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Prehistoria I
1º Doble Grado en Información y Documentación e Historia
Facultad de Geografía e Historia

Universidad de Salamanca
Reservados todos los derechos.

No se permite la explotación económica ni la transformación de esta obra. Queda permitida la impresión en su totalidad.
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Introducción a la Historia del Arte I
Introducción a la Historia del Arte I (Universidad de Salamanca)
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INTRODUCCIÓN
A LA
HISTORIA
DEL
ARTE I
Pedro Merchán Mateos, Grado en Historia del Arte
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Pedro Merchán Mateos Grado en Historia del Arte Universidad de Salamanca
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ÍNDICE
1. Arte Prehistórico y la Península Ibérica. 1
2. El Antiguo Egipto. 11
3. Asia Anterior. 25
4. La Antigua Grecia. 35
5. La Antigua Roma. 61
6. El Islam y el arte Hispanomusulmán. 81
7. El Románico. 91
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INTRODUCCIÓN A LA HISTORIA DEL ARTE I
EL PALEOLÍTICO, EL NEOLÍTICO Y LA EDAD DE LOS METALES. PENÍNSULA IBÉRICA: EL

REINO DE TARTESSOS, LAS COLONIZACIONES FENICIAS Y GRIEGAS, LOS CARTAGINESES
Y LA CIVILIZACIÓN IBÉRICA
1.1 El Paleolítico (2.5ma-6000 a.C.):

Este período representa el 99% de la historia de la humanidad. En esta etapa el ser
humano es un depredador, nómada, no construye casas y vive en cuevas o abrigos rocosos. No
practican ni la agricultura ni la ganadería. Tiene lugar la hominización (caminan erguidos, pulgar
oponible, construcción de herramientas, etc.), no conocen la fundición de los metales ni los
telares. Fabrican sus herramientas con materias primas orgánicas (hueso, asta, madera, cuero,
fibras vegetales…), es decir, lo que les sobra de la caza. La finalidad del arte en este período no
es la del “arte por el arte”, aunque esta es objeto de debate, se cree que podría estar asociado
al totemismo (asociar una cualidad animal a un colectivo que la considera propia), chamanismo
(el arte es un apoyo visual para comunicarse con los espíritus), a la fecundidad (es un
componente mágico para aumentar la natalidad) o a la magia propiciatoria que permitía al
humano influir en la realidad con la plasmación física de la naturaleza (tiende al realismo). Los
ejemplos artísticos los encontramos principalmente en cuevas y podemos encontrar dos tipos:
arte mueble (piezas transportables) desarrollado en todo el territorio europeo y arte parietal
(pintura, grabado y relieve en roca) con distribución irregular.
El arte mueble está representado por objetos encontrados en enterramientos y cuevas

donde se observa una intención decorativa consciente además de la finalidad práctica (magia
propiciatoria). Son piezas de pequeño tamaño para poder transportarlas realizadas con materias
primas orgánicas. Los ejemplos más importantes son los bastones perforados y las venus, pero
también encontramos armas, fragmentos recortados, puntas de flecha…
Bastones perforados (2.3ma- 12000 a.C.): no se sabe su función (propulsores, ruecas,

símbolos de poder…), no suelen ser rectos, aprovechan las formas angulosas de la asta, constan
de un agujero perforado en un extremo y están cubiertos de animales o motivos abstractos
realizados con buril.
Bisonte lamiéndose el lomo Bastón perforado de

Bruniquel
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Venus: son figuras femeninas, aparecen en toda Europa y son escasas en la península
Ibérica. No son ideales de belleza, muestran los rasgos característicos de la feminidad para
favorecer la magia propiciatoria. Realizadas en piedra, terracota, madera o hueso; la mayoría
son de bulto redondo, aunque hay algunos relieves en cuevas (Laussel). Siempre muestran los
mismos rasgos (a excepción de las rusas), cabeza aparatosa sin fisionomía, casi sin extremidades,
anatomía opulenta (pechos y caderas). Están conformadas por dos rombos: uno interior
delimitado por las formas del torso, y otro exterior delimitado por la cabeza y las extremidades.
En un principio se situaron únicamente en el aurriñaciense, pero también hay muestras del
gravetiense, solutrense y magdaleniense. Podemos distinguir una evolución según cinco zonas
geográficas:
Pirenaico-aquitana: Italiana:
Lespugne Laussel Savignano Grimaldi
Renano-danubiana: Rusa-euroea:
Willendorf Dolní Vestonice Kostienki Gagarino
Siberiana:
Mal'ta Buretj Venus de Brassempouy
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El arte parietal se localiza en los abrigos rocosos y se realiza directamente sobre la pared
de roca. No está tan extendido como el arte mueble, se dio en zonas más concretas con su foco
más importante en la zona franco-cantábrica (ejemplos del 300000 a.C.). Está situado en zonas
recónditas por lo que necesitaron lámparas de tuétano para alumbrar. El objeto de esta pintura
es la magia propiciatoria siendo cada vez una pintura más realista. Los colores más utilizados
son el ocre, el negro, el rojo y el amarillo. Los pigmentos son de origen vegetal (carbón), mineral
(arcilla, hematita y manganeso) y corporal (heces); se mezclan con aglutinantes como grasas o
resinas. Se aplica directamente con técnicas muy rudimentarias como son el tampón, soplado,
untado o con buril). Aprovechan el relieve natural de la roca y realizan muescas con buril para
dotar de realismo a la pintura. Hay una evolución en la pintura rupestre: primero fueron líneas
de abstracción de animales y personas, después se delimitan los contornos sin color, después se
rellenan las figuras en monocromía y más tarde gana realismo con el uso de las sombras. En el
Mesolítico cambia la mentalidad y vuelven a lo simple por el paso de una sociedad nómada a
otra sedentaria (deja de interesar el realismo) como muestra la escuela levantina.
Altamira (13000 a.C.) Lascaux (15500 a.C.)
Castillo de Puente Viesgo
Cogull (13000 a.C.) Cova dels Cavalls (5000 a.C.)
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1.2. El Neolítico (6000- 2500 a.C.):

Se producen grandes cambios en la mentalidad de manera muy paulatina que serán muy
definitorios para el ser humano. La sociedad deja de ser cazadora para ser recolectora
(sendetarios), construyen asentamientos donde desarrollan la agricultura y la ganadería. La
magia propiciatoria deja de ser importante, el arte se vuelve más esquemático (no es prioritario
un arte realista), es abstracto e ideográfico. Hay arte mueble y parietal y se introduce la cerámica
en barro cocido, el trabajo de los metales y las primeras construcciones arquitectónicas. La
difusión nos permite conocer las distintas culturas neolíticas en Europa.
Comienza la arquitectura megalítica que usa piedras de enorme tamaño y constituye

las primeras manifestaciones arquitectonicas conscientes del ser humano. La finalidad de las
tipologías es debatida: sepulturas, enclaves religiosos, observatorios astronómicos, símbolos de
estatus social, balizas para la navegación, hitos para delmitar los terrenos, etc. Existen tres
tipologías:
1) MEHIR (piedra larga en bretón) → son piedras aisladas, mínimamente talladas o en bruto,
hincadas en el suelo, a veces grabadas o esculpidas para asemejar la figura humana
(hablamos de tótems o ídolos). Probablemente tengan una función y significado funerarios
(se han encontrado restos humanos a los pies, actuarían como lápidas).
2) DÓLMEN (mesa gran de piedra en bretón) → formados por tres piedras pueden estar solos
o recubiertos de tierra formando un túmulo. Pueden ser enterramientos colectivos o
símbolos de una comunidad. Encontramos también tumbas de corredor formadas por un
túmulo cerrado con un pasillo (avenida funebre).
3) CRÓMLECH (corona de piedra) → menhires en círculo con posible función funeraria, recinto
sagrado con dólmen fúnebre en el centro. Los encontramos en Bretaña, Dinamarca,
península Íberica y Suecia.
Alineamientos de Carnac Stonehenge (3000-1500 a.C.)

(5000-3000 a.C.)
La cerámica neolítica surge de la necesidad de las sociedades asentadas en poblados de

almacenar la producción en recipientes. También se usa como urnas funerarias (aparecen en
muchos enterramientos neolíticos). En un principio eran de mimbre, después los
impermeabilizan revistiéndolos de barro, más tarde solo hay un esqueleto de mimbre y por
último harán recipientes únicamente de barro. Son campaniformes, las cocían al sol o al fuego
y con el tiempo comienzan a decorarlas. La decoración sufre una evolución: sin decoración,
cerámica cardial (4000 a.C.) con incisiones simétricas sobre el barro relizadas con dedos,
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punzones, etc.), decoración con cordones o acanaladuras y asas, y por último decoración
pictórica con motivos geométricos en tonos ocres y más complejas.
En la Iberia prerromana (1000- 218 a.C.) convivieron varias culturas, había gran
diversidad y no hay una unificación territorial, las culturas autóctonas (culturas neolíticas:
vascos, celtas e íberos) comparten la península con culturas foráneas (griegos, cartagineses y
fenicios). Se produce un sincretismo religioso.
1.3. Tartessos (1200- 500 a.C.): esta cultura se desarrolla en el sur de la península (Huelva,
Sevilla y Cádiz) y podría ser la primera civilización occidental o pudo surgir de la evolución natural
de la cultura local por la influencia de los fenicios. Gran importancia su orfebrería de influencias
orientales aunque con personalidad propia muy característica, están realizadas en cobre,
bronce, plata, oro; materiales que, al ser tan abundantes, no se consideraban tan valiosos. Las
piezas serán cada vez más elaboradas con técnicas más complejas (embutido de metales,
soldadura, granulado, laminado, troquelado, cera perdida…). Destacan el tesoro de Carambolo,
Aliseda y Ébora; cuentan con piezas como pectorales, brazaletes, diademas, cinturones, etc. Con
una finalidad no muy clara.
Bronce de Carriazo (625 a.C.): es una representación de la diosa

fenicia Astarté (influida por la diosa egipcia Hátor), los
instrumentos y la representación de la mujer muestran la
influencia fenicia. Los agujeros que tienen podrían ser para
colgar cascabeles, su función se cree que es la de un bocado de
caballo.
Tesoro del Carambolo (650- 450 a.C.): tesoro

formado por múltiples piezas de oro caracterizadas
por su aspecto granulado. En un principio se creía
que su origen no era tartésico, era fenicio. Consta
de múltiples piezas, entre ellas unas placas que
podrían formar una corona, pectorales, brazaletes.
Su función podría ser para adornar animales para
sacrificios o como joyas de gente importante.
1.4. Arte Íbero (600- 100 a.C.): aparece en el levante y al sur de la península ibérica, no eran
pueblos de origen celtta. Es un arte ecléctico que mezcla influencias griegas y orientales por su
localización próxima a las colonias griega, fenicias y cartaginesas. Destacan sobre todo la
arquitectura y la escultura (son lo más representativo de su mentalidad y civilización) pero
también realizan cerámica y orfebrería.
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Dentro de la arquitectura destacan las murallas

por razones militares y defensivas, están
construidas con sillares poligonales, ciclópeos o
mampostería; no tenían una finalidad artística.
Los templos son generalmente abiertos por la
influencia oriental, de planta rectangular y con
un vestíbulo que ocupa todo el ancho del
edificio. Tambíen encontramos tumbas: tumbas
de cámara (túmulos neolíticos), pilares estela
rematados con cabeza de animal (toros
normalmente) o monumentales turriformes. El
sepulcro de pozo moro (Albacete-500 a.C.): fue
encontrado derrumado, es una tumba
turriforme y está colocada encima de donde
incineraron a una persona importanet, tiene una
triple grada, cuatro leones protectores en la
base, relieves con los trabajos de Hércules y un
entablamento. Se cree que podría haber un
segundo cuerpo rematado con una pirámide (en
el mundo íbero eran signos de ascensión).
La escultura tiene una mezcla de influencias, hablamos de greco-fenicio, greco-oriental

y greco-egipcio. Realizan pequeñas esculturas en bronce que servían como exvotos con la
técnica de la cera perdida. La escultura en piedra es de gran tamaño. Las grandes damas íberas
están espléndidamente vestidas y tocadas, son mujeres sedentes, pedestres o bustos de
finalidad funeraria (tienen un hueco para albergar cenizas o restos funerarios, podrían ser
psicopompos), están policromadas con incrustaciones de pasta de vidrio (influencia griega) para
darles mayor realismo.
Dama de Elche (500- 300 a.C.): es un busto

(hay teorías de que podría ser un cuerpo entero)
femenino vestido con túnicas superpuestas y un
manto con solapas muy marcadas. Collares y grandes
pendientes. Es la escultura íbera con influencia
griega más notable por los huevos en los ojos que se
rellenarían con pasta de vidrio. Estaba policromada y
los collares podrían ser guardapelos.
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Dama de Baza (400 a.C.): escultura

sedente, manto con pliegues
marcados, velo y collares muy
aparatosos (posibles guardapelos),
túnicas superpuestas. Figura sentada
en un trono con dos alas. Manos con
anillos, con una de sus manos sujeta un
pájaro (simboliza el alma humana). En
un principio se creía que albergaba las
cenizas de un guerrero porque en el
enterramiento había armas y falcutas
pero se ha demostrado que los restos
que guarda son de mujer.
Los Pueblos Colonizadores
Entre el 1000 y el 218 a.C. la península ibérica es de gran interés para griegos,
cartagineses y fenicios para efxpandri sus actividades comerciales por el mediterráneo, para ello
crearon colonias porque eran culturalmente más avanzados y adquieren un instinto de
expansión, trabajan con oro, plata y bronce y en sus asentamientos estos materiales se
encarecen por lo que la península les sirve para abastecerse de ellos y también es una solución
a la superpoblación.
1.5. Griegos: situados en el arco superior del mediterraneo, también en italia y sicilia hacia los
siglos VIII y VI a.C. Los griegos querían comerciar con las islas
británicas, para ello crearon colonias dependientes de Grecia
con cierta libertad. Emporión es la más importante. La cultura
griega fue más impermeable al resto de la culturas íberas que
convivían en la penínsulta pues su cultura estaba muy avanzada
y configurada. Se reproducía la vida de las metrópolis. Traen
consigo el panteón griego, rituales, costumbres, el fuego
sagrado, festividades… Las colonias son políticamente
independientes y podían rebelarse. El arte es completamente
griego (se consideraban superiores). Encontramos muestras de
cerámica (Crátera griega de Emporión s. V a.C.)
Esculapio de Emporión (s. II a.C.)
1.6. Fenicios: ésta cultura sirve de unión entre oriente y occidente, traen influencias orientales
y contribuyen a su difusión. Fundan ciudades como Malaka y Gadir. El arte fenicio es más
artesanal y tosco, pero presenta una evolución: primero presenta obras con gran peso oriental
(recuerdan a obras asirias o egipcias) y tras el contacto comercial con los griegos será difícil
distinguir quién hizo las obras escultóricas.
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Sarcófagos antropomorfos de Cádiz (s. V a.C.):

vendaban a los difuntos con ajuares. Son
esculturas toscas, la mujer sostiene en una
mano un alavastrón (tarro de perfume) y el
hombre tiene una granada en una mano y una
guirnalda en policromía en la otra. Los cuerpos
son de influencia orienta, la influencia griega es
notable en las cabezas, las barbas, los peinados
y los rostros similares a los griegos (arcaicos).
Brazos poco realistas.
Astarté de Galera (s. VII a.C.): es una

escultura funeraria, parte del ajuar, se cree
que fue pasando de generación en
generación (es anterior a la fecha del
enterramiento donde fue encontrada). La
cabeza está agujereada por donde se
introduce un líquido que sale por los pechos
hacia el cuenco. La cabeza y las ropas son de
influencia egipcia y las dos esfinges laterales
son asirias.
1.7. Cartagineses: tras la caida de Tiro en 572 a.C. Los cartagineses sustituyen a los fenicios
como principales colonizadores en el sur. Fundaron las ciudades de Cartago Nova y Ebusus.
Predomina su dominio en el levante y en las islas Baleares lo que les
permitió llevar a cabo su talasocracia. Influyen mucho en la cultura
íbera, introducen su panteón y traen influencias orientales al arte.
Su poderío en el mar y en la península Ibérica generó las guerras
Púnicas contra los romanos (comienzan cuando cruzan el Ebro con
elefantes para conquistar Roma rompiendo así el tratado del Ebro).
Escultura de la diosa Tánit (s. VI a.C.): de influencia griega, rostro

cuidado y delicado.
Dama de Ibiza (s. III a.C.): escultura

femenina realizada en terracota, es más
tosca que la escultura de la diosa Tánit a
pesar de ser más reciente en el tiempo lo
que nos muestra que se desarrolló un
arte con estilo propio a pesar de las
influencias griegas y orientales.
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EL ANTIGUO EGIPTO: EVOLUCIÓN DE SU ARQUITECTURA, SU ESCULTURA Y SU PINTURA
La civilización egipcia se asentó en el valle del Nilo y se caracterizó por el inmovilismo

(casi no reciben influencias). En un principio el territorio estaba divido en el Alto Egipto (Tebas,
Edfú, Amarna) y en el Bajo Egipto (Alejandría, Saqqara, Giza…). El arte egipcio no experimentó
casi cambios desde sus inicios hasta la época de las conquistas romana y griega. Esta cultura
estuvo muy vinculada al valle del Nilo, y con
el ciclo de la vida y la muerte. Se desarrolla la Faraón
creencia del “más allá” como copia exacta
del mundo de los vivos, por ello la mayoría Sacerdotes
de los mitos egipcios se basan en la idea de
Guerreros
la regeneración después de la muerte y sus
dioses encarnan a las fuerzas de la
Escribas y Funcionarios
naturaleza. Los dioses estaban presentas en
la vida por la figura del faraón considerado Campesinos, Artesanos y
Comerciantes
su reencarnación y poseedor de un poder
indiscutible pese al poder que alcanzará el Esclavos
clero en el Imperio Nuevo. Los dioses eran
inalcanzables, son fuerzas de la naturaleza que no están humanizadas. La estructura social
repercute directamente sobre el arte: los artistas no eran reconocidos, eran simples artesanos
(no se ensalza su talento, se cree que todo es mecánico y cualquiera podría hacerlo), no se valora
Imperio 1er Periódo Imperio 2º Período Imperio 3er Período Período

Período Arcaico
Antiguo Intermedio Medio Intermedio Nuevo Intermedio Tardío
3100 -2686
2686 - 2181 2181 - 2055 2055 - 1650 1650 - 1550 1550 - 1069 1069 - 664 664 - 332 a.C.
la idea de inspiración ni de originalidad (el arte tiene ideas fijas, no se plasma lo personal). Los
artistas no podían medrar en su posición, eran obligados a vivir en aldeas solo para ellos cercanas
a los sitios de trabajo. Encontramos una mayor consideración social del artista durante la herejía
de Amarna en el Imperio Nuevo.
La arquitectura egipcia es la manifestación artística más importante. Los únicos artistas

reconocidos eran los arquitectos (lo consideraban una profesión de gran prestigio), estos eran
ennoblecidos en la corte del faraón otorgándoles títulos como canciller del rey, superintendente
del Estado, administrador del Gran Palacio, etc. Por ello conocemos algunos nombres de
arquitectos famosos: Imhotep, Senemut o Bek. Tenían conocimientos de artimética, geometría,
astrología e iban pasándolos de padres a hijos. Los obreros eran en su mayoría de la población
obligados a participar en la construcción, también esclavos y campesinos forzados que dejaban
su trabajo para la construcción de nuevos proyectos (eran trabajadores inexpertos). Las
principales fuentes que nos dicen cómo construían son las representaciones pictóricas y
escultóricas de las mismas además de fuentes clásicas (viajeros romanos y griegos).
La arquitectura es la más importante de las artes porque es la que mejor representa el

inmovilismo egipcio. Se mantienen las mismas características durante milenios, reflejo de su
mentalidad con una estricta jerarquía social, el poder concentrado en el faraón (tendencia
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megalomaníaca). Asimismo, la arquitectura es la base para las dos otras artes: escultura y
pintura; que complementan a las edificaciones. Se trata de una arquitectura horizontal,
conocen el arco y la bóveda en la IV dinastía, pero su tendencia horizontal les hace decantarse
por soluciones arquitrabadas. Arquitectura muy pesada, predomina el muro al vano. Las
edificaciones están condicionadas bajo la idea del tránsito del mundo real de los vivos al mundo
de los muertos.
Elementos característicos:
× MATERIALES → primeras construcciones realizadas en adobe o ladrillos de barro del Nilo

con paja y excrementos, ambos usados en tipologías poco importantes (viviendas, tiendas,
etc.) dado que es un material perecedero casi no conservamos restos. Usan también la
piedra caliza, arenisca y el granito extraídos de canteras y usados en templos y tumbas
(carácter eterno)
× MURO → gruesos muros sin vanos, construidos en talud y rematados con la gola egipcia o
caveto
× CUBIERTAS → planas y rectas, formadas por grandes bloques de piedra apoyados en los
muros y en las columnas
× SOPORTES → predomina la columna, son enormes y poco espaciados, abombados, son de
inspiración vegetal y concentran su decoración en los capiteles. Usan pilares cuadrangulares
en menor medida: en el Imperio Antiguo se usan para reforzar los muros, en el Imperio
Medio desaparecen y en el Imperio Nuevo resurgen con una escultura de Osiris adosada a
uno de sus lados (pilares osiríacos). Se trata de imitar la naturaleza vegetal y el cielo (las
estructuras arquitrabadas se pintan de azul con estrellas)
× DECORACIÓN → se decora con estatuas del bulto redondo (retratos sedentes del faraón),
bajorrelieves (se esculpe directamente sobre los muros), pinturas (ganan importancia en el
Imperio Nuevo con los hipogeos) y jeroglíficos (escrituras que cubren cada superficie con
textos del libro de los muertos, narraciones bélicas, apelaciones del faraón… Las
edificaciones estaban completamente policromadas. Destacan cuatro temas: vida de los
faraones, ceremonias con los dioses, actividades del pueblo y la naturaleza.
Por el inmovilismo que hubo durante milenios se establece un código en la decoración

de los edificios, aunque a veces van evolucionando (La diosa Isis adquiere con el tiempo los
atributos de Háthor), a veces representan a los dioses antropomórficamente pero otras
combinan zoomórfica y antropomórfica o solo como animales (Bastet-gata). Hay símbolos que
se repiten constantemente: ojo de Horus, escarabeo (Ra), pluma (justicia de Maat). Hubo
excepciones como es el caso de la herejía de Amarna durante el reinado de Amenofis IV. Se
repiten en las representaciones de los faraones símbolos de poder: nejbet (buitre del Alto
Egipto), ureus (cobra del Bajo Egipto), nemes (velo), heka (bastón de mando), nejnej (flagelo),
barba osiríaca, corona blanca (Alto Egipto) y corona roja (Bajo Egipto).
Los monumentos egipcios que conservamos nos permiten conocer su sistema

constructivo, así como su modo de vida, economía y estructura social; pero se han perdido
edificios importantes por las crecidas del Nilo, la reutilización de materiales, construcciones
sirven de cimientos para otras, etc. Nuestro conocimiento es fragmentario. Las tipologías
arquitectónicas egipcias son:
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1. Edificios religiosos (conservados por su enorme tamaño): templos exteriores, hemispeos y

speos.
2. Edificios funerarios (conservados por su tamaño o por estar enterrados): mastabas,
pirámides e hipogeos.
2.1. El Templo:
La diferencia con otras culturas es que su función es la de “palacio del dios”, es de ámbito
privado y restrictivo, los templos nunca los usaron para el rezo individual ni para sacrificios
cruentos, tampoco eran un lugar abierto a todo el mundo. La idea general es de un recinto
recogido, oscuro y misterioso al que el hombre no tiene derecho a acceder.
2.1.1. TEMPLOS EXTERIORES: al aire libre, es el tipo más habitual, tienen gran importancia en el
Imperio Nuevo y son los que mejor conservados están por ser una época de esplendor
económico y de gran poder
sacerdotal. La idea de
trascendencia está presente en
toda su disposición: se trata de ir
de fuera hacia dentro como la
transición del mundo de los vivos
al mundo de los muertos, las
habitaciones son cada vez más
oscuras y pequeñas (techos cada
vez más bajos y suelos cada vez
más altos). Por el inmovilismo y
por la creencia de que la primera planta fue dada por los dioses, se repite constantemente el
mismo esquema:
× PLANTA: rectangular, organizada en torno a un eje longitudinal. Cuenta con murallas que no
suelen conservarse por estar construidas en adobe o mampostería
× AVENIDA DE ESFINGES: precede al templo, se trata de una sucesión de esculturas costadas
que conducen a la entrada del templo, tienen una función protectora del dios y podían ser
androesfinges, crioesfinges (cabeza de carnero, representan a Amón) o hieracoesfinges
(cabeza de halcón, representan a Horus).
× OBELISCOS: situados delante de los pilonos, están decorados con oro en la parte superior y
con jeroglíficos sobre las hazañas del faraón.
× PILONOS: son grandes muros que franqueaban la entrada al templo, representan el Alto y
el Bajo Egipto. Constan de huecos para sostener mástiles con banderas. Su decoración es
muy cuidada, tienen relieves sobre batallas del faraón.
× SALA HÍPETRA: es un patio porticado con centro abierto, solía haber al final de este colosos
del faraón
× SALA HIPÓSTILA: es una habitación cerrada con columnas y varias naves, por lo general es
pequeña y podía haber más de una.
× CÁMARA DE LA BARCA: contiene las ofrendas que dejaba el faraón al dios y la barca sagrada
en la que se sacaba a pasear la imagen del dios durante los festivales
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× SANCTA-SANCTORUM: parte más sagrada del templo donde reside el dios (con esculturas
del dios).
Templo de Horus en Edfú (237- 57 a.C.): fue

construido en época helenística para honrar
a Horus-Apolo, se mantiene fiel a la
planimetría clásica de los templos egipcios.
Empiezan las obras del templo con Ptolomeo
III y acaban con Ptolomeo XII. Está en buen
estado de conservación porque estuvo
enterrado 12 metros en la arena. Se ha
mantenido como modelo de planta para los templos de la arquitectura egipcia.
El complejo de los templos de Tebas es de gran importancia, construido en el Imperio

Nuevo, está formado por dos templos dedicados a Amón. Comparten rasgos arquitectónicos,
pero también presentan grandes diferencias. El templo de Luxor tuvo pocas ampliaciones, pero
el templo de Karnak tuvo tantas que se convirtió en un recinto enorme. Ambos templos estaban
unidos por una larguísima avenida doble de esfinges.
El Templo de Luxor fue comenzado por

Amenofis III (Imperio Nuevo 1350 a.C.) y acabado
por Ramsés II (1250 a.C.). El templo de Amenofis III
es un templo completo, 100 años más tarde, Ramsés
II añade una sala hípetra, 2 pilonos, 2 obeliscos y 6
colosos suyos (4 pedestres y 2 sedentes).
El Templo de Karnak es mucho más

amplio y complejo que el anterior, no solo consta
de un santuario a Amón, tiene recintos dedicados
a los dioses Montu, Jonsu o Mut; también lagos,
almacenes… Sufrió numerosas ampliaciones, hay
numerosos pilonos que separan las estancias.
2.1.2. HEMISPEOS: combina las dos maneras de construir, una parte está al aire libre y otra se
encuentra excavada en la roca. Es una tipología adecuada para la finalidad funeraria, la parte
excavada en la roca remite a la oscuridad del mundo de los muertos
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Hemispeo de la reina Hatshepsut (1470

a.C.): está situado en deir-el-Bahari, el
complejo funerario del Valle de los
Reyes cercano a Tebas. Fue encargado
por la reina a Senemut, “el sublime de
los sublimes”, por su enorme esplendor
y prestigio. Se hizo imitando el
hemispeo de Mentuhotep I
perteneciente al Imperio Medio. Cuenta con dos avenidas de esfines, tres patios en sucesivas
terrazas abiertas accesibles por rampas y cada uno con dobles columnatas de pilares de piedra
caliza, el sancta-sanctorum está dedicado a Amón y está rodeado de capillas a otros dioses. Las
terrazas contaban con plantas exóticas.
2.1.3. SPEOS: están completamente excavados en la roca, en el exterior queda una fachada con
colosos de piedra. Su planimetría coincide con la de los templos exteriores, pero es un recinto
mucho más cerrado y simple. La simbología es la misma
El complejo de speos de Abu-Simbel (Nubia) está formado por 2 templos: uno grande
para glorificar a Ramsés II y otro más pequeño para su esposa más querida Nefertari. Para evitar
que ambos speos se inundaran con la construcción
de la presa de Asuán, se movieron por encima de la
colina. El speo de Ramsés II está dedicado a Amón,
Ra y Ptah. Su planta es parecida a la de los templos
exteriores, cuenta con: 4 colosos de Ramsés II con
estatuas de
Nefertari y
sus hijos de
menor
tamaño, sala hipóstila de pilares osiríacos con cara y
relieves del faraón, 6 salas secundarias, vestíbulo con
pilares, sala de ofrendas y sancta-sanctorum con
estatuas de Amón, Ra, Ptah y Ramsés II. El speo de
Nefertari está dedicado a Hátor y es considerablemente más pequeño con una distribución más
sencilla, cuenta con: 4 colosos de Ramsés II y 2 de Nefertari, sala hipóstila con columnas
hathóricas, vestíbulo de acceso a la sala de ofrendas, sala de ofrendas y dos salas secundarias.
2.2. Tumbas:
La arquitectura funeraria es una de las creaciones artísticas más representativas de los
egipicos. Algo lógico dada su obsesión con la vida después de la muerte. Esta tipología
arquitectónica es un fiel reflejo de su civilización: los únicos que gozaban de enterramientos
monumentales eran los faraones, reinas y nobles. Se da una evolución desde grandes complejos
Pirámide (2700-
Mastaba
2250) Imperio Hipogeo (1550-1070)
(3300- 3100)
Antiguo (2050-1800) Imperio Nuevo
Protodinástico
Imperio Medio
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megalomaniacos hasta tumbas más secretas e inaccesibles debido a los lujosos ajuares con
joyas, símbolos de poder, cetros, perfumes, armas, piezas de orfebrería; que guardaban.
2.2.1. MASTABA: es el enterramiento real más antiguo (se desarrolló en el protodinástico).

“Mastaba” es el término árabe para designar a los bancos, las llamaron así por su semejanza.
Son construcciones troncopiramidales construidos en adobe. Con el tiempo se hacen más
grandes y con materiales más ricos. Constan de dos partes: una a nivel del suelo con una capilla
y un serdab (habitación que alberga la estatua del difunto) y otra en el subsuelo con el sepulcro
accesible por un pozo.
Mastaba de Merekura (2340 a.C.): es una

tumba familiar compleja, pertenece a un visir
y consta de 33 cámaras para sí mismo, sus
esposas, hijos y familia. Pertenece al Imperio
Antiguo.
2.2.2. PIRÁMIDE: surge del deseo de los faraones de construirse monumentos más
impresionantes superponiendo mastabas. También observamos una evolución, primero son de
adobe, después en piedra y después se hacen cada vez más grandes y opulentas (revestimiento
de caliza de las pirámides de Giza). El diseño interior no es muy laberíntico, tiene corredores
ascendentes o descendentes que conducen a las cámaras sepulcrales. Para contrarrestar el
empuje de los grandes sillares de piedra se disponen gruesas losas de granito sobre las cámaras
sepulcrales. Las pirámides no eran construcciones aisladas, formaban parte de un complejo con
pirámides secundarias para las esposas del faraón, un templo alto junto a una cara de la
pirámide, un templo bajo o templo del valle, calzada procesional con bajorrelieves que unía
ambos templos y fosos con barcas sagradas.
Pirámide de Zoser (2650 a.C.): situada en la

necrópolis de Saqqara en Menfis. Fue
construida por Imhotep superponiendo
mastabas, de ahí su aspecto escalonado y
sirvió de modelo para las pirámides de Giza.
Pirámides de Giza: sitadas en los límites de El Cairo, el complejo está formado por 3
pirámides y sus construcciones anexas. La pirámide de Keops (2560 a.C.) es la más grande, mide
147 metros de altura.
La pirámide de Kefrén (2520 a.C.) es la mediana, parece más grande porque está en un
terreno más elevado, su ángulo de inclinación, el “ángulo sagrado egipcio”, es mayor que el de
la pirámide de Keops. Junto a su templo del valle encontramos la esfinge de Giza.
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La pirámide de Micerinos (2490 a.C.) es la más pequeña de todas, sufrió ampliaciones.

Además de la piedra caliza, llevaba una capa de granito rosado en las hiladas inferiores. Tiene
un corredor que no lleva a ninguna parte porque era el corredor de entrada en la pirámide
original antes de la ampliación.
2.2.3. HIPOGEOS: los saqueos y violaciones de las tumbas hicieron que los faraones del Imperio
Nuevo se decantaran por los enterramientos subterráneos. Las dinastías XVIII, XIX y XX
escogieron la necrópolis real de deir el- Bahari, conocido como el valle de los reyes. También
hay un valle de las reinas, un valle de los nobles y aldeas para los obreros obligados a trabajar
en estas empresas (deir el-Medina). Aunque cada planta es distinta, todas se basan en la
combinación de los mismos elementos: escalera de descenso, galerías decoradas con pinturas y
relieves, pozos para obstaculizar el paso, antecámaras de ofrendas y cámara sepulcral. Por la
obsesión con el más allá y el miedo al saqueo, cubren los hipogeos con arena, levantan
construcciones encima como cabañas de adobe, escriben maldiciones en la entrada, ponen
sellos protectores (cartuchos) en los muros de entrada, ponen puertas falsas y trampas.
Hipogeo de Tutankamón (Imperio Nuevo,

dinastía XVIII): no fue un faraón poderoso
pero la tumba cuenta con un espléndido
ajuar. Fue descubierta en 1922 por Howard
Carter. En la antecámara hay mobiliario,
carros de guerra, vestidos, armas y comida;
en el anexo encontramos vasijas, muebles,
armas, ungüentos y comodia; en la cámara
funeraria está el sarcófago de cuarcita roja y
antropomofo con 4 capillas que lo cubren; en la cámara del tesoro están los vasos canopes y
objetos del ritual funerario.
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La escultura egipcia es un arte secundario supeditado a la arquitectura, en ambos casos

encontramos características que se repiten constantemente desde el Imperio Antiguo hasta el
Imperio Nuevo debido al inmovilismo y sus eternos códigos. Existen excepciones como el caso
de la herejía de Amarna (es el momento del realismo). La escultura, al estar condicionada por la
arquitectura, la encontramos en los ámbitos de poder: en el templo con una finalidad
monumental relativa a la religión y en la tumba con finalidad funeraria. Dependiendo de quién
encargara la escultura y de lo que representara, se realizan con materiales
ricos o pobres. Los materiales ricos son más difíciles de trabajar y
conseguir, son imperecederos, en cambio los pobres abundan en todo
Egipto y se emplean continuamente en los talleres de artesanía, son
materiales más perecederos. Encontramos dos variedades en la
escultura: relieves en las paredes de templos y tumbas (representaciones
similares a la pintura con las figuras parcialmente de perfil, en actitudes
de caminar, luchar o hacer ofrendas) y esculturas de bulto redondo. Al
principio la escultura se vincula al bloque, se ve una gran rigidez por
miedo a la rotura, se evita que los miembros se separen del cuerpo, tienden a forma de
paralelepípedo si están de pie o a formas cúbicas si están sentadas (estatua de Senenmut en la
que solo sobresale la cabeza y los pies y está recubierta de jeroglíficos). Las principales
características principales del retrato egipcio son:
1. Hieratismo de las personas de niveles altos de la sociedad.

2. Rigidez en posturas y actitudes.
3. No hay individualización, rostros similares, y sin rasgos propios, expresiones impasibles (el
faraón está por encima de los sentimientos).
4. Idealización del faraón. Esto apoya la imagen del faraón como dios viviente.
En la escultura cortesana encontramos mayor emotividad y realismo y en la popular hay

mayor diversidad de posturas pues son figuras que están realizando un trabajo. En resumen: la
importancia del encargo condiciona el material con el que se ejecuta que condiciona las posturas
y la condición de las figuras. Vemos en la escultura una evolución: en el Imperio Antiguo y en el
Nuevo la escultura regia será idealista mientras que en el Imperio Medio se volverá realista; la
escultura cortesana será siempre de carácter más realista. Hay tres tipos de escultura: regia,
cortesana y popular.
2.3. Escultura Regia:

Es la mejor muestra del hieratismo egipcio. La escultura regia estaba destinada en un
principio al serdab o a las capillas de las mastabas pero después tienen una función decorativa
en los templos. Al ser efigies de la suprema autoridad están hechos en materiales ricos,
duraderos y escasos (diorita…). Representa perfectamente las características de la escultura
egipcia: hieratismo, sin individualización de rasgos, idealización (salvo durante la herejía de
Amarna).
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Paleta de Narmer (3050 a.C.):

aparece representado el rey
narmel con la corona del Alto
Egipto a punto de matar a un
enemigo simbolizando la
victoria del Alto Egipto sobre el
Bajo Egipto. Aparece la diosa
Bat.
Estatua sedente de Kefrén (2520 a.C.): reúne

todas las características de la escultura regia
egipcia, miembros pegados al cuerpo, rigidez,
hieratismo, símbolos de poder (nemes y barba)
y realizado en materiales ricos.
Micerinos y su esposa:
encontrada en el templo
del Valle de la pirámide de
Micerinos. Observamos
cierto afecto pero no
pierde la rigidez.
Tríada de
Micerinos, diosa
Hathor y diosa
Bat (1530 a.C.).
Colosos de Memnón o Amenofis III (1350

a.C.): realizados en cuarcita presentan mal
estado de conservación por un terremoto.
En uno de los colosos está el rey memnón
con su esposa y en otro con su madre.
Contienen relieves con la diosa Hapi
(relacionada con la regeneración del Nilo).
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Retrato de Akenatón (1350 a.C.)
Retrato de Nefertiti (1350 a.C.):

encontrado en el taller de
Tutmosis. Al igual que la anterior
es de carácter mucho más realista
como es propio en el arte durante
la herejía de Amarna.
Estatua monumental de Ramsés II

(1250 a.C.): tras el paréntesis de la herejía de
Amarna se vuelve a la tradición inmovilista
egipcia.
2.4. La Escultura Regia:

Realizarán esculturas de sacerdotes, escribas, funcionarios y visires pertenecientes a la
corte del faraón. Como no son “dioses” ni faraones no es necesaria la idealización, los retratos
son más realistas y muestran afecto. Está realizada en materiales más pobres y precederos
como la caliza o el barro pintado. Frecuentemente se ejecutan retratos intimistas, las esculturas
son más cercanas y naturales (hay una mayor proximidad psicológica).
Rahotep y Nofret (2600 a.C.): Rahotep era un

funcionario (sacerdote y jefe del ejército). No hay diferencia
de tamaño entre el hombre y la mujer (plano de igualdad),
tampoco hay símbolos de poder. Están dotadas de gran
realismo comparando con la escultura regia, tienen los ojos
huevos con incrustaciones de cuarzo, bigote, collares, etc. Los
rasgos de estas esculturas nos muestran las modas del
antiguo Egipto. Las figuras sedentes y entronizadas están
realizadas en caliza, de ahí que se muestren menos rígidas, y
están policromadas siguiendo el código de los egipcios
(hombre con piel más oscura que la mujer).
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Enano Seneb y su familia (2570 a.C.): muestra a una

familia, el padre, Seneb, presenta una deformación de una
manera orgullosa y solemne, representa la superación y el
orgullo de la familia por haber tenido hijos sanos. Está realizada
en caliza policromada. La mujer rodea a Seneb con sus brazos y
los hijos se representan de un tamaño mucho menor y pidiendo
silencio (calma y respeto para la vida de ultratumba de sus
padres).
Ka-Aper o Cheikh el-Beled (ca 2500 a.C.): más conocida como el

alcalde el pueblo, fue llamada por los árabes “Cheikh el-Beled” por
su parecido con el alcalde del pueblo donde fue descubierta. Está
realizada en madera y representa a un sacerdote y escriba con una
mirada viva y dotado de gran realismo (muestra un cuerpo real, sin
idealizarlo). Fue encontrado en una mastaba.
El escriba sentado (2400

a.C.): los escribas eran figuras
muy importantes en el antiguo
Egipto. Esta escultura realizada
en caliza policromada se
caracteriza por el realismo
notable en la gordura del escriba
y la flacidez del cuerpo. Tiene un
cáramo en la mano para escribir.
El escriba Morgan (2450 a.C.): también realizado en

caliza policromada, muestra lo mismo que la anterior
escultura, pero el cuerpo está más idealizado.
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2.5: La Escultura Popular:

Su razón de ser deriva de los ushabtis de las tumbas, que eran figuras destinadas a servir
al faraón durante toda la eternidad, por eso presentan a gente del pueblo en actitudes muy
variadas como panaderos, pescadores… En este tipo de escultura no se observa individualidad
pues no interesa representar a personas concretas sino a una masa de trabajadores anónimos.
El realismo de estas esculturas radica en sus ropajes y actitudes de la vida cotidiana. Son de
pequeño tamaño y se realizan con materiales pobres como madera o barro pintado.
Tumba de Meketre
La pintura egipcia es, salvo en algunos periodos como en Amarna, un arte constante,
eterno e inmovilista al igual que la arquitectura. Se crean pinturas para adornar los tres ámbitos
de poder: templos, tumbas y palacios. Las que mejor se han conservados son las de las tumbas
por haber estado enterradas. Existen dos temáticas en la pintura: escenas de la vida del faraón
y de la vida cotidiana con caerías, banquetes, guerra, pesca, etc. Y temas de la muerte con
escenas del libro de los muertos, ofrendas a los dioses, faraón conducido al más allá… La técnica
pictórica más empleada es considerada una precursora del fresco: primero se cubren las paredes
de yeso y arena y después se alisan con una espátula, machacan los pigmentos hasta obtener
un polvillo y los mezclan con huevo como aglutinante y se diluye en agua antes de aplicar el
color. También emplearon el temple y la encáustica. Los colores suelen ser muy puros y muy
vivos creando fuertes contrastes entre blancos, rojos, verdes, marrones y azules. Los artistas no
se podían permitir tener originalidad. Existía un código establecido, cada tonalidad significa algo
(la pintura representa todo de manera simbólica, no realista:
 Blanco: obtenido del yeso o de la cal significa santidad, pureza y sacerdocio.

 Negro: del carbón, significa muerte, noche y fertilidad.
 Verde: de la malaquita simboliza la regeneración y la resurrección.
 Amarillo: viene del ocre y representa la eternidad, la riqueza y la luz del sol.
 Rojo: violencia y vida
 Azul: del lapislázuli simboliza la trascendencia cósmica del cielo y el agua.
El código se aplica a los dioses, había colores asignados a cada divinidad y cuando
aparecen a la vez dioses y humanos, el dios tiene la piel dorada y el humano la piel rojiza (aunque
no siempre). Los hombres tienen la piel más oscura que las mujeres. Dado el carácter
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bidimensional de la pintura, las escenas se articulan en dos planos sin ninguna profundidad pese
a que a veces incluyen elementos relativos al paisaje. El plano de fondo se rellena con jeroglíficos
del Libro de los Muertos. Se pueden disponer personajes en varios pisos como en las escenas de
guerra para aparentar que hay más personajes. La misma falta de profundidad está presente en
la aplicación de colores, las tintas suelen ser planas, pero se dan intentos de sombreado. La
disposición de las personas es igual que en el bajorrelieve con los personajes con partes de perfil
y partes de frente. Asimismo, se repite la anatomía egipcia tanto físicamente como las joyas,
pelucas, símbolos de poder, ojos almendrados con raya y rabillo, cuerpo masculino más
musculoso, hombros anchos y caderas estrechas, una pierna adelantada para aparentar la
marcha. Existe un poderoso sentido narrativo, el sentido de lectura es de izquierda a derecha
(igual que en los jeroglíficos), pero si hay varias franjas superpuestas se lee en zig-zag. Hay una
enorme jerarquización en la representación de los personajes. El personaje más importante es
de mayor tamaño, claro reflejo de la estricta pirámide social egipcia (perspectiva jerárquica)
Tenían proporciones muy establecidas, desarrollaron la aritmética y la geometría.

Tomaban medidas con partes del cuerpo (puño, pie, dedo, codo, etc.) lo que permitía ampliar o
disminuir cada personaje en función de su importancia.
Aunque las características se repetirán por milenios hubo ejemplos que destacan por su
especial preciosismo, casi todos en hipogeos del Imperio Nuevo. Los ejemplos más importantes
son:
Tumba de Nebamún (1350 a.C.): encontrada en el Valle

de los Nobles, no pertenece a un faraón sino a un
funcionario medio. Fue descubierta en 1820 por
Giovanni d’Athanasi. Las pinturas más hermosas fueron
arrancadas y repartidas por museos como el British,
Museo Egipcio de Berlín, Museo Calvet de Aviñón y el
Museo de Bellas Artes de Lyon. Se representan escenas
de la vida cotidiana , escenas de administración del
templo de Karnkak. Vemos en “Caza entre Papiros”
(izquierda) el intento de perspectiva superponiendo
animales. También las excepcionales figuras femeninas
de frente y el
Jardín Occidental.
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Tumba de Horemheb (1292 a.C.):

situada en la necrópolis de Saqqara,.
Horemheb era un jefe del ejército, se
construyó esta tumba antes de que lo
nombraran faraón, fue enterrado en el Valle
de los Reyes y esta tumba se la dio a sus dos
esposas. Fue descubierta a finales del siglo
XIX por saqueadores. La peculiaridad de estas
pinturas reside en sus fondos azules.
Tumba de Nefertari (1255 a.C.): situada

en el Valle de las Reinas en Tebas. Fue
descubierta en 1904 por Schiaparelli y es
considerada la capilla sixtina de la pintura
egipcia, fue saqueada numerosas veces por lo
que solo conservamos las rodillas de la momia.
Nefertari era la esposa más amada de Ramsés II,
en las pinturas se hace especial hincapié en
destacar su belleza, vemos intentos de
sombreado en las mejillas de Nefertari y transparencias en su traje de lino. El techo está
estrellado.
Tumba de Tutmosius III (1425 a.C.): situada en Tebas y

descubierta en 1898 por Victor Loret. La particularidad de
estas pinturas es su estilo diagramático, más esquematizado
por imitar a los jeroglíficos de los papiros. Esta realizado casi
en su mayoría en negro con algunos toques esporádicos de
azul y ocre. Amenofis II, su sucesor, volvió a usar este estilo
en su tumba. Contiene escenas como la bajada a los
infiernos.
Palacio de Amarna (1353-1336 a.C.): aunque

sigue mostrando las principales características de la
pintura egipcia, aumenta el realismo como pasa
también en la escultura durante este paréntesis en la
historia del antiguo Egipto. Destacan grandes
composiciones del palacio con la familia real en
ambientes domésticos y paisaje mucho más realistas.
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ARTE EN ASIA ANTERIOR: LAS CIVILIZACIONES MESOPOTÁMICA, ASIRIA Y PERSA
Es diferente al caso con Egipto por su localización geográfica. El territorio entre el Tigris
y el Éufrates fue mucho más abierto y accesible, lo que permite una mentalidad menos
inmovilista que la egipcia y una gran heterogeneidad artística debido a las diferencias entre las
distintas civilizaciones que se fueron asentando en esta zona. Mesopotamia consiste en un
territorio formado por distintas ciudades y culturas que entrarán en conflicto para tratar de
dominar la zona. Encontramos varias culturas hegemónicas en el tiempo:
Imperio Imperio
Sumerios Acadios Imperio Asirio Imperio persa
Paleobabilónico Neobabilónico
3000-2334 2334-2193 1250-612 539-312
1792-1250 612-539
3.1. Arte Mesopotámico:

Pese a las diferencias entre sumerios, acadios y babilonios, encontramos características
comunes. Su cultura es de carácter teocrático con dioses locales que servían a los patesis o reyes
(Anu, Enki, Ananna, Ishtar…). Era una civilización pionera en agricultura (sistemas de irrigación),
derecho (primeros códigos legislativos), matemáticas (numeración decimal, sexagesimal,
ecuaciones, etc.) y literatura con la escritura cuneiforme.
3.1.1. Arquitectura:
El condicionamiento geográfico determinó la elección del material. En Mesopotamia hay

una gran escasez de piedra por lo que se empleó el barro de dos maneras: como elemento
constructivo básico (ladrillos de adobe unidos a veces con betún) o como cerámica vidriada de
revestimiento. No pueden emplear soluciones adinteladas al carecer de sillares de piedra.
Aunque hay algunas excepciones, en Mesopotamia se empleó el arco y la bóveda de ladrillos de
adobe.
Al tener distinta mentalidad a los egipcios, en Mesopotamia no les obsesionaba tanto el

más allá a pesar de tener la misma concepción de este. Por ello la tumba deja de ser tan
importante dentro de las tipologías arquitectónicas siendo más sencillas y funcionales. Destacan
los templos (con disposición escalonada y ascensional como las pirámides egipcias) y las
fortificaciones necesarias por la conflictividad.
3.1.1.1. TUMBAS: al no haber tanto ritual como en Egipto, la arquitectura funeraria no es tan
desarrollada. Solían estar fuera de las ciudades en simples fosas. Los personajes importantes se
excavan un sencillo hipogeo con un corredor abovedado en ladrillo que conduce a las cámaras
sepulcrales. No se dispone nada llamativo al exterior, se dispone un pequeño monumento
sencillo como hito para ubicarla. Lo interesante de estos enterramientos son los ricos ajuares
funerarios (símbolos de poder y objetos para usar en la otra vida)
Tumba de la reina Shubad (Cementerio Real de Ur, Sumerios, 2600 a.C.): no era una reina sino
una mujer importante para los sumerios llamada Puabi (en un cilindro aparece la palabra nin
que significa sacerdotisa). Hay 58 cuerpos, criados enjoyados, ajuar con instrumentos musicales,
carro para la reina, juego real de Ur, dado…
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3.1.1.2. TEMPLOS: no solo eran centros religiosos, también políticos y comerciales. Estaban
controlados por sacerdotes que emplean a numerosos campesinos y artesanos. Son edificios de
adobe de una sola planta con secuencia de estancias, bien de manera laberíntica o en torno a
un patio. De entre los edificios más importantes del templo está el zigurat. El zigurat era una
construcción monumental aislada en la que se adoraba a una divinidad concreta, están
formados por una sucesión de plataformas que le dan apariencia de torre escalonada. Se cree
que cada nivel se decoraba con cerámica vidriada de un color. Están rematados con un pequeño
templo.
Zigutar de Ur (2100 a.C.)
3.1.1.3. FORTIFICACIONES: su construcción está motivada por los abundantes conflictos bélicos.
No rodeaban solamente las ciudades, también complejos importantes. Están realizadas en
ladrillos de adobe y revestidas con cerámica vidriada de distintos colores (en las zonas más
importantes). Solían dividirse en tramos sucesivos mediante torres de vigilancia, poseían
accesos mediante grandes puertas profusamente vidriadas. Es el caso de la Puerta de Ishtar,
parte de la muralla de babilonia que
conducía al templo de Marduk, está
decorada con animales como el león (Ishtar)
y el toro (Marduk).
Puerta de Ishtar (575 a.C.)
3.1.2. Escultura:
Sucede igual que en la arquitectura: hay escasez de materiales ricos en Mesopotamia,

por eso todos procedían de territorios lejanos lo que convertía a las esculturas en objetos de
lujo. Para grandes esculturas usaban basalto, alabastro, arenisca, diorita… Metales preciosos
para esculturas y para joyas (oro, plata, bronce…), piedras preciosas en los sellos oficiales y en
las piezas más delicadas con incrustaciones de lapislázuli, jaspe, cornalina, serpentina o esteata.
A pesar de las distintas culturas que se sucedieron en Mesopotamia, podemos observar
características recurrentes en la escultura de esta zona.
El bulto redondo se caracteriza por una absoluta falta de naturalismo. Son figuras
inscritas en piedra, rígidas con un eje compositivo también rígido, hieratismo, postura estática.
Los escultores al manejar materiales caros no separan los miembros del cuerpo por miedo a la
rotura. Dedos delgados y actitudes recurrentes como las manos orantes en los exvotos.
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Los relieves forman parte de estelas, en época asiria y neobabilónica los encontramos
decorando muros y fortificaciones. La escultura sigue siendo rígida, frontal, estática, hierática y
se organiza en dos planos superpuestos.
Las características de la escultura son: cabezas muy grandes, cejas pobladas, ojos
enormes y almendrados, barba larga y rizada, torso triangular, ropajes con pocos pliegues. La
escultura egipcia y mesopotámica comparten el hieratismo, la frontalidad y la rigidez pero son
perfectamente distinguibles. La temática es muy variada, encontramos: exvotos o eshunas para
los templos, efigies de gobernantes en actitud orante, estelas con relieves en los que aparecen
reyes en actividades rituales o militares, relieves con representaciones de dioses o genios y
representaciones de combates entre dioses, genios y fieras en sellos oficiales.
Estatua de Gudea (2120 a.C.): Gueda era el patesi de Lagash,

vivió en un momento de paz y prosperidad. Hay más esculturas
iguales. Se trata de un exvoto realizado en diorita, es una figura
sedente con manos orantes. En su túnica aparecen escrituras
cuneiformes. Se encontró fragmentada.
Código de Hammurabi (1728 a.C.): en Mesopotamia las leyes

surgen de los dioses y afectan a todos por igual, esta estela realizada
en diorita con un relieve de Hammurabi recibiendo las leyes del dios
solar, estaría destinada a dar a conocer la ley en un territorio en
concreto.
Estela de Naram-Sin (2250 a.C.): Naram-Sin era un acadio.

La finalidad de esta obra es meramente propagandística, está
realizada en arenisca rosada y muestra a Naram-Sin sobre los
enemigos vencidos, tres estrellas en la parte superior. En realidad
esta victoria no fue real. Fue encontrada en Susa (se la llevaron los
persas). Tanto los vencidos como los soldados de Naram-Sin son de
menor tamaño que el protagonista.
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Reina de la noche o relieve Burney (1800 a.C.): actualmente

no se sabe muy bien qué es. Las alas bajadas nos indican que se
trata de una divinidad terrenal, existen tres teorías que asocian
el relieve a la diosa Ishtar, Eres Hkigal (diosa del inframundo) o
al demonio Lilit respectivamente. Sea como fuere, representa a
una divinidad femenina con pies rematados en garras, cuerdas
en las manos (símbolo de justicia). Está realizada en terracota y
pertenece al Imperio Paleobabilónico.
Exvotos o Eshunas
3.2. Arte Asirio:

El nombre deriva de la ciudad y del dios Assur, simbolizado mediante el árbol de la vida
y el disco solar con alas. Esta ciudad está situada al norte de Mesopotamia a orillas del río Tigris.
Sus ansias de poder los llevaron a conquistar Mesopotamia entre el 1250 y el 612 a.C. Convierten
a Nínive en la capital de su imperio que abarcaba desde el este has Armenia. Era un pueblo
guerrero, famoso por la crueldad de reyes como Asurnasirpal II, Sargón II o Asurbanipal; con sus
enemigos vencidos. Se impusieron a la fuerza sembrando la destrucción hasta que los babilonios
y los medos unieron fuerzas para eliminarlos regresando de nuevo el poder a Babilonia. El arte
es propagandístico.
La cultura asiria somete la herencia de Mesopotamia a su nueva personalidad (crueldad

y belicismo). Se dan una serie de cambios: el rey no solo encarna el poder político y militar sino
también el religioso. Estas dos esferas estaban separadas pero los asirios unen todo el poder en
un monarca tiránico que actuaba como administrador de Assur. La figura del monarca encarga
arte oficial destinado a impresionar. Los palacios son auténticas ciudades decoradas con
esculturas y relieves que hacen hincapié en la fuerza del monarca.
Usa materiales toscos para la construcción como ladrillos de adobe. También contramos
materiales más ricos como lajas de alabastro de las canteras del norte del Tigris reservadas para
revestir los exteriores (como en la puerta de Ishtar). Recurren a la bóveda y al arco aunque
también encontramos techumbres adinteladas y columnas además de pilares que son poco
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habituales. La gran diferencia con el arte mesopotámico es que es un arte oficial, más ambicioso,
majestuoso y ornamentado. Es una plasmación del poder real con clara intención
propagandística. Encontramos varias tipologías:
3.2.1.1. FORTIFICACIONES: herederas de Mesopotamia, son grandes murallas de ladrillo

jalonada spor torres y puertas majestuosas. Su existencia deriva del carácter bélico de esta
sociedad.
3.2.1.2. TEMPLOS: de herencia mesopotámica, son grandes complejos en los cuales el zigurat es
el edificio más importante por la unión de lo político y lo religioso en el rey (era parte del
palacio). Son mucho más ambiciosos, más grandes y espléndidos por el poderío de los reyes
asirios y sus victorias. Los principales constructores son Asurnasipal II (s. IX a.C.), Sargón II (s.
VIII a.C.) y Asurbanipal (s. VII a.C.). El zigurat vuelve a ser el protagonista, tienen siete niveles
con diferentes colores en cada uno. En estos no se subía por rampas o escaleras externas sino
por una interna que partía de un vestíbulo.
Zigurat de Assur (Palacio de Sargón II en

Jorsabad, 713 a.C.)
3.2.1.3. PALACIOS: recintos amurallados de enormes dimensiones concebidos como ciudades en

miniatura. Aquí no solo vivía el rey, también su corte y los encargados de la administración. No
hay una planta constante, consistía en edificios prismáticos unidos por galerías, corredores y
patios. Se elevan sobre zócalos de ladrillo pues había sistemas de desague y ventilación para las
plantas que traían de zonas conquistadas. Todo tiene una finalidad práctica. La decoración se
concentraba en grandes puertas de bronce franqueadas por estatuas protectoras (lamasus),
ciclos de relieves en alabrastro. Los principales templos han sido destruídos (Nimrud, Nínive,
Jorsabad, etc.). Palacio de Sargón II en Jorsabad (713 a.C.) y Palacio de Senaquerib en Nínive
(694 a.C.).
3.2.2. Escultura:
Aunque también es heredera de la escultura de Mesopotamia, el cambio de mentalidad
de los asirios afectó a la manera de entender la escultura. Se caracteriza por: obras más
importantes realizadas sobre todo en alabastro y caliza blanca, el bulto redondo es menos
frecuente, predominan los relieves, personajes muy hieráticos, rigidez (como en Egipto), gran
realismo de los animales autóctonos. Su mentalidad hace que la escultura tenga una función
propagandística del poder del rey. Al ser de carácter oficial hace que se muestre al rey con
poderosa musculatura y de mayor tamaño, los animales son de gran fiereza pues los reyes
luchan contra estos. La temática que predomina es la bélica (predomina en los exteriores a modo
de advertencia) y de caza (en los interiores). El lugar idóneo para disponer toda esta propaganda
política fueron los palacios. Encontramos miles de metros de relieves con escenas de guerra y
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de caza y esculturas protectoras en las puertas de los recintos palaciegos.
Asurnasirpal II (Nimrud, ca. Asurnasirpal II junto al árbol sagrado (Nimrud, 825 a.C.)
865 a.C.)
Genio alado (Jorsabad, 713 Lamassus (Palacio de Sargón II en Jorsabad, 713 a.C.)
a.C.)
Banquete bajo la parra o Asurbanipal y su esposa celebrando un

banquete para celebrar la victoria sobre Elam (Palacio de Asurbanipal
en Nínive, 650 a.C.)
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Escenas de caza en el Palacio de Asurbanipal en Nínive (650 a.C.)
3.3. Arte Persa:

Los persas son un pueblo que vienen de la región de Media que unió fuerzas con los
babilonios para poder derrotar a los asirios en el 612 a.C. Cuando esto sucedió resurgió
Mesopotamia hasta que los persas, antiguos aliados, se enfrentan con ellos por el control del
territorio. Crearon un gran imperio entre el 539 y el 312 a.C. cuando sucumbieron ante Alejandro
Magno. Durante este tiempo gobernó la dinastía Aqueménide (creadora del primer gran Imperio
Persa) y la dinastía Sasánida entre los años 226 a.C. y 612 d.C. (crean el segundo Imperio Persa).
Los aqueménides eran un pueblo más refinado que los asirios, moralmente más rectos. Como
carecían de arte propio, basaron su estilo en la unión de elementos de otras culturas (arte
parasitario).
Retoman la idea asiria de que el arte es un instrumento

propagandístico. Se trata de un arte oficial pero con características
propias. Al ser un imperio más amplio, no tuvieron problemas con los
materiales, contaban con mármol y piedra. Usan soluciones adinteladas,
el arco y la bóveda pierden importancia. Las columnas son monumentales
con capiteles zoomorfos (dúpleces) con función tectónica, elementos de
muchos estilos (paralelepípedo de influencia jónica, cuerpo palmiforme
egipcio…), fuste estriado al modelo griego y basa campaniforme. La
decoración recurre a la escultura monumental en los frisos (influencia
asiria), escenas de cortejos (influencia griega) y a menudo recubren con
cerámica vidriada (influencia neobabilónica). El templo pierde importancia
ya que la gana el poder real.
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3.3.1.1. TUMBAS: esta tipología les interesa más que a las civilizaciones anteriores, son
monumentos conmemorativos de la gloria terrenal. Debido al afán de impresionar, se
construyeron tumbas monumentales de dos tipos: exteriores elevadas sobre gradas por la
influencia de los zigurats y con techumbre a dos aguas, y excavadas en la roca con fachada
exterior (sigue el modelo de los speos).
Tumba de Ciro II (Pasargada, 528 a.C.):

tumba exterior con influencia del zigurat y
del templo griego, cámara interior sencilla y
techumbre a dos aguas.
Tumbas reales
de Naqsh-e Rostam
(ss. VI-V a.C.):
fachadas con forma
de cruz griega. Cerca
hay construcciones
que se cree que son
altares o templos
para ceremonias.
Capiteles zoomorfos.
Se cree que las
fachadas imitaban la
entrada al palacio de Persépolis. Puertas adinteladas rematadas con gola egipcia.
3.3.1.2. PALACIOS: por el carácter parasitario acogieron principalmente la influencia asiria.

Dieron enorme importancia al palacio, son enormes complejos que representan el poder del
rey. Siempre situados en alto o en colinas a modo de terrazas mesopotámicas. Se asientan sobre
una colina cercana, si no la hay, la crean. Los rodean una pequeña muralla con puertas parecidas
a las egipcias (adinteladas). La zona principal era la apadana con influencia egipcia de las salas
hipóstilas e hípetras. Eran salas de recepción de los emperadores. También había en los palacios
una zona residencial más íntima y apartada de la oficial por lo general con un gran patio
ajardinado. Reúne muchos estilos de la época
con aportaciones propias.
Palacio de Dario I (Susa, s.V a.C.)
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Palacio de Darío I (Persépolis, s.V a.C.):

es mucho más grande que el anterior.
Presenta las características columnas persas
reflejo del arte parasitario persa. Puertas
adinteladas de clara influencia egipcia.
Decoración con relieves de cortejos y lamassu
con alas y 4 patas.
3.3.2. Escultura:
Como sucede con la arquitectura, la escultura persa es una mezcla de estilos con
características propias. Son escenas más calmadas y delicadas donde predomina la elegancia
frente a la brutalidad. Hay individualización, se muestran distintas fisionomías (ojos
almendrados, pelo más corto por lo general, atisbos de sonrisa arcaica, cabello rizado en bucles),
se trabajan mejor los ropajes (tienen más pliegues por influencia griega). El estilo persa no surge
por sí mismo sino como una síntesis de estilos anteriores propiciada por los artistas que traían
a trabajar a los palacios reales. La escultura se centra en los capiteles, relieves en piedra, relieves
en cerámica vidriada y escultura de bulto redondo. Se localiza en los palacios, los centros de
poder han de ser decorados haciendo hincapié en el poder del rey. Es el caso de los relieves en
muros, escaleras y rampas de los palacios de Susa y Persépolis, pero hay cambios en lo anterior:
abandonan las escenas realistas de caza y guerra por escenas arcaicas y monótonas
ceremoniales y desfiles. Mientras los asirios se recreaban en lo escabroso, los persas lo hacían
en la solemnidad de las ceremonias.
Friso de los arqueros (Palacio de Susa,

s. V a.C.): los arqueros en Persia eran muy
importantes, tienen cabello y barba cortas y
rizadas. Es una escena más calmada que los
relieves asirios, toman la influencia griega de
los cortejos y la mesopotámica de la cerámica
vidriada. Fue realizado por artesanos
babilonios.
Esfinges (Palacio de Susa, s. V a.C.)
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León alado (Palacio de Susa, s. V a.C.): manifiesta el

gusto persa por crear animales fabulosos. También toma
esto de los babilonios (animáles fantásticos de la puerta
de Ishtar).
Cortejo de la guardia persa (Palacio de

Persépolis, s.V a.C.): conservados in situ.
Retraro de Jerjes (Palacio de Héroe luchando contra un león

Persépolis, s.V a.C.) (Palacio de Persépolis, s.V a.C.)
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LA ANTIGUA GRECIA: ARTE HELÉNICO Y PREHELÉNICO. PERÍODOS ARCAICO, CLÁSICO Y

HELENÍSTICO
Los antecedentes al arte Griego los encontramos en Creta y Micenas con la civilización
minoica (3000-1500 a.C.) y la micénica (1500-1100 a.C.) respectivamente. Aunque no coinciden
en el tiempo, tenían personalidades definidas que influyen en la cultura griega. Los minoicos al
vivir en una isla tienen un gran esplendor cultural, se caracterizaron por el pacifismo,
refinamiento, valoración de la naturaleza (como en Atenas) mientras que la cultura micénica
presenta mayor pobreza cultural, rusticidad, belicosidad y despreocupación por la alegría de
vivir (como en Esparta).
4.1. Cultura Minoica:

Realizan un arte más refinado, alegre y optimista. Destaca el palacio entre las tipologías
arquitectónicas, aunque también desarrollaron la escultura y la pintura. En arquitectura los
complejos palaciegos son laberínticos, organizados en torno a patios con estancias
interconectadas. La pintura al fresco es similar a la egipcia con colores muy vivos y brillantes. En
escultura realizan pequeños ídolos masculinos y femeninos que podían presentar antes las
deidades minoicas.
Palacio de Cnosos (2000 a.C.): se cree que

de aquí proviene el mito del minotauro
por su planta laberíntica. Sir Arthur Evans
definió la columna minoica con el éntasis
invertido, policromía con el fuste rojo y el
capitel negro a modo de almohadilla,
realizadas en madera (importaba más el
muro). Rematan los edificios con el labrys
(hacha doble) de significado desconocido
(prefiguración de Zeus, culto divino…).
Frescos del Palacio de Cnosos (1500 a.C.): de colroes muy brillantes, escenas de fiesta,
ceremonias, ambientes joviales y felices, gran presencia de animales marinos bastante realistas.
Presentan influencias egipcias.
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Damas azules
Príncipe de los lirios o de
las azucenas
4.2. Cultura Micénica:
Era una civilización mucho más ruda y pobre que la minoica. La economía estaba menos
desarrollada y se basaba principalmente en la agricultura y un comercio próximo a la Edad de
los Metales. Desarrollaron arquitectura y orfebrería. En arquitectura edificaron: fortificaciones
de aparejo ciclópeo, tumbas herederas de los túmulos neolíticos y el mégaron que sentó los
precedentes del templo griego. En orfebrería destacan las máscaras funerarias en oro y armas
ricas. La pintura y la escultura no eran de su interés porque las consideraban artes superfluas.
Restos de las murallas de Micenas (1300 a.C.): construida con grandes ciclópeos
Puerta de los leones (Micenas, 1300 a.C.): con clara

influencia de los dólmenes neolíticos está formada por un
triángulo a modo de arco de descarga rellenado con una
escultura triangular. Presenta dos figuras de leonas que
apoyan sus patas delanteras en un podio con una
columna.
Tesoro de Atreo
o tumba de
Agamenón (1250
a.C.): es una
tumba de túmulo
con un gran
corredor
(dromos),
presenta un
hueco en el arco de descarga que albergaba un relieve custodiado por el British Museum. Planta
circular, presenta una habitación lateral donde se guardaría el ajuar.
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Megaron de Pilos (1300 a.C.): el megaron es una

construcción palaciega, consta de un atrio con columnas,
vestíbulo y una sala cuadrangular con un fuego en el
centro. Esta disposición de la planta es el prototipo para
el templo griego. Las pinturas que tuvo tendrían escenas
de guerra y agresivas.
Máscara de Agamenón (1550 a.C.): esta máscara funeraria es

anterior a Agamenón.
Tras la caída de Creta a manos de Micenas y la de Micenas

a manos de los jonios, dorios y eolios, empiezan a surgir en Grecia las principales polis, las
ciudades-estado independientes entre sí que continuarán como tal en las siguientes etapas. La
Edad Arcaica Época Clásica Época

Edad Oscura
Helenística
1200-800 a.C. 800-490 a.C. 490-380 a.C. 380-30 a.C.
cronología que usaremos es:
Nos encontramos ante una civilización que, pese a las diferencias entre las polis,
desarrolla una cultura refinada e intelectual que sentó las bases del mundo occidental. La época
de mayor auge cultural fue la Atenas de Pericles por el desarrollo de la democracia, la filosofía,
el arte, el teatro, etc. Se impone la razón (antropocentrismo). El sentido de la religión es más
cercano y humanizado a través de los dioses del Olimpo. También hubo conflictos que hicieron
entrar en crisis el sistema griego como las Guerras Médicas y las Guerras del Peloponeso durante
la Época Clásica. El hombre era la medida de todas las cosas.
4.3. Arquitectura Griega:
Encontramos mayor variedad de materiales, el uso de un material u otro no depende

del estatus de la construcción como en Egipto, depende de la parte que se va a realizar. Usan el
adobe para las viviendas más pobres y humildes, la madera para los soportes más sencillos y
techumbres, la piedra como conglomerado de arenisca (poros) al principio y después caliza y
mármol para columnas, muros y frontones y la terracota para ornamentos añadidos (acróteras),
metales como el bronce para ornamentos. Observamos una evolución en la construcción:
primero se construye en madera y piedra, pero con la Acrópolis se populariza el uso del mármol,
las cubiertas y las columnas eran primero de madera. La piedra abunda en todo el Ática con
excelentes canteras en Nasos, Tasos y Paros. En la cantera se tallaban toscamente las piezas, se
transportaban hasta la obra y allí se les daba la forma final, se unen a hueso. Conocían el arco y
la bóveda, pero usan un sistema arquitrabado. No existían normas fijas para el tamaño sino
órdenes que articulan la relación entre las distintas partes del exterior. Esta relación es siempre
igual, aunque cambie el tamaño. Encontramos 5 órdenes: dórico, jónico, corintio, las cariátides
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y los atlantes o telamones; estos dos últimos solo se refieren a los soportes en vez de a la relación
entre los elementos del edificio. Sirviéndose de sus conocimientos científicos, los griegos
estudiaron la perspectiva y descubrieron juegos visuales para que el aspecto de las edificaciones
fuese más perfecto a la vista. Estas correcciones ópticas eran:
× Estereóbato más ancho en el medio para que no parezca que esté hundido. También
corrigen esto en el entablamento.
× Columnas inclinadas hacia el centro para que no parezca que caen hacia fuera.
× Columnas dóricas con éntasis marcado para que no parezcan cóncavas.
× Columnas de los ángulos más anchas para que en la distancia no parezcan más estrechas.
× Anchura del intercolumnio diferente.
La arquitectura griega contaba con policromía, predominaban los tonos rojos, azules y
dorados. Se reservaba para los detalles ornamentales y se deja la estructura con el color natural
de la piedra (en piedra se pone estuco para aparentar que es mármol). La policromía se realizaba
con la técnica de la encáustica.
Dentro de las tipologías hay que destacar la función social de ellas, las edificaciones
estaban hechas para ser usadas por el pueblo. Hablaremos del templo y el teatro, pero también
realizaron murallas, ágoras, stoas, tumbas, gimnasios, hipódromos…
4.3.1. TEMPLO: como la religión adquiere un carácter más humano, cambian los templos. A ellos
accede libremente cada ciudadano, no estaban destinados al culto, las ceremonias y los
sacrificios se hacían en el temenos, el templo albergaba las ofrendas del pueblo y servía para
engrandecer la polis. Hay una disposición recurrente, solían estar en medio de la naturaleza, en
lugares vinculados a los dioses (bosques, fuentes, colinas, etc.), la fachada principal se orienta al
este. El concepto de templo ligado a la naturaleza hace que se situen no en el centro de la ciudad
sino en recintos sagrados junto con otras edificaciones como relicarios, tesoros u oráculos. Los
santuarios más importantes (Delfos) tienen distintos templos dedicados a varias divinidades
además de los tesoros de las distintas ciudades. Aunque comparten función, hay que distintas
tipologías atendiendo a la planta, la disposición de las columnas y el número de columnas.
El tholos es heredero de
construcciones como el tesoro de
Atreo. El templo rectangular se
inspira en la planta de los megaron
micénicos dividos en 3 partes.
Según el número de columnas
podemos encontrar templos
dístilos, tetrástilos, pentástilos,
hexástilos, heptástilos, octástilos y
decástilos. En cuanto a las partes,
diferenciamos la naos o cella,
estancia principal con la estatua
del dios, pronaos o vestíbulo de
acceso a la naos y opistodomos
para guardar las ofrendas del
pueblo.
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Templo de Apolo en Termo (Etolia, s. VII a.C.):

con hilera de columnas en la cella.
Templo de Afaya en Egina (s. VI a.C.): templo

muy hermoso e importante, se creía que
estaba dedicado a Zeus o a Atenea pero ahora
sabemos que era a Afaya. Orden dórico,
hexástilo y períptero.
Partenón (s. V a.C.): octástilo, períptero y de orden dórico, está dedicado a Atenea virgen o
doncella. Los persas destruyeron el conjunto de templos de la Acrópolis, Pericles decidió realizar
una serie de edificaciones para embellecer la ciudad. Construido por Ictino y Calícrates y
supervisado por Fidias que se encargó además de la decoración escultórica. Esta edificación ha
sufrido mucho con la historia, ha sido iglesia, mezquita, polvorín. Lord Elgin compra en 1810 los
mármoles de Fidias. Rodeando la cella encontramos el friso de las panateneas (cortejo de
influencia oriental). La cella tiene dos alturas, a los pies de la imagen de Atenea también
realizada por Fidias, habría un estanque. Decoración concentrada en metopas, frontones y friso
interior. En el frontón este encontramos el nacimiento de Atenea, en el frontón oeste la lucha
entre Poseidón y Atenea, en las metopas hay grupos de 2 o 3 personas, las del este presentan
escenas de la gigantomaquia, las del oeste amazonomaquia, las del norte la guerra de troya y
las del sur la centauromaquia. En el exterior hay escenas bélicas, en el interior escenas pacíficas,
de ambiente más íntimo y doméstico (como en los palacios asirios).
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Erecteion (s. V a.C.): de orden jónico, se

atribuye su construcción a Filocles. Se
levanta sobre distintos templos
destruidos durante las Guerras Médicas
y a distintos niveles, eran templos
dedicados a guardar las reliquias de
distintos acontecimientos como la
tumba del rey legendario Erecteo, el
olivo de Atenea, el Paladio, o la marca
del tridente de Poseidón. Presenta tres
pórticos y un falso pórtico, entre ellos la
famosa tribuna de las cariátides. Fue polvorín con los otomanos, residencia particular y atacado
por los venecianos. El templo era el más sagrado de la acrópolis, conservaba múltiples reliquias
de ahí su adaptación al terreno para cumplir su función.
Templo de Apolo en Dídimo (s. II a.C.): durante la Época Helenística

se trató de mejorar el realismo clásico complicando todo. Se realizan
edificios mayores con plantas más complejas. Decástilo, díptero,
crepis más amplia, tiene una sala hípetra abierta al cielo y un
pequeño templo como un tesoro. Está inconcluso.
4.3.2. TEATRO: es una de las aportaciones de Grecia a la cultura

occidental siendo imitada por los romanos y dada a conocer a un territorio más amplio. Los
teatros se construyen en las laderas de las montañas con gran importancia de la integración en
la naturaleza que servía como telón de fondo de las representaciones (tragedias, comedias,
danzas, etc.). Concebidos para gran público (18000 asientos), para ello, los arquitectos
perfeccionan sus conocimientos en acústica: incluyen acanaladuras en los asientos como filtro
para el rumor, usan piedra caliza que transmite mejor el sonido y construyen los teatros bajo
depósitos subterráneos de agua para amplificar el sonido. Consta de varias partes:
× Koilon: gradas para los espectadores colocadas

de forma ultrasemicircular.
× Diazoma: pasillos que separan las gradas
dispuestos radialmente.
× Paradoi: entradas de los actores a ambos lados.
× Orchestra: espacio central circular para el coro.
× Skené: espacio para los actores con proskenion
y paraskenia.
Roma se inspiró en el teatro giergo pero no

construían sobre colinas sino que usan el arco y la
bóveda para levantar estructuras. La orchestra la
usan para asientos de gene muy importante, el koilon se denomina cávea y es semicircular. Los
romanos no accedían por los pasillos sino por el interior a través de los vomitoria. La skene griega
sirve como telón de fondo pero no es muy alta, la naturaleza era el fundo, en Roma es más alta
y está más decorada.
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Teatro de Epidauro (s. IV a.C.): tiene

una piedra central donde es el mejor
punto para la acústica, no está muy
deteriorado por la protección de los
pinos que impedían apuntar las
armas directamente al teatro. Tiene
una inclinación del 26%, aforo para
14000 personas, los asientos más
importantes cuentan con respaldo y
apoyabrazos.
4.4. Escultura Griega:

Por la mentalidad antropocentrista lo más representado es el hombre: dioses, atletas,
ciudadanos… La evolución de la escultura griega es una búsqueda de la belleza ideal que se
conseguía con el uso de materiales nobles como el mármol del Paros policromado o bronce a la
cera perdida, con la proporción y el uso del canon y la composición con la que se consigue cada
vez más naturalismo en las posturas mostrando más flexibilidad. Se acaba con la frontalidad
inicial modificando el eje del cuerpo mediante giros de cabeza, contraposto y curvas
praxitelianas. Los griegos estaban obsesionados con la búsqueda de la perfección y plasmarla.
Se rompe con la rigidez del hieratismo oriental para mostrar emociones, aunque estas fueron
variando con el tiempo, buscaron la expresividad emocional. El cuerpo desnudo idealizado se
considera perfecto por lo que es un tema recurrente, se dio antes el desnudo masculino que el
femenino porque consideraban que el primero era más perfecto.
4.4.1. Escultura Arcaica (ss. VII-V a.C.):
Caracterizada por su inseguridad y experimentación. Los escultores saben qué es lo que

quieren hacer, pero no cómo realizarlo oscilando entre dos influencias:
1. Oriental (mayormente de Egipto): con predominio de la frontalidad, actitudes

convencionales, figuras inscritas dentro de un bloque y peinados heredados de Egipto.
2. Griega: con un mayor interés por la figura humana, materiales más nobles, expresión de la
vida interior mediante lo más fácil de plasmar que era la sonrisa y la aparición del desnudo.
Tras un inicio geometrizante (también denominado “dedálico”), encontramos las

siguientes características: frontalidad de Egipto, composiciones cerradas y geométricas
(hombres con brazos pegados al cuerpo, mujeres oferentes…), figuras hieráticas, aunque con el
tiempo aparece la expresividad con la sonrisa, evolución en los plegados que pasan de la
simetría y la rigidez al virtuosismo, cabello largo y trenzado para reforzar el cuello. Las muestras
más representativas son los kuroi, korai y relieves en frontones.
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4.4.1.1. KUROI (“muchachos”): también llamados erróneamente “Apolos” dado que en el siglo
XIX se pensaba que eran representaciones de Apolo, pero en realidad son representaciones de
atletas. No son retratos realistas, muestran la belleza ideal con anatomías idealizadas. Una
pierna adelantada, con el tiempo hay un reparte del peso más realista, torso triangular, posturas
de clara influencia oriental, rasgos no individualizados con cabello largo y trenzado.
Gran Kuros de Samos Kuros Anavyssos Efebo de Kritios
(s. VI a.C.) (s. VI a.C.) (s. V a.C.)
Moscóforo de Atenas (s. VI a.C.): representa a un famoso atleta que

entrenaba con un carnero en los hombros, este símbolo fue utilizado
en el cristianismo como “el buen pastor”.
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4.4.1.2. KORAI (“muchachas”): “koré” en singular, estas figuras son ofrendas a los dioses para
un túmulo, son iguales que los kuroi en cuanto a rigidez y frontalidad heredadas de Egipto.
Tienen una postura oferente, brazos erguidos o uno pegado al cuerpo. Visten pelos o chitones.
Koré del peplo Koré 695 (s. VI a.C.) Koré 674 (s. VI a.C.)
(s. VI a.C.)
4.4.1.3. FRONTONES: figuras sometidas a un triángulo. Los ejemplos conservados pertenecen al

siglo VI a.C. Emplean materiales nobles como el mármol policromado con postizos (flechas, etc.).
La adaptación al marco arquitectónico supone un problema y lleva a posturas torpes con
contorsiones forzadas e irreales. Se observa igual evolución compositiva, así como mayor
naturalismo en los ropajes. Observamos también un intento de mostrar emociones con una
sonrisa muy marcada (sonrisa eginética).
Relieves del templo de

Artemisa en Corfú (s. VI
a.C.): pertenecen al primer
templo dórico en piedra.
Aparece la Górgona con
función apotropaica su
postura forma una especie de
esvástica, dos animales felinos a
ambos lados, escenas de la
guerra de Troya y
gigantomaquia, son escenas
muy inconexas. Podría ser que a
ambos lados de la medusa
estuvieran sus dos hijos, Príamo
entronizado, un cadáver, Zeus
luchando contra un titán…
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Relieves del templo de Afaya en Egina (s. VI a.C.): este templo tiene tres frontones dado que a
uno le cayó un rayo, lo enterraron y realizaron uno nuevo (en 20 años de diferencia). Presentan
escenas bélicas con Atenea, el tercer frontón destaca por la calma y la dignidad.
4.4.2. Escultura Clásica (ss. V-IV a.C.):
Como resultado de la experimentación en la escultura arcaica, se sabe cómo hacer lo

que se quiere hacer. El artista cree en sí mismo, desaparece la influencia oriental y abrazan lo
absolutamente griego. Se usa mucho el bronce superando al mármol pues al ser más manejable
permite alardes compositivos imposibles de hacer en piedra. Surgen por primera vez hombres
con enorme consideración social. No solo siguen las pautas marcadas, tienen originalidad y
estilos totalmente propios. Cada artista, al confiar en sí, innova y aprende más por sí mismo.
Culmina el concepto clásico de belleza, los cuerpos son más proporcionados, atléticos y
perfectos con cánones de siete a ocho cabezas. Se conquista el movimiento, posturas más
naturales, reparto del peso más realista (contraposto), se avanza en el tratamiento de los
plegados, surge la técnica de los paños mojados, se renuncia a la sonrisa forzada y se dota a los
rostros de serenidad y contención persiguiendo la calma y la dignidad. Podemos hablar de 3
estilos dentro de este período histórico: estilo severo, estilo clásico ideal y estilo clásico
manierista.
4.4.5.1. ESTILO SEVERO: se rechaza lo arcaico y se opta por la seriedad de las esculturas, hay
mayor naturalismo en las actitudes, aunque aún observamos cierta rigidez, no se conquista la
independencia (sometimiento al marco). Cobra importancia la fundición en bronce a la cera
perdida, cada vez se perfecciona más esta técnica. Solían añadir postizos con incrustaciones en
ojos. Conocemos las pocas obras por copias romanas.
Auriga de Delfos (s. V a.C.): se trata de un original griego, formaba

parte de una cuadriga que era un homenaje a la victoria de un tirano
griego. Es notable el sometimiento al bloque, la cabeza está
ligeramente girada, pliegues más naturales sobre todo en la cintura,
aunque veamos que está desproporcionada en cuanto a altura es
porque la cuadriga tapaba la parte inferior del cuerpo, de ahí que los
pliegues inferiores estén menos logrados. Expresión severa.
Poseidón del cabo Artemiso (s. V a.C.): mide 2’1 metros de

altura, no sabemos con certeza si representa a Zeus o a
Poseidón pues en el brazo derecho podría sostener el rayo o
el tridente. La anatomía está más lograda y definida, cabello
largo recogido en una trenza enrollada en la cabeza.
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Relieves del Templo de Zeus

en Olimpia (s. V. a.C.): la cella
del templo albergaba una
estatua criselefantina
realizada por Fidias. En uno de
los frontones hay una carrera
de cuadrigas (reto de Pélope) y
en el otro la centauromaquia
durante la boda de Piritó y
Deidamia cuando los centauros se emborrachan y violan a las mujeres. Apolo preside esta última
escena, no se idealiza tanto la belleza, encontramos un hombre mayor calvo, serenidad en el
rostro de Deidamia. En las metopas podemos observar los doce trabajos de Hércules.
4.4.2.2. ESTILO CLÁSICO IDEAL: es el punto álgido de la escultura griega donde se alcanzó la
máxima perfección. Los grandes artistas son broncistas, y, al igual que antes, conocemos las
obras por las copias romanas. Comienzan a conocerse los principales escultores, se trata de
personajes admirados como Mirón, Policleto o Fidias, el concepto de originalidad es valorado
que junto con la individualidad del artista y la visión personal permite diferenciar los estilos.
Discóbolo (Mirón, s. V a.C.): la escultura original era un bronce,

esto permitía ejecutar la postura tan atrevida que tiene (en la
imagen vemos que necesita un apoyo). Representa el movimiento
congelado, cabello aplastado, mechones más naturales, rostro
sereno por la oposición a la sonrisa eginética.
Atenea y Marsias (Mirón, s. V a.C.): Marsias acaba de

encontrar la flauta de Atenea, vuelve a representar el
movimiento congelado, se ha conseguido reconstruir por
las monedas y gemas romanas. El chitón de Atenea está
mucho más logrado que en la escultura anterior y precede
a los paños mojados de Fidias, podemos deducir la
anatomía de la pierna a través del chitón por su postura en
contraposto.
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Doríforo (Policleto, s. V a.C.): el original estaba realizado en bronce,

representa a un portador de una lanza en la mano recogida y un
escudo en la otra mano. Se ha roto el eje vertical por el contraposto
entre las piernas y de los brazos, es una posición mucho más natural
y creíble respecto al reparto del peso. Presenta diartrosis en los
huesos de las caderas, en la unión de los brazos con el torso, etc.
Lleva diadema como los efebos, rostro calmado, sereno, cabello
más natural pero aún muy pegado a la cabeza.
Diadumenos (Policleto, s. V a.C.): esta figura masculina y sedente

representa a un atleta victorioso que se está ciñendo la cinta. El
original también era un bronce, sigue el modelo del Doríforo con
la diartrosis en las caderas y brazos, postura natural y cómoda en
contraposto y giro de la cabeza para romper aún más con la
rigidez y verticalidad. Rostro sereno, cabello pegado. Sabemos
por descripciones de viajeros la fama que tenían los artistas,
estos iban a ver obras de un autor en concreto.
Amazona Herida (Policleto, s. V a.C.): pertenece al templo de Éfeso. La

decoración de este templo fue a concurso entre Fidias, Policleto y
Crésilas, se votaron todos a sí mismos por lo que establecieron que
debían votar dos veces, al hacer esto ganó Policleto. Es de los primeros
semidesnudos, contraposto en piernas igual que el Doríforo, plegados
muy logrados.
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Atenea Parthenos (Fidias, s. V a.C.): no conservamos la estatua

original, era una imagen crisoelefantina con alma de madera, partes
de marfil y sobre placas de bronce placas de oro lo que hacían de ella
una pieza muy valiosa y codiciada. Representa a Atenea virgen o
doncella, medía 12m por lo que en la cella del Partenón se dispuso una
doble columnata para poder albergarla. El casco tiene las orejeras
levantadas, tiene una esfinge en el centro y pegasos o grifos a ambos
lados, el cabello cae sobre los hombros, viste un chitón ceñido con dos
serpientes. También porta una coraza (égida) con la górgona al igual
que en el escudo en una de las manos. En la otra mano sostiene una
victoria (Niké).
Zeus de Olimpia (Fidias, s. V a.C.): escultura crisoelefantina, en una mano

porta una Niké, en el otro lado hay un águila símbolo de Zeus, la figura de
Zeus está entronizada.
Relieves del Partenón (Fidias, s. V a.C.):

aunque Fidias no realiza toda la
decoración sino que da el toque maestro
a todas las esculturas. Los frisos, metopas
y ambos frontones fueron comprados por
Lord Elging entre 1810 y 1811 por ello hoy
se conservan en el British Museum de
Londres. El friso de las panateneas
muestra los distintos grupos sociales que
asisten a la fiesta en la cual las doncellas de Atenas tejen un peplo a Atenea (Paladio), se
representan dioses sentados, una diosa se coloca el peplo (culmen de la humanización). En
cuanto a los frontones la adaptación es cada vez mejor, en el frontón oeste una victoria corona
a Atenea, encontramos más dioses como Era, vemos gran movimiento, dinamismo y
naturalismo, pliegues finísimos siguen la técnica de los paños mojados, podemos adivinar la
anatomía de las figuras. La influencia en Grecia de los cortejos persas es notable. En las metopas
también vemos gran dinamismo para hacer hincapié en la violencia, rostros serenos pero con
cierta expresión de concentración.
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4.4.2.3. ESTILO CLÁSICO MANIERISTA (s. IV a.C.): se da una época de crisis moral para los griegos.
El mundo conocido se tambalea, en momentos de crisis es cuando se muestran las pasiones, el
sentimiento, en los momentos de estabilidad y paz no se duda del ser humano por lo que se
expresa la calma. Una vez lograda la perfección anterior, se exageran las composiciones,
expresividad y actitudes. Saben cómo hacer las cosas pero no qué hacer. Los dioses demuestran
deseo y ternura, la racionalidad y serenidad entran en crisis, los dioses son desmitificados y se
representan temas de género. Hay un replegamiento intimista, se cambia el canon de 7 a 8
cabezas, las líneas son más curvas y retorcidas aludiendo a la sensualidad, composiciones en S
(sibilinas y sinuosas) reflejado perfectamente en la curva praxiteliana. Mármol más pulimentado
para dar un acabado más brillante a la piel, auge del mármol. Escultores como Praxíteles, Lisipo
o Scopas heredan la consideración social de sus predecesores, se rompe la razón y entra el
sentimiento. Este proceso culminará en el helenismo. Surge el concepto de charis o gracia.
Hermes con dionisios (Praxíteles, s. IV a.C.): a pesar de las

dudas, se cree que podría tratarse del original o podríamos
hablar de una copia griega muy próxima a Praxíteles. No
representa un momento de calma, Hermes sujeta a un
pequeño Dionisos en un brazo y juega con el. Se supone que en
el brazo que queda libre sostendría un racimo de uvas. El
contraposto se exagera más generando la curva praxiteliana y
un movimiento sinuoso, los plegados que caen desde Dionisos
tienen una mera función tectónica pues el peso ahora está solo
en una pierna. Piel cercílea, cabello más dinámico con labor de
trépano y sin pulir. Expresión serena con atisbos de sonrisa.
Venus de Cnido (Praxíteles, s. IV a. C.): es la primera vez que se

representa a una diosa completamente desnuda. Encontramos a
Afrodita en el momento de salir del baño, los paños con los que se va
a secar caen sobre una hidria. Forma en S, busca la charis y la
sensualidad, es un momento totalmente íntimo. La escultura estaba
destinada al thémenos pero el pueblo vio un escándalo en la
representación por lo que la rechazaron. El pueblo de Cnido la aceptó
y esta se hizo muy famosa (la vemos representada en monedas, etc.).
Esta iconografía gustó mucho también a los romanos que realizaron
numerosas copias. La modelo fue la etaira Fripé que fue llevada a
juicio y su abogado desesperado en la defensa la desnudó para
convencer a los jueces de su belleza.
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Apolo Sauróctonos (Praxíteles,

s. IV a.C.): Apolo está a punto
de cometer una travesura, va a
matar a un lagarto porque
quiere, sin ninguna otra razón.
Está representado como una
adolescente, figura muy
juvenil. El tronco del lagarto es
en realidad un recurso para
repartir el peso del exagerado
contraposto (curva
praxiteliana). El pelo está
menos trabajado, lo sujeta una
cinta.
Meleagro (Scopas, s. IV a. C.):

frente a la charis, Scopas trató
de representar el pathos, el
sentimiento. Scopas ya
representa las figuras con la
boca entreabierta. Es una
escena de caza, ha cazado un
jabalí, el contraposto casi llega
a la curva praxiteliana. La
mirada es más profunda,
cabello más liberado y
expresión más dramática.
Ménade furiosa o danzante (Scopas, s. IV a. C.): las

ménades son las bacantes de Dionisio, vuelve al
movimiento congelado, se concibe la obra para ser
vista desde todos los ángulos, rompe absolutamente
con la frontalidad, movimiento helicoidal anuncia el
periodo helenístico con la Victoria de Samotracia. Gran
realismo y dramatismo, peplo abierto por efecto de su
movimiento exagerado.
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Relieves del Mausoleo de Halicarnaso

(Scopas, s. IV a. C.): Mausolo era un
sátrapa, su tumba monumental se
derrumba en el siglo V a causa de un
terremoto, conocemos su arquitectura
por grabados antiguos. La decoración
escultórica la realizaron 4 escultores,
cada uno trabajando una de las caras
de la edificación. Se cree que Scopas
dirigió toda la decoración porque todas las caras se parecen y presentan las características de
este escultor. Scopas se encargó directamente de las escenas de la amazonomaquia de gran
movimiento y pasión, violencia, pathos, líneas diagonales que se contraponen entre sí.
Tendencia a la composición triangular.
Apoxiomenos (Lisipo, s. IV a. C.): “el que se rasca”, se trata de un atleta

que se está quitando el sudor, polvo y aceite de la competición. Lisipo
era un broncista, esta es una copia. El atleta presenta gran perfección
física, es una figura más estilizada que las anteriores, da la sensación de
ser más esbelto por el nuevo canon de 8 cabezas. Frente a la victoria
del Diadumenos de Policleto, este personaje no refleja orgullo y
serenidad, no hay calma ni dignidad, está en un momento privado,
escena intimista, no trata de reflejar el momento de plenitud que
refleja el Diadumenos, aunque formalmente se parecen (diartrosis,
contraposto, etc.).
Ares Ludovisi (Lisipo, s. IV a. C.): también es una copia

romana, esta estatua estaba destinada al templo de Marte.
Ares o Marte, está sentado sobre símbolos de la guerra,
sujeta una espada con una mano pero no está en actitud de
guerrear, está en un momento íntimo, el Cupido a los pies
hace alusión al momento de debilidad emocional durante el
descanso de Ares.
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Heracles Farnesio (Lisipo, s. IV a. C.): Hércules representado

como un hombre mayor, casi tiende al patetismo
anunciando el helenismo. Barba densa con labor de
trépano, eje vertical desplazado por el exagerado
contraposto por lo que se necesita otra estructura para
sujetar la figura, el pilar está formado por la cachiporra y la
piel de león, ambos símbolos de Hércules. En la mano
trasera sujeta las manzanas del jardín de las Hespérides (uno
de sus 12 trabajos). Está agotado, es un momento
plenamente intimista, de descanso y reflexión del héroe
sobre sus logros. Profunda expresividad.
Busto de Alejandro Magno (Lisipo, s. IV a. C.): a pesar de ser el

personaje más poderoso del momento, lo encontramos en un
momento más intimista, no está glorificado sino totalmente
humanizado. Es una copia romana. El arte se comienza a usar
como propaganda política, culto a las personas reales y concretas
y a su poder político (como se verá posteriormente en Roma).
4.4.3. Escultura Helenística (ss. III-I a. C.):
Entre la muerte de Alejandro Magno y la conquista de Roma hay una tremenda crisis de
valores. Ahora el idealismo es sustituido por la razón y la razón por el sentimiento. Se rechaza el
equilibrio de la época anterior, anatomías más realistas y auténticas. Se prescinde de los
cánones, ya no hay idealización. Se continúan los excesos del estilo clásico manierista, se habla
de “barroquización”, todo es cada vez más complejo, se trabajan grandes grupos escultóricos
donde predominan las composiciones piramidales organizadas en torno a aspas cruzadas. Hay
un gran dinamismo, se amplía el repertorio de expresiones faciales, encontramos odio, agonía,
lujuria, ebriedad… Ya no hay un único modelo, se representan niños, viejos, extranjeros,
personas concretas e individualizadas. El caos rompe la unidad artística por lo que surgen
escuelas (Pérgamo, Rodas o Atenas). No hablamos de autores sino de territorios.
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4.4.3.1. ESCUELA DE PÉRGAMO (Dinastía Atálida):
Gálata Moribundo (s. III a. C.): representa a un galo

moribundo. Atalo I guerreó contra los galos que
fueron hasta Pérgamo y fueron vencidos.
Representan al enemigo caído para demostrar su
admiración pues era un enemigo fuerte, así se
ensalzan a sí mismos. Supuestamente formaba
parte de un grupo, sangra por un costado, se
esfuerza en levantarse, es un extranjero (cabello
liso, bigote, torque celta), la desnudez les honra.
Gálata suicidándose (s. III a. C.): el grupo escultórico

formaría parte del mismo que el Gálata Moribundo. Un
hombre se suicida al ver que matan a su esposa, es un
momento muy teatral y dramático, predomina el
movimiento. Es una obra de bulto redondo, está hecha para
ser vista desde cualquier ángulo, presenta una fisionomía
distinta pues es un extranjero.
Frisos del Altar de Pérgamo (s. III

a. C.): la escultura en Pérgamo
tenía gran importancia por sus
relieves. Los relieves de esta
edificación se usaron como
material de acarreo en una
muralla, son descubiertos en el
siglo XIX. El friso está sobre un
podio inferior, la crepis rodea toda
la edificación y el podio, hay una
escalinata entrante. El friso
interior representa la gigantomaquia, todos los relieves son muy dinámicos, plegados muy
elaborados, rizos individualizados, gran movimiento, anatomía más potente y musculosa,
violencia. Representan el pathos, bocas entreabiertas.
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Relieves del Altar de Pérgamo (s. III a. C.)
4.4.3.2. ESCUELA DE RODAS:
Laocoonte y sus hijos (s. II a.C.): es un

conjunto escultórico que representa el
castigo a Laocoonte por su traición durante
la Guerra de Troya. Composición piramidal,
están desproporcionadas las dos figuras de
los hijos respecto a Laocoonte, esta
diferencia de tamaño pretende dar
perspectiva. Movimiento sinuoso, anatomía
más apolínea en los hijos. Gran dramatismo
y dinamismo, trepanado en barbas y
cabellos, patetismo y pasión en los rostros.
También se ha fechado en el siglo I después
de Cristo por lo que ahora mismo hay un
debate sobre su autenticidad.
Toro Farnesio o suplicio de Dircé (s. II a. C.):

es un grupo escultórico de enorme tamaño.
Representa el castigo de Dircé, es un tema
violento, composición piramidal e inestable,
grupo concebido para observarse desde
cualquier punto. Tiene añadidos posteriores,
pero conserva las características de la
escultura helenística, violencia, movimiento
y pathos.
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Victoria de Samotracia (s. II a. C.): estaba colocada en un barco,

esta escultura plasma perfectamente el movimiento, desplaza el
peso hacia la derecha pero para compensarlo gira el torso hacia el
otro lado, movimiento helicoidal, anatomía perfectamente visible
a pesar de estar vestida gracias a la finura de los plegados, viste un
chitón y un manto enredado en las piernas.
4.4.3.3. ESCUELA DE ATENAS:
Venus de Milo (s. II a. C.): considerada

una “ruina perfecta”, Venus acaba de
darse un baño (está inspirada en la
Venus de Cnido). Genera también un
movimiento helicoidal por el
contraposto hacia la derecha y el giro
del torso hacia la izquierda, curva
praxiteliana, eje vertical roto por la
postura. No sabemos muy bien si se
levanta o se agacha, los ropajes se le
están cayendo. Muy famosa en el siglo
XIX.
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LA ANTIGUA ROMA: LA CIVILIAZACIÓN ETRUSCA, EL ARTE DE LA ROMA REPUBLICANA Y

LA IMPERIAL
La civilización romana fue una de las más influyentes culturas occidentales. Su

importancia radica en la unificación territorial y artística, expansión territorial, por ser
receptora y transmisora de la cultura griega, eclecticismo por los distintos territorios de oriente
y occidente. En Grecia hay una mentalidad idealista mientras que en Roma tienen mentalidad
práctica. Los romanos tenían una mentalidad mucho más pragmática y materialista, lo que
afectará directamente al arte: no les interesa la belleza en sí misma, no se toman tan en serio
las propiedades ópticas, los cánones, etc. No les importa usar materiales innobles como la
argamasa en lugar del mármol siempre y cuando obedeciera a un fin práctico. La finalidad del
arte deja de ser democrática y pedagógica (espacios públicos) para tener una función doméstica
y privada. El materialismo genera el mercado de arte, el arte adquiere un valor económico (lo
que más se busca en el coleccionismo de arte eran los kuroi griegos pues eran las figuras más
escasas), surgen peritos tasadores. Los arquitectos no eran valorados como genios sino como
ingenieros que mejoraban las condiciones de vida de la gente. Los escultores y pintores se verán
empequeñecidos por esta mentalidad práctica y pasarán a ser meros artesanos. Hay mayor
número de tipologías por el carácter práctico, el arte será de carácter oficial y propagandístico
como en Egipto, Asiria, Persia, etc. En Grecia el arte servía para embellecer la polis.
Imperio
Monarquía República
27 a. C.-476
753-509 a.C. 509-27 a.C.
d. C.
5.5. La Civilización Etrusca:

Al igual que con Creta y Micenas en la cultura griega, el precedente del arte romano fue
la civilización etrusca. Esta civilización estaba situada al norte de Roma y eran enemigos de la
misma. Los etruscos son los protagonistas de la monarquía entre los años 753 y 509 antes de
Cristo (finaliza por la violación de Lucrecia por Tarquino el Soberbio). El sustrato cultural etrusco
se mantiene en el tiempo. Existen varias teorías para explicar el origen etrusco: la teoría
autóctona (evolución de la cultura local), la teoría orientalista (pueblo de Anatolia o Libia) y la
teoría europeísta (pueblo del norte de Europa). Actualmente se acepta una multicausalidad. Los
etruscos son denominados por los griegos “tirrenos” y “rapenas” por ellos mismos. La
importancia de su arte es que sirve como nexo entre lo occidental y lo oriental (que proviene de
de Fenicia, Anatolia, Lidia…), su carácter ecléctico lo hereda Roma, mezcla influencias para crear
una identidad propia, también vemos el carácter práctico heredado por Roma. Les preocupó
mucho la vida de ultratumba (creían que la muerte llevaba a un mundo de felicidad parecido a
la mentalidad egipcia).
En arquitectura emplean la piedra para los templos (no se conservan), recintos

amurallados con aparejo casi ciclópeo y tumbas (de túmulo con cámaras decoradas, edículos e
hipogeos). En escultura siguen la evolución paralela a Grecia en sus comienzos con materiales
muy variados (terracota, bronce, piedra, etc.). Desarrollan estatuas de dioses y sarcófagos con
tapas de piedra o terracota. En pintura realizan frescos para las cámaras de las tumbas con
escenas joviales y festivales que recuerdan al mundo minoico (reflejo de su posición respecto a
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la muerte). En orfebrería encontramos mucho oro, joyas muy ricas con técnicas orientales como
el granulado.
Necrópolis de la Banditaccia (Cerveteri, s. III a.C.):

gran número de tumbas de distintos tamaños por la
diferenciación social, son estructuras con falsas
bóvedas por aproximación de hiladas. Aquí
encontramos la tumba de los relieves del siglo IV antes
de Cristo. Esta es una cámara apoyada sobre cuatro
pilares, consta de relieves con hachas, cuerdas, jarros,
animales, etc. Es decir, con instrumentos que iban a ser
útiles en el más allá.
Tumba de los
Leopardos
(Necrópolis de
Tarquinia, s. V a.C.):
representa una escena
de banquete y de
fiesta por la alegría de
vivir tras la muerte.
Tumba de Inghirami
(Necrópolis de
Volterra, s. II a. C.):
presenta numerosas
urnas con tapas con
figuras recostadas, en
actitudes relajadas.
Las figuras guardan las
cenizas de los
difuntos.
Sarcófago de los esposos o de Villa Giulia (s. VI

a.C.): encontrado en el siglo XIX se encuentra
actualmente en Roma. Está realizado en
terracota pintada, es de gran tamaño pero no es
un sarcófago sino una urna que guarda las
cenizas. Es una tumba doble, existe
comunicación entre las figuras, ambas tienen la
característica sonrisa etrusca (más marcada en
la mujer). La pieza está dividida en dos, las
figuras están recostadas sobre un kliné y los
peinados nos recuerdan a los kuroi por la influencia de la Grecia arcaica.
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Sarcófago de Larthia Seiantini (s. IV a. C.): mujer recostada

sobre un kliné, plegados más delgados, trabajados y
realistas. Piedra policromada.
Loba Capitolina (s. V a. C. Aunque ahora se cree que podría

ser del siglo XIII d. C.)
Quimera de Arezzo (s. IV a. C.): descubierta en 1553, se cree

que también estaba el héroe con Pegaso. Se hizo muy
famosa cuando se descubrió, la serpiente es un añadido. En
una inscripción pone “Tinia”, dios etrusco del día.
Tumba de la caza y la pesca (Necrópolis de

Monterozzi, s. VI a. C.): escenas recuerdan mucho a
las pinturas cretenses del palacio de Cnosos,
presentan la alegría de vivir, también es notable la
influencia egipcia pero con la diferencia del carácter
jovial y festivo.
Tumba del Triclinio
(Necrópolis de Monterozzi, s. V a. C.)
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4.2. Arquitectura Romana:

Parte de la arquitectura griega, pero la somete a cambios. Les interesa crear obras más
prácticas, grandiosas y duraderas. El sentido práctico se refleja en las nuevas tipologías
constructivas como son las calzadas, acueductos o termas. La finalidad es desarrollar un vehículo
que canalice los ideales políticos, hay diferencias entre la época imperial y la republicana pese a
tener ambas arquitecturas una finalidad propagandística. Interesan más las personas a las que
glorifica el arte que las que lo realizan (conocemos pocos nombres de artistas).
Vitrubio es el primer arquitecto que compila sus conocimientos en su tratado “De

Arquitectura”. Es una obra teórica donde se reúnen todos los conocimientos arquitectónicos,
cómo hacer relojes, alcantarillas, casas, templos… A finales del siglo XV se imprimen los libros
de Vitruvio y se popularizan. La arquitectura romana podría resumirse en la tríada vitruviana:
venustas (hermoso), firmitas (firmeza y resistencia) y utilitas (práctico).
El arte es menos simbólico y más narrativo que el griego, lo ideal pierde ante lo real
(igual que el paso de Platón a Aristóteles). Cambio importante en la concepción de volúmenes,
en Grecia era importante el entorno donde se situaban los edificios por lo que elaboran el
exterior mientras que en Roma la obra se concibe hacia dentro.
× MATERIALES: como no les preocupa la belleza, usan materiales menos elegantes sin ningún
problema mientras cumplan su función. La piedra se usa para edificaciones importantes,
usan tufo, peperino y travertino. El mármol es para revestir los edificios, no policromaban la
piedra, valoraban el veteado y el color natural de la piedra. Ladrillo de tradición oriental y
latina, era barato y fácil de usar, se usan para los muros cisterna y en edificaciones menos
grandiosas. El mortero es la gran aportación romana, formado por cal, agua, guijarros y
arena; es poco elegante pero muy resistente y útil, usado en muros y cubiertas. Los
materiales se combinan de diferentes maneras configurando así los aparejos romanos
(quadratum, inartum, mixtum incertum, spicatum, restacenun, caementicium, etc.).
× ELEMENTOS SUSTENTANTES: por el eclecticismo acogen lo griego pero añaden nuevos
elementos. Muros gruesos y resistentes. Usan los cinco órdenes griegos y añaden el toscano
y el compuesto (siguen la tradición pero innovan para conseguir la practicidad).
× CUBIERTAS: adinteladas y abovedadas con bóvedas de cañón o arista. Cúpulas con
casetones.
Hablamos de una arquitectura urbana, ya no se vincula a la naturaleza, ahora está

vinculada a la ciudad (salvo acueductos y calzadas que sirven para el bien de la ciudad). La
planimetría urbana es heredera de las polis griegas y del campamento romano con dos grandes
vías: cardo (de norte a sur) y decumano (de este a oeste); en la intersección entre ambos
encontramos el foro y las construcciones más importantes. Surgen nuevas tipologías, se da el
auge de la arquitectura civil con construcciones para espectáculos (teatros, circos, anfiteatros),
monumentos conmemorativos (columnas y arcos), edificios públicos (basílicas y termas),
edificios domésticos (ínsulas, domus y villas), edificios funerarios (tumbas), edificios de
ingeniería (calzadas, puentes y acueductos) además de la arquitectura religiosa con los templos.
4.2.1. TEMPLOS: siguen la disposición rectangular del templo griego pero con cambios. Solo
tienen un pórtico con columnas en la parte delantera, suelen ser pseudoperípteros, por la
influencia etrusca tienen triple cella para Juno, Júpiter y Minerva, las gradas griegas se sustituyen
por un alto podio al que se accede por una única escalinata delantera (igual que en el Altar de
Pérgamo). No hay policromía, la decoración se concentra más en los frisos que en los frontones.
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Templo Fortuna Viril (s. I a. C.): dedicado a Portuno, luego

pasó a ser una iglesia a Santa María Egipciaca en el siglo
XIX. Tiene planta rectangular, es pseudoperíptero, jónico y
tetrástilo. Mezcla diversos materiales, las semicolumas
son de un material más pobre y poroso.
Maison Carré de Nimes (s. I a. C.)
Templo de Vesta (s. VII a. C.): es un tholo dedicado a las

vestales, originalmente tenía un óculo superior por donde
salía el humo del fuego sagrado. Está edificado sobre un
podio, escalinata frontal, períptero. Está ubicado en el foro
Boario
Panteón de Agripa (s. II d. C.): esta edificación

fusiona la planimetría circular y la rectangular.
Agripa, un general, mandó construir un templo
rectangular a Neptuno, este fue destruido en
un incendio y se reconstruye como lo vemos
actualmente. Agripa lo construyó para la gens
Julia, posteriormente Adriano lo dedica a todos
los dioses del panteón romano. Es también una
fusión de volúmenes de 3 cuerpos: uno
rectangular, otro rectangular más alto y el
circular. Tiene un pórtico octástilo con
columnas de inspiración corintia. 2 exedras para albergar las esculturas de Agripa y Julio César.
La gran bóveda se sostiene gracias a un sistema de arcos de descarga con exedras poligonales y
semicirculares. Brunelleschi admiró esta construcción y quiso superarla. Pudo haber un águila
de bronce en el frontón por los clavos que hay en el. Los casetones de la gran cúpula pudieron
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tener bronce pero no lo conservamos (se hicieron cañones con el). Es un ejemplo de la
proyección hacia dentro de los edificios.
4.2.2. TEATRO: inspirado en el teatro griego pero con múltiples diferencias. Los romanos no
aprovechan la falda de una colina, lo levantan donde sea gracias al uso del arco y la bóveda, la
orchestra es semicircular y sirve para los asientos más importantes, la cávea (koilon) es también
semicircular en lugar de ultrasemicircular, se accede a los asientos por los vomitoria internos en
lugar de por los diazomata externos. La skene es mayor, es como un telón de fondo muy
decorado. Detrás de la skene se construye un cuadripórtico.
Teatro de Mérida (s. I a. C.): muestra el dominio

arquitectónico que había fuera de la urbs. Estuvo
enterrado mucho tiempo, solo se observaban 7
estructuras de la suma cávea.
Los anfiteatros eran la unión de dos teatros, tenían planta circular o elíptica. Allí tenían
lugar combates entre gladiadores y fieras porque la estructura permitía observar el espectáculo
desde cualquier ángulo. También realizaban naumaquias. Tiene las mismas partes que el teatro
romano, llegó un momento que los romanos no querían ver tragedias o comedias, acuden al
teatro a ver espectáculos violentos. Contaban con una red interna de galerías subterráneas para
establos, jaulas y dependencias denominados hipogeos. Tenían una finalidad política de
distracción (“pan y circo”).
Coliseo de Roma (s. I d. C.): construido por

Vespasiano y denominado anfiteatro Flavio
(era de la dinastía Flavia). Estaba al lado de un
coloso de Nerón, de ahí su nombre. Representa
el “pan y circo” de los romanos, era un lugar de
entretenimiento para el pueblo. En el exterior
hay tres niveles de arcos con superposición de
órdenes (toscano, jónico y corintio) y en el nivel
superior pilastras de orden compuesto. Se usó
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como cantera, en el siglo XIX vivían los mendigos en sus arquerías. Las cuatro cloacas de las
naumaquias quedan obsoletas porque pasa de moda, en su lugar se instalan 4 trampillas para
hacer el espectáculo más impresionante. Tenía un velario movido por marineros, dado su
elevado peso se sustituyeron las velas por unas de lino.
4.2.3. CIRCO: es una creación romana destinada a carreras de caballos, carros y competiciones
atléticas. Es de forma alargada, ahusada con una franja central (spina) que delimita los dos
carriles y que adornan con obeliscos, estatuas, etc. Se concentra en la spina la decoración, y a
ambos lados encontramos las metas señaladas con pilares cónicos.
Circo Máximo de Roma

(s. V a. C.): construido por
los reyes durante la
monarquía, tuvo varias
reconstrucciones.
4.2.4. COLUMNA CONMEMORATIVA: tienen la misma función que los arcos de triunfo, es decir,
propagandística. Se trata de una columna enorme con interior huevo por el que se puede
acceder a la parte superior a través de una escalera de caracol. Elevada sobre un podio, el fuste
está lleno de relieves ascendentes y helicoidales sobre las victorias del emperador al que está
dedicado. En la parte superior se sitúa una estatua del emperador que la construye, también
hay un mirador.
Columna de Trajano (s. II d. C.): actualmente

presenta en la parte superior una imagen de San
Pedro. Hay un sentido narrativo del arte en el
relieve con escenas de la victoria de Trajano
sobre los Dacios.
Columna de Marco Aurelio (s. II d. C.): con la

imagen de San Pablo en la parte superior, sus
relieves narran la victoria de Marco Aurelio
contra los germanos.
4.2.5. ARCO DE TRIUNFO: es una invención romana de

carácter propagandístico. Se sitúan en foros o lugares
importantes para conmemorar victorias de los emperadores.
Se trata de una puerta de la ciudad aislada del resto de la
muralla con uno, dos o tres vanos. Combina el arco con un
entablamento adintelado, se adorna con columnas y relieves
adosados, inscripciones, victorias en enjutas, etc.
Arco de Tito (s. I d. C.)
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Arco de Septimio Severo (s. III) Arco de Constantino (s. IV)
4.2.6. BASÍLICA: es un edificio destinado a la administración y al comercio. Tienen planta

rectangular dividida en tres naves con la central más ancha y más alta con un claristorio para
iluminar el interior. Se cubre con una bóveda de cañón en las naves laterales y bóvedas de arista
en la central. El muro de fondo tiene un ábside semicircular para albergar la estatua del
emperador y, a veces, otro ábside en el lado opuesto.
Basílica de Majencio (s. IV d. C.): está cerca del foro

pero no era parte de él. No fue finalizada por
Majencio, Constantino retoma las obras e
introdujo cambios en planta, quería hacer otro eje
por lo que hizo un ábside en uno de los lados
mayores. Tiene bóvedas encasenotadas y muestra
perfectamente la concepción de la arquitectura
hacia dentro.
4.2.7. TERMAS: son una invención romana, se instaura la costumbre de abrirlas a la población.
Una parte de las termas estaba destinada a punto de encuentro social, consta de varias partes:
apodyterium (vestuario), tabernae (tiendas), frigidarium (agua fría), tepidarium (agua
templada), caldarium (agua caliente), natatio (piscina) y palestra (gimnasio). Al principio se
establecen unas horas del día para los hombres y otras para las mujeres. Constaban de un
hipocausto para calentar el agua. Encontramos termas también en las villas romanas.
Termas de Caracalla (s. III d. C.)
60
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4.2.8. ÍNSULA: son edificios de varios pisos con distintas

viviendas en su interior dada la superpoblación y la pobreza
existentes. Están realizadas en materiales pobres como la
madera, no tenían buenas infraestructuras (retretes). En la parte
inferior del edificio encontramos tabernae para negocios.
4.2.9. DOMUS: es un edificio de único piso y unifamiliar. Consta de

3 partes: la entrada, el patio central (impluvium en la imagen) y el
jardín posterior o peristilo. Las habitaciones se organizan en torno
al patio y se dedican a una única función. Podían estar decoradas
con mosaicos y pinturas al fresco. Es notable la influencia oriental.
4.2.10. VILLA: es la residencia más rica, se sitúa en el campo y son de gran extensión y elegancia.
Constan de dos partes: una villa rústica con granjas y edificios para las labores agrícolas, y la villa
urbana con la lujosa vivienda del propietario y numerosas edificaciones para el disfrute de los
dueños (termas, teatros, etc.).
Villa Adriana (s. II d. C.)
4.2.11. TUMBAS: de herencia etrusca apuestan posteriormente por la inhumación. Dependiendo

del estatus social podemos encontrar fosas comunes para los más pobres, columbarios para
colocar cistas, lápidas para la mayoría de la sociedad, monumentos familiares elegantes y
amplios erguidos a ambos lados de la calzada y extramuros (via apia) y monumentos imperiales
de mayor tamaño donde se encontraban los restos de toda una dinastía. En este último tipo se
sigue el modelo del mausoleo de Halicarnaso.
Tumba de Calio Cestio (s. I a. C.): pirámide de mármol blanco más

estilizada.
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Mausoleo de Augusto (s. I a. C.): el aspecto exterior es de

túmulo, es un edificio con anillos y corredores para
comunicarlos. En los corredores hay nichos. Representa
la propaganda política imperial y el afán de distinción. En
época posterior se llegó a usar como plaza de toros.
4.2.12. CALZADAS: son una invención romana de ingeniería que permitieron la expansión, el
comercio y la romanización. Tienen de 90 a 120 centímetros de espesor y están formadas por
tres capas de piedras cada vez más finas unidas con argamasa y sobre estas grandes losas de
piedra. Hay tres tipos de calzada romana: viae pulicae (unen las ciudades más importantes),
viae vicinales (parten de la viae publicae y unen las vici más grandes de la misma región, son las
más numerosas) y las viae privatae (unen una villa con la viae vicinales y con la publicae).
4.2.13. PUENTES: al principio eran de madera pero posteriormente se harán de piedra con
cimbras semicirculares. Consiste en uno o varios arcos de medio punto apoyados sobre pilares
a los que añaden tajamares afilados contracorriente para reducir la erosión del agua en los
soportes. En la parte superior se construye una vía al modo de las calzadas
Puente Romano de Salamanca (s. I a. C.-I d. C.)
4.2.14. ACUEDUCTOS: el acueducto es una invención original, práctica y duradera. Su misión era
la de conducir el agua desde su origen hasta las ciudades. Son altos puentes de piedra que salvan
el desnivel del terreno. Constan de: caputaquae (depósito de cabecera del que arranca el
acueducto creado junto a una fuente de agua), rins (conducto sobre el acueducto cubierto por
lajas por el que se desliza el agua), rius subterraneus (canal cerrado cuando subía el terreno de
manera natural) y arcuationes (arcos creados para evitar cortar el paso a las aguas de la
superficie).
Acueducto de Segovia (s. II a. C.)
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4.3. Escultura Romana:

En este campo también imitaron a los griegos. Parten de esa esencia, pero la modifican.
Esta influencia llega por tres vías: etruscos que comercian con los griegos, por las colonias
griegas del sur de Italia y Sicilia a mediados del siglo VIII a. C. (Magna Grecia) y por el control
sobre los griegos con la expansión del Imperio. Tras la consolidación del Imperio reciben más
influencias, sobre todo orientales, alejan la escultura clásica hacia la “abstracción” (referida al
escaso realismo). Heredaron de los griegos las técnicas escultóricas como la talla del mármol y
la fundición en bronce a la cera perdida. Por el contrario, la escultura romana es mucho más
realista lo que la aleja de la escultura clásica griega. Esto es más notable en durante la república.
Los escultores estarán menos considerados socialmente, son artesanos, su obra no contribuye
a facilitar la vida de los ciudadanos. Los escultores recibían órdenes muy claras de sus mecenas
por lo que no optaban a la originalidad. Los escultores son muchas veces esclavos griegos
llevados a Roma y a veces convertidos en libertos. Hay dos momentos donde la influencia griega
es muy importante:
× SS. II-I a. C.: cuando Grecia depende de Roma, muchos escultores son llevados a la urbs
× Neoaticismo (s. II d. C.): por la admiración del emperador Adriano hacia el arte griego.
Desarrollarán la escultura en dos tipologías: el retrato y el relieve.
4.3.1. EL RETRATO: representa la principal diferencia entre los griegos y los romanos. Mientras
los griegos se centraron en el hombre de manera genérica, los romanos se centraron en un
hombre en concreto que reúne el poder. Lo más característico es que es una escultura realista
pese a que en los neoaticismos se tienda a la idealización, estos momentos se deben a la copia
de los originales griegos y por la llegada de escultores griegos como Pasiteles, Srefanos o
Menelao. La influencia etrusca se hace patente en la escultura realista de las efigies en los
sarcófagos, la griega en el retrato realista helenístico y la tradición romana de las imagines
maiorum. Hay dos tipos de retrato:
1. Privado: doméstico, más natural y realista porque no interesaba tanto mostrar poder. Tiene
su apogeo durante la república. Viene de la tradición de las imagines maiorum basadas en
las mascarillas funerarias de los difuntos, por ello lo más habitual son los bustos aunque con
el tiempo se pasa a hacer esculturas de cuerpo entero. Son plasmaciones frontales y poco a
poco se introducen giros de cabeza y composiciones de grupo más naturales. Aquí se percibe
la evolución hacia la idealización griega abandonando un poco el realismo, sobre todo en la
época imperial.
Retrato de Cayo Mario (s. I a. C.)
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Brutus Barberini(s. I a. C.): es un ejemplo de cómo

se pasa del busto al cuerpo entero. El grupo nos
muestra a un patricio romano con sus antepasados
queriendo demostrar el orgullo por su familia.
Herencia de la Grecia Clásica en los plegados y en el
contraposto.
Catón y Porcia (s. II d. C.): hay

dudas sobre su datación, antes
se consideraba un retrato de
dos esposos pero ahora es de
un padre y su hija. El peinado de
la mujer es propio de la época
de Adriano, el rostro masculino
es más realista y el femenino
más idealizado.
Retrato de una matrona de la dinastía

Flavia (s. I d. C.): es un busco corto,
rostro muy genérico e idealizado.
Peinado “nido de avispa” muy popular
en la época.
2. Imperial: de carácter público, es más ambicioso, es una escultura propagandística, solo es

realista en la cabeza para que se pueda distinguir a quién retrataba. Se desarrolló a partir
del siglo I como herramienta de propaganda a través de la idealización de las figuras. Surgen
modelos preestablecidos a los que solo hay que añadir las cabezas de los retratados.
Distinguimos 4 modelos recurrentes en el retrato imperial: togado (emperador como
administrador de ley o pontifex máximo religioso), toracato (como jefe militar), ecuestre
(jefe militar y monumental, realizado en bronce) y divinizado (el emperador es asociado con
un dios, son retratos normalmente realizados tras la muerte).
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Augusto togado (s. I): es

una representación
propagandística de
Octavio Augusto velado
como sumo pontífice,
une lo político y militar
con lo religioso. Pliegues
de influencia griega (no
llegan al virtuosismo de
Fidias) y contraposto.
Augusto Prima Porta (s. I): es un retrato toracato,

Augusto como jefe militar. En ambas manos estaría
sosteniendo una corona de laurel y un bastón de
mando respectivamente. Augusto puso mucho
empeño en recalcar la pax augusta y para ello utilizó
el arte. Lleva una coraza historiada con una
iconografía muy trabajada que hace hincapié en ese
mensaje de paz, tiene representaciones de la
Aurora, Venus, Marte, mitología romana, etc. Está
descalzo como símbolo de divinización y tiene un
pequeño cupido, esto se debe a que Augusto trató
de vincular la gens Julia a los orígenes míticos de
Roma. La figura es de carácter realista, las posturas
y el reparto del peso son creíbles y naturales, el
rostro tiende un poco a la idealización, pero está
individualizado y podemos reconocer al personaje.
Tiene una serie de paños muy logrados al igual que
la vestimenta militar, el brazo que se eleva rompe la
verticalidad junto con el ligero giro de cabeza.
Retrato ecuestre de Marco Aurelio (s. II): escultura

realizada en fundición de bronce a la cera perdida con
pátina dorada. Conservamos la escultura en nuestros
días porque fue confundida con la imagen del
emperador Constantino (edicto de Milán 313 d. C.), si
no, hubiera sido usada para cañones o para otros fines.
Se cree que furmaba parte de un grupo escultórico con
un bárbaro vencido a los pies del caballo pridiendo
clemencia. Es una escultura enorme que glorifica
militarmente al emperador. Plegados del emperador
muy realistas, la composición genera movimiento
gracias a la técnica escultórica usada.
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Retrato de Claudio como Júpiter (s. I): escultura realizada tras

la muerte de Claudio. Tiene una corona de laurel, rostro
reconocible pero el resto del cuerpo está totalmente
idealizado. Pies descalzos, águila mira al emperador,
contraposto en piernas y brazos, plegados muy realistas.
Antinoo Farnesio Antinoo Dionisos
4.3.2. EL RELIEVE: es la decoración para la arquitectura siguiendo el afán propagandístico de los

arcos de triunfo y columnas conmemorativas. Los temas son principalmente históricos con los
acontecimientos importantes de la vida de los emperadores como victorias militares, etc. No
hay originalidad, es un arte oficial dictado desde arriba. Hay una gran acumulación de detalles
que hacen hincapié en la propaganda. Encontramos dos tipos: relieve fragmentado (escenas
sueltas en distintos puntos de un monumento aunque puedan tener cierta relación) y relieve
continuo (representación de una escena sin interrupciones, casi de manera cinemática).
Ara Pacis (s. I a. C.-I d. C.): ejemplo del relieve

fragmentado. Fue construido durante el mandato de
Augusto, retoma el mensaje de la pax augusta, era
una altar para sacrificios destinado a los campos de
Marte. Es un recinto rectangular con escaleras
delanteras para los sacerdotes y puerta trasera para
los animales. Se sacrificaban normalmente dos bueyes
y un carnero. Está construido sobre un podio. Por
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dentro tiene decoración con relieves pero sin ningún tema iconográfico en especial, la
decoración es a base de guirnaldas, bucráneos y motivos vegetales (roleos y grutescos). La parte
exterior está decorada con paños de relieves con temática sobre la pax augusta. En la entrada
había dos alegorías pero solo conservamos una de Eneas, en ambos lados hay cortejos. Está
realizado en mármol de Carrara. Alegorías con genios fecundadores del agua y del aire hacen
referencia a la abundancia conseguida con la pax augusta. Está representado el cortejo de la
familia de Augusto, magistrados, senadores y personajes públicos. Estas escenas nos recuerdan
al friso de las Panateneas de Fidias en el Partenón. Aquí las caras son más realistas, representan
a gente real, hay profundidad con distintos niveles de relieves. En el nivel inferior vemos
decoración vegetal con grutescos (como en la domus aurea de Nerón), encima una greca y en
nivel superior el cortejo.
Saqueo de Jerusalén, Arco de Tito (s. I d.C.): los

soldados del Imperio portan el candelario de 7 brazos.
No representa el saqueo del templo sino la entrada de
los soldados por un arco de triunfo a la ciudad de Roma.
Tiene un sentido narrativo, justo en frente de este
relieve podemos ver al emperador entrando en Roma
con la victoria detrás y encima, en el intradós del arco,
la apoteosis de Tito.
Triunfo de Tito Apoteosis de Tito
Relieves de la columna de Trajano (s. II d. C.): sentido

ascendente, una única escena de las 2 victorias de
Trajano sobre los Dacios, ambas victorias separadas por
una victoria. Errores compositivos, anatomía
imperfecta más notables en la parte superior (no se
ven), desorden y caos. Es una fuente para saber cómo
funcionaba el ejército romano. Hay una alegoría del
Danubio.
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EL ISLAM: EL ARTE BAJO LOS OMEYAS Y LOS ABASÍES. LA INVASIÓN DE LA PENÍNSULA

IBÉRICA: LA CULTURA HISPANOMUSULMANA Y SUS MANIFESTACIONES ARTÍSTICAS EN
LOS PERÍODOS CORDOBÉS, DE TAIFAS, LAS DINASTÍAS AFRICANAS Y EL REINO
NAZARITA.
El arte hispanomusulmán es una fusión de la tradición hispana y musulmana. Es un arte

desarrollado en al-Ándalus entre los siglos VIII y XV. La tradición hispana fue desarrollada por los
visigodos hasta la ocupación árabe, esta a su vez era heredera del arte romano. La tradición
musulmana les viene directamente de su Arabia natal. El arte Hispanomusulmán es por tanto
una variedad del arte islámico. Surge vinculado al islam y se expande por Arabia al mismo tiempo
que la religión. Las fases de la expansión fueron:
Predicación de Dinastía Dinastía

Mahoma Omeya Abasida
622-661 661-750 750-1055
Con la expansión se van absorbiendo distintos estilos artísticos (arte parasitario).

Aunque cambiara la capital política (primero en Damasco y luego en Bagdad), la capital religiosa
se seguirá manteniendo en La Meca. El islam se rige por unos preceptos religiosos que
condicionan el arte: todos los creyentes obedecerán al Corán, fe monoteísta (solo existe Alá), la
obligación de hacer proselitismo (lo que les lleva a expandirse), deben orar 5 veces al día hacia
La Meca y peregrinar allí al menos una vez en la vida, ayunar durante el ramadán y dar limosna.
Debido a estos preceptos, el arte islámico se caracteriza por ser un elemento de cohesión en los
territorios culturalmente diferentes, es un arte parasitario que se adapta muy bien. Sirve de
puente entre oriente y occidente, mantuvieron viva la antigüedad clásica y lo aunaron con la
Edad Media. Predomina la arquitectura frente a la escultura y la pintura por ser un arte
estrechamente ligado a la religión y por el aniconismo islámico que les impide representar al
ser humano en el arte.
× MATERIALES: son bastante pobres pues el arte musulmán surge en el desierto. Predomina
la madera, el estuco, el yeso, etc. Con el tiempo se emplearán materiales más ricos. Dentro
de la arquitectura hispanomusulmana encontramos yeso, madera, estuco, ladrillo, azulejo,
piedra y mosaicos.
× ELEMENTOS SUSTENTANTES:
contrafuertes adosados al muro,
pilares, columnillas delgadas con
variedad de capiteles, arcos de
herradura ya usados por los
visigodos, pero más cerrados,
trilobulado, polilobulado,
angrelado, de entibo, geminado,
festoneado, peraltado, emiral
cordobés, califal cordobés, de
medio punto, entrecruzados,
tumidos. Modillones de rollo.
×
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× CUBIERTAS: hay gran variedad de cubiertas. Usan tanto soluciones adinteladas con
artesonados de carpintería (esta tradición pasa al Mudéjar), bóvedas de crucería cuyos
nervios no se cruzan en el centro, cúpulas gallonadas, cúpulas de venera, bóvedas de
mocárabes…
× DECORACIÓN: hay un gran contraste entre el exterior y el interior, siendo sobrios, sencillos
y casi sin decoración en los exteriores y profusamente ricos y lujosos en el interior. Prima el
horror vacui, todas las superficies son cubiertas de adornos de pequeño tamaño. Se realiza
a base de yeso, estuco, madera, piedra, cerámica vidriada y mosaicos. Hay distintos motivos
que comparten la simetría, repetición, multiplicación y subdivisión (concepción
matemática). Ataurique, lacería, decoración epigráfica con caracteres cúficos y nesjíes,
sebka y arabescos. También mosaicos de tradición bizantina en materiales muy ricos
A todo esto hay que sumar el hedonismo, este arte refleja una sociedad que buscaba el
placer a través de la música (instrumentos, sonido del rumor del agua, pájaros, etc.), aromas
(nichos incensarios), tacto (cojines, alfombras) y de la literatura (poemas en la decoración
arquitectónica). Este modo de vida es totalmente distinto a la austeridad de los coetáneos
castillos medievales cristianos.
Desarrollaron diferentes tipologías que demuestran la unión entre la política y la

religión. Por un lado destaca la mezquita, lugar destinado a la oración comunitaria y para la
administración de justicia, está orientada hacia La Meca, es de planta rectangular porque
imitaba la casa de Mahoma y encontramos tres
tipos: maysid (pequeña, para la oración diaria),
aljama (mayor, para la oración de los viernes) e
idgah (solo una quibla con un mihrab). La
mezquita cuenta con un sahn o patio, alminar o
minarete para llamar a la oración, sabil o fuente,
haram o sala de oración, riwaq que son las
arquerías exteriores, muro de la quibla, mimbar
o púlpito portátil y un mihrab en el centro de la
quibla que indicaba hacia donde hay que dirigir la
oración.
La otra tipología a destacar es el palacio. Los

palacios eran la residencia del emir o del califa.
Siguen la tradición oriental que lo concibe como
una ciudad dentro de una ciudad, son asimétricos
y las estancias se organizan en torno a patios.
Constan de jardines, serrallos, alcazabas, mexuar,
etc. Interiores muy ricos y exteriores austeros.
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Emirato Emirato
Califato de
Dependiente de Independiente 1ª Taifas
Córdoba
Damasco de Bagdad 1031-1086
929-1031
711-750 756-929
Unificación Unificación Reino Nazarí

2ª Taifas
Almorávide Almohade de Granada
1143-1173
1086-1143 1173-1212 1237-1492
6.1. Etapa Cordobesa (711-1031):

Es el período de mayor extensión y poder de al-Ándalus en la península ibérica. Se
suceden el emirato dependiente de Damasco, el emirato independiente de Bagdad y el califato
de Córdoba. Es en este momento cuando se configura el arte hispanomusulmán por las
influencias hispanorromanas, visigodas e islámicas.
× MATERIALES: ladrillo, yeso y madera a lo que se le suma la tradición de la piedra labrada.

También usan material de acarreo de construcciones romanas.
× CUBIERTAS: bóvedas de cañón, arista y crecería a veces combinadas en un mismo espacio.
× SOPORTES: columnas de fuste de mármol, capiteles vegetales que imitan al corintio y al
compuesto, decoración con labor de trépano que deriva posteriormente en el capitel de
avispero. Predomina el arco de herradura cerrado, los lobulados y entrecruzados, hay una
tendencia a la superposición y a la decoración con dovelaje alterno.
Mezquita de Córdoba (ss. VIII-

XI): es una aljama, los cambios
políticos durante la etapa
cordobesa se ven reflejados en
las distintas ampliaciones que
sufre la mezquita con cada
nuevo emir o califa. Refleja
también el carácter parasitario,
usa materiales de acarreo
reutilizando columnas, capiteles
y piedras de construcciones anteriores. Se construye sobre la antigua basílica visigoda de San
Vicente Mártir (con influencias de la Roma tardía). Las ampliaciones que sufrió fueron las
siguientes:
1. Abderramán I (786-788): construye la mezquita original

pequeña (amarillo).
2. Hisham I (790): construye el primer patio y el primer
alminar.
3. Abderramán II (833-855): tira el muro de quibla y amplia
el sahn y el haram (naranja).
4. Abderramán III (Califato, 952-958): construye un patio y
un alminar mayores.
5. Al-Hakan II (961-965): tira el muro de quibla, amplía la
planta y construye lo más lujoso de la mezquita (maxura y
mihrab). Llega al máximo de longitud (está el río).
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6. Almanzor (1000): como no podían ampliar en longitud ampliaron hacia la izquierda la sala
de oración y el patio. Es por esta ampliación por la que el mihrab construido por Al-Hakan
queda descentrado.
A lo largo de la historia la mezquita de Córdoba fue “cristianizada”, el minarete fue

forrado y se construyó una catedral en medio de la mezquita por Hernán Ruiz el Viejo y Hernán
Ruiz el Joven.
Los soportes usados son el muro rectangular

reforzado con contrafuertes y en el interior el arco de
herradura no muy cerrados. Sobre la primera arquería
que divide las naves de la mezquita se construye una
segunda arquería de arcos de medio punto peraltados
apoyados sobre pilares. Los pilares descansan sobre los
capiteles de la primera arquería, como transición entre
ambas superficies se colocan los modillones de rollos.
Hay dovelaje alterno (blanco y rojo). La decoración se
concentra en la maxura y en el mihrab, en esta zona la alternancia de dovelas se realiza con
labor de ataurique en unas y dovelas lisas. La maxura está rematada con una cúpula gallonada
sobre una bóveda de crucería, todo profusamente decorado con mosaicos muy ricos en oro,
plata, cobre, lapislázuli, caracteres cúficos con textos del Corán, ataurique y motivos
geométricos. El mihrab es un nicho en la pared que
no contiene nada, se entra por un arco de herradura
enmarcado por un alfiz y albanegas, decoración con
mosaicos, epigrafía y ataurique. El interior se remata
con una bóveda de venera. Al exterior es todo
mucho más sobrio, salen a la vista los materiales
pobres, solo decoran las puertas adinteladas con
arcos de herradura falsos, vanos geminados, arcos
entrecruzados y polilobulados con celosías.
Medina Azahara (s. X): es un palacio

(arquitectura civil), significa “la bella” o “la
resplandeciente”. Fue una ciudad espléndida en
su época. Tras el califato se da la fitna, esta
guerra civil fragmentó el poder y se
establecieron los reinos de taifas, es entonces
cuando Medina Azahara es abandonada y
destrozada, se utilizó como fuente de material
de acarreo. Tiene una planimetría más clara que
los palacios persas y del próximo oriente.
Refleja el carácter hedonista y como la
arquitectura está concebida para los placeres
terrenales. Fue construida por Abderramán III,
estaba obsesionado con epatar a la gente. El
salón de Abderramán III sigue la decoración
con dovelaje alterno con dovelas rojas lisas y
dovelas blancas labradas. Se decora con paños
de estuco, capitel de avispero, etc.
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Mezquita de Bib al-Mardum (999): conocida también como

ermita del Cristo de la Luz está situada en Toledo. Es un
edificio religioso, es una mezquita de tipo maysid para el uso
cotidiano. Tiene una planta cuadrada dividida en 3 naves con
nueve cuadrados en total. No hay mihrab (pudo haber uno
portátil), el ábside es un añadido cristiano. El cuadrado
central tiene cuatro cuerpos en
altura, hay bóvedas estrelladas o
de crucería en todos los cuadrados. Realizada en ladrillo y con
material de acarreo, tratan de imitar los capiteles clásicos pero
simplificándolos. Al exterior vemos paños de sebka sobre arcos
entrecruzados.
6. 2. Etapa de Taifas:
Tras el esplendor del califato se fragmentó el poder político y el territorio en pequeños
reinos de taifas como consecuencia de la fitna o guerra civil. En el 1031 hubo tres taifas con 2
intentos de unificar el territorio otra vez por la ayuda de los almorávides y almohades. Después
de esto se produce el esplendor del Reino Nazarí de Granada como último reducto musulmán
en la península Ibérica. La época más destacable es la de los primeros reinos de taifas (1031-
1086).
Se usan materiales sencillos, en vez de sillería como en el califato se usa mampostería,

ladrillo madera y yeso. Es una arquitectura más perecedera (conservamos pocos ejemplos) y
heredera del último período califal, abunda el clasicismo y la pureza cordobesas por la
exuberancia, hay muchos adornos pequeños en yeso. Arcos cada vez más complicados, se usan
arcos mixtilíneos, polilobulados y entrecruzados. Se desarrollan más construcciones político-
militares que religiosas por ser un período de conflictividad. Se construyen alcazabas frente a
mezquitas, hay gran heterogeneidad por la fragmentación del territorio (taifa de Zaragoza es
preciosista, la de Málaga es más fiel a Córdoba, etc.).
Aljafería de Zaragoza (s. XI): sufrió grandes

destrozos durante los sitios de Zaragoza. Era una
alcazaba rodeada de una muralla. En el siglo XII fue
convertida en un palacio cristiano. Tiene torres
ultrasemicirculares inspirándose en las torres de los
palacios omeyas de Siria y Jordania del siglo VII. Es
de planta cuadrangular, tiene una torre de planta
cuadrangular. Planta dividida en tres sectores, solo
el central estaba edificado. Tiene una pequeña mezquita, el famoso salón dorado, todo muy
ricamente decorado con arcos polilobulados,
mixtilíneos entrecruzados, lacería, ataurique,
caligrafía (horror vacui). Mihrab de la mezquita con
dovelaje alterno, veneras en las albanegas
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Alcazaba de Málaga (s. XI): tiene

torres cuadradas y poligonales,
construida con material de
acarreo proveniente del teatro
romano situado a sus pies. Usan el
arco de herradura para
mantenerse fieles al estilo
cordobés. Patio de la alberca.
6.3. Período de Invasiones:

Como consecuencia de la mala política de las taifas, se produjeron 2 invasiones de
dinastías musulmanas del norte de África dispuestas a reunificar el territorio. Fueron por un lado
los almorávides entre los años 1086 y 1143 y los almohades entre los años 1173 y 1212. Su
prioridad era restaurar la ortodoxia religiosa ya que rechazaban los excesos de las etapas
anteriores. Emplean el ladrillo como material constructivo, hay grandes superficies desnudas,
poca ornamentación, se reduce a paños de sebka y mocárabes. Arcos de herradura ahora
apuntados (tumidos). Prima la austeridad y el militarismo.
Giralda de Sevilla (1172): era el minarete de la antigua mezquita

mayor de Sevilla sobre la que se construyó la actual catedral. Tiene
los 4 lados idénticos. El minarete estaba posicionado en uno de los
laterales de la mezquita, no en el patio. El mihrab estaba en el
centro, sahn con arcos de herradura apuntados (aun los
conservamos). La Giralda de Sevilla es hermana de los minaretes
de las mezquitas de Qutub-biya (Marrakech) y de la de Rabat. Se
caracteriza por la sobriedad en la decoración concentrada en
paños de sebka en el nivel intermedio. Los balcones están
enmarcados por arcos ciegos, arcos geminados tumidos,
polilobulados y de herradura. El eje vertical está muy marcado. Con
la dominación cristiana se tira el remate del minarete (encima del
nivel intermedio) y se pone un remate renacentista de Hernán Ruiz
el Joven. El giraldillo colocado en lo más alto de la torre es una
personificación de la fe. El nuevo remate estaba decorado con
pinturas de Santos.
Torre del Oro (Sevilla, 1220): en Sevilla se ampliaron las murallas y se le

colocaron torres jalonadas. Tenía un fin militar, protegía la ciudad de las
amenazas que pudieran llegar por el río. Es una torre albarrana, es decir,
exenta de la muralla, servía como avanzadilla a la defensa (si tomaban la
torre se destruía el puente de unión entre la torre y la muralla). Se cree
que se llamaba “torre del oro” por su recubrimiento con cal y paja que le
darían un aspecto dorado. Tiene un primer cuerpo dodecagonal acorde
con los preceptos almohades (austeridad y sencillez), aspilleras y vanos
más grandes rematado con merlones y almenas. El segundo cuerpo es del
siglo XIV y el tercer cuerpo del XVIII añadido por el terremoto de Lisboa.
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Torre de la Plata (Sevilla)
Patio del Yeso, Reales Alcázares de Sevilla (ff. s. XII):

pervivió el sentido oriental de las plantas (laberínticas y en
torno a patios) en época cristiana. Es un patio sencillo con
una alberca en el centro, arcos de herradura ciegos en uno
de los lados mayores y un pórtico con arcos apuntados y
labor de sebka a modo de celosía en el otro.
6.4. Etapa Nazarita (1237-1492):

Es la etapa durante la cual el Reino Nazarí de Granada era el último reducto musulmán
de al-Ándalus ante el avance cristiano. El arte es más cortesano, el palacio cobra importancia en
detrimento de la mezquita. La arquitectura se rige por el hedonismo. Usa materiales más pobres
enmascarados por la decoración (horror vacui). Prima la belleza sobre la solidez. Representa la
decadencia del arte cordobés, se aparta totalmente del clasicismo inicial cayendo en derroches
decorativos cada vez más complejos. Toma prestados elementos de la tradición cristiana como
los arcos de medio punto peraltados, pero le añaden tanta decoración al intradós que todo está
cubierto por angrelados o mocárabes y da una apariencia de cortinajes. Usan bóvedas que
desaparecen bajo la gran cantidad de adornos, bóvedas de mocárabes poligonales y estrelladas.
Surge la columna nazarita o granadina empleada sobre todo en la Alhambra. Es muy delgada por
ello suelen agruparse de dos en dos, de tres en tres o de cuatro en cuatro. El capitel tiene dos
partes: inferior cilíndrica con una cinta ondulante y superior cúbica con decoración de ataurique.
Se hacen juegos naturales de luces y sombras.
Alhambra de Granada
(1238-1492): es un recinto
palaciego que consta de
alcazaba, estancias, patios,
los jardines del Generalife…
Situada sobre el
promontorio de la Sabika
fue comenzada a construir
en 1238 con los edificos
más antiguos de la mano de
Mohamed I (este era
pelirrojo, se cree que de ahí
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viene el nombre de Alhambra). En su época estaban los exteriores encalados. Lo más prototípico
del estilo granadino o nazarí pertenece al siglo XIV cuando se añaden las típicas columnas
granadinas para modernizar las antiguas estancias. Es una ciudad laberíntica distribuida en torno
a patios y que cada rey ampliaba. En el siglo XIX estaba completamente abandonada, cuando
Washington Irving escribe sus Cuentos de la Alhambra se pone de moda y comienzan las
restauraciones.
El mexuar era la sala para administrar

justicia y recibir a los invitados. Era una sala
oficial y pública. La cubierta adintelada
descansa sobre 4 columnas nazaritas (no
tienen realmente una función sustentante).
Tienen decoración epigráfica con poemas
hedonistas y que ensalzan la figura del rey
así como motivos de ataurique y lacería.
Es un patio porticado cuyas columnas se

agrupan de dos en dos, de tres en tres o de
cuatro en cuatro. Realizadas en piedra
blanca de las canteras de Macaelo. Usa arcos
de medio punto peraltados y decorados en
el intradós con mocárabes y angrelados lo
que les da aspecto de arcos apuntados y de
cortinajes. Encima de las arquerías hay labor
de sebka. La fuente central tiene 12 figuras
de leones que rompen con el aniconismo islámico (durante esta época se rompió un poco con
la ortodoxia de las unificaciones optando por los placeres), se cree que podrían representar los
12 signos del zodiaco y los 4 canales a los cuatro ríos árabes del Corán. Vemos también pinturas
realizadas por cristianos ya que Pedro I mandó artesanos a pintar las salas de la Alhambra a
cambio de artesanos musulmanes para la decoración de los Reales Alcázares de Sevilla.
La sala de las dos hermanas está en uno de los lados mayores y

entra hasta ella una de las canalizaciones de agua de la fuente central
del patio de los leones (al norte). Se cree que se llama así porque
tiene dos piedras iguales en el centro. Está decorada en el nivel
inferior por azulejos con decoración de lacería, encima paneles de
estuco con ataurique y encima, sobre un tambor poligonal con vanos,
una bóveda de mocárabes que estuvo policromada y que hace
espectaculares juegos de luces y sombras. La planta de la sala es
cuadrada.
La sala de los Abencerrajes era en la que

supuestamente fueron asesinados este linaje nobiliario, es de
planta cuadrada, pero tiene un tambor estrellado que adapta la
bóveda de mocárabes. En esta sala dormía el rey.
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El patio de los Arrayanes o patio de la alberca

está situado al lado del mexuar y tiene una alberca
central flanqueada por dos macizos de arrayanes..
Tiene en ambos lados menores un pórtico con
arcos de medio punto peraltados y labor de sebka.
Desde el pórtico norte se accede a la torre de
comares decorada con sebka, ataurique y celosías
en su interior.
Jardines del Generalife Mirador de Lindaraja
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EL ROMÁNICO. LA ARQUITECTURA, LA ESCULTURA, LA PINTURA Y LAS ARTES

APLICADAS EN FRANCIA, ITALIA, ALEMANIA, INGLATERRA Y ESPAÑA.
El arte Románico es el arte desarrollado en Europa entre los siglos XI y XIII denominado
así a principios del siglo XIX por su semejanza con las lenguas romances y por sus similitudes con
el arte Romano. Es el primer estilo unitario que se da por igual en el continente europeo desde
el arte Romano. Surgen unos rasgos comunes pese a las particularidades de cada territorio y su
personalidad. Durante la alta Edad Media (ss. V-X) se dieron estilos muy variados como el
visigodo, asturiano, mozárabe, carolingio o vikingo. A partir del siglo XI surge el Románico y
posteriormente el Gótico en el siglo XIII.
La sociedad de esta época es mucho menos material, primaba la belleza espiritual. La

mayor parte de la sociedad vive en el mundo rural y trabajan para los poderosos (órdenes
monacales, nobleza y realeza). Es una época dominada por el miedo, hay hambrunas derivadas
de la vida pobre y rústica, matanzas por las guerras y las cruzadas, superstición milenarista y el
temor por el juicio final y la liberación de Satanás. La iconografía está llena de monstruos.
Esta sociedad se regía por un sistema feudal por el cual los vasallos debían fidelidad
absoluta a sus señores de acuerdo con sus respectivos estamentos y siguiendo el modelo de la
perfecta “ciudad de Dios”. Los privilegiados serán el clero, la realeza y los nobles; y los no
privilegiados los campesinos libres y siervos.
El arte Románico es un arte dictado desde arriba, la vida rural se articulaba en torno a
los monasterios convertidos a partir del modelo de Cluny en instituciones de poder paralelas al
político y que organizaban su vida en torno a la regla de San Benito, “ora et labora”. Los mayores
se dedicaban a rezar y estudiar mientras que los más jóvenes trabajaban las tierras junto con los
campesinos. De este modo surgen vías de contacto entre los distintos monasterios que
contribuyen a difundir la liturgia romana y el propio arte. Las peregrinaciones tuvieron un
importante papel en la configuración del arte Románico y su propagación, el miedo milenarista
conduce a la sociedad a buscar protección divina en las reliquias de santos recién descubiertas.
Los monasterios en los que se conservaban las reliquias se convirtieron en importantes centros
de pregrinación siendo necesario erigir grandes edificios como relicarios que pudiesen acoger a
los peregrinos. Al mismo tiempo estas rutas de peregrinación permitieron la propagación de las
distintas influencias culturales. Los principales focos de peregrinación fueron Santiago de
Compostela, Roma y la Tierra Santa.
7.1. La Arquitectura Románica:
La arquitectura será el aglutinante de las demás artes, la escultura y la pintura son

complementos de la arquitectura. Es una arquitectura maciza, pesada y torpe (supone un
“retroceso” respecto a Roma), lo que provoca que los edificios resulten tan oscuros como la
mentalidad de la Edad Media. Destaca el afán de monumentalidad y la perdurabilidad con un
cambio respecto a Roma: no interesa recordar a un nombre en concreto sino ensalzar a Dios.
Debido a la unificación del Románico, los elementos arquitectónicos se repiten por todo el
territorio europeo aunque cada lugar tenga una identidad propia:
× SOPORTES: predomina el muro macizo sobre el vano. Externamente se usan contrafuertes

o estribos adosados al muro para reforzarlo. Internamente el pilar es el soporte más usado
por su resistencia, las columnas se reservan a los claustros. Se usan distintos tipos de pilares
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como cruciformes, fasciculados (para recoger los nervios de las bóvedas de arista),
embebido, cuadrifolio, etc. Los arcos se heredan de Roma, el arco de medio punto es el
protagonista, existen arcos formeros que separan la nave central de las laterales y los arcos
fajones que sostienen el peso de una bóveda de cañón.
× CUBIERTAS: también derivan del arco de medio punto, usan la bóveda de cañón, bóveda
de arista, bóveda de horno y la cúpula para el crucero y revestida con un cimborrio exterior.
Se usan las pechinas para adaptar la planta circular de la cúpula a la cuadrada del crucero.
Al exterior son techumbres a dos aguas en la nave central y a una vertiente en las laterales.
× TORRES: solían contar con dos situadas a los pies generalmente de planta cuadrada o
rectangular (or la influencia bizantina podemos encontrar algunas de planta circular).
Servían como campanarios y era símbolos de la unión entre Dios y los hombres y como
testimonio desde la distancia del poder de la Iglesia
Como era una sociedad teocéntrica cobra gran importancia la arquitectura religiosa son
nuevas tipologías propias del Románico:
1. Monasterio: representa la ciudad de Dios con modelo repetido a partir de la construcción y

popularización del monasterio de Cluny con una iglesia, sacristía, claustro, dormitorios,
cocinas, refectorio…
2. Iglesia de peregrinación: es un enorme relicario de piedra con una solución llamada
deambulatorio que permitía acercarse a las reliquias, venerarlas y marcharse sin entorpecer
el paso del resto de peregrinos.
3. Iglesia rural: comparten las características básicas de los otros modelos, pero son más
pequeñas y sencillas por destinarse a una comunidad reducida.
Independientemente de su tamaño, las iglesias románicas suelen compartir la misma

planta. Esta planta parte de las basílicas romanas, pero la combinan con el simbolismo cristiano
de la cruz latina. Las iglesias repetirán constantemente los mismos elementos. Asimismo, cada
parte de la planta tiene una iconografía en concreto y una simbología con significado religioso.
El pórtico tiene representaciones del juicio final y grandes programas iconográficos con finalidad
catequética, torres, 3 o 5 naves para los fieles con la central más alta, transepto perpendicular
a la planta y con el crucero en el centro donde se eleva una cúpula y un cimborrio al exterior y
por último encontramos la cabecera con el ábside, absidiolos y la girola. El crucero simboliza a
los cuatro evangelistas, los pilares a los apóstoles y a los profetas, los sillares a cada fiel, la cúpula
del crucero la bóveda celeste y los muros al pueblo cristiano.
Abadía de Cluny (1080 a. C.): la

construcción original, Cluny I, por
Guillermo I de Aquitania que donó un
terreno de caza a una orden benedictina,
la orden de Cluny. Esta primera iglesia
ganó cada vez más y más fama hasta que a
mediados del siglo X se creó Cluny II (948).
Por la competencia con otros monasterios
y la necesidad de un espacio más grande
para albergar a los fieles se construyó la
iglesia definitiva, Cluny III. Esta tenía dos transeptos generando una planta de cruz arzobispal o
patriarcal, se compone de 5 naves, un nártex y torre a los pies, ábside con girola y absidiolos.
Tiene muchos añadidos posteriores como arbotantes o frontones renacentistas. Fue destruida
durante la Revolución Francesa y ahora solo conservamos dos de las muchas torres que tuvo.
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Catedral de Durham (1093): el Románico inglés se

caracteriza por ser más prismático y recto, la
influencia de este estilo les llega por la invasión
normanda de Guillermo el Conquistador. La
edificación tiene una estructura románica con
añadidos góticos (pináculos, vidrieras, etc.). Planta
muy alargada con transepto central y testero plano,
usa una mezcla entre bóvedas de arista y de crucería
como transición
entre el
Románico y el
Gótico. Destacan
las grandes
columnas (pilares circulares) de original diseño estriado y
con formas de flecha. Estos pilares recogen los nervios de
las bóvedas.
Catedral de Espira (1030): es de gran

tamaño, está realizada en piedra arenisca
rosa y tiene una techumbre centroeuropea
barroca. Sufrió también durante la
Revolución Francesa y con Luis XIV que
destruyó las tumbas de los emperadores
alemanes. Tiene una planta de cruz latina, la
nave central es el doble de alta que las
laterales, transepto y cimborrio en el
crucero.
Catedral de Pisa (1063): situada en la Piazza

Dei Miracoli en la ciudad italiana de Pisa. La
construcción de la catedral fue posible
gracias al 10% del botín ganado en la lucha
contra las Islas Baleares (su construcción
tuvo una motivación política). El Románico
italiano difiere un poco del estilo genérico
europeo a pesar de usar los mismos
elementos. Se caracteriza por la
superposición de arquerías sobre
columnillas. Está realizada en piedra blanca,
tiene planta de cruz latina con cinco naves, la techumbre no era abovedada con una bóveda de
cañón sino que probablemente tendría un artesonado de madera. Los soportes son columnas
de inspiración clásica que imitan al capitel compuesto (por ello se cree que no habría bóveda
pues los soportes no la aguantarían). El aspecto interior es muy aéreo comparado con el resto
de la arquitectura románica.
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Catedral de Santiago de Compostela (1075): se

levantó sobre construcciones anteriores. Santiago
de Compostela era y es el punto final de las rutas
occidentales de peregrinación. A principios del siglo
IX se descubre la tumba del apóstol Santiago
(supuestamente siguiendo unas luces, de ahí el
nombre de “Compostela”, campo de estrellas). A
finales del siglo X Almanzor llega hasta aquí y
destruye la iglesia pero respetaron la tumba. Tiene
una fachada barroca añadida y proyectada por
Fernando de Casas Novoa. La catedral presenta
todos los elementos románicos: torres (serían de menor tamaño a las actuales), ábside con
girola, nave central más alta y con una bóveda de medio cañón reforzada con arcos fajones,
pilares fasciculados, tribuna para aumentar la capacidad, etc.
El pórtico de las platerías encarna el

afán catequético de la iglesia. Dado el
analfabetismo que había, la doctrina se
enseñaba de manera escultórica y pictórica.
Está situado en la entrada sur, tiene dos
arcos de medio punto, sobre este un friso
con figuras muy inconexas procedentes de
la fachada de azabacheras que fue
reformada posteriormente al igual que la
fachada oeste. Data aproximadamente de
1117 y tiene escenas pseudoapocalípticas
con tentaciones de Cristo, etc. El tímpano
izquierdo tiene figuras más inconexas que el derecho. Aparecen figuras famosas como el rey
David, la mujer adúltera…
El pórtico de la gloria es tal vez

el más famoso ejemplo de escultura
románica. Está formado por 3 arcos de
medio punto y tres naves que coinciden
con las tres naves de la iglesia a la que
da acceso. En el tímpano central vemos
al Pantocrátor rodeado del
Tetramorfos, encima los ángeles
sujetan los instrumentos de la pasión.
En la arquivolta están los 24 ancianos
del apocalipsis y en las jambas vemos a
los apóstoles y profetas. Estas últimas figuras se caracterizan por la comunicación que hay entre
ellas. En el parteluz está la figura del apóstol Santiago.
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San Martín de Frómista(1066): esta iglesia

sistuada en Palencia formaba parte del
monasterio dedicado a San Martín de Tours.
Fue restaurada a finales del siglo XIX (su
estado de conservación era pésimo, estaba
en ruinas) y finalizada en 1912. Presenta, al
igual que la catedral de Santiago de
Compostela, todos los elementos
románicos. El transepto no está prolongado
en planta, los capiteles actuales son
reproducciones de los originales y
representan el pecado original y una copia
del sarcófago de los Usillos. En el exterior presenta la típica decoración con ajedrezado o
taqueado jaqués y baquetones. En los canecillos bajo el alero también vemos decoración
escultórica.
Cimborrio de la Catedral Vieja de Salamanca (1150): forma

parte de los denominados cimborrios del valle del Duero, en
la zona de Poitiers aparecen unos cimborrios de estilo
parecido. Se cree que esta influencia entra por las
repoblaciones, tiene elementos propios del Gótico como
gabletes y nervios marcados. Se caracteriza por las tejas
escamadas, elementos esféricos y torres en sus cuatro
esquinas.
Cimborrio Colegiata de Toro (1200) Cimborrio Catedral de Zamora (1140-1170)
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1º Doble Grado en Información y Documentación e Historia

Facultad de Geografía e Historia

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Introducción a la Historia del Arte I

Introducción a la Historia del Arte I (Universidad de Salamanca)

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Pedro Merchán Mateos, Grado en Historia del Arte

Descargado por Anónimo Anónimo (hugoalejandrora04@gmail.com)

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1. Arte Prehistórico y la Península Ibérica. 1

6. El Islam y el arte Hispanomusulmán. 81

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INTRODUCCIÓN A LA HISTORIA DEL ARTE I

EL PALEOLÍTICO, EL NEOLÍTICO Y LA EDAD DE LOS METALES. PENÍNSULA IBÉRICA: EL

1.1 El Paleolítico (2.5ma-6000 a.C.):

El arte mueble está representado por objetos encontrados en enterramientos y cuevas

Bastones perforados (2.3ma- 12000 a.C.): no se sabe su función (propulsores, ruecas,

Bisonte lamiéndose el lomo Bastón perforado de

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Lespugne Laussel Savignano Grimaldi

Willendorf Dolní Vestonice Kostienki Gagarino

Mal'ta Buretj Venus de Brassempouy

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Altamira (13000 a.C.) Lascaux (15500 a.C.)

Castillo de Puente Viesgo

Cogull (13000 a.C.) Cova dels Cavalls (5000 a.C.)

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1.2. El Neolítico (6000- 2500 a.C.):

Comienza la arquitectura megalítica que usa piedras de enorme tamaño y constituye

Alineamientos de Carnac Stonehenge (3000-1500 a.C.)

La cerámica neolítica surge de la necesidad de las sociedades asentadas en poblados de

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Bronce de Carriazo (625 a.C.): es una representación de la diosa

Tesoro del Carambolo (650- 450 a.C.): tesoro

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Dentro de la arquitectura destacan las murallas

La escultura tiene una mezcla de influencias, hablamos de greco-fenicio, greco-oriental

Dama de Elche (500- 300 a.C.): es un busto

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Dama de Baza (400 a.C.): escultura

Los Pueblos Colonizadores

Esculapio de Emporión (s. II a.C.)

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Sarcófagos antropomorfos de Cádiz (s. V a.C.):

Astarté de Galera (s. VII a.C.): es una

Escultura de la diosa Tánit (s. VI a.C.): de influencia griega, rostro

Dama de Ibiza (s. III a.C.): escultura

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EL ANTIGUO EGIPTO: EVOLUCIÓN DE SU ARQUITECTURA, SU ESCULTURA Y SU PINTURA

La civilización egipcia se asentó en el valle del Nilo y se caracterizó por el inmovilismo

Imperio 1er Periódo Imperio 2º Período Imperio 3er Período Período

La arquitectura egipcia es la manifestación artística más importante. Los únicos artistas

La arquitectura es la más importante de las artes porque es la que mejor representa el

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× MATERIALES → primeras construcciones realizadas en adobe o ladrillos de barro del Nilo

Por el inmovilismo que hubo durante milenios se establece un código en la decoración

Los monumentos egipcios que conservamos nos permiten conocer su sistema

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1. Edificios religiosos (conservados por su enorme tamaño): templos exteriores, hemispeos y

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