TRABAJO PRÁCTICO N° 7: "MANIERISMO-BARROCO"

1- Caracteriza el Manierismo.

El manierismo en el arte se caracteriza por:

● Exageración y distorsión de las formas humanas y naturales para crear figuras

elegantes y alargadas.
● Composiciones detalladas y asimétricas.
● Uso de colores intensos y artificiales para lograr un aspecto fantasioso.
● Representación de una tensión emocional con gestos y expresiones faciales
exagerados.
● Tensión entre lo antiguo y lo nuevo, ya que se basaba en temas y formas clásicas.
● Experimentación con perspectivas distorsionadas o poco convencionales.
● Uso de simbolismo y temas alegóricos, que requieren una interpretación profunda.
● Abordaje complejo y ambiguo de temas religiosos, influenciado por la Reforma
Protestante.

2-Observa las siguientes imágenes y realiza el análisis de las mismas:

a-¿Cómo es el tratamiento de la figura humana si lo hubiera?

La pintura exhibe las figuras de Cristo y Juan el Bautista, estás se representan con torzos
alargados y extremidades estilizadas, buscando una representación elegante y exagerada.
Además, las figuras adoptan gestos y poses dramáticas, como Cristo en una posición
majestuosa mientras es bautizado por Juan el Bautista, lo que agrega un fuerte sentido de
movimiento y emoción a la obra.
A pesar de la estilización, el artista muestra su habilidad técnica al prestar atención a
detalles minuciosos en la ropa y las características faciales de las figuras. Sin embargo, lo
que realmente distingue esta pintura es su perspectiva. Las figuras se destacan en primer
plano, mientras que el paisaje y el cielo parecen alejarse en un espacio que parece poco
convencional y algo irreal. Esto contribuye a la singularidad de la obra.

b-¿Qué recursos utilizan los artistas para dar sensación de profundidad a las obras?

En esta obra, El Greco emplea diversas técnicas para crear esta composición:

● Perspectiva lineal: se utiliza para representar el río Jordán y la línea del horizonte
que se aleja hacia el fondo, creando así la ilusión de profundidad. Además usa la
escala y superposición; las figuras principales, como Cristo y Juan el Bautista, son
más grandes y se superponen a los elementos del fondo, lo que contribuye a la
percepción de cercanía y distancia en la obra.

● Perspectiva atmosférica: A medida que los elementos se alejan en el fondo, la

intensidad de los colores disminuye y se vuelven más difusos, sugiriendo la
influencia de la atmósfera y añadiendo profundidad. El uso de luz y sombra agrega
una sensación de volumen y profundidad a las figuras y objetos representados.

● Jerarquización de las figuras: las figuras más importantes se encuentran en el

primer plano y se visualizan más cerca al espectador, mientras que el paisaje y otros
elementos se extienden en el fondo, contribuyendo a la sensación de distancia.

● Composición asimétrica: con las figuras desplazadas hacia un lado de la obra,

añade un toque de dinamismo y profundidad a la escena en su conjunto.

c-Analiza el empleo del color.

El cielo en la parte superior se presenta en un azul profundo y oscuro, lo que crea un

marcado contraste con las figuras en la escena, aportando dramatismo y enfatizando la
importancia el evento representado.
Tanto Cristo como Juan el Bautista visten túnicas que combinan rojo y blanco. El rojo
simboliza la divinidad y el sacrificio, mientras que el blanco representa pureza y redención.
Estos colores no solo dotan de significado religioso a las figuras principales, sino que
también generan un contraste visual llamativo.
El paisaje detrás de las figuras se compone principalmente de tonos verdes y ocres, lo que
equilibra la intensidad del cielo azul y crea un fondo natural y sereno.

3-Nombra los artistas más importantes del Manierismo en Italia y España.

Italia:

Michelangelo Merisi da Caravaggio:

Michelangelo Merisi da Caravaggio (1571-1610) fue un influyente pintor italiano del período
barroco. Nació en Milán y pasó la mayor parte de su vida en Italia. Caravaggio es conocido
por su uso innovador del claroscuro, que creaba dramáticos contrastes de luz y sombra en
sus obras. Sus pinturas realistas y a menudo controvertidas incluyen temas religiosos y
retratos.

Parmigianino:

Parmigianino, cuyo nombre real era Girolamo Francesco Maria Mazzola (1503-1540), fue un
destacado pintor y grabador renacentista italiano. Nació en Parma, Italia. A una temprana
edad, demostró un talento excepcional para el arte y se convirtió en un discípulo del pintor
Correggio. Parmigianino es conocido por su estilo elegante y refinado, caracterizado por
figuras alargadas y expresiones melancólicas.
Su obra más famosa es "La Madonna del Cuello Largo". A lo largo de su carrera,
Parmigianino creó retratos, obras religiosas y mitológicas. Murió a la temprana edad de 37
años, pero su influencia en la pintura renacentista y manierista perdura, y su estilo único
sigue siendo admirado en la historia del arte.

Giuseppe Arcimboldo:

Giuseppe Arcimboldo (1526-1593) fue un artista italiano conocido por su obra altamente
original y única. Nació en Milán y se destacó por sus retratos compuestos por objetos y
elementos naturales, como frutas, verduras, flores y objetos relacionados con la naturaleza.
Trabajó como pintor de la corte en la corte del emperador Maximiliano II en Viena y,
posteriormente, en Praga.
Sus creaciones, que a menudo representaban a personajes de la realeza y alegorías,
desafiaban las convenciones artísticas de su época y mostraban un enfoque altamente
imaginativo. Arcimboldo es reconocido como un precursor del arte surrealista y su obra
continúa siendo apreciada por su originalidad y creatividad. Su legado artístico perdura
como un testimonio de la inventiva del Renacimiento tardío.

España:

El Greco (Doménikos Theotokópoulos):

El Greco, cuyo nombre real era Doménikos Theotokópoulos (1541-1614), fue un influyente
pintor renacentista y manierista nacido en Creta, que más tarde se estableció en España.
Su estilo distintivo se caracterizó por figuras alargadas y expresivas, así como el uso de
colores intensos y dramáticos. En España, desarrolló su carrera en la ciudad de Toledo,
donde creó numerosas obras religiosas, retratos y paisajes.
El Greco es conocido por su influencia en la transición del Renacimiento al Barroco y su
singularidad artística. A pesar de su origen griego, dejó una huella profunda en la pintura
española de la época. Murió en Toledo a la edad de 73 años, dejando un legado artístico
duradero y siendo considerado uno de los grandes maestros de la historia del arte.

Luis de Morales (El Divino):

Luis de Morales, conocido como "El Divino" (1509-1586), fue un destacado pintor español
del Renacimiento tardío, nacido en Badajoz, España, es conocido por sus obras religiosas,
especialmente retratos de temas religiosos, que reflejaban un profundo sentimiento
espiritual y devoción. Su estilo se caracteriza por una meticulosa atención al detalle y la
expresión de emociones en sus obras. Morales dejó un legado duradero en la pintura
religiosa española y es reconocido como uno de los grandes maestros del Renacimiento
tardío español.

Alonso Berruguete:

Alonso Berruguete (c. 1488-1561) fue un destacado escultor y pintor español del
Renacimiento. Nacido en Paredes de Nava, España, se destacó por su habilidad en
fusionar elementos góticos, renacentistas y manieristas en sus obras escultóricas. Trabajó
en España e Italia y dejó una influencia significativa en la escultura española del siglo XVI.
Sus obras a menudo presentan un estilo dramático y detallado, y su legado artístico perdura
como un testimonio de su innovación y maestría en la escultura renacentista española.

Juan de Juanes (Vicente Juan Macip):

Juan de Juanes, cuyo nombre real era Vicente Juan Macip (c. 1510-1579), fue un influyente
pintor renacentista español. Nacido en Valencia, España, se le considera un representante
del Manierismo en la pintura española. Juanes es conocido por sus pinturas religiosas, que
reflejan una profunda religiosidad y un estilo caracterizado por la elegancia y la delicadeza
en la representación de figuras. Su obra dejó una huella duradera en la pintura española del
Renacimiento y sigue siendo admirada por su habilidad técnica y su enfoque emotivo.

4-Elabora un esquema conceptual o sinóptico con las características de la pintura, escultura

y arquitectura Barrocas.

5-Nombra los exponentes más importantes de cada disciplina.

Pintura
● Caravaggio (Michelangelo Merisi da Caravaggio): Conocido por su estilo
naturalista y el uso del claroscuro, Caravaggio fue una figura influyente en la pintura
barroca temprana.

● Rembrandt van Rijn: Aunque se asocia principalmente con el Barroco en los Países
Bajos, su estilo de pintura con énfasis en la luz y la sombra lo hace relevante en el
contexto del Barroco.

● Diego Velázquez: El pintor español es famoso por su maestría en la representación

de la corte real de España y por sus retratos realistas y vívidos.

● Peter Paul Rubens: Este pintor flamenco es conocido por su estilo barroco
flamígero y sus obras llenas de movimiento y colores intensos.

● Artemisia Gentileschi: Una de las pocas mujeres pintoras reconocidas en el

Barroco, se destacó por su pintura con temas históricos y mitológicos.
Escultura Barroca:

● Gian Lorenzo Bernini: Considerado uno de los escultores más influyentes del
Barroco, sus obras, como "El Éxtasis de Santa Teresa," son emblemáticas del estilo
barroco.

● Alessandro Algardi: Otra figura importante en la escultura barroca romana,

conocido por sus obras religiosas y retratos.

● François Girardon: Escultor francés conocido por su trabajo en el Palacio de

Versalles, incluyendo la escultura de Luis XIV a caballo.

● Pedro de Mena: Destacado escultor barroco español, conocido por su trabajo en

retablos y esculturas religiosas.

● Pietro Tacca: Escultor italiano conocido por su creación del "Marzocco," el león
emblemático de Florencia.

Arquitectura

● Gian Lorenzo Bernini: Además de su trabajo escultórico, Bernini contribuyó

significativamente a la arquitectura barroca, diseñando fuentes y plazas en Roma,
como la Columnata de la Plaza de San Pedro.

● Francesco Borromini: Arquitecto italiano cuyas obras, como la Iglesia de San Carlo
alle Quattro Fontane, presentan una arquitectura barroca innovadora y exuberante.

● Christopher Wren: Arquitecto inglés conocido por su trabajo en la reconstrucción de

Londres después del Gran Incendio de 1666, incluyendo la Catedral de San Pablo.

● Jules Hardouin-Mansart: Arquitecto francés que influyó en la arquitectura barroca

clásica y diseñó el Palacio de Versalles.

● Guarino Guarini: Arquitecto italiano conocido por su estilo barroco innovador y

elaborado, como se ve en la Capilla de la Sindone en Turín.

6-Analiza una obra de los artistas que elijas, en pintura y escultura, desde su aspecto
compositivo.

Artemisia Gentileschi - Judith Decapitando a Holofernes (1614 - 1620)

Es una famosa pintura creada por la pintora italiana Artemisia Gentileschi entre 1614 y
1620. La obra representa un episodio bíblico en el que Judith, una heroína judía, decapita al
general asirio Holofernes para salvar a su pueblo. La pintura es conocida por su
representación vívida y dramática de este evento, así como por el estilo barroco de
Artemisia, que a menudo enfatizaba la fuerza y la valentía de las mujeres en sus obras. La
pintura se encuentra en la colección de la Galería de los Uffizi en Florencia, Italia.

Análisis compositivo:

● Enfoque en la Acción: La composición se centra en la acción principal: Judith

decapitando a Holofernes. Los cuerpos de Judith y Abra (su criada) están en un
ángulo diagonal que dirige la atención hacia el acto violento en el centro de la
imagen.

● Dramatismo y Realismo: Artemisia utiliza una técnica realista que aporta

dramatismo a la escena. El uso de la luz y la sombra enfatiza los rasgos faciales y la
expresión de los personajes, añadiendo intensidad emocional.

● Expresiones Faciales: Las expresiones faciales de Judith y Abra reflejan

determinación y valentía, mientras que Holofernes muestra su sufrimiento y miedo,
lo que contribuye a la intensidad del momento.

● Color y Textura: El uso de colores oscuros y ricos contrasta con la piel pálida de los
personajes, lo que enfatiza el acto violento. La textura de las telas y las armaduras
también agrega detalles realistas.
Análisis simbólico

● Heroísmo Femenino: La obra simboliza el heroísmo de Judith, una figura femenina,

que se atreve a enfrentar a un poderoso enemigo para salvar a su pueblo. Artemisia
Gentileschi, como pintora barroca, subraya la fuerza de las mujeres en la historia.

● Justicia y Libertad: La decapitación de Holofernes simboliza la justicia y la

liberación del pueblo judío de la opresión asiria. Este acto de valentía es un
recordatorio de la lucha por la libertad y la resistencia contra la tiranía.

● Violencia y Venganza: La violencia del acto de decapitación también representa la

venganza contra el enemigo. Judith toma la justicia en sus propias manos, y esto
plantea preguntas morales sobre la venganza y la justicia.

Alessandro Algardi - Monumento al Papa León XIu

Una de sus obras más importantes es el "Monumento al Papa León XI" (Monumento a León
XI), que se encuentra en la Basílica de San Pedro en el Vaticano. Este monumento fue
encargado en honor al Papa León XI y es una de las principales obras de arte del barroco
en Roma.

● Composición: La composición del monumento es impresionante y compleja. En el

centro, se encuentra una representación esculpida del Papa León XI, que yace en su
lecho de muerte. Esta figura central es rodeada por otras figuras alegóricas y
decorativas.

● Realismo y Expresión: La figura del Papa León XI está tallada con un alto grado de
realismo. Algardi logra capturar la apariencia del papa fallecido con gran detalle,
incluyendo sus rasgos faciales y vestimenta pontifical. La expresión del rostro del
papa refleja la serenidad de la muerte.
● Alegorías: Alrededor de la figura del papa, se encuentran alegorías que simbolizan
virtudes y características asociadas con su papado. Por ejemplo, se representan
figuras femeninas que personifican la Caridad y la Justicia, lo que resalta las
cualidades

● Dinamismo: A pesar de la solemnidad de la representación del papa en su lecho de

muerte, la escultura también tiene un sentido de dinamismo. Las figuras alegóricas y
decorativas se muestran en varias poses y actitudes, lo que agrega movimiento y
energía a la composición

● Detalles Técnicos: La obra destaca por la habilidad técnica de Algardi. Los pliegues
de las telas, los detalles anatómicos y la textura de la escultura son impresionantes.
Esto muestra la maestría de Algardi como escultor.

● Significado Religioso: La escultura tiene un fuerte significado religioso, ya que

honra la memoria del Papa León XI, quien fue un líder espiritual. La solemnidad y la
belleza de la obra refuerzan la importancia del papel de la Iglesia en la vida del
papa.