Como conseguir el look de film en video digital

Filma en video con óptica de cine digital

Tape to film

El cine digital ya es una realidad en México y en el mundo entero, te presento esta

información para que tengas mejores elementos de decisión en tus producciones

Si quieres que tus producciones de

comerciales, cortos y video clips luzcan
como cine, usando presupuestos más
bajos, haz todas tus tomas con nivel
cinematográfico, esto quiere decir ahorrar
solamente en la película y el RANK pero
utilizar iluminación y equipo profesional de
cine digital, con lentes de cine, matte box,
filtros de difusión, follow focus, etc.

Mantén la razón de iluminación adecuada a la latitud del video

← La latitud del video con respecto al contraste es mucho menor que la del ojo y
de la película de cine, esto quiere decir que el número de niveles de registro
entre negro y blanco puros es mas limitada, el adecuado control de esta
relación en la escena es muy importante

← La mayoría de las cámaras de vídeo no pueden aún manejar grandes niveles de

contraste entre los brillos (highligts) y las sombras (Shadows o lowlights) de
una imagen, una diferencia de 3 o 5 stops es mi recomendación máxima para
grabar en video. Un paso stop de 1.4 a 2.8 por ejemplo representa doblar la
iluminación, esto nos lleva a entender que 5 pasos de stop es una diferencia de
iluminación de 2^5
2 elevado a la 5 potencia o 64.

← También puedes utilizar geles del color para conseguir una iluminación más de
¨Movie¨. Una demostración excelente de la utilidad del color en las fuentes de
luz, la puedes ver en la película Eyes Wide Shut de Stanley Kubrik. Observa las
habitaciones iluminadas en azul en el fondo del apartamento de Cruise/Kidman.
Observa también la iluminación lateral de Tom Cruise en azul al final de la
escena del billar. Iluminación asombrosa en esa película.

← Por ejemplo, si tu actriz principal esta junto a una ventana brillante, debes
reducir el contraste disminuyendo las diferencias de brillo entre la escena
exterior enmarcada en la ventana y la cara IMPORTANTISIMA de tu actriz.

← La manera más sencilla es la de usar un reflector blanco y rellenar las sombras

con el reflector, la ventaja de usar un reflector blanco es que la luz que sale del
mismo reflector tiene la misma temperatura de color que el resto de la luz que
ilumina la escena.
 ← La idea de usar el reflector es disminuir el contraste, es apenas ' llenar ' la cara
de la actriz con una luz un poco más suave para hacerla más atractiva.

← El uso de reflectores indica atención al detalle y no es costoso

← En resumen iluminar correctamente para obtener un look de cine consiste en abrir

ligeramente la iluminación de tus sombras sin dejar que se quemen tus luces.

Una razón de 3:1 entre tus luces y sombras, es

muy conveniente. Ilumina con niveles diferentes en
el frente y en la parte posterior de tus tomas,
utiliza un buen exposímetro para medir tus niveles
al frente y al fondo de tu encuadre utilizando un
concepto tridimensional en tu iluminación,
monitorea tu encuadre y no dejes de usar la
función ZEBRA de tu cámara para controlar tus
luces y sombras en la imagen

Utiliza un equipo profesional de iluminación

← La iluminación de cine es la clave para lograr una producción de cine digital que compita
con la filmación en película, considera en tu presupuesto utilizar un buen sistema de
iluminación cinematográfica, los tiempos de producción serán mas grandes pero
definitivamente el valor de tu producción será mucho mejor a que si filmas con iluminación
plana estilo fotonovela de televisión.

Tu mejor inversión después de una buena cámara de 3 CCD

es sin duda un Kit ligero decente de iluminación, esta simple
solución te dará efectos dramáticos en tu producción

Ilumina tus escenas con Key, fill y backlight para lograr

niveles adecuados de contraste e iluminación

Si es posible, baja el nivel de señal de tu cámara -3DB y

conseguirás una mejor gamma de cine aún en equipos DV

Haz tus tomas o tiros utilizando filtros de difusión

Los filtros de difusión como los Tiffen o Schneider, te

ayudan a disminuir la dureza de línea del video sin
perder resolución.

Los mas usuales son los Soft F/X y Promist

Utiliza un Matte Box o French flag que te ayudan a

disminuir el ¨flare¨ y los reflejos en tu lente

← Un buen set de filtros que incluya filtros Promist o Soft F/X 3 te ayudara a
enfocar detalles muy finos como los de un cabello pero sin el ¨filo¨ artificial del
 video debido a la circuitería de ¨edge¨enhancement¨ del video. Por ejemplo en
un comercial de shampoo conseguirás ese efecto mágico en la cabellera sin
perder detalles ni resolución

← Si quieres que tus actrices y modelos te adoren como cineasta digital,

disminuye sus arrugas faciales, e ilumínalas profesionalmente, utilizando los
filtros White Promist y Soft F/X 3 las luces y las ventanas adquieren un etéreo
resplandor, los blancos, las áreas de luces y los destellos de metal, cristal o
joyería resplandecen y se abren de manera muy sutil sin quemarse, esto te
ayuda a contar tu historia haciendo percibir el ambiente

← Ninguno de los espectadores debe notar el uso de tus filtros, es solo un

pequeño detalle que hará lucir tu producción como en Hollywood

← Los filtros de difusión también te ayudan al transferir tus videos a DVD e

Internet pues los detalles duros no comprimen bien

← El filtro ideal suave es el F/X 3 con un look hermoso que puedes usar en
cualquier proyecto

← Si deseas ese look mágico pero combinado con un tono mas caliente, que te de
un look más sano, que brille intensamente, como si tus actores estuvieran
"bronceados" en su tono de la piel, te recomiendo usar el WARM SOFT F/X 3.

← Si no tienes el filtro Warm, puedes lograr ese efecto utilizando tu balance de

blanco sobre una cartulina azul tenue en lugar de blanca,

← Para un look mas etéreo y soñador utiliza el Soft F/X 4.

← Para efectos muy sutiles, te recomiendo usar el Soft F/X 1.

← El WARM SOFT F/X 1 es como el Soft F/X 1 pero con tonos calientes en la piel.

← Para un look mas de niebla el Promist 1/2 es tan sutil como el Soft F/X 1

← Si deseas un filmlook sutil pero no tan etéreo y mágico, sin la floración de luces
y de blancos, el filtro más seguro es el Black Diffusion FX 3. que puedes dejar
como tu filtro protector de lente.

← El Black Promist 1 es muy similar al Black Diffusion FX 3 pero te ayuda a reducir

el contraste y mejorará el detalle en tus áreas de sombra y te ayuda a impedir
que tus áreas de luces se quemen. (Algo que te puede suceder a menudo si
abres tu diafragma para conseguir una baja profundidad de campo)

← El Black Promist 1/2 es aún más sutil que el 1.

← El filtro de SPOT Center es un filtro interesante que te permite conseguir ese

efecto tan deseado en el cine de 35 mm y tan difícil de conseguir en video, este
filtro te ayuda a simular la baja profundidad de campo manteniendo agudeza
perfecta en el área de centro, mientras difunde la periferia del fondo. Con este
filtro consigues atraer la atención del espectador sin fondos que lo distraigan.
La velocidad de los cuadros en los efectos de cine digital

← Si vas a transferir a film con el proceso Tape to Film y necesitas abrir tu

diafragma y el nivel de luz es muy alto no cambies la velocidad del obturador,
mantenla en 60 FPS, es preferible utilizar filtros ND de densidad neutral, pues a
la hora que hagas tu transferencia a film la velocidad ideal deberás mantenerla
en 60 FPS

← Si te vas a mantener en video (Television o DVD) el look más atractivo lo vas a

lograr a una velocidad de 30p en modo Frame progresivo

← Si tu cámara no tiene modo 30p te recomiendo mantenerte en una velocidad de

60 FPS y en todo caso hacer una conversión a Lookcine

← El método para lograr el sentido de movimiento del cine en video es

desentrelazando los campos correspondientes a cada cuadro (DEINTERLACING),
es lo que nosotros hacemos con nuestro sistema Lookcine

← Puedes hacer tus tomas normales a 60 FPS y después aplicar el

deentrelazamiento, en el caso del vídeo de NTSC, (USA Japón México) esto se
logra reduciendo los campos con un 3/2 pulldown

← Si haces tus tomas con una cámara Sony como la PD150, la VX 1000 y 2000,
La DSR 300 y 370 o aun con la DSR 500 utiliza la velocidad de 60 FPS puedes
hacer unas pruebas con Adobe After Effects utilizando el plug in deinterlace
dentro del programa o coloca el filtro deinterlace de Photoshop en la carpeta
de Plug Ins de After Effects y usálo

← Para desentrelazar en After Effects, carga 2 copias del clip en el programa,

especifique en un clip el campo inferior y en el otro clip el campo superior del
clip en la caja de diálogo interpret footage dialog box (motion detect best
quality checked on both).Después arrastra ambos clips a la ventana de
composición y aplica una opacidad entre el 50-75 por ciento

Utiliza la profundidad de campo de los lentes cinematográficos

Una baja profundidad de campo es una de las principales características de la filmación en

cine

Mantén tu iris abierto lo más posible

ajustando tu exposición con lentes de
densidad neutral, si vas a transferir a cine
utiliza la velocidad de 60 FPS en modo
entrelazado únicamente, si tu programa
solo se va distribuir en video puedes
experimentar con la velocidad de apertura
entre 60, 90 y 120 o aun usar el modo de
30 y 24 progresivo

Conseguir una profundidad de campo baja en una cámara de video es bastante difícil
 ← Cerciórate de que tu iris o diafragma esté totalmente abierto. Un diafragma
abierto te dará una profundidad de campo más baja.

← Coloca a tus sujetos del frente lejos de los fondos y coloca la cámara lejos del
sujeto.

← Para acentuar la baja profundidad de campo utiliza lentes de gran distancia

focal. (Usa tripié para minimizar los movimientos y temblores de la mano)

Agrega profundidad a tus escenas con tiros móviles y suaves de cámara

En muchos movimientos de cámara, como el

paneo, el tilt, el dutch y aun el zoom la cámara
permanece en el mismo lugar encima de su Tripié.

Esto cambia lo que se ve en el encuadre . Pero no

cambia la relación entre los objetos. El concepto de
AGREGAR PROFUNDIDAD es lo que agrega la
tercera dimensión a tus tiros

La creación de profundidad es esencial para crear y mantener la ilusión

cinematográfica, junto con las otras maneras de agregar profundidad, el mover la
cámara a través del espacio es uno de los grandes secretos cinematográficos, que
diferente es ver un escena con un movimiento de dolly que el típico zoom del video
casero !!!, evita el zoom a menos de que estés haciendo un video clip galáctico!!!!

Solamente cuando la cámara se mueve es posible establecer la relación entre el primer

plano y el cambio de los objetos del fondo, esto es la clave para crear profundidad en
tus tiros.

Cuando los objetos del primer plano se mueven contra el fondo, el espectador percibe
tu producción en tres dimensiones en vez de la superficie plana que realmente esta
viendo , ya sea en un televisor o en la pantalla de un cine.

Algunas razones para hacer movimientos de cámara.

← Para revelar algo que no estaba en el cuadro de imagen antes del movimiento..

← Para seguir a un sujeto en movimiento, de lado, de frente, de atrás o desde

arriba.

← Un movimiento hacia el sujeto incrementa la intensidad de la atención y enfoca

los puntos de interés en el sujeto

← Un movimiento que se aleja del sujeto relaja el interés, y hace que el

espectador tome distancia del sujeto.

← Un tiro POV (punto-de-vista) con un sujeto en movimiento hace necesaria una

cámara en movimiento ya sea con estabilizador o al hombro o Handheld, la
cámara actúa en este caso como el mismo sujeto.
 ← Para establecer (y reestablecer más adelante) una locación después de una
serie de tomas de planos medios MCU (Medium Close UP) o de primeros planos
CU (Close Ups) , una toma general WS (Wide Shot) con la cámara en
movimiento permite reorientar al espectador a la locación de la escena y con
esto ayuda a reestablecer y reforzar el humor de la locación

Vocabulario de tomas de cámara

← Movimiento lateral a la izquierda - Track Left o Crab Left

← Movimiento lateral la derecha - Track Right o Crab Right

← Movimiento hacia adelante - dolly in - Track in

movimiento hacia atrás - dolly out - Track out

← Movimiento hacia arriba - pedestal up o crane up

← Movimiento hacia abajo - pedestal down o crane down

← Movimiento picado hacia arriba - tilt up

← Movimiento picado hacia abajo - tilt down

← Movimiento inclinado con la cámara de lado - dutch

← Movimiento de grúa - Crane shot

Otras opciones para mover tu cámara a través de espacio:

Handheld: A manos libres, quita la cámara del Tripié y ya tienes una toma
Handheld.

← Mueve la cámara cuidadosamente y suavemente, como un gato o una bailarina,

y tendrás tiros móviles, dinámicos y muy interesantes, Desafortunadamente,
también puedes terminar como "La bruja de Blair".

← A manos libres puedes realizar muchos movimientos de cámara, dollys, trucks y

movimientos de tipo grúa, sin embargo es muy difícil duplicar la precisión y la
regularidad que se consigue con los dispositivos mecánico para mover la
cámara.

← Puedes conseguir buenos tiros móviles muy interesantes llevando la cámara a

la altura de la cintura y sosteniéndola de la manija superior.

← Te recomiendo usar un ajuste gran angular (En Zoom OUT) cuando te muevas a
manos libres, si usas longitudes focales largas (Zoom IN) esto magnificará los
movimientos mas pequeños de la mano y tus tomas se verán muy temblorosas

← Si tu cámara cuenta con estabilización de imagen este sistema te ayudará en

los temblores minúsculos de la mano, pero no en los movimientos inestables
más grandes de la mano.
 ← Por supuesto, en escena que signifiquen tener movimiento traumático o
violento, como las persecuciones del malo de la película o las explosiones,
accidentes de coche o terremotos las tomas Handheld a manos libres son una
excelente opción.

← El uso especializado de una cámara Handheld, en las manos de un experto, es

agregar vida a los tiros estáticos con movimientos al azar, sutiles pero con
energía controlada, esto da como resultado escenas con mayor sensación de
realidad, transmiten un sentido mayor de urgencia que las tomas fijas desde un
Tripié.

Estabilizadores de cámara Mini Jibs y Grúas

← Si ves una escena de cámara móvil en la TV o en alguna una película, en donde

el movimiento parece imposiblemente fluido y suave, como si la cámara
estuviera flotando o deslizándose a través del aire, seguramente que el
operador de la cámara estuvo usando un dispositivo estabilizador de cámara.
Estas unidades amortiguan los pequeños movimientos y topetones que ocurren
al hacer tomas de cámara mientras se camina.

← Hay algunos estabilizadores de bajo costo que hacen un trabajo asombroso de

suavizar los tiros móviles de cámara y que se pueden utilizar en autos o con
personas caminando, bajando y subiendo escaleras, o moviéndose en terrenos
rocosos o través de callejuelas, los tiros que resultan de usar estabilizadores de
cámara es como si se estuviera volando suavemente a través del espacio.

← También se pueden simular los movimientos de dolly, truck y crane con la

mayoría de los estabilizadores de cámara con resultados mucho mejores que
usando la cámara Handheld a manos libres.

Grúas y otros dispositivos estabilizadores mecánicos

Jib arms:

← No hay nada como la mirada espectacular de una cámara moviéndose

fluidamente desde el suelo hasta más de 3 metros de altura en un solo
movimiento.

← La profundidad que se agrega a una toma desde el primer plano contra el

movimiento del fondo, revela cosas que no eran visibles un momento antes,
este concepto visual es realmente inalcanzable por cualquier otro método.
 Es por esta razón qué las grúas se han utilizado en casi todas las películas de
Hollywood desde hace décadas.

← Quita los tiros de grúa de cualquier película de Hollywood y encontrarás que

pierde los tiros más dramáticos y de tal modo parte de su impacto.

Al tirar con un brazo Jib, necesitarás un cable de video conectado a un monitor,

para enmarcar tu toma.

← Es importante tener también el control remoto de tu cámara o un dispositivo de

conexión a la misma para encender y apagar la cámara y para enfocar y
encuadrar con el zoom

Los tiros de grúa se utilizan por muchas razones

← Para establecer (o reestablecer) una locación con un movimiento desde encima

de la cabeza hacia abajo hasta encuadrar al sujeto.

← Para revelar algo fuera del marco, como en un paneo pero agregando el
movimiento frontal además del movimiento del fondo lo que agrega aún más
profundidad a la toma

← Para seguir a un sujeto como en un paneo o tilt agregando también el

movimiento frontal con el movimiento del fondo

← Para explorar un sujeto desde arriba hacia abajo o desde un lado hasta el otro

El SkyCrane Jr. es nuestra recomendación, esta hecho de acero de manera que no se

bambolea como muchos otros brazo Jib.

También tiene un sistema de impulsión de cable que te permite inclinar (picar) la

cámara mientras la grúa se mueve de arriba hacia abajo o viceversa, esto te permite
comenzar una toma sobre un sujeto con la toma en picada y después bajar la grúa
hacia tierra contrapicando la cámara de manera que el sujeto siempre se encuentre en
el cuadro

Dolly

El dolly es un dispositivo que te permite montar tu cámara sobre

ruedas y de empujarla sobre pistas especiales. Algunos dollys
económicos utilizan ruedas especiales en el Tripié y utilizan pistas
de PVC, puedes acondicionar también una silla de ruedas de
hospital que corra sobre tableros de madera.

A un movimiento hacia o lejos del sujeto se le llama dolly in o dolly

out, mientras que a los movimientos laterales (seguir a un sujeto
móvil, por ejemplo) se le llama tracking shot o truck
Cuando utilizas el botón del zoom de tu cámara, el look es totalmente anti "Hollywood"
porque la relación entre los objetos no cambia. Hacer zoom in es solamente magnificar
la imagen como si acercaras una fotografía plana hacia ti.

← En las tomas cinematográficas verdaderas, la cámara se mueve físicamente

hacia adentro (dolly in ) o hacia afuera del sujeto (dolly out), lo cual duplica lo
que ves cuando algo realmente te interesa y te levantas para moverte y
acercarte hacia ese centro de tu atención. Esta toma crea cambios entre el
primer plano y el fondo lo que da profundidad a la imagen.

← Aunque los dollys son un apoyo primordial en las producciones de Hollywood,

los dollys profesionales no se utilizan mucho por el resto de nosotros debido al
costo y a las molestias de poner las pistas en cada escena.

← Nuestro consejo, en vez de usar un dolly, es duplicar los movimientos del dolly

← Haciendo tomas muy suaves con la cámara a manos libres

← Usar un estabilizador de cámara fotográfica y mantener la cámara a nivel tanto

como sea posible, haciendo los movimientos tan suaves como se pueda

← Alquila o pide prestada una silla de ruedas, siéntate en ella, sostén la cámara
firmemente, utiliza un asistente que empuje la silla lenta y suavemente a lo
largo de una línea o de un arco predeterminado. ¡En superficies lisas, esto
trabaja del mismo modo que un dolly y puede producir los mismos movimientos

← Un movimiento de dolly en un arco alrededor de un sujeto, es un tiro magnífico.

Si aceleras la primera parte del movimiento en postproducción y después
disminuyes la velocidad abajo de lo normal, tendrás una toma del siglo XXI.

← A veces un carrito de supermercado, un cochecito de bebé, un patín, una

bicicleta, una motocicleta, o los rollerblades pueden funcionar muy bien en tiros
móviles de cámara.

← Si necesitas una toma que siga a alguien caminando en la calle, puedes

conducir tu auto siguiendo al sujeto.

← Las tomas en movimiento desde automóvil son definitivamente una buena

manera de conseguir un tiro móvil de cámara. Puedes estabilizar la cámara con
una almohadilla llena de espuma de caucho, o esa muñecas (Beany Babies)
llenas de partículas pequeñas colocadas sobre la puerta del pasajero estos tips
te funcionarán muy bien.

Tomas en modo de cine 30p y 24p

El look de cine es un efecto psicofisiológico que está relacionado con el movimiento de

los cuadros fijos en sucesión y que tiene una relación fisiológica llamada la persistencia
de la visión del ojo humano.

← Para lograr fácilmente el look de cine puedes hacer tomas en modo FRAME a
(30 FPS no entrelazados 30p ) que son 30 cuadros de exploración progresiva.
 ← En la XL1s aunque el FRAME Mode te permite consegu¡r el look de cine al
disminuir los cuadros, pareciéndose la sucesión de movimientos a los 24 FPS
del cine, tienes una pérdida de resolución desde 360 líneas en modo
entrelazado a 320 líneas en el modo Frame progresivo

← En la XL2 a 24p ya no pierdes resolución en el modo progresivo

← Si no quieres perder resolución vertical utilizando el modo FRAME de tu cámara

o tu cámara no cuenta con la función de modo Frame nuestra mejor
recomendación es la de convertir tu video con nuestro servicio de LookCine que
convierte los 60 cuadros entrelazados a modo progresivo sin perder resolución
vertical.

← El vídeo NTSC se registra con 60 campos entrelazados cada segundo modo 60i
mientras que la película de cine se registra en 24 marcos completos por
segundo. 24 FPS

← Tiene mucho sentido que si tienes una cámara que tire a 30 cuadros completos
cada segundo, Modo Frame 30p estarás muy cerca de los 24 cuadros por
segundo que utiliza la película de cine, y esto hará qué tus tomas parezcan mas
"fílmicas" (o por lo menos con un look menos "video") en su movimiento.

← Sin embargo si vas a transferir a cine Tape to Film el proceso de los

laboratorios para hacer el pulldown de 60i a 24 FPS es muy superior a lo que
tu cámara puede lograr en FRAME mode.

← Cuando hacemos videos que no se van a transferir a cine casi siempre filmamos
en modo no entrelazado de 30 cuadros 30p ("modo FRAME 30p Canon XL1S y
GL2).

← Cuando filmamos para hacer tape to film tiramos en modo normal a 60i, el
modo entrelazado de 60 campos y aplicamos si es necesario nuestro servicio de
Lookcine

Cámaras 24p

Parametros de filmación cine digital ¿Qué te puede decir sobre el video 24p?
a 24p XL2 prefiero realmente filmar en cine digital a 24
FPS velocidad de la película.
Frame Rate = 24P
A veces sin embargo cuando se filma a 24p
el movimiento es muy estroboscópico, a 30p
Shutter = 1/48th. 1/60avo de segundo, se consigue un movimiento mas suave
tambien se puede usar pero solo para (como de cámara mas lenta) y se conserva
reducir flicker con luz florescente o el filmlook del cine.
iluminación de arco en paises con
corriente de 60Hz (Mexico USA) . Las nuevas cámaras de 24p son juguetes
fenomenales para nosotros los amantes de la
Usar 1/50avo de segundo en paises PAL
 tecnología si quieres una de ellas, pídemela
Program AE (Auto Exposure) = OFF

Aspect Ratio = 16:9 (for transfer to

35mm)

2:3:3:2 pulldown

Gamma = Cine

Color Matrix = Normal

Knee = Medium

Black = Normal

Vertical Detail = Low

Panasonic DVX100A
Coring = 0

Sharpness = 0

Noise Reduction = OFF

Color Gain = 0

Color Phase = 0

Film Grain = OFF

Total Image Control = 0,0,0

Setup Level = 0 Canon XL2

Skin Tone Detail = 0 Tel + +52 (55) 1342 6033 / 01 55 1342

6033 / 044 55 1342
AE Shift = N/A 6033mailto:video@video.com.mx

AE Lock = N/A

Zebra Pattern = 100%

Audio = 2-channel (16-bit).

Balance de blancos

← No hagas tu balance de blanco como dicen los libros, entiende el concepto y usa
tu creatividad.
 ← El DP o director de fotografía es el encargado de conseguir el look adecuado a la
historia de acuerdo con el director, para conseguir un look de cine por ejemplo
(Film Noir) los tonos y colores de todo el programa deben ser definidos.

← Si la historia es triste y fría los colores que deben predominar son azulados

← Puedes usar como fondo de balance el dorso de tu mano (o una cartulina

levemente naranja) la cámara compensará el balance hacia tonos azules.

← Si por lo contrario deseas que el programa tengo un tono más caliente puedes
hacer tu balance de blanco con una cartulina azul pálida

Realce electrónico

← Disminuye el "realce electrónico" (Electronic Enhancement) de la cámara de

vídeo.

← Todas las cámaras de vídeo tienen un grado de "realce electrónico". La salida

de la señal del cuadro desde los CCDs es absolutamente suave y carece de
detalle.

← Los fabricantes de cámaras diseñaron un circuito electrónico que reacciona a los

cambios en los niveles del brillo de la imagen y agregan una sobre señal con
forma de una línea negra o blanca al cuadro en los bordes de diferencia de brillo
o tono

← Este tipo de circuitos se diseñaron para hacer que la imagen parezca que tiene
una resolución más aguda.

← Pero si este circuito se ajusta demasiado hacia arriba, la imagen resultante

adquiere un look "electrónico" y poco atractivo - exactamente el tipo de look
tan odiado por los DPs de cine.

← El ajuste de este circuito en cada cámara puede tener diferentes nombres como
Contour "correction ("Ajuste del contorno"), "Aperture" adjustment ("Ajuste de
apertura") ojo no confundir con el diafragma o iris, o "Detail" Level. (Nivel de
detalle), todos estos nombres significan lo mismo EDGE ENHANCEMENT.

← Viendo tu escena en un buen monitor, ajusta este "realce" hacia abajo hasta
que consigas una imagen a tu gusto. Puede ser que este sea un ajuste pequeño
que se hace con destornillador o vía un menú en el viewfinder.

← A veces este ajuste también se llama "Sharpness" o "agudeza" en todas las

cámaras fotográficas de Sony entre el la miniDV VX-1000 y la DVCAM DSR-
570ws.

← Si tu cámara es un camcorder "doméstico" (o consumidor) puede ser que no

tenga ningún circuito ajustable
 ← En este caso, emplea la técnica de filtrado difuso para disminución del "realce".

Formato de Pantalla Ancha Widescreen. 16:9

Muchas películas se hacen con formatos de pantalla que son más anchos que el
cociente de aspecto del estándar 4:3 del vídeo.

← Puedes hacer tomas Widescreen de vídeo para realzar el look de cine de tu

producción

← Pero para tener un video real de formato anamórfico completo la relación de

16:9 se debe generar a partir de CCDs que acepten este formato en modo
nativo (Ejemplo la DSR 500 de Sony y la XL2 de Canon)

← Muchas cámaras con la función cine Widescreen consiguen el efecto

descartando valiosos pixeles de los CCDs de formato 4:3. bajando
efectivamente la resolución total del video

← Comprueba las imágenes de tu cámara en modo Widescreen. Si son menos

agudas que tus imágenes en modo estándar, entonces tu cámara no tiene
capacidades verdaderas de 16:9.

← Si tu cámara no tiene modo 16:9 nativo, tienes 2 opciones sin bajar la

resolución

← 1. Hacer tus tomas en formato 4:3 pero con un adaptador óptico anamórfico en
la lente - Century Optics en USA y Optex en Inglaterra fabrican adaptadores
anamorficos 'ópticos, Esto te dará un formato Widescreen 16:9 'apropiado' en
video

← Este tipo de video solo se puede ver en Televisiones capaces de reproducir el

formato 16:9 en televisores normales puede ser que tengas problemas, reduce
la altura de tu vídeo en un 75% y tendrás un formato 16:9 Widescreen dentro
de un marco de 4:3.

← 2. Puedes hacer tus tomas en modo 4:3 pero enmarcadas y protegidas desde el
viewfinder para 16:9 de manera que las barras negras del "letterbox" de video
no tapen tu imagen en la post-producción.

← El letterboxing con bandas negras enmascarando el video arriba y abajo de la

imagen es un derroche de ancho de banda y disminuye tu resolución real pero
si usarlo significa tu primer esfuerzo como director de cine y consigues ser
notado, tu próxima película puede ser que utilices una cámara Panavision!

← Algunas de las técnicas fotográficas antedichas fueron utilizadas por los viejos
lobos de Hollywood desde los inicios del siglo pasado. Si piensas que estas
técnicas pudieron estar pasadas de moda, recuerda que la luz no ha cambiado
sus cualidades, nosotros hemos cambiado solamente la manera de registrarla.
Look de cine AVANZADO

Como lograr una iluminación que pueda trabajarse en POST Producción

Una vez que hayas dominado los pasos básicos de producción de cine digital es tiempo
de experimentar en post producción no existen reglas definidas para lograr un efecto
cinematográfico, tienes que estudiar y experimentar para lograr un verdadero estilo
propio

← No dejes que los niveles de blanco y negros siempre los determine la cámara,
cuando usas película de latitud limitad o en este caso cine digital debes de
prever como trabajar las luces y las sombras

← Cuando utilizas una gama dinámica limitada como es el caso de cine digital, ten
mucho cuidado de no ¨quemar¨ los blancos y luces, puedes ajustar tu nivel
ZEBRA por debajo de 100 IRE desde 70 hasta 90 IRE

← Adicionalmente puedes monitorear con un vectorscopio y emparejar tus tomas

para los niveles y la gama total de color de cada escena.

← El objetivo de tu iluminación es nunca quemar las luces o blancos de manera

que tengas espacio para ajustar en tu sistema de postproducción, una vez que
tienes quemado un blanco en la señal de video, la señal se pierde (Clipping) y
ya no puedes hacer nada en post.

← Para no perder la definición sutil de los tonos negros que aparecen a través de
tu imagen mide tu luz en las sombras y protege contra la sobrexposición de las
luces.

← Las caras, son los elementos mas importantes de una imagen trata de hacer tus
tomas acercándote a un nivel del 70 por ciento de iluminación en ellas.

← El video sin contraste se ve opaco y lodoso asegúrate de que existan blancos y

negros reales en tu escena para que la cámara pueda establecer el contraste
adecuado

← Utiliza creativamente las herramientas disponibles de postproducción, puedes

trabajar el video a 16 Bits y tendrás mayor amplitud de ajustes que si trabajas
normalmente a 8 Bits

Spot comercial demo de Stu Maschwitz

Adobe After Effects

www.adobe.com/aftereffects

Apple Final Cut Pro

www.apple.com/finalcutpro

Canon XL1S XL2

http://www.canondv.com/

Magic Bullet
www.redgiantsoftware.com

Panasonic AG-DVX100
www.panasonic.com/pbds

Synthetic Aperture Color Finesse

http://www.synthetic-ap.com/

Comparison Film vs DV Film

http://www.theasc.com/magazine/product.htm

Lectura Recomendada

Directing: Film Techniques and Aesthetics

by Michael Rabiger.

Éste es el mejor libro para aprender a dirigir una película

coherente basada en una guión. Rabiger te fuerza pensar
acerca de la cinematografía de una manera que va más allá de
lo superficial y trivial.

Links de como lograr el look de cine trabajando con video digital

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Tel + +52 (55) 1342 6033 / 01 55 1342 6033 / 044 55 1342 6033

mailto:video@video.com.mx