MUSIKEON Curso de preparación a las oposiciones de piano
Tema 33: Métodos de trabajo y desarrollo de la autonomía en el estudio 1
Temas técnicos
TEMA 33
Tema 33. Métodos de trabajo y desarrollo de la autonomía en el estudio. El desarrollo de la capacidad
del alumno para que encuentre soluciones propias de las dificultades del texto musical. Estrategias
adecuadas
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Coso, J.A: Tocar un instrumento. Metodología del estudio, psicología y experiencia educativa en el
aprendizaje instrumental. Ed. Música mundana.
Meffen, J. (2001): Mejore su técnica de piano. Ed. Ma non troppo.
Berman, B. (2000): Notas desde la banqueta del pianista. Ed. Boileau
Nieto, A. (1999): Contenidos de la técnica pianística. Didáctica y aprendizaje. Ed. Boileau
Levaillant, D. (1986): El piano. Ed. Labor
Introducción.
La necesidad de ir desarrollando autonomía en la materia objeto de cualquier estudio es
inherente a la propia evolución del discente y por ende debe de ser uno de los objetivos de la práctica
docente en sí.
Ya la LOE y posteriormente la LOMCE la recogen como una de las competencias clave (se
reflejan en los RD que desarrollan las enseñanzas obligatorias, pero no por ello no debemos obviarlas si
consideramos que nuestros alumnos son también de manera paralela alumnos de enseñanzas
obligatorias y que la educación debe tener un aspecto globalizador). Igualmente se puede observar
como uno de los objetivos a reflejados en los currículos de las distintas comunidades autónomas.
El alumno necesita aprender a aprender, desarrollando aspectos metodológicos referidos
fundamentalmente al sistema, organización y desenvolvimiento lógico del estudio. Es necesario
también, realizar un estudio básico de la actividad psicológica dentro del marco del aprendizaje
musical, y de los aspectos referentes a la concentración, la observación, la repetición consciente y la
crítica constructiva de los hechos realizados.
Con unas ideas claras del cómo estudiar y el qué estudiar se puede potenciar la expresividad musical, la técnica,
la creatividad, la improvisación y la futura interpretación musical. Es necesario dotar a los alumnos de
conocimientos musicales imprescindibles, de técnicas de estudio correctas, de destrezas suficientes para
poder asimilar los contenidos musicales. Por ello, hay que elaborar unas ideas de trabajo correctas para
estimular a los alumnos de piano el ejercicio inteligente, profundo y consciente del aprendizaje de la música
en general y del piano en particular, cuyo objetivo final sea disfrutar de la música al tocar un instrumento.
1. Métodos de trabajo y desarrollo de la autonomía en el estudio
Desde los inicios pianísticos es conveniente fomentar la auto escucha crítica y constructiva, mediante la
interpretación por parte del profesor de pasajes y obras que trabajen los alumnos, explicando las diferencias
sonoras y gestuales entre unas versiones y otras. Esta forma de estudiar con el alumno desarrollará unos
hábitos inconscientes al principio, que deben ser explicados progresivamente a lo largo de la enseñanza del
piano y adquiriendo un grado de consciencia cada vez mayor, especialmente en las enseñanzas profesionales.
La repetición por repetición, no conduce a nada solamente a repetir un error que en numerosos casos es
muy difícil de resolver a largo plazo.
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Otro aspecto es el desarrollo del análisis previo de la partitura que ayude a una mayor atención y concentración
en cuestiones básicas musicales (tonalidades, melodía, armonía, frases, estructuras, digitaciones, planos
sonoros, tipos de toques,…) y un desarrollo de diversos métodos de estudio y hábitos correctos de trabajo
que afectan a el uso de distintas digitaciones desde el principio, comprobando sus resultados, sus ventajas y
diferencias; el estudio a diferentes velocidades; el desarrollo auditivo externo para saber parar y resolver
cualquier aspecto; el estudio por manos separadas y por voces separadas para estimular el conocimiento de
los elementos que participan en la música.
El profesor debe desde los primeros cursos del aprendizaje del piano, enseñar a organizar el tiempo de
estudio, proponiendo una distribución racional del tiempo en función del repertorio y de las actividades
del alumno. Es aconsejable establecer un esquema diario, semanal e incluso mensual, con objetivos a
lograr. De esta manera podremos adquirir una regularidad y una distribución racional del estudio. No es
aconsejable realizar sesiones muy largas de trabajo y es mejor distribuir la jornada de estudio entre la
mañana y la tarde.
También es beneficioso empezar el estudio por las partes que necesiten más atención, debido a que al
principio nuestra mente y nuestro cuerpo están menos cansado que al final de las sesiones. La
capacidad de concentración va decayendo conforme pasa el tiempo de estudio, por ello es necesario
hacer descansos con otro tipo de actividad diferente que nos ayuden a volver al teclado de una manera
fresca y sugerente.
Antecedentes.
Los métodos de estudio nacieron a las puertas del Clasicismo. Antes, los maestros de capilla, que eran también
maestros pedagogos, hacían ejercitar la destreza técnica de escolanos y de alumnos con las características
“sonatas” de los grandes autores contemporáneos o con las que ellos mismos componían según las
necesidades mecánicas de sus diferentes discípulos. Así nació la sonata como forma característica para el
desarrollo del mecanismo instrumental, porque se “sonaba”, en contra del repertorio para la voz, que se
cantaba. Desde los característicos estudios de Czerny y Clementi, para ejercitar los dedos en el teclado, los
métodos y estudios se fueron complicando, y los propios estudios se convirtieron en una forma brillante de
concierto, muy propia del siglo romántico.
Los primeros consejos dados de cómo estudiar el piano, vienen dados por los grandes pianistas del siglo XIX, que
a su vez se convirtieron en pedagogos y elaboraron una serie de métodos y recetas de estudio básicas. En
esa época no existía la tremenda especialización actual y era común ver que un intérprete fuera a la vez
director de orquesta, profesor, compositor, musicólogo o crítico de música.
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R. Schumann en su obra “Reglas musicales para el hogar y para la vida” (Musikalische Haus-und Lebensregeln,
1848) destaca la necesidad de educar correctamente el oído reconociendo las tonalidades y los diversos
sonidos lo antes posible. Propone dominar la partitura no sólo desde el punto de vista digital y mecánico sino
“reteniendo en la mente la melodía y la armonía”. Leer la partitura entera previamente al inicio del estudio,
realizar escalas y otros ejercicios de digitación no como un fin sino como un complemento, cantar las obras
sin ayuda del piano, comprender el texto perfectamente leyéndolo exclusivamente, realizar ejercicios físicos
y paseos entre cada sesión de estudio, conocer y cantar las canciones populares, tener el instrumento
afinado, tocar a compás, estudiar historia de la música, composición, dirección, poesía e incluso conocer las
otras artes, son otros de los consejos que recomienda.
F. Liszt, aconsejaba a los alumnos repetidas y cuidadosas lecturas de un fragmento musical antes de su ejecución.
Según él, era bueno estudiar con ritmo y sin ritmo, con dinámica y sin dinámica, estudiar lento y rápido y
realizar ejercicios diarios (sobre todo de octavas). Liszt repetía un pasaje difícil más de cien veces, practicando
técnica 4 o 5 horas diarias.
F. Busoni cita en su “dodecálogo pianístico” ciertos consejos a la hora de estudiar: ejercitar un pasaje con la
digitación más difícil y después con la digitación normal; trabajar un problema técnico asociándolo con otros
análogos; estudiar no sólo “mecánicamente”; estudiar lento; no tocar nunca de manera imprecisa, aunque
nadie esté escuchando y practicar todos los días.
F. Godovski creía que el alumno debía buscar la máxima lógica, precisión, claridad y exactitud, que descansaban
en el estudio exacto de las notas del texto y de los comentarios ampliados del texto musical. Recomendaba
estudiar los ejercicios y los estudios de muchas maneras diferentes, haciendo arreglos y buscando
combinaciones de gran talento e ingenio.
H. Riemann nos propone en su Manual del Pianista el estudio correcto y el conocimiento analítico de los
diferentes elementos a la hora de tocar el piano:
-El instrumento (mecanismo, partes, construcción).
-La posición del cuerpo y del aparato físico (dedos, manos, brazos,...) y su utilización sonora (modos de ataque,
digitación).
-La interpretación artística de la obra musical (dicción y fraseo).
Incluso, sugiere una serie de recomendaciones de estudio referentes a la distribución del tiempo y su
aprovechamiento al máximo. Las sesiones de estudio no deben ser demasiado largas (dos horas máximo) y
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en diferentes franjas horarias del día, siendo la primera parte de la mañana la mejor, ya que los reflejos, la
atención y la concentración están más en forma. Propone la práctica de gimnasia, paseos, baños y en general
ejercicios físicos y elaborar un orden de estudio diario y progresivo que se inicie por ejercicios y
sistemáticamente acabar en obras musicales. El análisis y la descomposición de las obras por secciones,
fragmentos y frases junto al trabajo con manos separadas, empezando lento y acelerando gradualmente la
velocidad hasta alcanzar el máximo grado de precisión, son otros de los métodos de estudio comentados por
Riemann.
El estudio de los diferentes enlaces de los fragmentos trabajados entre sí y el ensamblamiento de las diferentes
partes son considerados como fundamentales para obtener un buen resultado final. Llama la atención sobre
pasajes que al principio no ofrecían excesivas dificultades y que al ejecutarlos a su velocidad final se revelan
difíciles y peligrosos.
Por último, propone cuidar no sólo el aspecto técnico sino también la educación artística e intelectual: “lecturas
de historia y estética de la música que ayudarán al pianista a formar su criterio artístico”. Estudiar los diversos
modos de ataque y articulación y descubrir el sentido y organización de las frases musicales, observando la
dinámica y la agógica con unos esquemas y pautas generales de estudio conforman sus recomendaciones del
cómo estudiar.
K. Leimer y W. Gieseking (1931), en su texto “Modernes Klavierspiel” (La moderna ejecución pianística), hacen
referencia a la manera de estudiar el piano, a la organización, a un método de acercamiento a las partituras
y a una serie de trabajos y prácticas de problemas técnicos especiales: escalas, arpegios, acordes, trinos,
movimientos, etc...
Existe un esfuerzo por potenciar el autocontrol, la memorización y el espíritu crítico:
“este escucharse a sí mismo con espíritu crítico es, a mi juicio, el factor más importante en todo el estudio
de la música.”(...) “el estudio durante horas sin concentración de la mente y del oído en cada nota del
respectivo ejercicio es desperdicio de tiempo” (Gieseking).
K. Leimer habla de que “la técnica de estudio es un producto del trabajo mental”. Y continúa: “Para aprender a
concentrarse y mantener la concentración lo más activa posible, hago que mis discípulos toquen de memoria
de forma reflexiva.”.
Llama la atención sobre la importancia del trabajo inicial:
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“Se debe evitar desde el principio todo error. Esto se consigue en primer término con una ejecución bien
lenta, con una intensa concentración y con un ritmo absolutamente preciso, como también con el
empleo de la digitación adecuada”.
Propone estudiar pequeños fragmentos y asegurarlos bien antes de empezar con otra sección, y estudiar por
periodos breves pero intensos de tiempo: “tocar el piano cinco, seis o siete horas diarias es perjudicial para
la salud y el trabajo se realiza en su mayor parte sin concentración”.
Casella fiel a la tradición de la época, enumera en su libro “El piano” una serie de apartados y categorías en las
cuales debe fijarse el alumno para tocar: posición del cuerpo y de las manos, independencia y articulación de
los dedos, diferentes toques, escalas arpegios, acordes, notas dobles, trinos, pulso, pedal, digitación y
además realiza unas recomendaciones sobre hábitos de estudio pianístico: “los alumnos emplean mucho
tiempo en tocar y muy poco en estudiar”. Casella propone descansos cada hora o incluso cada media hora
para los alumnos noveles. El tiempo de estudio ideal para él es el de ocho medias horas. Destaca el
beneficioso efecto de la práctica de actividades físicas antes del estudio del piano, como la gimnasia o breves
paseos. Desde un punto de vista exclusivamente pianístico, cree que el alumno debe ser capaz de conseguir
la “cerebración” de la técnica, la cual considera el resultado de una actividad mental. El alumno debe
acostumbrarse lo antes posible a analizar las dificultades que entrañan las obras, buscando las causas de ese
dificultades y desarticulando uno por uno los pasajes “como si estuviera desmontando una pieza mecánica y,
de la misma manera que se vuelve a montar de nuevo un mecanismo desmontado, el pianista habrá de
rehacer el pasaje en su totalidad después de aislada y separada cada una de las partes difíciles”.
Al igual que Leimer, Casella también recomienda aprender de memoria cada composición antes de estudiarla en
el teclado. Señala lo provechoso de dividir el conjunto de una pieza musical en varios fragmentos aislados,
para que cada uno de ellos pueda independizarse y tener una “vida propia”. Respecto a cantar la partitura,
considera que es fundamental hacerlo antes y después de cada ejecución, pero nunca durante la práctica
instrumental. Remarca la importancia de que el alumno individualice cuanto antes los defectos de su
ejecución, mediante una gran concentración y un oído perfecto, desde el punto de vista musical como
pianístico. Asimismo, propone desarrollar al máximo la memoria que él divide en tres: visual, auditiva y
digital.
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G. Piccioli (1945) elabora una serie de principios para el estudio de los alumnos sobre el trabajo de la articulación
de los cinco dedos, la rotación y el sistema de articulación en general. Recomienda una serie de consejos
técnicos para el estudio del paso del pulgar, el trabajo de los toques, la posición correcta de la mano y el
brazo y los medios técnicos necesarios para estudiar correctamente apartados técnicos como los arpegios,
las octavas y las dobles notas. Por último explica cómo utilizar el pedal y como diferenciarlo en función de los
estilos, como usar el metrónomo y sus ventajas, como leer a primera vista, la importancia de la memoria,
qué repertorio estudiar de manera progresiva y secuenciada y como estudiar una partitura. Dentro de este
último apartado aconseja el trabajo lento, con manos separadas, con piezas sencillas donde podamos separar
el trabajo de la melodía del acompañamiento y donde el alumno pueda comprender de y aprender de
memoria todo lo que hay escrito en el texto.
H. Neuhaus (1958), uno de los grandes maestros de la escuela rusa de piano, reflexiona en su libro “El arte del
piano” sobre los elementos esenciales para lograr una ejecución musical satisfactoria: cultura, imaginación,
oído, carácter, trabajo y sobre todo desarrollar el gusto por otras bellas artes, potenciando el ejercicio de
cualquier actividad humana que desarrolle la sensibilidad.
Para el estudio, es fundamental el “escucharse” y recuerda que el instrumento es un medio para conseguir un
fin, que no es el cultivo del propio instrumento, sino el de recrear, hacer música. Para ello es necesario haber
asociado los aspectos materiales de la interpretación al aparato motor y que con perseverancia, mimo,
cuidado e inteligencia se conviertan en actos reflejos.
Para el estudio, Neuhaus aconseja mucha concentración y atención, y sobre todo la repetición: “Repetir es
aprender”.
Repetir sin interrupción y muy atento en los pasajes difíciles. Propone un orden para el estudio de las obras:
-la imagen estética y formal de la obra.
-el ritmo.
-el sonido.
-los diferentes aspectos técnicos.
Para conseguir que el estudio sea provechoso cita: “es preciso que el alumno sepa que quiere obtener y que para
llegar a ello se entregue plenamente. Debe buscar un objetivo concreto: la velocidad, la fuerza, la igualdad
sonora, los planos sonoros,... Pero en todos los casos que se repita, el pasaje siempre debe de ir provisto de
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contenido artístico, con un fin claro. El alumno debe tomar conciencia lo antes posible de la imagen estética
de la obra, es decir, del contenido, del sentido, “de la esencia poética de la música”.
Propone la improvisación e incluso la composición como medios para conocer y jugar con la música: “Hay que
desarrollar el oído cualitativamente; desarrollar la memoria, conocer desde el principio las formas, la
estructura armónica y la polifonía”.
A. Nieto (1999) habla de la prevención, la planificación, la memorización, la concentración, la digitación, la
pedalización y la motivación como medios técnicos necesarios para un correcto estudio de la partitura.
J. A. Coso (1992) ahonda en el vasto mundo del aprendizaje de un instrumento. Detalla de forma
organizada, clara y precisa los eslabones de trabajo de una partitura. Realiza un análisis profundo de las
distintas fases del aprendizaje de una obra musical, desde su primera lectura, para llegar al máximo
rendimiento en el menor tiempo posible y establece un orden de prioridades para lograr una
interpretación correcta no sólo atendiendo a criterios técnicos y musicales sino también psicológicos y
pedagógicos del aprendizaje y de la interpretación musical.
M. Deschaussées (1998) explica que el alumno necesita “captar las fuerzas vitales de una partitura y
distribuir la energía sin desperdiciar nada, ni en el plano mental ni en el de los gestos físicos precisos
para conseguir una ejecución musical natural”. Propone saber descifrar los signos de una partitura:
“Interpretar no consiste en tocar perfectamente las notas de memoria. Todo empieza antes y después”.
La toma de conciencia de la forma musical, su análisis y comprensión es una de sus prioridades. En
referencia a la lectura de una partitura propone no separar ningún elemento de su contexto: “es
preferible trabajar un pasaje más corto en todos sus aspectos (matices, ritmo, igualdad, pedal...) y
unificar rápidamente los diversos datos del texto. Analizar la partitura es para esta autora un
conocimiento, connaissance en el sentido etimológico de la palabra, nacer con.
2. El desarrollo de la capacidad del alumno para que encuentre soluciones propias de las dificultades del
texto musical.
Es fundamental explicar cómo solucionar los diferentes problemas técnicos, mecánicos, musicales e
interpretativos que plantea una partitura, abordando de forma correcta, secuenciada y ordenada los
distintos elementos de un texto musical.
Lo más importante es desarrollar un oído crítico que reconozca los errores, para aprender a localizarlos.
Una vez ubicados en el texto, fomentar actividades para resolverlos y practicar una serie de actividades
para poder corregirlos, escuchando posteriormente el cambio realizado.
Estudiar muy lentamente es muy beneficioso para evitar repetir los errores es conveniente encontrar un
modelo de digitación que, respetando el texto, facilite la interpretación precisa.
Para alcanzar una metodología correcta de estudio junto a una autonomía en el mismo, es necesario
utilizar dos grandes herramientas: el análisis y la memorización.
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El primer aspecto sería el de potenciar al máximo los conocimientos de lenguaje musical y armonía en los
estudiantes de piano. Para estudiar una obra, hay que descomponer los elementos que la forman y analizar
su estructura armónica, su línea melódica y el acompañamiento: los planos; conocer las partes, los giros
armónicos, los puntos esenciales de la estructura formal, el fraseo, los matices y los elementos técnicos.
La lectura rítmica junto al profesor y el desarrollo del pulso serían fundamentales para prestar atención a los
errores métricos más comunes (puntillos, síncopas, grupos irregulares, rubatos no escritos) y la habitual
identificación negativa de “accelerando” con “crescendo” y “ritardando” con “diminuendo”. Es necesario
obtener una diferenciación total de estas dos nociones. También la atención a los calderones y dobles barras
de compás, las polirrítmias y su acertada coordinación, el sonido (dinámica-planos-agógica-ataques) y su
estrecha relación con el desarrollo del oído y de la auto escucha.
Lo que es necesario evitar, es empezar a trabajar una obra técnicamente sin tan siquiera descifrarla, sin
haber captado todo cuanto las notas y los signos esconden: líneas de respiración, enlaces de
acentuación, fraseo, pulso, mensaje musical sonoro, tonalidad (color), la armonía y sus leyes, las
cadencias, los matices, los cambios de escritura, la puntuación o la paleta sonora.
3. Estrategias adecuadas
El gran pianista Josef Hoffmann habla de cuatro formas básicas de estudiar una partitura:
a) Al piano, con la partitura.
b) Lejos del piano, con la partitura
c) Al piano, sin la partitura.
d) Lejos del piano, sin partitura.
En el largo proceso de estudio de una composición, estos cuatro modelos de estudio deben utilizarse,
alternándose y aprendiendo a aprovechar sus distintas ventajas.
Existen una serie de actividades que ayudan a resolver problemas tanto iniciales como posteriores:
-Realizar un análisis detallado e integral, memorizando los elementos musicales básicos:
·Forma musical
.Armonía (principales tonalidades y cadencias)
.Dinámica (grabando mentalmente y sonoramente las diferencias sonoras
.Agógica (tempo-accell-rit)
.Articulación (legato-portato-picado, staccato)
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.Digitación
.Pedales
.Estudio seccional y global de la obra.
-Descubrir la obra cantando, utilizando el nombre correcto de las notas y entonando los intervalos.
-Crear los reflejos instrumentales relajadamente, realizando una lectura sin errores:
.fraccionada (por secciones, frases, introducción, etc.)
.lenta (tempo)
.repetitiva (diseños, fragmentos, manos)
.concentrada y situada estructuralmente (forma y tempo adecuado para una eficaz comprensión).
-Alcanzar el tempo final definitivo progresivamente, enlazando las frases y las secciones aumentando el tempo
con la ayuda del metrónomo. Es muy beneficioso estudiar muy lentamente, así como practicar a diferentes
velocidades los pasajes.
-Imaginar la obra mentalmente para consolidar la memoria.
-Estudiar el carácter emotivo que queremos otorgar a cada pasaje.
-Pulir todos los detalles técnico-musicales.
-Actuar delante de otras personas, recogiendo críticas y opiniones.
Para trabajar contenidos técnicos y conseguir resolver diversos problemas pianísticos se pueden utilizar
diferentes actividades:
-Practicar la articulación de diferentes maneras, con diferentes alturas y posiciones de los dedos; diferente
velocidad de caída y de retroceso; variar la posición de la muñeca y/o el codo para comprobar los posibles
cambios; practicar diferentes posibilidades de digitación y utilizar distintas dinámicas, utilizando más o
menos el peso del brazo.
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-Adquirir un mayor automatismo en las escalas y arpegios: con diferentes dinámicas, velocidades, ataques y
trabajando el paso del pulgar, buscando la mayor regularidad sonora. Desarrollar la creatividad mediante
fórmulas rítmicas, movimientos contrarios, distintas digitaciones,…
Notas dobles: buscar la mayor precisión, coordinación, relajación e igualdad. Estudiar lento y piano (después
rápido y fuerte). Tocarlas muy cerca del teclado, economizando movimientos. Estudiar las octavas voz por
voz (sólo el quinto dedo y sólo el pulgar) desarrollando el oído y la imaginación.
En los acordes trabajar la simultaneidad, la igualdad y la preponderancia de unos sonidos sobre otros, utilizando
diferentes toques en cada dedo, para poder timbrar las voces. Es un ejercicio que ayuda al desarrollo auditivo
externo. Intentar conseguir la mayor soltura posible del brazo, el hombro y la mano junto a la mayor
concentración de los dedos. Ensayarlos con diferentes ataques: legato, non legato, staccato,..
Saltos, desplazamientos y cambios de posición. Practicar anticipando las posiciones mirando el teclado, y
posteriormente sin mirar. Lento y rápido. Con manos separas y unidas. Cambiar una mano antes que la otra,
no siempre a la misma velocidad.
En cuanto a la polifonía, podemos cantar una voz mientras tocamos otra, trabajar voz por voz, partir una voz de
una mano entre las dos, sintiendo la mayor independencia posible, realizar ejercicios de independencia en la
misma mano con regularidad, etc…
-Aprender a escucharse. Es el desarrollo de la capacidad autocrítica, aprendiendo a escuchar sus propias
interpretaciones y a evaluar los resultados musicales en cada momento. Un sistema muy eficaz para llevarlo
a cabo consiste en grabarse total o parcialmente la obra que se esté estudiando. Posteriormente, la atenta
audición de la grabación efectuada, nos permitirá analizar profundamente el más mínimo detalle de
ejecución pianística, facilitando la labor de modificar aquello que no es correcto y permitiendo percibir los
pasajes que nos satisfacen.
-Estudio comparado de grabaciones célebres. Cuando el estudiante ha realizado la integración total de los
elementos técnico-expresivos que intervienen en el montaje y ejecución de una obra y después de
haberse formado una idea y una visión propia de ella en cuanto a su interpretación, el estudiante
puede acudir a otra fuente de información como medio enriquecedor de su criterio personal: el análisis
y estudio comparado de las grabaciones que de la obra hayan realizado grandes intérpretes. Con ello el
alumno puede tener una amplia referencia interpretativa de dicha obra con la que poder reafirmar,
contrastar y enriquecer su propia concepción de la misma. Este es un recurso didáctico de gran
importancia y de gran utilidad hoy en día.
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Tema 27: Principios de improvisación pianística 12
-Estudiar sin instrumento recordando todos los aspectos de la obra internamente. Cuando un pianista
repasa interiormente una partitura sin piano, está empezando a sentir la obra de manera global, a
interiorizarla.
-Un modelo concreto de estrategia a seguir para corregir un fragmento sería el siguiente:
1. Comenzar a estudiar directamente por la obra que sabemos que tenemos un problema.
2. Empezar lentamente unos compases antes del pasaje conflictivo.
3. Antes de llegar al pasaje pensar y decir en voz alta toda la información posible: notas, digitación, figuras,
toques, dinámicas, pedal, armonías,…
4. No sentir duda o miedo al error.
5. Comprobar si se ha rectificado o repetido el error.
6. Tanto si se vuelve a errar como si no, parar exactamente en la nota o pasaje pensado y no continuar,
para escuchar, ver y asimilar el fragmento. En definitiva tomar consciencia al máximo.
7. Repetir, incrementando progresivamente la velocidad, sin perder ni un ápice de concentración. Es
normal que puedan surgir de nuevo dudas y errores en la ejecución. Esto es normal, debido a la
mecanización incorrecta del pasaje y/o del mal planteamiento del mismo.
8. Intentar llegar a un estadio de dominio absoluto del pasaje, que nos permita pensar anticipadamente
toda la información necesaria y tocar sin mirar al teclado. Al reducir el tiempo para pensar
(incrementando la velocidad) el riesgo de errar se multiplica. Por ello los movimientos involuntarios o
no conscientes deben reducirse al máximo. Deberemos dirigir y dominar nuestros movimientos
conscientemente dando la orden lo antes posible, controlando visualmente la misma y escuchando su
resultado final.
9. Es importante haber reconocido el motivo por el cual no salía el pasaje: una digitación inadecuada, una
lectura incorrecta, una posición de la mano errónea respecto al teclado, un movimiento lento o distinto
al necesario, un hábito de repetición demasiado inconsciente,….
Para concluir, podemos resumir en cuatro grandes puntos las estrategias adecuadas para solucionar
problemas en las obras:
1. Delimitar y escuchar el problema.
2. Pensar conscientemente las posibles soluciones.
3. Realizar actividades y repeticiones para comprobar los cambios propuestos.
4. Interpretar entera la obra realizando grabación de la misma para autoevaluarse.
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