Resumen Historia II (1 Parcial )

Lowe “de la linealidad a la multiperspectividad”

La percepción tiene lugar en el campo de la percepción donde un sujeto encarnado percibe el
mundo circundante orientado en dos dimensiones o coordenadas espacio y tiempo.

Respecto de esto existen tres conceptos relacionados:

Contenido del pensamiento  campo de la percepción estructura de la sociedad

El campo de la percepción se encuentra limitado por tres factores: (trípode dialéctico)

Mc: Enmarcan y facilitan el arte de percibir. Son prótesis o prolongaciones de los sentidos.
Js: estructura al sujeto encarnado.
Oe: es el conjunto de categorías y valores que ordenan el contenido de lo percibido. Mirada,
cosmovisión.

-Siglo XIX: linealidad

Mc: imprenta
Js: vista y oído
Oe: (a la representación en el espacio se suma) el desarrollo en el tiempo.
Esta configuración del campo de la percepción lo hace uniperspectivo, lineal, objetivo.
Podemos ver la linealidad en el positivismo, cuando, con la ley de gravitación universal surge
una etapa en la que la ciencia esta completamente convencida de que es posible conocer todas
las leyes. Se creía que el modelo de la ley de Newton era aplicable para todo y que se podía
tener un conocimiento acabado de las cosas. Veían la historia como una línea continua y
creciente hasta alcanzar su forma acabada y definitiva.

Entre 1905 y 1915 se produce un quiebre ligado a principalmente dos cambios, el de la

estructura de la sociedad (cambios económicos y políticos) y cambios de la percepción. El
campo de la percepción se vuelve multiperspectivo.

-siglo XX: multiperspectividad (descentralización, convergencia, sincroneidad)

Mc: electrónicos (fotografía, cine, televisión)
Js: vista y oídos extrapolados.
Oe: Sistema sincrónico de oposiciones binarias.
(1-semiología del signo, 2- espacio-temporalidad del film, 3- meta-comunicación de la imagen).

Con los nuevos medios electrónicos surge una extrapolación de los sentidos, las cosas a ver y
oír se extienden y cambia el orden epistémico. (Epistemología: una rama de la filosofía cuyo
objeto de estudio es el conocimiento científico. La epistemología se ocupa de problemas tales
como las circunstancias históricas, psicológicas y sociológicas que llevan a su obtención, y los
criterios por los cuales se lo justifica o invalida.)
Se dan también cambios estructurales, la actividad agrícola-ganadera pasa a otro plano con la
industria. Desde la Rev. Industrial y de la Rev. Francesa se venia conformando un nuevo orden
económico y político. Las ciudades reconstruidas se hacen masivas y a principios del siglo XIX
las ciudades desbordan. Entonces surge la necesidad de administrar a las masas.

Los cambios estructurales fundamentales son:

-Producción y consumo.
-Economía (Keynesiana =/ liberal) y estado (se vuelve intervencionista).
-Ideología.

Transformación de la sociedad burguesa a la sociedad burocrática, (de persuasión,

administración de masas), de consumo controlado.
A partir de la crisis del 29 y Revolución del 30 surge una nueva clase, la clase media y surge un
desbalanceo de la oferta por sobre la demanda, es así que se trata de controlar y regular el
consumo.
En conceptos ideológicos el liberalismo parecía no tener oposición pero entra en crisis en el 29 y
surge un modelo en el que el estado va a intervenir.
Dentro del punto de vista perceptual se empiezan a cuestionar los modelos mecanicistas
Newtonianos, donde todo se podía estudiar en términos de causa y efecto. Estos modelos se
abandonan, se abandona la linealidad y surge la teoría de la relatividad de Einstein, el modelo
etimológico deductivo.
Surge un nuevo planteo en el que espacio y el tiempo son relativos. Un mismo fenómeno
observado puede arrojar valores distintos para diferentes espectadores.

En cada disciplina surgen entonces nuevas corrientes:

Filosofía y física: (Husserl y Einstein): superación de explicaciones mecanicistas.
Pintura, música y novela: (Piccasso, Schönberg, James) Se rompen las convenciones que
limitaban la expresión, y se defiende la visión del autor, (este es liberado y expresa su propia
visión del mundo). P=representación, presentación.
Arquitectura: (Behrens, Gropius, Le Corbusier) Nuevas necesidades sociales, nuevos
materiales, (cristal y acero) y nuevas técnicas. Interconexión entre espacio externo e interno.

Dentro del nuevo orden epistémico (sistema sincrónico de operaciones binarias) Lowe estudia y
desarrolla tres conceptos puntuales:
- Semiología del signo: signo-estructura-semiología.
Saussure, padre de la semiología hace un estudio sincrónico del lenguaje y plantea que existe
una relación arbitraria entre Ste y Sdo.
Jacobson plantea a la imagen en términos de texto visual.
Levi-Strauss estudia las relaciones de parentesco entre la doble articulación de Saussure.
Lacan estudia la estructura del inconsciente.
Foucault hace un estudio histórico de diferentes discursos basándose en que para el los
epistemas se encuentran implícitos en el discurso.

- La espacio-temporalidad del film: extrapolación de los sentidos (imagen y sonido), cambio en

la espacio-temporalidad.
. Es un sustituto del espacio tiempo vivido del público sentado pasivamente en una sala.
. Transporta al público más allá de si mismo. (Corte y edición de escenas), cámara y edición
constituyen la multiperspectividad de un film.
Tipos de film: ficción, (que tiene un argumento, una historia), fáctico (intenta documentar la
realidad), experimental, (búsqueda o exploración de las posibilidades expresivas).

-La meta-comunicación de la imagen: La imagen es el medio apropiado para la meta-

comunicación del siglo XX. Dentro de la nueva cultura electrónica, la fotografía, la película, el
surrealismo y la publicidad producen un cambio fundamental en la imagen. Esta:
..Define la realidad del siglo XX ya que es concebida como el medio de comunicación más
eficaz.
..Se refiere a si misma, pierde su referente (a lo que hace referencia, le creemos mas a la
imagen, la imagen se come al referente).
..Ocupa el lugar de valor de uso, toma el lugar de valor de uso, vende al objeto.
..Seudo-acontecimiento, refiere a un acontecimiento que no existió, la imagen inventa al
referente.

Tanto la fotografía, la película, el surrealismo como la publicidad tienen una cuota de

responsabilidad ya que: la fotografía fragmenta la realidad, la película porque inventa una
espacio-temporalidad propia, el surrealismo porque es un ataque a la razón para liberar la
imaginación, y la publicidad, porque su finalidad es desarrollar el consumo. (Consumo
controlado a través de la publicidad).

Fiz “La arquitectura de la gran ciudad”

Scheffler: METROPOLI -punto neurálgico de los intereses económicos internacionales.
 -Lugar de apuesta por una nueva arquitectura. (Opuesta a la del
pasado).

En el centro de la city debería dominar el RASCACIELOS:

-gran almacén compuesto por la superposición de plantas equivalente
- será la personificación de la arquitectura de la gran ciudad, su
paradigma.

La muerte de la vida individual y la melodía diferenciada:

-Arquitectura funcional:
.. Carencia de ornamentación,
.. Identificación entre estructura formal y constructiva.
.. Recurso de los nuevos materiales,
.. Estética de la maquina (como parámetros de forma, exactitud, precisión, regularidad,
aspiración a lo modular)
.. Interpenetración entre espacio interno y externo.

Grosz tiene una declarada admiración por una ciudad que nunca ha visitado y que solo ha visto
a través de revistas y anuncios publicitarios: Nueva York, así lo corroboran sus dibujos,
fotomontajes y poesías dedicadas a la ciudad de hierro y cristal, de los rascacielos y los
anuncios.

La ciudad en cuanto a metáfora del caos e indiferencia óptica puede vislumbrarse en los
fotomontajes de Grosz como “Vida y movimiento en la universal city a las 12 h con 5 m del
mediodía” y Heartfield, entusiastas exponentes dadaístas que nunca han visto América. Para
ellos la ciudad americana es el modelo soñado de la metrópoli moderna. Se apropian de la
misma a través de imágenes visuales y acústicas, así parece ser que los objetos, palabras,
hombres y arquitecturas son arrastrados por una suerte de torbellino báquico.

Grosz cultiva al mismo tiempo, pintura, fotocollage y fotomontaje. La metrópoli es el ámbito

privilegiado donde se despliega el montaje visual, allí es donde la percepción es radicalmente
sacudida por la experiencia sensible.

Con la Revolución Industrial, ciudad antigua y modernas topologías coexisten. El hombre

metropolitano se enfrenta a una acumulación de estímulos, en virtud de ello la aparición del
montaje no es una mera respuesta a las posibilidades técnicas y estéticas, sino un correlato
artístico acorde con las experiencias perceptivas y emocionales de una realidad cambiante.
La gran ciudad ya no puede ser representada como una unidad visible y ordenada, el
fotomontaje dadaísta es la ligazón de un universo técnico con las condiciones de percepción y
de vivencia cuyo sustrato es lo fragmentario.
Los dadaístas berlineses en cierto modo sistematizan visualmente el caos como fenómeno
espiritual, como liberación de estructuras instintivas, premisa para una nueva cultura y una
nueva óptica. Pero a su vez semejante caos queda neutralizado por lo que los dadaístas
llamaron “principio de indiferencia” creativa y óptica.

La simultaneidad se identifica con el momento de mayor vibración: el mediodía.

..Tráfico y agitación de la gran ciudad, visión en todas las direcciones, inexistencia de las
relaciones estables entre los objetos.
Los dadaístas se abandonan al caos de una interpretación tan elástica que oscila lo absurdo e
incomprensible.

Se puede ver la indiferencia óptica en las pinturas de Grosz donde todo cobra un tono rojizo
homogéneo que envuelve y tiñe el espacio plástico, y que en los fotomontajes da lugar a una
representación acumulativa y sin matices diferenciadores del caos urbano y objetual.
La insensibilidad hacia cualquier distinción, el vaciado de los significados en los seres y las cosas
desemboca en la muerte de la vida individual y de la melodía diferenciada. La mecanización
desplaza a los individuos.

La exaltación del rascacielos

La exaltación dadaísta del mundo americano culmina sin duda en la exaltación del rascacielos.
Asociado con el descubrimiento de la gran ciudad se le proclama como:
.. Expresión constructiva de una tendencia a la concentración urbana.
.. Para los comerciantes, representa funcionalidad.
.. Para los arquitectos encarna las nuevas tareas monumentales y metropolitanas de la
arquitectura.

La penetración del rascacielos en Europa despierta en el mundo artístico el interés sobre la

arquitectura de la gran ciudad, y es una figura más de lo moderno.
El fotomontaje es muy utilizado por los arquitectos cuando desean mostrar la relación existente
entre la ciudad realizada y las arquitecturas proyectadas.

Metrópoli, paisaje industrial, y estética de la maquina

La iconografía urbana de Léger exalta el heroísmo de la metrópoli y la vida moderna.
.. En sus composiciones usa detalles característicos de la vida metropolitana (elementos de
arquitectura, partes de maquina, signos tipográficos o de transito), que reduce a un vocabulario
común de formas estandarizadas y colores brillantes.
.. No le interesa la abstracción (alto nivel en sus trabajos) sino es en contacto directo con la
realidad. Adopta la actitud de gran realista a lo Kandinsky.
.. Léger segrega sus formas de los modelos reales con un conjunto de reglas y equivalencias del
trabajo artístico con la estética de la maquina. Desde este realismo de concepción las vistas
urbanas se asemejan a los objetos manufacturados.
.. Los elementos abstractos de su imaginería, no renuncian a la voluntad de configurar una
nueva realidad.
.. Exalta el nuevo universo figurativo de la gran ciudad.
.. Tiene admiración por Nueva York.

Los presicionistas
.. Junto con los rascacielos, eligen motivos vinculados al paisaje industrial que se destacan por
su volumetría: los rectángulos de las casas y ventanas, los depósitos fabriles de agua, etc.
..Se vuelcan hacia temas sencillos y comunes.
.. Detienen su mirada en los humildes edificios de uso.
.. Toma de base el material fotográfico. La fotografía es declarada la mas moderna de las artes
en virtud (el hombre somete su voluntad a la maquina). En muchas de sus obras se denota una
apariencia instantánea, solidificada y congelada.
A fines de los 20 se alude a una americanización del arte, la fabrica y el mundo industrial
americano son retomados por numerosos artistas que durante la década de los 30 giran en la
orbita del presicionismo. Las composiciones son cada vez mas simplificadas y abstractas,
rayando en ocasiones con lo inobjetivo y la esquematización.

La nueva objetividad y el espíritu de la época

Tras la 1º guerra mundial surgen en Francia, Alemania, Italia y Estados Unidos, manifestaciones
artísticas que se oponen:
- Por una parte a los expresionistas vitalistas;
- Por otra al experimentalismo de los diversos constructivismos.

La nueva objetividad (o realismo mágico, comprometido con la cotidianeidad y con lo social)

agrupo las corrientes más veristas y realistas en la Alemania de los años 20.
Berlín continua siendo el centro político y cultural y en el se forma el grupo inicial, teniendo
entre sus promotores a los dadaístas a Heartfield y Grosz. En 1920 su pintura experimenta un
cambio en el que influye la contaminación de la “pintura metafísica”:
.. Perspectivas irritantes
.. Desconcertantes puntos de fuga
.. Similitudes con la composición del collage
.. Figuras transformadas en estatuas y mascaras, y el manichino.

El manichino y las arquitecturas pasaran a ser muchas de las composiciones de la nueva

objetividad.
El motivo del manichino es un lugar común que introduce la escuela metafísica en la pintura de
nuestro siglo, y podrá adoptar personificaciones tan variadas como el maniquí, la muñeca o la
marioneta.

El hombre se mecaniza, adopta las formas y movimientos de la maquina, funciona como ella.
Los dadaístas Grosz y Hausmann hacen una interpretación de los maniquíes para convertirlos
en símbolos del hombre mecanizado.
El espíritu de la época parece identificarse con un hombre sin atributos, cuyo cerebro se ha
vaciado o se mide por la lógica de la medida o la economía. El maniquí adopta una apariencia
sin atributos, a no ser la de los objetos que la presiden.

- Construir en vez de crear: Los dadaístas al igual que los futuristas o Léger tienden a
reemplazar al genio por el mecánico, el instalador o el ingeniero, ya que a todo ello se refiere el
término montar.

- Se combinan una concepción maquinista del manichino, convertido el hombre en masa sin
rostro, y en un escenario arquitectónico repleto de edificios funcionales y fabriles
despersonalizados. En ella el hombre, marioneta o autómata es ese hombre vacío del
industrialismo, la burocracia o el militarismo que puede acabar falto de todo control.
Sentimiento general de deshumanización.
-La imagen mas generalizada es la que combina el maniquí y la arquitectura funcionalista. En la
nueva objetividad confluyen ciertas aspiraciones metafísicas y constructivistas en el escenario
de la metrópoli contemporánea.
-En la gran ciudad no cabe la nostalgia clásica, sino lo más inhóspito del artificio moderno,
donde el extrañamiento artístico no hace sino enfatizar la pérdida del corazón y de los atributos.
-Muchas de sus obras (Grossberg) combinan la técnica de la nueva objetividad con las
imágenes de ensueño surrealista, como si traslucieran las pesadillas amenazantes de nuestra
civilización técnica.

Anticipación o reflejo artístico de la racionalidad arquitectónica

Rasgos comunes entre si en las pinturas de la arquitectura (de Grosz, Schlichter, Hoerle).
- Están precedidos por una tensión entre las figuras y los escenarios arquitectónicos,
- Seres robotizados o mecánicos, que deambulan entre una arquitectura tan despersonalizada
como ellos.
- Arquitecturas pintadas: desnuda, carente de ornamentos, de plantas superpuestas, esqueleto
de hierro y cristal, volúmenes regulares
(Esta arquitectura es estimada como moderna)

En estas pinturas (Grosz) parece cristalizar antes que la arquitectura, el espíritu colectivo del
momento. El triunfo de la sencillez, la pureza, la veracidad han de interpretarse no solo como
una cuestión formal sino permite el conocimiento de al realidad.

La pintura de la nueva objetividad se caracteriza por:

La sobriedad / La exactitud / La precisión de la representación
Ello explica porque el detalle, la relevancia del dibujo, los procedimientos casi fotográficos, la
escasa diferenciación entre primeros y segundos planos.
Como consecuencia se anula toda huella de los gestos, toda escritura subjetivista y emocional.
Vivencia del nuevo tipo metropolitano, el cual no reacciona ante la ciudad con sus sentimientos
sino con la razón, mediante la abstracción y la objetividad.
En su fría y descarada objetividad estas pinturas e la arquitectura eliminan cualquier vestigio
del pasado y nos ofertan unas formas, enemigas de las diferencias, indiferencia ante las cosas y
sus atributos.
La pintura de la arquitectura de la nueva objetividad se encuentra con el fotomontaje
(desprendido del caos dadaísta) Trasluce el empobrecimiento de la sensibilidad. “En la gran
ciudad se nos ofrece en forma de edificios, en una abundancia de espíritu despersonalizado”.

Vanguardias
Todos los movimientos artísticos renovadores que se produjeron en las primeras décadas del
siglo XX en Europa e influyeron en las artes (literatura, pintura, teatro, cine, música) del resto
del mundo.
El término vanguardia designa la parte más adelantada del ejército, la que luchará antes contra
el enemigo, la "primera línea" de combate. En el terreno artístico es, la "primera línea" de
creación, la renovación radical en las formas y contenidos para, al mismo tiempo que se
sustituyen las tendencias anteriores, enfrentarse con lo establecido considerado obsoleto.
Una de sus características es la actitud provocadora.
Las vanguardias proponen una nueva función social, el arte para cambiar la realidad.

Contexto histórico y cultural

Desde el punto de vista histórico, el primer tercio del siglo XX se caracteriza por grandes
tensiones y enfrentamientos entre las potencias europeas. Además de la I Guerra Mundial
(1914-1918), tendrá lugar la Revolución Soviética (octubre de 1917), abriendo esperanzas para
un régimen económico diferente para el proletario y para los sectores más desfavorecidos de la
sociedad. Tras los felices años 20, época de desarrollo y prosperidad económica, vendrá el gran
desastre de la bolsa de Wall Street (1929) y volverá una época de recesión y conflictos que,
unidos a las difíciles condiciones impuestas a los vencidos de la Gran Guerra, provocarán la
gestación de los sistemas totalitarios (fascismo y nazismo) que conducirán a la II Guerra
Mundial.

Desde el punto de vista cultural, es una época dominada por las transformaciones y el progreso
científico y tecnológico (la aparición del automóvil y del avión, el cinematógrafo,...). El principal
valor será, pues, el de la modernidad, o substitución de lo viejo y caduco por lo nuevo y
original. De esta voluntad de ruptura con lo anterior, de lucha contra el sentimentalismo, de la
exaltación del subconsciente, de lo irracional, de la libertad, de la pasión y del individualismo
nacerán las vanguardias en las primeras décadas del siglo XX.

EXPRESIONISMO
-El texto a cerca del expresionismo es solo un texto anecdótico, un relato de cómo se formo es
grupo de artistas, el expresionismo no posee manifiestos debido a su carácter intolerante de
agrupaciones con programas demasiado fijos que limitan la libertad individual.

-El expresionismo surgió como una corriente artística que buscaba la expresión de los
sentimientos, las emociones del autor y el impulso creativo, más que la representación de la
realidad objetiva. Fue una generación de creadores y amantes del arte llamados por la novedad,
con una actitud positiva, y una obligación frente al cambio.

-El movimiento expresionista apareció en los últimos años del siglo XIX y primeros del XX como
reacción frente a los modelos que habían prevalecido en Europa desde el renacimiento,
particularmente en las academias de Bellas Artes.

-El artista expresionista trató de representar la experiencia emocional en su forma más

completa, sin preocuparse de la realidad externa sino de su naturaleza interna y de las
emociones que despierta en el observador. Para lograrlo, los temas se exageran y se
distorsionan con el fin de intensificar la comunicación artística. Para los expresionistas era
necesario tomar de la vida la inspiración para crear y apoyarse en la experiencia directa.

-Algunos artistas como Kirchner, Heckel y Schmidt-Rottluff entre otros, formaron casi sin
percatarse un grupo que tomo el nombre de Brücke. Ellos hacían un llamado a la juventud, y
tenían su fe puesta en el progreso.

-La pintura expresionista es el arte que representa sobre un plano un fenómeno sensible; su
medio es el color como fondo y línea, (con una paleta con carácter desprolijo y colores poco
usuales). El pintor transforma en obra de arte la concepción sensible de su experiencia. No hay
reglas fijas, las reglas surgen durante el trabajo según la personalidad del creador, la manera
de su técnica y el tema que se propone, ya que, nunca se puede construir una obra a base de
leyes o modelos. así como la fotografía reproduce exactamente el objeto, la pintura, que esta
liberada de esta tarea debe recobrar su libertad de acción.

-La grafica para el expresionista consiste en trasladar en la mecánica, la parte manual de la

personalidad del autor, utilizando tres técnicas graficas: la xilografía, la cual valoriza el
elemento lineal gracias a su simplificación; la litografía, que da el dibujo de manera directa; y el
grabado. Con las tres técnicas trabajadas a mano, los artistas se encontraban en disposición de
dar forma a sus ideas y así mismo se permitía realizar al autor los últimos retoques técnicos.

FUTURISMO
Movimiento artístico nacido en Italia a comienzos del siglo XX que rechazó la estética tradicional
e intentó ensalzar la vida contemporánea, basándose en sus dos temas dominantes: la máquina
y el movimiento. Se recurría, de este modo, a cualquier medio expresivo (artes plásticas,
arquitectura, urbanismo, publicidad, moda, cine, música, poesía) capaz de crear un verdadero
arte de acción, con el propósito de rejuvenecer y construir de nuevo la faz del mundo. El poeta
italiano Filippo Tommaso Marinetti recopiló y publicó los principios del futurismo en el manifiesto
de 1909. Al año siguiente los artistas italianos Giacomo Balla, Umberto Boccioni, Carlo Carrà,
Luigi Russolo y Gino Severini firmaron el Manifiesto del futurismo.

-Son elementos esenciales el amor, la temeridad y la rebeldía. Queremos exaltar el movimiento

agresivo, el insomnio febril, el salto mortal, la bofetada, el puño. El mundo se ha enriquecido de
una nueva belleza, la belleza de la velocidad. Queremos aumentar el fervor entusiasta, no
existe belleza fuera de la lucha, queremos glorificar la guerra, queremos combatir contra el
moralismo y el feminismo. Queremos destruir el culto al pasado, la obsesión con lo antiguo.

El futurismo se caracterizó por el intento de captar la sensación de movimiento. Para ello

superpuso acciones consecutivas, una especie de fotografía estroboscópica o una serie de
fotografías tomadas a gran velocidad e impresas en un solo plano.

En 1914 se presentaron también los primeros dibujos sobre una ciudad moderna.

Aunque el futurismo tuvo una corta existencia, aproximadamente de 1909 hasta 1916, su
influencia se aprecia en las obras de Marcel Duchamp, Fernand Léger y Robert Delaunay en
París, así como en el constructivismo ruso.
Glorificaba la guerra como el medio de acabar con todo lo tradicional y burgués, por esa razón
en 1915 algunos de los representantes del futurismo, como Marinetti y Sant'Elia, se enrolaron
en un batallón de voluntarios, de acuerdo con el punto nueve de su decálogo fundacional,
donde se ensalzaba la guerra como la única higiene del mundo. Algunos de ellos murieron.

El futurismo fue uno de los primeros movimientos que supuso una ruptura frontal con las
formas tradicionales. Los increíbles avances tecnológicos de la época llevan a los futuristas a
mitificar a la máquina y a convertir a la velocidad en su religión. Como líder indiscutible de este
movimiento podemos destacar a Filippo Tommaso Marinetti (1876-1944).
Los diseñadores intentan capturar la energía de la velocidad con arcos dinámicos y
superestructuras en la página. Los textos se reparten por la página a modo de collage y forman
formas constructivas, el método estándar de lectura desde hace siglos es cuestionado en
muchos trabajos de los futuristas. Otro rasgo definitorio de este periodo es que el tipo y las
letras se convierten en elementos autónomos de diseño empleados de forma libre, se acude al
fuerte contraste de formas y tamaños y el uso de la línea diagonal con el texto y la repetición
secuencial del mismo hace surgir una tipografía de símbolos verbales.
Los tipos ya existentes sirven para cualquier propósito reduciéndolos, cortándolos y
modificándolos, sirviéndose para este fin de tipos romanos.

Características
-Negación del pasado y del academicismo.
- Desprecio de lo imitativo
- Exaltación de la originalidad.
- Intento de expresar las estructuras del movimiento: tiempo, velocidad, energía, fuerza, etc.
(en el fondo trata de plasmar el mundo moderno y nuevo de las ciudades y los automóviles, su
bullicio y dinamismo).
- Representación plástica del dinamismo y del movimiento basada en el "simultaneismo":
multiplicación de las posiciones de un mismo cuerpo; plasmación de las líneas de fuerza;
intensificación de la acción mediante la repetición y la yuxtaposición. Todo se mueve, todo
corre, todo transcurre con rapidez, un caballo que corre no tiene cuatro patas, tiene veinte.
- Creación de ritmos mediante formas y colores.
- Temática figurativa: máquinas, deportes, guerra, vehículos en movimiento, etc.
- Color refulgente, tanto plano como modulado; también transparencias (al principio el color fue
aplicado de manera divisionista, con pincelada fragmentada).
-Las sensaciones pictóricas no pueden ser susurradas, nosotros las hacemos cantar y gritar.
-muestra de valor y orgullo ante la acusación de locura.
-magnifica la vida actual incesantemente transformada por la ciencia victoriosa.
-disonancia, sinestesia, simultaneismo, contraste.
- aun así el futurismo poseyó algunas contradicciones:
Declarados antirromanticos pero hacen un arte que expresa estados de animo.
Declarados socialistas pero no se interesan por las luchas obreras.
Declarados internacionalistas pero a la hora de hacer una opción política son nacionalistas.
Declaran necesaria la guerra como higiene del mundo pero participan en ella.

Influencias Del cubismo por la descomposición de planos y de volúmenes.

Artistas Umberto Boccioni (1882-1916), Gino Severini, Carlo Carrà, Luigi Russolo, Giacomo
Balla, hermanos Duchamp.

DADAISMO
-Dada fue un movimiento literario y plástico fundado en Zurcí en 1915, ( y hasta 1922) que se
expandió rápidamente al resto de Europa, es la vanguardia mas internacional, caracterizada por
gestos y manifestaciones provocadoras en las que los artistas pretendían destruir todas las
convenciones con respecto al arte, tenían una actitud anti-arte. Comenzó como un movimiento
anarquista de oposición a los valores sociales imperantes y al absurdo de la Primera Guerra
Mundial. Dada repudiaba el orden preestablecido y rechazaba las convenciones, el sentido
común y la razón, porque ellas dictan lo que se puede y lo que no se puede hacer.

-Sus orígenes se localizan cuando una serie de artistas de distintas nacionalidades se

encontraron como refugiados en Zúrich durante la Primera Guerra Mundial: Tristan Tzara y
Marcel Jank de Rumanía, el francés Jean Arp y los alemanes Hugo Ball, Hans Richter y Richard
Huelsenbeck. Tras varios encuentros informales en distintos cafés, empezó a tomar forma la
idea de crear un cabaret internacional. La primera celebración tuvo lugar en 1916 en el Cabaret
Voltaire, y consistió en un espectáculo de variedades con canciones francesas y alemanas,
música rusa, música negra y exposiciones de arte. Los dadaístas generaban espacios
alternativos de muestras.
-Las intenciones del grupo eran básicamente la internacionalización del arte y la propagación
del arte abstracto; el dadaísmo negaba la relación entre el pensamiento y la expresión, juntaba
palabras e imágenes que al parecer no tenían ninguna relación entre sí, celebraba lo casual, lo
absurdo, lo espontáneo e incontrolado. Pretendía cambiar la sociedad, la cultura y el arte a
través del desconcierto, el inconformismo, el nihilismo, la ironía, la negación de la irracionalidad
y de todos los valores establecidos hasta entonces.

-Dada no significa nada ni reconoce teoría alguna, es duda, desconfianza, contradicción, los
verdaderos dadaístas están en contra de Dada. Los dadaístas afirmaban que una obra de arte
nunca puede ser bella por decreto, objetivamente y para todos. El nuevo artista ya no pinta,
protesta. Dada va en contra de los sistemas, el único sistema aceptable es el de no tener
sistema. Le interesa liberar determinados instintos, y no le interesa normativisar nada ni
construir dogmas.
Niega todo cannon impuesto y hace una expresión irónico-satírica de los valores establecidos
por la tradición. Se vuelve a lo instintivo, irracional, a lo sin sentido, a lo azaroso. Se reduce a
la pura acción.
Tesis dadaísta: negar toda la historia pasada, y la proyección de futuro y volver al punto cero.
Para el dadaísta lo que determina el valor ya no es un proceso técnico, sino un acto mental, una
actitud distinta respecto a la realidad.
Con solo romper el círculo de las reglas sociales, cualquiera puede comportarse de manera
artística, ser artista.
-El tiempo es efímero, ya que dentro de lo literario por ejemplo no hay sucesión.

Este movimiento se extendió a Berlín, Colonia, París y Nueva York donde se constituyó el núcleo
más progresista en torno a Duchamp. La actividad de este artista se caracterizó por la
atribución de un nuevo valor a objetos descontextualizados (los llamados Ready-made)

Término utilizado por Duchamp para designar los objetos del entorno (un botellero metálico, un
urinario, una rueda de bicicleta sobre un taburete de cocina, etc.), carentes de valor artístico en
si mismos, pero que al ser presentados fuera de su contexto habitual adquieren un sentido
distinto, cuestionando el concepto tradicional del arte y recabando para ellos el sentido de
objetos artísticos. Un objeto cualquiera es presentado como una obra de arte, se atribuye valor
a algo que parece carecer de ello, todas las cosas de la realidad pueden ser objeto artístico.

-Francis Picabia lanza la idea de un arte “amorfo”, que no solo no representa, sino que no es
nada.

características
- Expresión irónico-satírica de los valores artísticos establecidos por la tradición y también por la
vanguardia fauve y expresionista (actitud anti-arte).
- Integración de técnicas distintas con empleo de fragmentos de materiales ( collage y
décollage) y objetos de desecho cotidiano.
- Niega el Arte, despreciando lo retórico y academicista y cualquier canon impuesto.
- Protesta contra todo convencionalismo volviendo a lo instintivo e irracional (lo absurdo, el
sinsentido y el azar establecen la identidad entre el arte y la vida).
- Expresión libre de la forma artística: todas las cosas de la realidad pueden ser objeto artístico
(Marcel Duchamp crea sus ready-mades ).
- Temática en la que predominan los mecanismos absurdos ("antimecanismos" que desarrollan
una visión irónica de la máquina, de las cualidades a ella asimiladas y de la creciente
importancia de lo mecánico en la sociedad moderna de la época).
- Utilización de nuevas técnicas: el fotomontaje, variante nueva del collage introducida por R.
Hausmann, realizado a base de imágenes multiplicadas y superpuestas, tomadas de periódicos,
revistas y anuncios; y el collage dadaísta (desarrollado por K. Schwitters) a base de materiales
de desecho de todo tipo y estado.
-El artista es antiburgues, anti yo, anti autor.
-para hacer un poema dadaísta recorte de palabras.
Artistas En Zurcí: Hans Arp. En París: Francis Picabia (1878-1953). En Nueva York: Marcel
Duchamp (1889-1968).

SURREALISMO (Miro Dalí Max Ernst)

El surrealismo fue uno de los movimientos más influyentes de principios de siglo. Corriente
organizada. Buscaban una realidad más auténtica. Afirmaban que la realidad se encontraba más
allá de lo visible y tangible, en el subconsciente. Empleaban en el arte, el sueño, los instintos y
los deseos ocultos y reprimidos dándoles expresión en su obra.

El movimiento surrealista nace en Francia finalizada la primera guerra mundial. Abarca todo el
arte en general. El primer manifiesto surrealista fue dado por el poeta francés André Bretón en
1924. Los artistas surrealistas están influenciados por el psicoanalista Freud e intentan plasmar
el mundo de los sueños, los fenómenos del subconsciente, es decir, cualquier estado que no
esté sujeto a la razón. La imaginación y la fantasía son sus notas características. Utilizan
elementos realistas mezclados con elementos absurdos o irreales. Aunque se propugnaba un
esteticismo involuntario, lo cierto es que en muchos casos utilizaban los mismos recursos:
máquinas fantásticas, espacios vacíos, maniquís en lugar de figuras, monstruos... Se cultiva el
tema erótico, por la importancia que Freud otorga a todas las dimensiones del sexo. Destacan:
Marcel Duchamp, Max Ernst, Chirico, Chagal, Dalí y Miró.

-Su ideal era sobrepasar la realidad y llegar a una renovación de todos los valores culturales,
morales y científicos por medio del automatismo psíquico.
-La producción surrealista se caracterizó por la exaltación de los procesos oníricos, el humor
corrosivo y el erotismo, concebido todo ello como armas de lucha contra la tradición, la moral y
la cultura burguesa.
-La primera exposición surrealista se celebró en París en 1925.
-Los planteamientos del movimiento surrealista contra la tradición y vida burguesa tenían una
raíz política. Se sucedieron manifiestos contradictorios y el movimiento comenzó a disgregarse.
A pesar de su deterioro el movimiento se había extendido por muchos países. Poco después, la
segunda guerra mundial paraliza la actividad en Europa y dispersa a los artistas surrealistas,
muchos de los cuales (entre ellos Breton) se exilian en Nueva York.
-En el campo de las artes plásticas, los pintores surrealistas se manifiestan de dos maneras
diferentes, los surrealistas figurativos, interesados por la vía onírica (Magritte, Delvaux y Dalí,
entre otros) y que se sirven del realismo y de las técnicas y recursos pictóricos tradicionales; y
los surrealistas abstractos, que practican el automatismo psíquico puro (Masson, Miró) e
inventan universos grafico-plásticos propios.

Características
- Figuración con temática subjetiva de carácter onírico basada en las técnicas del inconsciente
de Freud.
- Interpretación de la realidad desde el sueño, el inconsciente, la magia y la irracionalidad.
- Los objetos y formas son despejados de su significación tradicional (principio de la
"desorientación"), el observador queda desorientado, sin saber a qué atenerse.
- Creación de imágenes equívocas de manera que una misma cosa puede ser interpretada de
varias maneras (principio de la "discordancia"), por ejemplo, una nube puede parecer la cabeza
de un animal o bien otra cosa.
- Da importancia a lo paradójico, lo absurdo, la caducidad, la destrucción y lo misterioso.
- Además de lo onírico, representación de toda clase de simbologías, especialmente eróticas y
sexuales.
- Toca todos los estilos: clásico, barroco, ingenuismo, futurismo, etc.
- Creación en el cuadro de juegos perceptivos e ilusionísticos.
- Ejecución pictórica minuciosa con gran cuidado del dibujo y la figura (Dalí).
- Utilización del claroscuro y del color modelado.
- Invención de nuevos métodos y técnicas: pintura automática, frottage (frotar con un lápiz en
un papel sobre una superficie rugosa o con relieve) y grattage.
-Exclusión de todo control ejercido por la razón y al margen de cualquier preocupación estética
o moral.
-Para escribir un texto o poema surrealista hay que colocarse en el estado más pasivo o
receptivo posible, hacer abstracción del genio y de los talentos, escribir velozmente y sin tema
previo con la rapidez necesaria que impida recordar lo escrito o caer en la tentación de
releerlo... La idea es que la consciencia no intervenga y que el proceso de trascripción sea
“automático”. El artista ya no pinta soñando sino que sueña pintando, dentro de un tiempo tan
concreto como el del inconsciente, el de los sueños. La palabra, dentro del surrealismo, no se
propone desarrollar una tesis, es desinteresada al máximo. Para el surrealismo se vuelve licito
denominar poema al resultado obtenido por la reunión, lo mas gratuita posible, (conservando si
se quiere la sintaxis) de títulos y fragmentos recortados de los periódicos.
- El surrealismo actúa sobre el espíritu al modo que los estupefacientes, crea un cierto estado
de necesidad. El surrealismo se presenta como un vicio nuevo.
- Las imágenes surrealistas no son evocadas voluntariamente por el hombre, sino que se le
presentan de un modo espontáneo y despótico.
- El espíritu que se sumerge en el surrealismo revive con exaltación lo mejor de su infancia, sin
las restricciones de uno mismo, con el surrealismo parece probable que se retomen esas
perspectivas.
- El inconsciente es la dimensión misma del arte, es la región en la que el ser humano no
objetiva la realidad, sino que se funde en ella; y el arte no es representación sino comunicación
vital biopsíquica.
- Es proclamado extremista y revolucionario, pero una teoría del inconsciente no puede
vincularse con una ideología, su actitud es únicamente subversiva.
- Existen ciertos técnicas que se relacionan a la experiencia surrealista:
Automatismo que significa no trabajar sobre la continuidad del tiempo, la escritura de los
sueños en el arte tiene una enorme importancia la experiencia de los sueños, cadáver exquisito,
por el cual un papel era plegado y cada persona escribía algo sin conocimiento de una línea
lógica, experiencias con drogas y sexuales (exaltación de la orgía), y el dandysmo que
significaba vivir la noche. Desde el punto de vista técnico, acepta cualquier medio siempre que
no constituya un problema y sea únicamente un mecanismo de realización de una imagen.

Influencias
En pintura, el surrealismo se encuentra influido por el movimiento dada.

-No habría existido un Piccasso surrealista, sin el piccasso cubista, pero sin el piccasso
surrealista no habría existido el piccasso historiador y político de Guernica, Massacre en corea o
las alegorías de la guerra y la paz.

Artistas Yves Tanguy (1900-1955), Rene Magritte (1898-1967), Max Erns (1891-1976), Paul
Delvaux (1897-1994), Marc Chagall (1887-1985). En España destacan: Oscar Domínguez
(1906-1987) y Salvador Dalí (1904-1989).

.Lowe caracteriza a la imagen surrealista en relación a su posibilidad de trascender todo

reconocimiento, “pues todo reconocimiento es un re-conocimiento que nos hace volver a lo
ordinario. Intenta, en cambio, provocar un choque inesperado de cognición. Por consiguiente, la
imagen surrealista no puede tener conexión temporal ni espacial. Es decir, no puede depender
de ningún llamado de memoria, ni de esperanza de anticipación, ni de familiaridad, ni de
similitud de espacio. En cambio, subraya lo onírico, lo absurdo, todo lo que no es racional o
esperado. Por tanto la imagen surrealista es momentánea, inestable. La fuerza misma de la
imagen surrealista es su efervescencia y su vulnerabilidad”. Lowe destaca la condición de
«multiperspectividad» del surrealismo, tanto en la pintura como en la literatura.

CUBISMO
El cubismo es un estilo pictórico que fue creado conjuntamente por Braque y Piccasso en
el periodo de 1907 a 1914 y que rápidamente fue adoptado y adaptado por muchos otros
artistas. Surge así un amplio movimiento artístico que, si bien está originalmente centrado
en París, será de ámbito internacional.
 El cubismo es la más radical y revolucionaria forma de representación desde el
Renacimiento, pues abandona el punto de vista único y fijo que dominó la pintura europea
durante siglos por una multiplicidad de puntos de vista que, simultáneamente, representan
los objetos y figuras en la misma pintura. Esta nueva forma de representación no es,
evidentemente, de imitación, sino de concepción, es decir que aborda la realidad, no bajo
aspectos visuales como hace el impresionismo o el fauvismo, sino bajo aspectos
intelectuales (de carácter intuitivo). Estos nuevos pintores no imitan más la naturaleza, y
evitan con cuidado la representación de escenas naturales observadas y reconstruidas por
el estudio. El artista lo sacrifica todo a las necesidades de una naturaleza superior que el da
por supuesta sin descubrirla, estos pintores procuraran a sus admiradores sensaciones
artísticas que se deberán únicamente a la armonía de las luces sin igual. Es un arte
enteramente nuevo, será pintura pura. Lo que diferencia al cubismo de la pintura antigua es
que no se trata de un arte de imitación sino un arte concepción que tiende a elevarse hasta
la creación. La pintura comienza a alejarse de la tarea de dar cuenta de una cierta
realidad. Fue Rousseau el que hizo tabla rasa de todas las técnicas de representación
tradicionales (perspectiva, relieve, relación de tonalidades) y condujo la pintura al grado
cero.

La denominación se debe al crítico Louis Vauxcelles quien bautizó "cubistas" a los artistas de
esta tendencia en 1909.
La presentación pública del cubismo, como movimiento pictórico, tuvo lugar en 1910.

Características:
- Búsqueda de un nuevo concepto de espacio plástico basado en la bidimensionalidad de la sup.
pictórica y lo representado en ella.
- Rechazo de la figuración imitativa de la naturaleza.
- Concepción formal basada en la recreación intelectual e intuitiva de las cosas.
- Fragmentación de las formas y del espacio en planos interrelacionados por el color y las
líneas.
- Representación simultánea de los objetos (los objetos son representados desde varios puntos
de vista, e incluso en diversos momentos del tiempo).
- Perspectivas del objeto diferentes y superpuestas con penetraciones de unas partes en otras.
- Ausencia de profundidad espacial.
- Líneas y planos refractados y representados en negativo-positivo.
- Creación de transparencias.
- Austeridad cromática.
- Sombreado arbitrario.
- Principalmente obras centradas en el bodegón y el retrato.

-ejemplo: en la pintura de Cezzane los objetos están descompuestos y vueltos a tejer.

Fases: En este movimiento es posible distinguir dos fases:

- El, de los inicios a 1911, representado por Piccasso y Braque, donde el objetivo era hacer del
cuadro una forma-objeto que tuviera su propia realidad autónoma y su propia función
especifica, ya no hay que preguntarse que representa sino como funciona. Las similitudes entre
las obras de Piccasso y Braque son: la no distinción entre imagen y fondo, la descomposición de
los objetos y del espacio, la superposición y yuxtaposición de varias vistas desde diferentes
ángulos con la intención de presentar los objetos como son, la absoluta unidad
espacio/temporal donde el mismo objeto aparece en distintos puntos del espacio, la
identificación de la luz con los planos cromáticos resultantes de la descomposición, la búsqueda
de nuevos medios técnicos. El cuadro será mas eficaz cuanto menos reconocibles sean los
objetos y causen mayor sorpresa en el espectador, y, el color viene dado por su calidad de
materia, (+ arena) y se incluyo una innovación técnica, el collage con la inclusión de tela y
papel.
Delunay critico al cubismo por no tener una suficiente carga revolucionaria.
-y el cubismo sintético, de 1912 a 1914 (representado, sobre todo, por Léger y Gris). Gris: la
síntesis se lleva a cabo por el elemento luz.Léger: cubismo de aspecto iconográfico decorativo.
Para Léger son símbolos emblemáticos de la civilización moderna, los engranajes, tubos,
maquinas, obreros.

-De a poco el cubismo va perdiendo su carga revolucionaria y con el surgimiento del purismo en
Italia hay un llamamiento al orden general, al orden clásico, “existe un espíritu nuevo y ya no
es tiempo de revoluciones”.

Fuentes del cubismo Dos fuentes fueron de gran importancia en la génesis del cubismo:
- El planteamiento de simplificación y geometrización de las formas iniciado por Cezzane en el
posimpresionismo
- El arte primitivo, especialmente la escultura africana, con su distorsión expresiva de las
formas libre de inhibición.

Artistas
Pablo Piccasso (1881-1973), George Braque (1882-1963), Juan Gris (1887-1927).
Otros artistas: Fernand Léger (1881-1955), Robert Delaunay (1885-1941).

NEOPLASTICISMO / Movimiento "De Stijl"

Surge en Holanda en 1917.
El neoplasticismo o movimiento De Stijl (El Estilo) propugna una estética renovadora basada en
la depuración formal.
El planteamiento básico de este movimiento queda perfectamente claro en la frase
programática de uno de sus creadores, Doesburg, que dijo:
"Desnudemos a la naturaleza de todas sus formas y sólo quedará el estilo."
"De Stijl" fue un movimiento integrador de las distintas artes (arquitectura, diseño
industrial, artes plásticas) que buscaba una total renovación estética del entorno humano
basada en unos valores plásticos nuevos, universales y más puros.
Sus planteamientos fueron expuestos en 1918 en el "Primer manifiesto" del movimiento.
Piet Mondrian fue quien formuló las bases teóricas de la nueva estética y que
posteriormente denominaría "Neoplasticismo".

Características
- Búsqueda de la renovación estética y de la configuración de un nuevo orden armónico de valor
universal.
- Depuración de las formas hasta llegar a sus componentes fundamentales: líneas, planos y
cubos.
- Planteamiento totalmente racionalista.
- Estructuración a base de una armonía de líneas y masas coloreadas rectangulares de diversa
proporción, siempre verticales, horizontales o formando ángulos rectos.
- Creación de ritmos asimétricos, pero con gran sentido del equilibrio.
- Colores planos, de carácter saturado (primarios: amarillo, azul, rojo) o tonal (blanco, negro y
grises).
- Empleo de fondos claros.
- Hay dos misiones para el artista: crear la obra de arte puramente plástica y ayudar al público
a comprender la estética del arte plástico puro. Los artistas deben hablar un lenguaje universal.
-Hay una conciencia vieja y una nueva de la época. La vieja está orientada hacia lo individual.
La nueva está dirigida hacia lo universal.
-La palabra ha muerto, la palabra es impotente, esas frases puestas una atrás de la otra son
incapaces de expresar las experiencias colectivas de nuestros tiempos. Nosotros queremos dar
un nuevo significado y un nuevo poder expresivo a la palabra, usando todos los medios que
están a nuestro alcance: sintaxis, prosodia, tipografía, aritmética, ortografía. El escritor no
describirá en absoluto, solo escribirá.
-establecer relación entre artista, publico, y amantes del arte, dejar hablar al artista de su
propio trabajo.
-La obra de arte moderna no nace de teorías asumidas a priori, los principios se originan en el
trabajo plástico.
Influencias Los planteamientos teosóficos de M. H. J. Schoenmackers.
Artistas Piet Mondrian (1872-19440) (influenciado por schoenmaekers y la teosofía), Theo Van
Doesburg (1883-1931), Van Doesburg, Bart van der Leck, el pintor Vilmos Huszár,
el escultor Georges Vantongerloo y los arquitectos Jacobus Johannes Pieter Oud
y Gerrit Thomas Rietveld,

Vanguardias rusas
Durante las primeras décadas del siglo s.f., la Rusia imperial —que pronto iba a convertirse en
Unión Soviética—, experimentó una profunda transformación de su sociedad. En ese periodo de
convulsión política y cultural, de ruptura con la concepción positivista del mundo propia del siglo
sex, tuvo lugar un importante renacimiento cultural que se manifestó tanto en las artes visuales
como en la literatura y las artes escénicas.

Una serie de poetas y pintores, con una postura abiertamente radical, apostaron entonces por
un lenguaje totalmente innovador con el que querían abrir el camino a un mundo nuevo. La
vida artística rusa se llenó de exposiciones programáticas, encendidos manifiestos y
declaraciones teóricas, al tiempo que se sucedían numerosos movimientos de vanguardia, entre
ellos algunos derivados de la nueva Rusia revolucionaria, como el suprematismo o el
constructivismo.

Suprematismo y Constructivismo: Estas dos nuevas corrientes de arte abstracto fueron de

inmediato adoptadas por numerosos artistas jóvenes que intentaron encontrar un punto de
equilibrio entre las dos.

EL CONSTRUCTIVISMO
-En 1914 Tatlin había expuesto por primera vez sus contrarrelieves que daban comienzo al
constructivismo. A él se uniría inmediatamente Ródchenko, quien acabó siendo el principal rival
de Malévich (suprematismo). Años después, en 1919, en homenaje a la Revolución, Tatlin
expuso una gran maqueta de un edificio utópico que nunca llegó a construirse.

-El movimiento aparece en Europa en torno a 1920. El término original describe el estilo que se
origino en los años de la formación de la Unión Soviética. Después de la revolución de 1917 se
produce una reestructuración de la sociedad y los creadores son llamados a participar en ella
como "artistas ingenieros".

Características
-Para los constructivistas, la acción artística es una acción de gobierno y se concreta en la
planificación urbanística, la proyección arquitectónica y el diseño industrial. Respecto de las
técnicas industriales, las posibilidades son ilimitadas para los artistas. El arte penetra en la vida
social, en la sociedad. El arte industrial es un arte popular.
-Defendía un lenguaje abstracto, pero a través de la búsqueda del principio constructivo,
arquitectónico, dentro de los límites de la superficie plana del cuadro.
-El constructivismo no es radicalmente distinto al suprematismo pero pretende intervenir la
situación existente (programa completo de acción política) El arte debe estar al servicio de la
revolución, y se han de fabricar cosas para la vida del pueblo. Los constructivistas querían dar
al pueblo la sensación visual de la revolución. El arte ya no puede ser representativo, será
informativo, visualizara la historia que se esta haciendo.
-No se trata de una exteriorización artística y subjetiva sino del desarrollo de una forma de
representación dirigida a procesos sociales colectivos y un nuevo lenguaje formal fue
desarrollado para lograrlo: elementos geométricos, claridad técnica y construcciones
arquitectónicas producen imágenes de gran armonía y dinamismo.
-Bajo el constructivismo se crearon muchos de los trabajos tipográficos que hoy nos parecen
rígidos y pesados. Los textos empezaron a justificarse a derecha y a izquierda en mayúsculas
buscando el contraste de las formas mediante los efectos positivos y negativos, barras, líneas,
etc. Durante este periodo se crearon numerosos alfabetos experimentales que no fueron
apropiados por su claridad conceptual para su producción masiva.
-Ya no hay artes > ni <, en cuanto a forma visible una silla no es distinta que una escultura, y
la escultura debe ser tan funcional como una silla. Una pintura y una escultura son también
construcción y la arquitectura tiene que ser funcional y visual.
-Las formas constructivistas son empleadas en todas las áreas del arte, arquitectura y diseño.
En la Unión Soviética el auge del constructivismo fue de corta duración. Los dirigentes políticos
consideraron que el lenguaje artístico abstracto y formalista no servia para sus propósitos de
propaganda y prefirieron la idealizada descripción de gente feliz y fuerte.
El constructivismo fue atacado desde el poder oficial y proscrito como una desviación del
correcto camino proletario, pero rápidamente se extendió a Europa. (En Holanda surgió el
movimiento De Stijl (Piet Mondrian) También en Hungría, Checoslovaquia, Polonia y Yugoslavia
hubo importantes corrientes constructivistas). Asimismo, en Alemania se manifestó en la
Bauhaus una sólida orientación constructivista tras un inicio más bien místico.

SUPREMATISMO
Movimiento de vanguardia ideológico y revolucionario. Surge en Rusia con la obra y teorías del
pintor Kasimir Malevitch. En 1915 tuvo lugar la presentación del suprematismo, la primera
manifestación de esta tendencia, cuando Malévich, su principal teórico, mostró por primera vez
el conjunto programático del sistema plástico del suprematismo: el Cuadrado negro ("Cuadrado
negro sobre fondo blanco"), el Círculo negro y la Cruz negra.
El término de "suprematismo" es usado por primera vez por Malevich en su manifiesto de 1915.
"El suprematismo o el mundo de la no representación".
Malevich abandonó la figuración para postular un arte basado en la supremacía absoluta de la
sensibilidad plástica pura por encima de todo descriptivismo naturalista y libre de todo fin social
o materialista.
Su búsqueda de un arte no objetivo culminó en la total anulación del "Cuadrado blanco sobre
fondo blanco". Esta obra, en palabras del propio Malevich, "no era tanto un cuadro vacío, un
icono desnudo enmarcado, sino la percepción de lo no objetivo".
El suprematismo, junto con la obra de Kandinsky y el neoplasticismo, está considerado como
uno de los principales logros de la abstracción.

Características
-El suprematismo, un arte dominado por el ideal absoluto, daba definitivamente la espalda al
objeto y propugnaba la reducción de la forma a cero.
- Abstracción geométrica basada en la "pura no-objetividad", es decir no extraída de la
reducción expresiva del mundo objetivo o del yo interior del artista.
- Supremacía de la sensibilidad plástica pura, en las artes figurativas, por encima de todo fin
materialista, práctico, social, descriptivo o ilusionístico. El valor autentico de una obra de arte
consiste exclusivamente en la sensibilidad expresada. El arte del pasado debe renacer a una
vida nueva en el arte puro del suprematismo y debe construir un mundo nuevo, el mundo de la
sensibilidad.
- Sujección a la bidimensionalidad propia de la tela que tiende a identificarse con el mundo.
- Diversas estructuraciones compositivas:
- Estructuraciones complejas, de carácter asimétrico, a base de líneas y formas trapezoidales en
variación constante (distintos tamaños y colores), generalmente ordenadas en relación con
diagonales, de manera que transmiten una gran sensación dinámica (esta estructuración es
característica de la mayoría de pinturas realizadas entre 1914 y 1917)
- Estructuraciones sencillas a base de formas geométricas puras y absolutas (círculo, cuadrado,
rectángulo, triángulo y cruz) de manera independiente o conjugadas y ocupando gran parte de
la superficie del cuadro.
- Empleo de colores planos contrastantes, en general primarios y también gamas intermedias,
sin dejar de incluir nunca el blanco y el negro.
- Predominio de fondos neutros, generalmente el blanco.
- Ausencia total del color en obras de la última etapa (como en "Cuadrado blanco sobre fondo
blanco"), para evitar influir en la percepción objetiva del espectador.
-nuevo concepto espacial, el infinito.
-El cuadro es un medio para comunicar el estado de equilibrio entre un sujeto y un objeto. La
verdadera revolución no es la sustitución de una concepción del mundo superada por una
nueva, sino un mundo vacío de objetos, de nociones, de pasado y de futuro, cambio radical en
donde el objeto y el sujeto son reducidos al grado cero. El cuadro no es un objeto sino un
instrumento mental, una estructura, un signo que define la existencia como una ecuación
absoluta entre el mundo interior y el exterior.

Artistas Kasimir Malévich (1878-1935). Entre otros seguidores del suprematismo destaca la
obra de la pintora Nina Kogan.

Argan, la época de la funcionalidad

La primera guerra mundial provoco un aceleramiento generalizado del desarrollo
industrial tanto en cantidad como en progreso tecnológico. Es reflejo de esto el
aumento de las poblaciones urbanas. La clase obrera adquiere un peso político
decisivo, en el arte estamos frente a movimientos de vanguardia, y la burguesía
profesional se esta transformando en una clase de técnicos dirigentes.

La estructura de la ciudad no era capas de responder a las exigencias sociales.

Estamos hablando de un problema urbanístico que es ahora una urgencia. La
ciudad en sus diferentes aspectos:
..Aspecto funcional: la ciudad es un organismo productivo en el que debe
desarrollarse una fuerza de trabajo determinada.
..Aspecto psicológico: La ciudad es insalubre por las fábricas y por la densidad de
población y es un ámbito opresivo y psicológicamente alienante.
..Aspecto político: Para “utilizar” la ciudad hay que sacarla de las manos de quien la
explota para su propio beneficio.
..Aspecto tecnológico: La tecnología industrial ha reemplazado a la técnica artesanal y
se plantea a aquella como única solución al problema urbanístico.

-El arquitecto ha de proyectar el espacio urbano.

-La arquitectura moderna se desarrollo sobre las bases de algunos principios

generales,
La importancia de la planificación urbanística por sobre la proyección arquitectónica
La máxima economía del uso del suelo (gran densidad de población)
La racionalidad rigurosa de las formas arquitectónicas
Recurso a la técnica industrial (sistemática), estandarización, fabricación en serie,
etc. (diseño industrial)

-Le Corbusier: (racionalismo formal)

Plantea una coherencia en su política de urbanismo y de la arquitectura. Tiene el
deber de facilitar a la sociedad una condición natural y racional de existencia pero
sin detener el desarrollo tecnológico pues el destino natural de la sociedad es el
progreso. No tiene por que haber contraste entre el objeto edificio y el objeto
naturaleza, entre la cosa y el espacio.
Todo se resuelve en la claridad de la forma (justa) Racionalismo metodológico
dinámico.
-Alemania
Racionalismo político con la exaltación excesiva de la nación, de la misión de dominio.
Los intelectuales proponen un racionalismo crítico que resuelva las
contradicciones por el camino de la lógica. Hay una conciencia del desastre y un
renacimiento de ideas.
Gropius es el firme sostenedor de una idea, de un programa, de un método.
En 1919, funda y dirige una escuela ejemplar, la primera escuela democrática.
Gropius no cree en la universalidad del arte y por ello convoca a su alrededor en la
bauhaus de Weimar a los artistas más avanzados: Kandinsky, Klee, Albers,
Moholy-Nagy, Feininger, Itten. Logra su colaboración, los convence de que el
lugar del artista es la escuela y de que su tarea social es la enseñanza. La bauhaus
fue una escuela democrática, se basaba en el principio de la colaboración, de la
búsqueda común entre maestros y alumnos. Se basaba en el concepto de que una
sociedad democrática orienta y organiza su propio progreso.
Bauhaus significa casa de la construcción. Un solo método de construcción y de
proyección ha de determinar la forma racional de todo lo que se utiliza. Dado que
todo es o será producido por la industria, el problema se reduce a proyectar para
la industria. El plano regulador de la gran ciudad es tan diseño industrial como lo
es el proyecto de una cuchara. Es el dinamismo de la función lo que determina no
solo la forma sino también la topología de los edificios.
La comunicación era precepto, norma, orden. La sociedad democrática tiene solo
funciones y todas son igualmente necesarias, toda ella esta formada por
comunicaciones. La concepción de la ciudad como sistema de comunicación esta
ya presente en la teoría y en la dialéctica de la Bauhaus. El trazado de la ciudad,
las formas de los edificios, vehículos, muebles, objetos, ropa, publicidad, marcas,
envoltorios de las mercancías, todo ello es comunicación.
La Bauhaus precisa el principio de la forma estándar, que desde el punto de vista
técnico es fundamental para la producción mecánica en serie y desde el punto de
vista sociológico implica un acuerdo entre los consumidores. En la bauhaus
predomina una tendencia a geometrizar las formas. El arte es una forma de
pensamiento. La bauhaus tenía una actitud racionalista.
Proyectar el espacio significa proyectar la existencia y no hay existencia consciente
que de alguna manera no haya sido proyectada. No se separa nunca su trabajo
personal del trabajo del grupo.
Van Der Rohe racionalismo idealista, rascacielos, edificios a lo alto o al ras de la
tierra.
Breuer: nueva tipología, tecnología y nueva funcionalidad del mueble. Los mubles no
pueden ser demasiado grandes, pesados. El mueble ha dejado de ser un
monumento domestico para convertirse en un objeto útil, manejable, simpático.
- Segmento y junta.
- La construcción consiste en modificar las condiciones ambientales. (la const. Modif.
El ambiente)

Pintura y escultura:
- A partir del expresionismo el arte deja de ser una representación del mundo para
pasar a ser una acción que se realiza.
-En la época del funcionalismo (1910 hasta la segunda guerra) varias corrientes
tratan de definir la relación entre funcionamiento interno y función social de la
obra de arte.
Los artistas quieren contribuir a la creación de una sociedad funcional.
Se introducen en un proceso de organización democrática de la sociedad en la lucha
de las fuerzas progresistas contra las fuerzas conservadoras. A su vez el
capitalismo trata de reforzar la separación entre clase dirigente y clase
trabajadora, la postura ideológica de los artistas es contraria a la de la burguesía
capitalista.
Con la llegada de la industria y la crisis del artesanado el trabajador pierde toda
capacidad de iniciativa y de decisión:
Trabajo reiterativo / No libre / No creativo / No renueva la realidad
Marx denomina a esta situación de extrañamiento de la realidad alienacion.
El artista quiere proporcionar una modelo de trabajo creativo intentando demostrar
cual puede ser el valor del individuo y de su actividad dentro de la unidad
funcional del cuerpo social.
Para que este modelo de trabajo pudiera funcionar había que insertarlo en el contexto
de la función real de la sociedad. Entonces se trata de reformar en su estructura el
funcionamiento interno (proceso genético de la operación artística) para poder
proponerla como modelo de función: a la obra de arte no se le reconoce un valor
en si sino como demostración de un procedimiento operativo ejemplar que
renueva la experiencia de la realidad.
En este periodo se lleva a cabo la transformación del sistema o estructura del arte de
representativa a funcional.
..El arte como modelo de operación creativa contribuye a transformar las condiciones
por las cuales la actividad industrial resulta alienante.
..el arte compensa la alienacion proporcionando la alienacion de energías creativas al
margen de la función industrial.
..Afirmación de la absoluta irreductibilidad del arte al sistema cultural vigente y su
inactualidad o incluso su imposibilidad de supervivencia.
De las dos primeras hipótesis nazcan los movimientos de carácter constructivista:
cubismo, suprematismo y constructivismo rusos y De Stijl. Y parten de la tercera
tesis la metafísica, el dadaísmo y el surrealismo.

-Der Blaue Reiter (el caballero azul) fundado por Kandinsky en 1911. Movimiento
reducido y restringido con una orientación decididamente espiritualista. Su
objetivo es apoyar todas las tendencias a través de las cuales la esfera del arte se
distingue de la naturaleza y la determinación de las formas artísticas depende
exclusivamente de los impulsos interiores del sujeto.
..Las ideas no son revolucionarias
..Tendencia simbolista y espiritualista.

-Texto de Kandinsky lo espiritual en el arte. “toda la forma tiene un contenido propio,

intrínseco, se trata de un contenido-fuerza, una capacidad de actuar en cuanto
estimulo psicológico”.
Un triangulo suscita movimientos espirituales distintos a los de un circulo. Las formas
tienen un contenido semántica. también los colores son formas. Amarillo=/azul.
La forma se vincula con el color.
Lo espiritual es lo no racional. Triangulo, cuadrado, circulo…son imágenes
conceptuales que se convierten en fenómenos en cuanto aparecen en ese tamaño,
ese color, ese punto del cuadro, en esa relación con los demás signos.

ESCUELA DE LA BAUHAUS
Fue una escuela interdisciplinaria con talleres de experimentación sobre diversidad de
materiales, reformulaba la teoría educativa, fusionando las distintas artes. En la Bauhaus
predominaba el racionalismo, la estética de las formas geométricas, así como la
funcionalidad, utilidad y eficiencia a bajo costo.
Sus propuestas y declaraciones de intenciones participaban de la idea de una
necesaria reforma de las enseñanzas artísticas como base para una consiguiente
transformación de la sociedad de la época, de acuerdo con la ideología socialista
de su fundador.
La Bauhaus sentó las bases normativas y patrones de lo que hoy conocemos como
diseño industrial y gráfico.
Para Gropius, la manufactura era una actividad social importante, simbólica e intelectual y fue
esa visión la que dominó las enseñanzas de la Bauhaus. El plan de estudios incluía un curso
preliminar en el que los estudiantes aprendían los principios básicos del diseño y de la teoría del
color. Al acabar este curso, los alumnos entraban en uno de los talleres situados en dos edificios
y se especializaban al menos en un tipo de oficio artesanal.

El alumno se enfrentaba al problema de composición tal como si fuera un problema espiritual (a

raíz de las ideas de Kandinsky sobre lo espiritual en el arte), pero buscando el impacto masivo
del diseño para llegar óptimamente al pueblo alemán; por tanto, el campo de investigación era
amplio, incorporando áreas de estudio como la ergonomía, con lo cual se ideaban diseños que
contemplan en su forma la anatomía del cuerpo.
<<Kandinsky se suma a la Escuela Bauhaus, donde todas las artes se unifican, sin distancia entre arte y artesanía. Los
pintores, escultores y arquitectos codifican los medios de expresión plástica para establecer un método de enseñanza
artística en la que predomina la funcionalidad, el racionalismo en el arte (geometría, matemáticas, tecnología...) y el
diseño como medio de creación artística. Kandinsky fue profesor de esta corriente. Él, que había estudiado las
artesanías rusas, se convirtió luego en profesor de la Bauhaus en Moscú, enseñanzas que compartió con otro genio,
Paul Klee. El arte popular ruso tenía en su tradición la abstracción de figuras, la estilización extrema y, por supuesto, la
valorización del icono.
En sus cuadros aparece la concepción Teosófica, como unificación del arte. Hacer simbología de las formas, lo plasma
en sus cuadros sobre el Apocalipsis. El Kandinsky de esta época escribe un conocido libro: "De lo espiritual en el Arte"
en que unificar es un primer paso, luego codificar, y finalmente difundir a través de la enseñanza para que al acceder a
los códigos las personas que contemplen un cuadro puedan sentir las mismas emociones que el artista. Es la búsqueda
del Arte Total. Formas, colores, sonidos, olores, todas las manifestaciones componiendo la danza de lo único. Muchos
consideraron esto como un delirio místico, pero Kandinsky se preocupó de demostrar, la relación entre Arte y Ciencia.
La Geometría constituyó uno de sus mejores medios de expresión para este fin. >>
-Con la convicción de que la sociedad mejoraría con la aplicación del funcionalismo, los diseños
de la Bauhaus se concebían para la producción industrial adoptando deliberadamente la estética
de la máquina.
Este pionero enfoque funcionalista ejerció un impacto fundamental en la práctica posterior del
diseño industrial y proporcionó los cimientos filosóficos del movimiento moderno.
La Bauhaus tuvo serios problemas políticos, fue perseguida por su sistema socialista de
enseñanza, sus extravagantes métodos y por albergar alumnos comunistas, por lo cual debió
mudar de ciudad varias veces y conseguir apoyos extranjeros.
Entre sus maestros destacan Johannes Itten, Josef Albers, László Moholy-Nagy, Ludwig Mies
van der Rohe y Marcel Breuer.

Primera época (1919-1923)

En el momento de su fundación, los objetivos de la escuela, definidos por Walter Gropius en un
manifiesto fueron: "La recuperación de los oficios artesanales en una actividad constructiva,
elevar la actividad artesana al mismo nivel que las Bellas Artes e intentar comercializar los
productos que, integrados en la producción industrial, se convertirían en objetos de consumo
asequibles para el gran público". La escuela abrió sus puertas, a pesar de numerosas
dificultades económicas, en los locales de la antigua Escuela de Artes y Oficios. Gropius quiso
desde el principio que profesores y alumnos constituyeran una comunidad de convivencia que
fuese un ejemplo para el resto de la sociedad.

Entre los años 1919 y 1924 Gropius contrató a Feininger, Itten, Muche, Schlemmer, Paul Klee,
Kandinsky y Moholy-Nagy. También integraron el equipo docente artesanos, como maestros de
taller, los cuales tenían un sueldo similar por su trabajo que los artistas. Los estudiantes, de
esta forma, recibían el estímulo mental de los artistas y la pericia técnica de los artesanos. En
los primeros tiempos, no había clases de arquitectura, pero sí de construcción y dibujo
arquitectónico.
Los estudiantes, en general, se encontraban a gusto y apoyaban a su director, conscientes de
todas las dificultades económicas a las que Gropius tenía que hacer frente.

Entre los primeros estudiantes se encuentra Breuer y Schmidt, que alcanzaron cierto éxito. Los
estudiantes se mostraban flexibles y dispuestos a hacer todo tipo de trabajos, por tanto salían
de la escuela bien formados, sabiendo dibujar, modelar, fotografiar o diseñar muebles. La
escuela disponía de talleres de ebanistería, diseño, teatro, cerámica, tejido, encuadernación,
vidriería. Pero no de pintura y escultura en el sentido tradicional.

Paul Klee llegó a la escuela en 1920. Persona muy culta (pintor) Su enseñanza se basaba en las
formas elementales, de las que, según él, se derivaban todas las demás. El arte debía descubrir
esas formas, desvelarlas, hacerlas visibles.

En 1922 Kandinsky se incorpora al proyecto. Había participado en las reformas educativas en la

época de la revolución rusa, fundando en la Unión Soviética varias escuelas. Durante ese
tiempo mantuvo correspondencia con Gropius. Cuando la revolución rusa empezó a sufrir
dificultades y comenzaron las disputas y purgas políticas, Kandinsky decidió trasladarse a la
Bauhaus. Su prestigio, tras la publicación de De lo espiritual en el arte en 1911 y sus primeras
obras abstractas de 1910, era por entonces ya muy grande. Sustituyó a Schlemmer en el taller
de pintura mural y dio clases con Klee en el curso de diseño básico. Su mente teórica fue
decisiva para iniciar el camino hacia un arte más intelectual y razonado.

Esta primera etapa de la Bauhaus se puede sintetizar como una fase de experimentación de
formas, productos y diseños y por lo tanto, también de educadores del diseño.

Segunda época (1923-1925)

En 1923 Van Doesburg, fundador en Holanda del Neoplasticismo, pintor, arquitecto y teórico,
comienza a publicar la revista De Stijl, ejerciendo una influencia decisiva en los estudiantes y en
Gropius que acabaría llevando a la escuela a tomar otro rumbo. A partir de 1923 se sustituye la
tendencia expresionista por la Nueva Objetividad, un estilo de pintura mucho más sobrio que se
estaba imponiendo en Alemania. La incorporación a la Bauhaus de Moholy-Nagy, un artista muy
cercano a Van Doesburg, supuso la introducción en la escuela de las ideas del constructivismo
ruso de Tatlin, que con un arte basado en la idea y no en la inspiración.

Tercera época (1925-1929)

En 1928 Moholy-Nagy tras cinco años de docente, abandona la Bauhaus ante la creciente
presión que ejerce el grupo de docentes y alumnos de tendencia comunista.

-La Bauhaus fue también un gran experimento vital de una pequeña comunidad de jóvenes
(1.400 aprox) que, tras la quiebra del viejo orden y la traumática experiencia de la recién
acabada Primera Guerra Mundial, se lanzó llena de entusiasmo a la construcción de una utopía
social, de nuevas formas de convivencia. Se llevaron a cabo legendarias fiestas que tenían una
doble intención: por un lado fomentar el contacto entre la escuela y la población para aplacar
los recelos que generaba la institución en la población y, por otro, propiciar el trabajo en equipo
y de cooperación y servir de catarsis ante las tensiones y conflictos que se originaban en la
Bauhaus como resultado de la estrecha vinculación entre trabajo y vida privada.

Kitsch
Concepto que parte de una investigación que realiza Abraham Moles en los 60s franceses. ES
un concepto universal, familiar, que corresponde a una función de confort sobreañadida a las
funciones tradicionales. (Nada esta de mas). La palabra kitsch no tiene una traducción directa,
“hacer muebles nuevos de muebles viejos” o “hacer pasar gato por liebre”. Tiene que ver con la
baratija. Sus periodos de prosperidad están relacionados con una situación social, el acceso a la
abundancia, es pues, un fenómeno social universal. Es un fenómeno connotativo, intuitivo y
sutil, es uno de los tipos de relación que mantiene el hombre con la cosa, un modo de ser, una
actitud mas que un objeto o un estilo. Es un estado del espíritu que se cristaliza en los objetos.
El kitsch no es un recorte del arte, no es un arte, es una relación con los objetos. Todo puede
ser soporte del kitsch. El objeto K es sólido, heredable.

El mundo burgués y las cosas:

Las relaciones del individuo con su medio social, pasan fundamentalmente por los objetos y
productos.
Cultura: ambiente artificial que crea el hombre por medio del cuerpo social. Incluye todo un
inventario de objetos y de servicios que son producto del H y en los cuales el H se refleja.
Naturaleza: ya no es natural, es producto de un artificio.
El otro: (agente de servicios, obrero anónimo). Ha sufrido una mutación, es un ser extraño del
cual me siento extranjero.
El H conoce la sociedad por el contacto con los productos fabricados que ocupan el lugar de la
naturaleza.
En el campo de la cultura conviene distinguir:
-Mundo de utensilios (transformación activa de la naturaleza y su artificialización)
-Mundo de signos (incluye lo que el s XIX llamaba artes, ciencias, lenguajes)
-Mundo de objetos (portadores de signos y de valores de la vida cotidiana)

Respecto de las relaciones de H con la esfera cultural:

-Homo faber: constructor de utensilios y signos para liberarse de las condiciones impuestas por
la naturaleza.
-Artesano: Todavía en el s XIX daba una imagen bastante exacta de el (HF).
-Desde el surgimiento de la gran industria el HF manifestó una tendencia creciente a
descomponer sus actividades en una doble oposición:
Crear introducir al mundo formas que no existían (invención).
Producir Copiar un modelo ya existente cada vez más automático, reproducir indefinidamente
las mismas formas.
Esta eliminación de tareas da provecho al ocio. Valorización de la vida y de la persona.
Se establece otra diferenciación en el modo de vida del individuo:
(Producción) Tarea alienante impuesto temporal aplicado por el contrato social y un tiempo
vacío que hay que llenar, que plantea el problema de una reorganización de todo el sistema
social.
Eliminación del hombre de la fabricación en serie en provecho del ocio o de la creación pura.
(La actividad misma del) Consumo el individuo desarrolla una nueva actividad en su modo de
vida y su relación con el ambiente.
El fenómeno K se basa en una cultura consumidora que…
Produce para consumir
Crea para producir…
En un ciclo cultural donde la idea fundamental es la de aceleración.
El hombre consumidor esta ligado con los elementos materiales de su medio, vinculo que altera
el valor de las todas las cosas.
Modos de relación entre el hombre y su medio material:
-apropiación del objeto
-Fetichismo del objeto. (Colección)
-inserción del objeto en un conjunto. (Decorador)
-esteticismo del objeto. (Amante del arte)
-aceleración consumidora (momento determinado de la vida del objeto, es transitorio)
-alienación posesiva (H prisionero del cascaron de objetos que segrega durante toda su vida)
-La actitud K: modo de relación con los objetos, mezcla de los modos anteriores. Característica
de una forma social que surgió durante SXIX “cultura burguesa”, transformada en sociedad de
masas.

La inserción K en la vida:
Nueva idea de bienes y servicios consumibles.
El mensaje es materializado y consumible. Objeto portador de cultura.
Consumir es la nueva alegría masiva. Es mucho más que el simple hecho de adquirir. Es ejercer
una función que hace desfilar a lo largo de la vida cotidiana un flujo siempre acelerado de
objetos desde la fábrica hasta el tacho de basura, condenados a lo transitorio, a lo provisorio. El
objeto se transforma en producto, y esta es la nueva modalidad K.

Dos grandes periodos del K:

1- Vinculado con la emergencia de la sociedad burguesa. Simbolizada por la gran tienda
vinculada con la manufactura y que elabora un arte de vivir, el cual vivimos todavía.
2- El neokitsch del consumo del objeto como producto. Simbolizado por el mercado de precio
único (y luego supermercado).

Factor psicológico del K:

Dimensión de los objetos (en sus relaciones con el H), que se sobreañade a la funcionalidad
tradicional. (Pinza de azúcar reveladora del nivel social).
K es una función social sobreañadida a la función significativa de uso, que ya no sirve de
soporte sino de pretexto.

El hombrecito:
K es universal, estilo y modo de ser, tendencia permanente vinculada con la inserción en la vida
de cierta cantidad de valores burgueses, el K será también un proceso de producción, una
actitud del artista aplicado, una reverencia al rey consumidor.
El K se vincula con un arte de vivir. El K se adapta a la medida del H, del Hombrecito, es creado
por y para el hombre medio, el ciudadano de la prosperidad.
Dos definiciones:
-las que determinasen al K mediante las propiedades formales de los objetos o de los elementos
del ambiente.
-las que consideran a l K a partir de las relaciones especificas que el H mantiene, como creador
o consumidor, con los objetos.
Hay u K que se relaciona con los objetos de arte y con las relaciones de los objetos en su
ambiente.
Hay un K del arte: obre K, ambiente K (grandes tiendas de antigüedades).
El K es la aceptación social del placer. K vicio oculto.

Definición Kitsch por ejemplificaciones:

Actitud kitsch: Erótica y familiar, agrio y dulce. Agrio cine clase b. (afición por determinado cine
de terror; alien). Dulce como meloso (Ej. enanitos de jardín)
Hay actitudes que pueden participar de más de una categoría.
El K tiene una función pedagógica. Diseñador intermediario.
Creación: introducción al mundo de cosas que no existían.
Reproducción: reproducir un modulo previo.

La topología del consumo kitsch cumple 2 funciones:

1-Discernir lo que es kitsch.
2-Establecer subdivisiones dentro del kitsch, construir zonas.

Para este análisis no basaremos en una serie de principios o grupos de explicación:

1) Principio de inadecuación:
Una desviación en los objetos de su fin nominal. El kitsch apunta siempre de costado. Esta bien
hecho, pero su concepción esta distorsionada, hay una distancia con respecto a la función que
debe cumplir. El objeto esta al mismo tiempo bien y mal ejecutado. (Verlo como un fuera de
foco, esta bien hecho pero no se para que es, alcaucil para huevo pasado por agua, el fin esta
corrido) (¿Juego entre materia y forma picaporte de porcelana?)
2) Principio de Acumulación:
Basado en el frenesí consumista burgués, consistente en amoblar y ocupar todo espacio vacío,
aunque este fenómeno no es exclusivo del kitsch 8el manierismo y el rococó participan del
mismo factor latente). (La porcelana para las arañas, el oro para las camas)
3) Principio de percepción sinestesica:
Relacionado con el anterior, intenta tomar la mayor cantidad posible de canales sensoriales,
simultánea o yuxtapuestamente (botellas de licor musicales, o libros perfumados, por ejemplo).
4) Principio de Mediocridad:
Con este enorme despliegue de objetos el kitsch se queda a mitad camino en la novedad, se
opone a la vanguardia y permanece como un arte de masas propuesto a ellas como sistema.
Facilita al consumidor el acto de absorción.
5) Principio de Confort:
Asociado a la idea de estar a la altura del algo, Pasión por el consumo del objeto, sentido de
pertenencia, soy aquello que tengo. (En ciertos casos implica el uso de mano de obra, como la
mucama, propia de la cultura burguesa).

El K destaca dos funciones:

-La función económico cultural: El kitsch aporta al hombre una función de placer, y una
participación limitada en la extravagancia, le permite gestos de extravagancia, esto tiene que
ver con la moda.
-La función pedagógica: (o educativa) para llegar al buen gusto, es necesario pasar por el mal
gusto en un proceso de depuración sucesiva???. Para reconocer un mueble antiguo, puede
ayudar una copia moderna. El kitsch proporciona placer a la sociedad a la vez que enseña. Es
un sistema estético de comunicación masiva.

De lo ofelimitado como criterio socioestetico:

Ofelimitado es una ética kitsch de la adaptación social. Los productos culturales no importan por
si mismos, sino porque venden, por un principio de comercialización mas que por su contenido
autónomo. En este universo artístico se constituye una “pirámide demográfica de las obras”
(única, copia) en función de su grado de acceso (esfuerzo necesario para acceder a ellas), fotos,
cromos, grabados, estatuas, en ese orden ascendente. Al mismo tiempo hay una pirámide de
necesidades de los burgueses. Llamaremos ofelimitado a la adaptación de las dos curvas (obras
disponibles, y nivel económico del comprador), estableciendo un criterio de adecuación entre la
oferta y la demanda. En resumen, cada estrato de la pirámide tiene un nivel de confort y
satisfacción que le es apropiado. Obra de arte como mercancía estética. El estado social se
reduce esencialmente a la apariencia.
Entonces se establece un doble movimiento:
1) La promoción social, en una flecha orientada hacia la capa social inmediata superior.
2) Las capas inferiores que consumen en forma de “neo” las posesiones de las capas superiores,
y la ascensión al buen gusto a través de filtros se da en función a la educación, el dinero, etc.

Kitsch de las formas y antikitsch: el funcionalismo

1) De la geografía del kitsch
Entre 1889 y 1914, se tiene en una visión del mundo con un centro entre Paris, Londres y
Munich. Mas lejos, hay zonas de conquista y colonia, todas salvajes (se civiliza conquistando).
Los medios de transporte son lentos y cuanto mas lejos, menos civilizado.

La estética floral y el Jugendstil

Hay que decorar la fea realidad industrial con los velos de la decencia burguesa. Cuando
hablamos de kitsch, lo hacemos en general, y en este grupo, el estilo floral es el mas evidente.
Se cubrió con una florescencia “natural” lo producido por el hombre. El arte esta “vinculado a la
naturaleza”. Si lo bello debe preservarse, entonces la naturaleza debe manifestarse en todo
lugar posible, aunque sea en forma de piedra o metal.

Impresionismo, expresionismo y naturalismo

Los artistas intentaran hacer una depuración del kitsch del Jugendstil y su imposición de la
naturaleza sobre la técnica, ya sea mostrando lo humano en sus trabajos, como segregando al
artista de la sociedad. La dialéctica del S XX, entre lo natural y lo artificial, se establece con
Steiner, que separa antroposofía del naturalismo. Rechazo a la línea recta por antinatural, e
influyo en la orientación del siglo y los orígenes del funcionalismo. La idea de pureza penetrara
a través del movimiento naturalista, planteada por el “modern stil” del objeto 1900, propondrá
a la naturaleza como modelo y la construcción de una cultura basada en las formas naturales.
El funcionalismo como antikitsch
El funcionalismo no busca el rechazo a la interacción hombreambiente, pero si una
transacción que lo domine, surgida como una reacción ante la proliferación de lo inútil.
La preocupación estética esta subordinada a la pureza de la relación del hombre y las cosas,
invirtiendo “lo bello es el esplendor de lo verdadero”. Gropius: “la adaptación al fin también es
bella”. Empleo justo de los medios en vista de los fines. Esta actitud se sitúa en el extremo
opuesto al Kitsch, es su contradicción más exacta.
Hacia 1850 se trataron de producir objetos que se adaptaran a las nuevas condiciones del
esfuerzo del hombre, esta orientación se opone al estilo tapicero, este movimiento funcionalista
es por una parte una reacción sociocultural contra el Kitsch y por otra uno de los constituyentes
esenciales que determinaron el estilo de los productos y objetos, su forma y su agrupamiento
en el segundo desarrollo histórico que tendremos que considerar: el Neokitsch.

Los comienzos del funcionalismo

Determinamos las raíces de este movimiento hacia 1870 con el surgimiento de nuevos
materiales que influyeron en la forma misma del objeto de consumo, el utensilio, el objeto
domestico, la casa, etc.
Función es lo que funciona, que se mueve de forma determinada, la relación necesaria entre los
movimientos de un sistema. La teoría de la información habla de economía del costo (del
creador y el usuario) compensada. Las artes fundamentales son entonces las de la arquitectura
y la vida cotidiana, porque su importancia es esencial en la ciudad. Una buena arquitectura
debe, entonces reflejar la vida contemporánea, y esto implica un conocimiento a fondo de los
problemas biológicos, sociales, técnicos y estadísticos.

La integración del equipo de arquitectos.

Gropius sostuvo que los arquitectos trabajaran cada uno por su cuenta, pero en colaboración
mutua, como un microcosmos de la sociedad, vincular todo y no excluir nada.

La idea de escala
La Umwelt sugiere que la escala utilizada por el arquitecto sea la escala humana. “el hombre es
la medida de todas las cosas”.El funcionalismo agrupa 2 tipos de criterios:
1) El pliego de condiciones (relativo a quien utiliza el objeto)
2) La economía de los medios (para quien lo crea)

Los métodos del funcionalismo

Resultan de las consideraciones expuestas sobre la funcion. Distinguiremos varias, que se
oponen a los principios del kitsch ya mencionados
1) Principio de Ockham, o la eliminación del ornamento.
2) Estructuración por economía de movimientos, (como la cocina funcional)
3) Estructuración por economía de medios (entendida “economía” como utilidades)
4) Análisis factorial de los deseos (un ventilador será liviano, barato, potente, etc.)
5) Método de los modelos, construyendo una maqueta de la realidad futura.
La pava o el ventilador salen ya terminados de la mente del diseñador. La construcción resulta
necesariamente de un “es para”.

Funcionalidad y cibernética o teoría de los sistemas

El funcionalismo se vincula con la actitud cibernética para la cual los objetos son los piezas de
un organismo de relaciones entre el hombre y el mundo. El funcionalismo propone un tipo
nuevo de relación hombre-cosas, en la cual el observador no las puede distinguir del ser
humano. Una consecuencia de esta actitud es la aceptación de que lo artificial es normal y único
de nuestro ambiente. Desde la cultura industrial en adelante hay una toma de conciencia
antikitsch de un mundo producido por el hombre, el cual se libera de todo rasgo de naturalismo.
Hay mucha distancia entre el funcionalismo y el naturalismo antroposofico de Steiner.

Funcionalidad y placer estético

Existe una función estética. Los fundadores del movimiento consideraban que esta función
estética estaba expresada en la forma cerrada que resultaba de su trabajo, en el sentido de la
Gestalt. Y esto es una denuncia a la manía kitsch de decorar y recubrir con motivos naturales
los productos humanos. El diseñador, no es un artista, pero si el creador de la forma.
Los industriales prefieren transformar el gusto del público de a poco en vez de imponer modelos
audaces que de otra forma no comprarían, lo que requiere en gran parte del uso de agentes del
kitsch. Hay algunas leyes fundamentales de la estética industrial como:
1) Economía de medios y materiales
2) Aptitud para el uso y valor funcional
3) Unidad y composición
4) Armonía entre la apariencia y el uso
5) Unidad de estilos
6) Evolución y relatividad
7) gusto, movimiento, satisfacción…

Crisis del funcionalismo y neokitsch

El funcionalismo es la reacción antikitsch mas importante, busca una regla de conducta entre
los actos y los objetos del ambiente, y rechaza la diferenciación entre el hombre y los órganos
(cibernética). Esta es una nueva actitud del hombre respecto a su ambiente. El kitsch es la
incapacidad del hombre medio para elevarse por encima de su filosofía y sus productos y
aceptarlos como tales. Durante el florecimiento y el resurgimiento de la Bauhaus surgió otro
movimiento económico: el precio único

Kitsch moderno y supermercado

Tras el paso del kitsch romántico del Judgenstil, (después de la segunda guerra) se construye
un kitsch moderno basado en el precio único, formula que se apoya en:
1) La colección de objetos, todos a un mismo precio (por lo que esta idea se anula) dirigida a la
clase pequeño burguesa, obreros y empleados, que participan del bienestar
2) La cadena de negocios, todos con la misma presentación y modos
3) La empresa, que se desarrolla a partir de un estudio de mercado, y proveniente de un
importante capital inicial

Este sistema es el 35% del comercio minorista, pero pasearse por uno de ellos es uno de los
actos simbólicos de la vida cotidiana actual. En la base del sistema se encuentra el movimiento
que genera en el público la promesa de un precio bajo y unitario, y la variedad. No busca
vender todo lo que se manufactura, pero si basarse en una política de precios restringidos que
apunta al consumidor. En estos factores se fundara una arte que se basara en el estudio de lo
que el público puede desear. El director de este estudio contratara a un nuevo estilista: el
diseñador, que no busca ser un gran artista (ya que adelantarse a su época lo volvería un cuasi
incomprendido y lo haría inútil en su función). Así, el supermercado adopta una postura
demagógica en la que se debe dar al público lo que este demanda (y así también, hacerlo sentir
como parte del progreso)

La crisis filosófica del funcionalismo

Podemos analizar el origen de una nueva consciencia kitsch que opera en el nivel del consumo
minorista, reubicándola en la filosofía social. Vimos que tras la aparición de un arte de
acumulación que caracteriza al kitsch del “Siglo 1900”, surgieron reacciones en oposición, tales
como el funcionalismo, contra las características fundamentales del ambiente, a la vez que se
erigió como una de las principales corrientes del arte moderno. La tesis funcionalista fue tan
exitosa que se constituyo en una de las doctrinas fundamentales de la estética desde el
Renacimiento. Pero su éxito mismo determino su crisis. Al postular que los objetos se
determinan según su función, se determina una idea de disciplina, de una lucha contra la
inutilidad. Estos principios se oponen a la idea de una sociedad opulenta, que se mueve por la
eterna demanda del consumidor y lo superfluo. Y para evitar esta funcionalidad que daría al
objeto un carácter imperecedero, se le agrega algún “defecto” voluntario a fin que con el tiempo
se inutilice, o darle valor a la acumulación, mas que al objeto en si mismo, como una nueva
forma de arte donde el significante supera a lo funcional, y una tercera solución que propone a
la publicidad como generadora de deseos.

Estrategia del diseñador y kitsch

La forma en que la sociedad de consumo adopta una política en cuanto un objeto, se basa en la
puesta en circulación deliberada de nuevos objetos, con el fin de insertar en el publico una
determinada cantidad de novedad por objeto.

Psicoanálisis del supermercado

El supermercado ofrece un ambiente (colores, claridad, sonrisas, etc.) de fiesta (la fiesta del
consumo) que es fácilmente asimilable por el consumidor. Si el hombre social se mueve
irracionalmente, hay algunos que se aprovechan de esto. Se instala una nueva variante en la
relación entre el objeto y el hombre. El hombre medio, prospero, busca liberarse de la presión
de lo racional, y busca los placeres de lo cotidiano, y sobre esto se basa el neokitsch. Este
sistema se basa en la búsqueda de placer a escala del hombre, y se sostiene en:
1) La falsa funcionalidad: el burgués busca dar a su vida un aspecto de funcionalidad pero a la
vez sueña con comprar y poseer, por lo que se busca reducir las disonancias dándole una falsa
funcionalidad al objeto.
2) Los placeres del juego: (no es un rasgo especifico de la infancia sino del ser humano), y es
un deseo reprimido, al que le sacan jugo los avisos, al publicitar que tal objeto es “tan
divertido”
3) El carácter perecedero del objeto: el que mas diferencia kitsch de neokitsch. El objeto ya no
es perdurable, y tiene una vida limitada, expresada en la garantía.
4) la moda que produce la alegría de la participación en el progreso.

El modo y la moda
La moda es un factor proveniente del contacto social. Es la distribución igualitaria de valores y
necesidades. La explotación de la moda por parte del neokitsch pone al diseñador en la
situación de ser un ingeniero del arte, mas que un artista (ingeniero de sistemas).

La función del diseño y la estrategia de innovación cultural

Esto nos lleva a caracterizar al supermercado como un medio de comunicación de masas,
adopta una doctrina publicitaria en la cual se da al público lo que este pide, a la vez que tiñe al
objeto de cierto aire de modernismo, dándole un “trozo de novedad”, y dándose un aire de
progresismo.
Sigue una política demagógica y recurre al diseñador, situado entre el creador y el problema. El
kitsch moderno de supermercado es un modo de acceso a la cultura para la sociedad de masas,
es una promoción de la sociedad, y uno de los elementos de movilidad social. El diseñador se
inspira en los grandes innovadores, pero nunca los copia. Extrae las ideas y formas nuevas del
artista, y las reacomoda o diluye en su originalidad para que puedan ser asimiladas por la masa
consumidora. Así se da un dialogo entre el creador, representante del genio, y el diseñador, su
órgano de difusión. Lo que distingue kitsch “moderno” del “estilo” es la coexistencia simultánea
de objetos de épocas artísticas diferentes. La acción del diseñador en este ámbito (ya que esta
situado entre el artista y el ingeniero y rechaza la separación arte-ciencia) será:
1) Adoptar una novedad estética y aplicarla a objetos tradicionales (rediseñarlos)
2) Adoptar una función nueva y revestirla con una forma (teoría de la cobertura)
3) Hacer las dos cosas, determinando una forma a seguir durante décadas.

Reglas del canal de creación neokitsch

Un objeto existirá para el comprador si este tiene el deseo de comprarlo, cuidarlo, repararlo,
etc. Una sociedad de consumo que preconiza la funcionalidad se ve obligada a aumentar de
numero las funciones en contraposición a una sociedad tradicional.
Esto implica:
1) Un aumento efectivo de las necesidades, que, ante la desaparición de la mano de obra se
basara en la automatización (lavarropas, maquinas de coser, etc.)
2) Una redistribución de las necesidades basada en:
-La redistribución de una serie de tareas con un fin común
(sacacorchos+abrelatas+decapsulador)
-La división de las funciones (molinillo de café, cafetera, vajilla)
-El reagrupamiento de las funciones en un objeto, como el cuchillo para pomelo, o el
descarozador de aceitunas, y demás, ejerciendo la tendencia al frenesí característica del kitsch.
3) La función del puro juego (como el abrelatas eléctrico), escondido bajo la excusa de
funcionalidad
4) El carácter perecedero incorporado, una mala calidad metódica que obliga a renovar el
objeto de cuando en cuando.

El cascaron personal: la casa kitsch y su mobiliario

Un instituto llevo a cabo una serie de análisis estéticos sobre el gusto de varios sectores de la
población, que determino que en materia de casas y la preferencia del publico surge el kitsch
moderno, a través de la elección de la mayoría. En cuanto al mobiliario, el público propone
explícitamente las formas del kitsch, lo que demuestra que a lo que aspira la cultura de masas
es a la ecuación
Sociedad+Tecnología=Felicidad
Felicidad+Cotidianeidad=Kitsch

El display
La idea de conjunto de objetos.
El vínculo entre neokitsch y ebriedad consumidora producida por la industria da una nueva
perspectiva para determinar los factores psicológicos que conforman al consumidor. Se enfoca
estadísticamente el conjunto de objetos disponibles al consumidor y los que este elegirá para
formar su micro-universo (su departamento), alrededor de sus necesidades básicas.
-Se determina una primera dimensión: la cantidad de objetos en función a la dimensión media
(en metros cuadrados) del departamento, variable en la cantidad de usuarios y su función
especifica; y el “volumen especifico” o la “esfera de influencia del objeto”.
-La segunda dimensión es la tasa de funcionalidad (uso mas o menos funcional), difícil de
determinar, ya que se relaciona con un modo de vida mas o menos kitsch (un candelabro es
kitsch teniendo electricidad, cuando no tiene funcionalidad), aunque este es un rasgo variable.
-La tercera característica es el grado de complejidad, es decir el carácter imprevisible del
agrupamiento constituido en el cascaron de objetos, que es un factor importante de la
percepción estética (relación hombre-cosas). Complejidad que varía según el repertorio cultural
establecido por la educación y la costumbre.

Kitsch del conjunto y autenticidad de las partes

Un conjunto kitsch es aquel donde un número de objetos es elevado, y su tasa de originalidad
es pobre en relación a la cultura social. La cultura industrial se debería analizar en lo que
propone al individuo. Todo se le ofrece en un display diverso en las grandes tiendas. El hombre
produce así una combinación (como el amoblamiento). Y en el catalogo son ofrecidas las cosas
mas variadas, sin ningún criterio.

Complejidad del surtido y la cultura

El conjunto diverso es una especie de mensaje de la sociedad industrial al consumidor, basado
en la complejidad. Es evidente que el poseer un objeto raro (y variado) es un estimulo mas
poderoso que el poseer uno común y corriente. La dimensión del surtido aparece como una
dimensión esencial a nivel psicológico de las motivaciones del hombre. La posibilidad de elegir
de entre el surtido de un modo arbitrario (ya que el precio al ser único ya no es determinante),
y el surtido mismo, es un factor esencial.
Nos encontramos en un mercado imaginario y su gigantesco display de objetos consumibles. El
enfrentamiento se da entre hombre y surtido.

Los aspectos estadísticos de una teoría de las necesidades

El hombre plantea a la sociedad una pregunta planteada por sus necesidades, y exige su
satisfacción en una dialéctica del consumo y la producción. Al estudiar la funcionalidad
definimos al objeto por su finalidad. El conjunto de las necesidades del hombre se refleja en un
gran cuadro de las necesidades. Ser “civilizado” en el sentido occidental, es el tener muchas
necesidades. Estas son un inmenso mensaje que el hombre dirige al mundo, el cual se puede
definir como una suma de necesidades elementales. El hombre demanda una solución a sus
necesidades, y recibe en manera de display lo que la sociedad le ofrece.

Un mapa de las necesidades y el surtido

Se establecera por un lado la complejidad de las necesidades, y por el otro la complejidad en el
surtido de los objetos. La sociedad neokitsch se basa en una actitud de sociedad de consumo a
nivel de los objetos en las capas sociales afianzadas, y de la imitación de estas clases en las
inferiores.

Falta estructura del mal gusto…