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10. La Pintura Del Cinquecento.leonardo,Rafael y M Angel

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I.E.S.

“FRANCISCO DE GOYA”

MOLINA DE SEGURA

TEMA 10: LA PINTURA DEL QUINQUECENTO: LEONARDO, RAFAEL Y MIGUEL ANGEL
1.-Leonardo Da Vinci • • • • Aspectos biográficos La obra pictórica de Leonardo: Evolución cronológica

2.-Rafael. (Raffaello Sanzio. pintor y arquitecto) Aspectos biográficos La obra pictórica de Rafael

3.- Miguel Angel Buonarotti • • Aspectos biográficos La obra pictórica de Miguel Angel

4.La escuela veneciana: Tiziano

Historia del Arte 2º de Bachillerato. Tema 10: La pintura del Cinquecento: Leonardo, Rafael y Miguel Ángel. © Departamento de Geografía e Historia

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1.-Leonardo Da Vinci • Aspectos biográficos

Nace a mediados del siglo XV en Vinci, cerca de Florencia. Fue hijo ilegítimo de un rico notario florentino y de una campesina. Fue pintor, arquitecto, ingeniero, biólogo, músico y escritor. Se formó en el taller de Verrochio. Estuvo al servicio de Ludovico el Moro, en Milán, donde permaneció cerca de veinte años. El destronamiento de aquél le hace recorrer Italia durante algunos años, hasta que, al final de su vida, entró al servicio de Francisco I de Francia. En su notable deseo de saber, de poseer y dominar todas las técnicas y de inventar, es, quizás, el genio más representativo del Renacimiento. Como artista le interesó sobremanera conocer el cuerpo humano, tanto en su contextura interna, de lo que son buena muestra sus dibujos de anatomía, como en su aspecto expresivo y en sus movimientos. Las actitudes de sus personajes son mucho más complicadas y ricas que las de sus predecesores, y en este aspecto su influencia en los maestros posteriores es decisiva. El interés por el movimiento le lleva a preocuparse por el arte de enlazar unas figuras con otras, tanto formal como espiritualmente. Paralelo a este interés por el movimiento es el que siente por la luz y la sombra. El tránsito suave de una a la otra es una de sus principales preocupaciones dando lugar al típico sfumato. Además, Leonardo es un gran teórico que nos dejó expuestas sus doctrinas en su Tratado de la Pintura. • La obra pictórica de Leonardo: Evolución cronológica

1.La Virgen de las Rocas. Pintado en 1483, este óleo sobre lienzo se encuentra en el Museo del Louvre aunque Leonardo realizó una variación del mismo tema muchos años después que se encuentra actualmente en Londres. Es su primera gran obra milanesa, en donde las figuras de la Virgen, Jesús, San Juan y el ángel se inscriben en un triángulo. Es pues, una composición piramidal. Junto a la técnica del sfumato agrega la del claroscuro. En su obra “Tratado della pintura” nos explica que toda cosa lejana o cercana al pintor debe ser considerada como inmersa en el aire, el cual tiende a dulcificar los contornos, a fundir las masas, a tonalizar el color: esta es la base del sfumato leonardesco; es decir, la

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sustitución del dibujo lineal de los pintores del siglo XV por el modelado vaporoso que tiene por efecto fundir los contornos de la atmósfera. Este cuadro nos habla de la belleza ideal. El tema es San Juan niño, adorando a Jesús, que está situado en el centro y bañado de luz en presencia de un ángel y de María. Las figuras miran hacia el centro. Parece más una expresión poética que una realidad, ya que pinta a las figuras emergiendo de la penumbra de una gruta solitaria y rocosa, en una atmósfera de humedad, generada por un estanque, que vela sus formas con una especie de neblina, con rocas puntiagudas destacando sobre un cielo rojizo del sol poniente. 2. La Última Cena. Fue pintada en 1495-1498 en el Refectorio del Convento dominico de Santa María de las Gracias, en Milán. La técnica utilizada es óleo y temple sobre muro. Es una obra monumental (4,20 x 9,10 ms.). A Leonardo no le interesaba el procedimiento del fresco ya que su rápido secado exigía prontitud de ejecución y el artista necesitaba tiempo para estudiar cada detalle. Ante esta circunstancia trató de inventar un sistema que le permitiera pintar al temple en la pared. El resultado fue poco afortunado y la majestad y belleza del tiempo en que la realizó se ha desvanecido. Leonardo, siguiendo las leyes de la perspectiva lineal, agranda ópticamente el muro frontal del refectorio con un cenáculo (comedor) fingido. El recurso utilizado consiste en hacer converger las líneas de fuga hacia las tres ventanas abiertas a las espaldas de Cristo, que dan profundidad y luz natural a la estancia. La posición de los discípulos detrás de la mesa y agrupándose en tríos, es nueva. Hasta entonces solía situarse a Judas aislado en frente del resto de los comensales. La escena recoge le momento en que Jesús comunica a sus discípulos que uno de ellos le va a traicionar y entregar. El artista tiene que plasmar dos aspectos (según su Tratado della pintura): el hombre físico y los movimientos del alma; lo primero es fácil, lo segundo no, porque tiene que representarlo a través de actitudes y gestos de los personajes. Leonardo visualiza este “movimiento del alma” en el dramatismo de los discípulos y sus reacciones de incertidumbre e interrogación ante el anuncio de la traición. Sólo uno comprenderá las palabras de Cristo: Judas, que se siente descubierto y exterioriza la conciencia del peligro, estrujando con inquietud la bolsa de monedas. Las palabras de Jesús hacen
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reaccionar a sus discípulos y sus caras expresan sorpresa, incredulidad, estupor, indignación, dolor, amor... 3. La Gioconda o Mona Lisa. (Selectividad) Título: La Mona Lisa Autor: Leonardo da Vinci Cronología: 1503-1505 Estilo: Renacentista (Quinquecento) Técnica: Óleo sobre tabla Dimensiones: 77 x 53 cms (Pequeño formato, pintura de caballete) Localización: Museo del Louvre Tema: Retrato individual. Análisis: Composición: Es aparentemente sencilla: una mujer sentada en una silla de brazos, frente a un paisaje, con el cuerpo vuelto a un lado y mirando al espectador que dirige inevitablemente su mirada hacia el enigmático rostro de la mujer y en segunda instancia hacia sus manos entrelazadas. Lo que más llama la atención es su enigmática mirada y su no menos misteriosa sonrisa, fruto de una elaboración parsimoniosa y de la superposición de varias capas o veladuras casi transparentes que producen efectos de luz y sombra muy idealizados y casi mágicos. El paisaje del fondo, con dos partes que no coinciden, aumenta aun más el sentido misterioso de la obra. Este óleo es el retrato más célebre de su carrera y pobablemente de la pintura universal. Representa a una florentina que tras casarse en 1495 con Francisco Giocondo, fue conocida como Gioconda. Otros piensan que modelo es la española Constanza de Ávalos y otros que una joven florentina de la que estaba enamorado Juan de Médicis. Leonardo se sintió tan seducido por esta imagen que siempre la llevó consigo, y lo cubrió con una ancha pátina protectora. Sobre un paisaje de atmósfera vaporosa, siluetea una figura que luego difumina, otorgándole una expresión enigmática. Presenta un sfumato de gran refinamiento, que le da ese aire de misterio.

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4.- Santa Ana, La Virgen y el Niño.(selectividad) Título: Santa Ana, La Virgen y el Niño Autor: Leonardo da Vinci Cronología: 1510-1513 Estilo: Renacentista (Quinquecento) Técnica: Óleo sobre tabla Dimensiones: 168 x 139 cms. (Pequeño formato, pintura de caballete) Localización: Museo del Louvre Tema: Retrato individual. Análisis: No se sabe con exactitud quién encargó esta obra ni cuándo. Actualmente se la data hacia 1510-13. Generalmente se considera que fue un encargo para el retablo de la Basilica della Santissima Annunziata en Florencia. El tema de Santa Ana, la Virgen y el Niño había ocupado a Leonardo desde hacía tiempo. En efecto, se conserva en la National Gallery de (Londres) el llamado Cartón de Burlington House, que incluye a las tres figuras y además un niño representando a Juan el Bautista. Este cuadro está en el Louvre desde el año 1810. Realizó esta pintura en los últimos años de su vida. Quizá por estar pintada dentro de la época en la que Da Vinci se dedicaba a La Gioconda existe ese gran parecido entre el rostro de Mona Lisa y Santa Ana. Las exigencias que planteaban esos otros intereses hicieron que la pintura quedase incompleta, siendo de otro pintor la figura del cordero. Composición: En la composición se delata un incipiente manierismo (barroquismo). Lo que hace inusual a esta pintura es que hay dos figuras colocadas de forma oblicua, superpuestas: María y Santa Ana, con la primera sentada sobre las rodillas de la segunda. María se inclina hacia delante para sujetar al Niño Jesús mientras éste juega, de manera bastante brusca, con un Cordero, símbolo de su propio sacrificio. Los rostros son dulces y amorosos, apreciándose gran parecido entre madre e hija. La escena se desarrolla en un paisaje atemporal rocoso, como ocurre en La Virgen de las Rocas, que delata el interés del autor por la geología. Los picos montañosos parecen evaporarse en una atmósfera azulada que inunda toda la composición.

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La luz proviene de una fuente indeterminada. Las pinceladas son ligeras, en el típico sfumato leonardesco, mediante una técnica de veladuras sucesivas que crean un efecto neblinoso. La defectuosa conservación ha aplanado el color en los mantos de la Virgen y de santa Ana. Iconografía: La representación de este grupo de figuras proviene del culto a Santa Ana, nacido en la Edad Media. Las narraciones sobre Santa Ana se incluyeron en la "Leyenda Dorada" (obra del siglo XIII escrita por un monje), y en los siglos posteriores se difundió el culto a la santa por Occidente Además del simbolismo de Cristo jugando con el cordero, Fra Pietro Novellara, un monje de la orden carmelita vio un significado simbólico más profundo en esta pintura. Creía que la serena expresión de Santa Ana, que contrasta con la ansiedad de María hacia el Niño, «quizá representa a la Iglesia, que no desea evitar la Pasión de Cristo». 5.-Otras obras de Leonardo son: Se le atribuye el ángel del “Bautismo de Jesús” de Andrea Verroccio, el “Retrato de mujer”, del museo de Washington, dos “Anunciaciones”, “La Virgen del clavel”, “San Jerónimo”, “La dama del armiño”, “La bella ferronière” y “Leda y el cisne”. 2.-Rafael. (Raffaello Sanzio. Pintor y Arquitecto. 1483-1520): • Aspectos biográficos

Nació en Urbino, sus obras representan el paradigma del Renacimiento por su clasicismo basado en la perfección de la luz, la composición y la perspectiva. Su padre y primer maestro (Giovanni Santi) lo introdujo pronto en el arte de la pintura y a los diecisiete años trabajaba ya como artista independiente. No se conoce con exactitud qué tipo de relación mantuvo Rafael con Perugino, del que unos lo consideran discípulo y otros, socio. Lo cierto es que lo superó rápidamente como se desprende de sus Desposorios de la Virgen. Desde 1504 hasta 1508, trabajó fundamentalmente en Florencia, en donde recibió la influencia del arte de Leonardo. De entre sus obras de este período las más celebradas son sus variaciones sobre el
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tema de la Virgen y la Sagrada Familia. Los personajes están situados en un marco de paisajes sencillos y tranquilos. Su maestría en la composición y la expresión y la característica serenidad de su arte se despliegan ya en plenitud en “La Madonna del jilguero”, entre otras obras. En 1508, contando sólo veinticinco años, el Papa Julio II lo llamó a Roma para que decorara sus aposentos en el Vaticano, conocidos como Estancias del Vaticano. Rafael pintó uno de los ciclos de frescos más famosos de la historia de la pintura. Entre 1509 y 1511 decoró la Estancia de la Signatura, donde pintó grandes composiciones sobre las paredes, entre ellas La escuela de Atenas. En un espacio de gran amplitud, organizado con un perfecto sentido de la perspectiva, Rafael dispone una serie de grupos y figuras, con un absoluto equilibrio de fuerzas y una sublime elegancia de líneas. El pintor simultaneó la decoración de las Estancias del Vaticano con la realización de otras obras, como los frescos de El triunfo de Galatea para la Villa Farnesina. A este período corresponden también numerosos retratos, de gran veracidad y penetración psicológica (Ej:Retrato de un Cardenal). El dibujo en ellos es inigualable y el colorido, discreto, servidor de la forma. A partir de 1518, Rafael se ocupó de la decoración de las Logias del Vaticano con pequeñas escenas del Antiguo Testamento envueltas en paneles de grutescos. La Transfiguración, última obra del artista, es considerada por algunos el compendio perfecto de su arte. Sus trabajos arquitectónicos, de menor importancia que los pictóricos, incluyeron la dirección de las obras de San Pedro del Vaticano • La obra pictórica de Rafael. Entre sus obras más significativas vamos a analizar las siguientes: 1.- Los Desposorios de la Virgen. (Selectividad) Título: Los desposorios de la Virgen Autor: Rafael Sanzio de Urbino Cronología: 1504 Estilo: Renacentista (Quinquecento) Técnica: Temple y óleo sobre tabla Dimensiones: 170 x 117 cms. (Pequeño formato, pintura de caballete) Localización: Pinacoteca de Brera (Milán) Tema: Pintura religiosa.
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Análisis: Es un cuadro hecho a imitación de una tabla con el mismo tema y año de El Perugino maestro de Rafael. Igualmente consideran los críticos que la pintura se inspiró en la celebrada Cristo entregando a san Pedro las llaves, de Perugino, del ciclo de frescos en la Capilla Sixtina No obstante, existen una serie de detalles que evidencian que Rafael pertenece, ya, a otra generación de pintores. Rafael se aparta del tipo de composición de Perugino. Toda la representación es muy mecánica, muy calibrada y calculada. Para enlazar la parte superior de la tabla con la inferior se usan las losas del pavimento, que subrayan la perspectiva. El grupo principal se resalta en detrimento de las figuras acompañantes. El sacerdote es de hecho el centro focal de la escena, que está entre la Virgen y las mujeres, y San José, y todos los hombres. Estas figuras se inscriben en un semicírculo, forma circular que se reitera en el templo del fondo y en la forma superior de la tabla. En primer plano hay un adolescente que rompe un bastón. Se introduce así el tema de los pretendientes rechazados. Hay toda una serie de figuras detrás del grupo principal que llevan la mirada hacia el templo del fondo. Algunas están en la plaza que precede al templo: una pareja de viandantes a la izquierda, un grupito más numeroso a la derecha; en estos grupos prevalece el color rojo. También aparecen figuras en el exterior del templo: a la izquierda, una figura a contraluz, y a la derecha otros dos individuos. De esta manera se consigue equilibrar y marcar la profundidad del cuadro. Predominan los colores cálidos. Esta obra marca la culminación de su actividad juvenil. La acción se sitúa en un amplio escenario, con un esquema general que recuerda al realizado por Perugino. En la armonía del cuadro se funden tres elementos en aparente contraste: el cortejo nupcial, las colinas del fondo y el santuario judío (que recuerda a San Pietro in Montorio y es una muestra el ideal de la nueva arquitectura.) 2.-La Madonna del Jilguero. (Selectividad) (ver video restauración) Título: La Madonna del Jilguero (Madonna del Cardellino) Autor: Rafael Sanzio de Urbino Cronología: 1504 Estilo: Renacentista (Quinquecento) Técnica: Temple y óleo sobre tabla
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Dimensiones: 107 x 77 cms. (Pequeño formato, pintura de caballete) Localización: Galería de los Ufizzi (Florencia) Tema: Pintura religiosa Análisis: En esta pintura, como en la mayor parte de las Vírgenes de su periodo florentino, Rafael colocó las tres figuras (la Virgen María, el Niño Jesús y San Juanito) dentro de un dibujo geométrico. Aunque las posiciones de los tres cuerpos son naturales, juntos forman un triángulo prácticamente regular. La Virgen sostiene un libro, lo que permite identificarla como Sedes Sapientiae («Asiento de la Sabiduría»). El jilguero es un símbolo de la futura muerte violenta de Cristo. San Juan ofrece el jilguero a Cristo como advertencia en relación con su futuro. En este cuadro la maestría de Leonardo emerge en particular en la oscuridad del terreno y en el tratamiento atmosférico del paisaje del fondo, que se pierde en las brumas del horizonte. Los rostros del Bautista y de Cristo tiene una impronta inconfundiblemente leonardesca en el esfumato que les rodea y en los rasgos. La composición piramidal o triangular, era la más utilizada, tanto en pintura como en escultura, sobre todo en los grupos sagrados. Se añade un fondo de paisaje concebido únicamente como marco de las figuras, no como tema en sí de un cuadro. Es una obra maestra llena de vida, lozanía y gracia. Es un canto a la infancia y a la maternidad. 3. La Escuela de Atenas. (Selectividad) Título: La Escuela de Atenas Autor: Rafael Sanzio de Urbino Cronología: 1510-1511 Estilo: Renacentista (Quinquecento) Técnica: fresco sobre muro Dimensiones: base de 7,72 ms (Gran formato) Localización: Sala de la Signatura (Vaticano) Tema: Pintura religiosa Análisis:

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Está situada frente a la Disputa del Sacramento. Representa la Filosofía, a través de una escena en la que se narra una sesión entre los filósofos clásicos. En esta obra, Rafael adapta el espacio a las leyes de la superficie. Ordena las figuras de izquierda a derecha. La perspectiva queda rota por los muros laterales sobresalientes. Es la representación del pensamiento mediante la disputa filosófica. Presenta el interior de una gran basílica (quizá el Vaticano). Reproduce la Escuela de Filosofía, representando a filósofos como Platón (retrato de Leonardo) con la mano dirigida hacia el cielo (mundo de las ideas), y Aristóteles con la mano dirigida hacia el suelo (mundo de los sentidos), situados en lo alto de la escalinata. Destaca la amplitud de la composición, la distribución rítmica del espacio y la disposición de la arquitectura con las bóvedas que confieren grandeza a la obra. El movimiento de los grupos y las actitudes de los personajes están concebidos con un efecto casi teatral. En la fuerza de sus personajes muestra la influencia de Miguel Ángel aunque sin llegar a la fuerza escultórica de aquél. El autorretrato de Rafael está ubicado a la derecha del cuadro, el joven de cabello marrón que observa al espectador, tocado con un sombrero redondo de color azul. 4. La Disputa del Sacramento.Estancia de la Signatura. Representa el triunfo de Cristo en su cuerpo glorioso y bajo la forma de la Eucaristía. Está concebida con grandiosidad extraordinaria. Aparece un gigantesco presbiterio donde se ordenan en semicírculo, a uno y otro lado del altar, pontífices, cardenales y prelados que discuten acaloradamente adoptando nobles actitudes. Toda la atención se converge en el ostensorio. Técnicamente tiene las mismas características que la anterior. 5. Retrato de un Cardenal. Museo del Prado. Oleo sobre lienzo Es una obra muy elaborada, que da como resultado una gran sencillez. Sus retratos son una galería de la Roma de su época. Este es un retrato parcial (no de cuerpo entero) donde realiza una captación y valoración psicológica del personaje. La obra es de una gran precisión plástica. El colorido brillante que utiliza influirá en la escuela veneciana.

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c) Miguel Ángel, pintor • Aspectos biográficos(Michelangelo Buonarrotti. Escultor, pintor y arquitecto 1.475-1.564). Habitualmente se reconoce a Miguel Ángel como la gran figura del Renacimiento italiano, un hombre cuya personalidad artística dominó el panorama creativo del siglo XVI. Durante los cerca de setenta años que duró su carrera, Miguel Ángel cultivó por igual la pintura, la escultura y la arquitectura, con resultados extraordinarios en cada una de estas facetas artísticas. Sus coetáneos veían en las realizaciones de Miguel Ángel una cualidad, denominada terribilità, a la que puede atribuirse la grandeza de su genio; dicho término se refiere a aspectos como el vigor físico, la intensidad emocional y el entusiasmo creativo, verdaderas constantes en las obras de este creador que les confieren su grandeza y su personalidad inimitables. La vida de Miguel Ángel transcurrió entre Florencia y Roma, ciudades en las que dejó sus obras maestras. Aprendió pintura en el taller de Ghirlandaio y escultura en el Jardín de los Médicis, que habían reunido una excepcional colección de estatuas antiguas. En 1496 se trasladó a Roma, donde realizó dos esculturas que lo proyectaron a la fama: el Baco y la Piedad de San Pedro. Esta última, su obra maestra de los años de juventud, es una escultura de gran belleza y de un acabado impecable. Al cabo de cinco años regresó a Florencia, donde recibió diversos encargos, entre ellos el David, el joven desnudo de cuatro metros de altura que representa la belleza perfecta y sintetiza los valores del humanismo renacentista. En 1505, el Papa Julio II lo llamó a Roma para que esculpiera su tumba; Miguel Ángel trabajó en esta obra hasta 1545 y sólo terminó tres estatuas, el Moisés y dos Esclavos; dejó a medias varias estatuas de esclavos que permiten apreciar cómo extraía de los bloques de mármol unas figuras que parecían estar ya contenidas en ellos. Julio II le pidió también que decorase el techo de la Capilla Sixtina, encargo al que Miguel Ángel se resistió, puesto que se consideraba ante todo un escultor, pero que se convirtió en su creación más sublime. Alrededor de las escenas centrales, que representan episodios del Génesis, se despliega un conjunto de profetas, sibilas y jóvenes desnudos, en un todo dominado por dos cualidades: belleza física y energía dinámica.
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En 1516, regresó a Florencia, donde proyectó dos obras arquitectónicas magistrales: la Biblioteca Laurenciana y la capilla Medicea o Sacristía Nueva. Ambas realizaciones son en el aspecto arquitectónico herederas de la obra de Brunelleschi, aunque la singular escalera de acceso a la biblioteca, capaz de crear un particular efecto de monumentalidad en el escaso espacio existente, sólo puede ser obra del genio de Miguel Ángel. La capilla Medicea alberga dos sepulturas que incluyen la estatua del difunto y las figuras magistrales del Día, la Noche, la Aurora y el Crepúsculo. En 1534, Miguel Ángel se estableció definitivamente en Roma, donde realizó el fresco del Juicio Final en la capilla Sixtina y supervisó las obras de la basílica de San Pedro, en la que modificó planos y diseñó la cúpula, que es obra suya. • La obra pictórica de Miguel Angel

Capilla Sixtina.(Conjunto) En 1508, Julio II le encarga que termine la capilla de Sixto IV, donde ya habían dejado su obra otros grandes pintores como Botticelli. Para poder terminar el sepulcro de Julio II hizo los frescos en un tiempo record, cuatro años (1508-1512). La crítica moderna admite que contó con colaboradores. Los colores son de tonos fríos y azulados con lo que consigue una gran expresividad. Las figuras están concebidas como esculturas. Los perfiles son agudos e intenta conseguir un volumen pétreo y escultórico. La técnica: utiliza una pincelada suelta. Posturas grandiosas y un soberbio estudio de composición y expresión. Figuras con volumen y giros de los cuerpos (serpentinatas). El tema seleccionado para cubrir las bóvedas es el período anterior a Moisés y representa el Mundo desde el primer día de la Creación hasta la caída del hombre en el pecado. A esto hay que añadirle una serie de Sibilas (mujeres a las que se atribuye poder profético) y profetas, portadores de la palabra entre judíos y gentiles, ejemplos de la intervención divina en la salvación de los judíos. Distribución de las escenas principales • Sector central de la bóveda: Hay 10 escenas del Génesis: El Diluvio, El Sacrificio de Noé, La Embriaguez de Noé, La caída y expulsión del Paraíso, La Creación de Eva, La creación de Adán Dios separando la tierra de las aguas,
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La Creación del sol, la luna y las estrellas, La Creación de los Planetas y Dios separando la luz de las tinieblas. • Cada uno de las escenas principales está flanqueada por cuatro atlantes masculinos desnudos (los Ignudi, símbolos platónicos de la Belleza y la Bondad) que sostienen guirnaldas y escudos. Estos paneles están sobre las figuras de los Profetas y Sibilas que se alternan en las pechinas. A cada extremo hay un profeta que cierra la composición. Al lado de cada profeta y sibila y aupados por los soportes laterales de sus tronos, hay dos putti, varón y hembra. De entre las Sibilas-que son cinco: dos viejas (Pérsica y Cumana) y tres jóvenes (Délfica, Líbica y Eritrea)- destaca La Sibila Délfica llamada así porque solía formular sus oscuros vaticinios en el templo de Apolo en Delfos. Es la más famosa de todas y la más hermosa, tiene un óvalo de la cara perfecto y la pureza de sus líneas recuerda a las Vírgenes juveniles de Miguel Ángel. 1.La Creación de Adán (Selectividad) Título: La Creación de Adán Autor: Miguel Ángel Buonarotti. Cronología:1508-1512 Estilo: Renacentista (Quinquecento) Técnica: fresco sobre muro Dimensiones: 280 cm × 570 cm Localización: Capilla Sixtina Tema: Pintura religiosa Análisis: Es una de las escenas más famosas de la bóveda, en donde Dios Padre, es representado como un anciano majestuoso de abundante barba envuelto en una alborotada túnica color púrpura (quizá la figura idealizada de Julio II) rodeado de ángeles que, contrariamente a la tradición, ni tienen alas ni son evanescentes, sino corpóreos y robustos, creados antes que el hombre, a quien la mano de Dios transmite el flujo de la vida a través del contacto eléctrico de los dedos. El brazo derecho de Dios se encuentra estirado para impartir la chispa de vida de su propio dedo al de Adán, cuyo brazo izquierdo se encuentra en idéntica posición al de Dios Adán abre los ojos a un Edén que no es un delicioso jardín, sino una desnuda
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pendiente. Presenta la escena un gran dramatismo, y las figuras están cargadas de gran dinamismo. Los aspectos técnicos ya son los ya señalados en el análisis del conjunto. 2.El Juicio Final. (Selectividad) Título: El juicio Final Autor: Miguel Ángel Buonarotti. Cronología: 1533-1540 Estilo: Renacentista (Quinquecento) Técnica: fresco sobre muro Dimensiones: 1370 x 1220 cms (gran formato) Localización: Capilla Sixtina Tema: Pintura religiosa Análisis: En el Altar Mayor, en la pared del fondo de la Capilla Sixtina. Miguel Ángel pintó entre 1533 y 1540 la escena del Juicio Final. Es la visión apocalíptica presidida por la amenazante figura de Cristo Juez rodeado de santos y beatos que se agitan dramáticamente, como si un viento fuerte abatiera la escena; a su lado se halla María que se vuelve con una expresión de profunda melancolía, sabedora de la justa cólera de su Hijo contra los pecadores, que se precipitan hacia la Laguna Estigia, donde Caronte los traslada a la otra orilla, mientras los elegidos ascienden hasta el cielo. Se refleja un rigor moral y un profundo pesimismo, con poca o ninguna alegría en los colores, con tono plúmbeos y sombras profundas. Está presente su típica terribilitá y su imagen de Cristo que preside la escena parece más una figura pagana, un Júpiter vengador, que un dios misericordioso. Ante tanto desnudo, hubo muchas oposiciones, por lo que el Papa mandó a Volterra cubrirlos. Hay muchas posiciones en diagonal (preludio del Barroco). Es una composición grandiosa y teatral. La riada humana que cae hacia el infierno es un estudio magnifico de formas y actitudes en movimiento. Hay un gran movimiento circular, las figuras surgen de la izquierda al anuncio de las trompetas de los ángeles del centro y suben hacia la amenazante figura de Cristo Justiciero en lo alto y luego caen a la derecha con los condenados al infierno, donde Caronte los empuja, desde su barca, a golpes con su remo. Los demonios tienen formas
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humanas. Las formas de las figuras muestran los cambios que han experimentado desde su concepción del cuerpo juvenil. Como todas las obras de Miguel Ángel, sus personajes manifiestan la típica terribilitá o fuerza sobrehumana muy visible en la figura de Cristo. Los numerosos desnudos de descomunal tamaño permiten apreciar su preferencia por el Canon hercúleo, con una musculatura muy desarrollada, superior a la de las figuras de la bóveda. 4.La escuela veneciana: Tiziano • Apuntes biográficos.

Tiziano Vecellio o Vecelli, conocido tradicionalmente en España como Tiziano o Tician fue un pintor italiano del Renacimiento, uno de los mayores exponentes de la escuela veneciana. Reconocido por sus contemporáneos como "el sol entre las estrellas", Tiziano es uno de los más versátiles pintores italianos, igualmente capacitado para ejecutar retratos, paisajes (dos de los temas que le lanzaron a la fama), escenas mitológicas o cuadros de temática religiosa. Tuvo una larga y dilatada carrera, y su obra atravesó muchas y diferentes etapas, en las que su estilo cambió tan drásticamente que algunos críticos tienen problemas para creer que los cuadros de su primera etapa y los de las posteriores hayan salido de la misma mano. El estilo de Tiziano evoluciona hasta el punto de que, mientras sus primeras obras son de superficies perfectamente terminadas, en la última emplea una pincelada suelta, casi impresionista. En cualquier caso, el conjunto de su obra se caracteriza por el uso del color, vívido y luminoso, con una pincelada suelta y una delicadeza en las modulaciones cromáticas sin precedentes en la Historia del Arte occidental. • Su obra pictórica

1.- La Bacanal (selectividad) Título: La Bacanal Autor: Tiziano Cronología:1519-1520 Estilo: Renacentista de transición al manierismo (escuela veneciana) Técnica: Óleo sobre lienzo Dimensiones: 175 x 193 cms Localización: Museo del Prado Tema: Mitológico
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Análisis: Es una obra temprana en la que muestra un gusto por el desnudo y por el paisaje típico de la escuela veneciana, aunque Tiziano le imprime mayor movimiento. Lo que le importa del mundo clásico son los desnudos femeninos y el movimiento. Sobre un fondo azul intenso y de nubes doradas, nos muestra la alegría y la laxitud que el vino produce, haciendo dormir tanto al viejo en la colina como a la joven que aparece en primer plano, e inspira la alegría a los que beben y danzan en el grupo central. También se llamó a este cuadro Los Andrianos, pues muestra la llegada de Baco a la isla de Andros. Estos temas mitológico-bucólicos resultaban muy gratos a la sensibilidad de la época. Tiziano rinde culto a la alegría de vivir y al lujo reflejado en las telas-Los personajes se agitan por toda la parte inferior de la tela, unas se inclinan hablando, otras beben vino, otras bailan, con brazos y piernas formando líneas curvas. Se pasan el vino los unos a los otros. La mujer recostada que ocupa el primer plano del centro de la tela se dice que es Violante, de quien el pintor estaba enamorado por entonces. Junto a ella hay una partitura, en la que se lee: «Quien bebe y no vuelve a beber, no sabe lo que es beber». 2.-La Venus de Urbino también llamada La Venus del perrito. Óleo sobre lienzo 165 cm × 119 cm Galería Uffizi Pintado en 1538 presenta a una Venus reposando en la habitación de un palacio, sobre un fondo de cortinas, recostada en una cama; al fondo, en el lado derecho, unas doncellas buscan en un arcón las vestiduras que ocultan su bello desnudo. Contrasta la serenidad de la Venus con las servidoras, trazadas éstas al modo impresionista con un movimiento de trazos.. Hay un gusto por los colores brillantes, por la luz, por el desnudo modelado por suaves modulaciones de color que le da una sensualidad distinta a la de Botticelli. 3. Dánae recibiendo a Júpiter en forma de lluvia de oro. (óleo sobre lienzo 129 cm x 180 cm Museo del Prado) Muestra uno de los más hermosos desnudos pintados por Tiziano. La joven Dánae tumbada observa el oro en polvo, una de las múltiples formas en que se convertía Zeus, que suelta la anciana sentada a sus pies. La piel blanca y tersa de la joven contrasta con la oscura y áspera de la anciana. La pincelada utilizada por Tiziano es suelta.
Historia del Arte 2º de Bachillerato. Tema 10: La pintura del Cinquecento: Leonardo, Rafael y Miguel Ángel. © Departamento de Geografía e Historia

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Además, Tiziano fue también retratista de la Casa de Austria. Ejemplo: 4.-Carlos V en la batalla de Mühlberg.(Óleo sobre lienzo, 332 cm x 229 cm Museo del Prado) Este cuadro lo pintó en 1548 para conmemorar la batalla del Emperador sobre los protestantes. Realizó varios encargos para los monarcas españoles de la casa de Austria. Hizo tres para Carlos V, dos para Felipe II y uno para la emperatriz Isabel. En este retrato se muestra al Emperador a caballo, dirigiéndose a algún lugar de la batalla, ganada el año anterior a los protestantes. Tiziano se trasladó a la ciudad alemana de Augsburgo para realizarlo, pudiendo así reflejar tanto la armadura como el caballo que intervinieron en el acontecimiento. En busca de la naturalidad, Tiziano renuncia al retrato glorioso y lo sitúa en el campo de batalla. Aunque Carlos era todavía joven (47 años) aparece avejentado y cargado de preocupaciones. Es en los retratos donde se muestra como un consumado maestro, especialmente en lo que se refiere a la captación plástica del carácter humano. Crea una tipología de la figura de cuerpo entero, con una mano apoyada y la otra en actitud solemne portadora de algún instrumento alusivo al poder.Todos sus retratos muestran una gran penetración psicológica en los representados, destacando además en ellos la función del color que hace emerger las figuras de fondos neutros y las resalta. IMÁGENES DE PINTURA DEL QUINQUECENTO (SELECTIVIDAD) 65. Santa Ana, la Virgen y el Niño

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66. La Gioconda

67. Desposorios de la Virgen

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68. Madonna del jilguero

69. La Escuela de Atenas

70. La creación (Bóveda Sixtina)

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71. Juicio Final (Sixtina)

72. La Bacanal (Tiziano)

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