PINTURA III

CAR PETA de INVESTIGACIÓN

Juan Carlos Julca Vásquez
 BACA-FLOR UN ARTISTA GUÍA PARA LOS NUEVOS ARTISTAS

Este año 2021 es quizá uno de los más difíciles que la humanidad ha afrontado, y la educación no está excelsa a sufrir cambios a raíz de esto. La covid-19 ha hecho
tambalear las estructuras de nuestra sociedad y nos ha presentado las grietas en ella, como por ejemplo la poca capacidad del sistema de salud o las paupérrimas
instalaciones donde se impartían clases en muchos de los departamentos de nuestro país, esto por mencionar dos ejemplos claves. Es verdad que este virus nos a
traído tristeza y muerte para muchas de las familias peruanas. Sin embargo, también nos ha ayudado para reflexionar sobre la vulnerabilidad de nuestras existencias,
de los errores de no invertir en la salud, en la educación, en crear valores sólidos en nuestra sociedad y que las pequeñas cosas si se hace con constancia nos permite
crear caminos para mejorar constantemente. Y ese es un ejemplo que nos ha demostrado y lo continúa haciendo la escuela de Bellas Artes a puertas de cumplir un
año con la integración de las clases virtuales en su sistema de enseñanza para llegar a la población bellasartina, quienes estamos deseosos por aprender y
adentrarnos a este mundo maravilloso del arte. Esta forma de recibir clases, si bien es claro, no suple en su totalidad lo que las clases presenciales nos otorgaban es
una linda forma de estrecharnos la mano en estos tiempos difíciles para no flaquear en el camino de convertimos en los futuros responsables de las riendas del arte
de nuestro país.

Desde mi propia vivencia personal sobre las clases virtuales, he encontrado una similitud entre esta pandemia y la vida de Carlos Baca-Flor, para ser especifico en el
amor al arte y como este le ayudaba a sobresalir en los momentos mas difíciles de su vida. Recordemos que Baca Flor nació en Islay en 1867, en el viejo puerto del
siglo XIX. La desaparición del puerto hizo que la familia del artista emigrara a Chile. En el sureño país estudió en la Academia de Bellas Artes, logrando con ello
convertirse en un académico de las artes plásticas. La madre de Baca Flor influyó mucho sobre él. Al fallecer el padre del pintor y su hermana menor, la familia se
redujo a dos personas. En su permanencia en Chile es conocido el episodio en el cual Baca Flor renunció a nacionalizarse chileno ante la invitación de los
araucanos. Esta toma de decisión nos muestra aun artista comprometido y fiel a su nación e ideales que incluso después de su muerte en Neuilly-sur-Seine en 1941
a los 74 años se le sigue estudiando en las escuelas de arte, en las universidades y centros culturales. Los autorretratos, los desnudos de mujeres sencillas, los rostros
de hombres en la última etapa de su vida, aquellos paisajes de Europa y Estados Unidos, son tema de análisis y síntesis en todo lugar donde se reúnen artistas
emergentes. Y eso es lo que nosotros como futuros artistas intentamos copias, en mi caso particularmente, que a pesar de las adversidades seguimos encaminados en
este mundo tan maravilloso que es el arte y se vuelve nuestra mano salvadora en estos momentos difíciles que nos ha tocado vivir.
 CARLOS BACA FLOR
Pintura Académica Peruana

Arequipa, 1869 - 1941.

1886
Antes de cumplir un año fue llevado por su familia a Chile. En
1882 ingresó a la Academia de Bellas Artes de Santiago, ganó
todos los años la medalla de oro. Al terminar sus estudios es
distinguido con el Premio Roma, que le otorgaba una pensión
por cinco años en la capital italiana. Sin embargo, no aceptó
pues tenia que nacionalizarse para tener dicho premio.

El presidente Andrés A. Cáceres lo invitará a Lima y le otorgará

una pensión igual a la del Premio Roma. En 1890, más de dos La vocación natural.
años después de llegar a Lima, partió a Europa. donde conoció
la obra de Van Dick, que le influiría notablemente. En 1907
gana en París el Primer Premio en el Salón Anual de Artistas
Franceses logrando exponer en el “Salón de Honor”. Al año
siguiente conoce a John Pierpont Morgan, magnate de la banca
americana.

Pasaron casi dos años para que Carlos viajase a Estados Unidos
y pintase a J.P. Morgan, primero hubo de crearse la amistad
entre ambos. Morgan al entender que Baca-Flor no buscaba 1910
clientes lo rodeó de atenciones. Le obsequió un original de Van
Dick, lo invitó a que pasase una temporada en Nueva York. En
•Autorretrato por Carlos Baca-Flor
1928 regresó a Europa y, tras una corta estadía en España, se
reinstaló en París, donde fue hecho miembro del Instituto de
Francia y recibió la Legión de Honor. Falleció el 20 de febrero
de 1941 en su taller de Neuilly-sur-Seine y fue enterrado en el
cementerio nuevo de dicha ciudad.
John Pierpont Morgan
 Es una técnica pictórica basada en una pintura monocroma buscando un
color lo mas cercano a la piel que produce la sensación de ser un relieve
escultórico. Fue puesta de moda por diversos pintores en el siglo XIV,
quienes la emplearon en bocetos y dibujos preparatorios para lograr un
efecto de relieve mediante un claroscuro muy matizado, haciendo
diversas gradaciones de un solo color, generalmente gris o amarillo
oscuro, buscando un color lo más cercano posible al de la piedra.

Para obtener grises se mezclan el siena Tostada, azul Ultramar y el

blanco de Titanio. Para crear tu escala de valores este gris se suman
blanco o negro.

LA GRISALLA + +

=
 Léon Bonnat
(1883 -1922)

Léon-Joseph Florentin Bonnat nacido en Bayona (Francia) un 20 de junio fue un pintor de la

corriente del realismo pictórico. Debido a negocios de su familia residió unos años en Madrid,
Allí estudió en el taller de los Madrazo (Federico de Madrazo y Kuntz pintor español,
especializado en los retratos de estilo romántico). Se hizo conocido con su Cristo en la Cruz y
El martirio de san Dionisio proporcionandole gran fama, lo mismo que sus expresivos retratos
de celebridades contemporáneas donde representó a la élite política y muchos personajes
célebres , uno de ellos fue Víctor Hugo, bajo estética velazqueña, ante fondos neutros con una
gama terrosa y reducida.
Inspirado en Caravaggio y José de Ribera. Su manera de tratar los temas bíblicos causó
rechazo, pues (de forma similar a los tenebristas) representaba a los personajes sacros como
gente de la calle, de aspecto rústico y en ocasiones desagradable. Como profesor, Bonnat fue
el responsable de la introducción en París "de la manera de pintar a la española", moda
que supuso una revolución en la forma de entender la pintura en Francia y que tanto influiría
en su evolución. Bonnat recomendaba a sus alumnos un viaje a Madrid a conocer a Velázquez
en el Museo del Prado. Tuvo muchísimos alumnos ilustres tales como Toulouse-Lautrec,
Georges Braque, James Ensor, Edvard Munch y William Anderson Coffin, y también a la
pintora finlandesa Ada Thilen, pero perdió vigencia en sus últimos años y es un autor mal
conocido ahora, al menos si se le compara con los impresionistas.
Utilizando una pincelada no sólo brava sino también resolutiva, sin atender a criterios
formalistas, arañando el pincel y utilizando la espátula, a la vez que hace gala de una gama
cromática más colorista que en sus años juveniles. Amasó una cuantiosa fortuna, que dedicó a
la compra de pinturas y dibujos antiguos, sobre todo de la escuela española. En 1891 decidió
donarlos a la ciudad de Bayona lo que ayudó a impulsar el museo local llamado Museo
Bonnat. Muere en Monchy-Saint-Éloil el 8 de septiembre de 1922.
Autorretrato (1855)
 Imagen de referencia.
Santo Job (1880)/ León Bonnat, Museo del Louvre, París.
Job era un ganadero muy rico que Dios el prueba la integridad Despojándole de sus bienes,
familia, ganado, entre otras cosas menos su vida, Terminadas las pruebas, Job continúa
siendo fiel a su Dios y su felicidad es restaurada.
Su historia es narrada en el Libro de Job en el Antiguo Testamento. Además, es considerado
santo siendo festejado el día 10 de mayo por la tradición católica.
Proceso
• Se inicio por dibujar con lápiz pastel en un fondo negro para generar mayor
contrastes.
• Después se trabajó en manchas para ir diferenciado las claves tonales en el cuerpo.
• Finalmente se ajusto el fondo y se puso los últimos detalles de la luz en la figura.
• El ejercicio nos ayuda para poder entender como las luces influyen en el objeto.
• La creación de grises a partir de este conocimiento del color es muy enriquecedor,
porque nos ayudara a crear nuestros grises de una forma diferente y mas personas, que
solo mezclar negro y blanco.
Título: Copia de JOB
Artista: Julca
Fecha de creación: 2021
Técnica: óleo sobre cartón
maqueta.
Dimensiones: 48 x 30 cm
 Los colores opuestos o complementarios son aquellos colores que se encuentran
en una posición oponible dentro del círculo cromático. Tanto el arte clásico
como el más moderno se han valido del uso de los colores complementarios, en
el primer caso para obtener colores terrosos o grises y en el segundo caso para
crear vibrantes composiciones de arte abstracto o impresionista.

El complementario de un color primario siempre será uno secundario, y

viceversa. Su manejo es indispensable para lograr magníficos contrastes,
hermosos matices y oscurecer los tonos de manera apropiada. Uno al lado del
otro, genera armonía, vibración, drama, y movimiento pues se intensifican entre
sí. Sin embargo, para que no se cree una sensación caótica y desagradable a la
vista, uno de los dos colores debe predominar sobre el otro. Igualmente no se
requiere que se apliquen los colores exactamente puros, es decir un azul puro
junto a un naranja vibrante, se pueden usar diferentes matices de estos colores,

COLORES COMPLEMENTARIOS para obtener resultados más sutiles.

 Imagen de referencia.
Escogimos esta imagen de referencia debido a que nos pareció
interesante los contrastes que se generan gracias al claroscuro.
Proceso
• En la imagen se muestra el proceso de la elaboración de los grises y la desaturación de los
colores complementarios elegidos: el rojo naranja y el azul verdoso
• En la imagen final podemos ver la desaturación de un solo color, esto con la idea de crear
mejores transiciones, este azul verdoso nos ayudara para poder crear una uniformidad en
el fondo y trabajar el volumen del cuerpo.
 Proceso

• Se inicio por dibujar con lápiz pastel en un fondo negro para generar mayor contrastes.
• Posteriormente se preparo una escala de valores entre los colores a utilizar que en este caso se trata de dos colores complementarios: el rojo naranja y el azul verde (en el ejercicio se
trabajó con un azul cian debido a la tendencia e este color a generar verdes.)
• Después se ubicó manchas con un solo color (azul cian) en toda la obra para ir diferenciado las claves tonales en el cuerpo y a demás que nos sirva como grisalla para poder generar
volúmenes en la figura.
• El color rojo-naranja nos ayudara para generar calidez en las luces y dar color a la piel azulada.
Mujer
Artista: Julca
Fecha de creación: 2021
Técnica: óleo sobre cartón maqueta.
Dimensiones: 37.5 x 52.5 cm
 Anders Zorn fue un pintor sueco de finales del siglo XIX creador de
la paleta de colores que lleva su nombre. Una paleta muy limitada
pero muy rica en matices. Solo se usa cuatro colores: el amarillo
ocre, rojo bermellón, negro marfil y blanco. El rojo de cadmio es un
sustituto moderno del bermellón.
Estos cuatro pigmentos son capaces de crear una gama completa de
colores, a pesar de que no se emplea el azul. El matiz azulado del
negro marfil le permite actuar como azul. Además, se puede mezclar
con bermellón para crear morados apagados, y con amarillo ocre
para sugerir verdes. La Paleta limitada de Zorn también es efectiva
para crear ricos colores oscuros y hermosos grises.

LA PALETA DE ZORN
 PALETA DE ZORN

La paleta "verde", mezclada con rojo La paleta Naranja mezclada con

de cadmio complementario.   el negro marfil complementario.

La paleta Púrpura mezclada con el

amarillo ocre complementario.
 Anders Zorn
(1860 -1920)

Fue un pintor impresionista, escultor y grabador sueco nacido en Mora un 18 de febrero de 1860 y fallece un22
de agosto de 1920, Comenzó a estudiar en 1872 en la escuela de Enköping. En 1875 se matriculó en la
Academia de las Artes de Estocolmo, donde estudió hasta 1880. El mismo año que acabó sus estudios conoció a
Emma Lamm, luego conocida como Emma Zorn (1860-1942), que provenía de una acaudalada familia y con
quien se casó en 1885.
Viajó por Europa y a su paso por España se interesó por la obra de Velázquez, por lo que empezó a
experimentar con los distintos efectos sobre el agua. Después viajó a Francia donde adquirió fama y estableció
su residencia en París. En la Exposición Universal de 1889 fue nombrado Caballero de la Legión de Honor
francesa y se asentó como uno de los pintores más importantes de la época.
Se convirtió en uno de los pintores de retratos más reconocidos internacionalmente en su momento, lo que le
valió un lugar entre las principales personalidades de la vida cultural parisina y estadounidense de la segunda
mitad del siglo XIX llegando a contar con tres presidentes estadounidenses entre sus modelos: Grover
Cleveland en 1899, Theodore Roosevelt, (1905) y William Taft (1911).
La obra al óleo de Zorn muestra un naturalismo próximo al impresionismo, donde se percibe la influencia de
Velázquez, mientras que su obra como grabador se resuelve en trazos sueltos, quedando patentes sus cualidades
de dibujante y una similitud palpable inspirada en Rembrandt. Se conservan 289 grabados.1 Realizó asimismo
un gran número de acuarelas, especialmente durante sus primeros años de matrimonio, apremiado por su mujer.
Podemos destacar Sommarnöje (Vacaciones de verano) (1886) o su acuarela más famosa, Vårt dagliga bröd
(Nuestro pan diario) (1886). Algunos de sus trabajos más importantes se encuentran expuestos en el
Nationalmuseum (Museo Nacional de Bellas Artes) en Estocolmo. Otros museos que albergan trabajos de Zorn
son el Musée d'Orsay en París y el Metropolitan Museum of Art en Nueva York.
Autorretrato con pieles (1915) / Anders Zorn.
 Imagen de referencia.
La imagen de referencia nos parece
interesante debido a que está en una posición
que hace alusión a la tranquilidad, la paz,
equilibrio acompañado de las luces hacen
realzar aún más el cuerpo.
Proceso
• Claramente el uso de la paleta de Zorn u otra paleta limitada nos ayuda a entender mejor el color. Varios maestros de arte, como
Jeff Watts, usan la «paleta Zorn» (a veces sustituyendo el rojo de cadmio por bermellón) como una herramienta de enseñanza,
porque proporciona a los estudiantes una gama finita de opciones de color pero lo suficientemente amplia como para manejar la
mayoría de las pinturas.
Hombre sentado.
Artista: Julca
Fecha de creación: 2021
Técnica: óleo sobre cartón maqueta.
Dimensiones: 49.5 x 32 cm
 ENSAYO SOBRE EL PERIODO BARROCO

El Barroco fue un período cultural que se desarrolló a comienzos del siglo XVII en Roma, Italia. Generalmente, se le sitúa entre el Renacimiento y el
Neoclásico. Ha sido considerado por muchos autores como el arte de la contrarreforma o del absolutismo europeo, pero también se afirma que es un
conjunto de tendencias desarrolladas en la época sin estar necesariamente vinculadas a ningún gobierno o religión. A pesar de haber sido, en algún
momento, un término peyorativo, el estilo Barroco hoy se admira por haber producido grandes obras en pintura, escultura, arquitectura, música y
literatura.
El término Barroco proviene del portugués barroco, que significa “perla de forma irregular” o “joya falsa”. Por mucho tiempo, el término se usó de
manera negativa, para criticar el arte de la época como sobrecargado, irracional y con demasiados adornos y énfasis. En 1888, Heinrich Wölfflin usó
nuevamente el término para diferenciar el Barroco del Renacimiento, como estilos opuestos. Recién en el siglo XIX, el Barroco fue revalorizado por
Jacob Burckhardt, Benedetto Croce y Eugenio D’Ors.

El Barroco surgió alrededor del año 1600, como un resultado del deseo de un nuevo arte en la época. Habitualmente, se piensa que el Barroco fue una
inspiración del canon promulgado en el Concilio de Trento, en el que la Iglesia Católica, se dirigió al arte figurativo, exigiendo que las pinturas y
esculturas de las iglesias hablaran a los analfabetos en lugar de los instruidos, y animó a terminar con las costumbres pagas de los artistas evitando los
desnudos y los escándalos que se veían tanto en la época renacentista. Sin embargo. Esa época se caracterizó por el gran equilibrio que existía entre la
ciencia y la razón, y entre la metafísica y la religión. Hubo cambios políticos y económicos, descubrimientos y expansión geográfica, todo mientras la
humanidad se preocupaba por las experiencias religiosas.
El Barroco fue un cambio consiente del estilo intelectual del arte Manierista a un estilo más enfocado en los sentidos y la naturaleza, con tendencia a lo
exagerado y la abundante decoración. Un destacado de la época fue Caravaggio, que pintaba la naturaleza tal como él la veía y llegó a ser el creador del
naturalismo, una corriente que fue seguida por otros muchos artistas. En general, en el Barroco se trataron, principalmente, temas mitológicos, religiosos y
también el retrato; todos ellos con la nueva visión naturalista en la que los artistas expresaban pasión, emoción y los sentimientos en general. Más tarde
surgen otros temas importantes como el paisajismo y la pintura de género, con temas de la vida cotidiana. También, destacó Rembrandt considerado el
maestro del estilo y cultivador de todos los géneros.

En cuanto a la escultura barroca predominaron los tres elementos más importantes del arte barroco: la luz, el espacio y el tiempo. Las figuras humanas
presentan energía y movimiento dinámico, ocupan el espacio que las rodea y logran un efecto de continuidad. Se usaron muchas figuras angelicales con
múltiples visiones. Se usaron también elementos externos como luces ocultas y fuentes de agua. Destaca el escultor Aleijadinho y también el arquitecto y
escultor Bernini, considerado como el escultor más importante del Barroco.

Referente a la arquitectura, se marcaron diferentes estilos en los países europeos. En Italia, predominó la arquitectura religiosa con edificios de plantas
ovales, alternaciones de espacios cóncavos y convexos para lograr un gran efecto de luz y sombra. Destaca nuevamente Bernini, con numerosas obras
como la plaza de San Pedro. También destacó el arquitecto Barromini. En Francia, la arquitectura se centró en el urbanismo y la monumentalidad de sus
palacios. Las formas fueron más simples y elegantes, propio del clasicismo.
Más tarde, fue adquiriendo más fastuosidad con obras como el palacio de Versalles, de los arquitectos Le Vau, Mansart y Le Brun. En general, la
arquitectura barroca destaca por su monumentalidad y majestuosidad, con fachadas con pilastras, columnas, estatuas y relieves vigorosos.
El término Barroco también sirve para nombrar al estilo de música de la época barroca. Comparte algunos principios estéticos del arte barroco, como por
ejemplo el gusto por la ornamentación. En el Barroco nacieron los conciertos y las sinfonías, también las óperas, que marcaron el inicio de la música
barroca en el 1600. Los destacados Vivaldi, Bach y Handel fueron las figuras culminantes del período.
Por último, la literatura barroca expresó nuevos valores plasmados a través de metáforas y alegorías. Se buscó la virtud, el realismo y la preocupación por
los detalles. En la literatura española, fue el llamado Siglo de Oro de los escritores. Destacaron Luis de Góngora y Francisco de Quevedo y Villegas.
 REMBRANDT VAN RIJN
•Título: Autorretrato con dos círculos
•Museo: Kenwood House, Londres (Reino
Unido)
•Técnica: Óleo (114.3 cm × 94 cm.)
•Año: 1669
Barroco 1632
Países Bajos, 1606–1669
Fue un artista neerlandés considerado como uno de
los mayores maestros barrocos de la pintura y el
grabado, ​ Su aportación a la pintura coincide con lo
que los historiadores han dado en llamar la edad de
oro neerlandesa, el considerado momento cumbre de
su cultura, ciencia, comercio, poderío e influencia
Lección de anatomía del Dr. Nicolaes Tulp
política.
Entre los mayores logros creativos de Rembrandt
están en primer lugar los magistrales autorretratos,
donde se observa siempre la mirada humilde y
sincera de un artista que trazó en ellos su propia
biografía. En segundo lugar, sus ilustraciones de
escenas bíblicas donde afloraba todo su
conocimiento de la iconografía clásica y su
interpretación libre para ajustarla a su propia
experiencia, retratando la condición humana. Sin
1642
embrago, habiendo alcanzado el éxito en la
juventud, sus últimos años estuvieron marcados por
la tragedia personal y la ruina económica.
La Ronda de Noche
PROCESO DE REMBRANDT

Primera capa en dibujo en siena Segunda capa grises azulados creado Reafirmación de las sombras para
tostada. con negro de viña o negro humo. tener profundidad con sombra
tostada.
PROCESO DE REMBRANDT

Subsecuente aplicación de tonos carne aplicados con anterioridad en la paleta.

 San Jerónimo escribiendo
(1607)

San Jerónimo escribiendo es uno de los últimos cuadros de la

etapa romana de Caravaggio, que guarda relación con San
Jerónimo en meditación del Museo de Montserrat. Utilizó el
mismo modelo que en su anterior composición, que tiene los
mismos rasgos que este cuadro. Su estilo fue más tarde
imitado por Diego Velázquez y Francisco de Zurbarán.
Este santo era bastante representado entre los artistas de la
Contrarreforma. Entre otros extremos, porque propagó el
culto a la Virgen María, algo que desdeñaban los protestantes
y que era un signo de catolicismo
El pintor representa a San Jerónimo como un hombre
profundamente concentrado en sus escritos, que se ha
deshecho de sus vestiduras de cardenal y prefiere elementos
típicos del ermitaño. Todos estos atributos permiten descifrar
que Caravaggio identifica al santo con su amigo y protector
Alof de Wignacourt, aunque la biógrafa del pintor, Helen
Langdon, apunta a que pudo ser un retrato idealizado de otro
miembro importante de la Orden de Malta, Ippolito
Malaspina.1​
En 1984, el cuadro fue robado de la Concatedral de San Juan.
El lienzo fue cortado del marco. Dos años después fue
recuperado, cuando se pidió un rescate. La obra estaba
dañada y necesitó restauración antes de volver a exhibirse. San Jeronimo escribiendo (Caravaggio) /1607/ 117 x 157 cm / Concatedral de San Juan La Valeta
En esta etapa lo que nos interesa es el
proceso de la construcción de la obra de
Caravaggio.
Esta imagen me parece interesante porque
gracias a su resolución nos muestra los
detalles de esta:
1. Se puede ver la imprimación del
lienzo, es mas influye mucho en la
obra este capa primaria.
2. Los colores de la piel, y los altos
contrates de luces y sombras.
3. Nos ayudó a obtener una paleta
relacionada a la piel la cual
utilizaremos para nuestro proyecto
personal del claroscuro.
El presente proceso es un dibujo previo a la obra anterior, pero por la mala aplicación del color se hecho a perder. Sin embrago, este
ejercicio nos dejo algunas enseñanzas:

• Para que los colores piel salgan con mas vibración se debe aplicar después de la tercera imagen, pues estos se unirán de forma mas
agradable, unificando la pieza.
• El tiempo de secado en la grisalla se debe respetar.
• Sobre todo hay que tener encuentra esta importante regla:

GRASO SOBRE MAGRO, para que no se cuartee la pintura.

Pintura al óleo + aceite = Grasa (secado lento)
Pintura al óleo + trementina (aguarrás) = Magro (secado rápido).
FUENTES:

• Carlos Baca-Flor: https://

view.genial.ly/6065df59aecacf0d77316027/presentation-curso-de-pintura-iii
• Biografía de León Bonnat: https://www.wikiart.org/es/leon-bonnat
• Colores complementarios:
https://pintar-al-oleo.com/colores-complementarios-pintura/
• La paleta de zorn: https://www.ttamayo.com/2019/11/la-paleta-limitada-de-zorn/
• https://www.atelierglez.com/la-paleta-de-zorn/
• Introducción a la composición en la pintura: https://www.youtube.com/watch?v=EWamLI-9cbo
Y recuerda sin práctica no hay pintor.

GRACIAS