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PARTE III EL RENACIMIENTO

EL ESTILO FLORENTINO RENACENTISTA


FLORENCIA SIGLO XV
ARQUITECTURA
Cupula de la Catedral Santa María del Fiore.
construida por Felipe Brunelleschi
(1420-1426)
• A pesar de que el edificio había sido comenzado a
finales del siglo XIII, la construcción había sido lenta
pues ningún arquitecto poseía los conocimientos
necesarios para coronar el enorme hueco octagonal de
42 metros de ancho.
• Felipe Brunelleschi después de estudiar el Panteón y
otros monumentos de la antigua Roma, echó sobre sus
hombros la tarea titánica hasta darle fin.
• Comenzando en un nivel a 52 metros de la planta
erigió ocho enormes nervaduras que ascienden al cielo
desde los ángulos del tambor octagonal hasta un punto
casi de 30 metros mas arriba en donde convergen en la
base de una torre de linterna. Entre cada una
ocultándolas del exterior, añadió dos costillas o
nervaduras menores radiadas, para hacer un total de 24
que constituyera la armazón interior.
Felipe Brunelleschi Capilla Pazzi claustro de la iglesia de la Santa Cruz
(1429 - 1433)
El nuevo estilo arquitectónico quedo mejor plasmado
en la capilla Pazzi de menores proporciones. En la
fabrica de diminutas proporciones, el arquitecto pudo
concentrarse por completo en el diseño sin
preocuparse por problemas complejos deconstrucción.
Los frutos de sus estudios de los edificios romanos
están a la vista y el rompimiento con la tradición
gótica es total.
El espaciamiento armoniosos de las columnas del
pórtico, el tratamiento de las paredes como
superficies lisas y el equilibrio exacto sobre los
elementos vertical y horizontal hacen del diseño de
Brunelleschi el prototipo de todo el estilo
arquitectónico renacentista.
La enorme sencillez de su diseño hizo de la capilla
Pazzi un modelo que influyó notablemente en todo el
Renacimiento y la unidad de su organización
centralizada bajo una cúpula, fue base de la cual se
derivaron los planos para iglesias hechas por Alberti,
Bramante y Miguel Ángel.
Michelozzo. Palacio Medici-Riccardi
Florencia 1444-1459
Cuando Cósimo de Medici decidió construir para si un palacio, se
cuenta que rechazó un proyecto fastuoso enviado por Brunelleschi
con la observación de que la envidia era una planta que nunca
debía ser regada. Escogió en vez de ese proyecto el menos
ostentoso elaborado por Michelozzo, discípulo de Brunelleschi. (El
palacio tiene dos nombres porque en siglo XVII fue adquirido por
la familia Riccardi).
El edificio resultó ser una estructura bastante solida, severa,
perfectamente acorde con el gusto de Cósimo. Como prototipo,
este edificio fue en realidad la continuación de la casa ciudadana
romana de múltiples pisos. Podemos advertir una alusión a la
tradición clásica en los arcos semicirculares que enmarcan las
ventanas.
El predominio de las masas solidas, el rustico aparejo
almohadillado del primer piso, tiene el aspecto de una fortaleza
medieval. Sin embargo por dentro estaba adornado con frescos de
Gozzoli un altar de Filippo Lippi, pinturas al caballete de Ucello y
Boticelli, una biblioteca con manuscritos de Dante, Petrarca y
Bocaccio.
Escultura
En el año 1401 la Señoría de Florencia junto con el gremio de mercaderes convocó una
competencia para decidir quien se adjudicaría el contrato para las proyectadas puertas del
norte del baptisterio (antiguo edificio románico al que se le dio nueva vida renacentista)
Felipe Brunelleschi y Lorenzo Ghiberti eran artistas jóvenes que gozaban de magnifica
reputación en el gremio de orfebres, si comparamos sus paneles podemos advertir ciertas
diferencias en su concepción y técnica:
La composición de Brunelleschi muestra
la influencia de la verticalidad gótica en
la forma en que es integrado el diseño
un tanto sobrecargado y sus figuras están
diseminadas sobre la superficie.
Brunelleschi subraya la tensión
dramática y en su composición Abraham
agarra por el cuello al implorante Isaac
en tanto que el ángel detiene su mano
en el último momento y modela el
retorcido cuerpo de Isaac con
angularidad gótica
Brunelleschi funde su relieve en
secciones separadas y las une en la placa
basal de bronce. Sacrificio de Isaac Felipe Brunelleschi
(1401)
Sacrificio de Isaac Lorenzo Ghiberti
(1401)
La composición de Ghiberti es casi
horizontal y sus dos escenas están
divididas diagonalmente por una montaña
semejante a las de Giotto, Ghiberti es todo
orden y sus figuras y detalles convergen en
el foco de interés en el ángulo superior
derecho. En su diseño sacrifica la
intensidad en aras del equilibrio y
elegancia decorativa en la escena de
Abraham e Isaac y la figura de este ultimo
es una estatua helenística la que usó como
modelo.
Finalmente Ghiberti ganó la competencia
y su adjudicación demostró los nuevos
vientos del arte en 1401
Donatello dominó todos los materiales; mármol,
madera, terracota pintada, bronce dorado en todos los
campos y proporciones. Su fuerza de expresión épica, Donatello (1386 1466)
enorme energía, vehemencia e impetuosidad hacen de
el escultor representativo de este periodo y precursor
artístico inmediato de Miguel Ángel.
El Calvo es parte de una serie de estatuas de mármol
encargadas a Donatello para para la catedral de
Florencia. En lo anguloso y huesudo, la potente
musculatura de los brazos, el ademan convulsivo de la
muñeca derecha, la tensión de los tendones del cuello y
la intensidad de la expresión facial, Donatello busco
reproducir una figura de poderosísima expresión.
En su David, Donatello nos muestra una vena mas lirica,
fue hecha para ser observada desde cualquier ángulo,
hay un rompimiento definitivo de la tradición gótica y
como el primer desnudo de bulto y de tamaño natural
hecho en bronce desde la antigüedad, marca el
renacimiento de la clásica estatua al desnudo. La
serenidad del perfil clásico y la actitud y modelado del El Profeta (El Calvo) David bronce
joven cuerpo muestran la influencia helenística. El
sombrero toscano de pastor aporta un toque local que mármol 2.12 metros 1.56 metros
arroja sombra intensa en la cara y sirve para subraya la (1423 1425) (1430 1432)
líneas algo maduras del cuerpo adolecente
Antonio Pollaiuolo
Hércules y Anteo hecho aprox. 1475. bronce
45 cm de altura
La obra la siguiente generación de la cual
Antonio Pallaiuolo y Verrocchio son los
representantes principales, nos revela otra
actitud, dominada por la curiosidad
científica, en lo que respecta a la anatomía
humana (se sabe que disecó cadáveres para
estudiar la estructura de músculos y
huesos). Las leyendas de los hombres
musculosos de la antigüedad fueron temas
que permitieron al artista plasmar la
musculatura de la figura masculina en
acción
Pintura
Masaccio (1401-1428) Masaccio (1401 – 1428)
Junto a Brunelleschi y Donatello, Masaccio es el tercer
miembro del triunvirato de los innovadores del siglo XV. En la
Expulsión del Paraíso (1427) al rodear sus figuras de luz y aire,
relacionarlas con el espacio que ocupan, modelarlas en la luz y
la sombra como si un escultor las hubiera hecho, logró una de
las mas grandes innovaciones de la pintura; la perspectiva
atmosférica. La pierna derecha de Adán fue dibujada para
mostrar el movimiento de salida, pero las proporciones de sus
brazos y los trazos de la mano sobre el pubis de Eva son
incorrectos. Estas inexactitudes empero tienen mínima
importancia en comparación con el paso trascendental que
Masaccio hizo a la pintura e hizo que el hombre en ella
entrara en una novísima relación con su medio espacial.
.
El Tributo de Masaccio (1427) es otro ejemplo de la perspectiva atmosférica. La
muerte prematura de Masaccio a la edad de 27 años dejo reservada su
influencia para Leonardo da Vinci y Miguel Ángel.
Benozzo Gozzoli, Mas que seguir las
innovaciones de Masaccio, se preocupó
por pintar la vida oropelesca y festiva
que ante sus ojos desfilaba en la ciudad
de Florencia. Teniendo como protector
a Pedro de Médici, hijo de Cósimo,
Benozzo pinto el ciclo de frescos de la
Adoración de los magos que cubre tres
muros de la capilla en el palacio
Médici. La larguísima procesión
serpentea por montañas y valles del
paisaje toscano, sus vírgenes de
alargados contornos son juveniles, sus
niños son regordetes y totalmente
infantiles y sus santos benignos y
patriarcales. La predilección lineal de
sus diseños y sus dibujos, suavizada por
su riquísima paleta de tonos pastel,
tuvo una influencia decisiva en el arte Benozzo Gozzoli Viaje de los reyes
de su discípulo Botticelli. magos, fresco (1427)
Paolo Ucello (1397 – 1475) La batalla de San Romano
Como estudioso de la técnica espacial, Ucello trataba de resolver el problema de la perspectiva.
Concedió tanta importancia a las líneas, que la batalla está expresada mas en un desfile alegórico
que en un conflicto fragoroso. Tampoco aprovecha el elemento de luces y sombras y por esos sus
caballos son planos a pesar de la variedad de sus posturas.
Piero della Francesca
La resurrección
• En el decenio de 1440 trabaja en
Florencia. Como ayudante de
Domingo Veneciano, asimila la
riqueza del color veneciano y al
estudiar a Masaccio, aprendió a
dominar la perspectiva
atmosférica y la forma de modelar
sus figuras en claroscuro; sus
relaciones fructíferas con
Ghiberti, Brunelleschi, Alberti y
Ucello lo transformaron en un
maestro de la perspectiva lineal.
Boticcelli que pintó en la segunda mitad del Sandro Boticcelli Nacimiento de Venus,
siglo XV es depositario de distintas lienzo (1480)
tendencias y sublimador de varios mensajes
pictóricos de diversas personalidades.
Sobresalió de la mayoría de sus
contemporáneos y se volvió el artista mas
representativo de la corriente humanista
que predominó en la segunda mitad del
siglo.
En su famoso cuadro el Nacimiento de
Venus, representa vívidamente a la diosa
flotando sobre el verde mar de una concha
rosada suavemente impulsada por los
céfiros. En la playa lista para cubrirla con un
manto florido está una de la Horas. El
colorido del cuadro es tan diáfano como lo
exige el tema clásico. El drapeado aéreo de rodeada por una aureola de dorados cabellos. a
las figuras laterales imparte una sensación exactitud del trazo, la coreografía danzarina de
de ligereza y movimiento que hacen que la las líneas y el conjunto de ritmos lineales
la mirada converja en la cabeza de Venus recuerdan la técnica de la escultura en relieve.
Además de Florencia, la familia
Medicis también ejerció su
patronazgo en todos los centros
europeos donde tenían filiales de
sus bancos: Milán, Venecia, Lyon,
Londres y especialmente Brujas en
donde los representantes de los
Médicis figuraron en la pintura
flamenca. Giovanni Arnolfini y su
esposa de Jan van Eyck es un
soberbio retrato del banquero
Médici. La luz del sol se derrama en
toda la habitación e ilumina cada
objeto con naturalidad, cada detalle
está descrito con la más perspicaz
observación
En la segunda mitad del siglo XV, Tomás Portinari, otro representante de los Médici en Brujas,
encargó un retablo de altar para el Hospital de Santa María la Nueva en Florencia, Hugo van der
Goes heredero artístico de Van Eyck, se encargó de la obra y pintó al donante, a su esposa e hijos
y a los santos patronos Tomás y Margarita en los amplios paneles plegadizos del tríptico.
La llegada de este tríptico a Florencia en 1476 despertó gran sensación, pues por primera vez los
pintores locales tuvieron la posibilidad de observar un producto monumental de sus colegas del
norte. Como novedad traían la nueva técnica al óleo, perfeccionada por Jan Van Eyck. En Italia
dichos paneles habían sido hechos con pigmentos solubles en agua, los maestro flamencos,
empleaban aceite. Poco a poco los colores mas intensos y el acabado del oleo fue desplazando
las superficies mates del temple italiano.
Poesía y Música
• Los principales poetas del renacimiento florentino fueron: Lorenzo de Médici y
Ángelo Policiano. El sobrenombre de Magnifico aplicado a Lorenzo es un justo
reconocimiento a sus actividades como poeta, humanista, filosofo, descubridor
de genios, protector de las artes y la ciencias y consejero de escritores,
escultores, pintores y músicos. A los 18 años, Lorenzo buscó al compositor que
pusiera musica para sus versos en 1467 busco el apoyo del venerable Guillaume
Dufay, el mismo que hacía 30 años había compuesto el motete para la
consagración de la catedral
• Cuando fue necesario escoger un sucesor de Squarcialiupi después de su muerte
en 1475, Lorenzo eligió a Heinrich Isaac, compositor flamenco. Las tareas de Isaac
incluían la de organista y director del coro dela catedral de Florencia, además
Isaac colaboró con Lorenzo en las canciones que este escribía para los festivales
populares. En este aspecto ambos son autores de uno de los géneros de la
música profana coral que culminaría en el madrigal.
• Muchas de las melodías de Dufay para los versos de Lorenzo se han perdido pero
gran numero de las de Isaac aun existen, en ellas advertimos la tendencia a
alejarse del contrapunto complejo y adoptar una trama mas sencilla en las voces,
su estilo es el de la frottola florentina canción carnavalesca para danzar y cantar.
Ideas
• Humanismo clásico: El término renacimiento indica volver a nacer. Para los
historiadores del siglo XVI, significó un despertar de la conciencia hacia los
valores de las antiguas artes y letras clásicas después de la larga noche medieval.
En Italia en mayor grado que en los países del norte, había huellas romanas en
toda la península, arcos, acueductos, puentes y caminos.
• A fines del siglo XIII los modelos escultóricos de Niccolo Pisano fueron inspirados
en las obras supervivientes romanas que tuvo a su alrededor. Por el siglo XV en
la obra de Ghiberti, Donatello , Pollaiuolo y Verrocchio, vuelve a aparecer el
desnudo clásico como instrumento de expresión.
• Miguel Ángel , había alcanzado tal perfección en la técnica escultórica que su
David no solo puede compararse con el trabajo de Praxiteles, e incluso lo
sobrepasa.
• El neoplatonismo florentino fue sin duda anti escolástico, pero fue mas bien
una substitución de la autoridad de Aristóteles por la de Platón.
• Naturalismo científico: El naturalismo entendido como fidelidad hacia la
Naturaleza, surge como una forma desarrollada en la escultura gótica
septentrional y en la poesía de San Francisco, santo que había muerto en 1226.
Hacia el siglo XIV las representaciones del hombre y la naturaleza habían
perdido su valor como símbolos ultraterrenos. La observación cuidadosa de los
fenómenos naturales y el deseo de reproducir objetos tal como los capta el ojo,
fue signo de una actitud empírica, la disección de cadáveres para estudiar la
estructura del cuerpo humano, revela un espíritu de libre investigación.
• Entre el arte y la ciencia nació una íntima hermandad, los arquitectos se
volvieron matemáticos, los escultores, anatomistas, los pintores geómetras y los
músicos especialistas en acústica.
• El espíritu de libre investigación no se limitó a las artes, penetró en todos los
aspectos de la vida. Un nuevo examen de las formas de gobierno secular en la
clásica obra sobre política El Príncipe de Maquiavelo.
• Individualismo renacentista: Las razones que los mecenas renacentistas tuvieron
para encargar obras a los artistas, se advierte en el retrato, el deseo de prestigio
personal por medio del arte. En todos estos aspectos se hallan pruebas de la
actitud del hombre del Renacimiento hacia si mismo sus contemporáneos y su
sitio en el mundo.
• Aunque muchas obras tuvieron temáticas religiosas como la capilla Pazzi de
Brunelleschi, la capilla Brancacci decoradas por Masolino y Masaccio. San
Lorenzo la iglesia parroquial de los Médici, fue reconstruida y redecorada por
Brunelleschi y Donatello, pero con dinero de Cósimo de Médici. La devoción y el
deseo de salvación espiritual no fueron los únicos motivos, el hecho de saber
que la fama póstuma o presente del donante dependía de haber erigido los
monumentos y la elección de artistas para decorarlos
• Algunas consideraciones técnicas; el perfeccionamiento de la perspectiva,
significó que el personaje central del cuadro, ocupaba un sitio exacto en este
mundo. Con la organización de líneas y planos, la perspectiva lineal presupone
que todo se observa desde un solo punto de ventaja óptica, aunque es el artista
quien crea esa ilusión
FIN