Universidad Alejandro de Humboldt

Comercio Internacional
Formación Cultural III
DCN0301CI
Prof Rosa Lovera

Sofía Peña

C.I V-30919132

Barinas, 30 de Agosto de 2022

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Introducción:

En este trabajo dale a conocer un poco sobre el arte, una expresión verdaderamente
hermosa, una manera de representar los sentimientos, emociones… El arte tiene una
manera muy extensa de usarse, creando obras musicales, pinturas tanto de espacios
como de personas, el arte callejero, el escultural, la poesía , el maquillaje.. este en
específico es bastante usado actualmente ya que el maquillaje tanto artístico como el
básico son un arte lleno de creatividad el cual diariamente es expresado… estos y
muchos más son una expresión artística, estas y un poco más se darán a conocer a
continuación
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El Arte:

El arte (del latín ars) es el concepto que engloba todas las creaciones realizadas por el
ser humano para expresar una visión sensible acerca del mundo, ya sea real o
imaginario. Mediante recursos plásticos, lingüísticos o sonoros, el arte permite
expresar ideas, emociones, percepciones y sensaciones.

¿Qué es el arte cómo expresión del hombre?

El arte es en sí mismo un medio de expresión del ser humano. Mediante el arte se

manifiestan sentimientos, emociones e ideas, y la forma en que nos relacionamos con
el mundo. Y eso no es otra cosa que la definición de comunicación; transmitir
información a través de la emisión, conducción y recepción de un mensaje.

¿Qué es concepción de arte?

Es el concepto que engloba todas las creaciones realizadas por el ser humano para
expresar una visión sensible acerca del mundo, ya sea real o imaginario.

Historia del arte

La historia indica que, con la aparición del Homo Sapiens, el arte tuvo una función
ritual y mágico-religiosa, que fue cambiando con el correr del tiempo. De todas
formas, la definición de arte varía de acuerdo a la época y a la cultura.

Arte abstracto

Con el Renacimiento italiano, a fines del siglo XV, comienza a distinguirse entre la
artesanía y las bellas artes. El artesano es aquel que se dedica a producir obras
múltiples, mientras que el artista es creador de obras únicas.

Precisamente es en el Renacimiento Italiano donde encontramos una de las etapas

más importantes de la Historia del Arte tanto por los magníficos artistas que en ella
trabajaron como por las sorprendentes obras que los mismos acometieron y que hoy
son alabadas en todo el mundo.

Así, por ejemplo, tendríamos que destacar a figuras de la talla de Leonardo da Vinci,
Miguel Ángel, Donatello, Tiziano o Rafael. Y en cuanto a trabajos destacaríamos, por
ejemplo, ―La Gioconda‖, ―La Capilla Sixtina‖, ―Gattamelata‖, ―Venus de Urbino‖ y
―Los desposorios de la Virgen‖ respectivamente.
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Psicología del arte

Autorretrato con la oreja cortada (1889), de Vincent van Gogh. El psicoanálisis

permite comprender ciertos aspectos de la personalidad del artista.

La psicología del arte es la ciencia que estudia los fenómenos de la creación y la

apreciación artística desde una perspectiva psicológica. El arte es, como
manifestación de la actividad humana, susceptible de ser analizado de forma
psicológica, estudiando los diversos procesos mentales y culturales que en la génesis
del arte se encuentran, tanto en su creación como en su recepción por parte del
público. A su vez, como fenómeno de la conducta humana, puede servir como base
de análisis de la conciencia humana, siendo la percepción estética un factor distintivo
del ser humano como especie, que lo aleja de los animales. La psicología del arte es
una ciencia interdisciplinar, que debe recurrir forzosamente a otras disciplinas
científicas para poder efectuar sus análisis, desde –lógicamente– la Historia del arte,
hasta la filosofía y la estética, pasando por la sociología, la antropología, la
neurobiología, etc. También está estrechamente conectada con el resto de ramas de la
psicología, desde el psicoanálisis hasta la psicología cognitiva, evolutiva o social, o
bien la psicobiología y los estudios de personalidad. Asimismo, a nivel fisiológico, la
psicología del arte estudia los procesos básicos de la actividad humana —como la
percepción, la emoción y la memoria—, así como las funciones superiores del
pensamiento y el lenguaje. Entre sus objetos de estudio se encuentran tanto la
percepción del color (recepción retiniana y procesamiento cortical) y el análisis de la
forma, como los estudios sobre creatividad, capacidades cognitivas (símbolos,
iconos), el arte como terapia, etc. Para el desarrollo de esta disciplina han sido
esenciales las contribuciones de Sigmund Freud, Gustav Fechner, la Escuela de la
Gestalt (dentro de la que destacan los trabajos de Rudolf Arnheim), Lev Vygotski,
Howard Gardner, etc.

Una de las principales corrientes de la psicología del arte ha sido la Escuela de la

Gestalt, que afirma que estamos condicionados por nuestra cultura –en sentido
antropológico–, tanto que la cultura condiciona nuestra percepción. Toma un punto de
partida con la obra de Karl Popper, quien afirmó que en la apreciación estética hay un
punto de inseguridad (gusto), que no tiene base científica y no se puede generalizar;
llevamos una idea preconcebida (―hipótesis previa‖), que hace que encontremos en el
objeto lo que buscamos. Según la Gestalt, la mente configura, a través de ciertas
leyes, los elementos que llegan a ella a través de los canales sensoriales (percepción)
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o de la memoria (pensamiento, inteligencia y resolución de problemas). En nuestra

experiencia del medio ambiente, esta configuración tiene un carácter primario sobre
los elementos que la conforman, y la suma de estos últimos por sí solos no podría
llevarnos a la comprensión del funcionamiento mental. Se fundamentan en la noción
de estructura, entendida como un todo significativo de relaciones entre estímulos y
respuestas, e intentan entender los fenómenos en su totalidad, sin separar los
elementos del conjunto, que forman una estructura integrada fuera de la cual dichos
elementos no tendrían significación. Sus principales exponentes fueron Rudolf
Arnheim, Max Wertheimer, Wolfgang Köhler, Kurt Koffka y Kurt Lewin.

Filosofía del Arte

El arte es una forma de conocimiento intuitivo que expresa emociones, sentimientos,

estados de ánimo, ideas y formas de pensar del virtuoso en el momento histórico que
le toca vivir.

Cada etapa histórica influye en la cosmovisión del hombre y cada forma de ver el
mundo condiciona a la historia e influye en el arte.

El arte abarca distintos medios como la pintura, la escultura, el grabado, el dibujo, las
artes decorativas, la arquitectura, la música, la literatura.

El arte puede tener un carácter utilitario, estético o bien puramente expresivo.

El análisis de símbolos, motivos y temas suele ser el aspecto abordado de mayor

interés.

En el mundo antiguo, las pirámides de Egipto representan las creencias de una cultura
que parecía priorizar la vida más allá de la muerte.

El arte griego y romano es una expresión del realismo filosófico y se destacó por su
pintura y escultura relacionada con la mitología, los dioses y los gobernantes.

La arquitectura greco romana expresaba la opulencia de las clases privilegiadas que

simbolizaban el poder, como por ejemplo la tumba de Artemisa II , hermana y esposa
del rey Mausolo de Caria, sudoeste de Anatolia, gobernante después de la muerte del
rey, constituye el Mausoleo considerado una de las siete maravillas del mundo.

El arte para los griegos significaba saber hacer. Aristóteles lo define como capacidad
para producir cualquier objeto, orientada por la razón, que hoy en día se denomina
técnica.
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Kant distingue entre el arte mecánico y el estético; este último puede ser placentero,
por puro placer y bello cuando procura placer intelectual.

Durante la filosofía escolástica, en la Edad Media, el arte se circunscribió a los temas

religiosos ya que los sistemas filosóficos dominantes partían del dogma.

El Renacimiento, que es un momento cultural caracterizado por el antropomorfismo y

por la vuelta al espíritu de la antigüedad clásica se caracteriza por su arte realista.

El Renacimiento italiano es el que expresa en forma más completa los ideales de esa
sociedad durante esa época.

El Impresionismo que surge después del Renacimiento, fue un movimiento artístico

de rebelión contra las leyes tradicionales del academicismo con respecto a los rigores
que existían sobre el contorno definido, el conocimiento de la anatomía, la
perspectiva y la importancia del claroscuro.

Frente a este intelectualismo realista, el sensualismo impresionista se basaba en la

intuición personal y en la expresión de las emociones, con exclusión de todo
conocimiento teórico.

Esta pintura era afín a la nueva posición moral de sinceridad, de libertad individual e
igualdad social, de reconocimiento de la dignidad de la vida cotidiana y de la poesía
de los objetos cotidianos más humildes; y reflejaba las mejores aspiraciones
humanitarias y democráticas de su época.

Alrededor de 1900 casi toda la pintura occidental era impresionista. Ese cambio de
estilo no se limitó a la pintura, sino que se extendió a la escultura, la música y la
literatura.

La revolución plástica que representó el Impresionismo sentó las bases para el

surgimiento de producciones artísticas posteriores más audaces.

El cubismo a principios del siglo XX, fue la revolución estética más importante desde
el Renacimiento.

El Relativismo Cultural influye en el arte y surge Pablo Picasso como exponente

máximo del cubismo, que desarrolla un sistema representativo basado en el hecho que
la visión humana tiene distintos puntos de vista y se desarrolla en el tiempo.
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El cubismo presenta los objetos tal como son concebidos por la mente y como existen
en sí, y no tal como son vistos.

Salvador Dalí es otro extraordinario artista plástico que expresa con gran brillo y
originalidad la relatividad del tiempo y las diferencias en la forma humana de ver el
mundo.

Se rompe el esquema imitativo y se instaura el empleo de símbolos, libremente

inventados, comparados con las metáforas de los poetas.

En Egipto, las pirámides representaban para la cultura egipcia sus creencias

espirituales de la vida después de la muerte.

¿Qué son las Artes Plásticas?

Cuando hablamos de artes plásticas, nos referimos a las técnicas de elaboración de

obras de arte en las cuales se utilizan materiales y elementos susceptibles de ser
moldeados, modificados o transformados por el artista. Dichos elementos se
consideran por ende recursos plásticos, ya que le sirven al artista de materia prima
para expresar su perspectiva, imaginación o visión específica de lo real.

Este término es empleado en Bellas Artes para diferenciar a las artes visuales, que
deben ser percibidas por la vista del espectador, de las que involucran también el
sentido del oído (música, texto recitado), como las artes escénicas. Así, se consideran
artes plásticas a la pintura, la escultura, el dibujo, la arquitectura, el grabado, la
cerámica, la orfebrería, artesanía y pintura mural.

Es muy usual que los artistas plásticos, sobre todo en la exploración temprana de su
talento, se avoquen a diversas disciplinas plásticas al mismo tiempo, ya que las artes
plásticas parten de principios y aspectos comunes entre sí, como lo pueden ser la
forma, la textura, el color o, inclusive, el movimiento.

Las artes plásticas ocupan actualmente uno de los principales rubros artísticos de los
museos, y son, junto con las artes escénicas, la literatura, el cine, la música y la
fotografía, las máximas expresiones contemporáneas del arte.
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La relación entre el arte y la sociedad se explica porque el arte es una producción

realizada por un grupo social específico constituido por los artistas como categoría de
profesionales que crean el objeto artístico, el cual para justificar su existencia tiene
que ser consumido por la sociedad.

El creador y su público

Antonio Muñoz Molina (Úbeda, Jaén, 1956) modera hoy un debate sobre los caminos
del arte contemporáneo español en Arco (19.45, en el Auditorio del Foro, pabellón
14.1). A la mesa se sentarán siete participantes, que sirven como perfiles muy
distintos (creadores de talla internacional, gestores culturales o conservadores) al
aportar una visión total del aquí y ahora del arte en España.

La explosión del arte chino

El escritor y académico hará girar la charla sobre "dos cuestiones fundamentales, que
son comunes al arte y a la literatura", explicaba ayer. "El diálogo entre la obra de arte
y el público, y el diálogo entre el artista y la tradición. Para el escritor ambas son
relativamente fáciles, por ahora, pero ¿qué ocurre con un artista, cuando sus
principales interlocutores no son en muchos casos el aficionado que contempla o
adquiere su obra, sino el comisario estrella que la incluye en una exposición, o la
institución pública que lo apadrina?".

Para centrar el debate, Muñoz Molina plantea a los integrantes de la mesa dos
preguntas.

1. ¿Qué papel desempeñan los mediadores (críticos, comisarios o museos) entre

artistas y público en el arte contemporáneo español?

2. ¿Cuáles son los criterios de valoración de una obra de arte contemporáneo? ¿Quién
sabe no ya lo que es bueno, sino simplemente lo que le gusta?

- Eduardo Arroyo. Pintor (Madrid, 1937).

1. Cuando empecé, estaban el galerista, el artista y el que le vendía los materiales.

Ahora han crecido tanto los mediadores que entre la obra y el público hay un ejército:
el estado, los conservadores, los comisarios, los que cuelgan las obras, los fotógrafos,
los transportistas, etcétera. En nuestro país, la transición de un modelo a otro ha sido
salvaje y brutal. De un desierto hemos pasado en unos años a la normalidad.
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2. Antes establecían el valor de un artista sus pares. Hoy no sé ni siquiera si se puede

hablar de un artista en el sentido de alguien que empieza, va madurando, va llegando
al público, los museos compran su obra, etcétera. Hoy, el artista no tiene ni firma, es
casi anónimo. Llega de inmediato, ocupa un terreno y, poco después, ha sido
sustituido por otro. Y no sabría decir quién ha valorado, quién lo ha aceptado... Está
la valoración comercial, que la fija el mercado, pero eso también ha cambiado. Antes
entrabas en el juego de la oferta y la demanda, y por cruel que fuera tenía algo de
justicia. Hoy hay varios mercados paralelos y hay, por ejemplo, artistas que ni
siquiera entran en ese juego porque su obra sólo la pueden comprar los Estados. ¿Qué
hace un particular con una instalación?

- Soledad Sevilla. Artista plástica (Valencia, 1944).

1. Hay que matizar. Por un lado, y por orden de importancia, están los galeristas,
cuyo papel es el más fundamental. Luego están los museos, que marcan la tendencia
y conforman la opinión pública de una ciudad o incluso de un país. Y, por último, la
crítica, que hay que tomarla con cierto estoicismo. Todos estamos sometidos a ella.

2. ¡Uf! Ésa es una pregunta para los galeristas.

- Carmen Giménez. Conservadora del Museo Guggenheim de Nueva York

(Casablanca, 1943).

1. Los mediadores son fundamentales. La crítica también, pero entendida como un

diálogo entre artista y crítico.

2. Nadie está de acuerdo. Nadie tiene la verdad. Son criterios personales. Se puede ser
un buen artista y no encontrar reconocimiento. Lo mínimo que se debe pedir es que
una obra esté bien ejecutada.

- Jaume Plensa. Artista (Barcelona, 1955).

1. El papel de los críticos es compartir el camino con el artista, hacer de puente entre
el público y la obra.

2. Lo importante es emocionar. Luego puedes reflexionar, pero antes de nada tiene

que provocar una emoción.

- Francisco Calvo Serraller. Catedrático de arte (Madrid, 1948).

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1. A los críticos les daría un cero. A los medios: un 10. Museos y políticos, un ocho.
Ése sería el peso. El arte se ha convertido en un fenómeno pop y los gestores del pop,
que son los medios, son los que dictan los valores. El público, los artistas, los críticos,
los museos..., siguen a los medios. Dentro de éstos, no hay que olvidar que hay
categorías. Y la influencia de un medio escrito es irrelevante frente a una televisión.

2. El criterio del valor artístico de una obra hoy es que sea nueva, que parezca
distinta, que sorprenda. No es lo que yo pienso, es lo que hay. Este criterio no tiene
nada que ver con el que funcionaba antes, donde el valor de una obra tenía que ver
con su capacidad de confirmar la tradición.

- José Guirao. Gestor cultural (Almería, 1959).

1. Imprescindible. Sin los mediadores, los artistas no llegarían al público ni el

público a los artistas. En los últimos años, sin embargo, se ha producido una
evolución que es negativa. Estos mediadores tienen cada vez menos peso
frente al mercado, que es al final el que define lo que tiene interés y lo que no
lo tiene.

2. Pesan varios factores: la trayectoria del artista; la resolución formal, su calidad; los
criterios de valoración estéticos, políticos e ideológicos del momento (hay un peso
importante de cada época en el arte); el paso del tiempo.

Sergio Prego. Artista (San Sebastián, 1969).

1. Empieza a haber comisarios que hacen esfuerzos por salir fuera de España,
haciendo contactos... Ésa es la vía por la que los artistas españoles pueden tener la
posibilidad de una presencia internacional. Me gustaría que los museos españoles se
plantearan más establecer un intercambio con la comunidad local en la que se
encuentran. Hay una perversión de la idea del museo como representante de la
historia. Se trabaja en función de la trascendencia futura que pueda tener una obra, y
creo que es un error.

2. El contexto histórico, no una cualidad física ni un valor. Entender la

posmodernidad como un olvido histórico es un error.

El arte como reproductor de un Sistema Ideológico

Una ideología es un conjunto de ideas relacionadas entre sí, acerca de la realidad,

sistema general o sistemas existentes en la práctica de la sociedad respecto a lo
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económico, lo social, lo científico-tecnológico, lo político, lo cultural, lo moral, lo

religioso, etc. y que pretenden la conservación del sistema (ideologías
conservadoras), su transformación (que puede ser radical y súbita, revolucionaria, o
paulatina –ideologías reformistas–), o la restauración de un sistema previamente
existente.

Las ideologías suelen constar de dos componentes: una representación del sistema, y
un programa de acción. La primera proporciona un punto de vista propio y particular
sobre la realidad, vista desde un determinado ángulo, creencias, preconceptos o bases
intelectuales, a partir del cual se analiza y enjuicia (crítica), habitualmente
comparándolo con un sistema alternativo, real o ideal. El segundo tiene como
objetivo acercar en lo posible el sistema real existente al sistema ideal pretendido.

Las ideologías caracterizan a diversos grupos, sean un grupo social, una institución, o
un movimiento político, social, religioso o cultural.

El concepto de ideología es semejante, pero se diferencia del de cosmovisión(Weltans

chauung) en que éste se proyecta a una civilización o cultura entera (cosa que
también puede decirse del concepto de ideología dominante) o se restringe a un
individuo (limitación que difícilmente podría aplicarse a los raramente usados
conceptos de ideología particular o individual).
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Conclusión:

El arte es una de las manifestaciones de sentimientos, emociones y contador de

historias más importante en el mundo a mi manera de ver ya que como bien dije
inicialmente no simplemente se pinta en este, para crear una pintura, obra o escultura
no solo se necesita inspiración , sino que también es necesaria la pasión, el
conocimiento y hasta en algunos casos una historia que representar , muchas cosas
que sabemos sobre la evolución de la humanidad son gracias al arte de la escritura ,la
escultura, de pinturas y hasta canciones. El arte es una de las cosas importantes
creadas en el mundo.