Universidad Autónoma de Santo Domingo

Facultad de Ingeniería y Arquitectura

Integrantes:
Eridania Reynoso, 100434775
María Celeste Fabián, 100442249
Rusbelky Colon, 100433330
Bryan Feliz Soto 100442312
Karla P. Martínez 100452843
Kairy Adams 100430080
Romersy Herrera 100429524
Patricia Mota 100356386

Asignatura:
Historia de la Arquitectura III

Profesor:
Pablo Leynel Ruiz

Sección: 03
Tema:
Historiadores de la Arquitectura en los siglos XIX y XX
 Indice
Art and Craft
Art Nouveau
Constructivismo Ruso
Art Deco
Escuela de la Bauhaus
Escuela de Chicago
Referencia Bibliografíca
 Art and Craft

"Artes y Oficios" o también "Artes y arte meca" fue un movimiento artístico originado a finales
del siglo XIX. El Arts and Crafts fue un movimiento de arte, arquitectura y diseño. Se desarrolló
aproximadamente entre 1860 a 1900. A él pertenecieron artistas, intelectuales y artesanos como:
Morris, Burne-Jones o Philippe Webb. Fue un movimiento contrario a la industrialización. Se
inspiraba en el gótico rural inglés y en la artesanía. Rechazaba la estructura empresarial y
propugnaba la vuelta a los gremios medievales. Muestra de estos gremios fueron las sociedades
creadas por William Morris, Morris and Co. y (imprenta).
En el campo del interiorismo podemos decir que los interiores tendrán un aspecto ligero y
espacioso, en oposición a los interiores Victorianos de la época. Se utilizarán materiales naturales
de la zona. La inspiración será el gótico rural. Todos los elementos del interior se realizarán con
técnicas artesanales, dando una especial importancia al papel pintado. El mejor ejemplo de los
interiores Art and Crafts, lo encontramos en la propia casa de William Morris, Red House. En el
caso del mobiliario se partirán de formas sencillas y verticales, con técnicas de ebanistería
tradicional, y materiales de la zona donde se realiza el mueble.
William Morris y el Arts and Crafts contribuyeron a potenciar la conciencia de un buen diseño
en Inglaterra y en menor medida en Europa y Estados Unidos.

Estampado
floral de
William Morris
 El término Arts & Crafts se utiliza por
primera vez en 1887 a raíz de la
fundación de la Arts & Crafts
Exhibition Society que organiza
importantes exposiciones entre 1888 y
1916. Los arquitectos, diseñadores,
artesanos, que engloban este
movimiento defienden las artes
decorativas y el trabajo artesanal, y se
oponen a la industrialización y la
producción en serie.

El movimieto se extendió rápido por

EuropaStreet
Una de las companies de Morris en 449 de la calle Oxford y floreció con carácter propio
de Londres
en ciudades como Glasgow
(Mackintosh), Viena (Hoffmann) y
Barcelona (Gaudí). El movimiento
Arts & Crafts ya convertido en Art Nouveau, cruza el Atlántico para llegar a Estados
Unidos de la mano del genial Frank Lloyd Wright quien integra elementos decorativos en
sus famosas vidrieras.

El objetivo estético del Arts & Craft era revalorizar el hecho decorati

Diseño mobiliario por Morris

Renovacion y tradicion
El Arts and Crafts fue un movimiento de enorme ambición de la arquitectura moderna que
abarcaba la creación y el diseño en toda su amplitud, desde casas esmaltadas hasta iglesias, en
lugares tan diversos como Budapest y California. Nacido de pensadores y profesionales en Gran
Bretaña, tenía una clara intencionalidad "moral": suponía una posibilidad de reacción a la
industrialización y las formas de vida modernas que habían sustituido al trabajo manual por el
trabajo mecanizado. Tras ello había una utopía social ejemplificada en el deseo manifiesto de
volver atrás para "regenerar" al hombre mediante la artesanía. Buscaba respetar y cuidar los
materiales, y la forma en que se utilizaban. Se trataba de mostrar cómo se construyeron las cosas,
de modo que parecían diferentes de lo que eran en realidad.
El movimiento desarrolló diferentes características en los países en los que apareció. En general,
artistas y diseñadores de Europa continental y América no compartían el sentimiento anti-
industriual que había motivado a sus colegas Británicos. En Austria y Alemania, arquitectos y
diseñadores emergentes de la tradición de arts and crafts abrazaron la modernidad hasta el punto
de que el medio ambiente urbano y el diseño industrial se convirtieron en importantes
preocupaciones en su trabajo. Por el contrario, en las naciones marginadas como Hungría,
Polonia y Finlandia, las Arts and Crafts evolucionaron fuera del escenario político más amplio de
la resurrección nacional y la resistencia a la opresión del imperio extranjero.
El Arts and Crafts se trata de un movimiento estético reformista que tuvo gran influencia sobre
la arquitectura, las artes decorativas, las artesanías británicas y norteamericanas, e incluso influyó
en el diseño de jardines.

Diseño tetera movimiento

Arts and Crafts
William&Co interiorismo
Arts and Crafts en la arquitectura

William Morris's Red House en London, diseñada por P

Stotfold, Bickley, Kent

- 1907

Edgar Wood Centre (Iglesia) – Manchester, E

Wightwick Manor –
Wolverhampton, England
 William Morris

El Arts & Craft -Artes y Oficios-, está asociado a la figura de William Morris, (1834-1896)
nació en 1834 en Walthamsow (Inglaterra), (Essex, Inglaterra). Hijo de un adinerado hombre de
negocios. fue uno de los pioneros del diseño en el siglo XIX. Uno de sus teóricos más
importantes, casi un personaje renacentista. Se dedicó a la arquitectura, interiorismo, diseño
gráfico y textil. Fue artesano, pintor, poeta, novelista, conferenciante y agitador político de
izquierdas.
Su propuesta se basaba en el trabajo hecho atendiendo a la expresión artística genuina, en
contraposición al trabajo serial resultante de la mecánica moderna.
Pero si bien sus objetos destacaban por su alto nivel estético,
esto comportaba un elevado costo que hizo del altruismo
social del Arts & Craft un arte para ricos, quedando fuera de
su disfrute los artesanos y obreros en quienes, en definitiva,
se pensó a la hora de idealizarlo.
Se preocupó en preservar las artes y oficios medievales
detestando la producción en masa. Su ideología estuvo muy
influenciada por Ruskin. Contribuyó al desarrollo del Art
Nouveau. Sus principios tuvieron fuerte influencia en la Bauhaus.
Empezó a estudiar en 1848 en el Marlborough College y posteriormente en el Exeter College de
Oxford donde estudia arquitectura, arte y religión. A partir de 1856 trabajó como aprendiz de
arquitecto durante un corto periodo, y en los años siguientes se conviertió en pintor profesional.
En esta época conoció al crítico John Ruskin, que tendría una gran influencia.
Fundó la empresa Morris, Marshal, Faulkner and Co. en 1861, esta producía muebles, papelería,
alfombras, tapicerías, objetos, etc. manufacturados y de gran calidad que atrajo a gente de todo el
mundo. En 1875 la compañía pasa a ser propiedad solo de Morris, llamándose Morris and Co.
Decía que el arte debía responder a las necesidades de la sociedad y que no debía hacerse
distinción entre las bellas artes y la artesanía utilitaria. defendía principios más vanguardistas
como que la arquitectura y el arte debían responder a las necesidades e influencias del mundo
industrial moderno y que un buen diseño debía ser agradable en lo estético y satisfactorio en lo
técnico.
Morris murió en la casa Kelmscott el 3 de octubre de 1896. Sus diseño e ideas son un legado
invaluable en la historia del desarrollo del diseño gráfico, industrial y del arte.

William Morris ejemplos de interiores

Green Dining Room, London

 John Ruskin
Escritor, teórico, crítico de arte, profesor y reformista inglés,
reconocido por sus estudios de arquitectura y por su oposición al
arte victoriano y a los objetos industriales. Junto a William Morris
y Augustus Welby se declaró a favor del trabajo artesanal y la
arquitectura medieval. Sus aportes más destacados son Las siete
lámparas de la arquitectura (1849) que documentó y caracterizó
una generación de trabajo arquitectónico medieval.
Su teoría sobre la arquitectura es
meramente moral, una filosofía que
está en busca de la verdad. En tanto
que aplicó consideraciones
parecidas a otro dominio del arte en
sus Seven Lamps of Architecture
(1849), donde apuntaba una especie de leyes o bases, que todo
artista al momento de crear debe obedecer, y enumera siete:
 Sacrificio,
 Verdad,
 Poder,
 Belleza,
 Vida,
 Memoria,
 Obediencia.
Ruskin considera estas cuestiones como extra arquitectónicas. En cada capítulo contiene
abundantes principios técnicos y agudas observaciones sobre arte clásico y medieval.
Viajó a Venecia y aplicó los principios generales de las Siete Lámparas de la Arquitectura a
la arquitectura Veneciana. Ruskin se convirtió en un campeón del estilo de Renacimiento Gótico
en Gran Bretaña, un estilo en que dibujó su inspiración de la arquitectura medieval como él había
estudiado en Europa. Uno de los intereses principales de Ruskin era la construcción de el Museo
de Historia natural de Oxford. Trabajó con el apoyo de su viejo
amigo, Sir Henry Acland, entonces Profesor de Medicina, para
traer su visión de belleza Gótica a este edificio. A pesar de la
oposición considerable de tradicionalistas de Oxford y coacciones
financieras, el museo queda como uno de los más fino ejemplo del
estilo de Renacimiento Victoriano Gótico en Gran Bretaña.

Compartimento del
Baptisterio de Florencia,
acuarela de John Ruskin
Museo de Historia natural de Oxford, ejemplo del estilo de Renacimiento Vict
 Art Nouveau
El Art Nouveau fue un estilo de diseño que se
hizo popular en Europa y los Estados Unidos a
finales de los años 1880 y principios de los 1890.
El término «Art Nouveau» es francés y
significa
«nuevo arte». Art Nouveau fue una reacción
contra los estilos académicos del siglo XIX y una
expresión de deseo por parte de artistas y
arquitectos para crear un nuevo estilo para el
próximo cambio de siglo. En otras palabras, fue un nuevo arte para una nueva era.
Art Nouveau involucró una filosofía de que las cosas bellas podrían beneficiar a las personas
que las vieron. El final del siglo XIX fue una época de creciente industrialización y producción
en masa de productos baratos y mal hecho. Artistas, diseñadores y arquitectos reaccionaron
contra esta tendencia y abogaron por un retorno a la artesanía y la creencia de que el arte debería
incorporarse nuevamente a la vida cotidiana.
Art Nouveau fue una expresión de una idea conocida
como Gesamtkunstwerk, el pensamiento de que todas las
artes deberían reintegrarse. El movimiento Art Nouveau
incluyó a artistas e ilustradores, diseñadores textiles y de
papel tapiz, y diseñadores de vidrio y joyería. También
incluyó diseñadores de interiores, diseñadores de muebles y
arquitectos. La belleza y el diseño eran tan importantes para
los objetos funcionales como los edificios como lo eran en
las bellas artes, y los arquitectos se convirtieron en algunos
de los practicantes más destacados del Art Nouveau.

Estilo arquitectónico
En toda Europa, se pueden encontrar excelentes ejemplos de Art Nouveau y sus estilos asociados
en lugares como Bruselas, Bélgica; Praga, República Checa; e incluso Alesund, Noruega,
que fue reconstruida en gran parte en estilo Art Nouveau después de un incendio en 1904. El
movimiento Art Nouveau comenzó en Francia y se extendió por Europa, alentado por ideas
similares entre grupos de artistas en muchos países. En cada lugar, el estilo difería ligeramente y
era conocido por diferentes nombres. Aquí hay algunos de esos nombres, junto con sus
ubicaciones y arquitectos asociados:
 Hector Guimard

 Art Nouveau (Francia): las elegantes entradas de la estación de metal curvo de Hector
Guimard deleitan a los visitantes del metro de París.

Charles Rennie Macintosh

 Estilo Glasgow (Escocia): el diseño distintivo de Charles Rennie Mackintosh para la

Escuela de Arte de Glasgow combina un énfasis lineal con elementos celtas.

Antoni Gaudí
 Modernismo (España): la casa Batlló,
fantasiosa y colorida de Antoni Gaudí, parece
casi viva.
 Otto Warner

 Secesión de Viena (Austria): Majolikahaus bellamente decorado de Otto Wagner tiene

un trabajo de azulejos de cerámica con una serie de diseños y colores.
Como estilo, Art Nouveau se levantó rápidamente y disminuyó alrededor de 1910, pero en su
deseo de expresión moderna y su uso de formas y formas no tradicionales, demostró tener una
influencia más duradera. A veces se llama el primer estilo moderno e impactó estilos posteriores
como Art Deco y Modernismo.

Características del Art Nouveau

Puedes identificar las estructuras de Art
Nouveau por sus líneas elegantes y
curvas. Algunas estructuras parecen casi
orgánicas, elevándose desde el suelo en formas
hinchadas y onduladas. En una forma a veces
llamada curva de latigazo, las líneas se estiran
y luego se doblan sobre sí mismas, un sello del
estilo.
Las estructuras Art Nouveau estaban muy
influenciadas por la naturaleza, por lo que es
posible que veas esquemas decorativos que
incorporan elementos como hojas y
enredaderas,
flores, pájaros como cisnes y pavos reales e insectos como libélulas. Parte del enfoque en la
naturaleza se debió a la influencia del arte japonés, que era popular entre los artistas de la época
y también daba prioridad al sentido del espacio decorativo y al uso de la línea. Por ejemplo, los
edificios de estilo Art Nouveau pueden incluir brillantes y coloridos azulejos de cerámica en
estilizados diseños florales que cubren sus superficies.
Los arquitectos de Art Nouveau también utilizaron materiales modernos en sus diseños,
incluidas sustancias como el hormigón vertido, el hierro fundido y los grandes paneles de
vidrio. Las paredes de vidrio sostenidas por estructuras metálicas expuestas y las escaleras
hechas de hierro fundido ondulado acentúan el sentido de un estilo moderno.

Las estructuras art nouveau también tienen partes asimétricas, lo que significa que los
componentes difieren en términos de su forma, tamaño y organización. Por ejemplo, un edificio
puede tener una entrada con puertas de entrada que se elevan en ángulos diferentes, o una torre
en un lado de una estructura, pero no en el otro.

Los edificios Art Nouveau tienen muchas de estas características

 Formas asimétricas
 Amplio uso de arcos y formas curvas.
 Vidrio curvo
 Curvado, adornos tipo planta.
 Mosaicos
 Vitral
 Motivos japoneses
 Constructivismo Ruso

El constructivismo ruso fue un movimiento

artístico muy influyente que floreció en
Rusia en el siglo XX y evolucionó cuando
los bolcheviques llegaron al poder en la
Revolución de octubre de 1917. A través de
este movimiento de arte moderno, se
expresaron muchos de los avanzados artistas
soviéticos que apoyaban los objetivos de la
revolución.
En sí, se trataba de un enfoque nuevo para la
creación de objetos, aunque tomó ideas del
cubismo, suprematismo y el futurismo. En
resumen, su objetivo era abolir la
preocupación artística tradicional por la
composición y reemplazarla por
«construcción».
El constructivismo ruso exigía un análisis
técnico cuidadoso de los materiales
modernos. Esta investigación debía
finalmente producir ideas útiles para la
delo de la Torre de Tatlin, Royal Academy, Londres. Fue la obra más representativa del movimiento
producción en masa, al servicio de los fines
de una sociedad comunista.
Sin embargo, el movimiento fracasó al tratar
de hacer la transición del estudio del artista a la fábrica. Algunos continuaron insistiendo en el
valor del trabajo analítico abstracto y el valor del arte en sí. Varios de estos artistas tuvieron un
gran impacto en la difusión del constructivismo en toda Europa.
Por su parte, otros avanzaron a una fase nueva, pero de corta duración conocida como
productivismo. Estos artistas trabajaron en la industria, pero sin el mismo éxito del
constructivismo ruso.

Historia del Constructivismo Ruso

El término construction art, arte de la construcción, fue usado por primera vez en 1917 por
Kasimir Malévich como un término despectivo para describir el trabajo de Alexander
Rodchenko.
Durante un viaje a París en 1913, Tatlin, considerado como el precursor del movimiento, tuvo la
oportunidad de conocer el taller de Picasso y su trabajo. De vuelta a Rusia, y siguiendo los
collage y trabajos en madera del artista español, empezó a trabajar en una serie de obras,
construcciones en relieve, realizadas a partir de materiales encontrados, madera, papel..., que
culminaron en el
Monumento a la Tercera Internacional, exhibido en 1920 y que se convertiría en el símbolo del
movimiento.
En ese mismo año, se publicó el Manifiesto realista por los hermanos Naum Gabo y Antoine
Pevsner, en el que proclamaban las ideas del movimiento, y se acentuaron las diferencias
ideológicas, sobre todo en relación al papel del artista dentro del nuevo estado comunista.
Malévich y Kandinsky, entendían que el arte no debía subordinarse simplemente a las
necesidades utilitarias de la sociedad, mientras que Tatlin y Rodchenko reivindicaban el carácter
revolucionario del arte, renunciando a la idea del arte por el arte en favor del diseño industrial y
las artes aplicadas al servicio de la nueva sociedad comunista. Siguiendo estas consignas Tatlin
abandonó la escultura para dedicarse a la arquitectura y el diseño industrial, y Rodchenko dejó la
pintura por el diseño gráfico y el periodismo fotográfico.
En 1921, con la nueva política económica de Lennin, se organizó la enseñanza de las artes bajo
la dirección del Instituto de cultura artística, que puso en práctica las ideas constructivistas a
través de los Vjutemas, talleres superiores de arte y técnica, desde donde se promovía el rechazo
a lo superfluo y decorativo, reivindicando la funcionalidad.
Tras la muerte de Lennin, en 1924, la política cultural soviética regresó poco a poco a la
tradición y al realismo del siglo XIX. El constructivismo desapareció en 1932, tras el decreto del
Comité central del partido bolchevique en el que se reestructuró el arte, quedando bajo la
dirección del partido. Algunos de sus componentes, como Malévich, cayeron en el olvido y la
pobreza, otros fueron enviados a campos de concentración en Siberia, Marc Chagall, entre otros,
emigró y pudo continuar con su trabajo en occidente, mientras que otros simplemente se
adaptaron al realismo socialista.

Características del Constructivismo Ruso

El Constructivismo se destacó por su carácter utilitario y al servicio de la revolución. Los artistas
buscaron producir cosas útiles, en las áreas de diseño industrial, comunicación visual y artes
aplicadas al servicio de la nueva sociedad comunista.
El Constructivismo coincide con las características de diferentes vanguardias como el Cubismo,
el Futurismo, el Suprematismo y el Dadaísmo.
Esta vanguardia se destacó por:
 Los representantes no ven sus obras como arte. La técnica y el proceso para elaborar
el producto son de gran importancia.

 Predomina lo tridimensional, la escultura, la arquitectura y el diseño industrial.

 Se asocia a la producción industrial y sus composiciones son construidas matemáticamente.

 La obra se comunica con el
espacio que la rodea o
penetra. Se valora la
simultaneidad del espacio, el
tiempo y la luz.

 Se dedicaron al diseño de
carteles, de moda, tipografías,
fotografía, arquitectura
interior, propaganda,
ilustraciones, etc.

 La misma consta de Ilustraciones del Constructivismo Ruso como origen de la propaganda política
elementos (frecuentemente
transparentes) de formas
geométricas, lineales y planas.

 Hace hincapié en lo abstracto, pero relacionado con la industria y la técnica.

 Estilo basado en líneas puras y formas geométricas y pesadas.

 Materiales simples: madera, metal, yeso, alambre, plástico, cartón, vidrio y elementos
modernos que simbolizan el progreso.

 Uso de los colores naranjo, rojo, azul, amarillo, negro y blanco (tanto en afiches como
en objetos).

 Para la decoración se emplean motivos suprematistas, o sea formas geométricas sobre

un fondo blanco y plano (como en el caso de la cerámica).

Arquitectura y Diseño del Constructivismo Ruso

Propuesta The Flying City de Gyorgy Krutikov
Uno de los propósitos de la arquitectura
constructivista era inculcar la vanguardia
en la vida cotidiana. El constructivismo
ruso buscaba construir los espacios en los
que se podría lograr la nueva utopía
socialista.
Se crearon entonces proyectos utilitarios
para los trabajadores. Pero también se
diseñaron proyectos extravagantes como
Flying City de Gyorgy Krutikov. Este
proyecto se concibió como una propuesta
seria para viviendas en el aire.
De esta manera, estos extremos demostraban las tensiones entre el individualismo y el
utilitarismo en el constructivismo. Por un lado, se promovía una mayor igualdad de la sociedad
y, por el otro, ofrecieron algunos proyectos grandiosos e incluso temerarios.
Las herramientas y técnicas de la pintura figurativa más tradicional y los estilos de arte fueron
reemplazados por fotomontajes «construidos» y una fuerte tipografía.
El constructivismo ruso característicamente tenía paletas de colores mínimos. En general, solo
utilizaban el rojo y negro, y a veces amarillo. Eran comunes los elementos diagonales con tipo e
imágenes circulares y en ángulo.
Así, el resultado era extremadamente dramático, con imágenes en capas combinadas con
tipografía potente. Este arte ha sido descrito como emocionante, estremecedor e incluso
impactante. Este movimiento significó un cambio dramático de movimientos y filosofías de arte
más convencionales.
Originalmente, el estilo constructivista estaba destinado a mensajes políticos. No obstante, se
filtró en anuncios de productos y carteles de todo tipo, así como en portadas y partes interiores de
libros.
Autores y obras destacadas en el Constructivismo Ruso
Algunos famosos artistas del movimiento son Vladimir Tatlin,
Georgii y Vladimir Stenberg, Alexander Rodchenko, Liubov
Popova y El Lissitzky.
Por otro lado, la pieza más famosa de Tatlin es su Monumento a la
Tercera Internacional. Este proyecto no se llevó a cabo, pero marcó
su primera incursión en la arquitectura.
El monumento se convirtió en un símbolo de la arquitectura
vanguardista rusa y del Modernismo internacional. La maqueta es
un armazón de hierro de 6.7 m de altura en el que descansaba un
cilindro giratorio, cubo y cono.

Monumento a la 3ra
internacional de Tlalín

Batid a los blancos con la cuña roja (Lissitzky), ilustración para propaganda polít

Arquitectura pictural (Popova)

Círculo blanco (Rodchenko)
Auguste Perret
Auguste Perret, nació en Bruselas en el año
1874. Aunque su familia, y él mismo, eran
de origen francés, determinados problemas
de su padre con la política del momento,
forzó su traslado para refugiarse en la ciudad
belga durante unos años. Así, en 1981, la
familia al completo regresó de nuevo a su
país natal para instalarse en París.
Auguste Perret, fue una de las grandes
Auguste Perret, figuras de la arquitectura francesa del siglo
XX. Pionero en la utilización de materiales
novedosos para elaborar sus edificaciones,
muchas de las cuales todavía se levantan como emblemas de las ciudades en las que se encuentran.
Su padre regentaba una empresa de construcción. Fue aquí donde entró en contacto con el
material en el que la compañía se había especializado, el hormigón armado, el que se
convertiría en su aliado a lo largo de su trayectoria profesional y le causaría tantos elogios y
distinciones.
Sus comienzos en la arquitectura se sitúan en el año
1902 con la construcción del edificio de la Avenue
Wragan. En él que ya se atisbaban ciertos rasgos del
clasicismo hacia el que girarían el resto de sus
creaciones a lo largo de su vida. Sin duda, su primer
trabajo de mayor envergadura y que alcanzó una
importancia notable fue el edificio residencial de la Rue
Franklin, el primero de este tipo realizado con
hormigón armado.
En el año 1905, junto a uno de sus hermanos abre un
estudio de arquitectura donde estableció ya el
hormigón como material principal en sus edificios.
Poco después, al lado de su otro hermano, crearon una
constructora. Al amparo de ambas empresas continúa
trabajando y enriqueciendo su vida profesional.
Edificio Rue Franklin, arquitecto Auguste Perret. Fue el primero de esta clase hecho en hormig

Sus obras son fácilmente reconocibles por la utilización

del hormigón armado como principal material de
construcción. Si bien no lo empleaba únicamente en las
estructuras, sino que lo trabaja con exactitud para dar forma a detalles, decoraciones y fachadas
por los que mostraba un cierto interés y preocupación. Por este motivo, en ciertas ocasiones se
refería a su material como hormigón estético. Al mismo tiempo, los rasgos neoclasicistas y los
grandes ventanales se erigen como señas de identidad de sus creaciones.
 Obras destacadas

Torre Perret
La torre Perret, originalmente llamada La tour pour regarder
les montagnes, es una torre de observación ubicada en
Grenoble, en el parque público Paul Mistral. Es la primera
torre construida en hormigón armado en Europa. En 1998, fue
declarado oficialmente patrimonio de la humanidad.
El arquitecto Auguste Perret concibió la torre en el año 1942,
cuando comenzaba el proyecto de reconstrucción de la plaza
Alphonse-Fiquet y de la estación de Amiens tras la
devastación y la destrucción de la zona causadas por los
bombardeos de la Segunda Guerra mundial. Las obras de
excavación y cimentación comenzaron el 15 de noviembre de
Perret, primera torre construida en hormigón armado1949 y la primera
en Europa. piedra se puso el 22 de mayo de 1950. La
Año 1924
construcción de la estructura principal finalizó en marzo de
1952.

Teatro de los Campos Eliseos

Es un edificio construido en 1913 de estilo
mixto art decó y clásico, debido al arquitecto
Auguste Perret y al escultor Antoine
Bourdelle. Tiene 3 salas de espectáculos y un
restaurante. Está situado en la Avenue
Montaigne, en el octavo distrito de París.
En julio de 1926, la Comedia de los Campos
Eliseos da lugar a la primera proyección en
Francia de la película alemana Las Aventuras
del príncipe Ahmed, de Lotte Reiniger, una
obra pionera del cine de animación.
Teatro de los Campos Eliseos El teatro de los Campos Elíseos es un
tradicional reducto de la música clásica en
París, junto con la Sala Pleyel, Sala Favart
del
Teatro Nacional de la Opéra-Comique, la Cité de la Musiqué, el Teatro del Chatelet y la Sala
Gaveau para música de cámara. La Orquesta Nacional de Francia tiene como sede este teatro.
Ciudad de Le Havre

Ciudad Le Havre, en Francia

Todas sus creaciones gozan de cierta importancia, pero

Iglesia Saint-Joseph, ciudad Le Havre
quizás sea uno de sus últimos trabajos el que más
reconocimientos ha conseguido en los últimos años.
Nos referimos a la reconstrucción de parte de la ciudad
de Le
Havre. Fue en 1946 cuando quedó al cargo de este proyecto junto con un grupo de dieciocho
arquitectos jóvenes que recibieron el nombre de “Taller de la Reconstrucción”.
Iglesia de San José, Le Havre es una iglesia católica romana en Le Havre, Francia. De 1945 a
1964, la ciudad de Le Havre encargó a Auguste Perret y su estudio que dirigieran la
reconstrucción de toda la ciudad después de que los británicos la diezmaran por completo
durante la Segunda Guerra Mundial.
Perret fue, junto con Tony Garnier, el arquitecto más representativo e innovador del nuevo
clasicismo francés que apareció en París a comienzos del siglo XX. Durante toda su vida Perret
realizó una arquitectura académica, con mentalidad neoclásica, sin presentar un avance en la
manera de componer ni en la de decorar. Este arquitecto francés se hizo un hueco entre los
grandes de su época y es reconocido en la actualidad más allá de su país natal. Gracias a él, un
nuevo material, el hormigón armado, entró en juego en el mundo de la arquitectura.
Torre de Tatlin
El Monumento a la Tercera Internacional, o Torre de
Tatlin, fue un proyecto arquitectónico del escultor ruso
Vladímir Tatlin, quien lo presentó a comienzos de los
años veinte. Se proyectó para ser construido en
Petrogrado como monumento y sede de la Tercera
Internacional.
Se trataba de una torre de estilo constructivista de unos
400 metros de alto, superando en altura a la Torre
Eiffel de París. Consistiría en una estructura espiral de
hierro y acero, volcada hacia un lado en el ángulo del
eje terrestre, conteniendo en su interior cuatro
estructuras de vidrio con diferentes formas: un cubo,
una pirámide, un cilindro y media esfera. Todos estos
elementos rotarían a distintas velocidades. El cubo
completaría su giro en un año, la pirámide en un mes,
el cilindro en un día y la media esfera en una hora. En
su interior se situaría la
sede de la Internacional Comunista, así como una oficina de telégrafos y varios restaurantes.
Dispondría de una serie de pantallas gigantes por las que se mostrarían las últimas noticias
mundiales.
El Monumento a la Tercera Internacional nunca llegó a construirse, pues la guerra civil disparó
la carestía de los materiales impidiendo que la Torre de Tatlin pasara de la fase inicial de
proyecto.
El proyecto se oponía frontalmente a los rascacielos que, a principios de siglo, se estaban alzando
desde Estados Unidos, y daba un giro radical
a las propuestas arquitectónicas de los
edificios de altura.
En el Museo de Arte Moderno de
Estocolmo (Suecia), se exhibe una maqueta
de la Torre de Tatlin.
A finales de los años 90, el arquitecto
japonés Takehiko Nagakura realizó una
detallada animación virtual de este proyecto.
Filmó el lugar donde debía ir la torre desde
diferentes puntos de la ciudad y luego hizo Montaje fotográfico de cómo se hubiera visto la Torre en su emplazamiento ori
un corto en el que recreó la imagen de la
estructura implantada en un entorno virtual.
 ART DÉCO
 CONCEPTO:
Fue una tendencia o movimiento de diseño vanguardista de diseño popular a partir de 1920 hasta
1939 que influyó las artes decorativas mundiales tales como arquitectura, diseño de interior y
diseño grafico e industriales haciendo énfasis en las artes visuales tales como la moda, pintura,
grabado, escultura y cinematografía
art déco se caracterizó por la utilización de figuras geométricas delineadas con precisión y la
utilización de colores fuertes y llamativos. Surge como una forma de imprimir optimismo
después de la depresión de la Primera Guerra Mundial. El art déco buscaba orientación hacia un
futuro adoptando ideas modernas como una celebración hacia el progreso.
El estilo del art déco tuvo influencias de las corrientes del vanguardismo que lo antecedieron
como el cubismo y el futurismo, pero se diferencia por estar cargados de motivos de culturas
antiguas como, por ejemplo, la egipcia, la asiática y la de Mesopotamia. En este sentido, el art
déco es considerado el primer estilo decorativo global.

ART DECO 1920-1939

 EDIFICIO CHYSLER EN N.Y
 HISTORIA
Es un rascacielos de estilo art déco situado en la intersección de la
Calle 42 con Lexington Avenue, en el East Side de Midtown
Manhattan, Nueva York, en el barrio de Turtle Bay. Con 77 plantas y
319 metros de altura, fue el edificio más alto del mundo durante once
meses, hasta que lo superó el Empire State Building en 1931.7 Sigue
siendo el edificio de ladrillos más alto del mundo, aunque su estructura
es de acero.6 A fecha de 2018, es el octavo edificio más alto de Nueva
York, empatado en altura con el New York Times Tower.8

El Edificio Chrysler, diseñado por el arquitecto William van Alen, es

un ejemplo clásico de la arquitectura art déco y muchos arquitectos
contemporáneos lo consideran uno de los mejores edificios de Nueva
York.9105 Fue la sede de la empresa Chrysler desde 1930 hasta
mediados de los años cincuenta. Aunque el edificio se construyó y
diseñó específicamente para el fabricante de coches, la empresa no
pagó su construcción y nunca fue su propietaria, debido a que Walter
P. Chrysler decidió pagarlo él mismo para que fuera un proyecto
personal.11 Su construcción estuvo marcada por la competición para
ser el edificio más alto del mundo, en la que su principal rival era el
Bank of Manhattan Building (actualmente The Trump Building), con
una altura final de 282,5 m, mientras que el Edificio Chrysler se iba a
quedar en 281,9 m. Sin embargo, a los pocos meses de que se
completara el Bank of Manhattan Building, se construyó en secreto una
aguja piramidal en el interior del Edificio Chrysler y se instaló en su
cima, alcanzando así una altura total de 319 m.12

EDIFICIO CHYSLER
BUILDING 1930
  WALTER PERCY CHYSLER
Sus inicios fueron como mecánico de varias empresas de trenes,
y en el año 1910 formó parte de la empresa American
Locomotive Company, más tarde se desempeñó como director
ejecutivo de la Buick Motor Company ascendiendo
posteriormente al cargo de presidente de la misma. Además, se
desempeñó como vicepresidente de operaciones de General
Motors Corp., empresa que compró a la Buick.
En 1916, William C. Durant, que fundó la General Motors en
1908, la recuperó de los banqueros que habían tomado la
empresa. Chrysler, que está estrechamente vinculado a los
banqueros, presentó su dimisión a Durant, entonces con sede en
la ciudad de Nueva York.
WALTER PERCY CHYSLER
1875-1940

AYUNTAMIENTO DE BUFFALO E N.Y

 HISTORIA

El plan original de Buffalo, de principios del siglo XIX, estaba basado en el plan de 1791 de
Pierre Charles L’Enfant para Washington, una versión americanizada del sistema de bulevares
radiantes de París. La rejilla radial de la calle de Buffalo fue diseñada por Joseph Ellicott y
complementada por un sistema de parques y avenidas diseñados por Frederick Law Olmsted.
Buffalo fue la primera ciudad para la cual Olmsted diseñó un parque interconectado y un sistema
de avenidas, en lugar de parques independientes.Durante la Exposición del Centenario de 1876
en Filadelfia, Pensilvania, Frederick Law Olmsted declaró a Buffalo como “la mejor ciudad
planificada, en cuanto a sus calles, lugares públicos y terrenos, en los Estados Unidos, si no en el
mundo”.

De acuerdo con el escritor de arquitectura del New York Times Nicolai Ourousoff:Buffalo fue
fundado en una rica tradición de experimentación arquitectónica. Los arquitectos que trabajaron
aquí fueron de los primeros en romper con las tradiciones europeas para crear una estética
propia, arraigada en los ideales estadounidenses sobre el individualismo, el comercio y la
movilidad social.La ciudad contiene edificios diseñados por maestros estadounidenses de la
arquitectura como Frank Lloyd Wright, Louis Sullivan y HH Richardson, lo que convierte a
Buffalo en una de
las ciudades con mayor importancia arquitectónica de América. También contiene muchos
edificios diseñados por arquitectos modernos como Minoru Yamasaki, Toshiko Mori, Marcel
Breuer y Harrison & Abramovitz.

EL AYUNTAMIENTO DE BUFFALO DESDE LA NIAGARA SQUAR

 CONSTRUCCIÓN
El Ayuntamiento fue construido por la John W. Cowper Company, la misma empresa que
construyó el Statler Hotel y el Buffalo Athletic Club, también en Niagara Square. El coste de la
construcción del Ayuntamiento fue de 6 851 546,85 dólares (94,1 millones de dólares actuales)
incluidos los honorarios de los arquitectos, lo que le hace uno de los ayuntamientos más costosos
de los Estados Unidos.5
El 16 de septiembre de 1929 empezaron las obras en el solar y el 14 de mayo de 1930 se puso la
primera piedra. El edificio se completó el 10 de noviembre de 1931, aunque ya había partes del
edificio ocupadas desde septiembre de 1931. El edificio fue inaugurado oficialmente en julio de
1932. Anteriormente, las oficinas del ayuntamiento se situaban en el County and City Hall.
Detalle de la torre.
Con 32 plantas, de las cuales 26 contienen espacio de oficinas utilizable, fue el edificio más alto
de Buffalo hasta que en 1970 se construyó One Seneca Tower.6 La superficie total del
Ayuntamiento es de de 52 612 m2 y la superficie de la parcela de Niagara Square es de 6659 m2.
Hay 1520 ventanas entre la primera planta y la 25. Todas ellas se abren hacia dentro, lo que hace
que no sean necesarios limpiacristales. Se tarda aproximadamente diez días para limpiarlas todas.
Hay ocho ascensores a la planta 13 y cuatro a la planta 25. Curtis Elevator Company suministró
los primeros ascensores, aunque posteriormente Otis Elevator Company proporcionó otros
ascensores.

JOHN W. COWPER 1923

Empire State en N.Y.

Empire State Building

A mediados de 1930 se inauguró el Edificio Chrysler, situado en la Avenida Lexington de Nueva

York. En aquel momento era el inmueble más alto del mundo, demostrando con ello el poder de
la marca automovilística. En una lucha por hacerse con el primer puesto de la automoción, John
Jakob Raskob, fundador de General Motors, encargó al arquitecto William F. Lamb levantar un
edificio más grande que el de la competencia.
Así fue como empezó la obra del Empire State Building, el 17 de marzo de 1930. Situado en la
intersección de la Quinta Avenida con la Calle 34, el Empire State se levantó en tan solo 410
días. Sería el por aquel entonces presidente de los Estados Unidos, Herbert Hoover, quien
inauguró el rascacielos más alto de Nueva York el 1 de mayo de 1931 apretando un interruptor
desde la Casa
Blanca.
Cuando Hoover encendió las luces, enseñó al mundo la obra arquitectónica más impresionante
que se había construido hasta la fecha. 41 millones de dólares fue el presupuesto para que el
Empire State se alzase sobre la ciudad de Nueva York. 3.500 obreros fueron necesarios para
levantar sus 102 pisos, utilizando para ello 10 millones de ladrillos, 60.000 toneladas de acero y
6.500 ventanas. La torre se alzó rápidamente, a una velocidad de construcción de cuatro plantas y
media por semana.

En el momento de su inauguración el edificio medía 381 metros de altura. En 1953 creció un

poco más, hasta llegar a los 443,2 metros, ya que se instalaron en la cima la torre de emisión y la
antena, que actualmente dan señal de radio y televisión a 7,4 millones de hogares
estadounidenses. Con esa reforma, que se mantiene en la actualidad, el Empire State tiene una
superficie total de 195.000 metros cuadrados. Para llegar hasta su punto más alto hay que
hacerlo, bien recorriendo sus 1.860
peldaños, bien montando en uno de sus 73 ascensores. Alguno de estos son de tipo ultrarrápido y
alcanzan una velocidad de hasta 120 kilómetros por hora.

En 2011, el Empire State ingresó 156,7 millones de dólares.

En la actualidad, el edificio pertenece, en su mayoría, a la familia Malkin, a través del fondo de

inversión Empire State Realty Trust. En 2011 generó unos ingresos de 156,7 millones de
dólares gracias, en parte, al alquiler de sus oficinas (actualmente trabajan unas 9.000 personas
allí) y a la gran afluencia de turismo (desde que se inauguró, se estima que ha recibido 110
millones de visitantes). Además, sus propietarios están en trámites para sacar el edificio a bolsa,
con lo que estiman recaudar alrededor de 1.000 millones de dólares en títulos.

En 1964 se añadieron focos en la cúpula de la fachada. Recientemente se modificaron

por dispositivos LED que permiten iluminarla con diferentes colores. Generalmente, la tonalidad
elegida va dedicada a un evento político, deportivo o social determinado. La inclusión de esta
tecnología en el edificio formó parte de un programa medio ambiente.

Empire State Bulding de noche

En 2011 recibió el galardón LEED-Gold que entrega la U.S. Building Council. La asociación
quiso reconocer el esfuerzo de una adaptación que tuvo un coste de 550 millones de dólares, y
que permitirá reducir la emisión de CO2 en 105.000 toneladas en los próximos 15 años. Además,
se espera que el retorno de la inversión se materialice antes de 2015 ya que, entre otros muchos
beneficios, permitirá ahorrar al edificio 4,4 millones de dólares anuales en el consumo
energético.

El Empire State Building es, desde su creación, una de las señas de identidad de Nueva York y
de Estados Unidos. Además, actualmente es el edificio más alto de la ciudad, un buen lugar para
que los turistas puedan divisar la Gran Manzana.
Rockefeller Center en Manhattan N.Y.

Rockefeller Center

El Rockefeller Center (también conocido como Rockefeller Plaza [es un complejo de 19

edificios comerciales, que cubre 22 acres entre las calles 48 y 51 en la Ciudad de Nueva
York, Estados Unidos. Construido por la familia Rockefeller, el complejo está situado en
Midtown Manhattan, abarcando el área entre la Quinta Avenida y la Sexta Avenida en
la isla de Manhattan, Nueva York. En esta zona se encuentran algunas de las boutiques más
lujosas de Nueva York. Fue declarado un National Historic Landmark en 1987.23
El Rockefeller Center está compuesto de multitud de tiendas y teatros con gran reputación, como
el Radio City Music Hall. El complejo es un destino turístico, debido a los numerosos decorados
de la Rockefeller Plaza, la vista ofrecida por el observatorio del Edificio GE, y además de las
muchas actividades estacionales, como la pista de patinaje sobre hielo o el gran árbol de
Navidad, que cada año congregan a millones de personas.

Diseño
El complejo original fue diseñado como una "ciudad dentro de otra ciudad." Por primera vez en
la historia de Manhattan se junta un gran grupo de edificios, que combina oficinas, y centros
comercial y de ocio. El plan general debía ser sistemático, en conformidad con el estilo City
Beautiful y bajo la influencia del estilo Bellas Artes. La arquitectura y la decoración de las
fachadas, sin embargo, se hicieron eco del estilo Art Decó, muy famoso en la década de los años
1930. Un sistema de pasarelas conectaría los tejados de los edificios, tomando como referencia a
los Jardines colgantes de Babilonia. El objetivo inicial de los Rockefeller y sus socios fue hacer
del distrito el segundo mayor centro económico de Manhattan después de Wall Street.
Además del complejo original, también existe un segundo complejo con cuatro torres de estilo
Internacional, construidos a lo largo del lado occidental de la Avenue of the Americas durante
los años 1960 y 1970. El Time-Life Building y los sedes de McGraw-Hill y la News
Corporation forman parte de la extensión del Rockefeller Center que ahora es gestionada por
el Grupo Rockefeller, una importante empresa privada de bienes raíces.

Edificios
Los edificios importantes del Rockefeller Center comprenden más de
8 000 000 pies (743 224,32 m²) sobre 22 acre (unidad de superficie)acres (89 030,84 m²) en
Midtown, limitada por la Quinta Avenida y la Sexta Avenida, y corriendo de la calle 48 a la calle
51. El Rockefeller Center es también una propiedad privada, co-poseída por Tishman-Speyer, y
está abierto al público.
Complejo original

 One Rockefeller Plaza (608.000 pies cuadrados) — Originalmente el Time-Life Building; un

inquilino original fue General Dynamics, por lo que el edificio brevemente se nombró de esa
manera.
 10 Rockefeller Plaza (288.000 pies cuadrados) — Originalmente llamado "Holland House,"
era anteriormente el sede de Eastern Air Lines. Los estudios de The Today Show se ubican
aquí.12
 30 Rockefeller Plaza ("30 Rock") — El Edificio GE (2.900.000 pies cuadrados).
Anteriormente conocido como el "Edificio RCA," este edificio es la sede mundial de
la National Broadcasting Company (NBC) y el hogar de la mayoría de sus estudios en Nueva
York.
 1240 Avenue of the Americas — Este edificio se ha adaptado como un anexo a 30 Rock.
 50 Rockefeller Plaza (481.000 pies cuadrados) — Originalmente construido para The
Associated Press, este edificio era el hogar de muchos agencias de noticias. Es actualmente
conocido como el Bank of America Building.
 1230 Rockefeller Plaza (706.000 pies cuadrados) — Originalmente el "Center Theatre," este
edificio posteriormente se convirtió en el U.S. Rubber/Uniroyal Building, y es actualmente
el Simon & Schuster Building.13
 1260 Rockefeller Plaza — Radio City Music Hall, un lugar de entretenimiento teatral.
 1270 Rockefeller Plaza — Originalmente el RKO Building; más tarde se convirtió en
el American Metal Climax (AMAX) Building.
 600 Fifth Avenue (409.000 pies cuadrados) — Anteriormente el Sinclair Oil Building.
 610 Fifth Avenue (130.000 pies cuadrados) — La Maison Francaise.
 620 Fifth Avenue (130.600 pies cuadrados) — The British Empire Building.
 626 Fifth Avenue (120.000 pies cuadrados) — Il Palazzo d'Italia.
 630 Fifth Avenue (1.200.000 pies cuadrados) — The International Building.
 636 Fifth Avenue (120.000 pies cuadrados) — The International Building North.
Edificio el Moro de México

Edificio el moro de México

El Edificio El Moro es una construcción que se encuentra en la avenida Paseo de la

Reforma número 1, en la colonia Tabacalera, delegación Cuauhtémoc, en la Ciudad de México.
Se considera como uno de los primeros rascacielos de la capital mexicana, y se inauguró el 28 de
noviembre de 1946, antes que la Torre Latinoamericana. Se le conoce también como La Lotería,
porque alberga las oficinas de la Lotería Nacional (Lotenal). Fue, por un tiempo, el edificio más
alto de la Ciudad de México.

Su Forma

 Su altura es de 107 m y tiene 29 plantas.

 Su estilo es art decó.
 Cuenta con 5 elevadores (ascensores).
 Los materiales que se usaron en su construcción fueron: acero, cristalería y concreto.
 El área total del edificio es de 22,000 metros cuadrados, en un predio de más de dos mil
metros cuadrados, que antes ocupaba la comandancia de policía que estaba junto a la casa de
Mier y Terán, la casona donde se ubicaron también las oficinas de la Lotería Nacional (Paseo
de la Reforma #1) y tres predios más.

Historia
La Lotería Nacional ocupó varios predios, entre los que destaca una vieja casona, en la calle de
Capuchinas, hoy calle Venustiano Carranza, en el Centro Histórico de la Ciudad de México. Esta
vieja casona operaba lo mismo como oficinas que como expendio de billetes de lotería. El primer
sorteo se llevó a cabo en el Salón de Cabildos del Ayuntamiento de la Ciudad de México pero,
debido a que era un espacio con muchas restricciones y la lotería era para todo el pueblo, sin
importar a qué clase social perteneciera, se buscó un sitio más accesible, en una vieja casona de
la calle de Vergara. Sin embargo, esto tampoco resultó, por las condiciones de deterioro en que
se encontraba la construcción, así que, por instrucciones de Francisco Xavier de Sarría,
primer
director de la Real Lotería, se mudó al patio de la Escuela de Medicina, en la Plaza de Santo
Domingo, donde se llevaban a cabo los sorteos.

Diseño y construcción
Finalmente, en 1933, llegó el momento de edificar un edificio especial para la Lotería. Así que,
pensando en sus planes de expansión, se adquirió la comandancia de policía que estaba junto a la
casa de Mier y Terán, la casona de la época del Porfiriato que se ubicaba en Paseo de la Reforma
No. 1 y tres predios más ubicados en la parte trasera. En esos cinco predios, que miden más de
dos mil metros cuadrados, se comenzó a construir el Edificio El Moro.
El primer proyecto que se presentó fue un edificio de cinco pisos, dos de sótano, y que parecía
una tienda de moro. Ese proyecto se imprimía como membrete en el papel de la Lotería, por eso
los trabajadores le llamaron al edificio El Moro, porque parecía una tienda morisca. Finalmente
se aprobó el proyecto de un edificio de 20 pisos y dos sótanos. El entonces presidente de la
república Lázaro Cárdenas aprobó, excepcionalmente, la altura del edificio, aprobando una
mayor altura de lo autorizado en la ley vigente de construcción de la época de la década de 1930,
también en esa década se inició un estudio detallado de la vulnerabilidad sísmica a la que sería
sometida el edificio cuando se enfrentase a un terremoto.
La construcción de la torre inició a finales de la década de 1930, la torre fue sinónimo de
modernidad para el Paseo de la Reforma y marcaría el inicio de las grandes construcciones de
altura en la ciudad de México.
En 1942 se inició el montaje de estructuras de madera y hierro para la cimbra de la bóveda del
Salón principal, se compraron los elevadores y se acondicionó el Salón de Sorteos.

Estructura e ingeniería sísmica de la torre

Esta construcción enfrentó varios retos, entre ellos: el suelo fangoso e inestable de la ciudad de
México, al estar el suelo constantemente poroso y saturado de agua (este proceso es
llamado licuefacción) las ondas sísmicas convierten al suelo en gelatina y los edificios se caen
por su propio peso, esto propicia que al momento de un terremoto el edificio pierda estabilidad y
se venga abajo. Cabe destacar que fue el primer edificio en el mundo en ser construido por medio
de este proceso, con el cual este edificio marcaría el inicio de la tecnología mexicana en
rascacielos en zonas sísmicas y suelos fangosos.
Para que el edificio pudiese contar con un aislamiento sísmico óptimo, se incluyó una
cimentación de 180 pilas de concreto y acero que penetran a una profundidad de 55 metros,
llegando hasta el subsuelo más firme y rocoso.
Fue el tercer rascacielos en la Ciudad de México y en el mundo después del Edificio Miguel E
Abed, el Palacio de Bellas Artes y el Edificio La Nacional en estar en una zona de alto riesgo
sísmico y un suelo fangoso, le seguirían los pasos después el Torre Anáhuac, Edificio Miguel E
Abed, Torre Latinoamericana, Torre Insignia, Torre de Tlatelolco, estos edificios fueron los
primeros en la ciudad y en el mundo en contar con lo último en tecnología de cimentación
(pilotes
de concreto), así que se puede decir que estas seis edificaciones fueron el inicio de las grandes
construcciones de la Ciudad de México.

Apertura
Para finales del año 1945 tuvo fin la construcción de la torre y oficialmente se inauguró el 28 de
noviembre de 1946, también se convirtió en el edificación más alta y moderna de la Ciudad de
México y del Paseo de la Reforma, aunque el Edificio Corcuera concluido en 1934 fue en
realidad el edificio más alto de México hasta el año 1946 cuando fue concluida la construcción
de la Torre Anáhuac, pero no es considerado en la lista como tal ya que este edificio colapso en
el año 1957 tras el terremoto de ese año.

Remodelación de la torre
La primera remodelación parcial que sufrió la torre se remonta al año 1955 cuando la empresa
Televisión de México (XHTV-TV canal 4) se va a sus propias instalaciones, la antena y
el espiral le es retirado disminuyendo su altura.La segunda remodelación sucedió en el año 1978,
perdiendo detalles de su fachada original así como la renovación de las antenas de
telecomunicaciones, además se le agrega como detalle de embellecimiento dos estelas de bronce
en ambos lados de la entrada obra del escultor Federico Cantú, las obras representan a la diosa de
la "fortuna".

La tercera remodelación y quizás la más importante debido a la proximidad de las fiestas

del Bicentenario de la Independencia Mexicana es la que se está llevando a cabo actualmente en
la fachada principal de la torre, con la que recuperará su carácter histórico y estilo Art Déco.

La historia del Empire State de Nueva York -Tinsa Tasaciones Inmobiliarias

 Escuela de la Bauhaus
La Bauhaus, considerada la primera escuela de diseño del siglo XX, fue la escuela de artesanía,
diseño, arte y arquitectura surgida de la unión de la Escuela de Bellas Artes con la escuela de
Artes y Oficios fundada en 1919 en Weimar por el arquitecto alemán Walter Gropius y definió lo
que hoy conocemos como diseño industrial. Entre los aspectos más importantes de su filosofía
estaba la intención de unir el arte con el diseño para formar un gremio utópico que combinara
arquitectura, escultura y pintura dentro de una sola expresión creativa.
El objetivo de la escuela, encabezado por Gropius, era reformar la enseñanza de las artes para
lograr una transformación de la sociedad burguesa. Para Gropius la base del arte estaba en la
artesanía y con ella se trataba de unir todas las artes estableciendo así una nueva estética que
abarcaría todos los ámbitos de la vida cotidiana.
Escuela de la Bauhaus La arquitectura Bauhaus se desarrolló después
de la Primera Guerra Mundial. Se basa en
formas simétricas de orígenes grecolatinos.
También incluye aspectos del Renacimiento
Clásico. Mark Lawliette comenzó esta
revolución hacia la arquitectura. Él quiso
expandir su arte a través de la prestigiosa
escuela Bauhaus, siendo uno de los más
importantes participantes de este maravilloso
movimiento que cambió el modo de
apreciación hacia la arquitectura de esa y
nuestra época.
El estilo de la Bauhaus se caracterizó por la ausencia de ornamentación en los diseños, incluso en
las fachadas, así como por la armonía entre la función y los medios artísticos y técnicos de
elaboración. En 1925 se alzó una serie de edificaciones de forma rectangular, con base en
hormigón y cristal. Ya para aquel entonces, se inclinó más hacia el funcionalismo.

Uno de los principios establecidos desde su

fundación fue: la forma sigue a la función,
por lo que en arquitectura los diferentes
espacios eran diseñados con formas
geométricas según la función para la que
serían concebidos. Y desde entonces la
Bauhaus es sinónimo de modernidad, de
colores primarios, nuevas concepciones del
espacio y de la forma e integración de las
artes.
Bauhaus Weimar diseñada por Henry van de Velde
La escuela tuvo su sede en tres ciudades:
Weimar, Dessau y Berlín
En 1925 la Bauhaus se mudó de Weimar a Dessau donde el propio Gropius diseñó un nuevo
edificio para la escuela. Muchas características de este edificio se convertirían en distintivos de
la arquitectura moderna como las paredes acristaladas o las construcciones con marcos de acero.
Gropius pasó la dirección de la Bauhaus en 1928 al arquitecto Hannes Meyer que mantuvo el
énfasis en el diseño concebido para ser producido en masa y eliminó algunas asignaturas que le
parecían demasiado formalistas. Además, se preocupó por la función social de la arquitectura y
el diseño. Bajo la presión del gobierno
municipal de derechas, Meyer dimitió en
1930 y fue reemplazado por el arquitecto
Ludwig Mies van der Rohe considerado el
padre del Minimalismo, que rediseño el
currículo dando mucha más importancia a la
arquitectura y creando un nuevo
departamento: diseño de interiores que fue
liderado por Lily Reich.
La situación política en Alemania,
Pabellón Barcelona (Ludwig Mies van der Rohe en colaboración con Lily Reich)
combinada con los problemas financieros,
hicieron que Mies resituara la escuela en Berlín en 1930 pero que tuviera que cerrarla en 1933.

Principales características de Escuela de la Bauhaus

 Se implementa el diseño industrial y grafico
 Se desliga de las tendencias historicistas:
- Diseño de mobiliarios.
- Articulación volumétrica.
- Muros acristalados.
- Fachadas diferentes en un mismo conjunto,
pero siguiendo un estilo propio.
Bauhaus Dessau, diseñada por Walter Gropius
 Ausencia de ornamentación en los diseños,
incluso en las fachadas.
 Existe cierta armonía entre la función y los medios artísticos y técnicos de elaboración.
 La crudeza del material innovador, uso de los vidrios y ventanales.
 Una tendencia asimétrica y cubista en los edificios.
 Una tendencia a lo orgánico de manera minimalista, partiendo de la forma de pensar que
la naturaleza es la que define al objeto.
 Pasión por materiales modernos como el hormigón y cristal.
 Simplicidad de formas, geometrización, volúmenes puros, muros cortina de cristal,
tejados planos.
 Principales contribuciones de la Bauhaus
 Conectar la importancia de la teoría con la práctica. Introducir el diseño dentro de una
sociedad industrial rompiendo con la vieja jerarquía del arte. Su programa educativo
serviría de modelo para futuras escuelas y universidades.
 El uso de la experimentación y la resolución de
problemas en el campo de la educación artística.
Esto hizo que el término “bellas artes” fuera
repensado por “artes visuales” consiguiendo que
dejaran de ser consideradas como un adjunto de las
humanidades y se vieran más como una ciencia con
sus procesos de investigación.
 En una época en la que se temía que la producción Bauhaus Berlin,
en masa arrancara a los productos su alma y parecía que el arte perdía su
propósito en la sociedad, la Bauhaus se esforzó por unir creatividad y producción para
crear un diseño para el día a día.

Principales diseños de la Bauhaus

 Cuna Bauhaus. 1922. Peter Keler.
Keler, con solo 20 años, se inspiró en su profesor
Wassily Kandinsky para diseñar la que se llegó a
conocer como la cuna Bauhaus. Utilizó los colores
primarios amarillo, rojo y azul otorgando al triangulo,
cuadrado y círculo los colores que Kandinsky les
asignaba.

 Tipografía Futura. 1927. Paul Renner.

La Bauhaus tuvo también muchísima influencia en el Diseño Gráfico.
Futura es una tipografía sans serif de tipo palo seco y bases racionalistas
influida por la estética de la Bauhaus. Se fundamenta en formas
geométricas y se ha convertido en uno de los tipos clásicos de la
tipografía universal.
 Algunas obras arquitectónicas de esta escuela son:

- Laubenganghaus en Dessau-Törten.
- Por el Arquitecto Hannes Meyer

- Casa Farnsworth, Ilinois

- Arquitecto Ludwig Mies van der Rohe

Escuela Sindical ADGB, Hannes Meyer

Fábrica Fagus, obra de Gropius y Adolf

Meyer, 1911

Casa de maestros, diseñada por Gropius

Conjunto Residencial Hufeisensiedlung,

Bruno Taut y Martin Wagner
Ludwig Mies Van Der Rohe

Ludwig Mies van der Rohe , nombre original Maria

Ludwig Michael Mies , (nacido el 27 de marzo de
1886, Aquisgrán , Alemania) fue un Arquitecto
estadounidense nacido en Alemania cuyas formas
rectilíneas, elaboradas con elegante simplicidad ,
personificó el Estilo internacional de la arquitectura.
era hijo de un maestro albañil que era dueño de una
pequeña tienda de cantería. Mies ayudó a su padre en
varios sitios de construcción, pero nunca recibió
ningún entrenamiento arquitectónico formal. A los 15
años fue aprendiz de varios arquitectos Aquisgrán
para quien
dibujó los contornos de ornamentos arquitectónicos, que los yeseros formaría entonces en estuco
de construcción decoraciones. Esta tarea desarrolló su habilidad para los dibujos lineales, que
usaría para producir algunas de las mejores representaciones arquitectónicas de su tiempo.

En 1905, a la edad de 19 años, Mies fue a trabajar para un arquitecto en Berlín , pero pronto dejó
su trabajo para convertirse en aprendiz con Bruno Paul, un diseñador de muebles líder que
trabajó en el estilo Art Nouveau de la época. Dos años después recibió su primera comisión, una
casa suburbana tradicional. Su ejecución perfecta tan impresionada Peter Behrens , entonces el
arquitecto más progresista de Alemania , que le ofreció un trabajo a Mies, de 21 años, en su
oficina, donde, aproximadamente al mismo tiempo,Walter Gropius y Le Corbusier también
recién comenzaba.

Trabaja Después De La Primera Guerra Mundial

El trabajo más importante de Mies de estos años permaneció en el papel. De hecho, estos
proyectos teóricos, representados en una serie de dibujos y bocetos que ahora se encuentran en el
Museo de Arte Moderno de Nueva York, presagiaron toda la gama de su obra posterior. losEl
Edificio de Oficinas Friedrichstrasse (1919) fue una de las primeras propuestas para un edificio
de acero y vidrio y estableció el principio Miesian de "construcción de piel y huesos". El
"Rascacielos de vidrio" (1921) aplicó esta idea a un rascacielos de vidrio cuya fachada
transparente revela la estructura de acero subyacente del edificio. Ambos diseños de edificios
fueron intransigentes en su absoluta simplicidad. Otros estudios teóricos exploraron los
potenciales de la construcción de hormigón y ladrillo, y de la forma de Stijl y los conceptos de
Frank Lloyd Wright . Pocos edificios no construidos los superaron en la variedad de ideas y en
su influencia en el desarrollo de la arquitectura de la época.

Quizás el proyecto ejecutado más famoso de Mies del período de entreguerras en Europa fue el
Pabellón alemán (también conocido como el Pabellón de Barcelona), que fue encargado por el
gobierno alemán para la Exposición Internacional de 1929 en Barcelona (demolido en 1930;
reconstruido en 1986). Exhibía una secuencia de espacios maravillosos en una plataforma de
travertino de 175 por 56 pies (53,6 por 17 metros), en parte bajo un techo delgado y en parte al
aire libre, sostenida por columnas de acero cromado. Los espacios estaban definidos por paredes
de ónix de color miel, mármol verde de Tinian y vidrio esmerilado y no contenían nada más que
una piscina, en la que había un desnudo escultórico, y algunas de las sillas que Mies había
diseñado para el pabellón. Estas sillas de acero en voladizo, que se conocen como Las sillas
Barcelona se convirtieron en un clásico instantáneo del diseño de muebles del siglo XX.
Pabellón de Barcelona

Silla y taburete Barcelona, diseñados en 1929 por Ludwig Mies van der Rohe, con correas
de cuero y estructura de acero cromado, reproducidos para Design Within Reach.
En 1930, Mies fue nombrado director de la Bauhaus, que se había mudado de Weimar a Dessau
en 1925. Entre Ataques nazis desde afuera y revueltas estudiantiles de izquierda desde adentro, la
escuela estaba en un estado de agitación perpetua. Aunque no está hecho para ser administrador,
Mies pronto se ganó el respeto como un maestro severo pero excelente. Cuando los nazis
cerraron la escuela en 1933, Mies intentó durante unos meses continuar en Berlín. Pero el diseño
moderno era una causa tan desesperada en el estado totalitario de Hitler como lo era la libertad
política. Mies anunció el final de la Bauhaus en Berlín a fines de 1933 antes de que los nazis
pudieran cerrarla.
Obras destacadas.

01 | Crown Hall (Illinois)

El Crown Hall es uno de los 20 edificios diseñados por Mies van der Rohe para el Instituto
Tecnológico de Illinois (IIT) en Chicago. Esta es la pieza central del campus fundado en 1940
que ocupa aproximadamente 50 hectáreas, el espacio con más obras Van der Rohe en el mundo.
El edificio se erige como un espacio libre que contiene una forma rectangular en dos niveles.
Con sus cuatro fachadas de cristal, el volumen está rodeado de una amplia zona verde, con
grandes árboles, principalmente en la fachada sur. El vidriado en todas sus caras permite que la
Facultad no le dé la espalda al resto de los edificios, respetando el contexto. Se caracteriza por
una estética de simplicidad industrial expuesta en sus marcos de acero.

02| Casa Farnsworth (Illinois)

La Casa Farnsworth es una vivienda unifamiliar ubicada en Plano (Illinois) y construida entre
1946 y 1951. Esta obra es uno de los mejores ejemplos de la arquitectura de vivienda unifamiliar
del siglo XX y un ícono de la arquitectura mundial. La casa, construida en acero y vidrio, es una
muestra del arquitecto alemán por la sencillez arquitectónica y la perfección en los detalles
constructivos. Actualmente la casa es propiedad de una organización para la preservación de la
cultura y fue adquirida por 6.7 millones de dólares.
04 | Seagram Building (Nueva York)
El Seagram Building, en el centro de Manhattan y de Park es una torre de oficinas que realizó
Van der Rohe, en colaboración con Philip Johnson. Se trata de la sede central de la corporación
Seagram, fundada por un contrabandista enriquecido por la venta dealcohol durante la Ley Seca.
El edificio cuenta con 39 pisos en 157 metros de altura y fue construido entre los años 1954 y
1958. El Seagram Building, es un referente y símbolo del mundo industrial contemporáneo,
asimismo refleja el famoso lema del arquitecto alemán: “Menos es más”.
05 | Neue Nationalgalerie (Berlín)
En el área del Kulturforum, ubicada en el centro de Berlín, se encuentra la Neue Nationalgalerie.
Este edifio fue la última obra de Mies Van der Rohe y de manera irónica, la Neue
Nationalgalerie fue el primer y último edificio del arquitecto en su ciudad natal, Berlín, lo cual
representa una consagración de sus postulados arquitectónicos en la línea de diseño que para ese
entonces, ya le había caracterizado.
Hannes Meyer.
Hans Emil Meyer, llamado Hannes Meyer (18 de noviembre de 1889, Basilea - 19 de julio de
1954, Crossifisso, Lugano) fue un arquitecto y urbanista suizo, quien también trabajó en
Alemania y luego como profesor y director de la escuela de artes y oficios de la Bauhaus.
Hannes Meyer fue uno de los arquitectos más importantes del movimiento de la Nueva
Arquitectura de la década de 1920. Durante su breve mandato como segundo director de la
Bauhaus, le dio a la institución nuevos impulsos que tuvieron una influencia duradera en
aspectos importantes de la recepción de la Bauhaus y animó los debates de actualidad. Su teoría,
que enfatizaba los aspectos sociales del diseño, fue ampliamente criticada y mal recibida.

Hannes Meyer, hijo de un arquitecto, comenzó su carrera arquitectónica en 1905 con una
formación como albañil y dibujante de construcción en Basilea. También asistió a cursos de
construcción en la escuela vocacional allí. Esto fue seguido por estancias en Berlín, quedándose
con los arquitectos Albert Fröhlich y Johann Emil Schaudt. Luego estudió construcción de
viviendas en la ciudad inglesa de Bath. En 1916, se convirtió en gerente de la oficina del
arquitecto de Munich Georg Metzendorf, para quien trabajó en la planificación de la
urbanización Krupp Margarethenhöhe en Essen.
Desde 1919, Hannes Meyer dirigió su propia oficina de arquitectura en Basilea. Según sus
planes, la urbanización comunitaria Freidorf cerca de Muttenz fue construida entre 1919 y 1921.
En 1924, se unió al grupo de Basilea asociado con la revista ABC Beiträge zum Bauen
(contribuciones de ABC para la construcción). Mart Stam, El Lissitzky y Hans Schmidt también
pertenecían a este grupo. Junto con Hans Wittwer, con quien más tarde construyó la escuela
ADGB (Escuela Federal de Sindicatos Alemanes) en Bernau, cerca de Berlín, experimentó en
1926/27 con formas constructivistas y métodos funcionalistas. Estos también formaron la
base de sus diseños de
competencia para la Petersschule (escuela de San Pedro) en Basilea y el Edificio de la Liga de
las Naciones en Ginebra, ninguno de los cuales fue construido.

Para Hannes Meyer, la construcción, como diseño del entorno humano, estaba "basada en la
sociedad". El objetivo, la "organización armoniosa de nuestra sociedad", por lo tanto, se lograría
a través del "diseño de soporte vital". Meyer representó el punto de vista de que la Bauhaus había
abandonado su idea de diseñar "para la gente": la mayoría de los productos de la Bauhaus ya eran
caros y, por lo tanto, estaban reservados para un grupo exclusivo de compradores. Como
resultado, el nuevo eslogan de Meyer fue: "¡Las necesidades de la gente en lugar de la necesidad
de lujo!"
En sus planes de desarrollo urbano, Hannes Meyer estaba comprometido con el movimiento
cooperativo y se hacía llamar marxista. De 1928 a 1930, construyó el edificio de la escuela para
el ADGB en Bernau, cerca de Berlín, y la Casa Nolden en la región de Eifel en 1928. De 1929 a
1930, amplió la urbanización Dessau-Törten diseñada por Gropius con Laubenganghäuser
(Acceso al balcón Casas).
Ya en 1930, Meyer emigró a la Unión Soviética con un grupo de antiguos estudiantes de la
Bauhaus. En el mismo año, enseñó en WASI, una academia de arquitectura e ingeniería civil, en
Moscú. En los años siguientes, también actuó como asesor para proyectos de desarrollo urbano
en Giprogor, el Instituto Ruso para el Desarrollo Urbano y de Inversiones. Desde 1932, participó
en el Proyecto Standardgor y fue el director del comité científico de edificios residenciales y
públicos en la academia de arquitectura fundada en 1934. Entre otras cosas, Hannes Meyer
diseñó planes para universidades y academias, para el desarrollo de "Greater Moscú ”y para
asentamientos en el Lejano Oriente. En giras de conferencias en Europa, que lo llevaron a
Alemania, Checoslovaquia, Suecia, Suiza y otros países, informó sobre el desarrollo urbano y los
proyectos arquitectónicos en la Unión Soviética y discutió lo que él creía que eran las grandes
perspectivas que se estaban abriendo allí para los arquitectos. Hannes Meyer participó
activamente en el discurso que comenzó
en 1929 sobre la supresión del concepto de "burguesía" en la arquitectura y revisó algunos de sus
enfoques teóricos radicales, alineándose más con el concepto del realismo socialista. En el curso
de las purgas estalinistas, de las cuales también fueron víctimas algunos de los miembros de la
Bauhaus, Meyer regresó a Suiza en 1936. En 1937, la casa de vacaciones cooperativa para niños
Mümliswil fue construida bajo su dirección. Hannes Meyer participó activamente en el discurso
que comenzó en 1929 sobre la supresión del concepto de "burguesía" en la arquitectura y revisó
algunos de sus enfoques teóricos radicales, alineándose más con el concepto del realismo
socialista.

Ampliación del asentamiento Dessau-Törten, Laubenganghaus, diseño: Hannes Meyer y el Departamento de

Arquitectura Bauhaus Dessau, 1929–30.

Obras más importantes de Hannes Meyer

Su obra más importante fue el proyecto para el Palacio de la Sociedad de Naciones, realizado
junto a su socio Hans Wittwer en 1926, en el que daba claras muestras de constructivismo. El
planteamiento abierto (mediante transparencias) del edificio estuvo suscrito a diversas
interpretaciones. Tenía capacidad para albergar 3000 personas en su espacio de tránsito, así
como 550 unidades de oficina. La gran sala del palacio gozaba de una excelente acústica y tenía
luz cenital (iluminación en diente de sierra), contando con un aforo de 2600 personas.
Otras obras de interés son: la Peterschule (Basilea, 1926) y la Escuela Federal para la ADGB,
donde se impartían clases para los sindicatos trabajadores, caracterizada por la flexibilidad en el
juego de sus elementos.
1919–1921: Wohnsiedlung Freidorf in Muttenz

1927: Petersschule Basel (mit Hans Wittwer, nicht ausgeführt)

1927–1928: Völkerbundpalast in Genf (Wettbewerbseintrag, nicht ausgeführt)

1928–1930: Bundesschule des ADGB und Lehrerhäuser in Bernau bei Berlin

1929–1930: Erweiterung der Siedlung Dessau-Törten (Laubenganghäuser)

1938–1939: Genossenschaftliches Kinderheim Mümliswil

 La escuela de Chicago
La escuela de Chicago fue un estilo arquitectónico
surgido a finales del siglo XIX y principios del XX
en la ciudad de Chicago. Fue pionero en la
introducción de nuevos materiales y técnicas para la
construcción de grandes edificios comerciales.
La Escuela de Chicago surge en un contexto, en que
la ciudad es más próspera, aumenta
considerablemente el nivel demográfico lo que
supuso que el urbanismo adquiriera una relevancia
máxima. Sin embargo, en 1871 la ciudad de Chicago
sufre el conocido gran incendio que la deja en su
gran mayoría destruida, lo que supondrá el tener que
volver a levantarla de nuevo. Esta necesidad de crear
nuevos edificios, dará pie al surgimiento de la
denominada Escuela de Chicago. Chicago tras el gran incendio de 1871

A finales del siglo XIX, en torno a la ciudad de Chicago, van a producirse en una serie de
innovaciones en la arquitectura que supondrán una ruptura radical respecto de la tradición y que
abrirán el camino a la arquitectura moderna y darán lugar a un tipo arquitectónico que tendrá
gran éxito: el rascacielos. Sus responsables serán un grupo de arquitectos e ingenieros de un país
nuevo, menos influido por el academicismo, que, mediante el empleo de las nuevas posibilidades
técnicas, darán respuestas a las nuevas necesidades de una ciudad moderna en rápido
crecimiento. Serán conocidos como “Escuela de Chicago” y compartirán rasgos semejantes.

Características de la Escuela de Chicago.

Los arquitectos que trabajan en el Loop de Chicago durante el último cuarto del siglo XIX
pondrán en marcha una serie de ideas e innovaciones constructivas como:
 1.- El uso de nuevos materiales estructurales como el hierro fundido, luego sustituido
por el forjado y finalmente por el acero, eliminan definitivamente los gruesos muros,
permitiendo la elevación en altura sin miedo. Se conocía perfectamente su resistencia
porque ya se venía construyendo numerosos edificios de ingeniería con este material.
  También se comienza a utilizar el
hormigón armado o, lo que es lo mismo, la
mezcla del hormigón reforzado con varas de
acero. Al recaer el peso del edificio sobre un
esqueleto de hormigón reforzado, los muros de
las fachadas dejan de tener función sustentante y
se puede agujerear con numerosos ventanales
reticulares. Con el mínimo espesor de los
pilares también se gana mayor amplitud en los
espacios interiores. Tampoco es desdeñable el
ahorro económico del nuevo material, puesto
que: se fabrica en serie; es fácil de transportar
desde la fábrica a la obra; es posible crear
elementos prefabricados; y se necesita menos
material para cubrir el mismo espacio. El cristal
de ventanales y escaparates toma protagonismo
como elemento de cierre, preludiando las "cajas
de vidrio" del siglo XX.

 2.- Se perfeccionan los sistemas de cimentación,

el “Chicago caisson’’ de cemento, que permiten
levantar con seguridad las alturas hasta en zonas no
muy estables como las arenosas y fangosas orillas del
lago Michigan.

 3.- Pero lo más decisivo fue la aplicación del invento del

ascensor, primero a vapor (Otis, 1864), luego de propulsión
hidráulica (Baldwin, 1870) y finalmente eléctricos (Siemens,
1887), que resolvió el transporte vertical a lo largo del edificio,
que permitía el rápido ascenso y sin desgaste físico. Tampoco es
despreciable la utilidad de otros dos inventos que permiten el
provechoso funcionamiento de los grandes edificios de altura: el
teléfono y el correo neumático (tubería que interconecta todos
los pisos y los diferentes locales del edificio).
4.- Con respecto al exterior, se depuran los elementos decorativos, tan habituales en la
arquitectura artística de finales del siglo XIX. Se apuesta por superficies lisas y acristaladas
donde se desarrolla un lenguaje geométrico de líneas horizontales y verticales. En 1892, hasta el
mismo Sullivan, el más decorativitas de los arquitectos de la Escuela de Chicago, escribía que
"sería de desear que durante unos años renunciáramos por completo a todo ornamento, de tal
modo que pudiésemos concentrar nuestro pensamiento en la construcción de edficios que sean
agradables en su desnudez". Aun así, los edificios no están desnudos de decoración: a veces
rompe la monotonía de la fachada una sencilla cornisa sobresaliente o una moldura que recorre
vertical u horizontalmente el edificio; otras veces es un a modo de friso geométrico o ¡una
enredada hojarasca naturalista.

Contraste entre una fachada sencilla con ventanales apaisados y un remate decorado con una
de las fantasías cercanas al Art Nouveau de Sullivan.
 Los arquitectos y sus obras principales.

Para una aproximación a los protagonistas de la Escuela de Chicago y a sus obras podemos
clasificarlos en dos tendencias: estructuralistas y neo medievalista, pero teniendo siempre en
cuenta que la versatilidad de estos arquitectos combina en muchas ocasiones ambas tendencias.
- Tendencia estructuralista:
1. El pionero y cabeza de esta tendencia es el ya
mencionado William Le Baron Jenney (1832-1907).
En 1879 construye el First Leiter Building, ya demolido,
el primer edificio alto sostenido por una mezcla de
columnas y vigas horizontales de hierro y con una
envoltura exterior de ladrillo. Tenía siete plantas, lo que
hoy en día no causaría sorpresa, pero en su día
constituyó una auténtica novedad. Su plano rectangular y
su fachada repite el modelo de las primitivas
construcciones fabriles inglesas, pero con mayor altura y
amplios vanos exteriores. El Leiter II repite el modelo.

En 1885 Le Baron Jenney, con el Home Life Insurance Building, da un paso más para lograr una
estructura totalmente metálica. El edificio, de diez plantas al que después se añadieron dos más,
poseía sobre un zócalo de mampostería un armazón metálico, de hierro los cinco primeros pisos
y de acero Bessemer los restantes, con vigas y pilares metálicos recubiertos de ladrillos
refractarios. Los pilares metálicos sostenían vigas de doble T que soportaban los pisos de
hormigón, consiguiendo disminuir la función sustentante del muro.
2. El equipo formado Burnham (arquitecto) y Root
(ingeniero) es también parte fundamental en el desarrollo de la
arquitectura de Chicago, dando su colaboración grandes frutos
truncada por la temprana muerte de Rooten1891. Entre sus
obras debemos destacar:
El Montauk Building (1881–82), que fue una de sus primeras
obras (derruido en 1902). El edificio era de diez plantas y su
aspecto era el de una mole maciza con ventanas regularmente
distribuidas y una total ausencia de decoración. En este edificio
Root experimentó la llamada "balsa flotante", consistente en una
plancha de 60 cm reforzada con nervaduras de acero para salvar los suelos fangosos de Chicago
generalizado posteriormente en otras construcciones de la ciudad.

- La corriente neomedievalista.

1. Su principal representante es Louis Sullivan (1856-1924). De

formación arquitectónica tradicional en Boston y Filadelfia, también
trabajó en Chicago en el estudio de Le Baron, pero marchó pronto a
París donde completó su aprendizaje. Al regresar a Chicago entró en el
estudio del arquitecto danés Dankmar Adler (1844-1900) con el que
pronto se asoció (1881); juntos colaboraron en más de cien
construcciones de importancia en San Luis y Buffalo
(los Wainwrigth y Guaranty Building, de 1890 y 1894-95
respectivamente) y, por supuesto, en Chicago. También debemos
destacar de Sullivan que fue maestro de jóvenes arquitectos que en el
siglo XX sorprenderán a la sociedad norteamericana como Frank
LLoyd Wright.
Una de sus primeras obras conjuntas en Chicago es
el Auditorium (hoy conservatorio Roosevelt
College), una gigantesca edificación realizada entre
1887 y 1889. Es un colosal teatro de ópera con
capacidad para 4.200 espectadores en un edificio
que incluye además oficinas, tiendas y 800
habitaciones de hotel. La forma de paralelepípedo le
dan un aspecto macizo que rompe con bandas
verticales rematadas en arco. Las entradas
principales se realizan bajo tres arcos cavernosos de
gruesas dovelas que recuerdan las portadas
románicas.
Un almohadillado rústico recorre el basamento que da paso a la entreplanta en piedra tallada
plana en una gradación que recuerda los palacios florentinos. Sobre la entrada al auditorio se
sitúa una maciza torre cuadrada que también podría ser un recuerdo de la arquitectura civil gótica
italiana. En el interior llama la atención la abundancia de decoración de formas curvilíneas
naturalistas.
El último edificio que construye Sullivan, ya
separado de Adler desde 1895, es el Schlesinger &
Mayer (luego Carson, Pirie & Scott), y supone la
culminación de su búsqueda formal. Lo construyó
entre 1899 y 1901 si bien luego fue agrandado
por Burnham de acuerdo al plan del autor. Al estar
destinado a grandes almacenes y tener una función
representativa o de reclamo, incorpora una esquina
curva. La estructura es marcadamente horizontal por
sus amplias ventanas apaisadas; y sólo acentúa la
verticalidad en el chaflán torreado de la esquina. La
severidad de la fachada, con sus finas líneas
recubiertas de terracota clara, contrasta con el piso de
entrada y el entresuelo. La entrada se realiza a través
de un curioso quiosco de hierro fundido que hay en la esquina donde Sullivan volcó su fantasía
decorativa, lo mismo que en los marcos de los escaparates de la planta baja y alrededor de las
ventanas de la primera. Son motivos diseñados a partir de una forma vegetal y curvilínea
próxima al Art Nouveau.
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