Apuntes sobre la historia del cine 1
imágenes en movimiento , antes
Introducción
El cine es más que una diversión. La
importancia que tienen las imágenes en
movimiento, como transmisoras de
información está hoy fuera de duda.
También es innegable que en sus
diferentes modalidades (cine, televisión,
vídeo; Internet, Multimedia) las imágenes
en movimiento pueden ser, aún sin
proponérselo, un vehículo educativo.
Diversos intelectuales de todo el mundo,
como el investigador italiano Giovanni
Sartori, han establecido que la palabra ha
sido destronada por la imagen. "La
primacía de la imagen - dice Sartori- es
decir, de lo visible sobre lo inteligible, lleva
a un ver sin entender que ha acabado con
el pensamiento abstracto, con las ideas
claras y distintas."1
Al respecto, Sartori advierte que los niños
están expuestos –fundamentalmente a la
televisión- durante horas y horas a las
11
“Hommo videns, la sociedad teledirigida” - Giovanni Sartori,
Editorial Taurus, 1998
de
aprender a leer y a escribir.
En este panorama, el que tiene en su poder
el control de la transmisión de dichas
imágenes, está ejerciendo, con intención o
sin ella, un procedimiento de formación del
espectador, sobre todo en el caso de los
más jóvenes y de los niños, que aún no
cuentan con criterios sólidos que les
permitan establecer una visión propia del
mundo.
Por ello, es imprescindible que en esta
nueva era multimedia, donde las imágenes
son la base de la comunicación, debe
iniciarse una nueva forma de pensar en
materia educativa, que introduzca a los
niños al mundo de las imágenes
audiovisuales, para que éstas se conviertan
en un soporte de su educación y no en un
sustituto de una formación integral, que
debe considerar toda la gama cultural que
tiene el ser humano (literatura, pintura,
música, etc.).
Marco Carlos Avalos Rosado
 Apuntes sobre la historia del cine 2

Definición poética: “Es el registro de

¿Qué es el cine?. Muchos cineastas,
criticos y teóricos han dado su propia
definición del cine. Los puntos de vista
desde los que se han hecho éstas
definiciones son muy varados, por ello
hemos escogido tres, que se acomodan en
el mismo número de puntos de vista:
la mirada de alguien: es una mirada
que sustituye a la nuestra. El film, es
una serie de imágenes, es decir de
hechos que se nos dan
definitivamente mirados. Es la
búsqueda de la esencia a través de
la apariencia”.(José de la Colina,
crítico cinematográfico).

Definición técnica: El cine es la

proyección de imágenes en
movimiento veinticuatro veces por
segundo.

Definición conceptual: “El Cine es el

arte de componer y representar
escenas (imágenes) fotografiándolas
para después reproducirlas en una
proyección que aparece por lo que
es (realidad imaginaria), que ofrece
la impresión de movimiento y que
será percibida por nuestros sentidos,
herirá nuestra imaginación y será
discriminada por nuestra
conciencia”.(Pablo Humberto
Posadas).

Marco Carlos Avalos Rosado


Capitulo I
Orígenes del Cine. Según Francoise
Traffaut, el cineasta francés, el hombre de
la antigüedad, debió pasarse largas horas,
por la noche, observando el crepitar del
fuego en sus fogatas.
Quizás lo que Traffaut quiso decir es que al
hombre siempre le ha llamado la atención
el movimiento. Las cosas que se mueven
"que toman vida" son las que más nos
gusta observar. Incluso cuando miramos un
cuadro, por ejemplo un paisaje con olas,
imaginamos su ir y venir. Y es que, si existe
una señal de vida, esa señal es el
movimiento.
Desde aquellas lejanas épocas, el hombre
ha intentado, de diversas formas,
representar o reproducir el movimiento.
Como sabemos, hoy es posible ver
imágenes en movimiento a través del cine.
Pueden ser imágenes tomadas de la
realidad o actores interpretando personajes,
delfines saltando y hasta el astro solar
ocultándose en el horizonte.
Apuntes sobre la historia del cine 3
Pero en la antigüedad esto no era posible,
por lo que el ser humano recurrió a la
pintura donde intentó reproducir o
representar el movimiento.
Un ejemplo de lo anterior son,
probablemente, las pinturas antiguas de
búfalos con ocho patas, encontradas en las
cavernas de Altamira, España, las cuales
representan el movimiento de dichos
animales al correr.
En su camino hasta el descubrimiento del
cine, existieron muchas personas que
intentaron descifrar el misterio del
movimiento, y que intentaron reproducirlo.
En China, por ejemplo, existió un teatro a
base de sombras que se proyectaban en
una pared que se llamó “Sombras
chinescas”. En Europa se llevaban a cabo
funciones con un aparato llamado “Linterna
mágica” que proyectaba vistas fijas sobre
una pared.
La persistencia retiniana. Además de los
artistas, magos y cirqueros de la
antiguedad, también los científicos
intentaron reproducir el movimiento. Para
ello, llevaron a cabo muchos experimentos
que desembocaron en un descubrimiento
Marco Carlos Avalos Rosado

gracias al cual, hoy es posible el cine:
la persistencia retiniana.
La persistencia retiniana es una
característica de nuestro ojo que
provoca que las imágenes que
observamos no se borren
instantáneamente, sino que queden
guardadas por una fracción de
segundo en la retina. Esto permite que,
por ejemplo, si hacemos girar un
fósforo, parezca que éste es un circulo
de fuego.
Desde el año 130 de nuestra era, Ptolomeo
El Fenakistiscopio, de Alejandría conocía este fenómeno de
conocido popularmente persistencia de la visión, pero su estudio y
como Fantascopio, creado
por el investigador belga, comprobación comenzó a darse entre los
Joseph Plateau. siglos XVII y XVIII, con el trabajo de
científicos como el caballero D’ Arcy, Peter
Mark Roget, Faraday e Isaac Newton.
No obstante, se reconoce a un científico
nacido en Bélgica, llamado Joseph Plateau,
como el que formuló, en 1829, lo que hoy
se conoce "principio de la persistencia de
las impresiones retinianas" o "persistencia
de la visión".
Plateau llevo a cabo diversos estudios y
experimentos que incluso le dejaron ciego,
Apuntes sobre la historia del cine 4
pero que permitieron al ser humano llevar a
cabo la ilusión del movimiento.
Uno de sus experimentos desembocó en un
aparato llamado Fenakistiscopio que
consistía en un circulo de cartón con
dibujos; al girarlo daba la impresión de que
los dibujos se movían. El experimento fue
muy popular en Europa, donde se vendía
como un juguete.
Por lo anterior, podemos decir que el cine
ofrece la ilusión del movimiento, pues lo
que en realidad se están observando son
fotografías pasadas a cierta velocidad; en
este sentido, la persistencia retiniana fue un
paso muy importante para el nacimiento de
lo que sería, en un futuro, el séptimo arte,
sin embargo para que éste se concretara
tuvieron que darse otros dos inventos muy
importantes: el de la fotografía y el del
cinematógrafo.
La fotografía. En el siglo X, el árabe Al
Hazan de Basrá ideó un aparato con el fin
de poder presenciar un eclipse solar. El
artefacto era una especie de cámara en la
que la luz entraba a través de una obertura
hasta formar en la pared opuesta la
imagen invertida del objeto colocado al
frente. De acuerdo con José Andrés Niquet
Marco Carlos Avalos Rosado

("Génesis del Cine I" -Revista de
revistas No 4394 del 18 de abril de
1994) "El anterior dato sirve para
conocer no sólo el origen del cine, sino
también el de la fotografía. No hay que
olvidar que el cine se rige por principios
fotográficos en gran medida, pues la
imagen en movimiento no es más que la
ilusión que se logra gracias a una
insuficiencia natural en el ser humano -
conocida como la persistencia de la
retina-, la cual consiste en que al pasar
24 fotos fijas por segundo, nuestro ojo
recrea la sensación de un movimiento
inexistente.
"Años después, León Batista Alberti
inventa en 1490 una cámara obscura para
El cineasta alemán Win dibujar, basándose en los principios
Wenders haciendo ideados por Al Hazán de Basra. Este
sombras chinescas invento fue perfeccionado por el suizo
Johan Zahn, quien en 1765 añade a la
cámara un espejo inclinado 25 grados, lo
cual sería de gran ayuda para Nicephoro
Niepce en 1826 cuando, en una superficie
de peltre, plasmó la primera fotografía".
Desde principios del siglo XIX los franceses
Joseph-Nicéphore Niepce y Louis-Jacques-
Mandé Daguerre, mejoraron el antiguo
método de la cámara oscura y llegaron a
fijar imágenes en una superficie de cierta
Apuntes sobre la historia del cine 5
composición química, que se alteraba
según la luz recibida. Con el nombre inicial
de Daguerrotipo, esa creación fue la base
de la fotografía, fechada en 1839. Su
inconveniente era la necesidad de una
larga exposición ante la cámara, para dar
tiempo a que la luz actuara químicamente.
El cinematógrafo. La paternidad del
cinematógrafo se la pelean Francia,
Alemania y los Estados Unidos. Los
hermanos Lumiere de Francia son
reconocidos oficialmente como padres del
aparato, sin embargo, los hermanos
Skaladanowsky de Alemania, son
señalados por algunos historiadores como
los primeros en proyectar imágenes en
movimiento en una pantalla grande, en
octubre de 1895, es decir dos mese antes
que los hermanos Lumiere.
Por su parte, los hermanos Antonia y W. K.
L Dickson, crean junto a Thomas Alba
Edison, lo que para los norteamericanos es
la primera cámara cinematográfica: el
Kinetoscopio, aparato que registraba y
reproducía imágenes sucesivas. No
obstante, éste aparato solamente es
registrado en Estados Unidos, en 1891, y
no en Europa, donde se conoce tiempo
después.
Marco Carlos Avalos Rosado

Sí la posibilidad de ver imágenes en
movimiento se debe al estudio de diversos
científicos, el cinematógrafo es resultado
de un trabajo de muchos años, en el que,
como hemos visto hay involucradas
directa, e indirectamente, muchas
personas.
Algunos de los más destacados son, por
ejemplo, Eduard Muybridge, que realiza
El cinematógrafo
varios experimentos con fotografías para
Lumiere
analizar el movimiento.
Sin embargo, su experimento más célebre
se debe a una apuesta:
En 1878, el gobernador de California,
Leland Stanford apostó que llegaba un
momento en que los caballos, cuando
trotaban, dejaban sus patas suspendidas
en el aire. Para comprobarlo, llamó a un
experimentado fotógrafo de origen inglés:
Edward Muybridge.
Luego de experimentar por cinco años,
Muybridge colocó 50 cámaras fotográficas
a lo largo de la pista del hipódromo de Palo
Alto, en California. Al galopar los caballos,
rompían unos hilos que activaban los
disparadores de las cámaras, que
registraban fotográficamente el momento.
Apuntes sobre la historia del cine 6
Con éste experimento, Muybridge demostró
que, efectivamente, en los movimientos
más rápidos de su galope, los caballos
dejaban sus cuatro patas suspendidas,
consiguiendo que el gobernador de
California ganara su apuesta.
Sin embargo, el experimento tuvo otras
implicaciones más importantes:
Se comprendió mejor cómo lograr la ilusión
del movimiento con fotografías y provocó la
creación del Zoopraxiscopio, antecesor del
proyector de películas y la cinta
transparente.
El Zoopraxiscopio es un disco giratorio de
cristal que está acoplado a otro disco
dentado que al girarlo daba la impresión de
movimiento a las fotografías.
Otro importante impulsor, sin saberlo, de lo
que hoy es el cine, fue el fisiólogo francés
Etienne Jules Marey. Interesado en estudiar
a los animales en movimiento, Marey
realizó en 1892, experimentos con fotos
fijas denominados Cronofotografía,
utilizando un aparato denominado Fusil
fotográfico que tomaba 12 fotos por
segundo, de animales, por ejemplo una
gaviota en pleno vuelo.
Marco Carlos Avalos Rosado

Estos expermientos fueron mejorados en
1887 por Marey, convirtiendo a su
cronofotógrafo de fotos fijas en uno de fotos
moviles con la integración al aparato de
rollos de película de papel de varios
metros de longitud, enrollando en bobinas.
En 1990, Marey sustitutyó el rollo de papel
por el de celuloide, que había sido
inventado un año antes por Geroge
Eastman.
Personaje importante para la invensión del
cine, George Eastman (creador de las
industrias Eastman Kodak) utiliza en 1889
crea una tira de celuloide perforada, capaz
de registrar imágenes.
En 1891, William Kennedy Laurie Dickson
Los hermanos Louis y Tomás Alva Edison patentan el
y Auguste Lumiere
kintescopio, que era un artefacto en el que
una sola persona podía ver, a través de una
mirilla, una pequeña producción, de
fotografías en movimiento.
La primer cinta rodada especialmente para
el Kinetoscopio fue rodada en 1984 por
W.K.L. Dickson y se llamó “Fred Ott´s
Sneeze ( El estornudo de Fred Ott) y se
produjo en el que hoy es reconocido como
primer estudio cinematográfico: el “Black
María”.
Apuntes sobre la historia del cine 7
Los temas que se presentaban en el
Kinetscopio eran, principalmente los
espectáculos populares, desde gimnastas y
trapecistas hasta fragmentos de peleas
profesionales de box, que no rebasaban
ulos treinta segundos de duración.
Pese a la asombrosa capacidad de crear la
ilusión del movimiento, el Kinetoscopio de
W.K.L. Dickson y Edison no había logrado
proyectar en una pantalla grande imágenes
en movimiento. No obstante, utilizaba el
mecanismos esencial que permitiría a los
hermanos Lumiere inventar el
cinematógrafo: una película de 35
milímetros con bordes perforados y un
obturador giratorio sincronizado a través del
cual se proyectaba la luz.
La proyección de imágenes en movimiento
en pantalla grande, sería lograda por los
hermanos Lumiere que mejoraron el
Kinetoscopio añadiéndole un mecanismo
motorizado que jalaba las perforaciones de
la cinta de celuloide para que pasaran 16
veces por segundo, a diferencia de los 48
fotogramas por segundo que proyectaba el
Kinetsocopio.
La patente del cinematógrafo se registro en
febrero de 1895 y el 28 de diciembre de ese
mismo año, a las ocho de la noche del día
Marco Carlos Avalos Rosado

de los inocentes, los hermanos Auguste y
Louis Lumiere llevaron a cabo la que es
reconocida como primer función pública
de cine ante 30 personas que pagaron un
franco por ver en el Salón Indio del Gran
Café de París, localizado en el número
14 del bulevard de los Capuchinos, diez
películas de apenas 16 metros, entre las
que se encontraban “La llegada del tren a
Auguste Lumiere
la estación de Lyon”, “La salida de los
obreros de la fábrica Lumiere”, “El mar”, “El
Herrero” y “Riña de niños”.
Expuesto lo anterior, podemos concluir que
el cine es resultado del esfuerzo y el trabajo
de muchas personas de todas partes del
mundo, que contribuyeron a establecer las
tres principales causas que lo hacen
posible:
a) El descubrimiento de la persistencia
retiniana
b) El invento de la fotografía
c) El invento del cinematógrafo
El cine es uno de los colofones de la era
industrial. A partir del 28 de diciembre de
1895, el mundo ya no sería igual. La
posibilidad de registrar imágenes de la
realidad abriría un nuevo filón para el
Apuntes sobre la historia del cine 8
conocimiento histórico, para la difusión de
ideas, para la creación artística y el
conocimiento del ser humano.
¿QUE ES UNA IMAGEN? La palabra
imagen proviene del latín imago-inis que
significa figura, representación y apariencia
de una cosa.
Una imagen puede ser también la
representación mental de una persona u
objeto percibida por los sentidos.
Opticamente es la representación de la
figura de un objeto por la combinación
de los rayos de luz.
Una estatua, efigie o pintura son
imágenes.
La imagen también es la relación poética
establecida entre elementos reales e
irreales, cuando unos y otros están
expuestos: sus labios son claveles.
También se conoce como imagen al
conjunto de términos irreales que
aparecen en una comparación explícita
o en una alegoría: Quedar para vestir
santos.
Algunos otros aparatos que reproducían el
movimiento y que antecedieron al
cinematógrafo
Marco Carlos Avalos Rosado

Sombras chinescas: Muñecos con
articulaciones, cuya sombra se proyecta en
una pared. En los países de Asia se
difundieron mucho, como es el caso de los
muñecos de Java, que estaban hechos de
cuero y pintados con colores llamativos
para que produjeran sombras de color.
Linterna mágica: De acuerdo con algunos
historiadores, es un aparato que se
remonta a Egipto y que consiste en la
reproducción de imágenes sobre una
pantalla, en un cuarto o lugar oscuro.
Fantascopio: Creado por el físico belga
Robertson, es una especie de Linterna
Mágica sobre ruedas. El desplazamiento
del aparato originaba que el espectador
tuviera la sensación de que las imágenes
aumentaban de tamaño.
Rueda de Faraday: Este científico,
aplicando los estudios de Peter Mark
Roget, creó un disco dentado con imágenes
que debía verse reflejado en un espejo
Taumátropo: Cartón, creado por los
científicos Fitton y Paris en 1825. Es un
circulo de cartón, agujerado en sus dos
extremos a los que se amarra una liga o
cordón. Por ambas caras del circulo lleva
un dibujo, por ejemplo un pájaro y una
Apuntes sobre la historia del cine 9
jaula. Al girar el circulo extendiendo la liga o
el listón tenemos la sensación de que el
pájaro está enjaulado.
Fenakistiscopio: “Disco de cartón dentado
(o agujerado por dientes) que puede servir
tanto para reconstruir el movimiento
partiendo de una serie de dibujos fijos,
como para descomponerlo observando una
serie de imágenes fijas. Lo cual es sentar,
ya en 1833, los principios mismos del cine,
tanto para la reproducción como para el
registro.” -Geroges Sadoul en su libro
"Historia del cine mundial".
Zootropo: Horner, físico inglés, crea en
1834 este aparato que perfecciona el
Fenakistiscopio de Plateau. En 1850,
inventa otro aparato denominado
Fenakistiscopio doble, que es un "disco de
imágenes que gira en oposición con un
disco negro con ventanillas". -Renne Jean y
Charles Ford en Historia Ilustrada del Cine.
Marco Carlos Avalos Rosado

Capitulo II
El cine mudo
Algunas Etapas de la Historia del Cine. Las
principales etapas del séptimo arte - hasta
nuestros días – son el cine mudo, los
inicios del cine sonoro y el cine de la época
contemporánea
Cine Mudo. Durante su época muda es
cuando el cine se consolida y se establece
como un arte, como una industria, como un
medio de comunicación.
George Melies, En esta etapa, que abarca desde el 28 de
impulsor del diciembre de 1895 -fecha que se reconoce
espectáculo como el nacimiento oficial del cine, luego de
cinematográfico
la famosa proyección de los hermanos
Lumiere, efectuada en el Salón Indio del
Apuntes sobre la historia del cine 10
Gran Café de Paris- hasta 1929 cuando se
proyecta el Cantante de Jazz, se crean los
primeros estudios, las primeras estrellas,
los efectos especiales, los primeros
géneros y se produce lo que es hoy el
espectáculo cinematográfico.
Durante su período mudo, el cine vive su
primera gran crisis, que casi lo mata, y su
resurgimiento, su consolidación como
espectáculo de masas y como vehículo de
información y conocimiento.
George Melies y Alice Guy, impulsores del
espectáculo cinematográfico. Si bien los
hermanos Lumiere son reconocidos,
oficialmente, como los primeros que
exhibieron de manera pública una película,
debe reconocerse a un mago y hombre de
teatro, George Melies, y a una secretaria,
Alice Guy, el haber tenido la visión de hacer
del cine una forma de espectáculo.
Mientras las imágenes de los Lumiere
presentaban exclusivamente escenas
tomadas de la realidad, Melies, cuyos
primeros films consistieron en trasparasr
sus actos de prestidigitación a la pantalla,
utilizó el cinematógrafo para contar historias
surgidas de la ficción.
Marco Carlos Avalos Rosado

En sus primeros años, el cine se habia
vuelto un simple espectáculo de feria. Los
hermanos Lumiere consdideraban que su
invento era apenas una curiosidad
científica. Cuando Melies quiso comprarles
el cinematografo ellos se negaron por el
mismo argumento. De acuerdo con los
historiadores del cine Charles Ford y René
Jeanne los Lumiere le dijeron:"Nuestra
invensión no está en venta. Puede ser
explotada algún tiempo como curiosidad
científica, pero no tiene ningún porvenir
comercial. Para usted sería la ruina". 2
Así, el cine, durante sus dos primeros años
se vio condenado a ser una simple
"curiosidad" que se presentaba en las ferias
de los pueblos y las ciudades. En ésta
época, el cine, incluso, pudo haber
desaparecido, y con ‚él todas las cintas que
Alice Guy Blanche,
probablemente, hoy conocemos: en junio de 1897, durante
creadora de la una exhibición en una carpa en el Bazar de
primer película de la Caridad de los Campos Elyseos, un
ficción “El hada de incendio, originado, según se cuenta, por
los repollos” en 1896 un descuido del proyeccionista, provocó un
incendio que mató a 125 personas. Luego
de la tragedia, el cine fue considerado una
diversión riesgosa.
2
" Historia Ilustrada del Cine Vol. I “ Charles Ford y René Jeanne en ,
página 21, Editorial Alianza
Apuntes sobre la historia del cine 11
Sin embargo, en 1900, durante la
Exposición Universal de París, el cine se
convierte en una de las mas grandes
atracciones. Las multitudes que acuden se
asombran con el invento que se convierte,
en un espectáculo de masas.
Por ello, Melies, conocedor de los gustos
del público, sabe que el cinematógrafo
Lumiere puede ser algo más que una
curiosidad. Ante la negativa de éstos de
venderle el aparato, compra uno artefacto
llamado Bioscopio, inventado por el inglés
Robert William Paul; lo modifica y comienza
a hacer sus primeras cintas de ficción, entre
las que destaca "El Viaje a la Luna", (1902)
que es considerada como la primer película
de ciencia ficción.
Por su parte, Alice Guy llegó al cine casi
por casualidad: ella era la secretaria de
León Gaumont, empresario cinematográfico
francés que la convierte de la noche a la
mañana, en la primera directora de cine de
la historia, al encargarle la producción de
diversas cintas como “La Esmeralda”, cinta
inspirada, veladamente, en Nuestra Señora
de París de Victor Hugo, y la Pasión, sobre
la vida cristo.
Alice Guy, fecuentemente olvidada como
precursora del espectáculo
Marco Carlos Avalos Rosado

cinematográfico, además de ser una de las
primeras cineastas, reclamó para sí, hasta
el final de sus días la gloria de haber
creado la primer cinta de ficción: "El hada
de los repollos", sin embargo nunca pudo
probarlo porque los negativos de la cinta
desaparecieron. De hecho, de todo el cine
de la época muda, el noventa por ciento
está destruido y sólo existen copias del
50% de todo el cine filmado hasta 1950.
Logo de Gaumont,
una de las Lo anterior se debe a que los dueños de los
primeras
productoras
teatros que compraban los films en oferta,
cinematográficas los intercambiaban con otros teatros
que existieron asociados y muchas veces los destruían
cuando veían agotadas sus posibilidades
comerciales.
Alice Guy y Geroges Melies son dos de los
grandes impulsores del cine como forma de
entretenimiento y como actividad cultural. A
ellos debemos el placer que provoca ir a
pasar una tarde viendo planetas
imaginarios o una carrera de cuadrigas en
el Imperio Romano.
Principales avances del cine en su época
mida (1895 -1930). Luego de inventado el
espectáculo cinematográfico, el cine se
embarcó de lleno en la producción de
películas, en la experimentación para
mejorarse, no sólo como espectáculo de
Apuntes sobre la historia del cine 12
grandes posibilidades comerciales, sino
también como vehículo de expresión
artística.
Sin embargo, en un principio las películas
fueron simplemente, “teatro filmado” pues
solo se ponía a funcionar la cámara para
que un grupo de actores llevaran a cabo
presentaciones teatrales.
La cámara no tenía movimiento y el
espectáculo consistía en ver a los grandes
actores de los escenarios, reproducidos en
una pantalla. De esta forma, actrices
famosas de la época como Sara Bernhard
se convirtieron en estrellas de cine.
En su primera década, los cambios en el
cine fueron vertiginosos:
Las primeras exhibiciones se combinaban
con presentaciones en vivo en teatros y
aparecieron las primeras productoras que
eran dueñas de patentes que les permitían
competir con el cinematógrafo.
El cine mudo en Europa. En Europa, el
cine buscó perfeccionarse, no sólo como
espectáculo sino también como disciplina
artística. En diversos países se llevaron a
Marco Carlos Avalos Rosado
 Apuntes sobre la historia del cine 13

cabo apuestas experimentales. Las velocidad, evitando, de manera milagrosa,

siguientes son algunas de ellas. accidentes y colisiones.

Escuela de Brighton. Esta corriente nació

en 1897 cuando George Albert Smith
construyó el primer estudio de cine inglés,
en la ciudad de Brighton. Ahí van a Principales aportes de la Escuela de
trabajar los primeros cineastas británicos y Brighton:
aunque no habia una doctrina que
justificara el termino "escuela" se hacían Uso de exteriores
experimentos que desarrollaron el hoy Cámara en movimiento (capta el
conocido como "lenguaje de cine" 3 movimiento del protagonista, no sólo lo
(planos, movimientos de cámara, etc.) Con sigue de lejos).
obras como "Humorous Facial Además, es precursor de los films de
Expressions" o "StopThief" se pusieron en persecución y aventuras.
Charles Pathé, uno
práctica los primeros travelings y las
de los primeros expresiones corporales. La principal
productores caracterísiticas de la escuela de Brighton es Los ¨Film D´Art (1908-1914). Cuando
cinematográficos el uso de los exteriores. apenas era considerado una atracción de
feria, junto a la mujer barbuda y a los
En 1900, William Paul editó la cinta "Una animales exóticos, el cine estubo a punto
carrera loca en auto en Picadilly Circus", un de morir, no sólo proque los empresarios
film en exteriores que emplea por primera vieron en él una inversión arriesgada, a
vez el "travelling dramático". Esta pelicula causa del incendio en el Bazar de la
provoca que el espectador tenga la caridad que ya hemos mencionado, sino
impresión de ir en un coche lanzado a toda también porque la gente se cansó muy
pronto de los arribos de trenes a la
3
Muchos teóricos cinematográficos no están de acuerdo con la estaciones y de todos aquellos temas
existencia de un lenguaje de cine, sin embargo, en este documento, la puestos de moda por los Lumiere, es decir
expresión sólo pretende ser utilizado para señalar, de forma general, las
herramientas expresivas del cine. (N. de la R.)

Marco Carlos Avalos Rosado


cuestiones meramente documentales,
como gente caminado, bebes,etc.
Entonces aparecen Alice Guy y Georges
Mélies, que reafirman el espectáculo
cinematográfico, apostando por un cine de
ficción, es decir que cuenta historias al
público con la ayuda de actores y
decorados, a través de compañías
productoras como Pathé y Gaumont.
Estos primeros filmes de ficción se hicieron
muy populares a principios del siglo XX,
pero a finales de 1910 la carencia de temas
originales y de interés volvió a alejar a los
espectadores de las incipientes salas
El gallito es, hasta la cinematográficas, pues el cine sólo
fecha, lo que
identifica ala
ilustraba, en la mayoría de los casos, obras
productora francesa de teatro, novelas famosas o eventos
Pathé históricos.
Buscando dar un nuevo giro al cine, surge
la compañía productora denomindad Film
D´Art. Fundada por los hermanos Laffite,
esta productora confirma que el cine,
además de sus posibilidades expresivas, es
un negocio que constantemente está en
movimiento. Es por ello que los hermanos
Laffite encargaron guiones originales a los
más grandes escritores franceses de la
época como Anatole France y Jules
Lemaitre. De igual forma consiguieron para
Apuntes sobre la historia del cine 14
sus películas escenógrafos y músicos,
además de utilizar a las vedettes de moda y
a las estrellas de teatro que aseguraran el
éxito, sobre todo, en el público rico.
Una de las principales aportaciones de los
Film D´Art es que los actores intentaron
sustituir la palalbra -que no se podía
escuchar aún- por una mimica menos
exagerada que la de las pantomimas y
porque las historias que se presentaban
eran originalmente escritas para la pantalla.
De igual forma, dejaron de utilizarse los
narradores en vivo y se incertaron en la
cinta los famosos intertítulos que
identificamos hoy con las películas mudas.
No obstante éstas novedades, los Film
D´Art tuvieron un éxito efímero de apenas
unos meses, pero que fue aprovechado por
empresas comerciales como Pathé,
Gaumont y Eclair que copiaron su fórmula.
Otras aportaciones del cine francés de
1908 A 1914. Además de los Film D´Art, el
cine francés se apropió de la tradición
litreraria de los folletines o novelas por
entregas, publicadas periódicamente, para
Marco Carlos Avalos Rosado

iniciar lo que se bautizó como los seriales,
que son películas filmadas por capitulos
que quedaban en continuación, lo que
aseguraba que los espectadores
regresaran semana con semana para ver el
final de la historia. Uno de los seriales más
famosos fué "Fantomas" dirigida por Louis
Feuidalle.
Una de las primeras estrellas de cine fue,
precisamente, el protagonista de Fantomas,
Rene Navarre, que provocaba tumultos en
los lugares donde se le identificaba cuando
salía a pasear por París y que recibía
cientos de cartas de sus admiradoras cada
semana.
Por otra parte, en Francia es donde se
comienza a utilizar la iluminación con un
sentido dramático, que creaba diversas
atmósferas, ya de misterio o románticas; de
igual forma se produjeron las primeras
películas cómicas, sobre todo a través del
actor Max Linder, quien por supuesto
también fue una estrella.
Max Linder fue uno
de los primeros Sin embargo, probablemente una de las
cómicos del cine
más grandes aportaciones del cine galo de
principios del siglo XX es la utilización del
gran plano y la alternación sistemática de
las escenas filmadas en exteriores con las
escenas filmadas en estudio.
Apuntes sobre la historia del cine 15
El director que impulso esta nueva forma de
cine fue Jesset, cuya obra se encuentra
desaparecida casí en su totalidad, pero de
la que se recuerda un serial que también
fue muy popular: Nick Carter.
Aportaciones del cine sueco. Los suecos
empezaron a perfeccionar los escenarios
que utilizaba el cine. En los exteriores, el
paisaje y el vestuario lo utilizan como
elementos narrativos.
Uno de los cineastas más importantes,
Victor Sjöström explica por la escenografía
y las ropas el papel de la patrona y el de los
criados..."sin que ésta exposición social,
que sucede a la descripción del medio
natural, impida el progreso de la acción
dramática y psicológica" (Georges Sadoul
en Historia del cine mundial).
Otro gran director, Maurice Stiller, convirtió
a la escenografía en "uno de los elementos
cuyo conjunto domina". Para él la
escenografía explica y completa la
expresión histriónica y establece la
psicología del drama.
Victor Sjöström (director de La Carreta
Fantasma) y y Maurice Stiller (La Saga de
Marco Carlos Avalos Rosado

Costa Berling) son los dos cineastas más
importantes de Suecia en el periodo mudo,
que luego trabajarían en Hollywood.
Las dos serán referencia para las obras
que después realizarían otros grandes
cineastas como Sergei Einsenstein
(soviético) y Fritz Lang (alemán).
Además se debe a Stiller el descubrimiento
de la más grande estrella que ha existido
hasta este momento: Greta Garbo, que fue
la protagonista de la mayoría de sus cintas
y que lo acompañó a Hollywood cuando
éste emigró.
Greta Garbo es la Otros dos cineastas importantes de Suecia,
más grande diva que pero de origen danés, son Benjamin
ha dado el cine Christensen que cultivó el cine de terror de
calidad (La Hechicería a Través de los
Tiempos) y Carl T. Dreyer que alcanzó gran
renombre por La Pasión de Juana de Arco
(filmada en Francia) película que abrió las
posibilidades del uso del primer plano como
recurso narrativo.
Cuando Sjöström, Stiller y Garbo partieron
a Hollywood, y Christensen y Dreyer a
Berlin, el cine sueco y su importante
productora Svenska, que competía con
otros grandes industrias cinematográficas
Apuntes sobre la historia del cine 16
como la alemana, la francesa y la
estadounidense, decayó casi por completo.
Hollywood, poco a poco, motivó un largo
exodo de los principales creadores
cinematográficos de Europa y acabó con la
competencia internacional. Corría el año de
1924.
Sin embargo, los pueblos escandinavos
contribuyeron al engrandecimiento del
séptimo arte, pues además de lo que
hemos hablado, dieron las principales
estrellas de la época muda, como Greta
Garbo, Theda Bara y Theodosia Goodman,
éstas dos últimas que crearon el personaje
de la mujer fatal "las vampiresas"; además
establecieron al beso como una figura
eminentemente cinematográfica.
Cine Italiano. Los principales aportes del
cine italiano al cine, en su época silente,
son las puestas en escena espectaculares,
de carácter histórico, con grandes
construcciones y centenares de extras:
Desde la caída de Troya, pasando por el
Imperio Romano, hasta la liberación
italiana.
Un filme que marca una fecha importante
del cine es "Cabiria" (1914), de Piero
Marco Carlos Avalos Rosado

Fosco. Este filme tenía grandes
escenografías; no se trataba ya de simples
telas pintadas tendidas sobre bastidores,
sino de construcciones de madera y de
cartón piedra, de una amplitud
considerable.
De igual forma, el operador de la cámara
de la cinta en mención, un español llamado
Segundo de Chomón , hizo algo
sorprendente para la época: montó el
aparato sobre un carrito que se desplazaba
Nacido en Durango, de manera paralela a la escenografía, lo
Ramón Novarro fue que resalta su importancia. También dirigió
uno de los galanes la cámara de una toma amplia a un plano
más famosos de la cerrado. Otra aportación fue el uso de luz
época muda de
Hollywood
artificial con fines estéticos.
En General, el cine de Italia aportó,
además, a las Divas, estrellas que
interpretaban dramas mundanos, historias
de amor apasionadas.
Estados Unidos. En los Estados Unidos se
avanzó mucho en lo que se refiere al
aspecto comercial del cine. Ahí se crea la
estructura empresarial del espectáculo:
produccion-exhibicion-distribucion.
Apuntes sobre la historia del cine 17
Las cintas se proyectaban en teatros
llamados Nickelodeon, pues la entrada
constaba un niquel.
Los primeros años del cine en EU fueron
azarosos: existió una guerra de patentes
comandada por Thomas Alba Edison que
quería para sí todo el negocio, alegando
que él era dueño de la patente original del
invento, así como del uso exclusivo de la
película de celuloide con perforaciones
laterales inventada por Georges Eastman.
Intentando crear un monopolio, Edison
argumentó que todos los aparatos
necesarios para la producción y exhibición
del cine estaban patentados por él; la
vehemencia de Edison contra todos los que
le opusieron resistencia en su intento
monopolizador -incluidos antiguos
colaboradores y hasta los propios
hermanos Lumiere- lo orilló a entablar
demandas contra muchas compañías
productoras como la "American Mutoscope
Company".
Para combatir a todos los empresarios que
empezaron a surgir, Edison tuvo que
buscar la unión con algunos empresarios
rivales, dueños de compañías como
Biograph, Vitagraph, Lubin, Selig, Essanay,
Kalem y las firmas francesas Pathé‚ y
Marco Carlos Avalos Rosado

Mélies, quienes conformaron la "Motion
Pictures Patent Company".
Esta empresa se convirtió ahora si, en el
monopolio codiciado por Edison: reclaman
la patente de todos los aparatos para la
exhibición y producción, así como la
exclusividad de la película de celuloide.
Pronto, inspectores de la MPPC vigilaban a
los primeros productores de cine para
cobrarles regalías o extenderles permiso
para el uso de aparatos cinematográficos.
Por esta situación, algunos de los primeros
estudios se trasladaron hasta las ciudades
de Nueva York, Nueva Jersey y Chicago
para alejarse del control de los inspectores
Cecil B. De Mille fue de la MPPC.
quién encontró el
lugar que años No obstante, a veces hasta ahí llegaban los
después sería
inspectores por lo que poco a poco las
Hollywood
primeras empresas productoras
estadounidenses se desplazaron hasta
California, donde no se les podía rastrear
tan fácil para cobrarles derechos por el uso
del invento.
Uno de ellos fue el productor Carl Leammle
quien funda en 1912 la INDEPENDIENT
MOTION PICTURES.
Apuntes sobre la historia del cine 18
Otros productores, James L. Lasky y Sam
Goldfish, que tenian planeado realizar la
pieza teatral "The Sqaw Man", salieron de
Nueva York, buscando escapar de los
inspectores de la MPPC de Edison.
Por tal motivo, decidieron, en un principio,
filmar en el oeste norteamericano, mas
precisamente en la ciudad de Flagstaff,
Arizona, pero el director de la cinta, Cecil B.
De Mille consideró que no era el lugar
apropiado, por lo que siguió buscando
locaciones hasta que llegó a Los Angeles,
donde encontró un granero perteneciente a
un campesino llamado Jacob Stern, quien
se los alquiló por 75 dólares al mes.
Lo curiosos del caso es que dicho granero
estaba localizado en unos terrenos -que
pertenecían al matrimonio formado por
Horace y Deida Wilcox- a los cuales se les
conocía como Hollywood.
De esa forma nació, en 1914, la que hoy es
llamada por algunos "Meca del Cine".
Siguiendo el ejemplo de Lasky y Goldfish,
muchos productores cinematográficos se
instalan en Hollywood, para fundar
compañías que después serían muy
famosas, y que en algunos casos, salvo
algunos pequeños cambios de imagen y
Marco Carlos Avalos Rosado

administrativos, continuan hoy.
Estos productores fueron:
William Fox, Louis B. Mayer,
Jesse Lasky, Adolph Zukor,
Harry Cohn, Sam Goldfish, que
después cambiaria su apellido
por el de Goldwyn y y los
hermanos Warner.
Para 1929 ya se habían formado
las empresas UNIVERSAL, FOX
FILM, METRO GOLDWYN MAYER,
De izquierda a PARAMOUNT, WARNER BROTHERS y
derecha Jesse L. COLUMBIA, que serían los protagonistas
Lasky, Adolph Zukor,
Samuel Goldfish de la nueva industria.
(después Goldwyn),
Cecil B. DeMille y Con la consolidación de éstas empresas, el
Albert Kaufman monopolio de la MPPC de Edison y sus
Fueron los socios, dejó de existir.
productores pioneros
de Hollywood
El cine en Estados Unidos se hizo muy
popular. Apto para toda clase social,
incluyendo personas humildes y Por ejemplo, Greta Garbo, sueca,
analfabetas, fue una de las diversiones
principales de los emigrantes que llegaron
buscando suerte a dicho país, debido a que
era muy accesible, pues las historias eran
contadas casi exclusivamente a través de
imágenes, lo que facilitaba su
entendimiento a quienes no hablaban
inglés, como algunos de los emigrantes
provenientes de Rusia y del centro de
Apuntes sobre la historia del cine 19
Europa que después se convirtieron en
empresarios cinematográficos al ver en el
nuevo espectáculo posibilidades
comerciales.
En las primera dos décadas del siglo veinte,
el cine llegaba a recibir, por semana, un
promedio de catorce millones de
espectadores.
Además de la comercialización del cine y
del fortalecimiento de una ciudad
cinematográfica como Hollywood, Estados
Unidos aportó lo que se llamó "sistema de
estrellas", que consistía en proveer al
público un producto de consumo específico,
encarnado por una actriz o actor, que por lo
general provenía de Europa e incluso de
países latinos como México.
encarnaba la sofisticación; Rodolfo
Valentino, italiano, el latin lover, al igual que
Ramón Novaro, mexicano; Chaplin, inglés,
el emigrante pobre y Theda Bara, sueca, la
mujer fatal, etc.
En EU se consolidó lo que en Europa se
había experimentando: la utilización de
Marco Carlos Avalos Rosado

planos diversos y el movimiento de la
cámara (como es el caso de Cabiria).
El director responsable de ésta
consolidación es David W. Griffith,
cuyas dos obras más importantes, "El
nacimiento de una nación" e
"intolerancia", que aunque adolecen de
un injusto racismo y un tono
reaccionario, impulsan el desarrollo del
cine como espectáculo, arte y vehículo
para la expresión contundente de
ideas e información. Baste señalar que
después del estreno de "El nacimiento
de una nación", los segudiores del Ku
Kux Klan aumentaron en miles su número
David W. Griffith, de activistas.
cineasta
norteamericano que
consolidó el
lenguaje Las aportaciones principales de Griffith son:
cinematográfico
La edición alterna que consiste en
presentar dos secuencias simultáneamente.
Por ejemplo: la secuencia de una mujer
viajando en un tren a toda velicidad que
intenta llegar hasta la cárcel para rescatar a
su esposo, intercalada con la secuencia del
esposo que va a ser ejecutado.
El manejo de escenarios amplios y la
utilización de muchedumbres.
Apuntes sobre la historia del cine 20
Una de las principales caracterísiticas del
cine de Griffith es que la acción se
desarrolla simultáneamente en diversos
lugares: Atlanta en llamas, una habitación
donde una familia se protege del combate
que se desarrolla en dicha ciudad y una
trinchera donde los soldados combaten
drmáticamente.
Comercialmente, "El nacimiento de una
nación" fue vista por cien millones de
personas y el film se proyectó durante
quince años seguidos en diferentes partes
del mundo, recaudando 20 millones de
dólares, lo que representó todo un record
para la época. El día de su estreno, el 8 de
febrero de 1915, marcó el inicio, según el
historiador francés Geroges Sadoul, del
imperio de Hollywood. El comercial sigue, el
artístico ha disminuido considerablemente.
Otras de las aportaciones importantes del
cine norteamericano son:
Charles Chaplin, cómico de gracia
física, que incorporaba a los objetos
como medio de hacer reir: escaleras,
escobas, un bastón, etc. Chaplin hacía
reir sin necesidad de la palabra. Su
personaje Charlot, fue muy popular
sobre todo entre los inmigrantes pobres,
Marco Carlos Avalos Rosado

quizás debido a su tendencia a
ridiculizar a la burgesía, y por
burlarse de la utoridad y la
solemnidad. Sus cintas siempre
tenían un contenido social que
molestaba a los sectores
conservadores de los Estados
Unidos, que al final lograron
expulsarlo del país.
Buster Keaton, conocido como "El
hombre que nunca rie" (se
comprometió por contrato a nunca
sonreir ni en sus filmes ni en ningún
lugar público) utilizó accesorios muy
Buster Keaton, el diferentes a los de los payasos, como
cómico que nunca cañones, trenes y hasta un
sonreía, creó un transantlántico. Buster Keaton que
universo
cinematográfico
escribía, actuaba y dirigía todas sus
donde la acción era cintas, creó un universo donde la acción
preponderante continua era preponderante.
Las primeras compañías estadounidenses
fueron:
Biograph: Productora de noticieros. Debe
recordarse que en aquel tiempo, la
fotografía aun no formaba parte de los
períodicos, por lo que este tipo de cintas
eran muy populares.
Apuntes sobre la historia del cine 21
Vitagraph: Fundada por Stuart Blackton,
realizó para el cine dos obras exitosas:
"The Burglar on the Roof" y "Tearing Down
the Spanish". Este último era un film
patriótico, editado al comienzo de la guerra
hispanoamericana de 1898.
Cine alemán (El expresionismo y el
realismo). A finales de los años veinte,
Alemania estaba saliendo de una guerra
muy dura, en la cual fueron derrotados. Los
alemanes estaban reconstruyendo su país
cuando se dieron cuenta del poder del cine
como propaganda. Fue con filmes de esta
naturaleza como empezó, en 1917, la
industria cinematográfica alemana.
En dichos filmes se exalta a Alemania y se
daña la reputación de sus antiguos
adversarios de la guerra. Un periodista
suizo, F. Philippe Amiguet escribió:
"Alemania, tan escrupulosa en materia
histórica, anima a suis cineastas a disfrazar
la historia de sus enemigos. El cine alemán
es un arma de combate".
Sin embargo, el cine alemán dió vida a un
movimiento que abriría al cine a nuevas
dimenciones artísiticas: el expresionismo.
Marco Carlos Avalos Rosado
 Apuntes sobre la historia del cine 22

Según Renne Jean enfatizan estados de ánimo y enriquecen el

y Charles Ford, el drama.
expresionismo se
nutrió, en su Sin embargo, de acuerdo a Renne Jean y
temática, de las Charles Ford, el resultado triunfal y
leyendas místicas depurado del expresionismo es la obra de
que responden al Fritz Lang, cineasta nacido en Viena.
gusto alemán por el
sueño y la filosofía; Una de sus obras más importantes,
la servidumbre del "Metropolis" (1925), resaltó, aún más, los
individuo a la elementos escenográficos como personajes
colectividad y al de la cinta. Construcciones monumentales,
espíritu de casta; la muchedumbre como protagonista y
las tormentas maquinarias sorprendentes, así como
sexuales, con sus actuaciones basadas en el método de
excesos sádicos y Meyerhold.
“El gabinete del Dr. sus aberraciones mentales.
Caligari” de Robert
Wiene es una de las
De acuerdo con Geroges Sadoul, el
películas más La obra más importante del expresionismo expresionismo es una visión subjetiva del
importantes del es el Gabinete del Dr. Caligari de Robert mundo...escenografías complicadas en que
expresionismo Wiene. En este filme se rompía todo lo que la luz jugaba sobre los relieves de cartón
alemán había sido habitual encontrar un un cine. piedra...juego móvil de las grandes
sombras negras...el empleo expresivo de la
Visualmente era un dibujo, una pintura que luz...para que los operadores pudieran
cobraba vida, aprovechando métodos desplegar todos los recursos de la
decorativos nacidos en 1911 en la pintura fotografía artística, se encerraron los films
muniquense. Elementos visuales puros en la prisión lujosa de los gigantescos
enfatizaban las acciones: imágenes estudios berlineses, se condenaron los
reorcidas, enmarcando el rostro de un loco. exteriores.

Otra cinta importante es Noferatu, de F.W. Contrario a los postulados del

Murnau, donde las sombras y la luz artificial expresionismo, en el que la imagen

Marco Carlos Avalos Rosado

 Apuntes sobre la historia del cine 23

prevalecía como una metáfotra de la

realidad, en Alemania algunos cineastas Cine soviético. El cine ruso, en sus
optaron por el realismo, a través de una comienzos, estuvo marcado por la
escuela cinematográfica llamada influencia del cine nórdico y sus temas
Kemmerspiel ( escuela que le daba un macabros, así como temas históricos y
sentido simbólico a las cosas) o teatro de populares.
cámara, que buscó una escenografía de
significación social. Esta última corriente del cine ruso se refería
a las tradiciones y a la cultura nacional y
Los tuvieron como inspiración las principales
protago escenas de la historia rusa y las obras más
Sergei Einsestein,
uno de los nistas famosas de escritores rusos de gran
directores más del repercusión como Pushkin. Gogol, Tolstoi,
importantes de la realism Dostoievski y Lermontov.
historia del cine o eran
obreros, Luego de la revolución de febrero de 1917,
gente la industriacinematográfica rusa se
común, desánimo. Los propietarios de grandes
y los escenarios eran como de la vida real. cines cerraron sus salas y se declararon en
Es un rechazo a los efectos, a la huelga. Algunos directores, durante la
grandilocuencia de los actores y a lo guerra civil, se pasaron al ejército blanco y
espectacular. Uno de sus principales después emigraron, principalmente a París.
protagonistas como director es Murnau, y (Ejército blanco: ejército pagado por el
una de sus cintas características "El último" extranjero, contrario al bolchevismo).
(1924) que fortalece como estrella al actor
Emil Jennings. De esta forma, con el establecimiento de "la
dictadura del proletariado", con el arribo de
Algunas otras cintas importantes de este los bolcheviques al poder, nació el cine
director son "Nosferatu" y otro director soviético, un 27 de agosto de 1919, día en
relevante es G.W. Pabst y su cinta "Bajo la que Lenin firmó el decreto que nacionalizó
máscara del placer" (1925). el antiguo cine zarista.

Marco Carlos Avalos Rosado

 Apuntes sobre la historia del cine 24

El país soviético, nosotros la más importante", frase que se

enfrascado en convirtió en consigna.
una guerra
contra los Entre los grandes realizadores y teóricos
ejércitos blancos, que la Unión Soviética aportó a la
no tenía cinematografía se encuentran:
suficientes
recursos para
sostener una Dziga Vertov. Dziga Vertov, creador en
producción 1920 de la teoría Kinok (cine-ojo) que se
constante, por lo proponía desterrar como invensiones
que los primeros burguesas la puesta en escena, los
films fueron guiones, los actores, los estudios,etc., para
sencillos o usar sólo a los elementos "tomados en
noticieros que vivo". Para los kinoks el cine eran los
difundían los comentarios -subtítulos- y la edición.
eventos que día
a día ocurrían en Así, la personalidad del cineasta se
el frente. manifestaba por la elección de que filmaba,
su yuxtaposición, la creación de un nuevo
En dichos espacio y de una nueva duración.
noticieros
trabajaron los Esta teoría que influyó mucho no sólo en la
Cartel soviético de futuros cineastas que Unión Soviética y sino en todo el mundo,
“El hombre de la después conmoverían al llamó la atención sobre la necesidad de
Cámara”, cinta en la
cine mundial como sorprender al hombre en su medio social y
que Dziga Vertov
puso en práctica su Kulechov, Dziga Vertov y en su vida, dieron un impulso vigoroso al
teoría del cine-ojo Tissé. documental y contribuyeron a formar
géneros nuevos.
Cuando se restableció la paz y la economía
comenzó a reconstruirse, Lenin manifestó
que "el cine, de todas las artes, para

Marco Carlos Avalos Rosado


No obstante, el volumen de las cámaras de
aquel entonces, impidió a la cámara
convertirse en ojo. Para tomar una vista de
una familia llorando al pie de una tumba,
era necesario esconder el equipo de
filmación en un matorral, etc. Por ello, se
les dificultó cuando intentaron captar los
sentimientos de alguna persona, ya que la
cámara influía en la espontaneidad del
hecho.
Dziga Vertov,
siempre
apoyado por su
hermano, el
camarógrafo
Mijail Kauffman,
fue, también, el
iniciador de los
films de edición:
retomar
documentales ya
hechos y crear
películas nuevas, a través
Fotograma de “El
Hombre de la
de una nueva edición,
Cámara” de Dziga añadiendo otras escenas o
Vertov dándoles un orden y ritmo
nuevos.
A partir de ahí, otras cinematografías
retomorían, más tarde, su obra para crear
films de un tipo nuevo, que, a partir de 1940
Apuntes sobre la historia del cine 25
intentaron escibir la historia "sobre lo vivo"
como el film inglés "Victory of ther desert" y
la serie de documentales bélicos
norteamericanos "Why we flight".
Entre las películas más importantes de
Dziga Vertov están "El hombre de la
cámara", "historia de un bocado de pan" y
"Un año después de la muerte de Lenin".
Kulechov. Contrario a las ideas del KINO,
otro director, Kulechov, utilizó medios
excéntricos, los más violentos, los más
exagerados, los de las exhibiciones de
feria, del circo, del café cantante. Además
utilizaba todos los recursos del trucaje.
Formó actores a la manera más expresiva y
al igual que Vertov, le dio mucha
importancia a los objetos, aunque sin darles
un sentido simbólico. Películas importantes
"Mr. West en el país de los Bolcheviques" y
“Dura Lex”.
Marco Carlos Avalos Rosado
 Apuntes sobre la historia del cine 26

Sergei Mijailovich Eisenstein. Estudiante revolucionario de 1905, cuando el

de arquitectura y bellas artes, entra en la Acorazado Potemkin se subleva contra el
milicia para luchar en la Revolución de ejército del Zar, surgiendo así su obra
Octubre de 1917. Para los soldados dirige maestra: "El acorazado Potemkin" (1925).
obras de teatro en las cuales también actúa Llena de imágenes poderosas, "El
y hace la escenografía. En 1920 ingresa en acorazado..." es un clásico del cine
el teatro obrero del cual se convierte en mundial.
director escénico.
La siguiente película que
Curiosamente, su dirige es "Octubre" (1927)
primer contacto basada en el libro de John
con el cine es el Reed "Diez días que
cortometraje "El conmovieron al mundo"
diario de Glomov" sobre la revolución de 1917,
(1923) que filma donde lleva a cabo sus
por encargo del teorías sobre el "montaje de
director teatral atracción".
Ostrovsky para
presentarlo en la No obstante que "Octubre"
obra teatral "El es una cinta espléndida,
sabio". donde perfecciona, en la
aplicación, sus teorías sobre
Interesado por el nuevo Fotograma de “Iván el montaje, la censura lo acosa debido
medio artístico, Eisenstein el Terrible” de a su visión particular de los aún
escribe algunas teorías Einsenstein recientes hechos históricos de la recien
cinematográficas, las cuales nacida U.R.S.S.
pone en práctica cuando realiza el
largometraje "La huelga" (1924). También con problemas de censura termina
de rodar "La línea general" en 1927 (había
Ante el éxito de "La huelga", Lenin encarga comenzado a filmarla antes que "Octubre",
a Eisenstein filmar una cinta pero la interrumpió para filmar ésta).
conmemorativa sobre el primer intento

Marco Carlos Avalos Rosado

 Apuntes sobre la historia del cine 27

Poco después, cansado de los problemas Turguenev- pero después le es prohibido

políticos que le imposibilitaban continuar su continuar el rodaje "por orden superior".
obra en la Unión Soviética, firma un Entonces, Eisenstein se dedica a escribir
contrato con la Paramount Pictures pero no las teorías cinematográficas obtenidas
llega a realizar ninguno de sus proyectos a durante toda su carrera que han ayudado -y
causa de que nunca le es otorgada la siguen ayudando- a comprender mejor el
residencia de trabajo. séptimo arte a los estudiantes,
investigadores, historiadores, aficionados y
Lo anterior obliga a críticos de todo el mundo.
Eisenstein a viajar a
México donde Pese a los ataques políticos que sufre, el
realiza la genial director soviético consigue rodar
incompletas "¡Qué "Alexander Nevsky" (1938) primera cinta
viva sonora de su repertorio y penúltima de su
México!"(1931), la carrera, que finalizaría con otra
“Cartel inglés
cual, no obstante, de “Madre” film gran película "Ivan el terrible", de
ha sido objeto de de Pudovkin la cual sólo consigue dirigir las
diversos montajes, dos primeras partes de las tres
nunca supervisados que tenía planeadas, de nuevo, por culpa
por él. De cualquier de la censura de Stalin. (*)
manera, esta obra
influye de manera Vsevold Pudovkin. Nacido en Penza en
determinante en el 1893, Pudovkin había sido ayudante de
cine mexicano, Kulechov, guionista, actor, decorador, antes
sobre todo en de emprender personalmente la realización
Emilio "Indio" de pequeños films de divulgación científica
Fernández (María como "El mecanismo del cerebro" y
Candelaria). acomete la novela de Máximo Gorki "La
madre" (1926). Pudovkin utiliza la pluralidad
A su regreso a la U.R.S.S. tiene la de lugares para ampliar a las masas un
oportunidad de comenzar la filmación de "El caso típico (y no individual) y para cruzar
prado de Bezhin" -sobre un cuento de Ivan sus temas y combinarlos metafóricamente.

Marco Carlos Avalos Rosado

 Apuntes sobre la historia del cine 28

El desenlace de "La madre" es un ejemplo Eisenstein, son figuras primordiales en la

clásico del estilo de Pudovkin: hisoria del séptimo arte, al cual, sin duda,
revolucionaron formal y conceptualmente.

Una gran manifestación

en la que participa la Cine de vanguardia. Según el diccionario,
Cartel inglés madre, permite al hijo vanguardai significa avanzada de un grupo
de “Tierra” evadirse de la cárcel. A o movimiento ideológico, político, literario,
de una de los dos centros de acción artístico, etc. En este sentido, el cine, según
las últimas -las calles y la cárcel- el historiador de cine francés George
obras
Pudovkin añade un Sadoul, arribo a la vanguardia hasta 1925,
maestras del
cine mudo, tercero: el deshielo del con diez o veinte años de retraso con
dirigida por río. El despertar de la respecto a otras artes.
Dovjenko, primavera es la imagen
uno de los de la liberación del
grandes
preso, la fusión del hielo, Cine surrealista.
directores
del cine la de las masas que se
soviético aglutinan. "La imaginación está a punto de recobrar sus
derechos"
- Andre Breton en su Manifiesto Surrealista,
publicado en octubre de 1924
Dovjenko. Nacido en
Ucrania, este cineasta y su obra definen El surrealismo es un movimiento ideológico
claramente la idea que los rusos se hacían que surgió en la década de los veinte como
del papel social del cine, en la que además consecuencia de la transformación social
se unen excelentemente el realismo y el que sobrevino en Europa luego de la
lirismo. Su obra más importante y Primera Guerra Mundial, que se originó por
representativa es "La tierra" (1930), la cual conflctos económicos y políticos y que
representa una de las últimas obras causó la muerte a 16 millones de personas,
maestras del cine mudo. y cuyo final marcó - según diversos
intelectuales como Carlos Fuentes, el inicio
Así pues, los cinco grandes del cine del siglo XX -.
soviético, Vertov, Kulechov, Pudovkin y

Marco Carlos Avalos Rosado

 Apuntes sobre la historia del cine 29

Entre las obras enmarcadas en la desazón

De acuerdo con el que provocó la gran guerra que
historiador abarcó de 1914 a 1918, se
cinemtográfico Edgar encuentra "La decadencia de
Soberon Torchia, la occidente" de Gerald Spengler, que
primer cinta surrealista se editó cuando el conflicto todavía
fue "La concha y el no finalizaba y que repercutió
clérigo" (1928) de hondamente en el mundo
Germaine Dulac, basada intelectual de la época.
en un guión de Antonin
Artaud (Un siglo de cine, El surrealismo. En 1920, cuando
página 121, Editorial las consecuencias de la guerra se
Cinememoria, México comenzaron a sentir con mayor
1995). fuerza en la conciencia de la
sociedad europea de la época, el
Los antecedentes del pesimismo y la desilusión, orilló a
surrealismo algunos intelectuales a rechazar
los valores y la cultura de la
Durante los mismos años de la André Breton (1896 – sociedad occidental.
guerra, en 1916, un grupo de 1966) fundador del
intelectuales, entre los que se surrealismo Este rechazo, que constituyó una
encontraban Hans Arp, Kurt manifestación tardía del dadísmo, fué
Schwitters, Frances Picabia, Tristan Tzara y fundado por André Breton y conformado,
Marcel Duchamp fundaron en Suiza el entre otros, por los pintores Gabriel Miró,
movimiento dadaísta en el que mostraron René Magritte, Salvador Dalí y Delvaux, así
su rechazo a los valores occidentales. como por los poetas Louis Aragon y Paul
Postularon que el mundo occidental carecía Eluard, y el cineasta Luis Buñuel.
de sentido y por ello utilizaron una palabra
igualmente sin significado, sin sentido para Enmarcado dentro de los movimientos de
enmarcar su movimiento: la palabra dada. vanguardia de principios de siglo, como el
cubismo, futurismo, ultraísmo, creacionismo
y estridentismo, entre otros, el surrealismo -

Marco Carlos Avalos Rosado


que fue el más trascendente de éstos
movimientos- buscaba la unión del sueño y
la realidad para conformar una realidad
absoluta o suprarealidad.
Para el surrealismo, los sueños
constituyen otra realidad pues son
tangibles por los sentidos y forman
parte de la realidad toda. En este
sentido, para los surrealistas la obra
de Sigmund Freud tuvo una gran
influencia, pues Breton consideró que
"...el explorador humano podrá -
gracias a los descubrimientos de
Freud- ir más lejos en sus búsquedas,
autorizado ya no a considerar
Fotograma de “Un únicamente las realidades sumarias".
perro Andaluz” , una
de las expresiones
Al respecto, Breton declaró: "La
cinematográficas del imaginación está a punto de recobrar sus
surrealismo, dirigida derechos..."
por Luis Buñuel
Principales postulados del surrealismo
Según la “Enciclopedia Práctica del
Estudiante” (Vol. 6, Arte, Lengua y
Literatura, Editorial Promexa, 1982) el
surrealismo proclama la omnipotencia de la
imaginación, sin que se ejerza control
alguno por la razón. Se propone captar las
profundidades subconcientes del alma
Apuntes sobre la historia del cine 30
humana y sacarlas de la superficie,
expresándolas en formas o en palabras
mediante un simbolismo apropiado.
Expresiones cinematográficas del
surrealismo.
"El cine parece haberse inventado para
expresar la vida del subconsciente"
-Luis Buñuel
El máximo exponente del surrealismo en el
cine es Luis Buñuel (1900, Calanda,
España; 1983, Ciudad de México)
Nacido en el seno de una familia de
terratenientes, Luis Buñuel es enviado a
estudiar el bachillerato con los jesuitas a la
ciudad de Zaragoza, para más tarde
trasladarse a Madrid donde deja truncos los
estudios de ingeniería de caminos, primero,
y después de ciencias naturales, para
iniciar los de historia que sí alcanza a
terminar.
No obstante, la importancia de su estancia
en Madrid, radica en que tuvo la
oportunidad de conocer en la famosa
"Residencia de Estudiantes" a intelectuales
y artistas que llegarían a influir intesamente
en el presente siglo, como Salvador Dalí y
Marco Carlos Avalos Rosado
 Apuntes sobre la historia del cine 31

Federico García Lorca. En esta época es todavía no militaban en el movimiento

cuando nació en Buñuel su atracción por el surrealista de Breton.
cine, que tuvo sus primeras
manifestaciones con la organización de En el perro andaluz vemos como un
cineclubes. hombre - interpretado por el mismo buñuel-
corta el ojo de una mujer con una navaja,
Tiempo mientras al mismo tiempo, una nube corta
despué el brillo de la luna llena al pasar empujada
s se por el viento.
hizo
asistent Según Edgar Soberon Torchia, El perro
e de Andaluz es un "LLamado al asesinato,
direcció asalto a los sentidos, ataque a los valores
n del de la burguesía, diatriba anticlerical o
cineasta estudio de impulsos sexuales reprimidos:
francés todo y nada es apropiado para definir este
Jean corto que desafía descripciones, recuentos
Epstein o clasificaciones. Lo único claro es su
en apertura al rico y complejo universo de los
París. sueños o al elemental, pero amenazador,
Posterio ámbito de los instintos".
rmente
ingresa en el Luis Buñuel Un año más tarde, ya con la ayuda del
movimiento sonido, buñuel realiza "La edad de oro" ,
surrealista, animado por Dalí, Ramón cinta que realiza con la ayuda del vizconde
Gómez de la Serna y Juan Larrea. de Noailles y que representa, según
diversos historiadores, la obra cumbre del
Junto a Dalí escribe el guión de la obra que surrealismo.
le hará ganar fama: "Un perro Andaluz"
(1928) que se convierte en el manifiesto "La Edad de oro" -que fue prohibida en
cinematográfico del surrealismo, pese a Francia- obtiene el reconocimiento
haber sido realizado cuando Buñuel y Dalí

Marco Carlos Avalos Rosado

 Apuntes sobre la historia del cine 32

suficiente como para ser invitado a trabajar Poco antes de que estallara la guerra civil
en la "Metro-Goldwyn-Mayer". española, Buñuel trabaja con la compañía
"Filmófono" donde intenta realizar un cine
La primer popular digno, supervisando personalmente
película algunas cintas. En plena guerra española,
hecha por participa en la realización del documental
Buñuel en "España leal en armas" (1938) y luego es
España es enviado a Hollywood para encargarse del
"La tierra rodaje dos películas que nunca llegan a
sin pan" , rodarse.
documental
sobre las Después de la segunda guerra mundial es
condicione contratado por la sección de cine del Museo
s de de Arte Moderno de Nueva York, pero al
miseria de poco tiempo lo expulsan, acusándolo de
las Hurdes. comunista.
Este film lo
pudo hacer De vuelta en Hollywood, donde se encarga
Buñuel con del doblaje de documentales, es contratado
el dinero de para filmar, en México, una versión
la lotería cinematográfica de "La casa de Bernarda
que ganó Alba" de García Lorca. Aunque nunca se
un amigo rueda dicha película, tiene la suerte de
suyo que era conocer al productor Oscar Dancigers que
Silvia Pinal y
anarquista. Fernando Rey, en el
Por le encarga la dirección de "Gran Casino"
supuesto, "La cartel de”Viridiana” (1947) y "El gran calavera" (1949) que,
tierra sin pan" de Luis Buñuel fue aunque no son obras trascendentales en su
prohibida en carrera, le permiten, debido a su éxito en
España por el gobierno de la II Segunda taquilla, filmar una obra más personal que
República. causaría un gran escándalo en México,
pero que lo volvería a poner en boca de los
críticos a nivel mundial: "Los Olvidados"

Marco Carlos Avalos Rosado

 Apuntes sobre la historia del cine 33

(1950), película sobre la juventud En 1958, filma la que sería una de sus
marginada de la obras que repercutiría mas en todo el
Ciudad de mundo: "Nazarín", sobre la obra homónima
México. de Benito Pérez Galdós. En España filma
"Viridiana" (1961) que prohibe Franco,
Portada Durante toda la durante más de quince años, por
de la década de los considerarla sacrílega.
biografía años cincuentas,
de Luis Buñuel trabaja En la última parte de su carrera, Buñuel,
Buñuel, con regularidad dirige "El ángel exterminador" ( 1962),
titulada
“Mi en el cine "Simón del desierto" (1965) y "Tristana"
último mexicano. Tan (1970), esta última rodada en España.
suspiro” sólo entre 1950 y Sin embargo, el gran público conoce a
1955 dirige once Buñuel -gran público, que por cierto asiste,
películas, casi exclusivamente a las salas
rodadas con comerciales- mediante sus filmes hechos
poco dinero, pero totalmente en Francia, como "Diario de una
que representan algunas de sus mejores camarera" (1964), "La vía láctea" (1969),
obras, como "El" (1952), que analiza el "Bella de día" (1966), "El discreto encanto
comportamiento de un neurótico, "Abismos de la burguesía" (1972), "El fantasma de la
de pasión" (1953), adaptación de la novela libertad" (1972) y "Ese obscuro objeto del
cumbres borrascosas de Emily Brönte y deseo" (1977) que representa el cierre de
"Ensayo de un crimen" (1955). su brillante carrera.

El éxito de estas películas le abre la etapa
francesa de su obra -en un principio
mediante coproducciones entre México y
Francia- con las siguientes cintas: "Así es la
aurora" (1955), "La muerte en este jardín"
(1956) y "Los ambiciosos" (1959). En 1960
realiza una cinta coproducida por México y
Estados Unidos, titulada "La joven".
Sin embargo, Buñuel no fue el único
cineasta que se apoyó en los postulados
del surrealismo: Por la misma época, el
cineasta Man Ray filma La estrella de mar y
Los misterios del castillo de Dé, en 1928 y
1929 respectivamente. En este sentido,

Marco Carlos Avalos Rosado


Edgar Soberon Torchia señala que, dentro
de la animación y el cine experimental,
otros directores se crearon al cine
surrealista, como los japoneses Yoki Kuri y
Kazutomo Fuzino; el danés Willhelm
Freddie, los franceses Jean L ´Hote y
Jacques Vausseur, aqsí como los belgas
Henri Storck y Luc de Heusch, el español
José Val del Omar y los estadunidenses
Sidney Peterson, Larry Jordan y Pat
O´Neill.
Catherine Denueve
Fotograma de “Bella
de Día”
Apuntes sobre la historia del cine 34
El origen de la palabra surrealismo
De acuerdo con Alfonso Loya, la palabra
surrealismo fue inventada por Guillaume
Apollinaire en 1917, cuando los alemanes
tenían sitiada a París. La historia es la
siguiente:
Un músico, Erik Satie, que componía
música desenfadada y fresca, que
contrastaba con la solemnidad de la
música oficial, trabó amistad con el
bailarín, poeta y cineasta Jean Cocteau,
que decidió interpretar un ballet de Satie
que se titulaba Parade - desfile. Cocteau
mismo escribió un argumento para el
ballet, Pablo Picasso creó la escenografía,
los rusos Massine y Diaghilev se
encargaron de la coreografía y Guillaume
Apollinaire de la publicidad.
El ballet de Satie, que era una "coreografía
muy moderna de aire ligero, chistoso",
según Loya, se estrenó en 1917 en el
Teatro de los Campos Elíseos y tuvo un
rotundo fracaso. solamente se presentó
una vez y no alcanzó su objetivo de hacer
olvidar a los parisinos la guerra.
Sin embargo, algo que parecía no ser más
que una anécdota sin importancia, se
convirtió, dice Loya, en el nacimiento de un
mito, pues en el cartel que anunciaba la
función, Apollinaire escribió la palabra
"surrealismo", que según él definía la
novedad del espectáculo que el público
estaba por ver.
Marco Carlos Avalos Rosado

De igual forma, en la obra de muchos
cineastas existen elementos surrrealistas,
como es el caso de David Lynch, Alejandro
Jodoroski y Richard Lester.
Con el surrealismo el cine entró en una
etapa nueva, donde, cada vez más, se
significaba como un arte independiente de
la literatura y el teatro. El surrealismo abrió
nuevas perspectivas para el lenguaje del
cinematográfico y representó uno de los
últimos movimientos de importancia del
cine, marcando el final de su época muda.
Consideraciones finales sobre el cine
mudo. El cine mudo fue la etapa de
descubrimiento de la capacidad y alcances
de uno de los medios de expresión más
importantes que tiene el hombre; el cine de
hoy es herencia de muchos pioneros –
artistas, científicos e intelectuales – que
vieron en el cine la oportunidad de registrar
las ideas, con imágenes, para conocer
mejor al hombre.
Aunque en su etapa muda también se
vulgarizó al cine como simple medio para
obtener dinero, con el establecimiento del
cine como industria, el cine mudo y sus
creadores – directores, camarógrafos,
actores, escritores, tramoyistas, etc. – nos
han dado un nuevo lenguaje, inmediato e
Apuntes sobre la historia del cine 35
universal: las imágenes en movimiento, que
se deslinda de idiosincrasias y niveles
culturales para expresar un mensaje.
Todos los seres humanos podemos
entender el cine mudo, sea de la
nacionalidad que sea. El cine mudo nos dio
la oportunidad de tener un lenguaje común.
El cine sonoro está en deuda con él.
Principales aportes del cine mudo:
1. Consolidación del cine como medio
de comunicación, espectáculo de
masas e industria, pero sobre todo
como medio artístico .
2. Creación de los primeros géneros
cinematográficos – films de ciencia
ficción, fantásticos, históricos, del
oeste, documentales, dramáticos, de
amor y de terror- y de los primeros
movimientos artísticos surgidos del
cine, como el cine ojo de la Unión
Soviética.
3. Establecimiento de lo que hoy es
conocido como “lenguaje
cinematográfico” – planos,
movimientos de cámara, etc.
Marco Carlos Avalos Rosado

Capitulo III
El inicio del cine sonoro
Desde que surgió el cine como una
manifestación del arte, los cineastas y los
inventores buscaron sonorizarlo, pues ello
representaba mayores posibilidades
expresivas y de comunicación.
En un principio, durante las exhibiciones de
las vistas o de las películas mudas, un
músico, por lo general un pianista,
acompañaba las imágenes de la película, y
con el desarrollo del cine, algunos
directores tenían compositores musicales
que escribían la música que debía
acompañar determinada película. Es el
caso de “El acorzada Potemkin” de
Eisenstein, que fue musicalizada por
Edmund Meisel. Otro ejemplo en el cine
mudo es “Metrópolis” de Fritz Lang, cuya
música fue compuesta por Gottfried
Huppertz.
Pero según afirma el historiador Georges
Sadoul, aún en una etapa más temprana,
algunos cineastas como Mélies, intentaron
Apuntes sobre la historia del cine 36
sonorizar películas, usando personas que
hablaban desde atrás de la pantalla.
Sadoul afirma que con el fonógrafo hubo
intentos por sonorizar el cine, a través de
palabras y sonidos sincronizados con las
imágenes que se proyectaban en la
pantalla y que se amplificaban con aire en
los teatros. Sin embargo, este
procedimiento no resultaba legible para
toda la audiencia, por lo cual el cine
“hablado”se abandonó definitivamente.
No obstante, son dos compañías las que,
para la década de los 20´s reclaman
inventos relacionados con el cine sonoro:
Tobis Klangfilm de Alemania y General
Electric Western de Estados Unidos.
En un principio, las grandes productoras de
Hollywood se negaron a adoptar el cine
sonoro porque ello ponía en riesgo su
mercado internacional e incluso local, pues
ello implicaba compartir la pureza de las
imágenes que pueden entenderse con solo
verlas, con el idioma, que en el mismo
territorio norteamericano podía variar, dado
el número de inmigrantes que provenían de
distintas partes de Europa y que a la sazón
eran los principales consumidores de
películas, pues era un espectáculo barato y
Marco Carlos Avalos Rosado
 Apuntes sobre la historia del cine 37

comprensible para todo el mundo hablara hablada fue “Lights of New York” (EE UU -
inglés o no. 1929) de Bryan Forbes, y la película cinta
que expresa mejor la revolución que
Sin embargo, los hermanos Warner que representó el cine sonoro fue “El Ángel
habían comprado la productora Vitagraph, Azul” (Alemania -1930) del austriaco Josef
se arriesgan y llegan a un acuerdo con la Von Sternberg.
General Electric para sustituir las orquestas
que interpretaban musica en vivo, para De entre
proyectar películas musicalizadas y con todas las
algunos efectos de sonido, en su cadena de películas
teatros. sonoras que
surgieron a
Aunque se reconoce a partir de la
“El Cantante de Jazz” conclusión de
(EE UU. 1927) de Alan diferentes
Crossland, como la inventos que
primer película sonora, hicieron
y a su protagonista, Al posible la
Jolson, como el primer sonorización
actor en haber del cine, “El
pronunciado una Ángel Azul”
Josef Von
palabra en el cine 4, la destaca por el
Sternberg primer cinta totalmente diseño de
Cartel de “El sonido que incluía
Cantante de Jazz”
le película, desde
4
El personaje que interpretaba Jolson era el de un cantante los diálogos mismos, hasta las diferentes
negro de jazz, para lo cual tuvo que pintarse el rostro de negro,
porque en aquello días era impensable, para los capaz de sonido ambiental y efectos
norteamericanos, que un negro protagonizara una cinta. De sonoros particulares – portazos, pisadas ,
hecho, “El cantante de jazz” es una película muda con algunas
partes cantadas y habladas. El director Alan Crossland ya había etc. – pero también es importante porque la
probado hacer una cinta sonora en 1926, llamada Don Juan, la cinta representó el surgimiento de una de
cual contenía ciertas canciones sincronizadas con la imagen, y
que tuvo éxito entre el público. las grandes divas del cine: Marlene
Dietrich, y porque da a conocer Josef Von

Marco Carlos Avalos Rosado

 Apuntes sobre la historia del cine 38

Sternberg, uno de los grandes cineastas de su aspecto misterioso y sofisticado que

todos los tiempos. tenía cautivado al público.

En lo comercial,
el cine sonoro Capitulo III
representó un
gran negocio
porque el El cine contemporáneo
público aceptó
el cine sonoro,
“El cine no constituye una imitación sino
lo cual impulsó
una re invención de extraordinaria exactitud
a inversionistas
fuera de todo convencionalismo". Andre
de toda Europa
Bazin, teórico cinematográfico francés.
y Estados
Unidos, a
financiar El neorrealismo italiano, base del cine
Marlene Dietrich películas, y en lo moderno. El neorrealismo es la escuela
artístico se tradujo cinematográfica que funda las bases del
en una revolución, pues con el sonido se cine moderno y surge en 1944 con las
abrían nuevas posibilidades expresivas, cintas “Obsesión” (1942) Luchino Visconti y
que incluía concepciones teóricas como el con “Roma, ciudad abierta” (1945) de
uso independiente del sonido con respecto Roberto Rosellini, filme que impone al
a las imágenes, propuesto por téoricos neorrealismo, por su honestidad y
rusos del cine, hasta el advenimiento de autenticidad, y que fue filmada, en los
actores con timbres de voz apropiados y la mismos lugares donde ocurren los hechos
decadencia de otros que en el cine mudo que narra - inmediatamente después de la
fueron estrellas, pero que en el sonoro su liberación de Italia, al fin de la Segunda
voz provocaba risa involuntaria en el Guerra Mundial.
público. Una excepción de ello fue la más
grande diva del cine, Greta Garbo, que
pudo pasar del cine silente al sonoro,
debido a que el tono de su voz acentuaba

Marco Carlos Avalos Rosado

 Apuntes sobre la historia del cine 39

Según Alfredo Naime Padua,5 el estudios; utilización de actores

neorrealismo “espía, descubre a la desconocidos o no profesionales – o tipos
realidad”. en vez de actores -; la baja en los costos de
producción y una vuelta a la realidad como
teórico El reacción a la retórica del cine que precedió
principal al neorrealismo; rechazo a algunas formas
del de tradicionales del cine; la destrucción de
neorrealis ciertos modos de narración y
Cesare mo fue representación; la fusión cada vez mayor
Zavattini, Cesare entre el documental y la ficción (el cinéma-
teórico del
Zavattini verité, el cine directo, etc.)
surrealismo
que junto
con Fellini El neorrealismo surge de una Italia
y Amidei destrozada por la guerra, la cual debía
fue uno de retratarse sin maquillaje. “Esto significa –
los dice Tomás Pérez Turrente en el anexo al
guionistas libro de Georges Sadoul titulado Historia del
de los Cine Mundial- re descubrir la realidad y en
primeros cierto modo desmitificar la imagen que de
filmes del movimiento ya en la posguerra. ella había forjado el cine”.

Zavattini decía que “El hombre desconocido
(y vigilado por la cámara en su vagabundeo
y encuentros hasta descubrir su índole
particular y crear su historia) tiene que ser
el único intérprete de sí mismo”.
Algunos de los principales postulados del
Neorrealismo son: filmación fuera de los
5
El cine, 204 respuestas”, el Neorrealismo - término que fue
inventado por el crítico italiano Umberto Bárbaro en 1942
Consecuencia del neorrealismo, en Italia el
cine resurge como una industria importante,
pues el público queda fascinado por una
tendencia del cine novedosa, que tocaba
aspectos de la realidad que el propio
espectador estaba viviendo.
El atractivo económico que supuso la
novedad del neorrealismo para Italia, fue
imitado por otros países, Brasil y Francia,
entre ellos, en donde los jóvenes cineastas

Marco Carlos Avalos Rosado

 Apuntes sobre la historia del cine 40

siguieron algunos de los postulados del responsable de su obra. El director creador

neorrealismo, y las industrias se abrieron de una obra que expresa su universo
un poco a las posibilidades comerciales que personal.
implicaba el cambio formal y de fondo del
cine que proponía el neorrealismo. “El cine de
autor – añade
Como ejemplo, la Nueva Ola francesa se Pérez Turrent
origina de una severa crisis del cine en – es un cine
aquel país, producto de la re afirmación de de crisis, una
la televisión como medio masivo, que reacción
sustituyó, en gran parte, al cine como contra la
medio de espectáculo familiar. presión de un
aparato
Por ello, los cineastas de la nueva ola económico
francesa introducen dos valores que que no deja
difícilmente pueden ser explotados por la mucho lugar a
TV: el valor artístico y el valor erótico. “Lo la expresión
más urgente para la nueva ola francesa – personal. Esta
Roberto Rosellini,
dice Pérez Turrent - es encontrar un valor director italiano que nueva forma
que reemplace los antiguos valores ahora impulsó el neorrealismo de concretar el
confiscados por la televisión”. con la cinta “Roma malestar ante
Ciudad Abierta” una crisis tiene
La nueva ola se distingue por sus métodos consecuencias definitas en el cine actual”.
de trabajo rápidos y baratos, el abandono
del actor-personaje tradicional y de la La influencia del neorrealismo es tal en todo
continuidad espacio temporal, entre otros. el mundo, que hasta en Hollywood se
hacen esfuerzos por producir un cine
Uno de los principales cambios de la Nueva independiente como en “Twelve Angry
Ola es que, a diferencia del cine industrial Men” de Sidney Lumet.
convencional, el interés se pasa de las
estrellas a los directores. Y se establece al Igualmente, a partir de la década de 1960-
director como autor absoluto, como el único 70, Hollywood comienza a perder su

Marco Carlos Avalos Rosado


preeminencia estética en los cines locales,
aunque sigue teniendo el dominio del
mercado mundial.
En otros países, como Brasil, algunos
directores como Nelson Pereira Dos Santos
– que estudió cine en Roma – Glauber
Roca y Carlos Diegues, entre otros,
establecen un grupo de cineastas que
introducen las técnicas del neorrealismo en
el cine carioca. La industria y el gobierno
brasileños, por ejemplo, atraen trabajadores
italianos para establecer una industria que
siguiera el ejemplo de la italiana que se
había desarrolado comercialmente gracias
al neorrealismo. La consolidación de ésta
industria estatal fracasa, pero los cineastas
independientes, agrupados en la Corriente
que se denominó “Cinema Novo” (que
engloba a los directores arriba
mencionados) trascendieron Brasil para
consolidarse como cineastas de prestigio y
universales. La película que inicia en
Latinoamérica las técnicas del neorrealismo
es “Río 40 Grados” (1955) de Nelson
Pereira Dos Santos, y es seguida de otras
como “Antonio Das Mortes” de Glabuer
Glauber Rocha, Rocha, que además es creador de “La
cineasta estética del hambre”, también conocida
brasileño
como “La Estética de la violencia”.
Apuntes sobre la historia del cine 41
En Argentina, el que se conoce como
Nuevo Cine Latinoamericano se funda con
Fernando Birri, que a finales de los 40s
parte de su natal Santa Fe, para estudiar en
el Centro Sperimentale di Cinematografa,
en Roma, seducido por el neorrealismo
italiano, que está en boga en todo el
mundo. Las películas claves de este
periodo en Argentina, son de Birri “Tiré Die”
(1960) y “Los Inundados” (1962).
En México, aunque en los los 60s existía
una industria – llena de comedias juveniles
ñoñas y “westerns a la mexicana”- algunos
críticos, escritores y aspirantes a directores,
crean el grupo Nuevo Cine, que
inmediatamente es apoyado por el mundo
intelectual de México, que incluía a figuras
como Buñuel, Vicente Rojo, Carlos Fuentes
y José Luis Cuevas.
El grupo Nuevo Cine lanzó un manifiesto
donde se opuso al monopolio que existía en
aquel momento; exigieron oportunidades
para nuevos directores, libertad de
expresión y apoyo a los géneros del
documental y el cortometraje. Sin embargo,
gracias a él se estableció una nueva
crítica, más preparada y con menos
compromisos - salvo las excepciones de
siempre – que señaló el deterioro del cine
nacional.
Marco Carlos Avalos Rosado

Un director que se debe
destacar es Luis
Alcoriza, con sus cintas
Tlayucan (observación
de los mitos religiosos
nacionales), Tiburoneros
(las condiciones sociales
de los pescadores) y
Tarahumara (retrato de
la vida de dicho pueblo indígena),
Fotograma de “Los
Caifanes” de Ibañez que de alguna manera tienen el
espíritu del neorrealismo.
.
Aunque hay dos directores importantes en
este periodo, como Fernando de Fuentes -
su película “La sombra del Caudillo” fue
censurada por la dictadura del PRI durante
treinta años- y Roberto Gavaldón – “La
Rosa Blanca” exponía la explotación que
las compañías petroleras norteamericanas
hacían contra los trabajadores mexicanos
antes de la expropiación petrolera- éstos
son directores veteranos que no motivaron
su obra en el neorrealismo italiano.
En ésta época se crea la primer escuela de
cine en México: El Centro Universitario de
Estudios Cinematográficos de la UNAM
(CUEC) y el STPC convoca a al I Concurso
de Cine Experimental de Largometraje:
Apuntes sobre la historia del cine 42
El certamen dejó en claro que en el país
había talento que necesitaba ser
impulsado, que los cineastas mexicanos,
los guionistas y todos los participantes de la
actividad cinematográfica podían abordar
temas distintos a la apología de la pobreza
como forma de alcanzar el paraíso; los
dramas mundanos y las comedias
rancheras mediocres e intrascendentes.
Había oportunidad de abandonar la
vulgaridad.
El ganador del primer lugar fue Rubén
Gámez, con La fórmula secreta. Además,
obtuvieron premios Alberti Isaac con “En
este pueblo no hay ladrones”; Juan José
Gurrola, José Luis Ibañez, Miguel
Barbachano Ponce, Héctor Mendoza y
Juan Ibáñez con Amor, amor ,amor;
Manuel Michel, Salomón Láiter y Sergio
Véjar.
Después, el Banco Nacional
Cinematográfico, la Dirección General de
Cinematografía y la Asociación de
Productoras convocan al Primer Concurso
Nacional de Argumentos y Guiones
Cinematográficos, que tiene una amplia
participación, aunque su repercusión fue
mínima: solamente se rodaron Mariana y
Marco Carlos Avalos Rosado
 Apuntes sobre la historia del cine 43

Los Caifanes, El concurso buscaba iniciativa privada, que se vio beneficiada

fomentar la calidad en el cine, pero lo único con el descongelamiento de los precios de
que logró fue confirmar, por si todavía las entradas, que impulsó la producción de
quedaba duda, que los productores cintas cada vez de menor calidad.
nacionales despreciaban al cine que
apostaba por la vitalidad y la frescura. De cualquier forma, los productores
protestaron, pero el giro estaba dado y
Podemos durante un sexenio el gobierno alentó las
decir, que coproducciones – con productoras
consecuenci privadas, directores, trabajadores y con el
a de este extranjero -, apoyó a productoras nuevas y
intento de los se convirtió él mismo en productor
60s es en cinematográfico a través de las productoras
parte el cine Conacite I y Conacite II (Comisión Nacional
mexicano de de Cinematografía y Televisión), Conacine
los 70s que y el Centro de Producción de Cortometraje.
aborda
temas Era un cine que contradecía al cine de la
sociales. época de oro, de los cantantes juveniles, de
Nombrado los regaños morales, de la apología de la
director del pobreza, de la ponderación del "sacrificio
Banco de la madre" como justificación para el
Nacional sometimiento individual a la moral cristiana
Cinematográf tan cómoda para el Estado, y de las
ico en 1970, comedias rancheras donde todo era
Echeverría, soportable si había tequilas, mariachis y la
impulsa, al oportunidad ocasional de echar bala.
Luchino Viscontti amparo del presidente
Luis Echeverría, la La administración de Echeverría dio como
virtual estatización del cine nacional, en un resultado la creación del Centro de
acto contradictorio, pues la exhibición, en Capacitación Cinematográfica, la
gran medida, seguía en manos de la construcción de la Cineteca Nacional y un

Marco Carlos Avalos Rosado


puñado de cintas que se encuentran hoy
entre las mejores del cine mexicano: Reed:
México Insurgente (Paul Leduc), Canoa, El
apando y Las poquianchis (Felipe Cazals)
La pasión según Berenice (Jaime Humberto
Hermosillo), y las Actas de Marucia del
chileno Miguel Littin.
El neorrealismo abrió al cine como una
forma del hombre para entenderse a sí
mismo; para aclarar sus valores y defectos.
Pérez Turrent lo señala de la siguiente
manera:
“Su primer etapa – del cine– tiene como fin
re descubrir una realidad alienada, evadida
sistemáticamente, representarla en su nivel
más inmediato, documentar una serie de
situaciones. Como resultado, es un cine a
veces superficial, otras extremadamente
particularizado. Cumplida la primera etapa,
había que pasar a la siguiente: ya no sólo
representar las situaciones, ilustrarlas o
documentarlas, sino profundizar en ellas,
penetrar en los seres que las forman, tanto
psicológicamente e individualmente como
de una manera antropológica. Es necesario
pasar de lo ´nacional popular´ a lo
universal”. Este fue el cambio que impulsó,
sin proponérselo, el neorrealismo en el
cine, el cual se dio en la forma, con la
experimentación narrativa – “Sin aliento”
de Jean Luc Goddard – en la introspección
Apuntes sobre la historia del cine 44
del alma y la mente humana _ Ingmar
Bergman y su “Fresas Salvajes”- en la
denuncia social (Glauber Rocha, Fernando
Birri y Nelson Pereira Dos Santos) y en la
desmitifación y mirada honesta a la realidad
e idiosincrasia del ser nacional como “En
este pueblo no hay ladrones” de Alberto
Isaac, y “Tiburoneros”, “Tarahumara” y
Tlayucan de Luis Alcoriza, ambos
directores mexicanos).
Impacto del neorrealismo en el cine de
occidente
La nueva Ola Francesa.
A partir del impacto que tuvo el
neorrealismo en toda Europa, Francia, que
se encontraba en un aletargamiento bajo el
cual la producción de películas seguía
esquemas clásicos, un grupo de jóvenes
interesados en el cine, aportaron un espíritu
novedoso, que pretendía renovar al cine, e
impulsar su desarrollo como medio artístico.
Eran Godard, Resnais, Truffaut, Camus,
Chabrol, Malleo, Rohmer, que habían
comenzado escribiendo críticas
cinemaotgráficas en una revista que aún
existe y que se llama “Cahiers du cinema” y
que fue fundada por André Bazin, un
Marco Carlos Avalos Rosado
 Apuntes sobre la historia del cine 45

teórico cinemtográfico francés. Era la profundiza y comienza a plasmar sus

nouvelle vague, que implicó un cambio en inquietudes cinematográficas en “Cahiers
la forma de hacer cine. Esta vez el autor iba du cinema”. Sus
a ser el director que a partir de los actores, películas más
los técnicos, etc. Haría una creación a partir celebres son
de sus ideas y de su universo, y a propósito "Antoine y
de esto surge el concepto “cine de autor”, Colette", "El
bajo el cual los miembros de la nouvelle Amor a los
vague revaoraron la obra de John Ford, veinte", "Besos
Howard Hawks, Orson Welles y Alfred robados", "El
Hitchcock . último metro",
"La mujer de al
Estos directores norteamericanos, así como lado", "Jules y
otros de nacionalidad francesa como Jim", “Los
Jaques Tati influyeron en los miembos cuatrocientos
Francoise Truffaut
nouvelle vague para crear un coine golpes" y “Las
personal, que proyectara las ideas y dos inglesas y el amor",
preocupaciones del director, más allá de las
influencias externas – los productores, los Muerto cuando se encontraba en su
actores, etc. - plenitud artística, Truffaut además de sus
críticas y comentarios en Cahiers Du
cinema y Arts, dejó un libro que hoy
Algunos de los directores más destacados referencia obligada para los interesados en
de la nouvelle vague son Jean-Luc el cine " El cine según Hitchcock" y
Goddard, Francoise Truffaut. rebautizado después como "Truffaut-
Hitchcock" que recoge las pláticas que el
Francois Truffaut ( París, 1932; 1984, director francés sostuvo con el maestro del
Neuilly-sur-Seine, Francia ) Se le atribue la suspenso. La influencia de Éste enorme
frase "El cine es mejor que la vida" y es uno cineasta francés trascendió, desde luego,
de los cineastas más influyentes que dio la las fronteras galas. Un ejemplo de lo
nueva ola francesa. A partir de su amistad anterior es la veneración que le prodiga
con André Bazin, su interés en el cine se Steven Spielberg, quien lo invitó a participar

Marco Carlos Avalos Rosado

 Apuntes sobre la historia del cine 46

como actor en una de sus más el tiempo y el espacio son arbitrarios, no

renombradas películas: "Encuentros son realidad, más bien son realidad
cercanos del tercer tipo". cinematográfica.

No obstante, el Sus cintas más destacadas son Vivre sa vie

director de la (1962), Masculin-fémenin (1966), Week-
nueva ola End (1968), Todo va bien (1972), y Prénom:
francesa que Carmen (1983).La influencia de Godard en
apostó con el cine se ha prolongado hasta nuestros
mayor fuerza a días, con tal impacto, que no se distingue
la explorar con facilidad, pues lo que en “Sin Salida” se
nuevos caminos veía revolucionario, hoy es de uso común,
para la sobre todo en el cine comercial.
expresión
cinematográfica Además de Italia y Francia que
es Jean-Luc establecieron dos escuelas muy influyentes
Godard. Su en el panorama cinematográfico mundial,
Jean-Luc Godard primer película otros cines, como el sueco iniciaron formas
“Sin Aliento” (1959) es una re elaboración nuevas de abordar el cine al margen del
del lenguaje del cine, a partir de un manejo esquema clásico impuesto por Hollywood.
libre del montaje, que por otro lado pierde Ingmar Bergman, por ejemplo, inicia una
todo convencionalismo – se observan serie de películas que describen y hablan
cortes repentinos en una misma escena sobre el interior de las personas; sus
que Godard explica diciendo que angustias, pasiones y problemas que se
simplemente quitaba lo que no quería que inician en el interior y que tienen un
se viera - y una puesta en cámara carente ompacto en las relaciones con los demás.
de rigidez lo cual hace que la historia, que Por su parte, en Gran Bretaña se inicia el
en el caso de “Sin Salida” es la de un free cinema que eborda temas que señalan
ladrón interpretado por Jean Paul las contradicciones de la flemática sociedad
Belmondo, se impulse y camine sin británica, y el individuo envuelto en
obstáculos haciael espectador. En Godard, conglomerados industriales, y dividido en
clases sociales, enfrentado con la soledad.

Marco Carlos Avalos Rosado

 Apuntes sobre la historia del cine 47

Cineastas destacados en el free cinema Otros cineastas destacados de lo que se

son Tony Richardson, Lindsay Anderson y conoció como nuevo cine alemán, son
Karel Reisz. Schlöndorff, Werner Reiner Fassbinder y
Win Wenders. Hay que tener en cuenta en
En la entonces llamada Alemania federal, todos ellos la influencia del "mayo del 68".
surge el movimiento del nuevo cine alemán,
que da a conocer al mundo a cineastas
muy distintos entre ellos, pero unidos por la
compromiso de El impacto del
realizar un cine neorrealismo se dio en
diferente. A partir de todo el mundo, en Cuba
este nuevo cine con el cine de Tomás
alemán surge, por Gutiérrez Alea y
ejemplo, Werner Humberto Solanas; entre
Herzog, que ha sido otros; en Brasil con
nombrado el “el Glauber Rocha – quizás
cineasta más el teórico y cineastas

romántico del cine” pues sus Werner Herzog, filmando en una
películas, desde la
realización misma, se viven.
Una de sus cintas, “Fitzcarraldo” tardó años
en filmarse en plena selva amazónica, y en
ella, Herzog filma el traslado de un barco
por encima de una montaña como metáfora
de su cinta – que es la intención de
Fitzcarraldo, un hombre que quiere llevar
hasta una aldea pérdida del amazonas, un
espectáculo de ópera – y de toda su obra,
en la que la determinación por terminar una
película es una cuestión de vida o muerte.
más revolucionario que ha
locación dado Latinoamérica –
NelsonPereira Dos Santos,
Ruy Guerra y Carlos Diegues, y en Bolivia
con Jorge Sanjinés que crea el grupo
Ukamau – que significa en quechua “así
son las cosas” - y su cine combativo que
reivindica a los indígenas – filmando
películas habladas en quechua, por ejemplo
- y cuestiona la realidad de un país,
reflexionando también en su historia, cn
cintas como”El coraje del Pueblo”, La
Sangre del cóndor”, y “El enemigo princpal”.

Marco Carlos Avalos Rosado

 Apuntes sobre la historia del cine 48

Incluso en Estados Unidos, el neorrealismo comunistas. A este periodo se le conoce

pudo servir de ejemplo para impulsar un como “mccarthysmo”.
cine independiente al de Hollywood, que
fiera mayor libertad a los directores y que El
no se guiara por pautas comerciales, con “mccarthysmo”
cineastas que trabajaban es una versión
fundamentalmente en Nueva York , entre moderna de la
los cuales se encuentran John Cassavettes, Santa
Mike Nichols, Lumet y Mulligan Inquisición,
fundada por un
senador
apellidado,
precisamente,
Chaplin, víctima del
Capitulo IV mccarthysmo
Mcarthy, que
organizó una
comisión que
El cine de la posguerra en los Estados interrogaba a todas aquellas personas de
Unidos las que se recibiera una denuncia o se
sospechara que fueran comunistas. Si bien
no se mataba a los sospechosos de
A partir de que el mundo se dividió en dos comunismo, si se les excluía o se les
grandes esferas ideológico-políticas, la encarcelaba. Era una policía del
capitalista sustentada en occidente y la pensamiento y de la conciencia.
comunista definida por la U.R.S.S., se inicia
la guerra fría en 1947, Estados Unidos se Cineastas muy importantes, como Chaplin y
sumerge en una etapa de conservadurismo, Orson Welles, fueron perseguidos y
que alcanza a diferentes esferas de la vida acosados, y en el caso de éste, se llegó a
cultural, lo que provoca que los cineastas la expulsión del país. Sin embargo, pese a
con ideas innovadores comiencen a ser que esto supuso un freno a la obra de
vistos como peligrosos para el modo de grandes cineastas, a partir de los 50´s el
vida norteamericano. Se les acusaba de cine norteamericano inicia un cambio,
provocado por el auge de la televisión, que

Marco Carlos Avalos Rosado

 Apuntes sobre la historia del cine 49

provoca una ausencia de espectadores a la

salas. La historia del cine está conformada por
muchas miradas, todas ellas agudas, todas
En consecuencia, los ellas penetrantes, todas ellas válidas. Por
productores de Hollywood ello, hacer una revisión de lo que tales
inician distintos cambios cineastas hicieron, y más concretamente de
para recuperar “el lo que nos dejaron ver, a través de sus
mercado”: el sonido de las ojos, porque como dice el critico José de la
películas se hace stereo y Colina, la pantalla de cine - y hasta la de TV
la pantalla se hace más - no es sino el registro de la mirada de
grande. El cine opta por alguien.
Orson Welles
inversiones fuertes que
permitan crear imágenes más
espectaculares y envolventes que las de la
televisión. Con ello, comienza a tomar un
mayor sentido el término superpoducción
que había comenzado a vislumbrarse
desde 1939, con la cinta “Lo que el viento
se llevó” de Victor Fleming.

Igualmente, se apuesta por temas audaces

que permiten la encarnación de personajes
que van a contracorriente de las
convenciones de la sociedad
estadounidense. Los actores que dan vida
a estos personajes se convierten, pronto en
mitos del cine, como Marilyn Monroe y
James Dean. Alfred Hitchcock, platicando con
Luis Buyñuel – de espaldas –
mientras los ve el hijo de éste
Igualmente, se consolida la carrera de uno último, en una fiesta en casa del
de los grandes directores de la historia del director Geroge Cuckor
cine: Alfred Hitchcock.

Marco Carlos Avalos Rosado

 Apuntes sobre la historia del cine 50

Por lo anterior, es oportuno revisar, aunque
sea de manera breve, y a través de su
película Psicosis, algunas de las imágenes,
muchas de ellas perturbadoras, que registró
uno de los directores más famosos y
reconocidos - extraño caso - tanto por la
critica, como por el público en general:
Alfred Hitchcock.
Psicosis (Psycho - Estados Unidos, 1960)
En Phoenix, una mujer llamada Marion
Crane decide robar el dinero de un cliente
de la compañía de bienes raíces donde
trabaja, para poder casarse con su novio
Sam. En su huida por la carretera, Marion
se hospeda en un solitario motel,
administrado por el joven Norman Bates y
su madre, que vive en una lújubre casa de
estilo victoriano.
que se ha vuelto clásica por su capacidad
de elevar al espectador a un grado máximo
de horror, sobre todo en la pieza
compuesta exclusivamente por
instrumentos de cuerda, a cargo de Bernard
Herrman, Psicosis es reconocida también
por la terrorífica secuencia de la ducha, de
45 segundos de duración, y compuesta de
78 planos, que se dice fue diseñada
orginalmente por Saul Blass, y que
Hitchcock tardó 7 días en filmar. Otra de las
secuencias de antología es la del asesinato
en la escalera, en donde se utilizó una toma
desde arriba.

Basada en una novela de Robert Bloch,

considera vulgar y mediocre por los críticos
literarios, que habla sobre el caso de un
joven psicópata obsesionado por su madre,
Psiosis se rodó apenas en 6 semanas con
un equipo de televisión, y es considerada
Fotograma de “Psicosis” de
una de las mejores películas de Hitchcock. Alfed Hitchcock

Dueña de una actuación soberbia de

Antonhy Perkins, y de una banda sonora

Marco Carlos Avalos Rosado


La cinta representó para Hitch un cambio
de los escenarios fastuosos y la estructura
clásica de su realización, a escenarios más
sombríos y a personajes más comunes.
Sobre el aspecto de la estructura habría
que decir que Hitch revolucionó
al cine norteamericano,
desapareciendo a mitad de la
película a Marion, la
protagonista, vía el asesinato, y
empujando al público a que
pusiera sus simpatías en el
pobre Norman, el homicida
acosado por su madre.
El filme, que costó a penas 800
mil dólares, influyó en todos los
que participaron en él. Por
ejemplo, Janet Leigh, que
interpretó a la bella Marion
aseguró alguna vez, durante
una entrevista para la televisión
que durante mucho tiempo
recibió cartas en las que la
Cartel de “Psicosis”
amenazaban con hacer realidad la
secuencia del asesinato en la ducha, y
Anthony Perkin nunca pudo apartarse del
personaje de Norman Bates, el cual volvió a
interpretar en dos ocasiones.
Destrozada en un principio por una parte de
la crítica norteamericana, Psicosis también
Apuntes sobre la historia del cine 51
representó una sacudida para la sociedad
de dicho país que en su sector más
conservador pidió que se prohibiera la
exhibición de la cinta. Incluso se le acusó
de incitar el cuarto homicidio que perpetró
un hombre contra una mujer
en una ducha. Ante la
calumnia Hitchcock respondió
con suspicacia: "¿Y se puede
saber qué vio antes de matar
a las anteriores?.6
No obstante, los críticos
estadounidenses empezaron
a valorar la película al poco
tiempo a causa, seguramente,
de que obtuvo un enorme
éxito en taquilla, recaudando
16 millones de dólares, tan
sólo en los Estados Unidos.
Sobre la famosa secuencia de
la ducha, habría que resaltar
un aspecto que, de suyo, define
en parte la concepción del
director inglés sobre el arte cinemtográfico:
El terrible asesinato nunca se nos presenta
de manera completa, tan sólo por
6
Tomado del libro Alfred Hitchcock, de Guillermo del Toro, No. 7
de la Colección Grandes Cineastas de la editorial Universidad de
Guadalajara, página 423).
Marco Carlos Avalos Rosado
 Apuntes sobre la historia del cine 52

fragmentos, breves, sobre todo en las editada por Multiediciones S.L., Madrid,
escenas del cuchillo que penetra el cuerpo España).
de la protagonista. Son un montón de
imágenes que sin un órden no tendrían Alfred
interés. Hitchcock
nació en
Con ello, de alguna forma, Hitchcock Londres,
plantea que, a final de cuentas, el cine no Inglaterra en
es más que el orden de escenas 1899 y murió
fragmentadas, que se unen - ayudadas por en Bel-Air, E.U
la música, la actuación, los decorados - con en 1980. Su
el propósito de crear una sensación en el primer cinta
espectador. En este sentido, el cine no es fué El jardín
un reflejo de la misma, sino un fragmento de la alegría
arbitrario. donde ya
mostraba su
Sir Alfred, alguna vez explicó la forma como gusto por el
dirigió este film: "Usé cine puro para suspenso y
conmover al público. Todo lo hice con por la
intención visual, dirigida, por todos los utilización de un tipo
caminos posibles, al público. Por eso, el Hitchcocl de mujer
asesinato en el cuarto de baño es tan característica: rubias, elegantes, delgadas
violento. En Psicosis me importaban poco y hermosas, como Ingrid Bergman, Vera
el tema y los personajes; me interesaba Miles, Joan Fontaine, Janet Leigh, Doris
remover al público a través de todos los Day y Grace Kelly.
elementos del filme: la fotografía, la
planificación, la banda sonora, etc. Porque Las características más importantes del
lo que intriga al público no es un mensaje ni cine de Hitchcock, al margen de su gusto
una interpretación, ni una novela muy por lo macabro y de sus apariciones
apreciada, sino la existencia de una momentáneas en la pantalla, son el
película pura". (Palabras tomadas del cuidado minucioso del montaje -pegado
número 2 de la revista Grandes ciclos TV, de las imágenes filmadas- al que el propio

Marco Carlos Avalos Rosado


Hitchcock se refiere de la siguiente forma:
"Un film está hecho de miles de imágenes
que hay que orquestar rítmicamente". En
este proceso, su esposa Alma Reville fue
indispensable en muchas de sus cintas.
Anthony Perkins como
Norman Bates en
“Psicosis”
De la misma manera son de resaltar la
búsqueda de personajes que se
identifiquen con el espectador, casi
siempre inocentes acusados injustamente
de algún crimen, pues Hitch, como se le
recuerda con cariño, decía que "el cine es
un montón de butacas que hay que
llenar".
Apuntes sobre la historia del cine 53
Sobre todo, en el cine de Hitchcock
subyace, en el fondo, una posición
filosófica o social. De esta forma,
mediante una interpretación por demás
arbitraria, podría decirse que Los Pájaros
es un alegato ecológico, o la metáfora de
la madre desesperada por la inminente
pérdida de un hijo ante la aparición de
otra mujer, más joven, llena de promesas
sexuales. O como en el caso de La Soga,
que puede ser considerada una condena
a quienes se asumen como
superhombres, basándose en
interpretaciones erróneas y estúpidas de
los postulados de Nietzsche.
En lo formal, en el cine de Hitch destacan
también la utilización casi matemática de
la tensión en la estructura de sus filmes,
el sentido del humor y la minuciosidad en
la escritura del guión. Al respecto, el
director inglés siempre comentó que sus
películas estaban terminadas antes del
rodaje, parte ésta última que le resultaba
fastidiosa, por la intervención de
diferentes intereses y vanidades, como
las de los actores, sobre los cuales dijo en
una entrevista, que muchas veces debían
ser tratados como ganado.
Otra parte escencial de su cine, es el
predominio de la imagen sobre los
Marco Carlos Avalos Rosado
 Apuntes sobre la historia del cine 54

diálogos. Un ejemplo soberbio -aunque en "El tiempo que transcurre entre mis filmes mide
el cine de Hitch hay muchos- es la cinta exactamente la cantidad de amor que quiero dejar
caer en una historia"
Los 39 escalones, donde con una simple
mirada , queda al descubierto un fugitivo - Stanley Kubrick (1928 - 1999)
inocente ante la heroína de la película.
"No creo en los diálogos. Tengo una fé El domingo 7 de
ciega en el arte cinemtográfico", explicó marzo de 1999
Hitch una vez.. falleció en Gran
Bretaña el genial
Entre sus cintas más memorables se director
encuentran, además de las ya norteamericano
mencionadas, Rebeca (1940), La sombra Stanley Kubrick
de una duda (1943), La soga (1948), a la edad de 70
Extraños en un tren (1951), La ventana años, justo
indiscreta (1954), El hombre que sabía cuando se
demasiado (1955), De entre los muertos encontraba
(Vértigo) (1958 y Los pájaros (1963). dando los
Stanley Kubrick
últimos toques a
Produjó también dos series de televisión: "Eyes wide shut"
Alfred Hitchcock presenta y La hora de su multimillonaria producción con Tom
Alfred Hitchcock y nunca obtuvo un Oscar Cruise, Nicole Kidman y Sidney Pollack.
como mejor director. En 1979 sugirió,
como epitafio para su lápida, que se La muerte del cineasta nacido en Nueva
escribiera "¿Ven ustedes qué sucede si York, autor de clásicos como "Patrulla
no se es un buen muchacho?". Murió un Infernal", "Lolita" y"2001, odisea del
año después, en 1980. espacio", significa también el final de un
siglo de auténticos autores
Otro director destacado del cine cinematográficos, donde el director y no los
norteamericano es Stanley Kubrick: actores eran las estrellas.

Marco Carlos Avalos Rosado

 Apuntes sobre la historia del cine 55

Así, con Ingmar Bergman en un retiro causa del mutismo casi total de Kubrick y
voluntario, con la desaparición de Orson de los cambios de guión a última hora que
Welles, Fellini, Kurosawa, Hitchcock, realizó todavía el año pasado.
Eisenstein
y Buñuel, Este último film, que en inglés es
por una expresión que diría algo así
mencionar como "completamente cegado",
algunos de trata, según las propias palabras
los pocos de Kubrick, "sobre una pareja que
que se busca todas las posibilidades del
encuentran deseo sexual" y ya había generado
en la polémicas por diversos motivos,
cúspide que van desde las supuestas
cinematogr escenas sexuales en las que la
áfica, pareja Cruis-Kidman aparece con
Stanley un desnudo frontal, hasta la
Kubrick obsesión de Kubrick por alcanzar
deja este mundo Kirk Douglas, en Patrulla Infernal
la perfección, que motivó que dos de
cuando más se de Stanley Kubrick los actores secundarios Harvey Kietel
necesitaba de un y Jennifer Jason Leigh abandonaran el
cine poderoso, que impactara por su proyecto cuando éste ya estaba casi
contenido. finalizando.

Y es que el talento de Kubrick era tal, que
incluso consiguió algo que ningún cineasta
de la actualidad podría lograr: que la
Warner Brothers invirtiera sesenta millones
de dólares para la producción de "Eyes
Wide Shut", sin tener el derecho de leer el
guión. Al momento de escribir estas líneas
se desconocía con certeza si el director
alcanzó a terminar dicha producción, a
Algunas de las películas más trascendentes
de Kubrick son las siguientes:
Patrulla Infernal "Paths of glory" (1957) con
Kirk Douglas, es una cinta extraordinaria
que habla sobre la estupidez de la guerra,
con secuencias de antología, como aquella
donde el pelotón intenta tomar la colina de
la hormiga.

Marco Carlos Avalos Rosado

 Apuntes sobre la historia del cine 56

comerciales. Cuando se estrenó en México,

Espartaco (1960) con Kirk Douglas y las aglomeraciones en la antigua Cineteca
Laurence Olivier, que narra la Nacional
lucha del esclavo Espartaco por fueron
lograr la libertad. En ella se enormes. En
confirma la preocupación del su fondo, la
director por la violencia y la cinta aborda la
guerra, y es su primera cinta a compleja
color. relación entre
el hombre y
Lolita (1962) con James Mason sus
y Sue Lyon, basada en la invenciones
novela homónima de Nobokov, tecnológicas,
sobre el enamoramiento de un como la
profesor adulto y una computadora.
adolescente. En su tiempo,
representó todo un escándalo. Naranja
Fotograma de “Espartaco” de Mecánica A
Dr. Insólito o como aprendí a Stanley Kubrick Clockwork Orange
despreocuparme y amar la bomba Dr. (1971) con Malcolm McDowell y Adrienne
Strangelove, or how I learn to stop worrying Corri, basada en la novela del mismo
and love the bomb (1963) con Peter Sellers nombre de Anthony Burguess, es una
y George C. Scott, es una cinta de humor denuncia contra la violencia.
negro sobre la paranoia de la guerra fría Paradójicamente, hoy en día su transmisión
que tuvo al mundo al borde de la catástrofe por T.V. está restringida por ser calificada
nuclear. de hiperviolenta. Incluso su edición en
vídeo que puede adquirirse o rentarse en
2001: Odisea del espacio 2001A Space México con subtítulos en español, tardó
Odyssey (1968) con Keir Dullea y Gary muchos años, pues la madre de Kubrick le
Lockwood, basada en la novela de ciencia- pidió a éste que la cinta no se exhibiera
ficción "El centinela" de Arthur C. Clarke, más por su crudeza. Una de las secuencias
representa uno de sus mayores éxitos memorables de esta cinta es cuando el

Marco Carlos Avalos Rosado

 Apuntes sobre la historia del cine 57

protag en el invierno un enorme hotel de verano,

onista, persiguiendo con un hacha a su familia. En
Alex, esta cinta, Kubrick abre otras posibilidades
se al terror, dando mayor peso a la atmósfera
imagin que a las imágenes de impacto.
a a sí
mismo Cara de guerra Full Metal Jacket (1987):
como Con Matthew Modine y Adam Baldwin, es la
un historia de unos jóvenes reclutas que van a
centuri Vietnam. En esta cinta, Kubrick plantea que
ón los soldados norteamericanos estaban
roman destrozados en su humanidad, aún antes
o dando de partir a la guerra.Los publicistas de la
Fotograma de “Lolita” de
Stanley Kubrick
de Warner Brothers la señalaron en su
latigazos momento como la mejor película de guerra
a de toda la historia. (Puede ser rentada y
Jesucristo durante su víacrusis. A la muerte comprada en casi cualquier tienda de
de la madre de Kubrick se estreno en departamentos).
vídeo.

Barry Lyndon| (1975) Ryan O'Neal y Marisa

Berenson, es la historia de un hombre
desde que asciende a los más altos niveles Su obra
sociales, donde las apariencias y la póstuma,
mezquindad predominan, hasta su caída, “Ojos
que es producto de un acto de bondad. Bien
Algunos de los fanáticos de Kubrick la Cerrados
señalan como su obra cumbre. ” es una
película
El resplandor The Shining (1980) con Jack pesimista,
George C. Scott y Perter Sellers
Nicholson y Shelley Duvall, que habla sobre en “Dr. Sgelove” que no da
un hombre que enloquece mientras cuida

Marco Carlos Avalos Rosado

 Apuntes sobre la historia del cine 58

concesiones al espectador, en la que por acercarse al ser humano enfrentado a

aborda el tema de la fidelidad como algo sus instintos primarios, como el sexo –
casi inasible, y como la imaginación es Lolita y Ojos Bien Cerrados por ejemplo – y
parte, de una u otra forma, de la realidad. la violencia, como en Naranja Mecánica,
Patrulla Infernal y Cara de Guerra.
En la
mente de La filmografía de Kubrik incluye también
los Day of the Fight, Flying Padre, The
protagonist Seafarers, Fear and Desire, Killer's Kiss y
as ocurren The Killing.
las cosas
que no han Stanley
visto o que Kubrick, que
no han recibiera entro
existido, otros
pero aún reconocimient
“Odisea del espacio 2001” una así tienen os el premio
de las obras maestras de
Stanley Kubrick
consecuen David W.
cias. De Grifith, es
alguna calificado por
manera, se retoma el postulado surrealista muchos como
que explica que todo lo que perciben un genio
nuestros sentidos existe. artístico y por
otros, los más
Todo ello con una puesta en escena conservadores
extremadamente cuidada y con una cámara , como un
que presenta la historia de una manera tan "cineasta interesante". Lo cierto es que fue
sutil que parece invisible. una leyenda viviente que llegó a definirse,
él mismo, simplemente “como un hombre
Con un final amargo y frío, “Ojos bien con una cámara y algunas ideas”.
Cerrados” es la última cinta de un cineasta
cuya obra fue consistente y, conmovedora,

Marco Carlos Avalos Rosado

 Apuntes sobre la historia del cine 59

Kubrick dejó, aparentemente, una película

inconclusa, llamada A.I. – Inteligencia
Artificial - que erminara de filmar Steven
Spielberg, y aunque hay diferencias
diametrales entre los intereses
cinematográficos de uno y otro cineastas,
es de esperar que A.I. tenga, por lo menos,
el espíritu de Kubrick, lo cual ya es
ganancia.

El cine
norteamericano de los “Ojos Bien Cerrados” es la obra
70´s, desde el punto póstuma de Stanley Kubrick
de vista de Hollywood,
se define por la En esta época sobresalen cineastas como
búsqueda última del Peter Bogdanovich ( “La última película” –
negocio como 1970), John Cassavetes (“Husbands” –
definición de la calidad 1970), Alan J. Pacula ( “Asesinos S.A. “ –
1974), Robert Altman ( “Nashville” – 1975),
de una cinta. Tuvieron Woody Allen ( “Manhattan” – 1979), Francis
éxito cintas como “La Ford Coppola (“Apocalipsis” – 1979 y la
guerra de las galaxias” saga de “El Padrino” – 1975), Milos Forman
Martín Scorsese
que presagiaba ya el (“Atrapados sin salida” – 1975), Martin
sentimiento infantiloide Scorsese (“Taxi Driver” – 1976) y Steven
que dominó el cine comercial de Estados Spielberg (“Encuentros cercanos del tercer
Unidos en los 80´s, y abundaron las tipo”- 1977) y Sam Peckinpah (“La Pandilla
películas sobre catástrofes. Salvaje” - .

En los años 80, el cine norteamericano se

vuelve más comercial que nunca: otorga al
público lo que quiere ver. Es un cine

Marco Carlos Avalos Rosado

 Apuntes sobre la historia del cine 60

demagógico La delgada línea roja The thin red line (

basado en la Estados Unidos-1998)
fantasía y el
sentimentalismo. Director: Terrence Malick; Actores: Sean
Esto se acentúa Penn, Woody Harrelson, Nick Nolte, Adrien
con el auge de las Brody, Jim Caviezel, Elias Koteas, John
películas en Cusack, John Travolta, George Clooney,
video, la Lukas Haas, John C. Reilly, John Savage,
televisión satelital Jared Leto y Ben Chaplin.
y el cable.Títulos
sobresalientes en Durante la Segunda Guerra Mundial, un
Robert Altman, uno de los este sentido, pelotón norteamericano es enviado a tomar
cineastas más destacados son “E.T.” una colina en Guadalcanal. Durante la
de Estados Unidos (1982) de misión, el público es testigo de las
Steven diferentes reflexiones de los soldados
Spielberg y “Cocoon” (1985) de Ron acerca de la guerra y la vida.
Howard.
Apoyado en una costosa producción, en un
El cine norteamericano mantiene el control reparto multiestelar y en extraordinarios
de la audiencia, a través de la imposición escenarios naturales, el director Terrence
de sus esquemas formales, sus géneros y Malick presenta una cinta que insólita,
el monopolio del mercado, prácticamente donde la crudeza de la batalla de
en todo el mundo. Hay que establecer que Guadalcanal da pie a una reflexión sobre la
el cine de Hollywood es uno, y otro es el naturaleza humana y la guerra.
cine norteamericano. La siguientes son
algunas cintas y comentarios sobre ellas,
que de alguna manera establecen las
preocupaciones del cine en Estados Unidos
a finales del siglo XX.

Marco Carlos Avalos Rosado

 Apuntes sobre la historia del cine 61

Desde la primer imagen de la cinta, cuando Basada en una novela autobiográfica de

un cocodrilo amenazante se sumerge en James Jones, La delgada línea roja no
las calmadas aguas de un pantano, Malick tiene la solidez argumental de Sin novedad
nos advierte que la calma está por en el frente; tampoco la agudeza de fondo y
romperse y que la la maestría fílmica de
confusión de la Patrulla Infernal, pero
violencia está por en cambio, tiene la
comenzar. virtud de presentar a
soldados muy lejanos
La delgada línea roja al sentimiento
tiene algunos puntos patriotero o al
comunes con cintas melodrama que exhibe,
como Sin novedad en por ejemplo, Salvando
el frente de Lewis al soldado Ryan, de
Mileston y Patrulla Steven Spielberg.
Infernal de Stanley
Kubrick. Con respecto La delgada línea roja
a la primera comparte acierta al presentar a
secuencias efectivas hombres que pelean
sobre la angustia del una guerra por distintas
combate; con la razones: por un grado,
segunda tiene varios por una medalla, por
nexos, como el Cartel de “La Delgada Línea Roja” pesimismo, contra si mismos y
planteamiento argumental por obligación, lo que dota a la
que implica la toma de una colina y la cinta de un humanismo poco frecuente en
construcción de ciertos personajes que no el Hollywood de los últimos años.
dudan en poner en peligro la vida de
decenas de soldados con tal de obtener Las dos ideas que se confrontan con mayor
como premio la frivolidad de una medalla o dureza en la cinta, son las que se refieren a
un rango mayor. lo bello que fue y que puede ser el mundo,
representada por el soldado Witt,
interpretado por Jim Caviezel, y la

Marco Carlos Avalos Rosado

 Apuntes sobre la historia del cine 62

desesperanza del sargento Welsh -Sean Con una fotografía efectiva a cargo de John
Penn- que encuentra en el infierno de Toll , que llega a ser sobrecogedora, sobre
Guadalcanal la certeza de su visión todo en la secuencia donde capturan a los
pesimista de la vida. soldados japoneses, y con una excelente
banda sonora de Hanz Zimmer, apoyada en
Para Witt, la un sonido de primera que incluso mereció
armonía entre el una nominación al Oscar, La delgada línea
hombre y la roja expone personajes reales, que se
naturaleza se aferran a sus islas privadas, como alguien
encuentran dice en el film, para poder soportar la
representadas por violencia.
las hermosas Islas
Salomon y en su De esta forma, la cinta incide en la relación
gente donde los entre el hombre y la naturaleza, pero sobre
niños, como todo en la naturaleza del hombre. El
explica una mujer coronel Tall - Nick Nolte- encuentra en la
Terrence Malick
nativa, "casi nunca guerra una oportunidad para alcanzar un
se pelean". Sin mayor grado, luego de 15 años de "besar el
embargo, Welsh le advierte que cualquier culo de los generales"; el capitán Staros
intento por alterar el estado de las cosas, trata de mantener con vida a sus soldados
es decir la terrible situación de guerra, "es y se niega a obedecer las órdenes suicidas
como correr en una casa que se está del coronel. Por su parte, el soldado Bell
incendiando y donde nadie puede ser encuentra en el amor a su esposa, que
salvado". Para comprobarlo, Welsh lo aparece en la cinta como una imagen de
asigna como camillero a la patrulla, para ensueño, la razón que da sentido a su vida,
que vea lo que en realidad es el ser en medio de la crueldad de la guerra.
humano. En una de las secuencias finales,
el sargento Welsh llora al descubrir que en Incluso, en una secuencia, Welsh explica,
cierto modo su desesperanza tiene razón enojado, que todo el asunto de la guerra es
de ser. provocado por la propiedad. “La propiedad
es la culpable”, dice rabioso. De esta forma,
Witt, el soldado idealista es obligado a

Marco Carlos Avalos Rosado


pelear, cuando una patrulla norteamericana
lo detiene mientras lleva una vida
paradisiaca junto con la pacífica comunidad
de las Islas Salomon.
En lo formal, la voz en off se mezcla con los
sonidos del desarrollo propio de la película,
lo que la lleva a la cinta a un estrato más
cercano a la reflexión que a la acción y el
drama propios del cine bélico. En este
sentido, La delgada línea roja no pertenece,
en sentido estricto al género bélico, pues
más que un film de guerra es un film sobre
la guerra.
En una secuencia que parece reafirmar la
opinión de Melick sobre la guerra es aquella
donde el pelotón azuza al peligroso
cocodrilo que abre la película, pegándole
con una rama. Probablemente los soldados
estén provocando a su propia naturaleza
violenta; quizás alentando la destrucción de
la calma y de la paz. Pero no importa, dice
en otra parte del film la voz de Witt, en la
imaginación hay siempre un mundo mejor...
Terence Malick es un director que llevaba
20 años sin filmar. Nació en Ottawa, Illinois
en 1943 y antes de dedicarse al cine fue
reportero de las revistas Newsweek, Life y
New Yorker y estudió en el prestigiado
American Film Institute.
Apuntes sobre la historia del cine 63
Luego de escribir varios guiones, Malick
debutó como director con la cinta Malas
tierras -Badlands- y Días de Gloria -Days of
Heaven --en 1978, que si bien ya
anunciaban su capacidad como realizador,
no tuvieron mucho éxito en taquilla, lo que
lo mantuvo retirado durante veinte años. El
éxito de taquilla y de crítica ya le han dado
la oportunidad de preparar su siguiente
película, que probablemente esté lista el
próximo año y que lleva como título, en
inglés, The Moviegoer.
La delgada línea roja fue premiada en el
Festival de Berlín con el Oso de Oro y no
ganó ningún Oscar.
Por el lado oscuro del camino Lost
Highway (Estados Unidos - 1996)
Director: David Lynch
Actores: Bill Pullman, Patricia Arquette,
Robert Blake, John Roselius, Balthazar
Getty y Marilyn Manson.
Un hombre que toca el saxofón en una
banda de jazz, es detenido por la policía y
condenado a la silla eléctrica. A partir de
ahí se desata un viaje demencial:
inexplicablemente, en la celda del
Marco Carlos Avalos Rosado
 Apuntes sobre la historia del cine 64

condenado atmósfera de Lost Highway, como ocurre

aparece, en su en la mayoría de los filmes de Lynch, es
lugar un joven, malsana y violenta, con personajes que
ante el asombro despiertan diversos sentimientos
de la policía. encontrados: miedo, angustia,
desconcierto, pero sobre todo, curiosidad,
Definir Lost en lo cual radica uno de los principales
Highway, valores de la cinta: uno siempre quiere
incluso describir explicarse, de manera lógica, lo que pasa.
su argumento, Al igual que la mezcla de sentimientos - y
no deja de ser sensaciones - los géneros parecen
un ejercicio de combinarse: film noir, suspenso y fantasía.
interpretación
muy libre, Esta tendencia a la indefinición se expresa,
provocado, incluso, en su música, que lo mismo da
sospecho, por el cabida al pesimismo de Trent Reznor,
David Lynch
mismo David Lynch cantante de Nine Inch Niles, a la rudeza de
que en éste, su último Marilyn Manson, a la acidez de Smashing
largometraje, presenta una obra que es, Pumpkins, y a la dureza germánica de
una obra turbadora y desconcertante. Rammstein, que a la dulzura musical de
Antonio Carlos Jobim y This mortal Coil.
Si existe un estilo Lynch, definitivamente se Mención aparte merece, en este rubro, la
encuentra en ésta cinta. Desde su participación de Angelo Badalamenti,
planteamiento, que expone dos mundos compositor de cabecera de Lynch, que en
completamente diferentes: el externo, cada banda sonora entrega pequeñas joyas
donde un hombre, aparentemente motivado para los músicos y para los amantes del
por los celos, asesina a su esposa, y el cine. Recuérdese todo la música de
interno, el de la psique del homicida - ¿O Terciopelo Azul y de Twin Peaks.
del propio director?- Lost highway señala
una ambigüedad que intriga.

Dueña de un montaje que sobrecoge, la

Marco Carlos Avalos Rosado

 Apuntes sobre la historia del cine 65

Por el lado quizás arbitrarias en exceso, como la propia

oscuro del película.
camino es
una obra que David Lynch es un cineasta de interés,
reúne, en controvertido, que de una película a otra
gran medida, puede pasar de las más entusiastas
el estilo y el alabanzas a la más fría de las indiferencias
universo en por parte de la critica. Caso concreto:
el que se Dunas (1984), por cierto filmada en México,
desenvuelve superproducción que fracasó
Lynch, comercialmente y que le generó los peores
donde el augurios, cuando apenas cuatro años antes
suspenso es el había conseguido un éxito considerable con
Fotograma de “Cabeza
borradora” de David Lynch conducto formal El hombre elefante (1980).
hacia un mundo
donde conviven dos realidades paralelas y No obstante, su capacidad como cineasta
contradictorias. alcanzó para que Dino De Laurentis,
productor de Dunas, confiara otra vez en él,
El final es desconcertante; transgrede al financiándole Tercipelo Azul (1986),
espectador, y deja muchas preguntas en el considerada como una de las mejores
aire. ¿Es la historia de un hombre cintas de los ochentas, y que de nuevo le
destrozado por los celos y la paranoia? ¿Es ganó elogios por parte de la crítica.
la de un muchacho atrapado en la
delincuencia a causa del sexo? ¿Es la Después vendrían, en 1990, Industrial
historia de una mujer ambiciosa que Symphony No. 1: The Dream of the Broken
destruye a cuatro hombres? ¿Es Hearted, desconocida en nuestro país, la
simplemente la versión fílmica de una serie de éxito mundial - a excepción de
pesadilla?. México - Twin Peaks, la interesante serie
documental "Crónicas Americanas" y
Por supuesto, la respuesta - o respuestas - "Salvaje de Corazón", que incluso ganaría
a las que llegue el espectador serán, sin un premio en Cannes.
duda, interpretaciones muy personales, y

Marco Carlos Avalos Rosado


A partir de ahí, su carrera ha devenido en
una reiteración formal - el sello Lynch -
donde hasta los intérpretes y los
personajes, tienen un marcado parecido.
Tómese como referencia, por ejemplo, el
caso de Bill Pullman actor principal de Lost
Highway y Kyle MacLachlan, protagonista
de Terciopelo Azul, Dunas y Twin Peaks,
además de la presencia del fuego en todas
su obras.
John Hurt en “El hombre elefante”
Apuntes sobre la historia del cine 66
Incluso, hasta el pequeño corto que realizó
para el documental francés "Lumiere y
compañía" (1996) resulta, no por
fascinante, menos reiterativo: Unos policías
informan a un matrimonio de la
desaparición de su hija, tema casi idéntico
al de Twin Peaks.
Lo anterior no es raro. Aunque en El
hombre elefante, cinta que lo lanzó a la
fama, Lynch expuso que lo más bizarro, en
este caso un ser marcado por
deformidades, puede poseer lo que la moral
cristiana conoce como humanidad,
Terciopelo Azul, Salvaje de Corazón y Twin
Peaks, apuntan a lo contrario: los lugares
en apariencia tranquilos y "bonitos", como
los pueblos norteamericano, pueden
albergar, en su interior, el más terrible de
los infiernos.
De esta forma, y por mencionar solamente
un caso, Terciopelo Azul es una verdadera
pesadilla fílmica que las convenciones del
mercado cinematográfico sólo pudieron
soportar a causa de su inesperado éxito. Es
tan malsana, que hoy, en los videoclubes
de San Luis se le coloca inexplicablemente
en las cintas de género erótico.
Marco Carlos Avalos Rosado
 Apuntes sobre la historia del cine 67

Stanley Kubrick ( Patrulla Infernal ),

Nacido en 1946 en Missoula, Montana, Salvando al soldado Ryan es una cinta que
David Lynch es pues un cineasta en su fondo apela al sentimentalismo más
"posmoderno" dicen algunos, que construye superficial, y que en su forma mezcla la
auténticas pesadillas americanas que, sin ultraviolencia con el melodrama.
duda, y a pesar de sus detractores, han
abierto otras posibilidades al cine. En este Desde la
sentido, podemos afirmar que lo mejor de secuencia de
éste director calificado como maldito, aún apertura, que se
está por venir. repite al final,
donde vemos una
bandera
Rescatando al soldado Ryan Saving norteamericana
private Ryan (Estados Unidos – 1998) casí diáfana, casí
transparente por la
acción de la luz
Director: Steven Spielberg; Actores: Tom que desde atrás le
Hanks, Tom Sizemore, Edward Burns y expide un sol
Jeremy Davies. Steven Spielberg radiante y
justiciero, Saving Private Ryan advierte
Luego del desembarco en Normandía por que, salvo su millonario presupuesto, es
parte de los aliados, en la Segunda Guerra una película bélica del montón, con un
Mundial, el Estado Mayor del ejército discurso predecible: durante la Segunda
norteamericano envía a una patrulla de Guerra Mundial los marines
ocho hombres, comandada por el capitán norteamericanos fueron unos valientes
John Miller, a buscar a un soldado de defensores de la democracia, justos con el
apellido Ryan, cuyos tres hermanos han enemigo – éste si un monstruo -,
fallecido en combate. sacrificados, honorables, etc., etc.

Lejana en calidad a las grandes películas En apariencia no hay nada nuevo. Fuera de
bélicas de Abel Gance (Yo acuso), Lewis la sobrecogedora secuencia de media hora
Milestone (Sin novedad en el frente) y que recrea el desembarco en las costas de

Marco Carlos Avalos Rosado

 Apuntes sobre la historia del cine 68

Francia, prodigio de técnica fílmica, a cargo

del fotógrafo Janusz Kaminski, que No obstante, los personajes de la cinta -
literalmente se echó la cámara al hombro ocho hombres obligados a poner en riesgo
para alcanzar un mayor realismo, “Saving su vida para salvar la de otro – no ayudan
private Ryan” en apariencia no es muy al director para convencernos de su
diferente a otras premisa, pues son
cintas bélicas ambiguos y poco
como “Doce al creíbles: durante su
patíbulo” e búsqueda del
incluso al soldado Ryan, la
discurso patrulla descubre a
patriotero de tres alemanes
Rambo en los agazapados en torno
ochenta. No a una metralleta. El
obstante, si uno capitán Miller
reflexiona un (Hanks) decide
poco, ésta atacarlos, pese a las
última cinta de protestas de sus
Spielberg es la subordinados que
perversión de su prefieren sacar la
fantasía vuelta al enemigo.
americana.
Fotograma de “Tiburón”
Apoyado en los En la batalla, el doctor de la
sofisticados recursos tecnológicos que le patrulla muere, y un soldado alemán es
han permitido resucitar dinosaurios, y en el tomado como prisionero. Enfurecidos, los
uso cursi de la música de John Williams, marines quieren fusilarlo, pero el capitán
Steven Spielberg, defensor de las fantasías Miller les ordena que lo dejen ir, lo que
más infantiles – en el mal sentido de la provoca un conato de motín entre los
palabra – termina por aceptar que la miembros de la patrulla, que se sofoca
violencia a veces es necesaria, si se pelea, cuando el capitán expone los motivos de su
desde luego, por una causa superior.

Marco Carlos Avalos Rosado

 Apuntes sobre la historia del cine 69

conducta. “Entre más gente mató – explica-

más lejos me siento de mi hogar”.

De esta manera, luego de una retahíla de

razones que expresa supuestos valores
superiores para el ser humano, la patrulla
se convence de la nobleza de su misión y
de la importancia de evitar muertes
innecesarias. De pronto, se convierten en
improbables soldados de ensueño,
obligados a participar en una pesadilla.
No obstante, el personaje que representa
mejor la perversión de la fantasía
americana de Spielberg es Upham – alter
ego del propio director, según él mismo ha Fotograma de “E.T. el extraterrestre”
confesado – que es un soldado idealista, ramplón - que parece definir las
aficionado a la literatura, que aboga por la preferencias finiseculares del público
tolerancia, y que presencia con terror - y
mundial, provocando millonarios éxitos de
evitando disparar su arma - la crueldad de taquilla y la consolidación de todo una
la guerra, pero que luego de un combate política industrial que domina, hoy por hoy,
asesina a sangre fría a un prisionero al poderoso y omnipresente Hollywood.
alemán. Esta transformación de Upham es
una advertencia: el sueño americano puede A excepción de sus primeras películas,
tornarse en pesadilla contra los enemigos entre las que destacan Encuentros
de la libertad. Cercanos del Tercer Tipo, Tiburón y el
Imperio del sol, que también toca el tema
Desde “E.T., el extraterrestre”, el cine de
de la guerra, el cine Spielberg le dice al
Steven Spielberg se ha caracterizado por el espectador lo que éste quiere escuchar,
uso de los grandes presupuestos y los justificando la existencia de un mundo
últimos recursos de la tecnología idealista, que sólo es posible en sus propias
cinematográfica, en favor de un
películas o en la imaginación.
sentimentalismo – la mayoría de las veces

Marco Carlos Avalos Rosado

 Apuntes sobre la historia del cine 70

Así, “E.T.” alienta las fantasías de los
creyentes en Ovnis y “Regreso al futuro” la
posibilidad innegable que tiene la gente
común de cambiar su destino de fracaso;
por su parte, “Hook” plantea el imperio de
los sueños por encima de la realidad y la
saga de Indiana Jones promueve la
procedencia divina de la cultura occidental,
en otras palabras, de la cultura
judeocristiana, y “Jurassic Park” pretende
demostrar que todo es posible, si se deja a
la fantasía encontrar sus caminos.
Luego vino un receso para seguir ganando
dinero con la segunda parte de “Jurassic
Park”, y después “Amistad” que reafirma su
preocupación por el racismo, que ya había
expuesto en “El color púrpura”.
Y como parte de su trilogía de finales de
década, Spielberg presenta “Rescatando al
soldado Ryan”, en la cual mezcla, de
manera curiosa, el mundo idealista y
sentimental de sus cintas de mayor éxito,
con la violencia y la prepotencia en el uso -

En la segunda parte de la década de los

noventa, el cine de Spielberg, sin embargo,
ha tenido que dar un viraje en el tono de las
historias que narra. Acorde a las exigencias
del mercado, que se orienta principalmente
a la violencia, se ha visto obligado a tocar
temas “fuertes”, de un indudable poder
taquillero por el morbo que despiertan.

De esta manera, la “La lista de Schindler”,

es el vehículo excepcional para manifestar
sus indudables cualidades técnicas como
director, y el uso prepotente de la
tecnología y la historia, vía el Holocausto
judío, para chantajear a la “academia” de
artes cinematográficas de Hollywood y Harrison Ford en “Cazadores del Arca
poder ganar, al fin, lo único que se la había Perdida” de Steven Speilberg
negado hasta ése momento: un Oscar.

Marco Carlos Avalos Rosado

 Apuntes sobre la historia del cine 71

y abuso - de la tecnología para contar la cual todavía le faltan 15 años. El problema

historia desde un punto de vista injusto y radica en que Jesus no quiere saber nada
poco honesto, pretendiendo homenajear, a de su papá desde el día en que éste privó
través de la mitificación, a los defensores de la vida a su madre.
de la democracia, cuyo fin último, parece
decirnos el director, es la libertad de evadir A través de un dominio absoluto de la
la realidad, la libertad de soñar que se vive técnica cinematográfica, que lo hace hoy
en un mundo mejor. uno de los cineastas norteamericanos más
importantes, Spike Lee plantea la angustia
de padre e hijo enfrentados por el pasado
"No perdonarás" He Got Game trágico y un presente agobiante.
(E.E.U.U.,1998) Drama
El padre (Danzel
Director: Spike Lee; Guión: Spike Lee; Washington),
Producción: Jon Kilik y Spike obsesionado por
Lee;Fotografía: Malik Hassan Sayeed que su hijo tenga
Música: Chuck D. Actores:Denzel la posibilidad de
Washington, Ray Allen (V) , Milla Jovovich , desarrollo que él
Rosario Dawson, Joseph Lyle Taylor y no tuvo, que
Thomas Jefferson Byrd quiere rescatarlo,
. a través del
basquetbol, del
Jake Shuttlesworth, convicto por el destino
homicidio accidental de su esposa, es manifiesto de las
Spike Lee
llamado por el alcaide de la prisión para drogas y la
que lleve a cabo una misión importante: violencia que
conseguir, por pedido directo del sufren muchos afroamericanos.
gobernador de Nueva York, que su hijo,
Jesus Shuttlesworth, estrella del basquetbol Y el hijo (encarnado por la estrella de la
preparatoriano, firme para entrar en la Big NBA, Ray Allen) atleta de excepción que se
University, antigua Alma Mater del político. llama Jesús y que al igual que su
Ello, a cambio de reducir su condena, a la

Marco Carlos Avalos Rosado

 Apuntes sobre la historia del cine 72

homónimo bíblico sufre las consecuencias desesperado entre Jake y Dakota (Milla
de un mandato arbitrario: salvar. Jovovich) "No perdonarás" se aleja cada
vez más, al igual que "Hermanos de
Salvar a su Sangre", anterior obra del director, del
hermana, discurso desmesurado que señalaba
huérfana por la conflictos raciales, y que enjuiciaba la
muerte de su intolerancia de quienes los provocaban,
madre y el para reflexionar, con más incisión e
encarcelamiento inteligencia, sobre las condiciones sociales
de su padre; a de los afroamericanos.
sus tíos, que se
hicieron cargo de A la cabeza de los directores de color de su
él; a su país, entre quienes se encuentran Mario
entrenador que Van Peebles (La fortaleza del vicio) y John
intercedió para Singleton (Los chicos de la calle), Spike
Denzel Washington que aprobara Lee es un cineasta que vale la pena
matemáticas; a su conocer, pues sus películas son dueñas de
novia que le otorgó favores sexuales; a su imágenes poderosas, que exponen
futura universidad que por ganar un mensajes directos y polémicos, que no
campeonato le ofreció dinero y una docena dejan pasivo al espectador.
de hermosas estudiantes blancas
dispuestas a todo; a salvar también a su "No perdonarás", por ejemplo, expone la
padre de otros quince años en la cárcel; y imposibilidad del progreso económico y
en última instancia, a salvarse él mismo de social para la comunidad negra, sin la
todos ellos y de la misión que le señalan existencia del enfrentamiento con los otros
hasta en los encabezados de los diarios, o consigo mismos. Todo ello, en un medio
"Jesus Saves", Jesús salva. lleno de fatalidad, "son sólo unos negros
con buena suerte" dice un personaje en la
Aunque cede por ratos al sentimentalismo cinta, refiriéndose a los afroamericanos
tramposo y presenta algunas secuencias exitosos.
gratuitas, que parecen metidas a la fuerza
en el montaje, como la secuencia del sexo

Marco Carlos Avalos Rosado

 Apuntes sobre la historia del cine 73

Un atractivo adicional de la cinta es la

actuación de Danzel Washington que ha
dejado a un lado el estereotipo que algunos
le endilgan, de ser el Sidney Poitier de los
noventa, para convertirse en un actor en
toda la línea, que lo mismo puede ser un
osado policía o un convicto desarrapado. Capitulo V
De igual forma, en la cinta desfilan algunos Cine de Japón, la India, Irán y África
de los actores habituales en la obra fílmica
del también director de "Malcolm X", como Japón. .Aunque Japón es un país que
John Turturro, y se presentan también los produce alrededor de 400 películas por
personajes, en apariencia tranquilos que año, en México no se conoce
repentinamente se tornan violentos que suficientemente la obra de los cineastas
aparecen en otros de sus filmes como japoneses.
"Hermanos de Sangre", "Fiebre de Selva" y
"Haz lo correcto". Lo anterior es
lamentable,
El cine de Spike Lee es, sin duda, pues oriente, y
imprescindible para todo cinéfilo, pero Japón en este
sobre todo para las personas que buscan caso, han dado
en el séptimo arte diversión y algo más. al cine grandes
cineastas que
han influido y
que han sido
imitados en
occidente. Uno
de ellos es Akira
Kurosawa. Akira Kurosawa

Marco Carlos Avalos Rosado

 Apuntes sobre la historia del cine 74

Akira Kurosawa (1910-1998) se da a Otro cineasta

conocer internacionalmente con Roshamon japonés que
(1950), una producción de época que narra debe
la historia de una violación desde cuatro mencionarse
puntos de vista diferentes y contradictorios. entre varios
Entre sus cintas más célebres se nombres
encuentran “Los siete samurais” (1954), importantes, es
“Trono de Sangre” (1957) y “Dersu Uzala” Kenji Mizoguchi
(1975) que es considerada su obra (1898-1956),
maestra. que filmó desde
Sin embargo, existen otros películas del
cineastas de prestigio en género que en
Japón, como es el caso de Japón se denomina
Kenji Mizoguchi
Yazuhiro Ozu, cuya obra – “Jidai-geki” y que
que empezó a ser valorada aborda temas
en occidente hasta los 70´s históricos desde una perspectiva crítica,
– presenta las tradiciones hasta adaptaciones de novelas
japonesas enfrentadas a los occidentales. Una de las marcas de su obra
cambios culturales que es abordar el tema de las relaciones entre
sobrevinieron en dicho país el hombre y la mujer, donde ésta aparece
en la posguerra. La película como un ser que enfrenta tribulaciones y
clave de Yazuhiro Ozu es sufrimientos. Su cinta clave es “Cuentos de
“Historias de Tokio” (1953) la luna pálida “ (1953) que ganó el León de
Yazuhiro Ozu que habla sobre una pareja de Plata en el Festival de Cine de Venecia, y
ancianos que del campo, van que habla de un campesino que aspira a
a visitar a sus hijos que viven en Tokio. En ser un samurai. El cine de Mizoguchi es
la actualidad, la crítica de cine profesa casi desconocido en México.
hacia Ozu admiración, pero es desconocido
para el gran público.

Marco Carlos Avalos Rosado

 Apuntes sobre la historia del cine 75

Algunos cineastas es maltratada. En sus huida es

japoneses destacados transportado por un taxista que es un
en la actualidad, son inmigrante peruano de origen japonés que
Takeshi Kitano que ha perdido en gran medida su identidad.
tiene dos películas
conocidas en La cinematografía de Japón es fascinante,
occidente que son y como se ve, es más que Godzilla y los
"Escena frente al mar" Gentai y los manga, que es lo más
“Kids Return”, al igual conocido de Japón en México y en
que Masato Harada, occidente.
cuya película
“Kamikaze Taxi"
(1995) se ha
Masato Harada
difundido en la
televisón por cable.
Las particularidades de estos dos cineastas
es que abordan la problemática social de su
país presentando un entorno económico
injusto que excluye a la mayoría de las
personas y alienta los vicios y la corrupción.
Por ejemplo, “Kids Return” de Kitano, es la
historia de dos jóvenes japoneses que ven
sus vidas destruidas, poco a poco, al no
poder aspirar a una carrera universitaria o a
un empleo digno, y que terminan en el bajo
mundo.

Por su parte, “Kamikaze Taxi" de Harada,

habla sobre un joven enfrentado a la mafia
japonesa – emparentada con poderosos Takeshi Litano
industriales y miembros de la alta burguesía
joponesa – por defender a una mujer que

Marco Carlos Avalos Rosado


El cine indio. La India es el país donde
más películas se realizan por año: En 1985
alcanzó la cifra record de 833 realizaciones
al año, ubicándose como el país con la
mayor producción fílmica del mundo, con
una diversidad de lenguajes, voces e
ideologías. País con 16 lenguas oficiales y
1652 dialectos, con millones de
espectadores y miles de salas, nutre la
demanda cinematográfica con las películas
de varios centros: Punjab, Bombay, Delhi,
Uttar Pradesh, Bengala,etc., que van desde
el cine de autor hasta géneros populares
como el espectáculo épico de raíces
mitológicas, el melodrama familiar, el drama
social y el filme de acción. Los indios son
tan
apasiona
dos del
cine
como de
su
religión.
Satyahit Ray
Apuntes sobre la historia del cine 76
Su industria se dedica casi exclusivamente
a nutrir el consumo interno, tiene su propio
sistema de estrellas, y pese al gran número
de cintas que produce es un cine que
presenta poco interés para el occidente.
Hay, sin embargo, un cineasta que en los
50´s llamó la atención, y que es Satyajit
Ray (1921-1992) , que elaboró una trilogía
sobre la vida de un hombre llamado Apu,
desde su niñez en una pequeña aldea,
hasta su vida en una gran ciudad. Esta
trilogía se compone de las películas Pather
Panchali (1955), Aparajito (1956) y Apur
Sansar (El mundo de Apu, 1959), en las
cuales puede apreciarse maestría en el uso
de los planos y en el montaje.
China, Taiwan, Hong Kong. En los últimos
años, éstas naciones han dado a la luz
cineastas de gran calidad, que han
obtenido premios muy importantes a nivel
mundial, como la Palma de Oro en Cannes,
el Oso de Oro de Berlín, etc.
Entre los cineastas más importantes están
Kaige Chen (Taiwan) que en sus obras ha
retratado las tradiciones orientales y el
anacronismo de éstas frente al mundo
moderno. Ejemplos de sus películas son:
“Adiós a mi Concubina” (Palma de Oro en
Cannes en 1993) y “Luna Encantadora”.
Marco Carlos Avalos Rosado
 Apuntes sobre la historia del cine 77

Ang Lee ( “Banquete de Bodas”), que

incluso emigró a occidente para realizar
“Sensatez y sentimientos” que ganó el Oso
de Oro de Berlín (1995) y que habla del
enfrentamiento entre dos hermanas. Su
cinta “El Tigre y el Dragón” ganó el Oscar a
la mejor película extranjera en el
2001.

Yimou Zhang, cineasta chino que ha

ganado el León de Oro de Venecia y el Oso
de Oro de Berlín

Otros cineastas prestigiosos del lejano

oriente, y que habitualmente están
presentes en los festivales internacionales,
se encuentran Yim Ho (El Sol tiene oídos)
He Ping (El valle del sol), Edward Yang
(Majhong), Wong Kar Wai (Angeles
Caídos), John Woo; Hsiao-Hsien Hou
(Buenos hombres, buenas mujeres). Yimou
Zhang (“Ni uno menos”) cuyas cintas han
ganado el Oso de Oro de Berlín y el León
de Oro de Venecia, entre otros premios.

Kaige Chen, director chino

ganador de la Palmada de Oro en
Cannes

Marco Carlos Avalos Rosado

 Apuntes sobre la historia del cine 78

Medio Oriente. Al igual que las

cinematografías asiáticas, el medio oriente
ha dado grandes cineastas que son
desconocidos por el gran público, que en
México está sometido a los dictados de las
distribuidoras norteamericanas.

En particular, Irán es un país que ha dado

al mundo un cineasta que ha sido
reconocido por la crítica: Abbas Kiarostami.

Abbas Kiarostami es un cineasta que

realiza películas épicas, partiendo de
historias que aparentan ser sencillas, pero
cuyo trasfondo se vuelve complejo y
poético.
Fotograma de la cinta “¿Dónde queda la
casa de mi amigo? Perteneciente a la
trilogía del Koker de Abbas Kiarostami

narra las peripecias de un niño para

A Abbas Kiarostami se le reconoce entre
otras cintas por su “Trilogía de Koker”.
Koker es una pequeña población cercana a
Teherán, en donde el cineasta iraní filma
"¿Dónde queda la casa de mi amigo?" que
entregarle un cuaderno a uno de sus
compañeros, "La vida continúa" que
describe la forma como un director de cine
que acude a Koker, luego de un terremoto
que devasta al lugar para encontrar a los
niños que intervinieron en la filmación de
"¿Dónde queda la casa de mi amigo?". Otra
cinta que conforma la trilogía es “Detrás de
los olivos” que habla sobre un campesino
que intenta casarse con una joven
estudiante.

Marco Carlos Avalos Rosado

 Apuntes sobre la historia del cine 79

Otras cintas afamada de Abbas Kiarostami

es “El sabor de la cereza” (1998) que trata
de un hombre que quiere suicidarse y que
explica sus razones para hacerlo, y “Primer
Plano” (1990) sobre un hombre que se
hace pasar por un director prestigioso para
poder filmar con libertad su propia película.
El cine de Kiarostami está influido, en
algunos rasgos, sobre todo en la unión de
realidad y ficción, con el neorrealismo, y se
caracteriza también por la utilización de
planos panorámicos muy largos que, por
ejemplo, siguen a los personajes a través
de una colina, y su mirada, a través de la
cámara de cine, registra historias humanas,
de personas que enfrentan con
determinación un reto o una tarea que
parece sencilla, pero que encierra una
enrome complejidad. Salvo la ciudad de
México, en nuestro país no se ha exhibido
cine de Kiarostami, salvo en alguna ocasión
que la Muestra Internacional de cine sale a
algunas ciudades de la república.

Pero no sólo Kiarostami destaca en el cine

iraní, otros cineastas como Majid Majidi (
“Los niños del cielo” 1999 ), Jafar Panahi (
“El Globo Blanco” 1995) y. Mohsen
Makhmalbaf (“El silencio” 1998).
Cartel de “El sabor de las cerezas” de
Kiarostami, un cineasta habitual en los
festivales más importantes de cine, que ha
sido reconocido por la crítica como uno de
los mejores directores de la actualidad

Marco Carlos Avalos Rosado

 Apuntes sobre la historia del cine 80

Africa
El cine africano está marcado por la
colonización europea, los distintos países
denigraron las costumbres de los africanos
y recrearon la imagen difamatoria que hasta
hoy tenemos del Africa. No obstante, luego
de que en 1966 se estrenara “La Batalla de
Argel” (Gillio Pontecorvo) y “La nore…” de
Gusmane Sembéne, que es considerado el
padre del cine africano.
Algunos películas importantes: “La Capilla”
de Jean-Michael Tschissoukou (Congo);
“Comedia exótica” de Kitia Toure (Costa de
Marfil); Cámara de Africa de Ferid
Boughedir (Zaire); “La vida es Bella” de
Ngangura Mweze y las otras películas de
Sembéne “El Giro”, El Campo de Thiaroye y
Guelwaar.

Los europeos hacían películas deformantes

sobre Africa y racista, como “La Conquista
de un continente” del estadounidense
Harold Shaw. No obstante, el crecimiento
del cine de Africa corresponde a la
independencia de muchos de ésos países,
como Camerún, Burundi, Chad, Argelia,
Benin, Madagascar, Senegal, etc.

Sembéne es uno de los primeros directores

que realiza películas en su propio idioma
(wolof); es precisamente la diversidad de
idiomas en Africa, así como la carencia de
recursos y apoyo, que el cine no se ha
desarrollado tanto. De hehco, en sus
inicios, el cine africano era más visual, para
que la mayoría de los espectadores pudiera
entenderla.
Gusmane Sembéne, considerado el
primer director africano de la historia

Marco Carlos Avalos Rosado