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TÉCNICAS Y COLOR

El color no simplemente implica conocer su nombre, también hay que entenderlo, y la mejor forma
es pintar sin miedo a equivocarse. Hacer muchos ejercicios para relacionarnos con él. Una equivo-
cación es tomar nuestra primera obra de color como una obra definitiva. Las mejores obras suelen
salir de la experimentación y fruto de muchos trabajos. Probar, pintar y trabajar.

A continuación citaremos algunos conceptos sobre el color que iréis entendidendo cuánto más
tiempo paséis con el color:

Tono, valor e intensidad

Tono o matiz: en síntesis lo podemos ver como el color en sí, lo que llamamos tonalidad, como
rojo, amarillo, naranja, etc. Se refiere al estado puro del color, sin agregarle blanco o negro.

El valor, luminosidad o brillo:

Se refiere a la claridad u oscuridad de un color. O dicho de otra forma es la cantidad de blanco
o negro que posee un color. Los colores más claros tienen un valor alto y reflejan más luz, mien-
tras que un color de valor bajo es más oscuro y absorben más luz. Este concepto es de suma
importancia para la pintura al óleo, pues el éxito o fracaso de un pintor radica en su capacidad
para distinguir los diferentes valores para una tonalidad y poderlos plasmar en su obra, dándole la
profundidad, definición de sombras y luces apropiados. Esta característica nos permitirá plasmar
en nuestra pintura diferentes sensaciones de espacialidad, volumen, contornos, etc. Su aplicación
es muy amplia y la abordaremos en otros capítulos.

Valor luminosidad brillo de un color

Saturación o Intensidad: se refiere a la viveza o palidez de un color, y está relacionado con su

pureza. Mientras más saturado está el color de un objeto, mayor sensación de que está en acti-
vidad o movimiento. Por ejemplo, si usamos rojo cadmio directamente del tubo, tendríamos una
alta intensidad, un color vivo en intenso, pero al mezclarlo con otro color su intensidad se verá
disminuída, parecerá más descolorido y gris, por ello también se define como la cantidad de gris
que tiene un color. La saturación se podrá bajar al máximo por la adición del complementario, ya
que se neutraliza el color, llevándolo a una tonalidad gris. También se disminuye añadiendo blanco,
negro o gris.

Temperatura del color

En la pintura los rojos, amarillos y naranjas se conocen como colores cálidos, mientras que los azu-
les, violetas y verdes se conocen como colores fríos. La temperatura de un color se ve influenciada
por los colores que le rodean, por ejemplo un color amarillo parecerá más cálido si se rodea por un
violeta, pero no se verá tanto su “calor” si está rodeado de un naranja.
TÉCNICAS PARA ACRILICO Y OLEO

DEFINICIÓN ACRÍLICO
Se trata de una técnica que emplea los mismos pigmentos usados en óleo o acuarela pero diluidos
en un aglutinante acrílico conformado por una resina sintética (hecha a partir de ácido acrílico). El
medio así resultante es soluble en agua. Su secado es rápido y el acabado mate (menos medio
acrílico) o brillante (más medio).

Se puede trabajar sobre cualquier soporte absorbente, directamente o como imprimación en un

medio acrílico con blanco de titanio. Permite empastes de mayor resistencia que el óleo, el cual
tiende a cuartearse.

Esta técnica se asocia al arte contemporáneo sobre todo desde la década de los cincuenta, prin-
cipalmente en el ámbito americano del expresionismo abstracto (Pollock, Rothko … ) y entre los
pintores de los valores geométricos y del Pop Art (Warhol, Wesselmann… ).

DEFINICIÓN ÓLEO

El óleo es una de las mejores técnicas para pintar profesionalmente. Se trata de una mezcla de
resinas y aceites con pigmentos. Los aceites le dan fluidez, y con los pigmentos, se puede hacer
la pintura más espesa y dura.

Las pinturas al óleo aportan mucha capacidad de representación porque nos permiten crear mu-
chas tonalidades y la calidad de los colores es muy alta. Se puede trabajar despacio porque se
seca lentamente, lo que permite hacer degradados, fundidos y sombreados tranquilamente mien-
tras observamos la realidad. Pero sobretodo su éxito radica en que una vez seca, la pintura conti-
núa teniendo un color vivo y potente, gracias a sus bases aceitosas.

Pintar un cuadro requiere un proceso complejo que depende del descubrimiento del
color, la aplicación de capas y de las diferentes presiones que se ejercen con el pincel.

CAPAS
Esta técnica se viene dando desde la antigüedad y se trata de combinar las diferentes capas en
una obra para así darle un cuerpo y armonía a los diferentes colores que utilicemos.
Por ejemplo es muy importante la primera capa que apliquemos en nuestro lienzo, este proceso
suele llamarse: Manchar. El funcionamiento de estas primeras capas, no solamente tiene un fun-
cionamiento de la simple mancha, si no también de dar un esqueleto o base a nuestro cuadro,
además de que puede tener un tono base que después juegue con los tonos posteriores. Pode-
mos utilizarla a partir de las oscuridades que hay en nuestra imagen, para que así después las
luces tengas más potencia; o en el caso de una imagen muy lumínima, nuestra base podría servir
para dar una luz común a nuestra obra.

También es importante el grosor de esta capa. La mayoría de la gente tiende a aplicar una capa
con mucho aguarrás o líquido, quedando una capa semi-transparente. A no ser que nuestra obra
requiera este tipo de mancha específica, sería mejor aplicar una capa más solida (tampoco de-
masiado espesa, a no ser que queramos conseguir textura en nuestra base). Es importante que
la utilicemos de este modo para evitar trabajar demás o que nuestra base no nos sirva para nada.
Una buena base puede facilitarnos mucho el trabajo.

Después, trabajaremos cada elemento de nuestro cuadro, de nuevo con el color base que le co-
rresponde, preparando cada objeto a pintar para sus posteriores matices.

LO IMPORTANTE, es que no empecemos a detallar cosas específicas (luces, brillos, matices) en

las primeras capas. Es necesario darle cuerpo a la obra, para después comenzar a especificar las
figuras.

Un truco para que el trabajo con óleo no se demore al aplicar las primeras capas (ya que el óleo
tarda más en secarse), es utilizar acrílicos para agilizar este proceso. Utilizaremos pinturas acríli-
cas en nuestra base para después detallar con óleo. Además resulta más económico seguir este
procedimento.

Veladuras:
Consiste en aplicar una capa delgada de color tranparente o semitransparente sobre otro general-
mente opaco y de un color más claro, pero siempre sobre capas totalmente secas. Este procedi-
miento requiere de paciencia y planificación sobre el aspecto de nuestro cuadro.

Una opción que nos ofrece esta técnica es que el color se conforme a través de las diferentes
veladuras, este proceso requiere de experiencia y experimentación, ya que los colores deseados
se van formando por la adición de estas capas que se superponen, así que se debe estudiar y
conocer la forma como se llegará al resultado final, así como las propiedades de opacidad y trans-
parencia de los pigmentos. La pintura se mezcla con una buena cantidad de medio para hacerla
bien transparente.

Los grandes maestros de la pintura lo practicaron y perfeccionaron, dándoles a sus obras un gran
realce del color que de otra manera no se puede obtener. La usaron para obtener hermosas tona-
lidades de piel e increíble realismo a las telas y otras superficies.

Una variante de las veladuras consiste en extender un color cuya consistencia sea media o ligera
sobre la superficie deseada y retirándola luego con un pincel o trapo limpio, seco y áspero. Así la
pintura queda en las ranuras o partes más profundas de la superficie sobre la que se pinta, ayu-
dando a corregir algunos colores y dar sensación de alejamiento y oscuridad en la sección frotada.

Cuando veamos un retrato extraordinariamente realista, con pieles tan reales que es difícil diferen-
ciar la imagen de una fotografía, así como hermosas telas sedosas, satines, velos o la luz exterior
atravesando una cortina, sin duda podremos deducir que el artista aplicó unas cuantas capas de
veladuras para lograr tan magníficos resultados.

PINCEL SECO
Se obtiene aplicando el óleo sobre otra capa de pintura seca. Se utiliza el color por lo general sin
medio o diluyente, con un pincel seco untado con poco pigmento, para lo cual se frota el pincel
cargado sobre un papel o trapo para retirar el excedente, y luego se aplica en el lugar deseado
de manera ligera y suave. De esta manera quedan pintadas las partes más sobresalientes de la
superficie. Se utiliza para efectos como niebla, rayos de sol, objetos envejecidos, pastos, hojas de
árboles, objetos rugosos, etc.
SFUMATO O DIFUMINADO
El termino italiano sfumato se usa en español para referirse a la técnica pictórica característica del
Renacimiento italiano en la que se difuminan los contornos, tonos y valores de las formas sin dejar
rastros de la pincelada.

En español se traduce como esfumado, es sinónimo de difuminado y se usa, además de en la pin-

tura, para la técnica de dibujo en la que el sombreado se hace con transiciones suaves de valor en
las que el trazo del material empleado es imperceptible.

En el sfumato se sustituyen los contornos y las líneas de dibujo en las figuras por sutiles gradua-
ciones de luz y color, al superponer capas muy finas de pintura en las que se oculta la pincelada.
Con ello se consigue que los límites de las formas se vuelvan imprecisos y se completen en la
imaginación del espectador.

El sfumato se utiliza para crear ilusiones realistas según el objeto de la representación:

En los paisajes se usa el sfumato gradual (contornos más borrosos cuanto más lejos se quiere
representar el objeto del observador) para conseguir un efecto atmosférico causado por la bruma
y la impresión de lejanía y profundidad de la perspectiva aérea.

CLAROSCURO
En su significado más amplio, el claroscuro se refiere a los contrastes fuertes entre las luces y las
sombras en una obra, entre las áreas más luminosas y oscuras. En este sentido es un término que
se usa en distintas disciplinas de las artes visuales: La pintura, el grabado, el dibujo, la fotografía
y el cine.

En el dibujo el claroscuro es el rango de valores en una obra monocromática desde el valor más
claro (el blanco) hasta el más oscuro (el negro). Es un término muy relacionado con el de sombrea-
do.

En la pintura la definición de claroscuro es muy similar, solo que a diferencia de en el dibujo, la

mayoría de las obras contienen una variedad de colores y el dominio del claroscuro requiere una
mayor habilidad.

Tecnicas para dar texturas y otros efectos

IMPASTO
Esta técnica para pintar al óleo proporciona una gran riqueza a la obra, ya que además de percibir
su color nos permite deleitarnos con texturas y relieves, llevando la pintura a límites cercanos a la
escultura.

Se realiza aplicando cantidades generosas de pintura espesa, ya sea con una espátula de pintor
o con pincel.

Se utiliza en muchas ocasiones como base para algunas veladuras.

FROTADO
Es la técnica de dar textura con la ayuda de un papel no absorbente u otros materiales. Se aplica
una capa espesa de pintura, se frota con el papel ya sea liso o arrugado, y luego se retira cuida-
dosamente, dejando en la superficie interesantes efectos. Esta técnica de pintura es muy utilizada
en los cuadros más modernos y en los abstractos.

También se le llama frotado o frottage a la técnica de aplicar la pintura y luego retirar el exceso con
un trapo suave.

OTRAS TECNICAS / COLLAGE

Existen otras técnicas para dar texturas a los cuadros, como utilizar arena y pasta para modelar
entre otros materiales. En cuanto a las técnicas para pintar al óleo las posibilidades son inmensas,
sólo es cuestión de atreverse, experimentar y seguir algunas pautas básicas.