Fundamentos del Arte II 2º de Bachillerato E.

de Arte

Bloque VI: Los felices años veinte. El Art Déco

El período de entreguerras
Se conoce como período de entreguerras o interbellum al pe-
riodo histórico del siglo XX que va desde 1918 a 1939. Cro-
nológicamente, se puede establecer desde el final de la
Primera Guerra Mundial el 11 de noviembre de 1918 y el ini-
cio de la Segunda Guerra Mundial el 1 de septiembre de
1939.
Políticamente, este periodo se vio caracterizado por la crisis
de las democracias liberales, el ascenso de los fascismos y
los regímenes autoritarios, así como el auge de los movi-
mientos obreros de inspiración socialista o comunista que se
inspiraban en el triunfo bolchevique de la Revolución rusa.
Económicamente, vio la recuperación de la Gran Guerra y
una etapa de euforia económica durante los años 20 que se
vería truncada por el Crack del 29 y una profunda crisis que
Veterano alemán de la Primera Guerra Mundial pidiendo limosna marcó los años 30. Tradicionalmente, la historiografía ha se-
ñalado esta época
como el preludio que acabaría desembocando en la Segunda Guerra Mundial.
La nueva configuración del mundo tras el final de la Primera Guerra Mundial fue
decidida por las potencias aliadas durante la Conferencia de Paz de París de 1919,
y que marcaría el comienzo de esta época. Sin embargo, el final de la guerra no
supuso ni mucho menos el comienzo de un periodo estable o pacífico: en el caso
de Europa, la situación político-social se vio inmediatamente agitada por hechos
como la Revolución de Noviembre de 1918 en Alemania, la Revolución húngara
de 1919 o la Guerra de Independencia turca (1919-1923). Estos sucesos no hi-
cieron sino confirmar el fracaso de la pretendida intención de instaurar un periodo
de paz y estabilidad tras la "Gran Guerra", aunque la creación de la Sociedad de
Naciones iba encaminada a evitar el estallido de nuevos conflictos.
No menos importante fue el establecimiento en el territorio del Imperio ruso del
primer estado socialista de la historia. Al comienzo del periodo se produjo la
victoria de los bolcheviques en la Guerra Civil Rusa y el asentamiento definitivo
de la Unión de Repúblicas Socialistas Soviéticas (URSS). Su victoria, sin em-
bargo, provocó que las potencias occidentales y los vecinos de la URSS esta-
blecieran el conocido como "Cordón sanitario", para aislar a Europa y al mundo
Ilustración sátirica referida a Trotsky que
capitalista del nuevo estado comunista. La temprana muerte de Vladímir Ilich aparece como un demonio. 1919. Poster de
Lenin dejaría el poder del país en manos de Iósif Stalin, que se convertiría en progapanda del Ejército Blanco. Soldados
uno de los más importantes líderes a nivel global. A pesar de los temores de las chinos llevando trenzas con uniformes azules y
dorados, ejecutando prisioneros y apilando
potencias occidentales por el contagio revolucionario, Stalin, a diferencia de huesos. Trotsky, organizador del ejército rojo,
Lenin y Trotsky, se opuso a la revolución mundial y fue más partidario de la te- fue finalmente represaliado y asesinado por
oría del socialismo en un solo país que consolidaría el sistema soviético. orden de Stalin.

El establecimiento
del fascismo en Italia (1923) bajo la dictadura de Benito
Mussolini solo iba a marcar el comienzo de un fenómeno, el
de los fascismos, que se iba extender por Europa a lo largo
de los siguientes años. Como consecuencia del Crac del 29,
la crisis económica que afectaba al mundo occidental au-
mentó aún más la popularidad de estos movimientos, que
después de esa fecha comenzaron a crecer en apoyo popular
y poder político. En 1933 el líder del Partido nazi alemán,
Adolf Hitler, se hacía con el poder en Alemania y con ello
marcaba el comienzo de una espiral que acabaría desembo-
cando en la Segunda Guerra Mundial. En otros estados,
como Polonia, Yugoslavia, Hungría, Bulgaria, Grecia y los
Estados Bálticos, también se instauraron distintos regímenes
Benito Mussolini dando un discurso en Milán, en mayo de 1930.

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autoritarios con desigual apoyo por parte de grupos sociales, sectores re-
ligiosos y el ejército. El triunfo de los fascismos se vio eclipsado por la
crisis de las democracias liberales y el temor de las clases medias a los
movimientos obreros (comunistas, socialistas y anarquistas) que pudieran
desembocar en una revolución. En algunos países, el revisionismo hacia
los tratados de paz posteriores a la Primera Guerra Mundial (Alemania,
Italia o Hungría) también contribuyó al apoyo de estos movimientos.
En general, fueron dos décadas marcadas por el cambio radical de la rela-
ción entre las fuerzas internacionales, los avances técnicos y por el mar-
cado contraste entre un enorme desarrollo del capitalismo en los años 1920
y su mayor crisis económica en los años 1930. En la primera etapa los es-
tados occidentales, a cuyo liderazgo ya se situaba Estados Unidos, vivieron
momentos de gran desarrollo económico. La bonanza de este periodo es
conocida como los felices años
veinte y terminaría abruptamente Florence Owens Thompson (madre migrante), fotografía
con el "Crac del 29", que daría paso icónica de la Gran Depresión, autora Dorothea Lange (1936)
a un periodo de crisis económica ge-
neralizada hasta el comienzo de la Segunda Guerra Mundial en 1939. Se ha visto a
esta depresión como una de las principales causas de la crisis de las democracias li-
berales, así como del ascenso de los fascismos y los movimientos obreros.
En España el periodo de entreguerras se vio caracterizado por la crisis de la monar-
quía de Alfonso XIII y la instauración en 1923 de la Dictadura de Primo de Rivera,
que contó con el apoyo de algunos sectores (burguesía catalana, ejército) y la indi-
ferencia de buena parte de la población. Su éxito en la Guerra del Rif supuso una
inyección de apoyo a mediados de los años 20, pero la crisis económica de 1929 y
el descrédito de la Dictadura acabaron provocando su caída a comienzos de 1930.
Su final también supuso que la institución monárquica se viera arrastrada en su caída,
algo que se puso de manifiesto en las elecciones municipales de 1931 y la espontánea
Proclamación de la Segunda República Española.
A pesar de la acogida popular, la nueva república se vio afectada por la inestabilidad
político-social y la herencia de la crisis económica, y por graves sucesos como la
Revolución de Asturias de 1934 y el fallido golpe de Estado de 1932. En 1936, el
fracaso de un nuevo golpe de Estado acabó desembocando en una guerra civil que
El rey Alfonso XIII junto al general Miguel
Primo de Rivera (derecha) después de su desgarró al país durante los siguientes tres años y terminó con la instauración de una
nombramiento como Jefe del Gobierno y dictadura fascista bajo el control de Francisco Franco.
Presidente del Directorio militar.
En el continente americano, el periodo también se vio caracterizado por la bonanza
económica de los años 20. Sin embargo, el crack de 1929 provocó la crisis y el pos-
terior estancamiento de las economías de la zona, en especial las exportaciones de los países sudamericanos a Estados
Unidos y Europa.
Los Estados Unidos, cuya intervención en la "Gran Guerra" había sido decisiva, se volvieron otra vez hacia el aislacio-
nismo. La anterior política exterior de Woodrow Wilson se volvió en su contra cuando el Congreso norteamericano votó
en contra de la adhesión a la Sociedad de Naciones. Su política internacional se limitó a esporádicas intervenciones mi-
litares en los estados títeres del Caribe (Guerras bananeras), como la intervención de los marines en Nicaragua (1927-
1934) para intentar capturar a Augusto César Sandino. Sin embargo, y a pesar de todo ello, los Estados Unidos fueron los
líderes de desarrollo económico de los años 20.
El ambiente social norteamericano quedó muy bien reflejado en la novela de F. Scott Fitzgerald, El gran Gatsby. Esta bo-
nanza se iría al traste con el Crack de la Bolsa de Nueva York en 1929 y el periodo de crisis económica que le siguió, la
"Gran Depresión". Los años 30 destacarían por la llegada al gobierno de Franklin D. Roosevelt, y sus políticas del New
Deal antes del estallido de la Segunda Guerra Mundial.

El desarrollo económico del periodo de entre guerras.

La denominación felices años veinte o años locos corresponde al periodo de prosperidad económica que tuvo Estados
Unidos desde 1920 hasta 1929, como parte del periodo expansivo de un ciclo económico. Esta prosperidad benefició a
toda la sociedad e hizo que la economía siguiera creciendo a un ritmo que no se había registrado antes, generando una
burbuja especulativa. Pero esta prosperidad duraría un corto periodo que finalizaría el 24 de octubre de 1929, conocido
como el Jueves Negro, y con la llegada del Crack del 29 que culminaría finalmente con el advenimiento de la Gran De-

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presión. La principal causa fue que en la Primera Guerra

Mundial EEUU había exportado grandes cantidades de ar-
mamento y otros productos a los países europeos. Al finalizar
la guerra, la economía de Europa quedó tocada seriamente.
Al acabar la guerra, Inglaterra tenía deudas de guerra con
EEUU, al igual que muchos países europeos, lo que lógica-
mente favoreció la economía de EEUU al ser receptor de
estas.Estados Unidos se vio frente a un exceso de demanda
lo que provocó ingresos estadounidenses crecieran vertigi-
nosamente mientras Europa se reconstruía.

La relación entre el desarrollo económico mundial y el

Producción en cadena del "Ford Modelo T". Con este modelo de
auge del Art Déco.
vehículo, Henry Ford popularizó la producción en cadena de montaje El auge del lujo. El arte como producto para la élite.
hasta nuestros días. El sistema permitía incrementar la producción y • La expansión de Estados Unidos se basó en una profunda
reducir costes para democratizar el producto. El sistema está basado en
la minimización de los operarios y mediante la cadena de montaje.
transformación productiva dominada por la innovación téc-
nica. De esta forma
se disminuían costes y se aumentaba la producción, obteniendo más beneficios.
• Fue en esta época donde se popularizó el uso del teléfono, el automóvil y los
electrodomésticos. Estos aparatos eran demasiado caros, y fue entonces cuando
se aplicó por primera vez la venta a plazos. Esto creó una oleada consumista que
hizo que se comprara tanto hasta el extremo de que los consumidores se endeu-
daran por encima de sus posibilidades.
• También fue objeto de popularidad la difusión de la radio como medio de co-
municación masivo, ya que era un dispositivo económico y al alcance de toda la
población.
• En estos tiempos la fábrica Ford innovó con la utilización de la cadena de mon-
taje. De esta forma se reducían costes y tiempos de producción. Este método se
aplicó a otros sectores (siderurgia, cristal, etc). También tuvieron efectos positi-
vos la demanda de la construcción de rascacielos. Todo esto tuvo una gran in-
fluencia en el mercado de trabajo, dejando la tasa de desempleados en Estados
Unidos muy baja. Se vivían unos años
de excelente bienestar y de gran opti- Modelo de radio Philips con dideño Art Deco
(1931)
mismo frente al futuro.

Evolución del arte basado en la naturaleza (modernismo), al arte geométrico

(Art Déco)
Art Déco , también conocido como Déco, es un estilo que se desarrolla en las
artes visuales, la arquitectura y el diseño que apareció por primera vez en Francia
justo antes de la Primera Guerra Mundial. El Art Déco influyó en el diseño de
edificios, muebles, joyas, moda, automóviles, cines, trenes, transatlánticos y ob-
jetos cotidianos como radios y aspiradoras. Tomó su nombre, abreviatura de Arts
Décoratifs, de la Exposición Internacional de Artes Decorativas e Industrias Mo-
dernas celebrada en París en 1925. Combinó los estilos modernistas con una fina
artesanía y materiales ricos. Durante su apogeo, el Art Déco representó el lujo, el
glamour, la exuberancia y la fe en el progreso social y tecnológico.
El Art Déco fue un pastiche de muchos estilos diferentes, a veces contradictorios,
unidos por un deseo de ser moderno. Desde sus comienzos, el Art Déco estuvo
influenciado por las audaces formas geométricas del cubismo; los colores bri-
llantes del Fauvismo y de los Ballets Russes; la artesanía actualizada con las que
se realizaban los muebles de los estilos Luis Felipe y Luis XVI; y los estilos exó-
ticos de China y Japón, India, Persia, el antiguo Egipto y el arte maya. Contenía
materiales raros y caros, como el ébano y el marfil, y una exquisita artesanía. El
edificio Chrysler y otros rascacielos de Nueva York construidos durante los años
1920 y 1930 son monumentos del estilo Art Déco .
En la década de 1930, durante la Gran Depresión, el estilo Art Déco se volvió
El edificio Chrysler

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más tenue. Llegaron nuevos materiales, incluyendo los cromados, el acero

inoxidable y el plástico. Una forma más elegante del estilo, llamada Stre-
amline Moderne, apareció en la década de 1930; presentaba formas curvas
y superficies lisas y pulidas. El Art Déco fue uno de los primeros estilos ver-
daderamente internacionales, pero su dominio terminó con el comienzo de
la Segunda Guerra Mundial y el surgimiento de los estilos estrictamente fun-
cionales.
Hablar del término o estilo Art Déco como tal es explicar un conjunto de di-
ferentes manifestaciones estéticas que se dieron cita en la ya citada Exposi-
tion Internationale de Arts Décoratifs et Industriels Modernes de 1925 y
que fueron conmemoradas en la retrospectiva titulada "Les Annés 25" lle-
vada a cabo en París en el Musée des Arts Décoratifs del 3 de marzo al 16
de mayo de 1966. Además, dichas manifestaciones constituyeron una época
de la decoración que inundó todos los ámbitos de la vida cotidiana, desde
una lámpara hasta un edificio completo y que alternó con los movimientos
de vanguardia. Esa época son los años de entreguerras, los veinte y los
treinta, los "años Locos", la "Belle Epoque" que quedaron insertos en la his-
toria del siglo XX y de la decoración como los años del Art Déco.
Mientras que el Art Nouveau se investía con sus sinuosas y serpentinas lí- Cartel para la Exposición Internacional de Artes
neas, en la primera década del siglo XX se empezará a trabajar en el diseño Decorativas e Industrias Modernas de 1925
de muebles, apa-
ratos domésticos, transportes y medios de comunicación masiva,
como serán los cines y más tarde la radio, utilizando líneas rec-
tas, formas geométricas y compactas. así, el ya mencionado Pa-
lais Stoclet de Hoffmann, proyectado en 1905 y terminado en
1911, inauguraría una estilización geométrica en la arquitectura,
como más tarde también serían los Ballets Russes de Sergei de
Diaghilev (1872-1929)
Así pues, si los primeros catorce años del siglo XX europeo
transitaron del Art Nouveau hacia nuevas formas de concebir
los diseños, lo cual se vio interrumpido por la I Guerra Mundial,
una vez terminada la beligerancia entre las naciones, algunas
vanguardias y movimientos artísticos, los talleres artesanales y
casas de diseño, las industrias y los productos emanados de
Adorno de capó "Victoire" de René Lalique (1928) ellas, buscarán invadir todos los ámbitos de la vida cotidiana,
desde un cubierto de mesa, hasta la edificación de un inmueble.
Caros y extraños, nuevos materiales serían utilizados en los productos que salen para cumplir con los deseos de una élite
caprichosa: el cromo, metal de color argentino y cristalino, la baquelita, resina sintética y moldeable, y el plástico que
por su nobleza matérica podía aplicarse de múltiples maneras. También estaban las exóticas maderas y otros elementos
naturales traídos de tierras lejanas que se utilizaban en los muebles y en la confección de atuendos de vestimenta: la
madera de amboina traída de las Islas Molucas y que recibió dicho nombre por provenir de la capital Ambon o el ébano
del estrecho de Macasar en Indonesia; la piel áspera del pez
zapa, la concha de tortuga conocida como carey, la piel de
serpiente o de tiburón. Todo esto reflejaba las excentrici-
dades a las cuales se acostumbraba esa clase acomodada
que a través de objetos lujosos de decoración mostraban su
estatus social.
Sin embargo, una sector social más amplio de la población
desea consumir también esos nuevos objetos de diseños ex-
clusivos; esa es la razón por la cual la industria produce
gran cantidad de productos, copiados o inspirados en los
originales que se vendían en los selectos almacenes y finas
boutiques.
Época de consumo que provoca que los grandes almacenes
comerciales sean decorados atractivamente para atraer la Tarjeta postal con el pabellón de los Grandes Almacenes Galeries
atención de los consumidores. Todo esto se esparce y se da Lafayette en la Exposición Internacional de Artes Decorativas e Industrias
Modernas de París de 1925

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a conocer a través de la publicidad, en donde el cartel toma gran importancia.

El Art Déco surge en París pero su influencia llegará pronto a los Estados Unidos
y de ahí se exportará al resto del continente americano hasta llegar a práctica-
mente todo el planeta. Fue un estilo que se adaptó a los gustos y necesidades de
cada nación, y que fue variando durante las tres décadas en las que estuvo vi-
gente, y que estuvo muy condicionado por las necesidades económicas de cada
país: no podemos olvidar el Art Déco sufrió la posguerra de la Primera Guerra
Mundial, la devastación de la Segunda Guerra Mundial y su terrible posguerra,
pues en muchas naciones este estilo siguió vigente hasta bien entrados los años
cincuenta.
Fue un estilo bastante ecléctico que se inspira inicialmente en las primeras van-
guardias (del Cubismo tomará la geometrización de la realidad, del Futurismo
su sentido del movimiento, y del Neoplasticismo las líneas rectas horizontales y
verticales) pero que se alimenta de muy variadas influencias, desde los avances
tecnológicos hasta los descubrimientos
arqueológicos egipcios, pero también
de la alta costura, del lejano Oriente y
hasta de los pueblos indígenas africa-
nos, es decir, muchas y muy variadas
influencias, a menudo contradictorias,
Poster para el metro de Londres realizado por
Horace Taylor (1924)
que confluyen en este estilo tan peculiar
que fue el símbolo del glamour por an-
tonomasia del periodo de entreguerras.
Como características generales del Art Déco podemos señalar las siguientes:
vEstilo que abarca todas las ramas artísticas. Nace de las artes decorativas y el
diseño industrial, para abarcar posteriormente la arquitectura, las artes plásticas
y el diseño de interiores y mobiliario.
vEstética sofisticada y elegante basada en líneas bien definidas, contornos níti-
dos y formas simétricas.
vMateriales lujosos y novedosos: maderas nobles como ébano y palisandro, ba-
quelita, cromo, plástico, carey, mármol y granito, aluminio y acero inoxidable.
vFormas geométricas básicas en arquitectura, cubo y esfera, de las que se ob-
tienen líneas rectas y en zigzag.
vMotivos decorativos inspirados en las culturas egipcia, mesopotámica, vikinga,
prehispánicas como las azteca, maya e inca, así como de los pueblos de los indios Puerta de acceso al mausoleo Winter con
americanos. motivos neoegipcios. 1930. Pittsburgh,
Pennsylvania
vRepresentación abstracta de elementos naturales como el sol, los rayos, las
nubes, el agua, etc.
vEmpleo de animales con connotaciones simbólicas: panteras, galgos, garzas y
un largo etcétera.
vFiguras masculinas y femeninas arquetípicas de la época: obreros, gimnastas,
secretarias que lucen un look provocativo y de rabiosa modernidad.
Toda esa nueva gama de productos y diseños se verán contagiados pues por lo
geométrico, lo cual se proponía y trabajaba en algunos movimientos artísticos
de vanguardia o estaba en relación con las máquinas de la industria. Pero lo ge-
ométrico también será tomado por la colección de piezas africanas que tanto Bra-
que como Picasso usaran en el Cubismo, o también de lo egipcio, pues en 1922
Howard Carter excaba la tumba de Tutankamon (cobra fuerza la maldición de
los faraones por la repentina muerte del descubridor) y los motivos decorativos
del antiguo Egipto se ponen de moda; además, las ruinas centroaméricanas y
sudaméricanas sobre todo después del extravío del coronel Fawcett en 1925 en
las tierras peruanas de Machu-Pichu y posteriormente la expedición al mando
de Peter Fleming. También cobran importancia los indios Pueblo de los Estados Sistema de iluminación y cubierta de un Lobby
Unidos, inundando las decoraciones e incluso la moda de zigzags, soles radian- situado en el número 450 de Sutter Street en
San Francisco de Timothy Pflueger, (1929)
tes, cactus hiératicos, figuras de perfil, mujeres cleopatrizadas, templos escalo- inspirado en el arte maya antiguo

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nados, atuendos indígenas mesoamericanos e incas, se ritua-

lizan junto con los zigurats mesopotámicos y bailarinas in-
dúes o balinesas que se rescatan del olvido occidental en un
intento de recuperar culturas exóticas y fantásticas.
La era de la máquina y de un mundo industrial provoca la pro-
ducción a gran escala que tiene como consecuencia los inter-
cambios comerciales mundiales y los negocios
internacionales que se desplazan a la velocidad del ferrocarril
o en la comodidad y lujo de los monumentales trasatlánticos.
O bien, los recorridos en automóviles descapotables y en ae-
roplanos que desafían las alturas y más aún después de que
El Bugatti Aérolithe (1936)
el Atlántico fuera atravesado sin escalas en 1927 por Charles
Lindbergh (1902-1974), consagran el triunfo de la aplastante
motorización. Surge la visión "poética" de la máquina, del
mundo moderno, mecanizado donde el mito del robot algún
día tomará el mando de la civilización.
Los "años Locos" y la "Belle Epoque" europeos se hermanan
con los años del Charleston, de la música negra del Jazz, de
la crisis del 29, del "New Deale" de los Estados Unidos.

Rasgos distintivos de la arquitectura déco

El movimiento de Art Déco tuvo una gran influencia en la ar-
quitectura. La característica principal de la arquitectura Déco
es una mayor preocupación por los efectos decorativos que
por las estructuras en sí, es decir, una clara oposición al fun- Proyecto para la fachada de La casa cubista de Raymond Duchamp-
cionalismo. Por esta razón, es sencillo distinguir las edifica- Villon (1912)
ciones que fueron construidas bajo las influencias del Art
Déco. Los efectos decorativos de este movimiento se carac-
terizan por el uso de formas geométricas, remates terminados escalonadamente, puertas ochavadas y la utilización de ma-
teriales lujosos como el mármol, el granito o el aluminio.
Cabe destacar que la tendencia Art Déco en la arquitectura nace en Europa, sin embargo es en Estados Unidos dónde cobra
una mayor importancia. En Europa, salvo los pabellones de la citada exposición de París, no abundan los edificios de estilo
Art Déco, debido a la profunda crisis económica que azotó al continente tras la Primera Guerra Mundial. Donde sí hubo un
verdadero boom de construcciones Art Déco fue en Estados Unidos, donde durante toda la década de 1920 prolifera la cons-
trucción de enormes rascacielos que recogen las vanguardistas técnicas constructivas de la Escuela de Chicago y se afanan
en elevar la altura de los edificios como si de una competición se tratara. En numerosas ciudades estadounidenses como
Chicago, San Francisco, o Nueva York, se construyeron rascacielos cuyos exteriores muestran la influencia europea del Art
Déco. Alrededor del mundo, en países tan diversos como Reino Unido, Cuba,
El American Radiator Building en New York de
China, España, Nueva Zelanda, Bra-
Raymond Hood (1924) zil, etc. también se pueden ver ejem- Rectorado de la Universidad de Valencia en el que
hay que destacar su cúpula que albergaba el
plos de arquitectura Déco. Las telescopio de la antigua Facultad de Ciencias
edificaciones más representativas y
famosas de este movimiento son el
Empire State Building y el Chrysler
Building, ambos en Nueva York.
En Europa, también se encuentran
edificaciones que pertenecen al mo-
vimiento Art Déco como el Arsenal
Stadium o algunas estaciones de
metro (London Underground) en
Londres. En Valencia, se encuentra
la casa de baños Las Arenas, el edi-
ficio del rectorado de la Universidad
de Valencia y los cines Rialto (ac-
tualmente la Filmoteca de la Gene-
ralitat Valenciana).

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La Escuela de Chicago
En el último tercio del siglo XIX se dan en Chicago una serie de factores que cul-
minarán en la aparición del rascacielos. Por un lado, la juventud de la nación de Es-
tados Unidos, lo que supone una mayor libertad creativa al no tener ataduras
históricas; grandes ciudades que se expanden mediante una planificación urbanística
en retícula y grandes avenidas de kilómetros y kilómetros; Por otro, la especulación
del suelo que hizo subir su precio de manera desorbitada, lo que llevó a los arqui-
tectos a planificar edificios altos que aprovecharan al máximo la ocupación del suelo
edificable, y los grandes avances en ingeniería encabezados por el padre de la Es-
cuela de Chicago, William Le Baron Jenney, ingeniero y arquitecto que perfeccionó
la estructura metálica interna de los edificios hasta derivar en un esqueleto de acero
que permite elevar la altura de los edificios y abrir grandes ventanas en las fachadas
que favorezcan la iluminación interior. En estas primeras tipologías de edificios la
altura de los pisos fue de siete en el primer rascacielos, para pasar a diez y acabar la
centuria con rascacielos de dieciséis plantas, toda una proeza de la ingeniería y la
arquitectura mundial. Los rascacielos eran ofici-
nas, hoteles, residencias, grandes almacenes…. En
El Home Insurance Building, de William Le
muchas ocasiones eran todas estas cosas a la vez, Baron Jenney, 1885.
con lo que hablamos de los primeros edificios mul-
tifunción de la historia.
La Exposición Mundial de Chicago de 1893 fue el
escaparate mundial para este grupo de arquitectos,
y la ciudad fue durante medio año el referente ar-
quitectónico para el resto de ciudades de los Esta-
dos Unidos, que pronto copiarán estas novedades
arquitectónicas y rivalizarán en altura y originali-
dad.
Las innovaciones constructivas de la Escuela de
Chicago son: La origina noria Ferris Wheel, construida
vEstructura metálica de los edificios, primero en en 1893 para la Exposición de Chicago

hierro tal y como se venía haciendo en Europa,

para sustituirse después por acero. Este esqueleto metálico se asienta en pilares de hor-
migón armado, reforzando el hormigón con varas de acero. Estas estructuras metálicas
Rascacielos de Chicago Holabird & se fabricaban en serie, se transportaban fácilmente y se montaban a pie de obra. La fun-
Roche, 1905.
ción sustentante del edificio recae pues en su estructura interna de acero, con lo que los
muros se abren con enormes ventanales horizontales llamados ventana chicago,
vMejoras en la cimentación, con la aparición del cemento hidráulico, capaz de fraguar bajo el agua. Hay que tener en
cuenta que Chicago se asienta entre la desembocadura del río que lleva su mismo nombre y el lago Michigan, una zona
pantanosa de arena y fango.
vLos exteriores son sobrios, con superficies lisas apostando por el ladrillo visto y el vidrio de las enormes ventanas apai-
sadas denominadas ventanas Chicago que conforman líneas verti-
cales y horizontales. En ocasiones, especialmente en los edificios
proyectados por Sullivan, encontramos cornisas salientes, frontones Henry H. Richardson, Almacenes Marshall, 1887

sencillos o frisos geométricos sustentados por columnas que resal-

tan la fachada principal del edifico, pero nada que ver con las co-
rrientes arquitectónicas que dominaban Europa en esa época.
vY como no, el invento del ascensor, primero a vapor como el que
patentó Otis en 1864, para después pasar a ser hidráulico y final-
mente eléctrico gracias al modelo que creó Siemens en 1887. Otros
inventos que facilitaron el trabajo y la vida en estos gigantes de
acero y vidrio fueron el teléfono y el correo neumático, que con-
sistía en tubos que conectaban los diferentes pisos del rascacielos.
Entre los arquitectos más famosos cabe destacar a los siguientes:
vEl padre fundador de la escuela, William Le Baron Jenney, que
proyectó el primer rascacielos del mundo, el Home Insurance Buil-

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ding de diez pisos y una altura de 42 metros en 1885, hoy demolido. Fue el primer
gran edificio en usar estructura metálica resistente al fuego. Este edificio sienta las
bases de la arquitectura de la escuela: esqueleto interior de acero, ladrillo a modo
de mampostería en el exterior, grandes ventanas con la parte central fija y los paños
laterales en guillotina (ventanas Chicago), eliminación de los muros de carga, lo
que sienta las bases para la aparición de los muros cortina, es decir, muros inde-
pendientes de la estructura interna del edificio sin función de carga.
vHenry Hobson Richardson crea el icónico edificio de los Almacenes Marshall,
de rotunda apariencia, con un exterior de piedra sin pulir en donde el protagonismo
lo ocupan las amplias ventanas horizontales de vidrio. Sencillez estructural, so-
briedad decorativa y funcionalismo serán los pilares de estos primeros rascacielos.
vLuis Sullivan fue quizás el arquitecto más decorativo de todos, el que más aten-
ción prestó a las fachadas y la ornamentación de sus rascacielos. Entre sus obras
destacan los Almacenes Carson y el Edificio Wainwright.
Louis Sullivan, Almacenes Carson
El Edificio Chrysler
El Edificio Chrysler (en inglés, Chrysler Building) es un rascacielos de estilo art
déco situado en Nueva York. Con 77 plantas y 319 metros de altura, fue el edificio
más alto del mundo durante once meses, hasta que lo superó el Empire State Buil-
ding en 1931. Sigue siendo el edificio de ladrillos más alto del mundo, aunque su
estructura es de acero. Tras la destrucción del World Trade Center en los atentados
del 11 de septiembre de 2001, se convirtió de nuevo en el segundo edificio más
alto de Nueva York. Actualmente es el quinto más alto de Nueva York.
El Edificio Chrysler, diseñado por el arquitecto William van Alen, es un ejemplo
clásico de la arquitectura art déco y muchos arquitectos contemporáneos lo consi-
deran uno de los mejores edificios de Nueva York. Fue la sede de la empresa Chrysler
desde 1930 hasta mediados de los años cincuenta. Aunque el edificio se construyó
y diseñó específicamente para el fabricante de coches, la empresa no pagó su cons-
trucción y nunca fue su propietaria, debido a que Walter P. Chrysler decidió pagarlo
él mismo para que fuera un proyecto personal. Su construcción estuvo marcada por
la competición para ser el edificio más alto del mundo, en la que su principal rival
era el Bank of Manhattan Building (actualmente The Trump Building), con una al-
tura final de 282,5 m, mientras que el Edificio Chrysler se iba a quedar en 281,9 m.
Sin embargo, a los pocos meses de que se completara el Bank of Manhattan Building,
se construyó en secreto una aguja piramidal en el interior del Edificio Chrysler y se
instaló en su cima, alcanzando así una altura total de 319 m.
El rascacielos es el compendio y símbolo del éxito de Nueva York, ciudad que al-
bergó el edificio más alto del mundo desde
Una de las dos entradas principales del 1908 hasta 1974.A mediados de la década
rascacielos Chrysler
de 1920, se convirtió en la ciudad más po-
blada del mundo, superando a Londres. Su
área metropolitana superó la cifra de diez
millones a principios de la década de 1930.
El boom económico de la década de 1920 y
la gran especulación del mercado inmobi-
liario fomentaron una nueva oleada de pro-
yectos de rascacielos en la ciudad. La Ley
de Zonificación de 1916, que limitaba la su-
El Edificio Chrysler
perficie de los edificios a partir de cierta al-
tura para permitir que llegara la luz solar a
las calles, fue un factor que contribuyó a dar forma al característico estilo de ras-
cacielos art déco con retranqueos, dando lugar a estructuras que se centraban en
el volumen y en siluetas llamativas, a menudo ornamentadas profusamente.
En los años posteriores a la Primera Guerra Mundial, los arquitectos de Europa
y los Estados Unidos habían empezado a simplificar las formas de los diseños
tradicionales y a usar materiales industriales de manera innovadora para caracte-

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Fundamentos del Arte II 2º de Bachillerato E. de Arte

rizar a la edad moderna. El estilo art déco parecía prestarse especialmente

bien al diseño de rascacielos debido a que este tipo de construcción simboli-
zaba progreso, innovación y modernidad más que cualquier otro. Aunque el
auge del estilo art déco duró poco tiempo, coincidió con un gran boom inmo-
biliario en Nueva York a finales de los años veinte. Los numerosos rascacielos
construidos en este estilo, entre los que destaca el Edificio Chrysler, dieron a
Nueva York y su skyline una imagen característica y romántica, popularizada
en el teatro y el cine.
Por otro lado, esta época se caracterizó por profundos cambios sociales y tec-
nológicos. Se generalizaron bienes de consumo como la radio, el cine y, sobre
todo, el automóvil, cuyo uso creció exponencialmente en los años veinte. En
1927, el fabricante de automóviles Chrysler Corporation —empresa dirigida
por Walter P. Chrysler— se convirtió en el tercer fabricante de automóviles de
Lámpara art déco del edificio Chrysler Estados Unidos, por detrás de Ford y General Motors. Al año siguiente fue
nombrado por la revista Time el «hombre del año». Bajo estas circunstancias,
el proyecto del Edificio Chrysler empezó a tomar forma.
Originalmente, el Edificio Chrysler fue un proyecto del promotor inmobiliario
y antiguo senador del estado de Nueva York William H. Reynolds. Antes de
su implicación en el que sería el Edificio Chrysler, su proyecto más conocido
fue el parque de atracciones Dreamland, situado en la famosa Coney Island de
Nueva York. Sin embargo, cuando en
1911 se destruyó este parque de atrac-
ciones en un incendio, dirigió su aten-
ción a Manhattan, donde se propuso
construir el edificio más alto del
mundo.
En 1921 Reynolds alquiló una gran
parcela en la esquina de Lexington
Avenue y la Calle 42 con la intención
de construir un edificio importante en
ella.Tras varios años de retrasos, Rey-
Vista desde una de las ventanas triangulares que nolds contrató al arquitecto William
dan al norte.
van Alen en 1927 para que realizara el
proyecto de un rascacielos de cuarenta Gárgola con forma de águila en el edificio
plantas en la parcela.Van Alen era res- Chrysler
petado en su campo por su trabajo en el
edificio de oficinas Albemarle de
Nueva York, diseñado en colaboración
con su socio H. Craig Severance.Van
Alen y Severance se complementaban
entre sí: Van Alen era un arquitecto ori-
ginal e imaginativo mientras que Seve-
rance se encargaba de la parte
comercial de la firma, conseguía clien-
Ornamento que imita un adorno de capó
tes y supervisaba los aspectos financie-
ros.Pero pronto la relación entre ambos
se volvió tensa debido a sus diferencias personales. La gota que colmó el vaso fue
un artículo de 1924 en el Architectural Review que alabó a Van Alen pero ignoró
a Severance al referirse a este edificio como la «obra de William van Alen». Su
asociación terminó rompiéndose meses más tarde en términos poco amigables.Esto
acabó siendo decisivo para el diseño del futuro Edificio Chrysler, ya que Severance
era más tradicional y el estilo de Van Alen era más moderno.
Cuando empezó a trabajar para Reynolds, Van Alen quedó atrapado en el espíritu
de competición por construir el edificio más alto del mundo que invadía Nueva
York en los años veinte. Como grandes aventureros que se retaban entre sí a cons-
Decoración de una de las puertas de los
truir edificios más altos, los promotores y arquitectos de los nuevos proyectos anun-
ascensores

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Fundamentos del Arte II 2º de Bachillerato E. de Arte

ciaban continuamente que sus edificios serían los más altos de la ciudad.
En abril de 1928, Reynolds firmó un alquiler de 67 años de la parcela y ultimó
los detalles de su ambicioso proyecto, que iba a ser un «exitoso edificio que se
unirá al grupo de rascacielos de Midtown Manhattan y revolucionará los precios
y la categoría de los inquilinos de la Calle 42 y Lexington Avenue». Cuando en
el siguiente agosto se desvelaron los dibujos de Van Alen, el American Institute
of Architects lo alabó, diciendo que «se ha desviado de algunos de los antiguos
principios sobre los que se desarrolló el rascacielos […] el diseño del Reynolds
Building está realizado para que sea de interés a lo largo de toda su altura». La
principal contribución de Reynolds al diseño fue insistir en que tuviera una corona
metálica, frente a la oposición inicial de Van Alen.

El Empire State Building

El Empire State Building es un ras-
cacielos situado en la intersección
de la Quinta Avenida y West 34th
Detalle de la decoración de estilo art déco de
Street, en la ciudad de Nueva York,
la corona del edificio Chrysler.
Estados Unidos. Su nombre deriva
del apodo del Estado de Nueva
York (Estado Imperio). Fue el edificio más alto del mundo durante más de
cuarenta años, desde su finalización en 1931 hasta 1972, año en que se com-
pletó la construcción de la torre norte del World Trade Center. Tras la des-
trucción del World Trade Center el 11 de septiembre de 2001, el Empire
State Building se convirtió nuevamente en el edificio más alto de la ciudad
de Nueva York y del estado de Nueva York, hasta que fue otra vez sobrepa-
sado por One World Trade Center el 30 de abril de 2012, quedando el Empire
State en segundo lugar.
En el lugar que ocupa el Empire State Building existió una granja a finales de
siglo XVIII. En ese momento, corría un arroyo por ese lugar. Más tarde el lugar
fue ocupado por el
Waldorf-Astoria
Hotel a finales del
siglo XIX, y fue
frecuentado por
El Empire State con sus luces encendidas durante la
noche. El edificio Chrysler está en el fondo.
"Los Cuatrocien-
tos", la élite social
de Nueva York.
El Empire State Building fue diseñado por William F. Lamb,
socio de la empresa de arquitectura Shreve, Lamb y Harmon,
quienes realizaron los dibujos del edificio en tan sólo dos sema-
nas, utilizando como base anteriores diseños, como el Edificio
Reynolds en Winston-Salem, Carolina del Norte y la Torre
Detalles decorativos de uno de los accesos
Carew de Cincinnati, Ohio, diseñada ésta por el arquitecto Walter
W. Ahlschlager. Los principales constructores fueron los Herma-
nos Starrett y Eken, y el proyecto fue financiado principalmente
por John J. Raskob y Pierre S. du Pont. La empresa de construc-
ción fue presidida por Alfred E. Smith, un ex gobernador de
Nueva York. La excavación del sitio se inició el 22 de enero de
1930, y la construcción del propio edificio comenzó simbólica-
mente el 17 de marzo (día de San Patricio). En el proyecto par-
ticiparon 3.400 trabajadores, en su mayoría inmigrantes
procedentes de Europa, junto con cientos de trabajadores de Mo-
hawk (además de expertos en hierro, los Mohawk supuestamente
carecían de vértigo, no tenían miedo a las alturas, y además, eran
todos unos valientes por lo que se ofrecían voluntarios para dar

Un obrero trabajando en la construcción del edificio, 1930.

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Fundamentos del Arte II 2º de Bachillerato E. de Arte

forma a esos enormes rascacielos. Eso al menos nos han hecho creer), muchos
de ellos de la reserva de Kahnawake, cerca de Montreal. Según las cuentas ofi-
ciales, cinco trabajadores murieron durante la construcción. Los nietos del go-
bernador Smith cortaron la cinta el 1 de mayo de 1931.
La construcción era parte de una competición en Nueva York por el título del
edificio más alto del mundo. El edificio fue inaugurado oficialmente el 1 de
mayo de 1931 en forma especial, el Presidente de los Estados Unidos del mo-
mento (Herbert Hoover) convirtió el Empire State Building en el edificio de
las luces, con sólo pulsar un botón desde Washington, DC.
La apertura del edificio coincidió con la Gran Depresión en los Estados Unidos,
y como resultado gran parte de su espacio de oficinas no fue ocupado. En su
primer año de funcionamiento,
la plataforma de observación
costó aproximadamente dos mi-
llones de dólares, tanto dinero
Mural del vestíbulo interior
como sus propietarios recibieron
por el alquiler de ese año. La
falta de inquilinos llevó a la gente de Nueva York a burlarse de la construc-
ción llamándola el "Vacío State" (Empty State Building).El edificio no fue
rentable hasta 1950. La famosa venta de 1951 del Empire State a Roger L.
Stevens y sus socios de negocios fue promovida por la destacada empresa
inmobiliaria de Manhattan Charles F. Noyes & Company, por una cifra ré-
cord de 51 millones de dólares. En el momento, ese fue el precio más alto
jamás pagado por una estructura única en bienes inmuebles de la historia.
El distintivo del edificio fue originalmente diseñado para ser un mástil de
amarre y estacionamiento
de dirigibles. El piso nú-
mero 102 fue diseñado ori-
ginalmente como
La famosa foto del atraque del dirigible Los Ángeles plataforma de aterrizaje
en el Empire State Building es falsa, aunque había para dirigibles. Un ascen-
planes para que existiese una estación de dirigibles.
sor específico, entre los
pisos 86 y 102, estaba des-
tinado para el transporte de los pasajeros. Sin embargo, la idea resultó ser
poco práctica y peligrosa después de algunos intentos con aeronaves. Una
gran torre de emisiones se añadió a la parte superior de la aguja en 1953.

La pintura de Tamara de Lempicka

Tamara de Lempicka, nacida como Maria Gurwik-Górska (Varsovia, Po-
lonia, 1898 - Cuernavaca, México, 1980), fue una pintora polaca que al-
canzó la fama en Europa y Estados Unidos con sus retratos y desnudos
de gusto Art Déco.
Nació en un entorno de lujos y abundancia. Fue educada en un entorno
femenino por su abuela, su madre y su tía. Estudió en un internado suizo,
viajó, tomó lecciones de arte, aprendió idiomas y buenos modales. En
1912 sus padres se divorcian y María se muda a San Petersburgo, Rusia
con su tía Stefa, una mujer bien acomodada en la sociedad rusa. Cuando
su madre se casa por segunda vez, ella decide vivir por su propia cuenta
y pronto encuentra al hombre con el que se casaría. Gracias a los contac-
tos de su tío conoce al abogado polaco Tadeusz Łempicki (1888-1951)
en 1916 y contrae nupcias con él, en San Petersburgo llevando una vida
lujosa hasta que estalló la Revolución de octubre.
Tadeusz fue encarcelado por los bolcheviques, María tuvo que buscarlo
en varias cárceles y con la ayuda del cónsul sueco logra sacarlo de prisión
para trasladarse a Copenhague. Posteriormente se mudan a Londres y fi-
nalmente a París, a donde también la familia de María escapó. Esta es la
Autorretrato en un Bugatti verde. Tamara de Lempicka, 1929
La artista polaca se pintó a sí misma para la portada de
una revista de modas alemana, «Die Dame», que
buscaban una imagen que representase a la mujer
emancipada, a la mujer moderna. Lempicka se
autorretrató conduciendo un lujoso Bugatti verde,
mostrándose como una mujer con poder, con movilidad e
independencia, sin necesidad de la presencia masculina.
La mirada de la artista automáticamente se convierte en
el centro de atención, con esa actitud de femme fatale
típica de los años 20. También tiene el toque garçonné,
esa palabra francesa de moda en los años 20 para
referirse a las «chicas solteras» que reivindicaban los
derechos de la mujer y la igualdad de género adoptando
una figura andrógina.

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Fundamentos del Arte II
Grupo de cuatro desnudos de Lempicka.
Tamara de Lempicka, 1925
La bella Rafaela. Tamara de Lempicka, 1927
En esa época, la artista estaba en París, y
caminando un día por una de sus calles vio que
todo el mundo se detenía a ver a una mujer que
iba delante suya.
La Lempicka la adelantó y se giró para volver. «Era la
mujer más hermosa que había visto jamás… unos
enormes ojos negros, una boca sensual, un hermoso
cuerpo. Me paré y le dije: “Madmoiselle, soy pintora y
me gustaría que viniese a posar para mí. ¿Quiere
usted hacerlo?” Ella sólo dijo: “Sí, ¿por qué no?”».
Al día siguiente Rafaela se presentó en el
estudio de de Lempicka y así nació este
fantástico cuadro Art- Decó, y otras seis obras
Maternidad. Tamara de Lempicka, 1928
2º de Bachillerato E. de Arte
razón por la que Tamara/ María odiaba el
comunismo ya que la revolución rusa
destrozó su cómoda vida aristocrática de
fiestas en la Rusia pre-revolucionaria,
cuando estudió arte en Petrogrado.
En 1923 se establecen en París donde
nació su única hija, Kizette. Tamara era
ya su un nuevo nombre y en calidad de
refugiada tomó clases de pintura con
Maurice Denis en la Académie Ranson y
con André Lhote en la Academié de la
Grande Chaumière, quienes influenciaron
en su trabajo. Su estilo, que a menudo se
identifica como "cubismo suave", em-
pezó a cobrar popularidad a partir de
1922, año en que empezó a exhibir su tra-
bajo, aunque no aparecía como mujer en
los catálogos. En su emigración en París
surgen signos de debilidad económica y
Tamara se ve obligada a pintar. En pocos
Retrato del Gran Duque Gabriel
años, su personalísima técnica y elegante
Kostantinovic. Tamara de Lempicka, 1927
estilo, además de sus contactos, la con-
vierten en la pintora de moda. Toda la
burguesía y la nobleza quieren uno de sus
retratos, y Tamara se convierte en una ex-
traordinaria retratista. Pronto puede vol-
ver a permitirse su despreocupado tren de
vida.
En 1925 presentó su primera exposición
en Milán, Italia bajo su propio nombre,
apoyada por el Conde Emmanuele Castel-
barco. Para ello, Lempicka pintó 28 traba-
jos nuevos en seis meses, un esfuerzo
supremo considerando que cada retrato le
tomaba cerca de tres semanas de trabajo.
En 1927, su cuadro Kizette en el balcón la
hace acreedora de su primer premio, un
diploma de honor en la Exposición Inter-
nacional de Burdeos. En 1929 se divorcia
de Tadeusz, ese es el año en que pinta uno Kizette en el balcón. Tamara de Lempicka,
de sus trabajos más famosos Autorretrato 1927
en un Bugati verde, en esta obra, Tamara
de Lempicka recuerda la trágica muerte
de la bailarina estadounidense Isadora Duncan que murió estrangulada en 1927,
cuando su largo chal se enreda en una de las ruedas posteriores de su Bugatti. Se
forja entonces la leyenda de Tamara de Lempicka, increíblemente hermosa y
moderna, amante del hedonismo, las fiestas, las orgías, la cocaína y la bisexua-
lidad. Una vida decadente que sirvió de inspiración para la mayoría de sus cua-
dros, que retrataban en gran parte, la fauna del París de la alta burguesía.
Ese mismo año conoce al barón húngaro Raoul Kuffner de Diószegh (1886-
1961), un coleccionista de su obra con quien viaja a Estados Unidos. En 1933,
Tamara acepta casarse con el barón aunque no oculta su orientación bisexual. Al
poco tiempo se hace famosa entre la burguesía neoyorquina y expone en varias
galerías estadounidenses y europeas. En 1933 viaja temporalmente a Chicago
donde trabaja con Willem de Kooning y Georgia O'Keeffe. En 1938 se van a
vivir a Beverly Hills. Fue la artista favorita de muchas estrellas de Hollywood y
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Fundamentos del Arte II 2º de Bachillerato E. de Arte

llamada "la baronesa con pincel".

En 1941 su hija Kizette escapa de
París bajo ocupación nazi y se va a
vivir con su madre a Estados Unidos
donde rehace su vida. En 1960, Ta-
mara cambia de estilo, pasándose al
abstraccionismo. En 1962 muere su
esposo y en 1978 ella decide mudarse
a Cuernavaca, México.
El 18 de marzo de 1980, Tamara de
Lempicka muere en Cuernavaca (Mé-
xico) mientras dormía. Kizette, com-
placiendo el sueño de su madre, subió
a un helicóptero y arrojó las cenizas
de Tamara en el cráter del volcán Po-
pocatépetl.
Desde sus primeras obras Tamara
Tamara realizando el retrato de su primer
buscó representar la figura humana, al
marido Tadeusz Łempicki en 1928
respecto comentó Germain Bazin "Un
cuadro de Tamara se representa en ge-
Adán y Eva. Tamara de Lempicka, 1932 neral como un bajorrelieve de una
Lempicka no sólo pinta con su característica
manera estilizada, ecléctica y elegante, sino que
sola figura de volúmenes poderosos
ubica a la «primera pareja de humanos» en el que llena todo el campo del lienzo,
mundo contemporáneo (los años 30), hasta el punto en que, a menudo, el
sustituyendo el jardín del Edén por la gran
ciudad. Sin duda para una urbanita como ella,
cima de la cabeza está cortado por el
vivir entre esos rascacielos era el paraíso. borde superior"
La relación entre la pareja desnuda de este Tamara fue "la primera artista mujer
cuadro es evidentemente sensual. Adán parece
que va a morder a Eva más que a la manzana. en ser una estrella del glamour". In-
fluenciada por el Cubismo, Lempicka
fue una de las mayores representantes del estilo Art Déco en dos continentes.
Fue la retratista más reconocida de su generación entre la "alta burguesía" y la
aristocracia, pintando a duquesas, grandes duques y las altas esferas sociales. A
través de su red de amistades, fue capaz de exponer sus pinturas en los salones
de mayor élite del momento.
Se percibe en su obra un amor por Ingres, pero también Boticelli y el Manie-
rismo en general. El desnudo y el retrato son sus principales géneros. Hombres Mujer con paloma. Tamara de Lempicka, 1931

elegantemente vestidos, o bien mujeres etéreas, con las telas de sus vestidos flo-
tando.
Se quiso ver también ciertos rasgos propios del cubismo en su obra, y desde luego la artista tuvo contacto con el movi-
miento, adoptando cierta geometrización en algunas de sus obras. De hecho, el eclecticismo es quizás lo más característico
de su producción.

El mobiliario Art Déco

Los diseños de muebles de este periodo se distinguen por el
lujo y la sofisticación que tanto caracterizaron al periodo de
entreguerras. Es la época de los diseños imposibles en el mo-
biliario, el nacimiento del star system de Hollywood, los pri-
meros automóviles fabricados en serie, la emancipación de
la mujer y unas ganas tremendas de vivir y resarcirse de la
devastación que supuso la I Guerra Mundial. Por desgracia
lo bueno dura poco, y en unos años vendrá otro cataclismo
de consecuencias aún peores que la anterior contienda: la II
Guerra Mundial.
La estética y los materiales del art déco tienen orígenes emi-
nentemente franceses, más concretamente parisinos, y está
íntimamente ligado a la mejora del estatus de los artesanos Biombo de hierro y cobre llamado "Oasis" de Edgar Brandt, expuesto en la
Exposición de París de 1925

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Fundamentos del Arte II 2º de Bachillerato E. de Arte

que diseñaban y fabricaban muebles,

cerámicas, joyas, tapices y en general,
todas las disciplinas que no eran con-
sideradas bellas artes como la arqui-
tectura, la escultura y la pintura. En
1901 se funda la Sociedad de los Ar-
tistas Decorativos y finalmente con-
siguen el mismo estatus,
consideración y derechos de autor
que los escultores y pintores.
Aparecen en París numerosas revistas
especializadas en decoración, y se
crea una gran exposición sobre este
Ilustración de Georges Barbier de un vestido tipo de artes que se pospone en varias Antoine Bourdelle, La danza, fachada del Theatre
de Paquin (1914). Los diseños florales ocasiones debido a la Primera Guerra des Champs-Elysees, París (1912)
estilizados y colores brillantes fueron una
característica del Art Déco temprano.
Mundial hasta que por fin se celebra
la exposición que ya conoces en
1925. Durante estos años son muchos los pintores simbolistas y modernistas que
rompen las barreras entre las bellas artes y las artes decorativas, y además de crear cuadros con un estilo muy influenciado
por las artes decorativas, como es el caso de Gustav Klimt o de Odilon Redon, también diseñan objetos muy dispares que
tuvieron mucho éxito. Recuerda el vestido Delphos de Mariano Fortuny, que fue toda una revolución hacia 1900.
A este auge de los objetos art déco también influyó el hecho de que muchas tiendas y revistas emplearon a diversos di-
señadores de este estilo, como joyeros de la talla de Louis Cartier, el fabricante de maletas Louis Vuitton o el diseñador
de vidrio René Lalique, todos ellos asentados en París a comienzos de la pasada centuria.
Y en esos años se construye el primer edificio realizado enteramente en estilo art déco: el Teatro de los Campos Elíseos
de París, realizado por Augusto Perret en 1913. El cemento armado usado en el edifico fue toda una revolución para la
época. Supuso un antes y un después para la arquitectura europea,
que adoptó finalmente las novedades técnicas de la escuela de Chi-
cago.
Al igual que ocurría con la arquitectura, el diseño de interiores y el
mobiliario art déco pretendían sobre todo transmitir elegancia y so-
fisticación, a la vez que se extendía la idea de que la belleza y el
confort eran imprescindibles para el bienestar general de las perso-
nas. Para ello se funden la utilidad y la decoración mediante la uti-
lización líneas rectas, contornos definidos, colores primarios pero
brillantes, formas poligonales y simétricas y toda una suerte de ma-
teriales tradicionales como la madera, el marfil y las piedras semi-
preciosas con otros materiales novedosos de la más rabiosa
actualidad: cromados, resinas sintéticas, plásticos o pieles de ani-
Exhibición de los primeros muebles Art Déco del Atelier
males exóticos. Los diseños, al igual que los adornos de los grandes
Français en el Salon d'Automne de 1913 de la revista Art et edificios, estarán inspirados en los coetáneos descubrimientos ar-
décoration (1914) queológicos que hizo que todo Occidente volviera su mirada hacia
Egipto y la antigua Mesopotamia, así como en las primeras van-
guardias: Cubismo, Futurismo, Racionalismo de la Bauhaus ... y no
podemos olvidar esos toques exóticos de Oriente: India, China y
Japón.
Las maderas exóticas fueron el material preferido durante estos fe-
lices años. Ricas y raras maderas se pulimentaban, como el ébano,
jacaranda, caoba o palisandro. La laca y las resinas sintéticas que
ya se empezaban a producir daban un aspecto absolutamente bri-
llante al mobiliario. Y a esto también colaboró el uso del cromo,
prácticamente desconocido hasta este momento. El cromo es un
metal de color blanco grisáceo muy brillante que se utiliza en dis-
tintas aleaciones debido a su resistencia a la corrosión. El otro ma-
terial ampliamente usado en los muebles art déco y que supone una
Un estudio Art Déco de la firma de diseño de Alavoine en París,
ahora en el Museo de Brooklyn (1928-30) novedad fue la baquelita, el primer material de plástico sintético de

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Fundamentos del Arte II 2º de Bachillerato E. de Arte

la historia. La baquelita puede moldearse si se calienta y mantiene su

forma al solidificarse. Es además resistente al agua y a los disolventes.
Se usó ampliamente para fabricar teléfonos, radios, chapados de mue-
bles y hoy día es el material del que están hechos los mangos de las
sartenes y ollas. Por último, citar extraños y carísimos materiales como
el carey, que es una concha de tortuga finamente pulida, y pieles de
animales como serpientes o tiburones.
Es cierto que un buen mueble art déco es ante todo, bonito, estética-
mente agradable, pero sin olvidar su buen diseño y su funcionalidad.
De hecho, los muebles solían servir para más de una cosa, por ejemplo,
librerías que sirven de biombos, escritorios que también son mueble
bar, etc. Estos muebles que tanto gustaron a la alta sociedad europea y
americana, hasta el punto de que se asocian con la incipiente industria
de Hollywood y sus estrellas, se empezaron a fabricar en serie en una Juego de cóctel de acero cromado de Norman Bel Geddes
versión menos lujosa para que también estuvieran presentes en los ho- (1937)
gares de la clase media, con lo que asistimos al nacimiento de la fabri-
cación en serie de muebles y accesorios. Y hoy día aún se fabrican
muebles inspirados en este estilo, y hay que reconocer que son muy
bonitos y elegantes.
Los interiores art déco y más concretamente el mobiliario, simboliza-
ron el lujo y la elegancia de los famosos años veinte, y siguieron de
moda durante la década de 1930 hasta el estallido de la Segunda Guerra
Mundial. Con este estilo se decoraron los teatros, los cines, los rasca-
cielos y hasta los transatlánticos de lujo y se formó el primer estilo in-
ternacional decorativo del mundo. Uno de sus pioneros fue el diseñador
Armando Rateau, quien trabajó para la alta sociedad parisina decorando
con materiales lujosos y exclusivos las casas de sus ilustres clientes, El tocador de la diseñadora de moda Jeanne Lanvin
(1922-25) ahora en el Museo de Artes Decorativas, París
entre quien estaba la duquesa de Alba y la diseñadora de moda Jeanne
Lanvin. Para ella decoró su apartamento parisino con ricos estucos,
mármoles de diversos colores, maderas nobles y vidrios tallados.
Eileen Gray es otra de las figures más importantes del diseño art déco.
Comenzó a trabajar como restaura-
dora de muebles y consiguió gran
destreza en el uso de barnices y
lacas. En sus diseños introduce las
formas tubulares y la combinación
de metales y vidrio. Especialmente
Salón de cristal diseñado para Suzanne Talbot por Paul
durante la década de 1920 los dise- Ruaud con muebles de Eileen Gray (1932)
ñadores se inspiraron en los vivos y
brillantes colores de los fauvistas, así
como en el rico colorido de los ballets rusos, tan del gusto de la época. Materiales exó-
ticos, líneas sencillas y formas geométricas son los protagonistas de estos primeros años
del art déco. Ya conoces a otra de las grandes diseñadoras art déco pero en su faceta de
pintora: Sonia Delaunay.
Eileen Gray, mesa En la Exposición de las Artes Decorativas de 1925 el diseñador de muebles más im-
portante fue Émile-Jacques Ruhlmann, quien solo usaba los materiales más raros y exó-
ticos como conchas de tortugas, marfil y maderas tropicales. Sus muebles están
inspirados en los diseños clásicos estilo Luis XVI de más de cien años pero reinterpre-
tándolos y simplificándolos. Según Ruhlmann cada silla debía diseñarse según la es-
tancia para la que se destinara: así las sillas de la oficina deben ser cómodas mientras
que las del salón deben ser amplias y voluptuosas.
Jean Dunan se especializó en todo tipo de lacados, como el que él mismo ideó a base
de cáscara de huevo y resina natural. En sus diseños abundan las referencias cubistas y
japonesas. Maurice Dufrene es otro de los mayores representantes de muebles déco, al
igual que Fortunato Depero y Enrico Prampolini, con un mobiliario exuberante de for-
Gabinete diseñado por Émile-Jacques mas amplias y monumentales.
Ruhlmann

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Fundamentos del Arte II 2º de Bachillerato E. de Arte

Joyería y moda
En estos felices años veinte irrumpen con fuerza en la vida de las personas las joyas,
los relojes exclusivos y las primeras firmas de moda que tendrán un impacto mundial.
Aún hoy marcas como Chanel o Cartier siguen vendiendo millones de productos y
marcan las pautas del estilo más elegante y sofisticado. Aún no había televisión ni in-
ternet, claro, pero las revistas especializadas en moda y sobre todo, el cine con sus
superestrellas hollywoodienses hicieron de escaparate y pasarela de los nuevos diseños
en joyería y de las nuevas prendas que marcarían tendencia.

Joyería Déco. Cartier y Patek Philippe

Podemos afirmar que la joyería art déco nace cuando se acaba la época victoriana y Frasco de perfume de René Lalique
ya empieza a estar pasado de moda la recargada joyería art nouveau, con sus formas
sinuosas y sus motivos florales tan exhuberantes. La nueva joyería estuvo impulsada
por los diseños vanguardistas de joyeros modernistas como René Lalique y Georges
Fouquet, entre otros, que se inspiraron en los modernos movimientos de vanguardia
como el Cubismo, el Futurismo y el Constructivismo, eliminando los detalles y sim-
plificando las formas y los colores.
Las joyas déco se basan en formas geométricas simples, como el cuadrado, rectángulo,
triángulo y círculo, que en numerosas ocasiones se superponen para dar lugar a formas
más complejas pero sin perder su acusada geometría. A estas formas se le añaden mo- Colgantes de estilo Art Déco de cristal
tivos inspirados en las recién descubiertas civilizaciones mesopotámicas, aztecas, moldeado con cordones de seda y
mayas y de nuevo la inagotable civilización borlas, por Rene Lalique

egipcia. Encontramos líneas rectas y en zigzag

Colgante de Gérard Sandoz
Cartier, (1930), Colgante de esmeralda, nombre Santos viene de su amigo, el piloto brasileño Alberto Santos Dumont. Este
diamante y platino
además de formas abstractas que recuerdan a
las pirámides y los jeroglíficos, a los templos
escalonados precolombinos, a los zigurats me-
sopotámicos, y se prefieren los diamantes, las
esmeraldas y los zafiros. También se prefieren
los colores brillantes y puros como los que
usaban los pintores vanguardistas. Así obser- Boucheron (1925), una hebilla de oro
con diamantes y ónix tallado, lapislázuli,
vamos gran predilección por los azules, rojos, jade y coral (1922-25) Pieza de
amarillos y negros, que contrastan a la perfec- inspiración egipcia
ción con el nuevo material preferido por los
joyeros: el platino.
La joyería art déco evolucionó a la par que la moda. Los vestidos se acortan, las
mangas dejan ver la casi totalidad de los brazos y los nuevos cortes de pelo dejan
al descubierto el cuello y las orejas, por lo que asistimos a una profusión de pul-
seras, brazaletes, aros y collares llenos de perlas, pues en este momento se comien-
zan a cultivar, con lo que se reduce su precio y se populariza su uso. Con la
aparición de un nuevo tipo de mujer moderna y liberal aparecen también nuevos
complementos, como las pitilleras y los neceseres para llevar pintalabios, coloretes
y cigarrillos.
Importantes joyeros fueron Gérard Sandoz, Jean Després con sus andróginos di-
seños inspirados en la maquinaria industrial, Raymond Templier o la parisina Su-
zanne Belperron, la preferida por la alta sociedad francesa de principios de siglo.
Pero el más importante de todos, y quien creó un verdadero imperio de la joyería
que sigue resultando un clásico hoy día fue Louis Cartier.
La casa Cartier la fundó en 1847 Louis-François Cartier, pero fueron sus nietos
quienes crearon el gran imperio de la joyería y la relojería que siguen siendo en la
actualidad: Louis en París, Jacques en Londres y Pierre en Nueva York. Louis fue
el más emprendedor de los tres: inauguró una nueva forma de tallar las piedras,
fue el pionero en montar diamantes sobre platino en lugar de sobre oro, y viajó
por medio mundo en busca de exclusivos y adinerados clientes.
Cartier fue la primera casa joyera en fabricar un reloj de pulsera allá por 1904. Se
trata del icónico reloj Santos: plano, con forma cuadrada y acabado en bisel. El

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Fundamentos del Arte II 2º de Bachillerato E. de Arte

le comentó que no podía cronometrar

sus vuelos pues no era posible con-
sultar los relojes de bolsillo y pilotar
el avión al mismo tiempo; Cartier
tomó buena nota y para él diseñó este
primer reloj de pulsera de la historia.
Dos años antes los Cartier fueron los
encargados de confeccionar las joyas
que la familia real lució en la coro-
nación de Eduardo VII. A partir de
entonces son los joyeros de casi
todas las casas reales del mundo, in-
El diseño original del mítico reloj Santos de Cartier cluidas la española. Hacia 1910 Car-
tier ya era sinónimo de modernidad
y elegancia, y muchos de sus diseños
de esta época se siguen fabricando Mujer con pantera, de George Barbier, para
hoy día. Cabe destacar su icónico Cartier, 1914.
El cartel fue encargado por Louis Cartier en
Reloj misterioso con una esfera 1914, fue utilizada más tarde en publicidad
transparente que escondía su meca- para la firma. La imagen muestra a una mujer
con un vestido Poiret, de moda en esos años,
nismo, las joyas déco Tutti frutti, los
con una pantera a sus pies.
modelos de relojes Baignore, Tortue
o Tanque, inspirado en el tanque de
Reloj de bolsillo de Patek Philippe & Co.
los automóviles Renault. Desde 1930 la pantera es el emblema de la firma
Cartier.
La otra gran empresa joyera y relojera emblemática es Patek Philippe & Co. Fundada en 1851 en Ginebra por un inmi-
grante polaco, Antonio de Patek, y su socio, el relojero francés Adrien Philippe, fueron los pioneros en la fabricación del
reloj por minutos y segundos, así como los inventores del cronómetro y del primer reloj de cuarzo. Entre sus primeros
clientes se encontraba la mismísima Reina Victoria de Inglaterra, así como el papa Pío IX o el rey Víctor Manuel III de
Italia. De esta casa es el reloj más caro del mundo, subastado por once millones de dólares,

La revolución de la moda. Cocó Chanel

Gabriell Bonheur Chanel, mundialmente conocida como Cocó Chanel (1883-1971), fue la figura más destacada y revo-
lucionaria de la moda durante todo el siglo XX, y una de las cien personas más influyentes de la historia según la revista
Time.
La reina de la moda es un ejemplo de tenacidad, esfuerzo y ambición, una vida
de éxito y ascenso desde lo más bajo a la cima del reconocimiento y el éxito.
Gabrielle Bonheur nació en la localidad de Saumur en la región del Loira. Su
padre era un vendedor ambulante y su madre una pobre campesina que murió
cuando Cocó tenía seis años. Ella y sus hermanas acabaron en un orfanato, y aquí
comienzan unos durísimos años de educación rígida y estricta. Al cumplir los
dieciocho se traslada a un internado de la localidad de Moulins, donde residían
sus abuelos paternos. Allí recibe una formación como sastre y a los veinte co-
mienza a trabajar en una mercería junto a su joven tía Adrienne.
Fue en estos años cuando se cambia el nombre por el apodo Cocó, y cuando co-
noce a su primer amor, un militar llamado Étienne Balsan que la ayudó a abrir su
primer negocio, una tienda de sombreros en el centro de París. Corría el año 1910
y su negocio fue un rotundo éxito, que le permitió abrir una segunda tienda y
vender sus diseños de ropa.
Tras la I Guerra Mundial Cocó Chanel ya es conocida por la alta sociedad pari-
sina, sus trajes causan furor y entre sus amantes se encuentran el compositor Igor
Stravinsky, un primo del zar Nicolás II de Rusia y el duque de Westminster. En Cocó Chanel
1923 Cocó Chanel lanza su perfume Chanel nº 5, emblema de la elegancia y el Algunas de las frases más conocidas de Cocó
Chanel son estas:
glamour por excelencia, y se encarga del vestuario de las grandes estrellas de . La moda se pasa de moda, el estilo jamás.
Hollywood en varias superproducciones. . Viste vulgar y sólo verán el vestido, viste
Durante la II Guerra Mundial Cocó mantuvo abierta su boutique de París y parece elegante y verán a la mujer.
que hasta trabajó como espía al servicio de los nazis. Esto le costó el rechazo ge-
. El perfume anuncia la llegada de una mujer y
alarga su marcha.

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neralizado de la sociedad francesa, por lo que se trasladó a vivir a Suiza y estuvo alejada
de la moda hasta 1954, cuando vuelve a París y se reinventa por completo. Actrices de la
talla de Rita Hayworth, Elisabeth Taylor y Grace Kelly lucen sus nuevos diseños, y con
nuevos perfumes, bolsos y demás complementos la firma Chanel se consolida a nivel
mundial como símbolo de glamour y elegancia.
Chanel creó una serie de diseños icónicos de la primera mitad del siglo XX que aún hoy
se siguen fabricando en múltiples versiones y que son claramente reconocibles. El primero
de ellos es el traje chaqueta de tres piezas: falda, chaqueta y blusa. Chaqueta con botones
y múltiples bolsillos que eran exclusivos de la moda masculina, con el corte de los hom-
bros alto para dar mayor libertad de movimiento. Falda recta plisada confeccionada con
el mismo material, generalmente tejidos ligeros y suaves como el tweed, la seda o el
punto, y blusas que completan el atuendo que van desde las sencillas blancas pasando
por las negras que combinan con todo, hasta blusas confeccionadas con telas a juego con
el traje. El traje Chanel hizo que la mujer del periodo de entreguerras se sintiera cómoda
y por lo tanto, bella y elegante, y se convirtió en una prenda imprescindible de la nueva
mujer del primer tercio del pasado siglo. Para terminar su
creación, Chanel impuso la moda de los cómodos zapatos
de tacón bajo a modo de las actuales bailarinas. Ya en la
década de los sesenta Chanel los confeccionó de manera
masiva para que cualquier mujer de todas las condiciones
sociales pudiera tener al menos un traje chaqueta Chanel. Traje Chanel de tweed bouclé de
La siguiente prenda con el sello indiscutible de Cocó fue lana a rayas marrones y crema con
blusa de seda plisada y fruncida.
el pequeño vestido negro, que junto con las perlas y el ci- 1965.
garrillo forma la inmortal imagen de la reina de la moda.
Confeccionado en una sola pieza con telas finas como el
satén o la seda, llevaba muy pocos adornos, tenía poco vo-
lumen y supuso el abandono para siempre del corsé. Las
joyas falsas fueron otra de las geniales creaciones de Cocó,
y era algo impensable hasta que ella las puso de moda. Per-
las falsas combinadas con piedras semipreciosas, cadenas
y pedrería artificial que eran el complemento ideal de sus
Un diseño de bolso acolchado
trajes, sombreros y bolsos. Los bolsos con el distintivo característico de Chanel
sello de la casa estaban realizados en lana o cuero con un
exterior acolchado de material sintético y una cadena me-
Conjunto de noche de Cocó tálica brillante que destacaba poderosamente.
Chanel 1925
Y no podemos olvidarnos de su perfume Chanel nº 5, del
que Marylin Monroe dijo que solo se ponía para dormir
unas gotas de él. Hoy en día es muy común que existan fragancias con el nombre de los
grandes diseñadores, pero fue Chanel la pionera en esto, así como en crear un envase ex-
clusivo para su perfume, que al contrario de los tradicionales envases barrocos y recarga-
dos, el de la fragancia Chanel nº 5 era un elegante y sencillo frasco de vidrio con forma
cúbica y transparente que fue todo un bombazo. Unos años más tarde lanzó la fragancia
Chanel nº 19.
Incansable trabajadora, con unos inicios humildes, luchó con fuerza por hacerse valer en
un mundo machista dominado por los hombres, Chanel sigue siendo hoy día sinónimo de
elegancia, sobriedad, estilo y personalidad.
Chanel Nº5, el producto más
La escultura de los años 20: Pablo Gargallo y Constantin Brancusi emblemático de Perfumes Chanel

El arte escultórico experimenta la revolución más radical de su historia en el siglo XX,

en paralelo y a remolque de los cambios experimentados por la pintura. Casi toda la escultura desde la Antigüedad ex-
presaba la figura humana y, en menor grado, la animal con fines estéticos o expresivos, pues bien, en el siglo XX, al igual
que había sucedido en pintura la obra escultórica expresará algo totalmente distinto.
La figura de Rodin influyó a principios de siglo, pero enseguida, y con el Cubismo, se rompe con la tradición; la figura
humana va a dejar paso a las formas geométricas. Es también un cauce ideal la escultura para expresar la desolación del
mundo actual. Tres escultores contribuyen a la creación de nuevas formas: Brancusi, Julio González y Gargallo.

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Pablo Gargallo: Modernismo, Expresionismo y Cubismo

en la escultura
Pablo Gargallo es uno de los escultores vanguardistas más importantes del
Siglo XX y uno de los innovadores en el uso del material del hierro.
Gargallo nace en 1881 en Mealla una pequeña localidad Zaragozana, pero
con tan solo siete años el escultor y su familia se trasladan a Barcelona, allí
Gargallo entra a formar parte del taller de Eusebi Arnau uno de los princi-
pales representantes del modernismo escultórico catalán.
La influencia del modernismo se hace patente en las primeras esculturas
de este artista que tienen una fuerte componente modernista como por ejem-
plo la decoración del Hospital de la Cruz. Sin embargo la innovación ya es
patente en este fastuoso encargo, las decoraciones clasicistas con influencias
del modernismo se combinan con aspectos más vanguardistas e innovadores
a través de la utilización de materiales como la chapa.
Pablo Gargallo es uno de los escultores vanguardistas más importantes del
Tímpano de la puerta de acceso de la sala de actos
Siglo XX y uno de los innovadores en el uso del material del hierro.
del Hospital de la Santa Creu i Sant Pau con el
relieve de San Jorge (Pau Gargallo). Obtuvo una pequeña beca para ir a París, ciudad de la que quedó prendado
por alto ambiente intelectual.
Será precisamente en la capital parisina donde reciba la influencia de la es-
tética cubista. De este movimiento adquiere la composición esquemática
que regirá en su obra y la tendencia a la simplicidad de formas. Ya en París
recibe varios encargos desde el Ayuntamiento de Barcelona para decorar la
ciudad, alguno de los más importantes son Los jinetes del Saludo Olímpico
o La vendimiadora. Pasó parte de su vida en el barrio de Montparnasse de
París. En 1903 vivió en la comuna de artistas Bateau-Lavoir con Max Jacob,
Juan Gris y Picasso, cuya cabeza modeló en una escultura. Al año siguiente
Los aurigas olímpicos, de Pablo Gargallo
Juan Gris le presentó a Magali Tartanson, con la que se casó en 1915. En
1934 Pablo Gargallo sufrió una neumo-
nía fulminante y murió en Reus, (Tarra-
gona) donde se había desplazado para
inaugurar una exposición de su obra.
Durante toda su carrera mantuvo simul-
táneamente dos estilos aparentemente
muy distintos: uno clásico, relacionado
con el modernismo en sus inicios y con
el novecentismo, y un estilo vanguar-
dista en el que experimenta con la des-
integración del espacio y las formas y
los nuevos materiales.
Gargallo, influido por su amigo Julio
Mujer descansando en hueco, 1922, de Pablo González, desarrolló un estilo de escul-
Gargallo Pablo Gargallo, 1913, Retrato de
tura basado en la creación de objetos tri- Picasso
dimensionales de placas planas de metal,
usando también papel y cartón. También realizó esculturas más tradicionales en bronce,
mármol y otros materiales. Entre sus obras se encuentran tres piezas inspiradas en Greta
Garbo: Masque de Greta Garbo à la mèche, Tête de Greta y los Garbo avec chapeau
y Masque de Greta Garbo aux cils.
Desde el inicio de la década de los treinta Gargallo empieza a utilizar gruesas chapas
de hierro forjado. El vacío se incorpora a su obra como un elemento más, la elipsis de
las partes innecesarias es la tónica general de su escultura, lo que comúnmente se ha
conocido como “vacío escultórico”. Lo principal, la esencia, es aquello que el escultor
manifiesta en simples formas.
Realmente la luz es la verdadera protagonista en las obras de Gargallo. Al igual que en
las pinturas caravaggiescas o en el arte barroco el componente lumínico es fundamental,
en las obras de este escultor vanguardista la luz es expresividad en estado puro y el
juego de luces y sombras es creada por ésta a través de espacios huecos o formas sim- Pablo Gargallo, Retrato de Greta
Garbo, 1930

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ples.
La delicadeza con la que Gargallo mo-
delaba el mármol en sus primeras obras
de influencia modernista, se traspasa a
sus obras de forja. El hierro frio, pe-
sado y opaco adquiere luz, ligereza y
sobre todo expresividad en las manos
del escultor zaragozano.
De entre las obras de Pablo Gargallo
merece especial atención El Violinista,
La Bailarina o El Profeta obra reali-
zada bronce en torno a 1933 y que re-
presenta a un hombre con un bastón
que agita uno de sus brazos en alto
mientras proclama un discurso. Esta es
su obra más conocida y su pieza maes-
tra El profeta, de 1933, que es la cul-
minación de su concepto cubista de
escultura del hueco y a la vez posee
una energía expresionista que conecta,
por el tema tratado, con la tradición bí-
blica.
La característica más importante del
artista es la importancia y fuerza expre-
El Profeta, 1933. Pablo Gargallo Bailarina española (1931) Pablo Gargallo
siva que le da al vacío, de manera que
podemos hablar de cierta cercanía al
Expresionismo por su forma de sugerir y de expresar espiritualidad.
En 1985 se abre el Museo Pablo Gargallo en Zaragoza como reconocimiento a la obra de uno de los mejores artistas de
la vanguardia española.

Constantin Brancusi
Brancusi nació en Rumanía, dentro de una numerosa familia campesina. Trabajó como pastor desde los siete años de
edad. Sin estudios básicos, aprendió a leer por sí mismo. Entre los nueve y once años combinaba su trabajo como ayudante
de una tienda con su afición con las tallas de madera, parte importante de la cultura popular de su país. Después de haber
trabajado en una tintorería y una droguería, finalmente trabajó en una posada, donde tendría su gran golpe de suerte. Du-
rante una discusión, alguien lo desafió a fabricar un violín y el joven, bendecido con un don en sus manos, convirtió una
caja de naranjas en un instrumento musical. Un gitano sacó música de él y Brancusi se ganaría la simpatía de uno de sus
clientes. Apenas sabía leer ni escribir. Este acaudalado filántropo decidió pagar sus estudios en la Escuela de Arte y
Oficios de Craiova (ciudad del distrito Dolj, Rumania) desde 1894 a 1898. Poste-
riormente continuó sus estudios en la Escuela Nacional de Bellas Artes de Bucarest
desde 1898 hasta 1901. En 1903 realizó su primer
encargo: un busto del general rumano Carol Da-
vila.
Llegó a París en 1904 para perfeccionar sus estu-
dios, mientras lavaba platos en un restaurante o
cantaba en ceremonias de la Iglesia ortodoxa ru-
mana. Como estudiante de arte coincidió y se vio
influido por Auguste Rodin y el Impresionismo.
Se muestra como uno de los primeros artistas del
arte moderno. En 1909-1910 trabajó con Amedeo
Modigliani que también influiría en su obra.
Utiliza todo tipo de materiales: metal, piedra,
mármol, madera, etc. Generalmente bien pulidos.
Partiendo de un lenguaje realista, fue acercándose
poco a poco hacia la abstracción, buscando, tal y
Busto del general Carol Davila. como el mismo decía, “la esencia de las cosas”.
Constantin Brâncuși. 1912 Fotografía de Constantin Brâncuși en su taller.

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En este camino, sus obras fueron desvinculán-

dose cada vez más de lo accesorio y hacién-
dose más y más sencillas.
En esta trayectoria también se vió influido por
las esculturas primitivas y africanas (y, natu-
ralmente, por Gauguin), sencillas y puras de
líneas. La pureza que buscaba viene a ser un
pretexto para mostrarnos lo espiritual, lo in-
material y permanente. Esta simplificación y
depuración de lo representado, llegaba a do-
tarse de formas cerradas y estilizadas, convir-
tiéndolas en pura expresión visual, pues,
reiterando y ampliando sus propias palabras Constantin Brâncuși, El beso, 1907- 08
decía que “lo que es real no es la forma ex-
terna, sino la esencia de las cosas”.
Tal vez por estas razones muchas de sus es-
culturas tiendan al alargamiento, como si qui-
sieran desprenderse de sus ataduras materiales
y volar libre de toda ligazón con la tierra.
Cuando se le criticó que no podía representar
un pájaro en vuelo él contestó que lo que tra-
taba de mostrar era, más bien, “la idea de un
pájaro que volaba”. Para ello elimina las Constantin Brâncuși, Musa durmiendo,
1912
patas, las alas, las plumas y simplifica el
Constantin Brâncuși. La columna del
infinito. 1933
cuerpo.
No se alineó el escultor a ninguna tendencia artística, sólo se preocupaba por buscar
la forma primaria del objeto y de plasmarla plásticamente transmitiendo, no solo su
forma exterior, sino su esencia misma y sería él, Brancusi, el que iba a influir en otros muchos escultores
No obstante, aún en su abstracción, su obra va a llevar siempre intrínseca las raíces de sus orígenes rumanos. La influencia
del folklore o los antiguos mitos se van a ver reflejados en ella en más de una ocasión.
Realizó una serie de esculturas en metal llamadas Pájaro en el espacio. Entre otras obras de Brancusi se encuentran:
Madre durmiente (1906-10), El beso (1908), La sabiduría (1909), Prometeo (1911), El comienzo del mundo (1924), El
pájaro (1924-49), la Columna del infinito (1933), El espíritu de Buda (1933) y La gallina (1941).
Es uno de los grandes escultores del siglo XX, considerado también como uno de los padres de la escultura moderna, lle-
gando a construir su propio estilo y lenguaje artístico.

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