivo de la inauguración del
Festival Santas Pascuas. Abrió la noche First Girl On The Moon,
IPRYIZS½GLENIHIPWIPPS3WS4SPMXEJSVQEHSTSV.YERGEV4EVPERKI]
Eneko Cepeda. Una tenue luz azul iluminó al dúo vizcaíno durante su
tímida actuación. Krautrock y afterpunk gélido, sonidos provenientes
de otra dimensión, sintetizadores y distorsiones con reminiscencias
siderales en concierto diferente y a su vez breve que terminó con el
tema “Scars”, el cual da nombre a su primer álbum.
Tras un parón más largo de lo previsto era la hora de los
escoceses, y en cuanto se abrió el telón, la sala celebró al unísono
la aparición de Primal Scream. Y es que imponía ver a Bobby
Gillespie con un traje de alta costura fucsia y una apática expresión
en su rostro al frente de novecientas personas. Durante hora y media
larga. Gillispie, Innes, Duffy, Mooney y Butler fueron presentando
los distintos singles que componen el recopilatorio ‘Maximum Rock
‘N’ Roll’. El show fue in crescendo. Del ruido al pop pasando por un
sinfín de estilos como la electrónica, la psicodelia, el indie, punk o
el acid rock entre otros. Es cierto que la formación no interactuó
mucho con la audiencia oralmente, pero los escoceses no necesitan
la palabra para crear un acercamiento. La intensidad de la música
fue elevada y la emoción se vivió al máximo; fue como estar en una
continua sensación de paranoia, desequilibrio y desazón.
0E ½IWXE GSRXMRYz ] GSRXMRYz TIVS RS WI EPGER^z IP GPuQE\
hasta que comenzó a sonar el primer single de ‘Screamadelica’,
el tan famoso “Loaded” (un guiño a “Sympathy For The Devil” de
los Stones). Después de un breve descanso y muchos aplausos de
la multitud, el grupo regresó al escenario y trajo consigo “Come
8SKIXLIV±±.EMPFMVH²]±6SGOW²TEVEHEVPIEIWXIGSRGMIVXSYR½REP
realmente apoteósico.

SACRED REICH Los californianos Night Demon dieron

la bienvenida a la noche con “Welcome To The
Night”. A la derecha se situó Jarvis Leatherby a
+ NIGHT DEMON la voz y bajo, a la derecha Armand John Anthony
SALA MON (MADRID) GSR WY KYMXEVVE HI ¾IGLE ] EXVjW (YWX] 7UYMVIW
a la batería y durante unos cuarenta minutos
TEXTO: ángel corral atronaron con su heavy metal old school. Tras
‘‘Full Speed Ahead” sonaron las primeras estrofas
FOTO: pablo gándara del “Overkill” de Motörhead que enlazaron con
“Dawn Rider” y “Hallowed Ground”. Siguieron
con “The Howling Man”, “Ritual” y las bestiales
“Curse Of The Damned”, con la que Jarvis
se bajó del escenario para darse una vuelta
tocando entre el público, y “Screams In The
Night”. Terminaron con “The Chalice”, “Darkness
Remains” y la sorpresa llegó con “Wasted Years”
de Iron Maiden. Nacieron en esta década, pero
suenan a clásico ochentero.
Sonó por los altavoces “The Boys Are Back
In Town” de Thin Lizzy para anunciar la vuelta
de Sacred Reich. Comenzaron con “Manifest
Reality”, el primer corte de su último y esperado
álbum ‘The Awakening’ después de veintitrés años
sin grabar. Durante casi hora y media desplegaron
su thrash metal de la vieja escuela con Dave
McClain (ex Machine Head) como seguro de
vida en la batería. “The American Way”, “Divide
& Conquer” y “One Nation” convirtieron la pista
en un torbellino. Con “Awakening”, Phil Rind
-siempre sonriente- dio las gracias y contó la
historia del despertar que les ha llevado a grabar
este nuevo trabajo. Después “Love… Hate”,
“Free”, “Crimes Against Humanity”, “Who’s To
Blame”, “Ignorance” y “Salvation”, con la que Phil
presento a la banda. Para terminar “Independent”,
“Killing Machine” y las míticas “Death Squad” y
“Surf Nicaragua” cerraron una actuación que
hizo sudar a todos los presentes en su regreso
después de la última espantada de Sacred Reich
en el Rock Fest Barcelona el pasado verano.
72 | metal hammer

Tres años después de su última visita, Electric Mary regresó a
nuestro país para presentar su nuevo trabajo de estudio. Ocho años han
transcurrido para la creación de ‘Mother’, lo que ha potenciado que este
álbum llegue a sus seguidores como agua de mayo. Después de salir de
gira con bandas del calibre de Whitesnake, los “canguros” han conseguido
labrarse algo de fama, y España es uno de los países que más apoyo les
FVMRHE)RIWXEJIGLEPSWEYWXVEPMERSWGSQTEVIGMIVSRERXIWWYW½IPIWWMR
ninguna banda telonera que les acompañase, pero su inminente descarga
JYI WY½GMIRXI TEVE GVIEV YRE RSGLI TEVE IP VIGYIVHS 0E EKVYTEGMzR
capitaneada por Rusty Brown comenzó su show con “Let Me Out” ante
un público algo aletargado aún en la fría velada de domingo. La siguiente
en caer fue “Gimme Love”, que junto a las también nuevas “Hold Onto
What You Got” o la que es la estrella del disco, “Woman”, fueron el nexo
perfecto entre los cortes más clásicos de la formación.
Alrededor de 250 personas se reunieron en el C.C. Larratxo para
celebrar la VIII edición de Zombie Jaialdia, noche de “Black Gaua”
concretamente, con un cartel jugoso para los amantes del género.
Comenzaron Orphans Of Phiety, un cuarteto de Alicante que
VI¾INEFEGPEVEQIRXIWYMR¾YIRGMEHI0EQF3J+SH)PWSRMHSHINEFEUYI
desear, pero se apreciaba la potencia vocal de Marina, quien consiguió
llamar la atención de los pocos asistentes hasta el momento. Después
sería el turno de Noctem. A falta de Exo, tomaron el escenario con
su habitual indumentaria al más puro estilo black metal. Sin duda alguna,
Noctem sabe dar un buen espectáculo para el deleite de los ojos,
lástima que, para los oídos, por diversos fallos de sonido no fuera tan
impresionante. La mitad de la oscura velada y se percibía la emoción
de la multitud por Numen, formación de black metal de Euskadi con
muchos años de trayectoria que presentaba su último trabajo ‘Iluntasuna
Besarkatu Nuen Betiko’, el cual aparte de cuajar exitosamente en la
VIII ZOMBIE JAIALDIA
PRIMORDIAL + NUMEN
+ NOCTEM + ORPHANS OF PIETY
C. C. LARRATXO (DONOSTIA)
TEXTO Y FOTO: ITSASO URKIA
electric mary sala caracol (madrid)
TEXTO: TAMARA RUIZ FOTO: NOCNAR TOSNOPHAL
El fragmento que más desenfrenó al respetable fue indudablemente
el compuesto por el trío de ases “Sorry Baby”, “Sweet Mary C” y “One
Foot Grave”. Estos hits resonaron cargados de dinamismo. El concierto
IRXIVSWIHIWEVVSPPzGSRWSPXYVE]I½GEGMETYIWPEVIRSZEHEJSVQEGMzR
parece sentirse a gusto cada vez que pisa un escenario, es por eso que
la música de Electric Mary suena en vivo más enérgica que nunca. Rock
and roll de la vieja escuela, sin tapujos, y la manera de la que siempre
HIFMzWSREVIWPSUYIPIWKYWXEVIE½VQEVEPUYMRXIXSIRGEHEIWTIGXjGYPS
Hubo tiempo para un aluvión de temas desenfrenado, pero también
para bajar revoluciones para la interpretación de “Already Woman”. No
faltaron otras canciones como “Nicotine” o “MBF (I Fell Out With My
Best Friend)” que con sus dejes hardrockeros enamoraron -una vez más-
al público. Está claro que aún con los altibajos que ha tenido el grupo,
nuestras tierras siempre serán un buen cobijo para ellos.
escena más oscura del territorio, ha embaucado a los amantes del género.
Expectación máxima y plena entrega. Sin duda alguna, consiguieron dar a
los asistentes uno de los mejores directos de la noche.
Por si no hubiera sido poco lo acontecido hasta el momento, la noche
culminaría con Primordial, que se encontró con un público entregado
con ansiadas ganas de disfrutar de su show. Repasaron la mayoría de
sus álbumes excluyendo y se centraron en su más aclamado disco ‘To
8LI2EQIPIWW(IEH´PSGYEPKYWXz]QYGLSEPSWQjW½IPIWWIKYMHSVIW
HIPKVYTSMVPERHqW7MRHYHEEPKYREPEQINSVuEHI½RMXMZEHIPEGEPMHEHHIP
sonido llegaría con ellos, de forma que se pudo deleitar a sus acérrimos
IRPEXVEGE½REPGSR±8LI'SJ½R7LMTW²±+SHW8S8LI+SHPIWW²]±)QTMVIW
Falls”, que abrumaron a un respetable totalmente encandilado por su
actuación.
metal hammer | 73
king gizzard
and the lizard
wizard
SALA LA RIVIERA (MADRID)

TEXTO: diego rubio FOTO: clara vitaller

King Gizzard & The Lizard Wizard seguramente no sea esa
banda cuyos álbumes devoras en casa, en el coche o de camino al trabajo
como Stu Mackenzie hace con el micrófono. Hora y media después, los
discos dan igual. Solo importa el sudor y la actitud arrolladora del que
es uno de los grupos más en forma del mundo, de lejos. Sus pasos de
XVEWYRIRIPUYI½REPM^EVSRXVEFENSW]YRIRIPUYI
salir todo lo de antes y hasta un homenaje a Neil Young como es “Dirt”,
psych-pop romántico (“Sense”), un rock & roll boogie en el que -por
qué no- canta el teclista (“Cut Throat Boogie”), una deconstrucción
del swing (“The Cruel Millennial”), heavy más propio de un ‘Ride The
Lightning’ (“Road Train”), guiños a Slayer (“Mars For The Rich”), un soul
psicodélico en boca otra vez del teclista y con mucho regusto a Janis
WIGSVSREVSRGSR³2SREKSR-R½RMX]´IPKVEREYWIRXIHIPERSGLI
WSR Joplin (“Let Me Mend The Past”), el synth-rock electrónico de “Loyalty”
la prueba grabada de su inclemencia genérica estilística con los tópicos.
Hacer lo que les viene en gana es tan real como empezar fornicando con
los primeros pasos de Metallica (“Self-Inmolate”, “Planet B”), bajarse a
una balada acústica y después tirarse “Rattlesnake”, puro kraut hipnótico,
para acabar en la espectacular progresión psicodélica que es “Sleep
Drifter” y hacerla estallar en más kraut.
El único hilo conductor es ese fuzz, su esquizofrénica reiteración y
IWE½VQEXERWY]EIRJSVQEHIIWGEPEHIWGIRHIRXI4IVSHIELuTYIHI
o ese acercamiento al cyberpunk que fue “Cyboogie”.
Impuesta ya su ley de la caótica pero marcial aleatoriedad, la de los
pogos hasta por detrás de la palmera, la del olor a marihuana y el stage-
diving, se gustan más de quince minutos viajando del psych-folk a las
experiencias psicotrópicas de “I’m In Your Mind” y “Head On/Pill” para
recalar en pastorales de ácido mecidas por la travesera. Bienvenidos a la
bizarrería del Rey Molleja y el Mago Lagarto.

hacktivist
Los británicos Hacktivist visitaron la
península este mes de noviembre dando
una buena ración de rap metal y djent a su
paso. La banda encabezada por Jermaine
+ face the maybe + hOLLOW ONE “J” Hurley y Jot Maxi hizo un alarde de
una energía que dejó boquiabierto al
SALA RAZZMATAZZ 3 (BARCELONA) público en más de una ocasión. Con una
trayectoria de 8 años a sus espaldas han
TEXTO Y FOTO: aitor chaparro ido ganando adeptos por todas partes.
tablas fueron Face The Maybe.
Segundos después de subir al escenario
tuvieron algunos problemas técnicos que
solventaron con gran profesionalidad,
sin dejar que afectase al directo. Con
una buena muestra de actitud y fuerza,
dieron un concierto que dejó satisfechos
a los asistentes y preparados para lo que
estaba por llegar.

El bolo dio comienzo con Hollow Llegó el turno de Hacktivist, que

One, una joven y prometedora banda
que realizaba su primer concierto. Pese
a los nervios del directo y los pocos
asistentes al inicio del directo, lograron
salir adelante demostrando que vienen
con ganas de hacerse un hueco en la
escena local. La ejecución por parte de los
miembros de la banda fue de gran calidad
tanto en conjunto como individualmente.
Los siguientes en aparecer sobre las
empezaron el concierto con el tema
“Unlike Us” merced al cual debutaron por
todo lo alto en Amazon UK Metal Chart
con una segunda posición en apenas 48
horas desde su lanzamiento. El recital dejó
a canciones como “Hacktivist”, homónima
de la banda que acabó de despertar a
los más rezagados al fondo de la sala, o
“Hate”: potente, agresiva y que incita al
2-step a cualquiera.

Hicieron gala más adelante de “Dogs

Of War”, su sencillo más reciente que
mostró una vez más la calidad vocal a la
hora de rapear de Jermaine. Totalmente
imparable. Poco a poco habían alcanzado
la mitad del setlist, y se llegó al clímax
con “Reprogram”, cuyos riffs técnicos
y limpios anonadaron a los asistentes.
Finalmente, el tema escogido por la
formación para cerrar el recital fue
“Elevate”. Todos los miembros de la
banda hicieron una demostración sin
igual de talento y fuerza que denotaron
GMIVXEW MR¾YIRGMEW IR FERHEW GSQS 6EKI
Against The Machine o Tesseract -con los
que se les ha comparado previamente-
que agradaron al público y que ayudaron
a ofrecer una noche de disfrute difícil de
olvidar.

74 | metal hammer
CYPEFEST
SALA HALLE02 (HEIDELBERG, ALEMANIA)
TEXTO Y FOTO: MARÍA DEL CARMEN TAJUELO
La primera edición del festival Cypefest se celebró con un rotundo
sold out en el que Cypecore, banda alemana de death metal melódico,
JYIPEFERHEER½XVMSREHIPIZIRXSUYIXYZSPYKEVIRPEWEPE,EPPIHI
Heidelberg, cerca de Mannheim (la ciudad natal del grupo). La formación
que abrió el festival fue Johnny Deathshadow, que se encargó de
caldear el ambiente con su metal gótico e industrial. Desde Stuttgart se
presentó Mindead con su potente modern metal y unos riffs agresivos
que dieron paso a Necrotted, también del sur del país que se plantó
con elementos de death clásico y oscuro y estribillos que rozan el
deathcore. Por último, Drone apareció como una apisonadora sobre el
IWGIREVMSGSRYRHMVIGXS]YRWSRMHSFVYXEPUYITYWSHIQERM½IWXSPE
fuerza de su thrash metal.
Llegó el momento de Cypecore que se presentó ante su público
con un telón que cubría el escenario entero y que tras sonar los primeros
acordes de “Dissatisfactory”, cayó para mostrar a la banda imponente en
el escenario entre llamas para dar comienzo a un espectáculo de hora y
media donde no faltaron temas como “My Confession”, “Identity”, “The
Alliance” o “Saint Of Zion” con la que cerraron. Cypecore contaron
con una puesta en escena sublime: una ambientación postapocalíptica de
IWXMPSWGM½QY]FMIRGYMHEHENYRXSGSRYRNYIKSHIPYGIWIWTIGXEGYPEV
que complementó a la perfección sus llamativos trajes con luces led. El
grupo cuidó hasta el último detalle hacia sus fans y no faltaron pulseras
y camisetas exclusivas para los primeros asistentes e incluso hubo un
fotomatón con los Wasteland Warriors. Un gran festival con el que
los alemanes también quisieron rendir un sincero homenaje al bajista
Chris Heckel, conocido como Desolator. Sin duda uno de los mejores
festivales de la escena del death metal melódico del país, que en su
primera edición ha dejado a sus asistentes con muy buen sabor de boca.
Otro hito más para Cypecore, que va a por todas.
berri txarrak
NAVARRA ARENA (PAMPLONA)

TEXTO: mikel yarza FOTO: aritz sola

Tras 25 años de andadura, Berri Txarrak anunció un parón

MRHI½RMHS(SWGSRGMIVXSWIRHSWHuEWGSRWIGYXMZSW7MRXSQjXMGS
método el utilizado por la banda de origen navarro para clausurar
YREIXETEUYILEXVEWTEWEHSIRWYVIGXE½REPXSHSWPSWPuQMXIWHI
la música y la cultura vasca. Y es que, durante la gira ‘Ikusi Arte’,
PE½IFVITSVTVIWIRGMEVEPXVuSVSGOIVSLEEYQIRXEHSHIJSVQE
disparatada.
En 2019 sus seguidores han tenido hasta 60 ocasiones para
despedirse del grupo, pero la última cita contaba inevitablemente
con una carga emocional sin igual. Banda y público eran conscientes
de ello y desde el arranque con “Eskuak” hasta el cierre con
“Oihu” más de 11.000 almas celebraron su música en absoluta
comunión. Se trató de un concierto de tres horas, una actuación
donde repasaron sus nueve discos de estudio propulsados por
un sonido impecable y una acertada producción audiovisual que
WMVZMzTEVEVI¾INEVIPIWTuVMXYHIGEHEGERGMzRGSRQE]SV½HIPMHEH
Con el paso de los años, el trío encabezado por Gorka
Urbizu se ha hecho por méritos propios con un altavoz solo al
alcance de las bandas más trascendentales. Una plataforma que
han aprovechado hasta el último segundo para dar voz a los
infrasonidos, a aquellos que luchan en minoría por ocupar el lugar
que merecen. Una actitud que se tradujo en ejercicio de memoria
histórica con “Maravillas”, en gesto de solidaridad hacia el pueblo
catalán con “Sols El Poble Salva Al Poble” y en defensa del euskera
con “Stereo”. Este tema, seguido por “Ikasten”, marcó otro de los
hitos de la velada, el momento en el que la formación invitó sobre
las tablas a sus miembros originales y volvió a ser cuarteto para
el disfrute del respetable.
Se trató de una de esas grandes noches que quedarán grabadas
a fuego en la memoria colectiva. Una explosión emocional difícil
de repetir y que solo adquirirá su valor completo con el paso del
XMIQTS0SWEPXEZSGIWWIETEKEVSRHIJSVQEMRHI½RMHEEYRUYIPEW
pantallas anunciaron para 2020 un nuevo capítulo en el camino de
Berri Txarrak: la película. Hasta la vista.

DAMASK
METAL FEST ii
SALA SALAMANDRA (HOSPITALET DE LLOBREGAT)
TEXTO Y FOTO: lluís garcía

El Damask Metal Fest II llegaba a Barcelona doblando la apuesta inicial:
de uno a dos días y cambiando de emplazamiento. Eso sí, la diversidad
dentro de la escena metálica seguía intacta como seña de identidad. Los
suecos Nightrage levantaron el telón ante una sala que se presentaba
I\GIWMZEQIRXI TEWMZE ] GY]S HIEXL QIXEP QIPzHMGS RS JYI WY½GMIRXI
aliciente a pesar de los intentos de su vocalista. Gracias a Dios, o a Satán,
el panorama mejoró con Melechesh. Black metal crudo y directo para
enchufar a un público que iba entrando en el calor de la oscura sinfonía.
El éxito se lo llevó Primordial, recibidos entre aplausos y despedidos
IRXVIZuXSVIWHIWHIWYMRMGMEP±;LIVI+VIEXIV1IR,EZI*EPPIR²EWY½REP
“Empire Falls”, que convirtió aquello en lo que se espera de un concierto
de este calibre. Tan densos como efectivos. Algo más irregular resultó el
show de Finntroll, protagonistas de esta primera jornada, a medio gas
y con demasiadas interrupciones. “Nattfödd” o “Trollhammaren” olían a
½IWXETIVSPEHIGITGMzRPPIKzGSRYRTVIGMTMXEHS½REPMRIWTIVEHS
76 | metal hammer
Lacrimas Profundere arrancaron el segundo día con su rock
metálico de tintes góticos, con el que se ganaron a los pocos asistentes
presentes. Embersland, que jugaban en casa entre los suyos, dieron
rienda suelta a su metal sinfónico con aún mucho por decir pero también
por mejorar. Con Orphaned Land llegó la hora de la verdad. Un soplo
de aire fresco procedente de Israel lleno de talento. La voz de Kobi Fahri
pone el sello a una fusión de estilos que van del death al doom metal
con “All Is One”, “Brother” o “Norra El Norra (Entering The Ark)” como
estandarte. Gran parte del público desapareció cuando Stravaganzza
saltó al escenario, algo que pareció importar poco a Leo y compañía a
juzgar por su entrega, que tocaron un repertorio endurecido para la
ocasión que sorprendió a sus seguidores. Luces y sombras fruto de una
propuesta tan arriesgada como valiente. Ahora toca esperar a ver si el
próximo año seguirán manteniendo la apuesta.
 DERBY MOTORETA’S
BURRITO KACHIMBA + JAMMIN’ DOSE
SALA LA TRINCHERA (MÁLAGA)
TEXTO Y FOTO: SATUR ROMERO

El pelotazo rápido es un fenómeno cada vez más extraño en la música.
Grupos y discos nacen todos los días en un mundo globalizado y la originalidad
se ha convertido en un animal en peligro de extinción. Que el nombre de
Derby Motoreta’s Burrito Kachimba esté en boca de todos y que sus fans
se multipliquen exponencialmente en su corta vida es un rara avis digno de
estudio.
Volvían a Málaga meses después de su primera visita presentando su debut
homónimo a una sala de mucha mayor capacidad y colgando el cartel de no
hay entradas. Su “kinkidelia” -esa mezcla de rock andaluz, rock psicodélico
setentero y otras hierbas- está abriendo puertas a un público muy diverso,
y está claro que ya no hay marcha atrás. Abrieron la velada Jammin’ Dose
jugando en casa -aunque es difícil no resistirse a su buen rollo a base de funk,
VSGO]VMXQSWPEXMRSW)PTFPMGSHMWJVYXzWYYREEGXYEGMzRWMR½WYVEWIRPEUYI
las bellas melodías y la técnica depurada casaban a la perfección.
La salida de Derby Motoreta’s Burrito Kachimba vino acompañada
de gritos de ovación por parte del respetable. No necesitaron los sevillanos
mucho tiempo para conectar con sus feligreses al ritmo de “The New Gizz”,
“Samrkand”, “Aliento De Dragón”, “Grecas” y “La Piedra De Sharon”. Esa
versión andaluza de Robert Plant llamado Dandy Piranha no paró de alentar a
sus seguidores para que no cesaran los pogos y circle pits de forma constante.
Sus compañeros son también una bomba de relojería con el claro cometido
de aportar energía y fuerza durante todo su tiempo en escena. Además de
interpretar todas las canciones de su único disco publicado -incluyendo la
lánguida “Somnium Igni (Part. I)”-, deleitaron con la versión de “Nana Del
Caballo Grande” de Camarón que recientemente han grabado en un EP de
homenaje al cantaor gaditano. Arte y duende no les falta a estos grandes
músicos que se esconden detrás de una máscara de apariencia friki. “El Salto
Del Gitano” cerró un concierto con el que sumaron otro gran puñado de
adictos a su causa. Han venido para quedarse.

saratoga
+ nocturnia TEXTO: antxonio MADUEÑO
sala el tren (granada) FOTO: nana parra
Dos grandes bandas del heavy metal español se dieron cita
en la sala El Tren de Granada: los ya emblemáticos Saratoga y
junto a ellos Nocturnia (estos últimos con poco que envidiar
a otras formaciones de primer nivel). Ambos presentaban sus
últimos trabajos de estudio: ‘Aeternus’ (2018) y ‘La Tempestad’
(2019) respectivamente.

Desgraciadamente el evento no despertó el interés

que se podría desear en la primera fecha estatal de unos ya
internacionales Saratoga que aterrizaban de su tour por
ciudades de México y Colombia. Fueron en torno a 150 los
½HIHMKRSW UYI EGYHMIVSR EP GSRGMIVXS 0SW RMGSW UYI JYIVSR
antes fue para asistir con pase VIP a la prueba de sonido y tener
el placer de ser los dedicatorios de dos temas en acústico.

Abrieron la noche Nocturnia con “Siempre Hay Un

Lugar”, donde ya se notó lo aguerrido que es el quinteto: puro
nervio desde el minuto uno. No les costó sacar el sonido y
conectar con un público que se congregó allí desde el inicio.
La desgracia fue el desplome del vocalista Symon desde su
plataforma del escenario sobre un fan que amortiguo su caída
sobre el cemento -según decían eran efectos especiales-. La
multitud pronto acudió a socorrerlo hasta que se recuperó para
luego seguir con el show.

Hay quien dice que Saratoga toca demasiado en directo; a lo

mejor es que tienen mucho que contar. En Granada conquistaron
al respetable y supieron aprovechar las oportunidades del
directo con su frontman Tete Novoa a la cabeza, al que no se lo
complicaba ninguna nota, y los instrumentistas Niko del Hierro,
Jero Ramiro y Dani Pérez perfectamente compenetrados para
ofrecer espectáculo en cada tema. Destacaron tanto canciones
cañeras como íntimas de la talla de “Como El Viento”, “Vientos
De Guerra”, “Acuérdate De Mí” y “Si Amaneciera”.

metal hammer | 77
INMUNE
InMune presentó su CD y DVD ‘Seres Únicos’
en la sala La Nau de Barcelona. Pese a ser un
concierto entre semana, consiguieron que la gente
no dudara ni un segundo a acudir, llenar la sala y
disfrutar del show. Unos pocos minutos pasadas
SALA LA NAU (BARCELONA) las 22:00h empezó a sonar la intro para así llamar
la atención del público y dar paso al potente tema
texto y FOTO: nerea hernández “Bendita Demencia”, y siguieron con “Seres Únicos”
y “Llueve”.
Morti, el cantante, iba introduciendo las
canciones con sus pequeños y característicos
HMWGYVWSW ½PSWz½GSW ETIPERHS EP EWYRXS HI GEHE
canción, cosa que hacía que el respetable adivinara y
pronunciara el nombre del siguiente tema que iban
a tocar. También hizo referencia a un Funko Pop de
Joker que formaba parte de su pequeño altar en el
escenario, el cual estaba formado por su micrófono
compuesto por lupas y máscaras.
Sonaron más cortes del repertorio de InMune
como “Ya No Me Importa”, “Bucle Mental” o
“Incertidumbre” hasta dar paso a “Llegaré Hasta
Ti”, donde dos invitadas aparecieron en el escenario
vestidas de negro con máscaras y ofrecieron un
baile acorde la letra y estructura de la misma. Más
adelante, volverían a aparecer con el tema “Sirenas”,
IWXEZI^GSRYRKYMySEPZMHISGPMTS½GMEPHIPEGERGMzR
-ya que en éste aparecen vestidas de la misma
forma-. Como despedida, en los bises, terminaron
con “Desmejorado”, “Universal” e “Iluminame”.
Después de dar por terminado el gran concierto
y hacer la foto grupal con el público de fondo
dibujando un gran bosque de cuernos, quien quiso
quedarse un rato más a seguir disfrutando pudo
comprar merchandising o esperar a que saliese la
banda y así poder inmortalizar la noche con fotos,
½VQEW S WMQTPIQIRXI YRE TIUYIyE GLEVPE 7I
percibió un público muy entregado al directo que
cantó a pleno pulmón todos sus éxitos y gozó de
cada una de ellos, una clara muestra de que había
ganas de ver de nuevo a InMune otra vez por
Barcelona y volver a ser inmunizados.

Los festivales de escala modesta son grandes

RITVAL FEST
ocasiones para disfrutar y descubrir a nuevas bandas.
Este primer Ritval Fest estaba coronado por Toundra,
que pocas presentaciones necesitan a día de hoy. Pero
antes de una nueva entrega para promover su último
disco ‘Vortex’, los cientos de asistentes a la sala La
Trinchera de Málaga pudieron sudar con la locura TOUNDRA + ELEPHANT RIDERS
del post-hardcore de The Wax, la fuerza del noise
rock de Habitar La Mar y el músculo stoner de + HABITAR LA MAR + THE WAX
Elephant Riders. Tres buenas muestras de que en
nuestro país existe sangre nueva en cualquier estilo que sala la trinchera (málaga)
está a la espera de que se le brinde una oportunidad.
La entrega de cada una de estas formaciones fue total. TEXTO y foto: satur romero
“Cobra” y “Tuareg” dieron el pistoletazo de
salida de un concierto de rock instrumental de gran
calibre en el que la intensidad de Toundra fue la
protagonista absoluta. Muchos asistentes no dudaron
en subirse al escenario una y otra vez para acto
WIKYMHSZSPZIVEVIYRMVWIGSRWYWGSQTEyIVSWHI½IWXE
Lejos de amedrentarse por la efusividad recibida a las
primeras de cambio, el cuarteto madrileño respondía
con joyas sonoras como “Bizancio”, “Kitsune” y una
siempre bienvenida “Cielo Negro (Black Sky)”. La
mágica atmósfera que son capaces de crear en vivo
con “Magreb” y con las nuevas “Kingston Falls” -de
las mejores de su última entrega- y “Mojave”, está al
alcance de muy pocos.
El show continuó sin apenas descanso, y con
“Strelka” iniciaron unos bises de largo recorrido. Se
notaba que la banda estaba tan a gusto como el público,
y alargaron su presencia en el escenario con el embrujo
de “Cruce Oeste” y “Ara Caeli”, uno de sus temas
insignia. Faltaron cortes de su primer trabajo y otras
tantas canciones que se han convertido en favoritos
TEVEWYWWIKYMHSVIWTIVSWSRPSWWEGVM½GMSWPzKMGSWHIP
avance de su carrera. La primera semilla de un festival
UYI XMIRI PE GPEVE MRXIRGMzR HI ½NEV YRE JIGLE IR IP
calendario todos los años ya se ha sembrado. Cuando
se vive una noche cargada de pasión musical rodeada de
un ambiente agradable, solo toca repetir.

78 | metal hammer
SOMAS CURE
+ BLACKRAIN
sala la mirona (girona) texto y foto: aitor chaparro

Somas Cure pasaron por Girona para un concierto junto a dos

promesas nacionales. El primer turno fue para Far From Oniria,
que entraron al escenario pisando fuerte con “Vae Victis”. La banda
de Barcelona deleitó a los presentes con temas como “Anubis” sin
olvidar canciones de su último EP ‘The Parker Coil’ como “Lost In
The Fire” con una potencia y una técnica dignas de elogio. Pese a los
problemas técnicos, salieron adelante con mucha profesionalidad y
lo dieron todo con su nuevo single, “John Wick 2”, reinventándose
una vez más. Al grito de “sigue la moda, dime quien te recuerda”
dieron una declaración de intenciones y dejaron claro que están para
quedarse.
Los siguientes en aparecer fueron Erio, que se hicieron con el
control absoluto de la sala. Si bien jugaban en casa, también es cierto
que el nivel de la banda fue elevado con cortes como “Mi Realidad”,
“No Hay Nada Más” o “En El Mundo De Lo Absurdo” que agradaron
a los asistentes. El show fue bien recibido e hizo gala de un metal
moderno demoledor y elegante.
Llegó, por último, Somas Cure con gran poderío y estilo.
Abrieron con “Ceniza” y llenaron la sala con el vigor de los
múltiples registros vocales de Txema Fonz. El bolo prosiguió
con canciones como “Aire” y “Kelt” y riffs precisos directos a las
mentes del respetable, que disfrutaba de cada tema del setlist. Se
vislumbraba el ecuador del concierto con “Sanguine” al ritmo de
un atronador doble pedal que provocó el headbang en más de un
seguidor. Continuaron con temas clásicos, apareció por el repertorio
“Equilibrium” con un robusto breakdown inicial que hizo enloquecer
EXSHSW7IMFEEGIVGERHSIP½REPHIPEEGXYEGMzRTIVS7SQEW'YVI
aún tenían energía para rato y lo demostraron con “La Huida” de
forma totalmente frenética y fascinando con un solo impecable. Para
TSRIV TYRXS ] ½REP E WY WLS[ STXEVSR TSV±0IZMEXjR² ]±,IPMSW²
ambas completamente aniquiladoras y llenas de garra que daban un
remate perfecto a su función.
 El grupo de punk-rock asturiano se 0SW RIVZMSW E ¾SV HI TMIP WI
enfrentaba por segunda noche consecutiva incrementaban a cada segundo
al público de la capital madrileña tras haber y prosiguieron con “Pánico En
agotado entradas en la última parada de su Frankurt”, “La Tormenta” y “Barcos En
tour ‘Antártida’. Green Desert Water Llamas” que supuso la sorpresa de la
fueron los teloneros de esta despedida antes noche al invitar a los encargados del
de que Desakato saliesen a la palestra.Temas merchandasing y el resto del equipo
como “Octubres Rotos” (una de sus canciones a cantar la canción en su lugar. “Fueu
más reconocidas) seguido de “Trompetes De Y Solombres” fue la predecesora de
Xericó”, “Animales Hambrientos” o “La Ira un circle pit que dio el pistoletazo de
De Los Hambrientos” hicieron vibrar a los salida a “Cada Vez”, en la que Pepo no
fans desde el minuto cero -quienes no dejaron dudó en saltar hacia el público sobre
de saltar, moverse, gritar y cantar-. La psicosis un pato hinchable y dejar que el gentío
llegó a su punto más álgido con “Estigma”, le arrastrase al mismo tiempo que
“Combustión”, “La Cura” y “Tiempo de tocaban. “Huracán”, “Cuando Salga el
Cobardes”, y con la adrenalina como principal Sol” y “Heridas Abiertas” fueron las
protagonista del ambiente continuaron con IRGEVKEHEW HI HEV TSV ½REPM^EHE PE
“Salvajes”, “Tu Avalancha” o “Friu De Xenero”, velada en la que los hermanos Martínez
con la que Pablo aprovechó para dar gracias a llegaron a ponerse de pie agarrados
todos los presentes y dedicarle dicha canción por sus entregados admiradores,
a su padre. agradeciendo enormemente la gran
acogida del show.

DESAKATO + Green Desert Water

sala la riviera (madrid)
texto: inés chamil foto: javier bragado

SINAIA
+ NIMEDIA
El retraso en la apertura de puertas pasaría factura a las
dos bandas que actuarían en la sala Khitai. La primera banda en
actuar serian los madrileños Nimedia.Temas como “Rey Del
SALA KHITAI (MADRID) Carnaval” o “Carabanchel” fueron algunas de las canciones
que harían temblar el recinto. Mientras Nimedia mostraba el
potencial de su directo, poco a poco la sala se iba llenando
TEXTO: almu de andrés LEWXEUYIGEWMRSGEFuEYREP½PIV)PQSWLIWXEFEEPESVHIR
del día en su actuación, y más cuando iban tema tras tema
FOTO: IGNACIO SÁNCHEZ-SUÁREZ casi sin pausa y sin interactuar con el público, pero con su
show demostraron que pueden trasmitir sin estrechar lazos
con los seguidores -aunque en este caso fue por culpa del
poco tiempo que les dejaron, ya que duro una media hora
aproximadamente-.
Después de colocar el escenario llegó el turno de Sinaia.
Como ellos decían, se sentían madrileños puesto que se
reúnen en la capital para ensayar. Al igual que Nimedia, su bolo
fue muy acelerado, algo que ocasionó que antes de terminar
el concierto la sala les cortase de raíz para desgracia de banda
]E½GMSREHSW7MREMEZIRMETVIWIRXERHSWYRYIZSXVEFENS³7SPS
Humano’ y su repertorio consistió en la mezcla de cortes
de sus tres álbumes: ‘Sinaia’, ‘Presente’ y el más reciente ya
mencionado.A mitad del setlist fue cuando Valentín Domínguez
(cantante) comenzó a interactuar con el respetable ofreciendo
el micro para que los seguidores se dejasen la voz. Desde
canciones como “En La Pista” o “Pulso “ a temas de reciente
actualidad como “Sangre Y Cal” o “Tierra”, Sinaia se encargó
de dar a la noche madrileña esa dosis de punk-rock donde el
predominaban los ritmos pesados y los sonidos rápidos. Las
HSWFERHEWWIHINEVSRPETMIPWSFVIIPIWGIREVMSGSRIP½RHI
que los asistentes se fueran con la mejor impresión de ellos
y que, por muchas adversidades que se puedan crear en un
directo, el show siempre debe continuar (aunque te dejen sin
tiempo o te corten el sonido).

80 | metal hammer
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