TEMA V.

EL ARTE CONTEMPORÁNEO
A partir del postimpresionismo, van a ir surgiendo desde 1905 las vanguardias históricass, que son
un conjunto de todos los ismos dentro del arte experimental que se va a convertir en los estilos de
arte más importantes hasta la Segunda Guerra Mundial. La última de estos ismos será el
surrealismo.

En la segunda mitad del siglo XX aparecerán otros movimientos como el pop art.

Actualmente está la postmodernidad.

EL ARTE IMPRESIONISTA

“Independientes” —> búsqueda de un camino al margen de la tutela estatal. 1874 primera

exposición colectiva en el local del fotógrafo NADAR. Surge el grupo impresionista.

Los impresionistas se relacionan con Manet, un tipo de estilo que ya se ha dejado atrás.

La pintura se convertirá en el objeto que va a sufrir esa experimentación rupturista, por sus
características formales y específicas. La pintura siempre va a ir por delante cuando se hable de la
modernidad.

La actitud de los impresionistas va a ser lo suficientemente nueva para hacer una separación en el
arte, empezando por fin por el arte contemporáneo.

En 1874, los impresionistas serán unos artistas que serán más atrevidos en termino de técnica. Un
fotógrafo se organizo la primera exposición de la vida parisina que dio las espalda del salón, siendo
un gesto de ruptura y de rebeldía.

El termino impresionista vino de la critica, utilizando el termino de impresión para como algo
peyorativo, cogiendo el nombre de la obra de Monet, Impresión sol naciente. Poco a poco el termino
de impresionista fue asumido para estos personajes.

La propuesta pictórica de los impresionistas resultó tan novedoso por intentar representar la
atmósfera y la luz del color en un instante, es decir, quieren captar la impresión que tiene el pintor
en un segundo sobre lo que ve. Captar la fugacidad de la luz y del aire. A pesar de la novedad de lo
que esta pintura propone, la idea de que el color se utiliza como una forma de plasmar un instante,
una forma de representar lo instantáneo que es la naturaleza ya ha sido utilizada y pensada.

Como el objetivo de estos pintores es representar esa fugacidad de la luz y la atmósfera es necesario
utilizar una pincelada rápida y amplia. El resultado es un cuadro con todas las formas abocetadas y
diluidas, aunque se puedan percibir planos de luz e, incluso, perspectiva. El color comienza a
mostrarse de forma más autónoma, predominando sobre las figuras represéntenlas en el cuadro,
haciendo el color el protagonista.

Los pintores necesitan observar la naturaleza para poder realizar sus cuadros porque al final sigue
siendo una captación de lo que el pintor sintió y vio en un instante. La Mancha de color sin mezcla
comienza a ser el lo importantes, el protagonista.
Claude MONET (1840-1926)
Impresión. Sol naciente. Monet. 1872.

El sol es una mancha naranja. El nombre de impresionistas proviene de este cuadro, dado por los
críticos de forma despectiva.

La “mirada” impresionista

- Interés por la representación pictórica de la apariencia de las cosas frente al tema.

- Autonomía del color, que disuelve las formas en una “impresión” cromática indefinida y
vibrante —> pérdida de la corporeidad del objeto cuyo contorno se desintegra en pinceladas
enérgicas, gruesas y rápidas.
- Se pone en relieve la visión individual del pintor, que quiere captar un momento concreto
dentro de la mutable naturaleza, expresando no tanto lo que ve sino cómo lo veàaparece, de
algún modo, un ARTE SUBJETIVO, origen al arte moderno.

EL POSTIMPRESIONISMO EN EL COMIENZO DEL ARTE MODERNO

- La denominación postimpresionismo nos sirve para agrupar la muy personal obra de tres
pintores que, partiendo de las enseñanzas impresionistas, desarrollaron propuestas que son
el fundamento de los primeros movimientos de la vanguardias artísticas del siglo XX sobre
todo en lo que tiene que ver con cómo asumieron que el color, cada vez más lejos de la
voluntad de representación mimética de la naturaleza, se conforma como la base absoluta
de la expresividad pictórica.

Gauguin, Cézanne y Van Gogh son pintores que participan en Paris en el arte impresionista. Conocen
a los artistas impresionistas. Cogerán importancia tras su labor después de su estampa
impresionista. Partiendo de la lección del impresionismo sabe cada uno desarrollar de forma aislada
tres estilos distintivos y originales, que serán la base de los movimientos de las vanguardias
artísticas.

Cada uno dará más importancia al color plano -color sin mezcla- y subjetivo -el color independiente
del aspecto general de las cosas y dispuestos a la manera del autor/pintor-, el color ya no se utiliza
de forma que representan los colores que se perciben en la realidad sino que tienen una parte más
expresiva.

Paul GAUGUIN (1848-1903)

- En Gauguin, el color se va reforzando enormemente, ganando en intensidad expresiva al ser

extendido lo más saturado posible en amplias zonas, convirtiéndose en un recurso de
expresión simbólica, no naturalista.
- 1891: Gauguin se instala en Tahití, siendo uno de los primeros artistas interesado por lo
primitivo, concepto esencial para la renovación artística de este momento.
- Lo primitivo ofrece la novedad y originalidad deseada por los artistas del cambio de siglo ->
nuevos materiales, nuevas formas, nueva idea del objeto artístico y promueve un contacto
directo con la naturaleza

Tiene contornos y líneas a diferencia del arte impresionista. El color adquiere una presencia enorme.
Es una pintura completamente figurativa pero de una forma lírica, abstracta. Para unas obras que
querían transmitir esas verdades que el creía que había en lo primitivo.
Gauguin se obsesionó por encontrar lo genuino que es el arte. Para conseguirlo el rompió el arte
occidental, buscando lo primitivo. El encontraba en la vida los pueblos primitivos una verdad que
aspiraba alcanzar como persona y como artista. Menuda mierda tio.

Mahana no atúa (El día del Dios). Gauguin. 1894.

Vincent VAN GOGH (1853-1890)

- Van Gogh ha asimilado las propuestas impresionistas y va conformando un estilo
marcadamente personal en base al trabajo con el color desde el punto de vista expresivo,
entendido como medio para transmitir un estado de ánimo.
- Tensión basada en la quebrada línea y el color para ofrecer una visión de la naturaleza que
es pura expresión de una angustia existencial, anticipo del expresionismo.

La pintura de Van Gogh cómparte con los impresionistas esa idea de color subjetivo, plano. Su
pintura consagró sus últimos años de su vida. En su etapa de religioso ya mostraba ese carácter de
apasionado que tenía. El se lanza a convertirse en artista, recibiendo clases de pintura muy breves,
siendo al final autodidacta.

El primero tiene una etapa muy marcada con el realismo, de compromiso social… Después se va a
paris y entra en contacto con los impresionistas, viendo que capacidades había para utilizar el color.
Y ya de forma independiente, consolidará su propio estilo. El parte de ese sentido del color salvaje y
extremo, no realista, intenso, plano; e irá explorando con esa técnica, donde el color y la pincelada
plasmará sus emociones/estado de animo. Cada pincelada y cada trazo es perfectamente
distinguible.

Los tonos no se mezclan en la paleta sino en la retina del espectador, aunque sean colores
completamente divididos. Esa manera de dividir el trazo, que ya apareció no tan sistematizado con
los impresionistas, marca a Van Gogh. Esas pinceladas hace que el trazo/gesto quede perfectamente
plasmado en la tela, en caso de este artista es un movimiento agitado. Con esto el trasmite una
expresividad emocional muy grande.

El color y la pincelada para expresar emociones patéticas e intensas. Se conservan cartas escritas por
Van Gogh que explica que pretendía obtener con su pintura. Esa angustia interior a merced de su
enfermad queda manifestada en su pintura.

Color, gesto, pincelada, todo para expresar emociones, específicamente patéticas e intensas. El color
y el gesto ya no se utiliza para plasmar la realidad tal y como es, sino como para expresar
sentimientos.

Como Rembrandt utiliza el color muy empastado, lob que aporta un sentido táctil en la pintura.

Como no mezcla los colores, sus pinturas se ven muy bidimensionales, planos.

El pinta del natural, todo lo que pinta lo tiene que tener delante. Siempre tiene que tener el motivo.
Sin embargo, lo que ve está filtrado por lo que ven sus emociones, creando pinturas tan intensas.

El que en asociar los colores con las emociones, la sinestesia, es decir, cuando vemos el color lo
asociamos con un color. El cree que el color y la forma es igual a una emoción. En su caso es el
antecedente directo de Edward Munch.

La noche estrellada. Van Gogh. 1889.

Campo de trigo con cuervos. Van Gogh. 1890

La pincelada realizada con gestos muy agitados que muestran su decadencia. Transmite una brutal
emocionalidad.

Paul CÉZANNE (1839-1906)

- Cézanne quiere hacer de la pintura el medio para acceder a la esencia depurada y veraz de la
realidad, superando la representación de lo superficialmente visible propia del impresionismo
para alcanzar la comprensión de lo estable y permanente mediante el análisis directo,
profundo y meditado de la realidad para luego plasmarlo pictóricamente.
- El color se convierte en el medio para fijar lo esencial.
- El pintor ofrecerá una nueva “forma de mirar” que ya no necesita de los recursos
perspectivos tradicionales. Los objetos se presentan, tras el análisis sobre las formas y cómo
éstas se relacionan entre sí, desde varios puntos de vista, estableciéndose relaciones
espaciales y proporciones nuevas que se relacionan con cómo las cosas son antes que con
cómo las cosas se ven.
- La esencialización de las formas naturales, lleva a que sean convertidas en formas
geométricas básicas.

Cezanne alcanzó una edad madura. El pinto mucho. Nos centraremos en sus últimas aportaciones. El
fue a Paris a estudiar derecho pero Quiso ser siempre artista. Será allí donde conoce a los
impresionistas.

El termina por consolidar una propuesta pictórica, que en términos de ruptura será la más atrevida
y, a lo mejor, la que más aporta. Hay un antes y después en la historia de la pintura. La manera en la
que el fuerza los recursos de la pintura, ademas de las convenciones, donde las retoca y las cambia,
es algo completamente nuevo.

La pintura de cezanne es completamente solida y geométrica.

Azucarero, cafetera y plato con fruta. Cézanne. 1890.

Hay un bodegón. La mesa esta dispuesta a la manera del espectador desde arriba. Sin embargo las
frutas, las patas y El Cajon no concuerdan. Hay una irregularidad con las correlaciones de planos.
Cezanne ha puesto varios puntos de vista distintos en toda la pintura; hay una yuxtaposición o
superposición de distintos puntos de vista a la hora de representar un elemento.

Cezanne con esto niega la bidimensionalidad plana que te aporta la pintura o una fotografía. El
ignora algo que nunca se ha sustituido desde hace más de 4 siglos.

Cezanne se da cuenta, después de investigar muchos años, que frente a los impresionistas que han
estado desde el aspecto superficial de la naturaleza, quiere utiliza el color como un medio
fundamental captar la esencia inmutable de la naturaleza. Frente a los que los ojos ven, el quiere
captar lo eterno y lo inmutable. El en unas cartas explica lo que pretende hacer.

El quiere “radiografiar” la naturaleza. Para conseguir eso establece un método. Utiliza, siempre que
puede, motivos especialmente estáticos, como retratos o bodegones. El punto de partida es el
exterior superficial, así que observa el modelo durante horas; de manera que, en sus bodegones,
para hacer una imagen mental del objeto y llegar a la esencia, da vueltas alrededor del objeto. Ese
movimiento al respecto del motivo, esa asimilación lleva a que los objetos se le muestren en
distintos puntos de vista a la vez. El resultado esa superposición de planos.

Ese movimiento le ayuda, de manera intuitiva, superponer distintos planos en uno solo. El necesita
ver la naturaleza si quiere ofrecer al espectador una imagen depurada de lo que la naturaleza es.

Reducir la naturaleza a formas geométricas básicas. Se da cuenta que se pueden reducir lo

elementos naturales a las formas más básicas planas. Con el color plano y sin mezclas, que no
pretende reproducir los claroscuros y demás.

Cezanne obliga al espectador de cambiar su forma de ver el cuadro. El espectador antes sabía lo que
se iba a encontrar, pero con esto se consigue desconcertar.

Mme. Cézanne en el invernadero.

Cézanne. 1890.

Las formas del rostro están reducidos en formas geométricas básicas. El rostro de la mujer parece
una máscara. Además, se utilizan colores lejos de la realidad, planos, sin difuminados.

Las grandes bañistas. Cézanne.1906.

LOS MOVIMIENTOS DE LA VANGUARDIA ARTÍSTICA DE LA PRIMERA MITAD DEL

SIGLO XX; “VANGUARDIAS HISTÓRICAS”

EL FAUVISMO. (1905-1909)

- Autonomía del color que deja de ponerse al servicio de la representación naturalista de las
cosas mediante el modelado de la forma. Color como base de la expresividad pictórica —>
postimpresionismo.
- Categoría emocional del color, del que el artista se vale para plasmar cómo “ve” el mundo.

Será el primer gran movimiento de las vanguardias artísticas. El lugar en el que se da a conocer es en
el Salón de otoño, donde un grupo de pintores presentará un conjunto de cuadros unificados que la
historia del arte conoce como fauvistas. El salón de otoño será un saló, una exposición anual en
París, donde los pintores más novedosos pondrán sus obras a cara al publico; esto quiere decir que
estas pinturas modernas ya tenían un sitio en el que se podrán publicar.

Estos ismos van asociados a colectivos de artistas, que tienen unas ideas parecidas.

Un critico escribió una crítica insultante al respecto de la pintura de los fauvistas. Título la critica
Donatello entre las fieras, fieras en francés siendo fauve.

Lo que caracteriza a la pintura fauvista: toman el color más libre y fiero, más desatado como medio
expresivo para construir la pintura. Los colores son contrastados, chillones, sin difuminados, planos.
El color se aplica con sentido constructivo, es decir, la mancha es la que te indica la forma. No hay
contorno que te separe las formas del contorno. El color es subjetivo, la naturaleza es reinterpretada
cromáticamente según el punto de vista del autor.
Los cuadros fauvistas no tienen tanta expresividad como otros movimientos. Son cuadros bastante
alegres, son de un carácter decorativo; tiene un sentido hedonista, es decir para disfrutarla. Al ver
los cuadros produce un gran placer visual. Es una pintura radiante, bonita.

Las grandes superficies de color contrastado viene de Gauguin, mostrando la influencia que tuvieron
los artistas postimpresionistas.

Henri MATISSE (1869-1954).

- Líder del movimiento, su obra proviene directamente de las experiencias postimpresionistas.

- El color como algo independiente de la forma; no existe una voluntad de representación
realista que busca emular la textura y la apariencia real de las cosas, sino que los objetos se
“construyen” pictóricamente mediante la aplicación de colores planos y no reales.

Es un pintor figurativo, no es abstracto.

La ventana abierta. Matisse. 1905.

La forma surge del color.

Mujer con sombrero. Matisse. 1905.

El rostro no se dibuja, sino que se colorea. El color es un medio libre que no está sometido a la
representación fidedigna de las cosas.

EL CUBISMO (1907-1914)

- El cubismo, desarrollado a la vez por Pablo PICASSO (1881-1973) y George BRAQUE (1882-
1963), atacó directamente la idea de cuadro tradicional, al romper con las últimas
convenciones clásicas de la representación pictórica proponiendo un nuevo lenguaje
alternativo al clásico.

Se inventa un lenguaje nuevo para la pintura.

- Las señoritas de Aviñón, pintado por Picasso en 1907 y antecedente directo del cubismo, se
convertirá en un verdadero manifiesto de un nuevo arte y una nueva estética en su violento y
radical alejamiento de la tradición pictórica.

Las señoritas de Aviñón no es cubista, pero antecede lo que luego será el cubismo. Pablo Picasso
tiene como antecedente a cezanne, en cuanto la simplificación de las formas y la aplicación de
diferentes perspectivas de un objeto. Esencialización geométrica y superposición de planos. No hay
claroscuro, no efectos de luz, no se quiere plantear el volumen real de las cosas. Hay un
descoyuntamiento bidimensional.

Las fuentes de inspiración de Picasso tiene que ver con elementos de los pueblos más exóticos como
máscaras africanas, utilizadas para los rostros de las mujeres. Es evidente que la plenitud geométrica
de los rostros también se inspira de esculturas del románico. Todo aquellos que sea una alternativa
de lo clásico le interesa a Picasso.
Picasso obliga a crear o por lo menos ver una nueva forma de belleza al utilizar esta nueva forma de
hacer la pintura.

EL CUBISMO ANALÍTICO

Hombre con clarinete. Picasso. 1911.

Mesa Pedestal. Braque. 1911

- La primera fase del cubismo consolidada en 1909 por Picasso y Braque recibe el nombre de
“cubismo analítico”. En ella, la figura se quiebra en una infinitud de planos pictóricos que
muestran diversos ángulos de visión simultáneamente, sin centro focal “organizador”. El
fondo se mezcla con el motivo —> planitud y bidimensionalidad. Pequeño formato y paleta
limitada a ocres entonados.

El cubismo utilizan motivos tradicionales como retratos o bodegones para rodear el objeto natural y
contemplar todos los puntos de vista, descomponiendo el objeto en todos esos planos y
plasmándolos en una pintura bidimensional. Así evitamos el punto de vista único como es la
perspectiva monofocal.

Al superponer todos esos puntos de vista, este primer cubismo es muy difícil de interpretar. No hay
mucho color y no es muy emocional. El cubismo aporta movimiento debido a esa rotación que
realizas sobre el objeto.

EL CUBISMO SINTÉTICO

Naturaleza muerta con silla de rejilla. Picasso. 1912.

- Introducción en la composición de elementos extraños a la pintura —> La actividad pictórica

como “construcción”.

Introducen en los cuadros cubistas trozos de papel, es decir, el collage. La relevancia de hacer hueco
en un cuadro de algo más allá de la pintura es muy importante porque se está enfrentando a la
tradición.

Una cuerda que no se podría pensar que formaría parte de una obra artística, Picasso la dignifica
como obra de arte al introducirla en una pintura suya. Pintar ya no es solo utilizar pintura sino
tambien la disposición de objetos y cosas. Un objeto artístico puede en una amalgama de objetos y
cosas que en un principio no son artísticos, extraños.

El utilizar papel les da una pauta de hacer figuras más amplias y decolores más planos, es una
armónica composición. Todo esta perfectamente medido u casi a la manera de rafael. El cubismo
sintético introduce el color

- La experimentación con la técnica del papier collé lleva a partir de 1913 a una nueva fase del
cubismo, llamado ahora “sintético”, caracterizada por la aparición de grandes superficies
geométricas mejor delimitadas desde el contorno y dispuestas de manera “compositiva”
sobre el lienzo —> mayor “legibilidad” de la obra.