TEMA 3: LA REVOLUCION INDUSTRIAL EN EL SIGLO XIX

Los muebles Thonet, son muebles de madera curvada cuya producción en serie se remonta a los
años 40 del siglo XIX cuando Michael Thonet (1796-1871), artesano ebanista de origen alemán
instalado en Viena donde trabaja con toda clase de procedimientos químicos y mecánicos para
curvar los muebles. Frente al mueble macizo, Thonet plantea las ventajas de la finura y ligereza
y al mismo tiempo la necesidad de comodidad. La Revolución Industrial estaba en su auge y
Thonet pasa de la artesanía a la producción industrial.

Su técnica era sencilla: sometía la madera de haya a baños de vapor con cola para mejorar su
flexibilidad y, así, introducirlas en prensas de bronce donde les daba forma y dejaba enfriar.

A continuación, ensamblaba la madera de manera muy simple, por medio de tornillos. Con esta
técnica, Thonet proporcionaba gran robustez a su trabajo y mantenía la madera inalterable con
el paso del tiempo.

EL MOVIMIENTO DE ARTES Y OFICIOS:

EL MOVIMIENTO ARTS AND CRAFTS EN GRAN BRETAÑA:

El termino ́ “Arts and Crafts” [Artes y Oficios] se utilizó por primera vez en 1887 para describir la
Arts and Crafts Exhibition Society [Sociedad para la exposicióń de Artes y Oficios], que organizaría
influyentes exposiciones entre 1888 y 1916. El movimiento reunió a arquitectos, diseñadores
artesanos que compartían una profunda preocupacióń por el impacto negativo de la
industrializacióń en los oficios artesanales tradicionales, las comunidades rurales y la sociedad
coetánea. Muchas de sus convicciones estaban inspiradas en las ideas de William Morris: en
especial su énfasis ́ en las “artes menores” y lo artesanal, y su convencimiento de que se podía
mejorar la vida de las personas adoptando estilos de vida sencillos y objetos cotidianos bien
diseñados fabricados con materiales de calidad.

PRINCIPIOS DEL ART & CRAFTS

1. – Rechazo de la separación entre el arte y la artesanía El diseño de los objetos útiles es

considerado una necesidad funcional y moral.
2. – Rechazo de los métodos industriales de trabajo Que separan al trabajador de la obra
que realiza, fragmentado sus tareas.
3. – Regreso al medievalismo Tanto en la arquitectura (con el neogótico) como en las artes
aplicadas.
4. – Propuesta de la arquitectura como centro De todas las actividades de diseño. Una idea
que sería recogida por el racionalismo de principios del siglo XX.
5. – Agrupación de los artesanos en talleres Siguiendo el modelo medieval de trabajo
colectivo.
6. – Trabajo bien hecho Bien acabado y satisfactorio para el artista y para el cliente.
LA RED HOUSE

En 1860 Morris y su mujer, Jane Burden, se mudaron a la Red House [Casa roja], en Bexleyheath
(Londres), diseñada por Philip Speakman Webb. Decoraron los interiores con pinturas murales,
telas bordadas, muebles, vidrieras y azulejos. Estos elementos fueron diseñados por Morris y un
grupo de amigos, entre los que se encontraban BurneJones y Dante Gabriel Rossetti, e ilustran
la visión de Morris de un “palacio de arte” medieval. La satisfaccióń derivada de esta tarea, junto
a las dificultades que tuvieron para encontrar productos comerciales de su gusto animaron al
grupo a crear su propia compañía de artistas diseñadores. En 1861 se fundó́ Morris, Marshall,
Faulkner & Co.

Su ideal de belleza era la casa hermosa, la Beautiful Home, resultado de la colaboración entre
artesanos en comunidad y que era hecha desde el principio para alguien. Una obra de arte es
algo bien hecho; eso es todo.

WILLIAM MORRIS Y COMPAÑÍA (1861-1896)

Los primeros productos vendidos por Morris, Marshall, Faulkner & Co. fueron telas bordadas,
azulejos pintados a mano y vidrieras, que ponían de manifiesto el entusiasmo de sus socios por
el arte medieval. A mediados de la década de 1860, la compañía comenzó a producir artículos
más comerciales, sobre todo papeles pintados y tejidos estampados. Estos objetos tenían un
precio más asequible y contribuyeron a aumentar la variedad y el número de clientes.

El rechazo de Morris por los colorantes químicos lo llevó a experimentar con pigmentos
naturales.

La defensa de Morris de lo artesanal frente al proceso mecanizado respondía tanto a motivos

estéticos como intelectuales. Consideraba que una obra hecha
a mano producía placer y satisfacción a quien la creaba,
mientras que el trabajo mecanizado era repetitivo y bloqueaba
toda libertad creativa. Morris & Co. Como se denominaría la
firma a partir de 1875 se convirtió en una empresa prospera y
muy conocida de decoración ,con representantes en muchos
lugares de Europa y Estados Unidos.

Así, a partir de 1870, los diseños de William Morris se hicieron

cada vez más elaborados, con patrones más grandes y técnicas
mucho más complejas, inspirados ahora en telas del
renacimiento que estudió en el Victoria & Albert Museum. Y
por ejemplo el diseño llamado Ladrón de fresas de 1883 para el
que eligió motivo un pájaro inspirado en Italia, pero aplicando un modo narrativo más típico de
los tejidos medievales europeos. Este tejido estampado a mano y con tintes naturales
convertidos de índigo. No es de extrañar que fuera uno de los más caros y, aun así, uno de los
más vendidos.

MARY MORRIS

Mary Morris, también llamada May, quien a los 23 años se hizo cargo de la
sección de bordados de la compañía supervisando cada uno de los diseños.
No solo sus trabajos se convirtieron en obras ampliamente demandadas en
todo el mundo, sino que ella misma eclipsó los trabajos realizados por su
propio padre y se convirtió en una auténtica experta en la historia del
bordado. “Soy una mujer notable. Siempre lo fui, aunque ninguno de
vosotros parecía pensarlo”.

Sus bordados son auténticas obras de arte: intrincados, delicados y muy

expresivos. Ella misma diseñó y participó en las magníficas colgaduras de la
cama de matrimonio de su padre en Kelmscott Grove.

LA DIFUSIÓŃ INTERNACIONAL DE LOS IDEALES ARTS AND CRAFTS (1890-1914)

El movimiento Arts and Crafts comenzó a extenderse fuera de Gran Bretaña a partir de la década
de 1890. Diseñadores , fabricantes y comerciantes minoristas extranjeros visitaban sus
exposiciones y muchos diseñadores británicos exponían fuera y vendían sus productos en
tiendas extranjeras.

En nuestro país, Barcelona fue la ciudad en la que el movimiento Arts and Crafts tuvo mayor
impacto. La Casa Amatller se decoró con telas del diseñador británico Harry Napper y con motivo
de la V exposicióń Internacional de Bellas Artes e Industrias Artísticas (Barcelona, 1907), el
coleccionista Alexandre de Riquer contribuyó a que el hoy Museu Nacional d’Art de Catalunya
adquiriera obras de artistas y artesanos británicos.
 TEMA 4: EL MODERNISMO O EL ART NOUVEAU

1. MODERNISMO NATURALISTA
2. LAS VERTIENTES GEOMETRICAS DEL MODERNISMO
3. LOS EE. UU. A PRINCIPIOS DEL SIGLO XX
4. EL MODERNISMO EN ESPAÑA

1. MODERNISMO NATURALISTA (1890-1910)

1.1. El Modern Style en el Reino Unido

1.2. El Art Nouveau en Francia

1.3. Bélgica y el Art Nouveau

1.4. El Stile Liberty o Stile Floreale en Italia

1.5. El Jugendstil en Alemania.

- Responde a las posibilidades ofrecidas por los materiales nuevos, como el hierro y la
fundición, que aptos para el juego de las curvaturas, replantean el problema de las
estructuras tradicionales.

Influencias:
Lógicamente el Modernismo o Art Nouveau no surge de la nada y recibirá influencias principalmente del:

. Arte Pre-Rafaelita: Heredaran del movimiento la búsqueda de imágenes misteriosas y lánguidas de la

mujer

. Movimiento Arts Crafts

. Redescubrimiento del arte japonés del XIX: Las formas planas y los colores vibrantes del arte nipón

Características principales:
- Uso de las curvas y de las formas sinuosas entrecruzadas
- Composiciones sin perspectiva geométrica.
- En el modernismo observamos un claro predominio de la sensualidad y las líneas curvas.
- Uso de motivos vegetales y florales
- Gusto por lo exótico.
- Uso de colores planos
- En general el modernismo se caracterizará por el cuidado del detalle y de la decoración.
- Como consecuencia de los cambios económicos, sociales y culturales, el modernismo
realizará un intento de recombinar la industrialización y la aspiración estética.
- Durante toda la etapa del modernismo Europa y Estados Unidos se verán imbuidas por
un gusto por el simbolismo y los temas conceptuales
- Tanto la naturaleza como la figura femenina serán dos temas recurrentes en el
movimiento modernista o Art Nouveau.
- Frente a la industrialización y estandarización, hay una valoración de lo hecho a mano,
se busca el arte decorativo, bello, lo libre y joven.
 - El art Nouveau o modernismo es un arte que claramente se adapta e integra en los
nuevos modos de vida, intentando llevar la belleza a la vida diaria (mobiliario,
iluminación, moda, joyería, transporte.)

El movimiento Art Noveau o modernismo como se denominó en España está claramente

relacionado con la burguesía adinerada, pero también con el intento de proporcionar modelos
estéticos a la industria que fueran capaces de llevar productos bellos y estéticos al resto de la
sociedad. El Art Noveau persigue claramente la intención de rendir bellos los objetos de uso
común en la vida cotidiana.

El diseñador gráfico más carismático, síntesis orgánica de repertorios, caligrafías, composición y

tipografía: ALPHONS MARIA MUCHA: Nacido en 1860 en Moravia (Checoslovaquia) comenzó su
formación artística en Viena y Múnich. En 1887 se mudó a París, al tiempo que trabajaba como
ilustrador para revistas y carteles publicitarios.

1.5. El Jugendstil en Alemania.

El ejemplo de los ingleses Artesanía movimiento, dirigido por William Morris , fue
particularmente para ellos. Sin embargo, los diseñadores alemanes no rechazaron la producción
en masa, sino que buscaron crear diseños que fueran apropiados para las nuevas tecnologías
que se estaban desarrollando.

El nuevo arte gira en Alemania en torno a dos importantes publicaciones: "Jugend", que
comenzó a publicarse en Múnich en 1896 y "Pan", en Berlín en 1895

PETER BEHRENS.

Es contratado por la empresa AEG para que, en un avanzado concepto de dirección artística,
proyecto edificios, diseñe productos e incluso logotipos.

La empresa se convirtió en 1907 en la primera empresa de la historia en tener una identidad

corporativa tal y como la entendemos hoy en día, es decir, un conjunto de elementos de
comunicación unificados que representan el alma de la empresa.

En su trabajo en AEG coincidió con personalidades como Walter Gropius, Adolf Meyer, Ludwig
Mies Van der Rohe o Le Corbusier, siendo una gran influencia para ellos.

Lucian Bernhard (1883-1972):

Diseña unos innovadores carteles reduciéndolos al producto y su nombre, sin ornamentos de

ningún tipo. Iniciando el cartel auténticamente moderno.
Tal como lo hiciera Peter Behrens, utilizó los aspectos comerciales de los productos, sirviéndose
de la gráfica y la tipografía para establecer mensajes e imágenes. Un estilo basado en la
representación directa y sintética de los objetos con gran calidad pictórica.

“Lo importante no es la caligrafía, sino ante todo una buena idea óptica, buena composición y
coloración, así como una sólida ejecución manual”, diría.

Una de las características de su obra se basó en el uso de letras siempre grandes dispuestas sobre
colores planos, configuración que ‘aislaba’ la marca del resto de los componentes del afiche. En
1914 Lucian Bernhard diseñó un cartel para Bosch en el que se ve una bujía simplificada,
coronada por la chispa que genera y, junto a ella, el nombre de Bosch en letras densamente
delineadas y coloradas. Un hito para la marca.

2. Las vertientes geométricas del Modernismo

2.1. La Escuela de Glasgow

El Glasgow de primeros del siglo XIX es una ciudad industrial potentísima, de hecho, la segunda
más importante de todo el Reino Unido después de Londres. Al poco tiempo Glasgow se ve
inmersa en una profunda crisis que ha de reconvertir la industria de la ciudad. Parte de sus
atarazanas han ido a la ruina y la ciudad ha perdido su parte del monopolio de la construcción
de barcos, que posteriormente recuperará adaptando algunas instalaciones a la construcción de
transatlánticos. Enormes cantidades de mano de obra se han ido al paro, incluida una gran masa
de obreros cualificados, y la fractura social todavía se ha hecho más profunda: la depresión no
es sólo económica, sino social. Hay descontento, y las cotas de alcoholismo han llegado a
proporciones epidémicas, alarmantes.

5.1. La Escuela de Glasgow

La Escuela de Glasgow (1870 – 1910) fue una institución de enseñanza de Arte, con este nombre
también se hace referencia al grupo de Glasgow, un círculo de artistas modernos influyentes que
desarrollaron el Art Nouveau en Escocia. En este grupo se encontraban los arquitectos Charles
Rennie Mackintosh y Herbert McNair, Margaret y Frances McDonald (1897). Edificio 1897 y 1899.
Ampliación 1907 y 1909.

La ornamentación se daba con patrones lineales y los colores eran más que todo tonos pasteles,
malva, blanco, marfil y plata. Se veían presentes las figuras humanas, especialmente figuras
alargadas de la mujer.

El diseño de formas en general, tanto en la arquitectura como en el diseño gráfico y de objetos,

fue uniforme elegante y atractivo. De estilo sencillo y de diseño básico, con delicados
ornamentos decorativos. Una mezcla de arte celta y japonés.

- Predominan los planos, los volúmenes y la estructura geométrica

- Dominio de la línea, el color y las tramas cuadriculadas
- Motivos florales estilizados
- Líneas verticales elevadas, con curvas sutiles en las puntas para combinar su unión con
las horizontales.
- Ángulos rectos, angostos, tiras altas de rectángulos y el contrapunto de óvalos, círculos
y arcos
CHARLES RENNIE MACKINTOSH: arquitecto, diseñador y acuarelista escocés, de gran
importancia para el progreso del Arts and Crafts y del Art Noveau en Escocia, el cual desarrolló
a través de la Escuela de Glasgow. Se dio a conocer gracias a sus muebles en la exposición de la
Secesion de Viena en 1900. Principal figura del Grupo de los Cuatro de Glasgow. Se destacó por
su estilo sobrio y de equilibrada combinación entre líneas rectas y curvas.

Mackintosh diseñó muchos de sus muebles con una falta grande intencional de proporción en
los respaldares de las sillas. Los trabajos de él se expandieron en revistas por todo el mundo y su
mobiliario se basaba mucho en formas geométricas. Mackintosh influyó en muchos diseñadores
vianeses.

FRANCES MACDONALD

Como su hermana, se formó en la escuela de Glasgow, donde conoció a McNair. Su trabajo y

desarrollo tiene mucho en común con el de su hermana, aunque sus figuras tienden a ser mas
demacradas y angustiada. Frances McDonald murió en 1921 a la edad de 47 años, por una
hemorragia cerebral, aunque corrió el rumor de que se quito la vida.

Su estilo decorativo era lírico y estilizado, con tendencia a la fantasía y preferencia por las formas
redondas, en el que destacan los elementos vegetales y unas etéreas figuras femeninas de
influencia prerrafaelita.

JAMES HERBERT MACNAIR

5.2. LA SECESIÓN VIENESA (1897-1905)

Fue fundada en 1897 por un grupo de 19 artistas vieneses pertenecientes a la escuela

Künstlerhaus que habían abandonado la Asociación de Artistas Austriacos. Trataba de
reinterpretar los estilos del pasado ante los embates de la producción industrial que estaban
desnudando estructural y estéticamente la realidad del arte y la sociedad de la época. Su primer
presidente fue Gustav Klimt.

El movimiento austríaco se definía por la seriedad formal, la severidad y la elegancia, todo muy
geometrizado y equilibrado, teniendo como objetivo el llamado Gesamtkunstwerk o «obra de
arte total», término inventado por Richard Wagner refiriéndose a un arte que aunara a todas las
demás. Era un arte estilizado y muy abstracto, el cual también daba mucha importancia a la
tipografía.

Entre las características del movimiento se busca llegar a la expresión del ornamento y la
formalidad, la elegancia y la sobriedad mediante las obras dando paso a si a una renuncia de
responsabilidad que conlleva lo moderno, dejando paso al desarrollo moral de la cultura y el arte
por sí solo. Esta corriente fue altamente criticada debido a la confusión de roles masculinos y
femeninos en las obras presentadas en base a una confusión de lo público y lo privado, por lo
cual, en la época, tenía lenguajes vulgares e inadecuados basados no en la mujer femenina, sino
en el hombre femenino.

Paralelamente el desarrollo del ornamento y la decoración formal, tenia fuerte presencia en el

movimiento y resulta ser estilizada y fuertemente abstracta, obteniendo el carácter de
modernista y a su vez ordenada e innovadora. El estilo provoca que las obras, se usen en distintos
elementos tales como tapices, vestidos de moda, etc. por lo cual surge una mayor expansión del
movimiento.

KOLOMAN MOSER (1868- 1918) fue uno de los más grandes artistas de la Secesión vienesa,
así como uno de los más grandes e influyentes artistas gráficos del siglo XX.

GUSTAV KLIMT (1862-1918), el representante más famoso de la Secession y del movimiento

modernista mundial.

EL MODERNISMO EN ESPAÑA
El diseño gráfico:
-El diseño gráfico editorial
-El diseño gráfico publicitario: Los carteles
-El símbolo de identidad o señalización: ex libris

El diseño de objetos:
. Pequeños objetos de uso y adorno
. Mobiliario.
Diseños para la arquitectura

Ramón Casas (1866-1932)

Ramón Casas (1866-1932). Carteles para el concurso de Anís del Mono (1898),
Mono y mona.
 TEMA 5: LAS VANGUARDIAS HISTORICAS:
Las Vanguardias Históricas

5.1. El Expresionismo

5.2. El Cubismo

5.3. El Futurismo

5.4. El Constructivismo Ruso

5.5. De Stijl o Neoplasticismo Holandés

5.6. El Dadaísmo 5.7. El Surrealismo

FUTURISMO

Este es un movimiento artístico que se desarrolla en un corto período de tiempo (1909-1918)

pero que tuvo gran resonancia y repercusión social. Nace en Italia (Milán), mientras en Francia
aparece el cubismo, con la aspiración a la modernidad como meta y abogando por la destrucción
del pasado y todo lo que le sustentaba. En enero de 1909 Marinetti publicó en Le Figaro el
Manifiesto futurista en el que da a conocer los objetivos del movimiento y que proclama el
rechazo frontal al pasado, a la tradición y la defensa de un nuevo orden moderno, dominado por
la máquina, la velocidad y la ciudad. Niega la validez de todo lo que impide el futuro y la sociedad
urbana industrial. El ruido es reivindicado como la música del futuro, el arco y la flecha son uno
de sus elementos característicos y defienden la guerra como medio. La I Guerra Mundial se
recibe con entusiasmo por los futuristas que confían en que una destrucción total permita
construir desde cero la nueva cultura occidental.

La revolución tipográfica futurista comienza en 1912, cuando Filippo

Tommaso Marinetti compone las primeras «palabras en libertad»

La sonoridad de las palabras, a menudo onomatopéyicas, y su tratamiento

tipográfico sobre la página son elementos de importancia primaria, en una
unión entre literatura, música y arte visual.

Ardengo Soffici. Poema futurista (1915).

Fortunato Depero (Fondo, 1892-Rovereto, 1960)
Influenciado profundamente por Picasso, Léger, Juan Gris (cubismo),
Larionov (impresionismo, primitivismo), Gontcharova (cubo-futurismo),
Gleizes (impresionismo, cubismo) y Malevich (suprematismo), Depero llega
tarde a la fiesta (es un adolescente cuando el movimiento comienza). Por este
motivo, y por muchos años, es considerado un miembro de segunda
categoría del movimiento. New york

Es admitido en él recién en 1915, en una Europa convulsionada desde 1914

por la primera guerra mundial.

Su objetivo es terminar con la dualidad vida-arte, que el futurismo inunde cada aspecto de la
vida: la pintura, el diseño de muebles, la literatura, la arquitectura… Una verdadera refundación.

Trabajo publicitario desarrollado para Campari entre los años

1924 y 1937.

Botella de Campari. Depero, 1932.

El libro atornillado (fue encuadernado con bulones utilizados en el

fuselaje de los aviones de la época) es editado en Milán por Dinamo-
Azari. Es, quizás, el primer libro-objeto. De hecho, Depero lo
considera, más que un libro, una manifestación artística.

Diseñó vestidos futuristas influidos, en su mayor parte, por

Balla. Sin embargo, sus diseños son delicados y más
decorativos.

CONSTRUCTIVISMO RUSO:
La denominación “constructivismo” refiere, en principio, a un movimiento específico que no
puede comprenderse fuera del proceso cultural y político ruso de los años inmediatamente
posteriores a la Revolución de octubre de 1917. En este sentido, artistas como Vladimir Tatlin
(1885-1953), Aleksandr Rodchenko (1891-1956), Varvara Stepanova (1894-1958) o Lyubov
Popova (1889-1924), e instituciones soviéticas nuevas como los Talleres superiores artísticos y
técnicos del Estado (VKhUTEMAS) y el Instituto de Cultura Artística (INKhULK) dejaron una gran
estela.

Estéticamente se relaciona con la ingeniería y la arquitectura. Sus composiciones son construidas

matemáticamente y su inspiración no la encontraban en los objetos reales ni las fantasías del
artista.

El arte constructivista tiene una alta carga política e ideológica propia de la revolución rusa.
Pretendía la unión entre las artes, pintura, escultura y arquitectura, en este sentido comparte
objetivos con La Bauhaus, una de las escuelas más famosas de la Historia del Arte.

Sus integrantes se dedicaron no solo a la pintura, sino que se ocuparon de muchos ámbitos
artísticos como diseño de carteles, tipografía, moda, fotografía, arquitectura interior e
ilustraciones en general. En escultura emplearon materiales industriales como el alambre, la
madera, el vidrio, el yeso o el plástico, que les permitían integrar la obra al espacio. Rechazaban
la idea de que el arte debía servir a un propósito social y planteaban un arte estrictamente
abstracto que reflejase la maquinaria y la tecnología moderna. Luego evolucionó y se orientó
hacia fines más utilitarios, defendiendo el concepto del artista-ingeniero y su función de resolver
necesidades sociales. La inestabilidad de la época en la que se desarrolló no permitió que se
llevaran a cabo muchos proyectos a gran escala y se limitara al diseño de exposiciones, cerámicas
y grafismos.

- Sus principales representantes fueron Vladimir Tatlin, El Lissitzky, Antón Pevsner y Naum
Gabo.

Las aspiraciones utópicas que inspiraron a los artistas que adhirieron al constructivismo se
materializaron en obras como el Monumento a la Tercera Internacional de Tatlin.

En 1918, algunos meses después de la Revolución de Octubre, Lenin

había propuesto implementar un plan de "propaganda monumental",
que consistía en erigir una serie de monumentos conmemorativos y
demoler aquellos realizados en honor a los zares “y sus sirvientes”.

VLADIMIR E. TATLIN, PROYECTO DEL MONUMENTO A LA TERCERA

INTERNACIONAL (1920), DIBUJO SOBRE PAPEL

Desde fines de 1923, tanto Varvara Stepanova como Lyubov Popova, dos mujeres que tuvieron
un papel fundamental en la elaboración de los principios constructivistas realizaron diseños de
telas para la Primera fábrica estatal de estampado textil, y también vestimenta y vestuario teatral
para puestas oficiales. Se basaban en secuencias seriales de figuras geométricas y colores;
configuraciones no lejanas a las ensayadas en sus cuadros de caballete, antes de abandonar la
pintura.
VARVARA STEPÁNOVA
Varvara Stepánova, Billiard players, 1920, oil on
canvas, 66 x 129 cm, Museo Nacional Thyssen-
Bornemisza

Varvara Fedorovna Stepanova nació el 5 de noviembre de 1894 en Kovno (en la actualidad

Kaunas) en Lituania. Sus primeros pasos en el mundo del arte comenzaron en 1910 en la Escuela
de Bellas Artes de Kazán, donde conoció a Alexander Rodchenko, que por aquel entonces
también estudiaba en la Escuela y que fue su compañero durante toda su vida. En 1912, en
compañía de Rodchenko, la artista se trasladó a Moscú, donde prosiguió su formación, asistiendo
a clases en la Academia Stroganov y estudiando con Mikhail Leblan y con Konstantin Yuon. En
los primeros años de su carrera Stepanova admiraba a los poetas futuristas y desarrolló por su
cuenta lo que llegaría a denominarse poesía visual no objetiva

Varvara Stepanova. Diseños de ropa deportiva.

Varvara Stepánova,
Dessin pour textile,
1924, gouache,
paper mountedon
cardboard

Varios factores propiciaron una participación inédita de mujeres artistas en el mundo cultural
soviético de los años 20. Por un lado, la campaña bolchevique para la emancipación de la mujer
bajo el socialismo la presentaba como una trabajadora a la par del varón. Pero también
contribuyeron algunas de las premisas del constructivismo: el rechazo tanto de las nociones
convencionales del genio artístico (asociadas a la masculinidad) como de la jerarquía de las bellas
artes sobre las artes aplicadas (estas últimas asociadas con la actividad femenina). Este
igualitarismo inédito tuvo su paralelo en una representación de la mujer de apariencia
indiferenciada.
Los trajes de Popova para los personajes femeninos casi no se distinguían de la “ropa de
producción” masculina, vestimenta de trabajo en la línea del overol. Sus diseños andróginos eran
una suerte de ícono de la nueva mujer soviética emancipada, que dejaba atrás los signos de la
apariencia femenina burguesa.

LIUBOV POPOVA, ROPA DE PRODUCCIÓN PARA EL ACTOR N. 5 DE LA

PUESTA DE EL CORNUDO MAGNÁNIMO, POR VSEVOLOD MEYERHOLD
(1921). GOUACHE, TINTA Y COLLAGE SOBRE PAPEL

Popova y Stepanova no se limitaron al diseño de telas, ropa y vestuario. También realizaron

carteles de propaganda y producciones gráficas que se diseminaron en libros, periódicos y
publicidades. Durante la segunda mitad de la década de 1920, estas fueron actividades centrales
para los constructivistas. Desde la Sección de Propaganda de Debate del Comité Central del
Partido Comunista (Agitprop) se concebía la propaganda como un proceso educativo
permanente para promover la construcción de una sociedad comunista.

Debía practicarse un realismo heroico y didáctico para representar la Revolución y sus héroes,
pero también a obreros y campesinos en tanto pueblo.

VARVARA STEPANOVA, LOS RESULTADOS DEL PLAN

QUINQUENAL (1932), FOTOMONTAJE

Aleksandr Rodchenko Fue un importante artista de la

época y además era un excelente fotógrafo.
En este estilo resaltaba el collage y en cuanto
a estética casi siempre estuvo regido por el
diseño geométrico. También fue una
vanguardia muy experimental sobre todo en
el área de cine y fotografía, esto porque
estaban aliados con el régimen por lo que
gozaban de extrema libertad. Alexander Rodchenko. Cartel “Libros” (1925)

Fotomontaje de Aleksandr Rodchenko

De todas las obras que se crearon, la más destacable fue “la musa de la Vanguardia Rusa”, en
1925 donde aparece Lilia Brik vistiendo un pañuelo de obrera y gritando bien alto: “¡LIBROS!”.
Es de las más icónicas ya que marcó un antes y un después en la publicidad gracias a su lenguaje
y al mensaje de adoctrinamiento de las masas. Cobró tanta difusión que tuvo cierta eficacia tanto
en la España republicana como en la Alemania nazi.

Alexander Rodchenko y Vladimir Maiakovsky. Cartel (1923).

Estamos frente a un cartel publicitario de anuncio de chupetes para bebes.

La compañía Rezinotrest contrató a Rodchenko para el diseño del cartel,

pero del mensaje se encargo Vladimir Maiakovsky. Donde escribió: no ha
habido y no hay mejor chupete para bebes. Seguimos viendo el uso de
colores primarios y tipografía de palo seco como base del cartel, la imagen
central cuenta con un peluche que, a pesar de ir dirigido a un público
infantil, se nota que esta ambientado en una realidad de revoluciones,
pobreza e injusticia social.
TEMA 6: MOVIMIENTO MODERNO
1. El diseño racionalista

1.1. La Bauhaus y la sistematización del diseño Concepto, historia, profesores y significado

Diseños industriales Diseños gráficos

1.2. Otras propuestas racionalistas

- El diseño gráfico: Alemania, Reino Unido e Italia. El diseño industrial: Francia e Italia

2. El diseño organicista

2.1. La interpretación norteamericana

2.2. La versión europea

LA BAUHAUS = casa de la construcción

Fue una escuela de diseño, arte y arquitectura, fundada en 1919 por Walter Gropius en Weimar,
Alemania. Nace como secuencia de la fusión de dos escuelas de arte que la precedieron:

- La escuela de artes y oficios

- Academia de bellas artes

Gropius plantea hacer una reforma de la enseñanza de las artes con el fin de transformar la
sociedad de la época.

OBJETIVOS PRINCIPALES:

. Pretenden crear un ideal común: artistas y artesanos deben trabajar juntos en la construcción
del futuro.

. Combinar la arquitectura y las artes aplicadas con la técnica industrial y las necesidades del
individuo

Edificio diseñado por Henry van de Velde en Weimar el año

1906. Se convirtió en la primera sede de la Bauhaus en 1919.

Las ciudades de la Bauhaus: Weimar, Dessau y Berlín.

Walter Gropius. Edificio construido para sede de la

Bauhaus. Dessau (1925).
MANIFIESTO: La recuperación de los métodos artesanales en la actividad constructiva, elevar la actividad
artesana al mismo nivel que las bellas artes e intentar comercializar los productos que, integrados en la
producción industrial se convertirían en objetos de consumo asequibles para el gran público.

BAUHAUS = ARTE + TÉCNICA.

Walter GROPIUS Principios de la producción de la Bauhaus (1926):

Los talleres de la Bauhaus son esencialmente laboratorios en los que se realizan y se

perfeccionan continuamente modelos, típicos de nuestro tiempo, hasta que son aptos para la
producción en serie. La Bauhaus formará en estos laboratorios un nuevo tipo de colaboradores
de la industria y del artesanado, que hasta ahora no existía; estos hombres dominarán
igualmente los aspectos técnicos y formales de la producción. El objetivo de crear modelos
estándares que satisfagan todas las exigencias económicas, técnicas y formales, exige una
selección de las mejores inteligencias, las más abiertas a las experiencias más vastas, instruidas
tanto en la práctica técnica básica como en el conocimiento exacto de los elementos de
figuración formal y mecánica, así como de sus leyes estructurales.

Las investigaciones de carácter especulativo llevadas a cabo en los talleres-laboratorio crearán

modelos estándares para el trabajo productivo de las fábricas. Los modelos estándares
elaborados en los talleres de la Bauhaus se producirán en serie en fábricas externas, que
mantendrán una colaboración con los talleres.

SIGNIFICADO DE LA BAUHAUS HAY QUE DESTACAR LOS SIGUIENTES ASPECTOS:

1º) Pedagógicos, educativos. La Bauhaus era una escuela

2º) Ideológicos. Ideología socialdemócrata La idea de transformar la sociedad mediante

reformas, no mediante la revolución. El progreso debe estar basado en la educación, y el
instrumento de la educación es la escuela

3º) Estéticos. Estética racionalista basada en la función Racionalismo heredero del idealismo
alemán que supera el romanticismo de Morris.

4º) Artísticos. Una escuela dedicada al diseño En el pasado hubo una relación entre arte y
artesanía, tras la Revolución Industrial es necesaria una relación entre arte e industria. ¿Cómo?
Mediante el diseño Contexto: Todo esto orientado a la reconstrucción de Alemania tras la
profunda crisis que supuso la derrota en la Primera Guerra Mundial Conclusión: Una estética
funcionalista aplicada a la producción industrial a través del diseño, enseñado en una escuela de
ideario socialdemócrata.

DIRECTORES DE LA BAUHAUS:

. Walter Gropius, fundador y primer director desde 1919 a 1928,

. Hans Meyer, de 1928-1930.

. Ludwig Mies van der Rohe, de 1930 a 1933.

 OBJETIVOS:

. Fusión de las artes y los oficios en la arquitectura

. eliminación de las barreras entre las Bellas Artes y las artes aplicadas por artesanía

. eliminación de la distinción entre artistas y artesanos integración de las artes y la tecnología

EN CONSECUENCIA:

Necesidad de un nuevo artista más allá de toda la especialización.

Necesidad de un nuevo método de enseñanza:

- combinación de enseñanza teoría y enseñanza técnica

- importancia de las prácticas en el aprendizaje los talleres (3 cursos)
- Estrecha interrelación entre arquitectura y diseño.

FASES DE LA BAUHAUS:

1. FASE DE CREACIÓN: DE 1919- 1923

Director: Walter Gropius

ciudad: Weimar

Profesores: Johannes Itten, Paul Klee, Kandinsky, Georg Muche

características: lema: arte y artesanía

. Talleres dirigidos por un maestro de la forma (artística) y un maestro artesano.

. Los estudiantes adquirirán habilidades técnicas y criterios artísticos

. Influencia de la teoría artística y la personalidad de Johannes itten pintor expresionista marcó el estilo de
esta primera fase.

. Actitud aprendizaje abierta y flexible se formaban en dibujo modelos fotografía y veían materias como
ebanistería diseño cerámica, tejidos, vidriera, encuadernación…

2. FASE DE CONSOLIDACIÓN: 1923-1928.

. Director: Walter Gropius

. ciudad: Weimar, DESSAU desde 1925
. características influencia del constructivismo ruso y del neoplasticismo holandés
.se enfoca la enseñanza hacia el racionalismo.
. LEMA: arte y técnica
. Tendencia conceptual: la idea es más importante que la inspiración
. La bauhaus se convierte en un centro de producción: diseño de prototipos para la industria
. Se conformaba el estilo: funcionalista sobrio y riguroso.
El principal representante fue Walter Gropius, su obra maestra es el edificio de la bauhaus en Dessau en el que
colaboraron tanto los estudiantes como los profesores: en ella condensa las características principales de la
bauhaus: sencillez, desornamentacion y funcionalismo.
. son las funciones del edificio las que determinan la forma: la forma sigue a la función
. La planta tiene forma de doble L creando diferentes ejes y articulando los volúmenes que multiplican los puntos
de vista
. Zonificación según la función:
- aulas
- talleres
- edificios de administración
- residencia de estudiantes
- comedor

3. FASE DE DESINTEGRACIÓN: 1928- 1933

El director fue Hans Meyer y Mies Van Der Rohe en 1930

CIUDAD: DESSAU/ BERLIN desde 1932

Características:

. LEMA: exigencias populares en vez de exigencias de lujo

- vincula la estética del diseño a las necesidades del usuario

- Se potencia la idea de los talleres de producción para satisfacer necesidades sociales
- Total orientación hacia la producción industrial
- se intenta comercializar los productos
- la sección de arquitectura se convierte en la más destacada
- en 1933 los nazis cierran la escuela y muchos de sus miembros emigran a Estados Unidos donde
las enseñanzas de la bauhaus llegan a dominar el arte y la arquitectura durante décadas

PLAN DE ESTUDIOS DE 1919:

- Un curso preliminar de 6 meses donde realizaban una enseñanza formal elemental mediante el
estudio de las materias
- Enseñanza basada en talleres: 3 años
- El artista se encargaba de la enseñanza técnica: con concursos de teoría del color materiales y
utensilios, composición, espacio…
- El artesano de la enseñanza formal se daba en 7 talleres: piedra, madera, metal, arcilla, vidrio,
colores y tejidos es entonces cuando le daban el diploma de artesano
- Un curso de perfeccionamiento: realización de un proyecto arquitectónico, se realizaba un
trabajo practico en los talleres de la escuela: es cuando te daban el diploma de maestro de arte
- 3 pilares: FORMACION ARTESANAL/ FORMACION GRAFICO- PICTORA/ FORMACION CIENTIFICA

La Bauhaus aspira a formar artistas creadores

1. Talleres de la Bauhaus en 1926: Mueble, Metal, Textil, Tipografía y Publicidad, y Pintura Mural
2. Departamentos de la Bauhaus en 1929: Arquitectura, Acabado, Tejidos y Publicidad

3. Principios del diseño en la Bauhaus:

- Fabricabilidad: técnicas y materiales industriales

- Funcionalidad: comodidad, resistencia, durabilidad, simplicidad… [comunicabilidad, legibilidad,

imagen reconocible, impacto…]

- Economía: simple, sencillo, barato…

4. Propuesta de Nohaly-Nagy en el campo del diseño:

- 1ª) La importancia del diseño como arte

- 2ª) El diseño como comunicación

- 3ª) Las nuevas tecnologías

- 4ª) Aportaciones del Constructivismo, De Stilj y Dadá

- 5ª) Formas geométricas y abstractas 5. Mies, Gropius, Le Corbusier, Behrens, Taut, Oud…

5. Mies, Gropius, Le Corbusier, Behrens, Taut, Oud…

EL CURSO PRELIMINAR DE LA BAUHAUS: JOHANNES ITTEN:

Fue un pintor suizo: 1888- 1967

. Su principal obra pictórica: el arte del color

. Diseño la tipografía de la Bauhaus

Objetivos: depuración de los conocimientos académicos, desarrollar las

capacidades creativas básicas en el sentido de un lenguaje propio.

Contenidos: formas elementales y su cualidad, leyes del color, los contrastes, ritmo
y movimiento.

Método: ejercicios sensoriales con los materiales para experimentar formas,

contrastes, color y texturas. Estudio de los maestros del pasado.
 PLAN DE ESTUDIOS DE LA BAUHAUS EN 1925:

. Similar plan de 1919: curso preliminar, talleres y curso de perfeccionamiento.

. Los talleres se reducen a 5: madera, metal, color, tejido e impresión tipográfica

OBJETIVOS:

. Formar personas con talento artístico, técnica y formal

. Trabajo practico de experimentación en construcción de casas y mobiliario

. Desarrollo de modelos estándar para la producción industrial

En 1925 nace la Bauhaus Company Limited: para comercializar los productos elaborados en sus talleres.

EL CURSO PRELIMINAR: JOSEF ALBERS Y LAZSLO MOHOLY NAGI:

OBJETIVOS: utilizar el material con creatividad y economía. Desarrollar la autonomía del estudiante

CONTENIDOS: estudio de materiales, estudio de forma y espacio y estudio de la luz y transparencia.

METODOLOGIA: diseño con herramientas corrientes, estudio de materiales nuevos, desde una nueva
perspectiva, trabajan con una secuencia fija: cristal, papel plexiglás

- Ejercicios espaciales
- Representación gráfica de objetos y materiales: fotomontajes y fotogramas
- Visitas a artesanos y fabricas

TALLER DE CARPINTERIA/ TALLER DE MUEBLES:

. Dirección taller: ITTEN/ GROPIUS/ BREUER

. Fue uno de los primeros talleres en desarrollar prototipos: LA SILLA DE LISTONES DE

BREUER

. Se analizaba la funcionalidad del mueble para definir su forma

En 1923, el trabajo se concentró en la producción, realizando grandes encargos: como muebles para la
“casa modelo” de la Bauhaus o muebles para habitaciones de
niños, Alma Buscher.

Cuando se traslada la sede a Dessau, Breuer, construye la primera

silla hecha con tubos de acero.

En 1928: la producción de muebles ya era un factor económico.

Mies Van der Rohe, Stam realizan trabajos muy originales.
TALLER DE METAL:

Dirección: ITTEN/ NAGY

El orfebre y platero: CHRISTIAN DELL es el maestro de taller.

Se pretende: crear diseños funcionales con formas geométricas básicas y obtener la máxima funcionalidad
con la mínima ornamentación.

Se hicieron, sobre todo: jarras, teteras, candelabros, cajas y botes

NAGY cuando releve a ITTEN: el estilo del taller y las tareas cambiaron y se aborda el tema de las lámparas.

En 1923, Walter Gropius le invitó a unirse a la Bauhaus en Weimar, junto con Lucia. Introdujo la
fotografía en la escuela. Aunque nunca impartió clases, estaría a cargo del taller de Metal.

Marianne fue la primera mujer en aprender y trabajar en el Taller del Metal donde tuvo como
maestro al diseñador húngaro László Moholy-Nagy a quien sustituyó en el cargo de director del
taller del metal en 1928. Es decir: Marianne Brandt fue la primera mujer en dirigir el Taller de
Metal de la Escuela de la Bauhaus.

TALLER DE IMPRESIÓN, PUBLICIDAD Y FOTOGRAFIA:

. Direccion: Lyonel Feininger/ Bayer/ Joost Schmidt

Primer periodo:
- Técnicas de impresión calcográfica y xilografía
- Se realizarán trabajos por encargo y surge la idea del cartapacio en cinco
entregas
- Se funda una editorial y se diseña una marca de imprenta con círculo,
cuadrado y triangulo

Segundo periodo:

- Bayer desarrolla la “tipografía y figuración publicitaria”

- Los caracteres grotescos y el carácter sombra fueron signos típicos de las publicaciones, carteles
y prospectos

Ultimo periodo:

- Desarrolla el taller de publicidad y organización de exposiciones

- Incorpora clases de fotografía como principal componente del anuncio publicitario

La revista Bauhaus era publicada cada 4 meses para dar a conocer las actividades de la escuela y
promocionarla
TALLER DE TEJIDOS:
. Director: GEORGE MUCH

- Destino de muchas mujeres en la Bauhaus

- Colabora con el taller de carpintería
- Combinaba su actividad educativa con la producción comercial

Novedades estilísticas clases de ITTEN Y KLEE:

- Componían tapices como cuadros abstractos

- Enseñanza basada en las formas elementales, de las que se derivaban
todas las demás
- El arte debía descubrir estas formas y hacerlas visibles

Mas tarde se incorpora Kandinsky al proyecto.

Tras el traslado de la Bauhaus de Weimar a Dessau en 1925, Gunta Stölzl se convirtió en maestra
del taller textil, llegando a ser directora de este en 1927 durante cuatro años. Stölzl regresó
entonces a Zúrich y fundó su propia empresa de tejidos manuales en Suiza en colaboración con
otros antiguos alumnos de la Bauhaus

Anni Albers (1899 -1994): fue una diseñadora textil, tejedora, pintora y diseñadora
alemana, profesora de la Escuela de la Bauhaus.

“TEJIDOS PICTÓRICOS”, en ellos se observan la perfección formal de las tramas y

la adopción de preocupaciones de la pintura moderna y abstracta en el trabajo
textil, a la vez arcaico y ligado a la sociedad industrial.

Albers dio muchísima importancia a los materiales y a la técnica. Puede decirse que estos
marcaron o dieron pie a sus ideas más rompedoras. Innovó a la vez en el tratamiento de las
tramas y buscó la inspiración tanto en la industria moderna como
en culturas ancestrales; junto a su esposo hizo numerosos viajes
por México, Cuba y Perú.

En 1963 Albers encuentra un nuevo espacio de investigación en las

técnicas de impresión serigrafías, aguatintas, litografías que
reemplazan su trabajo directo con los tejidos a partir de la década
de los setenta. Nunca dejaría de experimentar y esa vitalidad es
quizá su más importante legado.
TALLER DE PIEDRA Y MADERA:

Director: ITTEN/ SCHMIDT

- En el primer periodo: se realizaban esculturas y maquetas de

escayola para obras de Gropius
- El encargo más importante: acabados decorativos Casa
Sommerfeld

Entre los productos que alcanzaron el éxito se incluyen: un juego

de ajedrez, diseñado por el maestro del taller Josef Hartwing
. el juguete realizado por E. Schrammen y Alma Buscher. Ambos
formados por cuerpos geométricos simples.
. en el segundo periodo cambio la trayectoria del taller.
- Se llamó: taller de plástica
- Su objetivo ya no era la creación artística de esculturas autónomas, sino el estudio de las
realizaciones plásticas especiales, de las formas cóncavas y convexas.

ALMA SIEDHOFF-BUSCHER (1899-1944) 1922–1927

Bauhau, estudiante que realizó: pequeño juego de
construcción de barcos") que realizó en 1923 Throw
Dolls, 1924

En 1926 se trasladó a Alemania, donde entró como estudiante en la Bauhaus, la pionera escuela
que ayudó en buena medida a forjar el estilo racionalista de arquitectura. Aquí fue discípulo de
Walter Gropius y Hannes Meyer, y entre 1929 y 1931 trabajó para este último. En 1929 casó con
Gunta Stölzl. Tras su regreso a Palestina en 1931 fue uno de los pioneros de la arquitectura
moderna en este país

TALLER DE VIDRIO Y PINTURA MURAL:

. Dirección taller vidrio: ITTEN/ PAUL KLEE/ ALBERS

. Dirección taller de pintura mural: Kandinsky y Schlemmer

. Talleres independientes vidrio y pintura mural por su escasa productividad

Ejemplo significativo de interiorismo: pintura mural de Oskar Schlemmer para la entrada y la caja de la
escalera del taller.

Faltaron encargados en los que pudieran realizarse grandes ideas artísticas.

El trabajo productivo consistía principalmente en:

- Teñiduras de edificios
- Trabajos de barnizado para el taller de carpintería
- Desarrollo de los papeles pintados.
 Edificio de la Bauhaus. Dessau (1925).

Walter Gropius. Sillón del despacho del

director en la Bauhaus (1923).

LUDWING MIES VAN DER ROHE

Fue el último director de la Bauhaus, cargo que ocupó en Dessau en 1930 hasta su cierre y
también en Berlín hasta su disolución definitiva, el 10 de agosto de 1933. Mies emigró a Estados
Unidos en 1938, donde acepta el puesto de director de la escuela de arquitectura del Instituto
de Tecnología de IIlinois en Chicago.

Ludwig Mies van der Rohe. Silla volada modelo D42

(1927). Tumbona modelo 242 (1931-1932). Tubo de
acero cromado y tejido de
lino (hoy piel).

Ludwig Mies van der Rohe.

Silla Barcelona (1929)

LILLY REICH (1885-1947): fue profesora de la Bauhaus de Berlín y Dessau. Estuvo asociada con
Mies van der Rohe en los proyectos más famosos del arquitecto antes de su traslado a Estados
Unidos. la diseñadora y arquitecta alemana que colaboró con Ludwig Mies van der Rohe, es
conocida a raíz de este hecho, pero al mismo tiempo, se desconocen sus aportaciones ya que
muchas han sido atribuidas al arquitecto.

"Su obra desapareció y fue una investigadora del MoMA la que descubrió, cuando seguía la pista
a la documentación de Mies van der Rohe, que había muchos bocetos firmados como L.R. En mi
opinión los trabajos de ambos, como en cualquier estudio de arquitectos actual, se fusionan, y
puede, por ejemplo, que Mies van der Rohe hiciera la estructura de los muebles y ella, los
trenzados y tapizados"

El Café “Terciopelo y Seda” se proyecta por Mies van der Rohe y Lilly Reich para
la exposición de "Die Mode der Dame" (La Moda de la Dama) que se realizó en
Berlín durante 1927 en la Funkturmhalle (Sala de la Torre de Radio), nave
vanguardista construida en 1924 por Heinrich Straumer en el recinto ferial.
La ciudad con más construcciones Bauhaus se encuentra en Oriente Próximo En el año 2003 la
Unesco declaraba la ciudad israelí de Tel Aviv Patrimonio de la Humanidad por ser un “ejemplo
sobresaliente del planteamiento de una nueva ciudad y su arquitectura a principios del siglo XX”,
y “por integrar las tendencias arquitectónicas del Movimiento Moderno en el entorno local”
Arieh Sharon, Shmuel Mestechkin, Munio Gitai-Weinraub o Shlomo Bernstein, entre otros,
fueron los encargados de diseñar y dar forma a la nueva ciudad.

En Dessau, la nueva sede de la escuela a partir de 1925, las fiestas se convirtieron en el campo
de experimentación para las escenificaciones y piezas de danza de Oskar Schlemmer y el taller
de teatro. Bajo un lema unificador, ‘La fiesta blanca’ (Das weiße Fest) o la ‘Fiesta del Metal’
(Metallisches Fest) se diseñaban tanto los decorados como los disfraces y las invitaciones.

Teatro y Bauhaus

En 1923 Oskar Schlemmer se convierte en el director del

departamento de Diseño Teatral después de haber estado
desde 1920 enseñando a tallar la piedra. Entre sus trabajos
para el teatro, destaca el realizado para el ballet
constructivista Triadic (Ballet Triádico) con música de
Hindemith (1922)

Das Triadische Ballet (Ballet Triádico) es una pieza creada por

Oskar Schlemmer y estrenada en 1922, que se convirtió en
símbolo de la reforma de la danza y de la escenografía teatral.
Su nombre “triádico” se refiere a las tres partes en que se
divide la obra, y a los tres bailarines que la desarrollan. Además, presenta una fusión entre la
danza, el vestuario y la música. Inspirada en el constructivismo ruso, se trata en realidad de una
anti-danza, una especie de “constructivismo coreográfico”.

DISEÑO GRÁFICO:
La tipografía se inserta en los cursos pedagógicos de la Bauhaus en la
segunda etapa de Dessau, a partir de 1925 y la sección de fotografía en
1929.

Joost Schmidt. Cartel para la exposición de la Bauhaus, Weimar, 1923.

 O. Schlemmer. Logotipo de la Bauhaus (1922).

Propuesta de Moholy-Nagy en el diseño gráfico a partir de su incorporación en

1923:

1ª) Geometría abstracta

2ª) Nueva fotografía

3ª) Nueva tipografía

Laszlo Moholy-Nagy. Cartel para la Exposición de la

Bauhaus. Weimar, 1923.

Cubierta de un folleto para la Exposición de la Bauhaus. Weimar,

1923.

Laszlo Moholy-Nagy. Prospecto “14 libros de la Bauhaus”

(1927). Laszlo MoholyNagy. Cubierta, lomo y
contracubierta de un libro de la Bauhaus (1928).
Minúscula textos asimétricos a 90º grados rojo y negro.

Herbert Bayer. Cubierta del primer libro de la Bauhaus (1923). Para

alguna obra de su maestro Laszlo Moholy-Nagy.
 6.EL MOVIMIENTO MODERNO

1.2. Otras propuestas racionalistas

El diseño industrial: Francia e Italia

Francia Charlotte Perriand (París, 1903-1999), Charles-Edouard Jeanneret-Gris, más

conocido como Le Corbusier (1887-1965). Pierre Jeanneret, en Rue de Sèvres, como
responsable de mobiliario e interiores.

CHARLOTTE PERRIAND
(Nace el 24 de octubre de 1903, París, Francia - Fallecimiento. - 27 de octubre de 1999, París,
Francia) fue conocida a través de sus colaboraciones con Le Corbusier y Fernand Léger. Sin
embargo, en una época donde no era común que una mujer fuera arquitecta, diseñadora y artista,
la carrera de Perriand se extendió por tres cuartos de siglo y abarcó lugares tan diversos como
Brasil, Congo, Inglaterra, Francia, Japón, Nueva Guinea francesa, Suiza, y Vietnam.

Trabajó en el estudio de Le Corbusier como responsable de mobiliario e interiores

Le Corbusier, Pierre Jeanneret y Charlotte Perriand. Sillón LC3 (1928)

Le Corbusier, Pierre Jeanneret y

Charlotte Perriand. Chaise
Longue Basculante. LC4(1928).

Charlotte Perriand permaneció en Japón entre el otoño de

1940 y el invierno de 1942

chaise longue 'Tokyo'. Diseñada en 1940

Al marcharse muchos de los modelos de mobiliario que habían sido diseñado en el Atelier Jean
Prouvé no se le reconocieron hasta que, en 1954, con el consentimiento de Prouvé, la diseñadora
firmó un contrato en el que aparecía una lista que especificaba qué diseños pertenecían a cada
uno.