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ÍNDICE
Albores de la humanidad 5000 a C hasta 400 d C 400 hasta 1400 1400 a 1800 1800 hasta la fecha
hasta 5000 a C
4. m. o f. Maña, astucia.
7. m. o f. rur. Man. noria (‖ máquina para subir agua). CABELLO/CARCELLER. "UNA VOZ PARA ERAUSO. EPÍLOGO
PARA UN TIEMPO TRANS".
A pesar de su amplio significado muchas veces ligado a la
buena práctica o la técnica la que nos interesa considerar
es el arte como cualquier actividad o producto realizado
con una finalidad estética y también comunicativa,
mediante la cual se expresan ideas, emociones y, en
general, una visión del mundo, a través de diversos
recursos, como los plásticos, lingüísticos, sonoros,
corporales y mixtos.
Plutarco introdujo, junto a estas dos, las “artes perfectas”, que serían
lo que hoy consideramos ciencias.
Mercado Utiliza los canales del mercado artístico El propio artesano comercializa su producto
Contenidos Transmite ideas y valores inherentes a las Transmite la identidad cultural de una
que comunica culturas humanas a lo largo del espacio y comunidad. Los materiales y formas varían en
del tiempo. función de cada región
Público al que Es un producto único generalmente Es un producto útil destinado a ser utilizado
se dirige dirigido a una élite por una comunidad
Originalidad Presenta como valor creatividad Sigue unas pautas que se ajustan a una
innovación y ruptura es producto de la técnica concreta.
individualidad del artista. Se basa en unos saberes transmitidos por una
comunidad
– Tecnología del arte, materiales, técnicas
y procedimientos.
Si intentamos clasificar las formas artísticas en función de la técnica que emplean nos
encontramos ante una tarea ardua y compleja. Si vemos la evolución de las artes a través del
tiempo vemos cómo estas diferencias han ido cambiando: Las diferencias entre lo público y
privado, lo laico y religioso, el activismo político y la dominación cultural.
El desarrollo tecnológico también ha ido aportando nuevas clasificaciones:
Al final del siglo XX, la siguiente lista de clasificación de las artes al igual que el número de musas
antiguas:
1-Arquitectura
2-Escultura
3-Artes visuales, que incluyen la pintura, el dibujo y el grabado
4-Música
5-Literatura, que incluye la poesía
6-Artes escénicas, que incluyen el teatro, la danza, el mimo y el circo
7-Cinematografía
8-Fotografía
9-Historieta
Artes visuales:
Arquitectura: es el arte de proyectar y construir edificios. Denominada a
veces como el “arte del espacio”, la arquitectura es un proceso técnico y de
diseño que procura mediante diversos materiales la construcción de
Zaha Hadid Centro Heydar Aliyev en estructuras que organizan el espacio para su utilización por el ser humano.
Bakú, Azerbaiyán 2007
Arte corporal: es el que utiliza el cuerpo humano como soporte. Incluye
actividades como el maquillaje, el vestuario, la peluquería, el tatuaje, el
piercing, etc.
Arte digital: es el realizado por medios digitales, como el vídeo o la
informática, vinculado a menudo a las instalaciones, o que utiliza diversos
soportes, como Internet, un ejemplo son los videojuegos.
Arte efímero: es el que tiene una duración determinada en el tiempo, ya que
en la génesis de su concepción estriba ya el hecho de que sea perecedero.
Incluye diversas formas de arte conceptual y de acción, como el happening y
la performance. También engloba diversas actividades como la gastronomía,
la perfumería, la pirotecnia, etc. Un punto esencial de este tipo de actividades
es la participación del público.
Artes decorativas o aplicadas: término aplicado preferentemente a las artes
industriales, así como a la pintura y la escultura, cuando su objetivo no es el
Marina Abramovich, Perfomance Rest de generar una obra única y diferenciada, sino que buscan una finalidad
Energy 1980 decorativa y ornamental.
Artes gráficas: son las que se realizan por medio de un proceso de
impresión; así, son artes gráficas tanto el grabado como la fotografía, el
cartelismo o el cómic, o cualquier actividad artística que utilice un medio
impreso.
Artes industriales: son las desarrolladas con una elaboración industrial o
artesanal pero persiguiendo una cierta finalidad estética, sobre todo en la
elaboración de determinados objetos como vestidos, viviendas y utensilios,
así como diversos elementos de decoración. Muchas artes decorativas son Ana Juan (1961) es una de las ilustradoras
también industriales. españolas más reconocidas fuera de
nuestras fronteras. Fue Premio Nacional de
Artes y oficios: son las que comportan un trabajo manual, que puede tener Ilustración en 2010.
un carácter artesanal o industrial. Engloba diversas actividades como la
cerámica, la ebanistería, la forja, la jardinería, la joyería, el mosaico, la
orfebrería, la tapicería, la vidriería, etc.
Cinematografía: técnica basada en la reproducción de imágenes en
movimiento, el cine alcanzó un grado de auténtica artisticidad, siendo
bautizado como el séptimo arte, término propuesto por Ricciotto Canudo
en 1911.
Dibujo: representación gráfica realizada por medio de líneas, trazos y
sombras, elaborados mediante lápiz, pluma u objetos similares. El dibujo
está en la base de casi cualquier obra artística, pues la mayoría de obras
pictóricas se realizan sobre un esbozo dibujado sobre el lienzo, sobre el que
posteriormente se pinta; igualmente, muchas esculturas son diseñadas
primero en dibujo, e incluso la arquitectura se basa en planos dibujados.
Aparte de esto, el dibujo tiene una indudable autonomía artística, siendo
innumerables los dibujos realizados por la mayoría de grandes artistas a lo
largo de la Historia. Isabel Coixet, película Mi vida sin mi
2003
Diseño: es la traza o delineación de cualquier elemento relacionado con el
ser humano, sea un edificio, un vestido, un peinado… El diseño se define
como el proceso previo de configuración mental de una obra, mediante
esbozos, dibujos, bocetos o esquemas trazados en cualquier soporte. El
diseño tiene un componente funcional y otro estético, ha de satisfacer
necesidades y a la vez puede agradar a los sentidos.
Música sinfónica: la música es el arte de organizar sensible y lógicamente una combinación coherente de
sonidos y silencios utilizando los principios fundamentales de la melodía, la armonía y el ritmo. En su
vertiente sinfónica, se considera que es la música instrumental interpretada por una orquesta formada por
los principales instrumentos de viento (madera y metal), cuerda y percusión.
Ópera: es un arte donde se combina la música con el canto, sobre la base de un guión (libreto) interpretado
según los principios de las artes escénicas. La interpretación es realizada por cantantes de diversos registros
vocales: bajo, barítono, tenor, contralto, mezzosoprano y soprano.
1. EL FORMALISMO
2. EL EXPRESIONISMO y
3. EL SIMBOLISMO
4. EL INTELECTUALISMO
Brevemente, estas son las características de cada postura:
2. EL FORMALISMO
Sostiene que el valor estético de una obra proviene de sus cualidades formales. Considera irrelevantes la
expresión de sentimientos, ideas o valores. El valor estético no radica en elementos subjetivos o
accidentales.
• La excelencia artística de la obra de arte está definida por la forma, por la razón. El contenido, si lo hay,
no importa tanto como la forma de mostrarlo, contarlo, exponerlo.
• El arte es autónomo respecto de la realidad, no está necesariamente sujeto a representar lo que vemos.
• El creador debe atender a la combinación de colores, líneas y planos o sonidos y palabras para buscar
armonía, la proporción, el equilibrio.
• La belleza resulta del aspecto formal de la composición.
• Lo feo o mal hecho es lo caótico, lo deforme, desordenado, desequilibrado, irracional.
Aquí tienes varios ejemplos de arte formalista: en pintura, cuadros de Vasily Kandinski y de Piet Mondrian
2. EL EXPRESIONISMO
• El arte es un vehículo para comunicar sentimientos y estados del alma. El artista y su capacidad de
creación es más importante que la realidad representada.
• La finalidad del arte no se puede separar de esta intención comunicativa.
• La belleza consiste en conseguir expresar de forma subjetiva la naturaleza del ser humano.
• La primacía de las emociones provoca una deformación de los objetos, que no reflejan la realidad
objetiva sino su trasfondo emocional.
3. EL SIMBOLISMO La obra de arte muestra una realidad propia que hay que conocer, el arte es una
continua recreación de mundos posibles.
• El arte comunica contenidos (ideas) a través de símbolos que es preciso conocer y analizar
• La obra bella es la que consigue transmitir eficazmente mucho significado que es entendido por aquellos
a los que va dirigido.
• Feo es lo que no transmite ningún significado o lo que no lo transmite bien, de modo que se entienda.
• La obra de arte es un sistema de símbolos.
4. EL INTELECTUALISMO Valora en la obra artística la verdad más que la belleza, antes que el estilo o la
estructura formal de la obra.
-Como una forma peculiar de estructurar la realidad
-La obra de arte es una interpretación conceptual de la realidad.
-El objeto del arte no es crear belleza sino el conocimiento de la verdad.
-El arte es la mas alta realización del espíritu, es la principal forma de conocimiento subjetivo en tanto que
la ciencia es la principal forma de conocimiento objetivo.
– Terminología específica del arte y la
arquitectura
ÁBACO: Pieza a modo de tablilla que remata el capitel.
ARCO FAJÓN: arco que sostiene las bóvedas de cañón, de las naves de
las iglesias románicas y góticas.
ARCO PERALTADO: arco que se prolonga en forma de dos líneas paralelas rectas
mas abajo del diámetro de la semicircunferencia o de la línea de las impostas.
ATENEA: una de las principales divinidades de las antiguas Grecia y Roma que
encarna una fuerza benévola y civilizadora .En la mitología griega es hija de
Júpiter/Zeus y nació de su cabeza completamente armada. Es patrona de las
instituciones del saber y de las artes junto con Apolo. En su escudo figura la
cabeza de la Medusa por haber ayudado a Perseo a matar al monstruo.
ATLANTE: escultura de una figura masculina utilizada en lugar de una columna o
de otro soporte arquitectónico cualquiera. En la mitología griega era ATLAS o
TITÁN, condenado a soportar sobre su cabeza y sus manos el peso de los cielos por
haberse rebelado contra Zeus.
BAJORRELIEVE: relieve que sobresale del fondo menos de la mitad del bulto.
BALDAQUINO: dosel que cubre una tumba o altar. El tipo más común descansa
sobre cuatro columnas.
BUEN PASTOR: representación de Cristo como pastor del rebaño o grey de los
fieles cristianos. Hay dos tipos: como pastor joven y sin barba, sentado en medio de
su rebaño y portando un bastón o tocando una lira (trasunto de Orfeo clásico que
encantaba a los animales con su música) o bien portando un cordero sobre los
hombros. Muy frecuente en los primeros siglos del arte cristiano desaparece
prácticamente a partir de la Edad Media.
BUSTO : representación pintada o esculpida de la cabeza y la parte superior del tórax.
CAPITEL: elemento colocado sobre el fuste de una columna que sostiene directamente
el arquitrabe, el arco, etc.
CARIATIDE estatua de figura femenina, con túnica, que sirve de columna. Utilizada
por primera vez en la arquitectura griega.
CORO: parte de la iglesia donde se sitúan los monjes o sacerdotes para cantar el
oficio divino. a lo largo de la historia de la arquitectura su ubicación dentro del
templo ha sufrido diversas variaciones, si se sitúa en la nave central se aísla
mediante un cerramiento.
CUADRO DE GENERO: aquel que cultiva una temática determinada, relacionada con
escenas de la vida cotidiana, costumbristas, etc., y protagonizada por tipos
populares..
CÚPULA: cubierta semiesférica que puede ir asentada sobre diversos
soportes (trompas, pechinas o directamente sobre un tambor cilíndrico)
DANAE: en la mitología griega, hija del rey de Argos con quien Júpiter tuvo
relaciones visitándola en forma de lluvia de oro. De ellas nació Perseo, quien
mataría accidentalmente a su abuelo con un disco, tal como estaba
anunciado.
DOVELA: pieza en forma de cuña que forma parte del intradós de un arco.
ENTABLAMENTO: conjunto de arquitrabe, friso y cornisa en los órdenes clásicos.
ÉNTASIS: engrosamiento de una columna hacia el centro, de modo que por efecto
de la perspectiva parezca recta en lugar de cóncava.
EQUINO: moldura saliente, bajo el ábaco, que forma el cuerpo principal del
capitel dórico.
ESCULTURA DE BULTO REDONDO: aquella que está trabajada por todas sus
partes.
ESTOFADO: técnica que consiste en revestir una superficie con pan de oro y
pintar encima. A continuación se rasca la pintura de determinadas partes
permitiendo que asome el oro que hay debajo.
GABLETE: remate Sobre las arcadas en forma de dos líneas que se juntan
formando un ángulo. Es propio del gótico.
ICONOSTASIO: Mampara o cancel con tres puertas tras la cual, en los ritos
orientales, se oculta el sacerdote durante la celebración de la liturgia. En las
iglesias hispano visigodas y mozárabes también lo había y era de piedra o
mármol labrado.
JAMBA: elemento vertical, que no es una columna y que sostiene el dintel de una
ventana o puerta.
LINTERNA: torre o torrecilla con aberturas que corona una cúpula, protege la parte
alta de una escalera o se pone como remate en algunas construcciones.
MECENAS: persona que protege las letras y las artes mediante la subvención y el
amparo económico que dispensa a los autores y artistas
MÉNSULA: elemento saledizo en una pared que sirve para sostener alguna cosa (un
busto o una figura) y que generalmente está ornamentado.
MERCURIO: dios romano del comercio, mensajero de los dioses e hijo de Júpiter.
En la época clásica se le identificaba con el HERMES griego. Se le representaba a
menudo con sombrero provisto de dos alas, caduceo en la mano y alitas en los pies.
NECRÓPOLIS cementerio
NEREIDAS: ninfas del mar, hijas de Nereo y Doris. Eran cincuenta, algunas de
ellas muy conocidas como Galatea, Tetis o Anfítrite.
ORDEN DÓRICO: su parte inferior está compuesta por uno o dos escalones
(estereobato) sobre los que arranca directamente el fuste sin basa que suele ser
mas ancho abajo que arriba. Tiene éntasis. El fuste es acanalado.
ORDEN JÓNICO: la columna tiene basa circular compuesta por dos toros y una
escocia. El fuste aparece acanalado pero la arista entre las acanaladuras es plana
(arista muerta).El capitel es rectangular y va envuelto en volutas, rematando en un
ábaco también rectangular. En el entablamento el arquitrabe consta de tres bandas
en saledizo unas sobre otras. El friso es corrido, sin triglifos, pudiendo estar o no
decorado.
PECHINA: cada uno de los cuatro triángulos curvilíneos sobre los que se
sustenta la
cúpula. Sirven para hacer la transición de la planta cuadrada a la circular.
PLANTA DE CRUZ LATINA: tipo de iglesia cuya planta presenta las naves
longitudinales mas largas que la transversal.
TRÉPANO: instrumento que sirve para horadar. En escultura se emplea para hacer
profundas incisiones que producen un acusado efecto de claroscuro.
TRIBUNA: galería sobre la nave lateral de un templo donde pueden alojarse los
fieles.
Los elementos básicos de una crítica de arte son: la descripción, el análisis, la interpretación y el
juicio.
1-Descripción:
Reúne la información básica acerca de la obra.
b) Describe tu propia reacción a la obra. Ahora es momento de ser un poco más subjetivo. Piensa acerca de
cómo te sientes al mirar la obra. ¿Cuál crees que sea la atmósfera general de la obra? ¿Te recuerda a algo
(ideas, experiencias, otras obras de arte)?
Usa un lenguaje expresivo para hablar de tu reacción a la obra. Por ejemplo, ¿la atmósfera de la obra es
triste, optimista o pacífica?
c) Refuerza tu interpretación con ejemplos. Usa ejemplos de la descripción y del análisis de la obra para
explicar por qué piensas y sientes de la manera en que lo haces con respecto a la pieza.
4-Juzgar la obra
Determina si crees que la obra es exitosa o no, enfócate en aclarar si crees que la obra es “exitosa”. Por
ejemplo, hazte las siguientes preguntas:
¿Crees que la obra expresa lo que el artista quiso expresar?
¿El artista usó bien las herramientas y las técnicas?
¿El arte es original o imita a otras obras?
Resume por qué crees que la obra cumple con su objetivo. En pocas oraciones, explica tu opinión de la
obra. Da razones específicas para tu opinión usando la interpretación y el análisis de la obra que hiciste.
Si es una obra de arte conocida puedes comentar sus sontribuciones a la historia del arte
– Representaciones y creaciones de
mujeres.
Aunque las mujeres han participado en la creación del
arte a lo largo de la historia, su obra, en comparación con
la de sus homólogos masculinos, ha sido a menudo
oscurecida, pasada por alto e infravalorada.
Sofonisba Anguissola
Rosa Bonheur 1845 “Arando en Nivernais», Museo de Orsay, encargo Rosa Bonheur 1879 “El Cid»,
estatal. Museo del Prado.
Barbara Krafft, nacida Steiner (1 de abril de 1764, Jihlava - 28
de septiembre de 1825, Bamberg) fue una pintora austríaca,
recordada hoy por su retrato póstumo de Wolgang Amadeus
Mozart, ampliamente reproducido.Eera hija del pintor de la
corte austríaca, Johann Nepomuk Steiner, el cual le enseñó la
disciplina artística. La familia se mudó a Viena, donde Barbara
expuso una obra suya por primera vez en 1786. Barbara llegó a
ser miembro de la Academia de Bellas Artes de Viena.
Desde hace más de treinta años, Jenny Holzer ha presentado sus ideas, “Installation” (2007
Smithsonian American Art
argumentos y penas en lugares públicos y exposiciones internacionales Museum.)
como el 7 World Trade Center, el Reichstag, la Bienal de Venecia, el
Museo Guggenheim de Nueva York y Bilbao o el Whitney Museum of
American Art. Vive y trabaja en Nueva York desde que se mudó allí en la
década de los 70.
Banco de piedra
en el Parque de
las Esculturas,
Pontevedra..
Sabina de Steinbach fue una maestra escultora del siglo XIII a la que
se atribuyen un grupo de estatuas de la puerta sur de la catedral de
Estrasburgo, algunas de las de la catedral de Magdeburgo y de la
catedral de Notre Dame de París.
"No hay pruebas de que Lilly diseñara esas dos sillas, pero sí es cierto
que cuando conoció a Van der Rohe en 1926, ella era una reputada
diseñadora, experta en organizar exposiciones, Pero Reich no era
arquitecta. Él se "aprovechó" de su conocimiento sobre textiles,
color, mobiliario... Pero la parte técnica fue siempre de Mies.
Además de su extensa carrera profesional, Reich fue la que salvó casi
3.000 dibujos de Van der Rohe de los bombardeos de la Segunda
Guerra Mundial, entregándoselos a un amigo que conservó, junto al Los interiores de la
'Tugendhat House' (1928–
legado del Maestro, 900 de los diseños de ella, casi todo su trabajo, 30) en Brno son de Reich
que por suerte constatan su enorme contribución al diseño y la
arquitectura alemana de principios del XX.
Lina Bo Bardi – nacida Achillina Bo- estudió arquitectura en La Sapienza de
Roma, donde se tituló en 1939, con un proyecto final de carrera de
Maternidad para madres solteras. Al final de la Segunda Guerra Mundial entró
a formar parte de la Resistencia y en el 1945, junto a Bruno Zevi, su maestro, y
al arquitecto Carlo Pagani, su socio de aquel periodo, fundaron la revista A.
(Attualità, Architettura, Abitazione, Arte) Cultura della Vita. Lina Bo Bardi vivió
en Milán desde principios del año 1940 hasta finales del 1945, en que volvió a
Roma. Decepcionada por el giro político que siguió la Italia de postguerra, MASP (Museo de Arte de São
1946 viajó a Brasil con el periodista y coleccionista de arte Pietro Maria Bardi, Paulo)'.
su marido, que había llegado a tener un lugar relevante como crítico de arte
durante la Italia fascista. En Brasil se instalaron definitivamente en São Paulo y
ella se naturalizó como brasileña en 1951, En 1950 proyectó y realizó su
propia casa, la Casa de Vidrio, y en 1957 inició el proyecto y construcción del
MASP (Museo de Arte de São Paulo), que se inauguró en 1968; una obra
radicalmente moderna, con una gigantesca estructura porticada y unas salas
de planta libre, llenas de luz natural y con unos soportes museológicos
vanguardistas.
Realizó el Museo de Artes Populares en el antiguo conjunto arquitectónico
de la Unhão (1959-1963), reestructuró el conjunto a partir del espacio público
–creando junto al mar una nueva plataforma con pavimento de piedra–, y
enfatizando el espacio vacío y la relación entre los diversos edificios: la iglesia,
las casas y los almacenes. En los interiores introdujo elementos modernos
específicos, como la nueva y preciosa escalera de madera de forma helicoidal.
En su obra más conocida y celebrada, el Centro de ocio, cultura y deporte
SESC (Serviço Social do Comercio) en el barrio popular de Pompéia en São
Paulo (1977-1986), Bo Bardi aprovechó las preexistencias de una fábrica de
bidones, respetando la estructura horizontal de los galpones existentes,
potenciando el espacio libre de las calles interiores, y situando una nueva
doble torre vertical de hormigón visto, como contrapunto. Centro de ocio, cultura y deporte
SESC (Serviço Social do Comercio)
Zaha Hadid nació en Bagdad el 31 de Octubre de 1950-2016 ha ganado numerosos premios internacionales
de arquitectura,
Fue capaz de llevar el diseño de sus dibujos a la realidad, ampliando de este modo las posibilidades formales
y estructurales de la arquitectura. Logró convertir sus dibujos y fantasías en edificios y abrir nuevos caminos,
defendiendo así el proceso creativo a través del dibujo.
Hadid diseñó una colección de mobiliario urbano, compuesta de cuatro elementos. El primero es el Banco
Serac, un banco para exteriores, casi una escultura urbana, inspirado en un bloque de hielo repleto de las
grietas de los glaciares. El banco está hecho en una resina especial mezclada con cuarzo natural, rígido y
resistente que, además, refracta la luz para contrastar la pieza. Esta colección fue presentada en Fuorisalone
2013, la semana del Diseño de Milán.
Tratando de romper los límites de la arquitectura hablaba de convertir los edificios en paisaje y de repensar
los límites físicos de las construcciones.
Kazuyo Sejima (1956, Mito, Ibaraki, Japón), es una arquitecta contemporánea japonesa y docente,
ganadora de más de 15 premios y reconocimientos, entre los que destaca el Premio Pritzker de 2010, que
compartió con su asociado de SANAA, el arquitecto Ryue Nishizawa; cabe destacar que fue la 2a mujer en
recibir tal distinción. En 2018 fue nombrada como jurado de éste premio, conocido internacionalmente
como el más alto honor de la arquitectura. Dirigió, en 2010, la Bienal de Arquitectura de Venecia, siendo la
primera mujer en dirigirla desde su creación en 1980.
Entre sus obras más reconocidas se encuentran la Small House de Tokio (1999), el Museo de Arte de Toledo
(EEUU, 2001), el teatro y centro escénico de Almere (Holanda), el Museo de Arte Contemporáneo de Nueva
York (2007), el Pabellón de Verano de la Serpentine Gallery (Londres, 2009) o el Rolex Learning Center (Suiza,
2009)
Perspectiva del museo Hokusai. Museo de Arte Contemporáneo de Nueva York (2007.
– Arte conceptual y arte objeto.
ARTE CONCEPTUAL
El movimiento conceptual en el arte aparece a finales de los años
sesenta con manifestaciones muy diversas y fronteras poco definidas.
convencionalismos
Ausencia de Naturalismo
Grandes composición
policromía Trazo grueso
e incisiones (visual e intelectual)
figuras
Soporte
Materiales
Técnicas
Temáticas
Hasta año 1925
Interpretación
el suelo estaba
Contexto histórico
muy cerca del techo
Etc.
por lo que era imposible
una contemplación unitaria
de todas las figuras
Descubierta en 1879
por Marcelino de Sautuola
Según Leroi-Gourham:
Grupo de bisontes delimitados
por dos caballos, un jabalí y Datada de hace unos 14.000 a
dos ciervas ( casi treinta 15.000 años
figuras)
Negativos
(con aerografía)
Pintura de manos
Arte rupestre levantino
• - Localización: Se trata de una modalidad típicamente
hispana, que se localiza en la zona levantina española.
• - Cronología: Existen controversias para su datación Hay
quienes las sitúan en el Paleolítico Superior- Tesis hoy
descartada por no corresponder a la fauna representada,
que es postglaciar-. Otros las atribuyen al periodo
Mesolítico (transición entre el Paleolítico y Neolítico), o a
comienzos del Neolítico. La hipótesis más acertada es la
que las data entre el 6.000 a. C y el 1.500 a C, aunque las
más importantes representaciones se darían entre el 6.000
a. C y 4.000 a.C.
• - Soportes. Las pinturas se encuentran normalmente sobre
abrigos rocosos. Esto se debe a que la vida en la época
potsglaciar ya no se realizaba en cuevas sino en poblados al
aire libre.
Vallhorta. Abrigo rocoso
Características generales
Carácter Composición en
narrativo diagonal
convencionalismos
Extremidades muy
abiertas
Valltorta. Cacería
Arte mobiliar.
Escultura (Arte mobiliar)
¿DÓNDE?
¿CUÁNDO? • Próximo Oriente
• 3.000 - 1.000 A. de
y Occidente (G. Bretaña, Francia,
C.
España.
TIPOLOGÍA:
Trasladados
Grandes distancias
Dolmen Menhir
Interpretaciones:
1.-Las tradicionales, algo ya en desuso, asociaban el
megalitismo a ciertas corrientes religiosos o espirituales de
un grupo humano concreto que fue difundiéndolas por
Europa.
2.-Teorías más recientes se refieren a sociedades formadas
por grupos dispersos que utilizaban los monumentos como
hitos definidores de su territorio. En caso de litigio, estas
tumbas de los antepasados eran un argumento para
demostrar la posesión de tierras en litigio.
3.-Otros autores inciden en el grado de complejidad que
llegaron a alcanzar estas sociedades, puesto que para
levantar estos monumentos se necesitaría una
participación colectiva, que exigirían un plan previo y un
control centralizado para canalizar los esfuerzos de la
población.
Círculo de trilitos (dos
piedras verticales de 25 Tm.
Cinco trilitos en y una horizontal de 5 Tm. De
forma de herradura arenisca local) trabados entre
Círculo formado por veinte sí con junturas de espiga y
monolitos de piedra azulada traída Gran piedra mortaja
de Gales (a más de 150 Km) central
de unos cuatro a cinco metros de alto
Gran avenida
Deidad femenina Isis (Diosa Madre) Inanna/Ishtar Gran Diosa (Potnia Theros)
principal
Deidad masculina Amón-Ra, luego Osiris Enlil/Marduk Dioniso, Zeus
principal
Representación de Zoomorfa Antropomorfa Antropomorfa
las divinidades
Mito relacionado Pruebas que pasa el faraón Epopeya de Gilgamesh Mito del laberinto
con un culto antes de vencer a la muerte
iniciático
Cultos de muerte Momificación, tumbas preparadas Son menos significativos que Iniciación ritual del difunto al
para la vida en el más allá en otras culturas más allá
EVOLUCIÓN DE MESOPOTAMIA
135
• El arco en la construcción- El arco y la bóveda.
• En la sociedad caldea el arquitecto disfrutó de alta
estimación. En esta región limosa se va a efectuar uno
de los descubrimientos trascendentales de la historia
de la arquitectura, el del arco. El constructor se
encontraba con dos carencias, la madera y la piedra, y
tuvo que aguzar su ingenio. Los egipcios levantaron sus
primeras edificaciones en madera, y del árbol tomaron
la idea de la columna, del soporte redondo y vertical.
• Los arquitectos mesopotámicos no disponían de este
elemento vegetal estimulante y la ausencia de piedra
impedía cualquier sistema arquitrabado. Su único
material era el barro, con el que podían elaborar
pequeñas piezas (adobes y ladrillos), pero que por su
escaso volumen y consistencia no permitían el
arquitrabe. Así que tuvieron que colocarlas en una
posición radial que, sorprendentemente, ofrecía una
mayor consistencia que la horizontal en grandes
piedras.
136
• Templos y palacios
• En ciudades gobernadas por sacerdotes las
construcciones sagradas alcanzan una
amplitud sin precedentes.
• Los relatos literarios describen con
particular entusiasmo la murallas de Uruk,
que contorneaban un conjunto grandioso La ciudad de Uruk, también en Sumeria, era ya en
de edificaciones en torno al templo. el año 3,200 AC un importante centro urbano. Para
muchos estudiosos, fue la primera ciudad en la
• En realidad el templo no es un edificio sino humanidad.
una pequeña ciudad, con plazas, sectores
de habitaciones, pisos a los que se accede
por rampas y una alta torre de forma
escalonada, denominada ziggurat, que
supone una contribución al problema de la
acumulación apilonada de varios pisos.
• Los palacios son igualmente gigantescos y
se ordenan en torno a un patio: el de Mari
tiene 260 habitaciones, muchas de ellas con
frescos que nos ilustran sobre la vida
cotidiana; el de Lagash, reconstruido por
GUDEA,rcontiene amplios salones para una
etiqueta majestuosa en torno al monarca.
ZIGURAT DE UR
ESCULTURA MESOPOTÁMICA – Sumerios y acadios
Carácter religioso 3200 – 2400 a.C.
Sumerios: tipos rechonchos, nariz aquilina, cabeza y rostro afeitados,
desnudos de cintura hacia arriba, vistiendo un faldón de piel de oveja hasta los pies
Acadios: porte más esbelto, largas cabellera y barba
Cilindros-sellos
Rigidez
ESCULTURA MESOPOTÁMICA
Sumerios y acadios
Gudea Patesi
(sacerdote de Lagash, 2000 a. C)
Esteatita, diorita
a. USO DE LA PIEDRA
ETERNIDAD
b. COLOSALISMO
SENTIDO DE PODER
SOBRECOGER
c. ARQUITECTURA ARQUITRABADA
d. TIPOS DE COLUMNAS
CAMPANIFORME PALMIFORME
PAPIRIFORME HATORICA
TIPOS DE ARQUITECTURA
ARQUITECTURA FUNERARIA
1. MASTABA
AVENIDA ESFINGES
OBELISCO
PILONOS
LA ESCULTURA LA PINTURA
LA ESTATUARIA: EL RELIEVE
LA ESCULTURA
EXENTA
Rasgos del Idealismo en la escultura egipcia :
Búsqueda perfección,
la esencia (sin lo temporal)
para fusionarse con cosmos.
Extremidades pegadas 2 puños
al cuerpo para evitar Empleo de otra medida:
roturas Ley del cúbito pequeño (desde
Hieratismo, rigidez, Canon hoyo de parte interior del
antinaturalismo (Lepsius e codo hasta uña del pulgar)
10 puños Inversen) Un hombre cuatro cúbitos
Tendencia a la simplificación 18 puños pequeños. El cúbito grande
geométrica del modelado (anchura ( codo hasta dedo corazón)
del cuerpo nudillos empleado en arquitectura
con pulgar) sólo se usará en escultura
Pie izquierdo adelantado (simbología) 6 puños desde planta al final, alargando el canon
completamente apoyado. La del pie hasta a 21 puños
mujer pies juntos o adelantado mitad de
pero ligeramente por detrás frente Sentado canon de 15 puños
del pie del hombre
Tipos de relieve en escultura
• Relieve hundido: la imagen se talla en el mismo bloque del material que le sirve de soporte (piedra, cristal
o madera), creando un volumen "interior", donde la materia circundante se desgasta para dejar resaltada la
imagen. El punto de vista para su contemplación sólo puede ser frontal.
• Bajorrelieve o bajo relieve: las figuras sobresalen del fondo menos de la mitad; la tercera dimensión se
comprime, quedando a escasa profundidad, como ocurre necesariamente en los trabajos de numismática.
Aunque no es usual, el bajorrelieve puede mostrar algunas partes destacadas de una figura, rostros e incluso
algunos cuerpos, en relieve natural.
• Mediorrelieve o medio relieve: las figuras sobresalen del fondo aproximadamente la mitad.
• Altorrelieve o alto relieve: las figuras resaltan más de la mitad de su grosor sobre su entorno.
• Medio bulto: las figuras se esculpen en la totalidad de su contorno, excepto en la parte posterior, que queda
adosada al muro. La representación de la profundidad en la tercera dimensión es completa o con una
reducción mínima.
• Hueco Relieve: Tipo de relieve en el que la representación de las figuras se consigue mediante la incisión de
sus contornos. Suele emplearse en los exteriores, para que las sombras generadas por la luz contribuyan a la
percepción de la obra. Es característico del arte egipcio.
Esquematización narrativa en la
pintura egipcia
• Características similares a la escultura en
relieve: Ley de frontalidad, hieratismo, etc.
• Temas: centrada en el ser humano:
•Mitología
•Vida cotidiana
•Carácter funerario
•Escritura jeroglífica
• •Predomina pintura mural y gran variedad de
técnicas: fresco, temple, encaustica.
• •Ausencia de perspectiva, profundidad y
volumen. Bidimensionalidad.
• •Colores vivos y brillantes. Ausencia de
modelado.
• •Color de piel de las mujeres más clara que la
de los hombres.
Pintura mural egipcia
British Museum. Londres
• La ausencia de profundidad y de
volumen hace que estas
representaciones sean planas y poco
realistas.
• La perspectiva: en general, escultura y
pintura se representan en dos
dimensiones, pero cuando se quiere
lograr la tercera dimensión utilizan la
multiplicación de perfiles, disposición
en bandas o pisos, teniendo en cuenta
que la mayor altura indica lejanía.
•.Para un conocimiento profundo de los principales textos acerca del arte en cada una de las
épocas FREXA I SERRA, Mireia, Fuentes y documentos para la Historia del Arte, Barcelona 1982
Gustavo Gili.
•Tatarkiewicz, Władysław (2000), Historia de la estética I. La estética antigua, Madrid: Akal,
•(1989), Historia de la estética II. La estética medieval, Madrid: Akal,
•(1991), Historia de la estética III. La estética moderna 1400-1700, Madrid: Akal,
•(2002), Historia de seis ideas, Madrid: Tecnos,