Obras más representativas del arte gótico

Basílica Saint-Denis, Francia

Basílica Saint-Denis. Nótese que la

torre norte se desmanteló en el siglo XIX.

Se trata de la primera edificación de estilo gótico, ejecutada en Saint-

Denis, París, Francia. El proyecto fue propuesto y dirigido por el abad
Suger. Fue construida entre 1140 y 1144.

Catedral de Chartres, Francia

Catedral de Chartres, fachada.

Esta catedral, llamada catedral de la Asunción de Nuestra Señora,

ubicada en Chartres, Francia, fue consagrada en el año 1260. Se trató de
una reconstrucción a partir de los restos de una vieja iglesia románica
que sufrió un incendio que dejó solo algunos de sus elementos. A partir
de allí, se hizo un proyecto que transformaría su estilo hacia la nueva
tendencia del gótico.
Sainte-Chapelle, Francia

Saint-Chapelle, fachada.

Sainte-Chapelle es una de las obras más emblemáticas del gótico

francés. También es conocida con el nombre de capilla real de la Île de la
Cité, y está ubicada en París. Su construcción inició en 1241 y finalizó en
1248, un fenómeno único en la arquitectura de este estilo. Fue
consagrada para albergar las reliquias que guardaba el rey San Luis de
Francia.

Catedral de Colonia, Alemania

Catedral San Pedro de Colonia,

fachada.

Recibe el nombre de Catedral de San Pedro. Su construcción inició en

1248 y culminó apenas a finales del siglo XIX, específicamente en 1880.

Catedral de Burgos, España

 Catedral de Burgos, fachada.

La catedral de Burgos recibe el nombre de Santa Iglesia Catedral

Basílica Metropolitana de Santa María. Su construcción inició en 1221.
Fue inspirada en el estilo gótico francés, pero a lo largo de los siglos ha
sufrido diferentes reformas. La última fue en el siglo XVIII.

ARTE ROMANTICO

 Antoine-Louis Barye (París, 1795- 1875) La naturaleza es uno de sus temas

de inspiración predilectos plasma paisajes exóticos y escenas de animales en
acción; la creación de monumentos conmemorativos con un marcado espíritu
nacionalista también forma parte de este estilo en Francia. León con
serpiente, Teseo y el Minotauro, son algunas de sus esculturas.

(Italia 1845 – 1919). Obras sepulcrales y monumentos por encargo, con

un simbolismo alegórico muy diferenciado, forman parte de su legado.
El sentimentalismo romántico se manifiesta cuando esculpe escenas de la vida diaria,
lánguidas y gentiles doncellas, representando dolor, alegría, seducción y sorpresa
infantil. Representó un romanticismo tardío en Italia. El monumento Angelo della
Mestizia, y la escultura en mármol sobre la tumba de Annette Essipoff; son obras
de su autoría.
  António Víctor de Figueiredo Bastos (1830 – 1894), fue un escultor
portugués. Obras de estilo nacionalista, figuras reclinadas, bustos de
personajes importantes, estatuas de héroes nacionales; fue el estilo de este
escultor prodigioso. Renovó la escultura histórica y enalteció los valores
patrios. Arco da Rua Augusta, estatua de Vasco de Gama; son dos de sus
trabajos sobresalientes.

Antonio Argenti. Escultura para la tumba de Annette

Essipoff. Andrei Romanenko CC

Pintura en el Romanticismo
Fue en la pintura donde más se destacaron las artes plásticas de estilo romántico. .
Sentimientos, misticismo y expresión onírica, se mezclan para crear un estilo moderno
único.

El Romanticismo fue un movimiento social y espiritual que exaltó el individualismo.

Los pintores ya no trabajaban por encargo, sino expresando sus propias ideas y
sentimientos mediante la pintura. La modernidad es el motivo central y recurrente.

Sus temas de inspiración son todos los relacionados con el hombre y la naturaleza:
El paisaje, la figura humana, la edad media, la cultura árabe, folclore, costumbrismo,
historia y sociedad, literatura, violencia, drama y locura; son temas representados por
la pintura romántica.

Se expandió en toda Europa. Analizaremos algunos de los pintores representantes de

este estilo.

Jean-Louis André Théodore Géricault, (1791-París,1824) pintor francés pionero del

Romanticismo; los temas de la vida cotidiana fueron elevados a hechos heroicos en la
pintura de Géricault. Mostró la desesperación y el sufrimiento de las personas. El
drama y la fuerza expresiva de sus pinturas definen su estilo romántico en tal forma,
que es difícil describirlo con palabras. La Balsa de la Medusa, 1819; La loca,
1822; Carrera de caballos en el carnaval de Roma (1817) Son obras de este
reconocido pintor.

Ferdinand-Victor-Eugène Delacroix (Francia, 1798-1863) Considerado un maestro

del color con su estilo resuelto y vigoroso, plasmó en el lienzo el erotismo y la
muerte; revoluciones y tragedias humanas; con un excelente predominio del color
sobre la línea. En su obra enalteció la libertad, la fraternidad y la igualdad, como
valores universales.

Destaca por la diversidad de sus temas: religiosos, naturaleza, animales salvajes,

bodas, guerras, harenes; en fin, todo lo tocante a la vida. La Libertad guiando al
pueblo, 1830, La matanza de Quíos, 1824., Mujeres de Argel, 1834, son algunas de
las magistrales obras de este insigne pintor.
Francisco de Goya (1746-1828) pintor español destacado del Romanticismo, pintó
dramáticos cuadros alegóricos a la guerra de la independencia, con una mezcla de
realidad y fantasía en una atmósfera de pesadilla, hay una total ausencia de heroísmo
al plasmar las atrocidades de la guerra. Su obra incluye más de quinientos óleos y
pinturas murales, además de los aguafuertes, litografías y dibujos. La carga de los
mamelucos y Los fusilamientos del 3 de mayo, son obras de Goya.

Peter von Cornelius (Düsseldorf, 1783 – 1867) pintor romántico alemán, perteneció
al movimiento de los nazarenos. Representó a la perfección el idealismo romántico
alemán, la técnica del fresco en murales monumentales es característico en su
pintura. Estos murales representan el origen del arte colosal alemán. Dos de sus
obras son, Los cuatro jinetes del Apocalipsis, 1845. Las vírgenes sabias y las
vírgenes necias.

ARTE RENANCENTISTA

1. Sagrada Trinidad con la Virgen, San Juan y

donantes, de Masaccio (1425-1427)

Masaccio: Sagrada Trinidad con la Virgen, San Juan y

donantes (fragmento), 1425-1427, fresco, 667×317 cm, Basílica de Santa Maria Novella,
Firenze

El fresco Sagrada Trinidad, con la Virgen, San Juan y

donantes representa el punto de partida del Renacimiento, pues se dan
cita los grandes cambios plásticos y culturales de la época. Destaca la
perspectiva lineal, el claroscuro y la técnica del trampantojo. La bóveda
de cañón, de inspiración romana, se anticipa a los cambios de la
arquitectura renacentista. Junto a los personajes sagrados, se retratan a
los donantes, lo que confiere al tema religioso una mirada
antropocéntrica. Esto revela la estima que tenía aquella generación de sí
misma.

2. La anunciación, de Fra Angélico (1425-1426)

Fra Angélico: La anunciación, 1425-1426, oro y

temple sobre tabla, 194 cm × 194 cm, Museo del Prado, Madrid.

En La anunciación, Fra Angélico hereda del medioevo el gusto por el

detalle de la vegetación, pero aporta recursos del Renacimiento. Ha
usado la sobria arquitectura grecolatina y ha aprovechado sus líneas
para acentuar la perspectiva. Para logran mayor profundidad espacial, ha
abierto diversos vanos que crean planos superpuestos: una puerta
conduce a una habitación y, esta, muestra una ventana discreta al fondo.
El jardín a la izquierda refiere la expulsión del paraíso de Adán y Eva. A
los pies, vemos una línea de escenas de la vida de María. Este tipo de
líneas con secuencias de escenas en la base de los cuadros reciben el
nombre de predelas.

3. El matrimonio Arnolfini, de Jan van Eyck (1434)

 Jan van Eyck: El matrimonio Arnolfini, 1434, óleo sobre tabla,
81,9 x 59,9 cm, Galería Nacional de Londres.

Jan van Eyck fue un pintor flamenco que perfeccionó la pintura al óleo y
ayudó a su difusión. Esta obra en particular es uno de los primeros
retratos pictóricos de la historia. Cargada de símbolos, transmite la
importancia y dignidad de los personajes, que ostentan una buena
posición social. Sin embargo, genialidad de Van Eyck no está allí.

El pintor introduce al fondo un espejo que juega con los planos de

representación. En él muestra el reflejo de dos personajes que no están
visibles en la escena principal, creando la ilusión de que ocupan las
posiciones del espectador. Este recurso probablemente habrá inspirado a
las Meninas de Velázquez, más de doscientos años después.

4. La Virgen del canónigo Van der Paele, de Jan

van Eyck (1434-1436)

Jan van Eyck: La Virgen del canónigo Van der

Paele, 1434-1436, óleo sobre tabla, 122,1 cm × 157,8 cm, Museo Groeninge, Brujas.
La Virgen del canónigo Van der Paele corresponde a un género muy
usado en el Renacimiento, llamado sacra conversazione (conversación
sagrada), en el cual la Virgen sostiene una conversación con los santos
en un ambiente íntimo. En este caso se incluye al donante, el canónigo
Van der Paele, presentado por San Jorge. Este pisa la casulla del
canónigo, recordando que está subordinado al poder espiritual. Sin
embargo, su presencia en la escena reivindica su rol social en el poder
temporal.

El lienzo destaca el tratamiento de los ropajes y la profusión de los

detalles. El brillo de la armadura de San Jorge ofrece una excusa a Jan
van Eyck para usar reflejos. Se puede ver el reflejo del artista y de la
Virgen, concebida como espejo inmaculado de la gracia divina.

5. La batalla de San Romano, de Paolo Uccello (h.

1438)

Paolo Uccello: La batalla de San

Romano. Arriba: El desarzonamiento de Bernardino della Ciarda, h. 1438, Temple sobre
tabla, 182 x 220, Galería Uffizi, Florencia. Abajo (izquierda): Niccolò da Tolentino a la
cabeza de los florentinos, Galería Nacional de Londres. Abajo (derecha): Decisiva
intervención junto con los florentinos de Michele Attendolo, Museo del Louvre, París.

La batalla de San Romano de Paolo Ucello es un tríptico con escenas de

la batalla en que Florencia venció a Siena durante las guerras de
Lombardía. Originalmente encargada por la familia Bartolini, pasó muy
pronto a la colección de los Medici. No dejan de estar presentes
elementos medievales como la profusión de los detalles que acentúan lo
descriptivo. Sin embargo, se considera una obra maestra debido al uso
de la perspectiva y del escorzo.
ARTE ABSTRACTO

Robert Delaunay (Ritmo alegría de la vida)

Es una de las piezas abstraccionistas más reconocidas a escala mundial,

considerando que presenta muchísimo colorido y formas diversas, hasta el
punto de que se ha considerado inspiradora, ya que se cree, realmente
genera alegría.
El artista francés, nacido en 1885, era neo-impresionista, pero cansado, de
ofrecer más de lo mismo, migró a la abstracción con excelentes resultados.
Experimentó en la no-objetividad con su obra “ventanas simultáneas”
también famosa, con la que co-fundo el movimiento artístico orfismo, que se
basó en la combinación de pinturas de colores brillantes.

Kazimir Malevich (Cuadrado negro)

El Ruso Maleviich, nacido en 1878, fue quizá el artista más reconocido del
mundo con la fundación del movimiento de la abstracción geométrica. Fue
reconocido por su magnífica obra cuadrado negro, donde se basó en el uso
de figuras geométricas bajo el abstraccionismo.

Posteriormente, fundo el movimiento artístico suprematismo donde logró

superponer círculos, cuadrados, rectángulos, triángulos y otras figuras en
una gama ilimitada de colores. S ele conoce como el rey de las figuras
geométricas abstractas y fue pionero del arte abstracto geométrico.

Victor Vasarely (Cebra)

Nacido en 1906, este famoso húngaro-francés fue pionero en el arte óptico

que es un género del arte abstracto en el cual se crea una ilusión óptica en
la pintura.

Era el boom del momento por lo que su fama recorrió el mundo. A través de
sus obras el artista manipulaba las figuras y formas a fin de crear nuevas
dimensione son perceptibles a simple vista.

Uso formas geométricas no representativas que creaban ilusión de

movimiento y de profundidad en las dimensiones. Pronto se convirtió,
gracias a su arte abstracto óptico, en fundador del movimiento op art, que
hasta ahora figura entre los más influentes del abstracisimo.

Su más famosa creación, la obra de arte cebra, de 1937, ha sido

considerada pionera mundial en el arte óptico y aún es usada como ejemplo
de la nitidez artística de este movimiento.
 ¡Ver ahora!
Georgia O´Keeffe (Iris Negro II)

Quizá esta reconocida artista americana, nacida en 1887, sea una de las
más dignas representantes del arte abstracto dentro del marco del
movimiento al modernismo americano, que tuvo gran auge en las guerras
mundiales.

Su forma de representar pinturas abstractas se basaba en el alejamiento y

la división de las más conocidas tradiciones y la representación de artes
modernos e innovadores que jamás habían sido vistos en la época.

En consecuencia, es considerada pionera del modernismo, y, así

del modernismo abstracto americano. Sus obras desafiaban los límites del
estilo artístico tradicional y fusionaban la representación con la abstracción.

Fue la artista abstracta más famosa de la época, pues había pocas mujeres
en el ramo y ella, además, se dedicó a pinturas muy féminas como flores y
jardines. Hasta hoy es reconocida mundialmente como artista femenina más
influyente.
Jackson Pollock (Number 5)

Nacido en 1912, este americano es muy famoso a escala mundial, debido a

su curiosidad en la introducción de colores abstractos y figuras “en
desorden” que tenían armonía.
Es precursor de la famosa pintura de goteo, que consiste en verter la figura
sobre el lienzo, pero no de forma convencional o con pinceles, sino a través
de gotas dispersas sin ningún tipo de cuidado.
Fue apodado “Jack the dripper” por la revista Time, cuando sus obras de
goteo sobre lienzo fueron ganándose el corazón de los críticos americanos.
Su técnico fue el punto de partida del movimiento “pintura de acción”
Sus obras han sido reconocidas mundialmente. Su pintura Blue Poles, fue
vendida a Australia por una suma importante, que luego se convirtió en cifra
record para pinturas americanas. Otra de sus más famosas obras fue
“number 5”
Fue considerado, tras el éxito de sus pinturas abstractas famosas, uno de
los artistas más influyentes en el mundo en el siglo XX. Sus pinturas siguen
siendo de inspiración para preparar a los artistas del futuro.