“El arte nace en una sociedad y es consumido por ella”.

Mi quaestio es como piensan la relación arte y sociedad/contexto los autores de la

década del 30 que vimos en clase. Benjamin, Lukacs y Brecht.

Voy a relacionar esta cuestión con el realismo y en como Georg Lukács y Walter
Benjamin desarrollan la concepción del arte y su utilidad.
Ambos fueron teóricos del arte y de la ideología en tiempos de oscuridad. Judíos y
fieles al marxismo en una Alemania nazi emergente.
Contexto: El fin del sueño de la revolución socialista en Europa Central, que se dio a
partir de la derrota del proletariado y las victorias del fascismo en el periodo
comprendido entre 1918 y 1923, trajo como consecuencia una profunda revisión
de la ortodoxia marxista tradicional y de sus dogmas e hizo que varios
pensadores recuperaran la conexión con la filosofía y pusieran el foco en
cuestiones que hasta ese entonces habían estado olvidadas o que habían sido
catalogadas como poco importantes, como ser los asuntos culturales y artísticos.
A partir del desarrollo de autores como el propio Lukács, los problemas culturales
pasaron a constituirse en elementos centrales del análisis de las estructuras de
poder del capitalismo y de las luchas por la emancipación.

Lukacs dice> “Todo nuevo estilo surge con necesidad social-historica de la vida, es el
producto necesario de la evolución social. “ (Narrar o describir?)
Para Lukács, el arte es una selección de lo importante y esencial, una supresión de lo
no importante y no esencial. Para ello lo más importante es la perspectiva: como
principio de selección artística, y como base ideológica para que el escritor venza esa
falta de selectividad en la plasmación de los detalles que en el proceso de creación lo
lleva fatalmente al naturalismo.

"El problema estético central del realismo -afirma Lukács- consiste en la adecuada
reproducción artística de! hombre total." Y esta recreación consiste en presentar,
bajo su forma adecuada, en toda su complejidad y riqueza de matices, en toda su
intrincada variedad de vida, en sus conexiones más ocultas y en sus símbolos más
íntimos, a la sociedad y al hombre que vive en socIedad. La eternidad de la obra de
arte depende entonces de su fuerza simbólica, de su profundidad histórica, de .su
capacidad para asir el momento y de ·transmitirlo, no como algo aislado e individual,
sui-generis y único, sino como parte de un todo: el hombre, como parte de la
sociedad; la época, como parte de la totalidad histórica.

Por ejemplo, en su texto de 1936, “¿Narrar o describir?”, Lukács menciona que la

novela debe ser capaz de mostrar cómo un sujeto va a relacionarse con el mundo, y en
ese sentido, va a transformar sus valores y va a transformar el mundo. La verdadera
obra debe producir una reflexión real sobre lo social, y esto viene dado por las
exigencias éticas que el artista debe cumplir quien debe conectarse con los
problemas de su presente y actuar en consecuencia
- “El nuevo estilo surge de la necesidad de la plazmacion adecuada de la nueva
modalidad de manfestacion social. La relación del individuo con la clase se ha
hecho mas complidada de lo que fue en lo siglos anteriores.
 - El artista escribe en base a su contexto, Ejemplo Flaubert y Zola se
conviertieron en observadores críticos de la sociedad capitalista. “

El va a decir que el arte debe contribuir a acentuar la relaciones típicas del hombre con
el mundo y con otros hombres, de modo tal que mediante esa vivencia espontánea la
humanidad se conozca a sí misma y conozca su relación con la realidad exterior.

En Franz Kafka o Thomas Mann, se plantea que Kafka simplemente había representado
una sola de las dimensiones humanas: la de la angustia. En cambio, Mann habría
escapado a las preocupaciones trascedentalistas y falsamente metafísicas porque “su
lugar es su tiempo, con sus peculiaridades, que contienen lo social e históricamente
necesario en una concreta situación histórico-social”. Mann se sumerge en el infierno
de nuestros días, pero las deformaciones de la vida aparecen en su obra como
deformaciones específicas, determinadas, con sus causas primeras a la vista.

El hombre es capaz de conocer solamente una realidad pero precisa distinguir entre el
modo científico y el modo artístico de reflejar el mundo, de reproducirlo como un
contendio en su conciencia.
Para el saber científico: el mundo y la naturaleza se expresan a través de leyes
generales. Universalidad.
Para el arte, la categoría primordial del reflejo estético de la realidad es la
particularidad o la tipicidad. El arte crea, no descubre.
Para el arte, el concepto solamente interesa en cuanto se convierte en un factor
concreto de la vida, en un factor de situaciones concretas que viven hombres
concretos: “Lo decisivo para el arte es el modo en el que el concepto toma parte y se
manifiesta en las luchas, en las victorias y en los fracasos, en la alegría y en el dolor de
los hombres.”
El arte es una producción de la vida que los hombre se encuentran a sí mismos y a su
destino explicados con una claridad y una profundidad apasionantes, , que no pueden
encontrar en la vida misma..
Es por eso que el hombre se reconoce en el arte, y descubre en el sus aspiraciones y
sus conflictos mas intimos. El arte es el verdadero tiempo recobrado.

Lukacs afirma que “Toda obra de autentico valor discute intensamente los problemas
de la época” El arte es un reflejo de la realidad, por lo tanto las formas artísticas
cambian en el tiempo como resultado de las transformaciones histórico-sociales. Una
forma real y esencialmente nueva no puede ser generada sino por un contenido
social y sustancialmente nuevo. La originalidad de! artista, para Lukács, no consistiría
tanto en penetrar, siempre más profundamente, en los mismos contenidos, sino en
expresar artísticamente los nuevos contenidos que surgen en la materia social.

Lo mismo ocurre con benjamín quien establece que el arte tiene una misión social, en
la lucha por la liberación, por lo tanto, el artista debe mostrar el sentido del
movimiento social, es decir, el sentido de la historia.
El ensayo “la obra de arte en la época de su reproductibilidad tecninca” fue escrito
cuando Adolf Hitler ya era Canciller de Alemania, por lo que representa un esfuerzo
por describir, analizar y problematizar una teoría del arte que fuera útil para la
formulación de demandas revolucionarias en la política del arte. Analizando las
repercusiones que el cine y la fotografía tuvieron en el arte.
Es importante considerar el contexto: Benjamin debate esta relación en una época
dominada por el capitalismo como modo de producción y por la técnica, en la cual el
ser humano vive y se desarrolla. Lo que hace es establecer una visión marxista donde
dice que la técnica bajo el empleo capitalista es una instancia de enajenación
humana que debe reconducirse hacia un modo social, político y económico mas
favorable al desarrollo pleno del ser humano. Opta no solo por la comprensión sino
por la transformación de la realidad.
Benjamin apunta que el arte ha sido siempre reproducible, ya sea por medio de la
imitación simple, del grabado, de la trasposición o de la imprenta, la reproducción de
obras de arte ha sido posible desde siempre. Lo que cambia es la naturaleza de la
reproducción y la facilidad de efectuarla. Por ejemplo los adelantos de la técnica
fotográfica.
Esta reproductibilidad concibe a la perdida del aura en la obra de arte. El aquí y ahora.
Por un lado tenemos la perdida de unicidad y por otro la perdida del momento
creativo.
“Incluso en la más perfecta de las reproducciones una cosa queda fuera de ella: el aquí
y ahora de la obra de arte, su existencia única en el lugar donde se encuentra” .
Es actualizar la obra, dejando en la obra, y sin llevar a la copia, todo abismo de
tradición y testimonio pasado.
Se plantea que no considera las obras de arte como meros testimonios de sus
creadores, sino como hechos artísticos con posibilidades de progreso para las masas
y el proletariado en un momento dado.

Benjamin dice que la obra de arte tiene una autoridad, esta autoridad es la que
proviene de la historia de la obra. La originalidad; la autenticidad de una obra, hic et
nunc. Todo esto es el aura, y es una característica del arte burgues. La obra solamente
le habla a aquellos que están educados, a la masa y a los que se agolpan intentando de
comprender algo no pueden comprenderla.
Lo cierto es que la historicidad específica de las obras de arte no puede ser revelada en
la «historia del arte» sino sólo en la interpretación. Pues en la interpretación, las
relaciones entre las obras de arte aparecen como atemporales (eternas) aunque no sin
relevancia histórica.24

Bertolt Brecht (1898-1956), fue un creador comprometido con la causa revolucionaria

y, a la vez, cercano al marxismo más evolucionado de la escuela de Frankfurt (fue muy
amigo de Walter Benjamin). Para él, la obra literaria no es autónoma, sino que está
conectada con la realidad histórica. La literatura es un arma fundamental en la lucha
revolucionaria, en la praxis transformadora de la realidad. Por eso, la literatura debe
ser realista en cuanto que motivada por la realidad. Para Brecht el realismo no supone
una “fotografía” de la realidad, sino el ejercicio de una acción crítica que resulta
decisiva sobre el entorno social.
El realismo socialista no puede ser tratado de estilo. Es un arte que quiere reproducir
la realidad y al propio tiempo influirla, cambiarla, modificarla a favor de las grandes
masas. Hoy no se puede reconocer la realidad sin conocer el marxismo y sin una
actitud socialista.
El arte realista es un arte combativo. Lucha contra falsos modos de ver la realidad e
impulsos que se oponen a los intereses reales de la humanidad. Hace posibles
apreciaciones justas e impulsos altamente productivos.
Los artistas describen las contradicciones entre los hombres y sus relaciones entre sí y
exponen las relaciones en que se desarrollan. Están interesados en los cambios que se
operan en los hombres, exponen el poder de las ideas y las bases materialistas de las
ideas, son humanos y describen las relaciones entre hombres a fin de robustecer los
impulsos socialistas.

A diferencia del formalismo

Autotelismo literario: el autoelismo es algo que se encuentra su finalidad en si

mismo. Por ejemplo, los futuristas y las vanguardias en general dicen que el arte no
vale por la representación de lo exterior, sino que debe valer por sí mismo, por su
propia construcción. Autotelismo viene de Telos: fin (en griego), por lo tanto, se opone
a la idea del realismo y romantiscismo de reflejar la naturaleza, si no que se refiere a sí
mismo, más que hacia algo exterior.

La finalidad del arte es dar una sensación del objeto como visión y no como
reconocimiento.
Propone una confrontación con la audiencia. Espectador no solo consume sino que
también toma decisiones a favor o en contra: espectador productivo. Llega a sus
propias conclusiones.

1. Diferencia de Foucault> El texto literario se considera como un sistema

finito de signos en el interior del sistema de la lengua. Pretenden hacer los
estudios literarios una ciencia.
2. Diferencia de Brecht> La escena de la literatura no está en la personalidad
del autor ni en su posible mensaje, sino en el sistema organizado que forma
la obra (contexto).
3. Diferencia con Benjamin> La critica no debe ser normativa (es decir, que se
basa en la existencia de un modelo con el que se puede realizar una
comparación para determinar el valor).
Por ejemplo, en la teoría del método formal de Eichenbaum; “Lo que nos caracteriza a
nosotros no es ni el formalismo en cuanto estética, ni una metodología en cuanto
sistema científico cerrado en sí, sino únicamente la aspiración a crear una ciencia
literaria autónoma sobre la base de las cualidades especificas del material
literario”.
Distincion entre lenguaje practico (que tiene como finalidad la practica de la
comunicación) y el lenguaje poético (que implica que los formantes linguisticos
adquieran un valor propio)
Corolario/ consecuencia: La finalidad principal del lenguaje poético no es representar
algo exterior sino llamar la atención sobre si mismo.
Problema: la intencionalidad. Definir lenguajes de acuerdo con la finalidad que se
propone el hablante es contradictorio con el paréntesis puesto sobre el autor y su
intención.
Schlovski habla de “resurrección”, estableciendo que en la vida cotidiana la percepción
de los objetos esta automatizada. Entonces, para el, la finalidad del arte consiste en
arrancar a los objetos del mundo exterior de su desgaste, es decir, desautomatizar
la percepción cotidiana.

Lo que van a decir los pensadores de la década del 30 es que la relación Lenguaje
practico/poético que hacen los formalistas es arbitraria y abstracta, que no se puede
pensar el lenguaje poético fuera de la vida ya que este se alimenta de la vida cotidiana.
Luego otras criticas que va a recibir el formalismo es que no se puede separar el objeto
estético del contexto histórico, social y político. Por ejemplo Trotsky plantea la
necesidad de vincular el arte con el contexto en el que se encuentra. Acusa a los
formalistas de idealistas y de neo-kantianos. Dice Trotsky: “Una obra de arte debe
ser juzgada según las leyes del arte. Pero solo el marxismo es capaz de explicar por
qué y cómo en un momento histórico concreto ha aparecido una tendencia artística
determinada”.

“Sobre la evolución literaria” Propone una suerte de sistematización de las relacones

entre literatura y sociedad. Tinianov plantea el concepto de ESPECIFICIDAD DEL
SISTEMA: lo que Tinianov conserva de la tradición formalista. Él ya no cree en la
especificidad ahistorica de la literatura que creía Shlovski pero siempre insiste en que
para estudiar cualquier fenómeno literario es preciso no desatener la lógica del sistema
que tiene sus propias leyes especificas. A diferencia de Saussure sobre la historia de la
lengua. Saussure decía que es asistematca, que los cambios no se pueden prever y no
pueden ser estudiados científicamente.