P. 1
13. La Escultura Barroca.bernini

13. La Escultura Barroca.bernini

5.0

|Views: 12.630|Likes:
Publicado porherodoto

More info:

Published by: herodoto on May 02, 2009
Copyright:Attribution Non-commercial

Availability:

Read on Scribd mobile: iPhone, iPad and Android.
download as DOC, PDF, TXT or read online from Scribd
See more
See less

05/11/2014

pdf

text

original

I.E.S. “Francisco de Goya” Molina de Segura.

Departamento de Geografía e Historia.

Tema 13 : La escultura Barroca Obras a comentar 84- Bernini-Apolo y Dafne 85- Bernini-David 86- Bernini- Éxtasis de Santa Teresa 87- Gregorio Fernández-Cristo yacente 88- Salzillo- Sagrada Familia (Iglesia de San Miguel de Murcia) 89- Salzillo-San Jerónimo (Museo de la catedral de Murcia) 90- Salzillo-Oración del Huerto

Curso 2008-2009

Tema13: La escultura barroca. Bernini

©Departamento de Geografía e Historia

1

I.E.S. “Francisco de Goya” Molina de Segura.

Departamento de Geografía e Historia.

1.- La escultura Barroca: características generales • En la escultura barroca, al igual que en la arquitectura, destaca el deseo de movimiento. • El movimiento se dispara hacia el exterior y los miembros de las figuras y los ropajes se proyectan hacia fuera.

Los ropajes se hinchan, sus plegados se multiplican, arremolinan y el escultor atiende más al movimiento del paño mismo que a subrayar con él las formas de la figura humana.

A la concepción puramente escultórica del Renacimiento sucede otra de carácter más pictórico que procura representar más la apariencia que la realidad misma y, en el deseo de fingir calidades, contrapone superficies pulidas a otras sólo debastadas.

• Se busca la exaltación de los sentimientos y las expresiones teatrales. El escultor barroco es muy dado a representar los arrebatos místicos muy en consonancia con las directrices contrarreformistas marcadas en Trento. • La escultura barroca es una escultura efectista y procura con frecuencia impresionar al espectador, sobre todo en el género funerario. 2.- La escultura Barroca italiana: Bernini Es el padre indiscutible de la escultura barroca. Sus principales obras escultóricas son 1.- El Rapto de Proserpina. En esta obra, esculpida en 1621/22 para el cardenal Borghese, Bernini narra el rapto de Proserpina, hija de Ceres, por el dios de los infiernos Plutón. El autor rompió por primera vez en esta obra el equilibrio que se venía dando en las composiciones escultóricas desde el
Curso 2008-2009 Tema13: La escultura barroca. Bernini ©Departamento de Geografía e Historia

2

I.E.S. “Francisco de Goya” Molina de Segura.

Departamento de Geografía e Historia.

Renacimiento, destacando el movimiento ascendente de la composición así como la sensación de inestabilidad de la misma. Bernini sitúa en un segundo plano al perro de tres cabezas Cancerbero, guardián de los infiernos en el que reina Plutón. Sin embargo, no es éste más que el recurso del escultor para crear una base que sustente el conjunto principal formado por las dos figuras. Bernini busca la contraposición entre las formas blandas de la anatomía femenina y las formas más rotundas y musculadas del hombre. Así mismo, el autor demuestra su gran habilidad técnica y su dominio del trabajo del mármol en el tratamiento de las superficies, logrando crear sobre la dura superficie marmórea la sensación de blanda carne que se hunde bajo la presión de los dedos de Plutón. Igualmente, Bernini abandona los relajados rostros renacentistas para expresar con absoluta libertad los sentimientos de sus personajes. Así el rostro de brutalidad y lascivia de Plutón contrasta con la angustia y el terror que siente Proserpina. Muestra, por tanto, Bernini una sensibilidad muy distinta a la de los escultores renacentistas. Así, opta por representar la escena no en el momento previo a que esta se desarrollara, como habría hecho Miguel Ángel, sino en el momento de mayor tensión y movimiento, movimiento que se proyecta hacia el exterior frente al movimiento centrípeto (hacia el interior) característico de la escultura renacentista. Bernini representa un momento fugaz e instantáneo frente al carácter atemporal que rodea a las esculturas del Renacimiento. 2.-David Identificación Título: David Autor: Gian Lorenzo Bernini Cronología: 1623 Estilo: Barroco
Curso 2008-2009 Tema13: La escultura barroca. Bernini ©Departamento de Geografía e Historia

3

I.E.S. “Francisco de Goya” Molina de Segura.

Departamento de Geografía e Historia.

Técnica y materiales: mármol Dimensiones: 170 cms Localización: Galería Borghese Tema: religioso Análisis Bernini recurre de nuevo a un tema que venía siendo muy frecuente desde el Renacimiento (Donatello y Miguel Ángel). Donatello había recurrido a representar al héroe bíblico justo en la actitud de triunfo tras vences al gigante y Migue Ángel había preferido reprersentarlo en el momento previo al combate, sin embargo, Bernini lo muestra en el acto mismo de arrojar la piedra. Es un imagen de gran movimiento contenido, en la que hasta los labios apretados transmiten la concentración y el esfuerzo. Frente a la idealización y la elegante figura juvenil de Donatello o frente a la mirada agresiva y atenta del de Miguel Ángel, el de Bernini muestra la tensión hasta en los mínimos detalles, como los pies contraidos sobre el borde del soporte para conseguir un mayor agarre. Bernini elige un hombre vulgar, quizá un pastor, que esgrime la honda arrebatado por la ira. Toda la fuerza está enfocada hacia fuera, hacia Goliat, que actúa como el complemento necesario. Es como si la estatua crease un espacio cargado de energía entre él, David y su enemigo invisible. 3.-Apolo y Dafne. Identificación Título: Apolo y Dafne Autor: Gian Lorenzo Bernini Cronología: 1625 Estilo: Barroco Técnica y materiales: mármol Dimensiones: 243 cms Localización: Galería Borghese
Curso 2008-2009 Tema13: La escultura barroca. Bernini ©Departamento de Geografía e Historia

4

I.E.S. “Francisco de Goya” Molina de Segura.

Departamento de Geografía e Historia.

Tema: mitológico
Análisis

En este grupo escultórico de 1625, Bernini plasma visualmente la fábula recogida en la Metamorfosis de Ovidio, que narra el momento en el que los brazos de la ninfa se transforman en hojas de laurel y su cuerpo en un árbol de corteza dura, al ser abrazada por Apolo. En él, Bernini aporta una reflexión sobre las transformaciones de la materia con un incomparable virtuosismo técnico, puliendo las superficies del mármol para que la luz se deslice suavemente, concentrado toda la atención en la tensión del momento, en la que se contrapone el estupor de Apolo al horror de Dafne. El movimiento es una característica relevante del barroco; las figuras nunca se representan quietas, o en postura de reposo, sino siempre en movimiento, en ese momento de inestable equilibrio que se verifica en la culminación de un movimiento. La figura “serpentinata” iniciada en la segunda mitad del XVI, tendrá en el siglo XVII gran éxito: el cuerpo humano captado mientras realiza un movimiento en espiral, consecuencia de una veloz rotación. Representa un momento fugaz. Es una obra encargada por el cardenal Borghese para los jardines de su villa. Las figuras están llenas de sensualidad y movimiento, que el autor insinúa mediante las líneas curvas y el pulimento. Define perfectamente la oposición entre la piel suave de Dafne y la textura áspera del tronco. La leyenda narra como Apolo se burló de Cupido, quién se venga de Apolo disparándole un flecha que le hace enamorarse de Dafne, hija del rey Peneo. También dispara una flecha a Dafne, que le hace odiar el amor y en particular a Apolo. Apolo persigue a Dafne y al tocarla se convierte en laurel. En adelante, y para consolarla, toma el laurel como su árbol y se venga de Cupido, haciendo que los vencedores de los Juegos Píticos sean coronados con laurel. 4.-Éxtasis de Santa Teresa.
Curso 2008-2009 Tema13: La escultura barroca. Bernini ©Departamento de Geografía e Historia

5

I.E.S. “Francisco de Goya” Molina de Segura.

Departamento de Geografía e Historia.

Identificación Título: Extasis de Santa Teresa Autor: Gian Lorenzo Bernini Cronología: 1656 Estilo: Barroco Técnica y materiales: mármol y bronce (tallado y vaciado) Dimensiones: Localización: Capilla Cornaro (Iglesia de santa María de la Victoria) Tema: religioso
Análisis

Encargado en 1656 por un cardenal para presidir el altar de su capilla funeraria (La Capilla Cornaro). Es una fiel transcripción del éxtasis sufrido y descrito por la santa en el Libro de su vida; según ella un ángel la visitó armado con un dardo rosado acabado en una punta de llama, que hundió varias veces en su corazón produciéndole un dolor intenso, pero dejándola al mismo tiempo consumida por el amor de Dios. Bernini ofrece una imagen momentánea buscando producir en el espectador la intensidad de la emoción religiosa. El conjunto es de una gran teatralidad. La santa, esculpida en mármol pulido blanco, cae desvanecido sobre una nube de color más oscuro, mientras los rayos de la luz divina caen desde arriba; en la bóveda superior, el cielo se abre apareciendo más ángeles. La fuerza de la escena queda reforzada por el conjunto arquitectónico donde se encuentra, fundiéndose todo en un conjunto dinámico. Los ropajes anchos, movidos, hinchados, se agitan por el movimiento del cuerpo, produciendo violentos juegos de luces y sombras típicos del Barroco. Las dos figuras están iluminadas desde un ventana superior oculta. La santa está representada en dramática actitud: los ojos cerrados y los
Curso 2008-2009 Tema13: La escultura barroca. Bernini ©Departamento de Geografía e Historia

6

I.E.S. “Francisco de Goya” Molina de Segura.

Departamento de Geografía e Historia.

labios abiertos, como si hubiera perdido la conciencia. Su rostro contrata con el del ángel que reboza vida y alegría. Se encuentra en la capilla Cornaro en Santa María de la Victoria en Roma. Para Bernini es su obra maestra. En los muros laterales posteriores a la capilla hay relieves de miembros de la familia Cornaro que parecen ser testigos del acontecimiento. Otras obras de Bernini: • Sepulcro del Papa Urbano VIII. La ejecución de esta obra se prolongó desde 1628 hasta 1649. Esta ubicada en una hornacina del ábside de San Pedro del Vaticano. Aunque Bernini contaba con la consideración de los principales personajes de su generación, su excepcional fortuna empezó en 1623 cuando su gran admirador Maffeo Barberini (presente en la realización del David) ascendió al papado con el nombre de Urbano VIII. El sepulcro presenta un composición piramidal. Arriba, la estatua del papa sentado, en actitud bendicente; abajo la urna en forma de relicario que debía contener el cuerpo, y a cada lado, de pie, las figuras de las Virtudes, Justicia y Caridad. .Estas referencias hacen a alusión a las virtudes del difunto La figura del Papa, de bronce, aparece majestuosa. El manto cae sobre su cuerpo formando ritmos ondulantes. El sepulcro en mármol negro, y las Virtudes, en mármol blanco señalan las características barrocas de combinación de materiales.Sin embargo la escena conserva todavía cierta mesura, pues los rostros son tranquilos, como transmitiendo resignación y esperanza cristalina. • Fuente de los Cuatro Ríos. Se sitúa en el centro de la Plaza Navona y sirve de base para un obelisco egipcio, detrás se encuentra la iglesia de Santa Inés .Es un encargo del papa Inocencio X.
Curso 2008-2009 Tema13: La escultura barroca. Bernini ©Departamento de Geografía e Historia

7

I.E.S. “Francisco de Goya” Molina de Segura.

Departamento de Geografía e Historia.

Para destacar ópticamente el obelisco tiene que elevarlo por medio de un basamento. Realizó un montículo, en forma de gruta, inspirado en los jardines de las villas lo que dota a la fuente de gran originalidad y resulta novedoso. La idea procede del cristianismo antiguo que asocia el nacimiento de estos cuatro ríos en una única montaña y analógicamente a los ríos que atraviesan el paraíso. Es una muestra del interés urbanístico del barroco. Bernini ordena la composición en forma de alegoría sobre los beneficios del agua, que distribuyen los grandes ríos en las cuatro partes del mundo, asegurando la vida vegetal y animal: Nilo, Danubio, Ganges y Río de la Plata. De un simulacro de rocas brota el agua que beben un león, un cocodrilo, un caballo y que baña el pie de una palmera. Las estatuas de los ríos están situadas en los cuatro puntos cardinales (la del Nilo aparece con la cabeza velada, pues se desconocían sus fuentes). Aparecen los símbolos papales, las abejas de los Barberini y la paloma de los Panhili.

Sepulcro de Alejandro VII.

Realizado en mármol, jaspe de Sicilia y bronce reforma y desarrolla el modelo iconográfico de la tumba de Urbano VIII. El Papa no se turba en su oración ante la llegada de la Muerte, representada mediante un esqueleto con clepsidra que alza la pesada mortaja de jaspe. Abajo se encuentran las personificaciones de las cuatro virtudes: la Caridad y la Verdad en primer plano, la Prudencia y la Justicia en segundo plano. La tumba fue encargada por el mismo Alejandro VII en 1655 pero fue terminada en 1678, en base a diseños y bosquejos del maestro y realizada por un gran grupo de artistas. 3.- La escultura Barroca en España a) Características generales.
Curso 2008-2009 Tema13: La escultura barroca. Bernini ©Departamento de Geografía e Historia

8

I.E.S. “Francisco de Goya” Molina de Segura.

Departamento de Geografía e Historia.

Las especiales circunstancias de la realidad histórica española, determinan unas características particulares en su desarrollo artístico:

Mientras en Italia se desarrolló en el siglo XVII la gran escultura berniniana en mármol o bronce con un gran desarrollo junto a la temática religiosa de los temas alegóricos y mitológicos, en España se desarrolla la escultura en madera policromada (material más modesto) de carácter exclusivamente religioso y al servicio de la sensibilidad contrarreformista que intenta sensibilizar a los creyentes que son testigos de la pasión de Cristo (Pasos) o sienten a los Santos como personas viva y reales. Esto explica el realismo, a veces excesivo e incluso teatral de los imagineros españoles.

El cliente principal es la Iglesia que demanda de los escultores retablos, imágenes de culto y pasos procesionales encargados por las Cofradías (en primer lugar en Valladolid).

El ansia de realidad tiene varios efectos sobre las obras: la pintura de las imágenes utilizando la policromía mediante la técnica del estofado, la utilización de “imágenes de vestir” y la utilización de elementos naturales (cabellos, uñas)

A comienzos del siglo XVII se pueden señalar dos focos escultóricos: Castilla (con Valladolid como principal centro) y Andalucía (con Sevilla y Granada). En el siglo XVIII se suman otras escuelas entre las que destaca la murciana (Salzillo).

b) La escuela castellana. El siglo XVII es el de los grandes imagineros vallisoletanos y andaluces. La escuela de Valladolid, tras su declive a finales del siglo XVI, cobra nuevo vigor con Gregorio Fernández (1576-1536). Su principal interés es la de representar la realidad de la manera más directa posible. Impulsado por este afán naturalista, gusta de recrearse en el modelado de sus desnudos. Sin embargo representa los ropajes
Curso 2008-2009 Tema13: La escultura barroca. Bernini ©Departamento de Geografía e Historia

9

I.E.S. “Francisco de Goya” Molina de Segura.

Departamento de Geografía e Historia.

con un convencionalismo similar a los de los primitivos flamencos. Probablemente en un deseo de crear violentos contrastes de claroscuros, quiebra los ropajes en grandes ángulos y contra ángulos como si fuesen de tela almidonada. Es sin duda es más importante creador de imágenes piadosas de la mitad norte de la Península y tuvo una gran cantidad de encargos desde Portugal al País Vasco y desde Oviedo a Madrid. Influido por Pompeyo Leoni y por Juan de Juni, su estilo evolucionó desde un cierto manierismo italianizante hasta el naturalismo extremo. Entre sus obras más importantes destacamos: 1. Cristo Yacente. (Madera policromada. Palacio de El Pardo. Madrid)Selectiv. Identificación Título: Cristo Yacente Autor: Gregorio Fernández Cronología: siglo XVII Estilo: Barroco Técnica y materiales: madera policromada Localización: Convento de los Padres Capuchinos del Pardo (Madrid) Tema: religioso Análisis Representa a Jesucristo sobre un sudario, en posición yacente, una vez crucificado y trasladado al Santo Sepulcro. Se trata de un tema muy frecuente en la escultura española de los siglos XVI y XVII, ensayado, con anterioridad a Gregorio Fernández, por Juan de Juni, Gaspar Becerra y Francisco de la Maza, entre otros escultores del Renacimiento .La imagen está concebida para ser contemplada lateralmente. La cabeza del Cristo se inclina hacia el lado derecho, al tiempo que la pierna derecha aparece más levantada que la izquierda. La cabeza y parte del tórax se apoyan sobre una almohada, mostrándose ligeramente
Curso 2008-2009 Tema13: La escultura barroca. Bernini ©Departamento de Geografía e Historia

10

I.E.S. “Francisco de Goya” Molina de Segura.

Departamento de Geografía e Historia.

inclinados, lo que contribuye aún más a esa percepción de lateralidad. Los brazos se extienden sobre el lecho separados del tronco, buscando una cierta sensación de simetría, que también se aprecia en la cabellera, al quedar desplegadas varias madejas de cabello a ambos lados de la almohada. Fernández evitó cualquier signo que hiciera visible el rigor mortis, con la excepción de un leve hinchamiento del cuerpo. La idea de muerte se transmite enfatizando las heridas y llagas causadas por el vía crucis y la crucifixión, siguiendo las pautas estilísticas de la escultura religiosa española del Barroco. Es un desnudo impasible y anatómicamente de gran perfección..La gran fuerza expresiva de la imagen se consigue con una serie de rasgos que acentúan el dramatismo de la reciente agonía: rasgos alargados, regueros de sangre, ojos entreabiertos, boca sedienta, dientes asomándose entre labios morados y los mechones de cabello cayendo sobre el rostro. Otras obras de Gregorio Fernández son la Piedad del Museo de Valladolid o sus numerosos retablos (Catedral de Plasencia, Iglesia de las Huelgas en Valladolid, Iglesia de San Miguel de Vitoria). c) Las escuelas andaluzas.

La escuela sevillana.

En Andalucía, la escuela más floreciente durante la primera mitad del siglo XVII es la sevillana. Su desarrollo está relacionado con el comercio americano controlado a través de la Casa de la Contratación que convirtió al puerto de Sevilla en el más floreciente de Castilla. En principal representante de la escuela sevillana es Juan Martínez Montañés (muerto en 1649) nacido en Alcalá la Real, formado en Granada y cuya obra se caracteriza por una realismo mesurado frente a las estridencias expresivas de Gregorio Fernández y por su policromía,
Curso 2008-2009 Tema13: La escultura barroca. Bernini ©Departamento de Geografía e Historia

11

I.E.S. “Francisco de Goya” Molina de Segura.

Departamento de Geografía e Historia.

equilibrada, distante del cromatismo desgarrador de la escultura castellana. Entre sus obras más importantes cabe destacar: 1.Cristo de la Clemencia .(madera policromada. Catedral de Sevilla) Es el prototipo andaluz de Cristo en la Cruz. Es de forma muy clásica. No hay en él dramatismo de manera que no aparece apenas sangre ni señal de sufrimiento. Sus pies aparecen cruzados. Está realizado para ser visto colocado en alto de manera que el Cristo parece entablar conversación con el fiel que ora a sus pies. Otras obras de Martínez Montañés son La Inmaculada de la Catedral de Sevilla, El niño Jesús bendiciendo del Sagrario de Sevilla o El retablo de la Concepción de Lima. El otro representante de esta escuela es el discípulo de Martínez Montañés, y natural de Córdoba Juan de Mesa (1583-1627) que murió muy joven y cuya obra, aunque deriva de los modelos de Montañés, se caracteriza por un dramatismo extremado y una violencia expresiva inexistentes en su maestro. Entre sus obras vamos a destacar la más popular debido a su protagonismo en la Semana Santa de Sevilla: 1.- Jesús del Gran Poder. Solo aparecen talladas la cabeza, las manos y los pies, siendo una talla para vestir. Destaca el dramatismo de la figura patente tanto en el cuerpo encorvado bajo el peso de la cruz como en la gruesa corona de espinas que le atraviesa la cabeza. • La escuela granadina La otra gran escuela barroca andaluza es la granadina cuna del renacimiento andaluz y donde los hermanos Siloe habían dejado una marcada herencia clásica. Los dos principales representantes de esta escuela son Alonso Cano y Pedro de Mena.

Curso 2008-2009

Tema13: La escultura barroca. Bernini

©Departamento de Geografía e Historia

12

I.E.S. “Francisco de Goya” Molina de Segura.

Departamento de Geografía e Historia.

Alonso Cano (muerto en 1667) se formó con Martínez Montañés aunque desarrolló toda su obra en su ciudad natal (sus obras principales se conservan en la catedral de Granada).Es una de las personalidades más fuertes del arte español. Fue pintor, escultor y arquitecto, en la tradición de los grandes artistas del Renacimiento. Entre sus obras más importantes podemos citar el Retablo de la Iglesia de Lebrija y sobre todo su Inmaculada Concepción llamada del facistol en la que crea un tipo distinto alejado del clasicismo: de pequeño tamaño, la Virgen mira hacia abajo de forma meditativa y con las manos unidas en señal de oración. El manto se recoge bajo las manos La Virgen aparece suspendida sobre una nube con angelotes. El otro escultor de la escuela granadina es Pedro de Mena (muerto en 1688) colaborador de Alonso Cano, más realista que él y muy interesado por comunicar los estados de ánimo de modo directo. Entre sus principales obras destacan el San Francisco de la Catedral de Toledo, caracterizado pos su ascetismo y su Magdalena Penitente encargada por los jesuitas de la Casa Profesa de Madrid, en el año 1664, hoy en el Museo Nacional de Escultura, en Valladolid. María Magdalena está de pie, en la postura habitual de los santos de Mena. Contempla un crucifijo con admirable ternura en un diálogo cordial con el mismo. Está vestida con traje tejido por ella misma, muy humilde y ofrece sus brazos desnudos. Los cabellos se disponen como madejas mojadas. Los ojos de cristal, semicerrados, acentúan su expresividad d) El siglo XVIII: Francisco Salzillo. (1707-1783) (la escuela murciana) 1.- Aspectos biográficos: Francisco Salzillo nació en 1707 y fue el segundo de los siete hijos de Nicolás Salzillo y de la murciana Isabel Alcaraz. Heredó el taller paterno situado en la vivienda familiar, cerca del convento de Santa Isabel.
Curso 2008-2009 Tema13: La escultura barroca. Bernini ©Departamento de Geografía e Historia

13

I.E.S. “Francisco de Goya” Molina de Segura.

Departamento de Geografía e Historia.

Todas sus biógrafos nos muestran a un escultor plenamente identificado con el medio cultural y religioso que le rodeaba y al que respondían sus encargos, y cuya fama se basaba en la favorable respuesta que encontraban sus obras en un público sencillo que se conmovía con facilidad (lo que por otra parte es característico del Barroco contra reformista como ya hemos señalado anteriormente) De Salzillo se ha destacado un aspecto considerado básico en la originalidad de sus figuras: la perfección lograda sin más influencias que las del legado paterno y su voluntario aislamiento. Esta actitud ha contribuido a transmitir la imagen de un escultor cuyos valores eran exclusivamente locales y a considerarlo más que como un artista genial, como un hábil artesano sin relación con el mundo que le rodeaba, ajeno a los cambios de una época (s. XVIII) marcada por grandes transformaciones artísticas, políticas e ideológicas. Salzillo renunció incluso a viajar a la Corte porque su acreditada fama en Murcia y la frecuencia de los encargos le sugerían un futuro prometedor como cabeza de una floreciente escuela (la murciana). Sin embargo, la tendencia a exaltar la figura de Salzillo en un entorno de pobreza artística no responde a la realidad. Los maestros que habían llegado a la ciudad, la llegada de obras procedentes de Granada y Valencia y la situación de privilegio alcanzada por la ciudad durante el reinado de Felipe V hablan de un florecimiento cultural y artístico del siglo XVIII murciano. A partir de 1727, Salzillo inicia su actividad en solitario y, a juzgar por las obras que se le atribuyen, ya había alcanzado la plenitud de su formación. En 1755 fue nombrado escultor de la ciudad, distinción que llevaba aparejado el público reconocimiento a su trayectoria y consideración eminente entre sus conciudadanos.
Curso 2008-2009 Tema13: La escultura barroca. Bernini ©Departamento de Geografía e Historia

14

I.E.S. “Francisco de Goya” Molina de Segura.

Departamento de Geografía e Historia.

Esta situación privilegiada culminó con su elección de Familiar del Santo Oficio, función que tenía la importante misión de tutela y control sobre las artes para garantizar el decoro y la decencia necesarios. Murió en Murcia en el año 1783. 2.- Análisis de su obra. La formación adquirida por Francisco Salzillo quedó configurada por la fusión de la tradición escultórica hispánica con la atmósfera napolitana que a Murcia trajo su padre, Nicolás. Algunas de sus obras más importantes son: 1.La Sagrada Familia. Iglesia de San Miguel (Murcia).Madera policromada (Sel.) Identificación Título: La Sagrada familia Autor: Francisco Salzillo Cronología: 1735 Estilo: Barroco Técnica y materiales: tallada en madera policromada Dimensiones: Localización: Iglesia de San Miguel Tema: Religioso
Análisis

Se encuentra esta obra en la Iglesia de San Miguel, en Murcia. Obra de su primera época, de 1735, es un admirable grupo de 5 figuras: Jesús, María, San José, Santa Ana y San Joaquín. San José se encuentra ligeramente retrasado, contemplando con aire ausente la escena, mientras San Joaquín y Santa Ana forman un triángulo cuyo vértice es la cabeza de la Virgen. La separación simbólica de ambos mundos queda subrayada por las escalinatas que han de ascender hasta alcanzar a Cristo, el cual, vuelto hacia Santa Ana, parece ir en su busca.
Curso 2008-2009 Tema13: La escultura barroca. Bernini ©Departamento de Geografía e Historia

15

I.E.S. “Francisco de Goya” Molina de Segura.

Departamento de Geografía e Historia.

La sensación de plácido ambiente familiar queda definida por el lenguaje de las manos y de las miradas. Salzillo con esta obra añadió una novedad compositiva: la ruptura de la equilibrada forma triangular de origen rafaelesco: el conjunto realizado para situarlo en una pequeña capilla parece haber sido hecho para contemplarlo de frente. Si inscribimos el grupo en un triángulo quedaría desmarcada la figura de San José, ajeno a la adoración de los dos personajes arrodillados. Las facciones sonrosadas y amables de sus niños, los aniñados rostros de sus vírgenes y la visión de la ancianidad fueron también patrones frecuentes en su obra. Es un grupo escultórico, de tamaño intermedio entre las figuras realizadas para el Belén y las de los pasos En resumen, el grupo, en conjunto, es del más puro estilo salzillesco. De madera policromada, utiliza los colores ocres y dorados en las vestiduras de todos los personajes.. 2.San Jerónimo Penitente. Museo de la Catedral. Madera policromada (Select.) Identificación Título: San Jerónimo penitente Autor: Francisco Salzillo Cronología: 1755 Estilo: Barroco Técnica y materiales: Madera policromada Dimensiones: figura principal 1,65 ms Localización: Museo de la catedral de Murcia Tema: Religioso Análisis Está, caso poco frecuente en la obra de Salzillo, firmada y fechada en 1755. Figuró en el Monasterio de los Jerónimos de La Ñora y hoy se encuentra en el Museo de la Catedral. Está considerada como una de
Curso 2008-2009 Tema13: La escultura barroca. Bernini ©Departamento de Geografía e Historia

16

I.E.S. “Francisco de Goya” Molina de Segura.

Departamento de Geografía e Historia.

las esculturas fundamentales del escultor y una de las mejores de toda la imaginería española. La figura de 1,65 ms, aparece sobre una peana entelada, tallada en madera y policromada. El santo semiarrodillado, desnudo de medio cuerpo, porta en su mano izquierda un crucifijo (obra magistral a pesar de su pequeño tamaño, 35 cms). La mano derecha permanece extendida en movimiento en ademán de golpearse el pecho con un piedra. Apoya el codo izquierdo sobre un pequeño saliente en el que hay un libro abierto y una calavera . Un sombrero de ermitaño, un león y otro libro con la firma y fecha rodean la imagen sobre la peana, de acuerdo con la iconografía dominante a fines del siglo XIV y principios del s. XV, que prefería representar al santo en una actitud ascética frente a una interpretación más doctoral o estudiosa del Renacimiento. La imagen transmite a la vez la humanidad y santidad, con un desnudo portentoso de detalles anatómicos jamás logrados y una expresión de vida interior muy intensa; esta expresión recorre todo el cuerpo, de la cabeza a los pies. El rostro del santo denota dulzura al propio tiempo que dolor y miedo. La posición en diagonal, marcada por la Cruz en un extremo, y el sombrero en el otro, se rompe ligeramente con la aparición de símbolo de la muerte, la calavera, tan característica en este tipo de representaciones barrocas. 3.Los pasos de Salzillo.(Museo Salzillo. Iglesia de Jesús. Murcia) Salzillo fue miembro de la Cofradía de Nuestro Padre Jesús Nazareno, y ésta le encargó ocho pasos procesionales, dos de los cuales realiza antes de 1760: La Caída y La Oración del Huerto. Los otros seis -San Juan, El beso de Judas o Prendimiento, La última Cena, La Dolorosa, Jesús atado a la columna y El Calvario- son posteriores. En todos demuestra sus grandes dotes compositivas y su realismo narrativo La compleja forma de componer un paso exigía pericia y habilidad para equilibrar en una sola superficie las cambiantes condiciones
Curso 2008-2009 Tema13: La escultura barroca. Bernini ©Departamento de Geografía e Historia

17

I.E.S. “Francisco de Goya” Molina de Segura.

Departamento de Geografía e Historia.

visuales de la imagen. La procesión tenía como objetivo fundamental mostrar al espectador la trama argumental de la Pasión de Cristo orientando su reacción de aprobación o rechazo.La definición de caracteres y la definición de la condición moral de cada uno de los personajes que intervienen en la escena ocupaban un lugar privilegiado en la escultura pasionaria aliado siempre con la capacidad que el rostro tenía para reflejar los estados del alma. Así, el cuerpo del justo debía ser bien proporcionado porque se asoció la idea de belleza física a la de belleza moral mientras que “al hombre de malas costumbres conviene un rostro deforme, orejas largas y angostas, boca pequeña y salida hacia fuera”. A esta escenificación contribuyen en igual medida los elementos que formaban la ambientación (vestuario, olivos, palmeras, vajillas, flores, vestuario, etc....) para crear la mayor dosis de verosimilitud. Entre los más populares vamos a destacar:

La Caída. (Museo Salzillo. Madera policromada)

Es el primero de la serie iniciado en 1752. La impresión que el paso causó a sus contemporáneos no ofrece dudas sobre el éxito alcanzado por la composición lateral del mismo y por los gestos y expresiones de los protagonistas. La disposición de las figuras en este paso significó un ejercicio calculado para poder resolver la dificultad del grupo de la forma más natural posible. La expresión de Cristo parece inspirada en la tradicional imaginería española por lo que debería convertirse en el centro de toda la escena desde el punto de vista simbólico y compositivo. Un verdugo intenta descargar un golpe sobre Cristo mientras el soldado asiste impasible a la escena. Los anacronismos en las vestiduras y armaduras era un recurso ambiental buscado conscientemente por los artistas que huían de la exactitud arqueológica
Curso 2008-2009 Tema13: La escultura barroca. Bernini ©Departamento de Geografía e Historia

18

I.E.S. “Francisco de Goya” Molina de Segura.

Departamento de Geografía e Historia.

La Oración en el Huerto. (Selectividad)

Identificación Título: La Oración en el Huerto Autor: Francisco Salzillo Cronología: 1754 Estilo: Barroco Técnica y materiales: madera policromada Dimensiones: Localización: Iglesia de Jesús de Murcia (Museo Salzillo) Tema: Religioso (La Pasión de Cristo)
Análisis

.La Oración del Huerto es la obra de Salzillo más universalmente famosa, sin duda por la figura incomparable del Ángel. Realizado en 1754 consta de 5 figuras repartidas en dos grupos: el Ángel con Cristo (éste es una imagen de vestir), y tres apóstoles durmiendo; las figuras del ángel y los discípulos están talladas en madera policromada y estofada. La calidad y novedades compositivas e iconográficas del paso despertaron el entusiasmo general que valoró desde un principio la originalidad en la disposición de las figuras y la belleza asexuada del ángel. La distancia marcada por los Evangelios se acortó para destacar la oposición de dos mundos vibrantes que representan actitudes distintas. El clima de reposo, tranquilidad, las abandonadas actitudes de los apóstoles entregados al sueño se oponen al clima de angustia de Cristo momentáneamente confortado por el Ángel. En un plano aparece el Ángel, luminoso y etéreo, de pie, confortando al Dios-Hombre que está de rodillas, sosteniéndole levemente la cabeza, en su agonía en el huerto de Getsemaní, mientras que con un brazo extendido le señala el cáliz de la Amargura, puesto entre las hojas de una palmera. La actitud de Cristo es de una total entrega, matizada por
Curso 2008-2009 Tema13: La escultura barroca. Bernini ©Departamento de Geografía e Historia

19

I.E.S. “Francisco de Goya” Molina de Segura.

Departamento de Geografía e Historia.

la colocación de las manos, en donde se unen la expresión de angustia y de la resignación de su rostro, acentuado por el tono amarillento violáceo de la pintura. Cristo aquí no lucha, sino que espera, muy cerca del desfallecimiento, aceptando el divino sacrificio. El otro plano lo componen el grupo de los apóstoles: en un ingenioso estudio de actitudes: San Juan duerme profundamente, con tranquilidad y descuido (juventud), Santiago tiene un reposo pacífico y reparador (madurez) y San Pedro se representa alerta, con la espalda en la mano, en un sueño ligero e inseguro, propio de la ancianidad. Las figuras emanan ternura y sentimientos profundos. La figura del ángel mide 1`65, y es una obra incomparable. Conforta a Jesús en su agonía. Las hojas de un olivo sirven de marca a este encuentro. Por los rasgos de su rostro este ángel es un ser de sexo indeterminado. La cabeza es de una gran belleza y guarda perfecto equilibrio y armonía en sus elementos.

San Juan. Iglesia de Jesús, Murcia. Madera policromada

Entre los pasos procesionales que realizó Salzillo hay algunos unipersonales, como La Dolorosa, La Verónica y San Juan. Esta es una de sus estatuas más elegantes y mejor planteadas y, para muchos, la mejor obra de Salzillo. Se ha dicho de este San Juan que es la más lograda captación, en escultura, de un instante en movimiento. Se representa en actitud de marchar, recogiéndose la amplia túnica con el brazo derecho y señalando con el brazo izquierdo extendido el camino del Calvario, hacia donde vuelve la cabeza. Está realizada en madera, de buena policromía. Mide 1`75 m. Se había realizado ya en 1755, y es la obra de un Salzillo plenamente maduro como artista. En este San Juan se funden las constantes salzillescas en el tratamiento y solución de rostro y manos, junto a su gran categoría en la concepción dinámica de los vestidos y manos, que
Curso 2008-2009 Tema13: La escultura barroca. Bernini ©Departamento de Geografía e Historia

20

I.E.S. “Francisco de Goya” Molina de Segura.

Departamento de Geografía e Historia.

puede sentirse totalmente integrada en la más valiosa tradición de la imaginería española.

El Prendimiento o El Beso de Judas. Iglesia de Jesús, Murcia.

Es un paso de gran calidad; lo ejecutó en 1763. La pareja central de Cristo y Judas está representada con gran solemnidad, en contraste con la figura movida y amenazadora del apóstol Pedro, sobre el abatido Marco. La ejecución de la anatomía y de la tensión del brazo del Apóstol es un alarde de técnica. El grupo se compone de cinco figuras perfectamente relacionadas entre sí por acciones y miradas. Se reúnen aquí tres momentos de gran peso emocional: el beso de Judas, la agresión de San Pedro a Marco y el Prendimiento como tal, expresado por el soldado que, por su movimiento, vemos que se dispone a actuar. Sin duda el momento principal es el compuesto por Cristo y Judas, concebidos en un único volumen, como recordando la antigua unión del discípulo y maestro; Cristo se deja besar, pero mira de reojo a Judas demostrando con ello el conocimiento de sus torvas intenciones, y en el rostro del traidor se recogen los convencionalismos iconográficos para informar de lo mezquino de su espíritu: pelirrojo de cabello rizoso, nariz gruesa y ganchuda, ojos entornados y esquivos, y labios gruesos, son rasgos que sabían interpretar muy bien aquellos a quienes iba destinado el mensaje. La figura de San Pedro tiene un espléndido estudio de diseño y concentra en su brazo alzado toda la furia que le produce el hecho. Marco, por el contrario, patalea acobardado, y con ello también se obtiene la complicidad del espectador. Como recurso convencional de la época se mezclan las figuras vestidas con rigor histórico junto a las que llevan ropa contemporánea. La policromía es clara y vistosa, usando dibujos para túnicas y mantos,
Curso 2008-2009 Tema13: La escultura barroca. Bernini ©Departamento de Geografía e Historia

21

I.E.S. “Francisco de Goya” Molina de Segura.

Departamento de Geografía e Historia.

de claro origen rococó. Todo vale en función de la expresividad y el impacto emocional, siempre y cuando el artista tenga la calidad exigida, y Salzillo demostró ser el mejor de su tiempo.

• La Última Cena. Tallado en 1761 sustituyó a un paso sobre el mismo tema realizado por su padre, Nicolás Salzillo hacia el año 1700. En esta obra, Salzillo tenía que enfrentarse al reto de componer una escena con trece figuras sentadas alrededor de una mesa. Salzillo recurre a representar la escena en el momento en el que Cristo anuncia la traición por uno de los Apóstoles. Es un momento de gran tensión emocional que le permite representar las diversas reacciones ante este anuncio: cada Apóstol habría de reaccionar de manera distinta, según su carácter o según el grado de comprensión alcanzado. Todos buscan un significado a las palabras de Cristo y, al reaccionar, crean líneas diferentes de composición, girando sus cuerpos, levantando o extendiendo sus brazos, dirigiendo la mirada hacia el comensal más cercano, etc... Judas, objeto de la profecía fue situado al extremo de la mesa con todos los signos propios de su bajeza moral (como la bolsa con las monedas de plata). Los restantes Apóstoles fueron colocados según su jerarquía y su momento de incorporación al cortejo de Jesús. 4.El Belén de la Familia Riquelme. (Museo Salzillo) Entre la producción de Salzillo tiene gran importancia, a pesar del pequeño tamaño de las figuras, el grupo conocido como “El Belén”, que se conserva en el Museo Salzillo. Antes de su colocación actual, el Belén pasó de manos particulares al Museo Arqueológico Nacional y de allí fue traído a Murcia.
Curso 2008-2009 Tema13: La escultura barroca. Bernini ©Departamento de Geografía e Historia

22

I.E.S. “Francisco de Goya” Molina de Segura.

Departamento de Geografía e Historia.

Consta de 556 figuras humanas y 350 de animales, realizadas por el propio Salzillo y su taller, así como por su discípulo Roque López. También se construyeron 8 edificios, de los cuales sólo quedan tres: el templo, la posada y el palacio de Herodes. La costumbre del Nacimiento o Belén tiene su origen en las representaciones medievales, potenciadas por San Francisco de Asís, pasando después a la pintura y a la escultura; en Nápoles se desarrolló una importante artesanía durante los siglos XVII y XVIII (los “presepi”) y Carlos III inició la colocación de estos grupos en los Reales Sitios. Según la tradición, don Jesualdo Riquelme y Fontes, que había visto en Madrid la nueva costumbre, encargó a Salzillo el Belén. Cada año, desde 1766 hasta su muerte, Salzillo llevaba a la casa de Riquelme las nuevas figuras, que se incrementarían por sus herederos. El conjunto tal y como está en la actualidad, consta de los siguientes grupos: Nacimiento, La Posada, la Huida a Egipto, Camino del Templo, Purificación, Reyes Magos, y escolta (todos ellos obra personal de Salzillo), además de La Degollación de los inocentes, La Casa de las Virgen, La Visitación y Herodes y su guardia de Roque López. Hay que sumar a ello 89 pastores del taller de Salzillo y también infinidad de animales, del siglo XIX. Un estudio detenido de este Belén nos muestra diversos aspectos del modo de vida popular en Murcia en el siglo XVIII. El anacronismo de la indumentaria contrasta con el realismo de algunos detalles, como el desuello de una res o el viejo que se calienta las manos en la brasa de un puchero. También crea un auténtico paisaje arquitectónico en cuyo espacio sumerge a las figuras.

Imágenes de escultura barroca de selectividad
84- Bernini-Apolo y Dafne
Curso 2008-2009 Tema13: La escultura barroca. Bernini

85. Bernini. David
©Departamento de Geografía e Historia

23

I.E.S. “Francisco de Goya” Molina de Segura.

Departamento de Geografía e Historia.

86-

87- Gregorio Fernández-Cristo yacente

86.-Bernini- Éxtasis de Santa Teresa

Curso 2008-2009

Tema13: La escultura barroca. Bernini

©Departamento de Geografía e Historia

24

I.E.S. “Francisco de Goya” Molina de Segura.

Departamento de Geografía e Historia.

88- Salzillo- Sagrada Familia

89.- Salzillo. San Jerónimo penitente

Curso 2008-2009

Tema13: La escultura barroca. Bernini

©Departamento de Geografía e Historia

25

I.E.S. “Francisco de Goya” Molina de Segura.

Departamento de Geografía e Historia.

90.-. Salzillo. La oración del huerto

Curso 2008-2009

Tema13: La escultura barroca. Bernini

©Departamento de Geografía e Historia

26

You're Reading a Free Preview

Descarga
scribd
/*********** DO NOT ALTER ANYTHING BELOW THIS LINE ! ************/ var s_code=s.t();if(s_code)document.write(s_code)//-->