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Periodo de Intensificación Diciembre

6to ARTE Prof. Vignolio
Para aprobar el periodo de intensificación es indispensable haber completados
las 4 actividades de este módulo más una evaluación oral.

Al finalizar las actividades se realizará un examen oral y las preguntas se

basarán en el contenido de este módulo.

Fechas de encuentros disponibles para consultas:

Martes 12 de 11 a 13

Viernes 15 de 7.30 a 8.30 ó de 11 a 12

Martes 19 de 11 a 13

Viernes 22 de 7.30 a 8.30 ó de 11 a 12

Martes 26 de 11 a 13

Fecha de examen viernes 22 o martes 26 horario a coordinar con docente.

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Actividad 1. Metáfora Visual

Otra forma de comunicar.

La palabra metáfora viene del latín metaphero que significa “yo transporto”, “traslado” o
“desplazamiento”. Es decir, una metáfora implica la acción de trasladar las cualidades de una
cosa a otra. Es una de las figuras retoricas más importantes para crear un discurso estético y
persuasivo. Lo opuesto a la metáfora es la literalidad, es decir, la fidelidad al sentido exacto y
propio.

Por ejemplo, una forma de representar

literalmente al sistema braille sería con la El sistema braille o lenguaje para ciegos es el
siguiente fotografía: que utilizan las personas con discapacidad visual
o ceguera para poder escribir y leer textos, libros
y documentos.

Y una metáfora visual sobre el sistema braille la ilustración de Pablo Bernasconi.

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Actividad 1: Metáfora Visual

Elabora una metáfora visual tomando como punto de partida un tema que te interese
representar, por ejemplo: el miedo o la felicidad. También podes inspirarte en una frase o letra
de una canción. Podes encontrar más ejemplo en el archivo PDF “Imágenes para actividades”.

No te preocupes por el resultado final, pensá en esta actividad como un ejercicio de

creatividad. Es IMPORTATE que sea una elaboración personal y no una copia de lo internet.
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Actividad 2. Color
Los colores complementarios u opuestos son los colores que están en una posición opuesta
dentro del círculo cromático. Son aquella pareja que se puede unir al trazar una línea recta que
pase por el centro del círculo.

Estos colores intensifican su tonalidad cuando se colocan uno al lado del otro en el lienzo
logrando un mayor dinamismo, movimiento y drama en la pintura.

Otro ejemplo: En este caso, tenemos una fotografía de un paisaje. Como podemos ver en el
círculo cromático, el azul es complementario del naranja. Este efecto nos genera atención en la
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fotografía, un fuerte impacto por los contrastes en los colores. Es mucho más notorio, el
paisaje cobra más fuerza.

Más ejemplos:
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Actividad 2: Color

Mira el circulo cromático para escoger dos colores complementarios y realiza una composición
libre (figurativa o abstracta) pintando. Podrás modificar la luminosidad de los colores
agregando negro o blanco para obtener matices.
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Actividad 3. El uso de la Luz

Clasificación según las posiciones y direcciones

Las posiciones y direcciones de la luz modifican la sensación de volumen, la intensidad en los colores,
texturas y contrastes de las imágenes.

1) Luz lateral: la fuente de luz se encuentra a un costado de la escena, este tipo de iluminación realza las
texturas y dota de mayor volumen gracias a los contrastes entre luces y sombras.

2) Luz cenital: en este caso la fuente de luz ha sido colocada justo por encima del objeto haciendo que
esta quede perpendicular al piso tal como se daría si salieras a tomar fotografías al medio día.

3) Luz frontal: en este caso, la fuente de luz se encuentra ubicada frente al objeto lo que genera que los
relieves y texturas no puedan ser apreciados con tanto detalle ya que el contraste es mínimo. Este tipo
de iluminación es fácil de obtener si disparas el flash incorporado en tu cámara o dispositivo móvil.

4) La iluminación a contraluz o posterior es una tipo de iluminación sugerente. El foco de iluminación se

sitúa detrás del objeto, con lo que aquello que vemos es su silueta o contorno. En este caso tampoco
percibimos la textura.

5) Luz Nadir esta vez, la fuente de luz ha sido colocada por debajo del sujeto, es por ello la sensación
anti natural al verla. Nuestros ojos no están acostumbrados a percibir luz con este tipo de dirección. En
su mayoría esta iluminación se usa para crear misterio, dramatismo, miedo, etc.

Si la fuente de luz es el sol tendremos por defecto luz cenital al medio día, lateral, contra luz o frontal dependiendo
de cómo se posiciones el objeto o persona respecto al mismo.

Luz Lateral
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Luz Cenital
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Luz Frontal

Contraluz
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Luz Nadir

Al observar una imagen es fácil notar de donde viene la principal fuente de luz percibiendo la dirección
en la que se proyectan las sombras. El uso de la luz y la oscuridad genera mayor o menor contraste
según la cantidad de valores que puedan percibirse. Por ejemplo, una imagen con alto contraste eestá
compuesta por áreas extremadamente claras y oscuras. Por otro lado, si presenta una amplia gama de
tonos que van desde el blanco al negro se trata de una imagen de contraste medio. Y se considera un
bajo contraste ccuando el rango tonal de una vira hacia tonos más grises, con sombras que no están
muy marcadas y altas luces que no son muy brillantes, lo cual puede otorgarle a la imagen un aspecto
suave y plano.
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Bajo contraste

Contraste Medio
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Alto Contraste

Actividad 3: El uso de la luz

Qué tipo de armonía de color reconoces en las siguientes imágenes:

Imagen 1
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Imagen 2

Imagen 3
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Qué tipo de posición de luz reconoces en las siguientes imágenes.

Imagen 4

Imagen 5
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Imagen 6

Qué tipo de contraste reconoces en las siguientes imágenes:

Imagen 7
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Imagen 8

Imagen 9
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Actividad 4. Géneros del Arte

Contemporáneo
Arte Conceptual
El movimiento conceptual en el arte aparece a finales de los años sesenta con manifestaciones
muy diversas y fronteras poco definidas.
La idea principal que subyace en todas ellas es que la verdadera obra de arte no es el objeto
físico producido por el artista, sino que consiste en conceptos e ideas. Con un fuerte
componente heredado de los ready-made de Marcel Duchamp, es el artista americano Sol
LeWitt quien mejor define este movimiento en una serie de artículos publicados en 1967 y
1969. En el arte conceptual, la idea o concepto prima sobre la realización material de la obra,
y el mismo proceso -notas, bocetos, maquetas,
diálogos- al tener a menudo más importancia que el
objeto terminado, puede ser expuesto para
mostrar el origen y desarrollo de la idea inicial.
Otro elemento a resaltar de esta tendencia es que
requiere una mayor implicación del espectador no
sólo en la forma de percibirlo sino con su acción y
participación. En función de la insistencia en el
lenguaje, el comentario social o político, el cuerpo o
la naturaleza, dentro de este arte encontramos
líneas de trabajo muy diferentes: body art, land art,
process art, performance art, arte povera … y entre
sus más importantes representantes se encuentran
artistas como Joseph Kosuth, Lawrence Weiner, el
grupo Art & Language, Gilbert and George, Dennis
Oppenheim, Walter de Maria, Robert Smithson,
Jean Dibbets o Richard Long.
Según los planteamientos del arte conceptual, las
obras de arte no tienen sólo un modo de existencia
objetual y la experiencia estética puede darse más allá de la materia, porque experiencias y
obras pueden “encarnarse” en varios objetos o porque su recepción puede entenderse más
allá de la presencia de los objetos. Por ejemplo, cualquier botellero puede ejemplificar el gesto
duchampiano, pero lo relevante es el gesto en sí. El botellero no es un objeto artístico, sino
una propuesta estética, ya que el artista lo despoja de su sentido instrumental. De este modo,
el arte conceptual trata de mantener la experiencia estética sin que medie en ella la
elaboración artística, el valor plástico de los objetos.
Lo conceptual es sobre todo una actitud de la que parte el emisor y que se pide al receptor: en
función de si la comparte habrá obra o no.
Kosuth decía que las obras de arte conceptuales son proposiciones analíticas que presentan las
intenciones del artista, su definición del arte, y LeWitt definió estos trabajos como conectores
de polos mentales, transmisores de información que han renunciado al mito de la semejanza.
El artista concibe su actividad como una investigación semiótica.
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Su querencia por el lenguaje y su énfasis sobre la actividad mental en detrimento de la

material emparenta a los creadores conceptuales con la tradición idealista. Se aprecian dos
tendencias significativas en el arte conceptual: la de quienes muestran o proponen algo
ausente a través de proyectos irrealizables de antemano y la de quienes se refieren a ideas
no visualizables, invisibles o inexplicables.
En definitiva, el arte conceptual pretendió demostrar que se podía hacer arte sin necesidad de
desembocar en cosas (artísticas), que existe experiencia estética sin estar mediada por la
objetualidad. No se apela al goce inmediato derivado de la contemplación, sino al juicio y la
contemplación reflexiva.
One and Three Chairs (Una y tres sillas) de Joseph Kosuth, fue creada en 1965 y
expone los diferentes códigos de una sola silla, de manera que vemos una silla real
situada entre una imagen a escala de una silla y una definición de diccionario impresa
de la palabra silla. En este sentido, el artista hace una reflexión sobre los signos que
utilizamos los seres humanos para comunicarnos exponiendo al objeto (silla), a una
representación del objeto (foto) y una definición del objeto por medio lenguaje de las
palabras (la cita del diccionario).

El Partenón de Libros de Marta Minujín

La instalación artística, el arte instalación o el instalacionismo, es un género de arte

contemporáneo que surge en la década de los años 1960.

Desde sus inicios, las instalaciones han cuestionado los límites de la obra de arte; por sus
características espaciales, están ligadas a la reflexión sobre el museo, el mercado y los
entornos expositivos y vinculan la creación a un lugar específico, otorgándole valor y
constituyéndose en él. Pueden ser permanentes o efímeras, entrañan la participación del
espectador mediante diversos procedimientos, propician experiencias en relación con el
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espacio, la percepción y los significados y pueden estar constituidas por objetos de cualquier
materia y forma, llegando a ser incluso inmateriales o mixtas.

"Manos anónimas", 1976, instalación de Carlos Alonso

En algunos casos, la instalación se constituye como una obra colectiva en la cual numerosas
personas convocadas por el artista participan de forma masiva. Como es el caso de El Partenón
de los libros de Marta Minujín.

Buenos Aires, diciembre de 1983. Alfonsín acaba de llegar a la Casa Rosada después del horror
de la dictadura, que todavía está ahí, cerca. Marta Minujín monta en la avenida 9 de Julio y
Santa Fe una enorme estructura tubular con forma de Partenón (símbolo de Grecia y de la
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cultura que originó la democracia) que en lugar de ladrillos está rellena con libros. Son 20 mil y
son los títulos "peligrosos" que el gobierno del terror había prohibido. Ya en Navidad, la obra
termina con la gente llevándose los títulos, celebrando en el espacio público. Participación
colectiva para darle la bienvenida a la vida en libertad. Reencuentro y reconstrucción.

“El Partenón de los libros prohibidos es una obra conceptual que se expresa a través de otras
obras escritas por autores y autoras; intelectuales y referentes del mundo de las ideas
censuradas y privadas de expresión”. (Minujín, Marta)

En el cierre, la gente retira los volúmenes.

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“El Partenón de Libros es una instalación en movimiento. Una obra de arte contemporánea que
se adelanta a su época, en el sentido que es arte efímero, arte en progreso y arte de
participación masiva”. (Minujín, Marta)

El Partenón de Libros es una obra de arte en movimiento, que puede replicarse en cualquier
parte del mundo. Tal es así que, se reeditó en 2017 para la edición 14 de documenta Kassel
como una expresión de apoyo a la libertad y los derechos humanos en la plaza alemana donde
se exhibe, los nazis quemaron libros en 1933. Y al igual que en 1983, la obra finaliza cuando las
personas tomaron los libros desarmándola, por esa razón es arte efímero. No es una obra para
perdurar en el tiempo, sino, una experiencia participativa y activa.

Marcos López: Pop Latino

El arte pop es un movimiento artístico surgido

en Reino Unido y Estados Unidos a mediados
del siglo XX, inspirado en la estética de la vida
cotidiana y los bienes de consumo de la
época, tales como anuncios publicitarios,
comic books, objetos culturales «mundanos»
y del mundo del cine.

El Pop Art se caracteriza por su estilo visual

llamativo y colorido. Los artistas a menudo
utilizan colores brillantes y contrastantes para
llamar la atención del espectador. Además, suelen aplicar técnicas de impresión y serigrafía
para lograr efectos visuales impactantes.

Uno de los referentes del Pop en Argentina es Marcos López, cuya serie Pop Latino (1993-
2002) transmite la sensación festiva de cartón pintado que se vivió en la era “menemista”. Los
colores en Pop Latino están sobresaturados. Las imágenes muestran, con una crudeza de alto
impacto, el carnaval de la banalidad, las poses de los personajes que nos muestra López se
fueron tornando más complejas al incorporar escenas que utilizaban exteriores como
decorado de fondo. En el Carnaval Criollo, una mujer con guantes de goma para lavar platos
luce una máscara con la bandera norteamericana. La escena, en pleno centro de la capital
porteña, tiene por detrás un enorme cartel publicitario de American Airlines con la estatua de
la libertad y la frase “A New York sin escalas”.

En su “Manifiesto” sobre el Pop Latino, Marcos López afirma: “Tiene que ver con la tradición
cultural de nuestros países que siempre trataron de pensar que lo que se hacía afuera era
mejor. Yo copio el Pop Art, pero lo copio mal.” Los temas son populares y de carácter local: el
fútbol, Gardel, Borges, las costumbres del interior del país, la carne, el asado, Eva Perón como
una estampa de devoción, el mate, la escuela, y los símbolos patrios. En Plaza de Mayo, la
maestra argentina promociona un producto de limpieza (Procenex) frente a la casa de
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gobierno. Todo se vende, todos sonríen con una mueca impostada como intentando creer eso
que de por la paridad dólar-peso “estábamos en el primer mundo”, mientras se vislumbrara
el derrumbe. El vendedor “trucho” (falso) es “El predicador de TV”, en un escenario atado con
hilos, con frases de telgopor pintado que dicen “Salud, Dinero y Amor”. El “llame ya y compre
con su tarjeta de crédito”, los viajes “all inclusive”, el “deme dos” y los “shopping centers” son
protagonistas de esa serie, en la que el artista fue mostrando cómo la Argentina se convirtió
en un no lugar más de la era de la globalización. El personaje “trucho” aparece en otras fotos,
como en el Vendedor de terrenos virtuales y promocionando el Buzo para adelgazar. López
ubica a sus modelos en primerísimos planos, a veces con máscaras, exacerbando el artificio
que deja ver, en algunos casos, el recurso de la foto coloreada a mano. Transmite un clima
que ridiculiza el travestismo, el doble discurso, de la oratoria del oficialismo. El artista aclara:
“Es como buscar un nuevo folk donde estén los estereotipos de la patria redefinidos por un
color que plasme el sentimiento de una Argentina del shopping center, de las cirugías
plásticas pero con dos millones de desocupados. Un color muy fuerte y muy estridente pero,
a la vez, muy berreta (vulgar)”.

Carnaval, Criollo
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El Jugador

Señora en la 9 de Julio
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Actividad 4. Géneros del arte contemporáneo

1) A qué genero pertenece las siguientes obras (Pop Latino, Instalación, Arte
Conceptual) Justificar desarrollando las características que reúne de ese género.

La ciudad de la alegría (1993) fue la pieza inaugural de la serie de Marcos López. La

multiplicación de pancartas con el rostro de Carlos Menem, que entonces comenzaba
su largo mandato presidencial, daba a estas grotescas puestas en escena un tono
decididamente político. López transformó la propaganda triunfalista del gobierno en
risa teatral y farra vacía.
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Manos anónimas fue ideada por Carlos Alonso para formar parte de la muestra Imagen
del hombre actual, organizada por el Museo Nacional de Bellas Artes en 1976. El
inquietante conjunto da cuenta del clima social imperante a mediados de los años 70,
marcado por el ocultamiento y la muerte. Los objetos y las figuras de tamaño natural,
realizadas en papier maché y acabado de pintura acrílica, apelan al realismo para
potenciar su impacto: un soldado usando lentes oscuros, el busto sobre pedestal que
se orienta ocultando el rostro del homenajeado, piernas y manos que emergen de un
sillón, un personaje de sombrero y sobretodo que nos da la espalda y un cadáver
cubierto por diarios configuran un elenco de identidades esquivas, pero sin dudas
relacionadas entre sí. Aun cuando las figuras no se muestran en acción, el tono
siniestro de la escena resulta evidente. Como otras obras de Alonso y de muchos
artistas contemporáneos, la violencia se hace presente en la sucesión de cortes de
carne vacuna colgantes, que alternan en un juego de paralelismos con una camisa
agujereada por una bala y una pierna humana vestida con jeans y zapatillas, la
indumentaria elegida por la juventud desde la década del 60.

Los artistas de Escombros, a partir de la exposición que hicieron en Galería

Archimboldo (2003), aceptaron, como alternativa de sus acciones en lugares públicos,
realizar objetos simbólicos como País de lágrimas con bolsas de polietileno
transparente llenas de agua, a la manera de lágrimas con inscripciones de pertenencia:
de los que mueren de hambre, de los que no pueden educarse, de los que no tienen
trabajo...
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2) Observa la serie Objetivo de Consciencia de Grupo Escombros y describe porque el

concepto predomina sobre el valor material de la obra.
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"En 2003 Escombros realiza una producción digi-tal que en espacio real se presenta
como una insta-lación intermedial a partir del elemento pan: el que funciona tanto
como objeto y discurso, asumido en las intervenciones como símbolo. Doce panes
inter-venidos y/o modificados: pan estrangulado, pan aplastado, pan desaparecido,
pan torturado, pan de oro, pan con muerto de hambre, pan con púas, pan
encarcelado, pan incendiado, pan momificado, pan apuñalado y "En Argentina, 40
chicos mueren de hambre cada día". La serie se acompaña de Tocapan: una mano y un
pan que giran sin cesar y nunca se encuentran."

"El grupo ya había producido objetos a los que llamó de conciencia. Generalmente
integraban una serie mayor, inscriptos en las convocatorias, eventos o acciones. En la
actualidad la opción objetual para estos artistas es el medio que une lo virtual y lo real,
la tradición pública, callejera y activista del grupo y la tradición privada de las
exhibiciones artísticas. Pero no es solo un juego estético."

"El objeto inaccesible, en tanto tal, juega las reglas del arte contemporáneo. Sintetiza
las opera-ciones materiales y conceptuales, cuidadas espe-cialmente en el impacto
visual. Pero también juega desde su estado conceptual con asociaciones claras y
directas."

3) Describe que aspecto del género instalación artística reúne: El sembrador de Soles

a) ¿Interviene un espacio? ¿De qué forma?

b) ¿Constituye una obra de participación masiva? ¿Por qué?
c) ¿Puede considerarse arte efímero? ¿Por qué?

En El sembrador de soles propusieron a poetas de tres ciudades (La Plata, Berisso y

Ensenada) escribir sus poemas en círculos amarillos de gran tamaño que dispersaron
sobre la Plaza Malvinas en la ciudad de La Plata.
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4) Observa "Todo por dos pesos", 1995 de Marcos López. ¿Qué aspectos del género
Pop Latino reúne? ¿Qué aspectos de la década menemista crees que pretendió
retratar el autor en esta obra?

Bajo la promesa presidencial de un ingreso sin escalas al primer mundo (eslogan que
López parodió directamente en Carnaval criollo, de 1996), durante los noventa se
produjo un progresivo vaciamiento del capital nacional, tanto económico como
simbólico. La multiplicación de baratijas importadas (como las que nos ofrece el
monstruoso vendedor de Todo por dos pesos, de 1995) aludía a la pérdida creciente de
identidad cultural que se escondía bajo los ideales de integración al universo del
consumo.
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