Tema 3. Arte renacentista del Cinquecento. Arte II: Moderno y Contemporáneo.

Miguel Gámez Ruiz. Grado en Historia. Curso 21-22.

Tema 3. Cinquecento italiano

El centro político y artístico de este periodo se sitúa en Roma, en detrimento de una

Florencia que pierde su preponderancia, testigo que comienza a recoger Venecia. La
primera mitad del siglo XVI se caracteriza por la búsqueda del sentimiento de medida y
equilibrio, anhelos que se verán truncados en la segunda mitad de corte manierista.

3. 1. Arquitectura

En este periodo se imponen las plantas centralizadas. Destacan una serie de autores bien
diferenciados entre sí.

-Donato Bramante: su obra en este periodo está dominada por la simplicidad

arquitectónica de Alberti, entendiendo este arte como un puro contraste de vacíos y llenos.
Sus obras más señalables son el Palacio de la Cancillería, el templete de San Pietro in
Montorio, de plan circular como los templos romanos y un remate cupular. También
realizó un plan central flanqueado por torres para la Basílica de San Pedro en 1452.

-Miguel Ángel Bounarroti: fue quien finalmente realizó la obra de la Basílica de San
Pedro, siguiendo el plan de Bramante elevó una gran cúpula pesada y maciza, obligando
a que engrosase los pilares, los cuales chaflana para acentuar el espacio central. Del Papa
Paulo III recibió el arreglo del Capitolio, ordenó el espacio con tres edificios: los palacios
del Senado, del Capitolio y de los Conservadores. Otorgó a la plaza del Capitolio una
unicidad armónica entre la dialéctica de las partes. Se ha señalado la impronta escultórica
de Miguel Ángel en sus obras pictóricas y arquitectónicas. Especial mención a la Escalera
de la Biblioteca Laurenciana, de entrada monumental y peldaños abiertos en abanico,
que genera el efecto de dilatación e ilusión propio de un Miguel Ángel manierista.

A partir del siglo XVI adquiere relevancia la ciudad de Véneto, lugar donde se produce
una revitalización del espacio interior, una mirada hacia el campo. La villa fue tenida
como una imagen de poder. A mediados del siglo se depuran la formas, comienza una
nueva forma de hacer arquitectura influida por el Concilio de Trento. Se busca ahora la
depuración de las formas, naciendo lo que se conoce como arte contrarreformista.

-Vignola: realizó numerosos encargos para los jesuitas, el más considerable la Iglesia del
Gesú, arquetipo de basílica de nave única, con capillas situadas entre los contrafuertes y
una cúpula sobre el crucero.

-Andrea Palladio: máximo representante del clasicismo romano en el país de Véneto. Se

formó como cantero y su característica fundamental es la creación de un tramo rítmico a
partir de la asociación vano-macizo, arco-arquitrabe y columnas de diferentes tamaños.

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Miguel Gámez Ruiz. Grado en Historia. Curso 21-22.

Hace un uso relevante de la columna exenta en sus obras, así como del orden gigante
como en el Palacio Valmarana y la loggia del Capitanio. De todas las villas que
construyó la más célebre es Villa Capra, de planta cuadrangular. Se ajustó al principio de
simetría en el exterior y al de proporcionalidad interna en el espacio interior. Tuvo gran
influencia en la arquitectura inglesa del siglo XVII y posteriormente en la neoclásica.

3. 2. Escultura

- Características generales

1. El artista utiliza materiales de piedra, madera, terracota y bronce, logrando gran

perfección técnica. Hay un gran interés por las texturas de las superficies, con
acabados muy pulidos y tersos y en ocasiones muy expresivo.

2. La luz ilumina de forma homogénea y el color no suele aparecer. Se domina el

volumen, aunque existe un marco ilusorio de referencia y un punto de vista
preferencial hasta el manierismo. El relieve tiene carácter pictórico y se ajusta a
las leyes de la perspectiva lineal consiguiendo efectos de profundidad.

3. Los esquemas compositivos son simples y geométricos, basados en la clara

articulación y el equilibrio. El movimiento se aprecia en el contraposto y en la
tensión del movimiento en potencia.

4. La expresión es figurativa, naturalista e idealizada, con interés por la belleza

formal basada en las proporciones y en la armonia. Se domina la representación
del cuerpo humano y proliferan los tratados sobre las proporciones.

5. El plegado de los paños evoluciona en este periodo hacia una simplicidad

monumental. Se acentúa el naturalismo, la búsqueda de la representación de la
realidad, el interés por el hombre, su anatomía, así como un perfeccionamiento de
los conocimientos y medios técnicos.

6. Los temas son el hombre y la naturaleza con un contenido religioso o profano y

se multiplican los retratos de todo tipo.

Existe en terminos generales una preponderancia absoluta de la figura de Miguel Ángel,

al que se le añadirán Giovanni da Bologna y Benvenuto Cellini. En el Manierismo las
características fundamentales son el quebranto del ideal clásico, las proporciones se
rompen, las composiciones se desestabilizan buscando efectos de sorpresa y hay una
preferencia por el modelado de las figuras según el esquema serpentinata, una contorsión
de las formas en sentido de ascensión helicoidal, las musculaturas se exageran y se busca
la tensión e inestabilidad de las figuras.

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Miguel Ángel Bounarroti

Es sin duda el genio máximo de la escultura aunque trabajó también la pintura y la

arquitectura. Su calidad excepcional, su extraordinaria sabiduría frente a las formas del
cuerpo humano y la complejidad del espíritu hacen de Miguel Ángel el prototipo de
escultor universal capaz de expresar en mármol cualquier idea, concepto o proposito. Los
sentimientos más diversos se aprecian en sus obras, fruto de los cambiantes estados de
ánimo que embargaban al artista. Sin embargo, el más fuerte y dominante de estos estados
fue el dramatismo (terribilitá). Estudio los problemas del movimiento y de la composición
encontrando siempre ritmos nuevos. Se aprecia una gran monumentalidad en sus figuras
y una prodigiosa capacidad técnica. Como artista embeido en el neoplatonismo debido a
su gran capacidad de autocrítica abandonó numerosos encargos en lo que se conoce como
non finito. A pesar de que en sus inicios prefirió la técnica del trépano, se decantará más
adelante por el uso de un cincel dentado, que le permitía trabajar con mayor rapidez.

Su producción se divide en tres etapas

• Periodo de juventud (1491-1505)

Se sumerge en los tiempos clásicos bajo la dirección de Lorenzo El Magnífico. En el

relieve de la Batalla de lapitas y centauros hay una preocupación plástica, al contrario
que en la Madona de la Escalera para la cual realiza un tratamiento pictórico a partir de
técnica donatelliana y superposición de tres volúmenes. En su viaje a Bolonia recibe la
influencia de Jacopo della Quercia en su obra el Ángel del Candelabro. En Baco ebrio
acierta una anatomía dominada por la embriaguez. Sus obras culmen de este primer
periodo son La Piedad de San Pedro de Roma de belleza ideal, y la Madona de Brujas,
de carácter oval y en la que la Virgen se nos muestra melancólica y pensativa.
Imprescindible mencionar El David, colosal estatua que representa a un joven que estudia
a su rival, preparando las fuerzas para el asalto. Es la preparación para la acción, su
tensión y su mirada agresiva contrastan con El David adolescente y sereno del siglo XV.

• Período de madurez (1505-1534)

En esta fase de su producción inicia la disolución del ideal clásico y aparecen tendencias
tanto barrocas como manieristas. Obra importante de este periodo es el trazado del
Mausoleo del Papa Julio II, donde destaca El Moisés, obra capital de fuerza contenida
con reminiscencia del Laoconte, los Esclavos, y Lía y Raquel, que se cree que simbolizan
la vida activa y contemplativa. También trabaja en este período en los sepulcros de los
Médici, destacando las figuras de Julián y Lorenzo de Médici, y las alegorías del Día y
la Noche y el Crepúculo y la Aurora.

• Período de vejez (1548-1564)

En estos últimos años del artista, viejo y cansado, desilusionado por la pérdida de Vittoria
Colonna realiza una obra que nace manierista en la forma y en el espíritu. Va a terminar
su vida dejándonos un grupo de Piedades que reflejan su desgarrado espíritu. La carne
desaparece de los cuerpos; no hay sino formas secas y espíritu sublimado. El grupo más

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lacerante es el de la Piedad de la Catedral de Florencia, la Piedades Rondanini y la

Piedad Palestrina. El manierismo se había impuesto en Miguel Ángel, rompiendo la
armonía cuerpo y espíritu, que había sido siempre su norma de conducta.

- Bienvenuto Cellini

Fue un escultor manierista que le da a sus obras un tratamiento de orfebrería característico

a raíz de su formación. Escribió su propia biografía y un soberbio Tratado que recoge sus
conocimientos de técnica escultórica publicado en 1568. Debido a los excesos de su vida
privada se refugió en Francia, donde trabajará para Francisco I. En este periodo de su vida
realiza el Salero de Francisco I y la Ninfa de Fontainebleau para el castillo de Anet. En
su vuelta a Italia realiza para Cosme de Medici su Perseo. En último lugar realiza un
Cristo de mármol para el Escorial y un busto de Cosme I de gran detallismo.

- Giovanni da Bologna

Fue un escultor franco-flamenco que contribuyó al embellecimiento de jardines

florentinos con estatuas para sus fuentes, una de las más bellas es la Venus peinándose
del jardín de la Villa de Petraia. Otra de sus obras son la Fuente de Isoletto en el Jardín
Bóboli con representación clásica antropomórfica de los ríos Nilo, Tigris, Eúfrates y el
Océano. El Mercurio Volador en Bargello es considerado la más bella manifestación del
manierismo escultórico. También realiza el Neptuno, remate de una fuente que es alarde
de elegancia curvilínea. En el Rapto de las Sabinas presenta un esquema vertical y lineas
abiertas. En la Villa di Patrolino representó al genio del Apenino, una obra de localización
desafortunada, pero de marcado carácter romántico por la íntima fusión con el paisaje.

3. 3. Pintura

- Características generales

1. El Cinquecento supone la culminación del proceso renacentista y por eso ahora la

pintura se centrará más en el contenido y en sí misma, adquieriendo un tratamiento
exclusivamente pictórico sin remitir a otras artes como la escultura.

2. El color se maneja de manera más suelta y en consecuencia pierde importancia el

dibujo y el contorno, desdibujado en ocasiones por la técnica del sfumatto. La
perspectiva se vuelve más natural sin ser tan geométrica y sin que haya tantos
planos.

3. Los paisajes se enriquecen con el nuevo tratamiento de la luz y ya no son siempre

la primavera y las praderas floridas. Los fondos de neblina, las rocas y los
crepúsculos aparecen en escena.

4. La composición es clara, con frecuencia triangular y en ella las figuras se

relacionan con la mirada y con las manos.

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Miguel Gámez Ruiz. Grado en Historia. Curso 21-22.

Leonardo de Vinci: ha sido considerado como uno de los más altos espíritus que ha
proporcionado la humanidad. Inventor del sfumato por el cuál se prescinde de los
contornos netos y precisos del Quattrocento, envolviéndolo todo en una especie de niebla
imprecisa que difumina los perfiles y produce una impresión de inmersión total en la
atmósfera. Sus formas son más pictóricas y más sueltas, su pintura es la gradación de
luces y sombras a las que se subordina el color. Entre sus obras destacan: la Sagrada
Cena, de enorme interés en el estudio psicológico de los apóstoles ante las palabras de
Cristo. La Giocconda, retrato enigmático y de misteriosa impasibilidad. La Vírgen de las
Rocas y La Vírgen con Santa Ana y el niño.

Rafael Sanzio: es el artista que mejor representa la perfección del clasicismo. Su estilo
evoluciona en contacto con sus contemporáneos. De Perugino toma los modelos de
delicadeza extrema y ordenación compositiva simétrica y en planos paralelos
(Desposorios de la Virgen). De Leonardo da Vinci adquiere su composición triangular y
equilibrada, el uso del esfumato. Por último de Miguel Ángel, su grandiosidad
monumental como se aprecia en los Frescos del palacio del Vaticano. Entre ellos hay que
destacar El Incendio del Borgo y La Escuela de Atenas.

Miguel Ángel: sintiéndose fundamentalmente escultor en su pintura concede gran

importancia al dibujo anatómico y al volumen, desdeñando el paisaje y el colorido,
ateniendo sobre todo a construir figuras poderosas en actitudes díficiles que le permiten
realizar alardes compositivos a partir de violentos escorzos y movimientos. Su obra
maestra la realiza en Roma por orden del Papa Julio II, la decoración de la bóveda de la
Capilla Sixtina. Ella consta de 350 figuras gigantes fingiendo una arquitectura para no
mezclar las escenas, se trata de una suerte de cuadratura o arquitectura fingida.

Obras menores son El Tondo Doni, la Batalla de Cascina y los frescos de la Capilla
Paolina del Papa Paulo III. En su periodo de madurez, recibió el encargo de completar la
Capilla Sixtina con el enorme Juicio Final del testero, obra de derbordado dramatismo y
una violencia pesimista que puede considerarse ya manierista. Las figuras se enroscan
sobre sí mismas, los músculos se hinchan y hay un sentimiento general de retorcimiento
en un espacio que voluntariamente no queda definido. La figura de Cristo aparece como
un Dios vengador, y la Virgen queda representada acobardada por su brazo vengador.