Historia del Arte IV

2023

4TO 2DA TURNO NOCHE

Parcial Nro. 1

Docente: Julieta Capece

Alumnos: Hernan Carterey, Efren Espinoza

Parte A.

1. Breve análisis de “Manifesto”

“Manifesto” del director Julian Rosenfeld, es una película interpretada por la actriz Cate
Blanchett que recorre 13 monólogos dados en distintos escenarios. Durante estos monólogos
el guión va retomando y combinando manifiestos artísticos y políticos que han influido en la
historia del arte como por ejemplo el manifiesto Dadaista de Andre Breton, Tristan Tzara. El
manifiesto futurista de Filippo Marinetti, el manifiesto Suprematista de Malevich, entre otros.
Es interesante la manera en que Rosenfeld plantea este recorrido enlazando manifiestos ya
que si bien representa un desafío,al ser una propuesta narrativamente no convencional, refleja
lo importante que son las rupturas que han planteado los movimientos vanguardistas del siglo
XX en las diferentes expresiones y lenguajes del arte.

2. Rastrear e identificar, entre todos los movimientos abordados, los

siguientes:
FUTURISMO, EXPRESIONISMO, SUPREMATISMO, SURREALISMO,
DADAISMO.

- FUTURISMO

Cate Blanchet interpreta a una

corredora de bolsa en una oficina
de varios pisos llena de
computadoras.

En esta escena el monólogo recorre principalmente el manifiesto de Filippo Marinetti

(1909) que se entrelaza con el manifiesto de los pintores futuristas (1910), “la
antitradicion Futurista”de Giullaume Apollinaire (1913) y “Nosotros: variante de un
manifiesto” de Tziga Vertov (1920).
Algunas referencias importantes que podemos señalar :

I. Queremos cantar el amor al peligro, a la fuerza y a la temeridad. (F.M)

II. Los elementos capitales de nuestra poesía, serán el coraje, la audacia y la
rebelión. (F.M)
III. Contrastando con la literatura que ha magnificado hasta hoy la inmovilidad de
pensamiento, el éxtasis y el sueño, nosotros vamos a glorificar el movimiento
agresivo, el insomnio febriciente, el paso gimnástico, el salto arriesgado, las
bofetadas y el puñetazo.(F.M)
IV. Declaramos que el esplendor del mundo se ha enriquecido de una belleza
nueva: la belleza de la velocidad. Un automóvil de carrera con su vientre ornado de
gruesas tuberías, parecidas a serpientes de aliento explosivo y furioso... un
automóvil que parece correr sobre metralla, es más hermoso que la Victoria de
Samotracia. (F.M)

- SUPREMATISMO

En esta escena Cate Blanchett

interpreta a una científica que
recorre un laboratorio hasta
llegar a una cámara de sonido.

Se destacan durante el monólogo escritos y manifiestos de Kazimir Malevich, Naum

Gabo / Anton Pevzner, Olga Rozanova y Aleksandr Rodchenko.

Referencias que podemos señalar:

“El arte precisa de la verdad, no de la sinceridad.” (Kazimir Malevich, 1916.)

“El arte no debe avanzar hacia la simplificación o la abreviación sino hacia la complejidad”
(Naum Gabo /Anton Pevzner ,1920.)

“ Los objetos murieron ayer, nosotros somos los creadores de la no-objetividad” (Aleksandr
Rodchenko,1919.)

- DADAISMO

Cate Blanchet realiza un

discurso en un funeral y
aborda los manifiestos
dadaístas.

El guión del monólogo recorre y entrelaza :

- Manifiesto Dada de Tristan Tzara.

- El señor AA El antifilósofo de Tristan Tzara.
- Manifiesto Caníbal Dadá de Francis Picabia.
- Los placeres de Dada de Georges Ribemont
- Al público de Georges Ribemont
- Cinco medios penuria dada o dos palabras de explicación de Paul Eluard.
- Manifiesto Dada de Louis Aragon.
- Manifiesto dadaísta de Richard Huelsenbeck.

Referencias para señalar de la escena :

“Dada no significa nada” ( T. TZARA, 1918)

“ La única palabra que no es efímera es la muerte” ( F. PICABIA,1920)
“Aprecian demasiado aquello que les enseñaron a apreciar” ( G.RIBEMONT,1920)

“ Yo estoy contra los sistemas, el único sistema todavía aceptable es el de no tener

sistemas. Abolición de la lógica: DADA. Abolición de la memoria: DADA. Abolición
de la arqueología: DADA. Abolición del futuro: DADA.” (T.TZARA,1918)

https://arteydisegno.files.wordpress.com/2010/02/manifiesto-dadaista-1918.pdf

- EXPRESIONISMO

La actriz interpreta a la CEO

de una empresa y da un
discurso.

El monólogo de esta escena recorre:

- Prefacio al almanaque de el jinete azul de Wassily Kandinsky y Franz Marc.
- Lo sublime es ahora de Barnett Newman.
- Manifiesto de Wyndham Lewis.

Referencias para destacar de la escena:

“Una gran era ha comenzado: El despertar de la espiritualidad, la tendencia

creciente a recuperar el balance perdido, la necesidad inevitable de raíces
espirituales, el despliegue de la primera flor. Estamos parados en el umbral de una
de las mayores épocas que la humanidad haya experimentado, la época de la gran
espiritualidad” (W.KANDINSKY,F.MARC,1912)
“La imagen que producimos es tan evidente como una revelacion, real y concreta,
que puede ser comprendida por cualquiera que la vea sin los anteojos nostalgicos
de la historia. Lo sublime es ahora.” (B.NEWMAN 1948)
“ No es necesario ser un bohemio abyecto,estar desaliñado o ser pobre, mas de lo
que es necesario ser rico o famoso,para ser artista. El arte no tiene nada que ver
con el saco que tengas puesto.” (W.LEWIS,1914)

- SURREALISMO

La actriz interpreta una

titiritera en su taller, en el
cual termina un títere igual a
ella.

En esta escena recorre diversas citas de los manifiesto surrealistas, de dos formas;
desde una voz en off, que podemos interpretar como su pensamiento, su
inconsciente, su alter ego. Posteriormente ella utilizando el títere con su voz,
interpretando un automatismo poético, que es el recitado textual, de una cita, del
primer manifiesto surrealista de Bretón, 1924.

3. Seleccionar uno de los movimientos anteriores y hacer un análisis denso

del mismo, valiéndose de las relaciones con la película, el manifiesto y
demás bibliografía específica.
Surrealismo:
(Carterey, Hernán Javier)

El movimiento surrealista nace después de la primera guerra mundial, con el primer

manifiesto publicado por el poeta y crítico Andre Breton, en París; Manifiesto del
surrealismo, 1924. Si bien en 1917, el término surrealismo fue manifestado por
primera vez por medio de Guillaunme Apollinaire( poeta, dramaturgo, teórico y
crítico de arte), Bretón decide este título en homenaje a él y sus palabras, quien se
había referido, en su crítica, a una obra de ballet, Les mamelles de Tirésias, como
surreal, refiriéndose al hecho poético de descripción de la obra, que en parte
coincidían con su principio que va ir evolucionando en los sucesivos años.
Este mismo movimiento artístico nace como un movimiento literario, poético en el
cual las pintura y la escultura se conciben como consecuencias plásticas de la
poesía.
En 1925, luego del primer manifiesto, los surrealistas toman una postura política
ligada al Partido Comunista Francés. Hasta que en 1933, tras las diferencias entre
los mismo surrealistas y el Partido Comunista Francés, Breton y Eluard abandonan
este último, uniéndose en España, contra el fascismo Franquista, a estos y el
movimiento surrealista.
El movimiento surrealista es influenciado o se podría decir que nace entre las bases
del dadaísmo. Si bien ambos movimientos lo que intentan una libertad de expresión,
en controversia con el dadaísmo, donde la negación, el rechazo, lo espontáneo, la
crisis, que eran producidos por el acontecimiento de la guerra y el derrumbamiento
social posguerra, el movimiento surrealista, propone una liberación del espíritu,
como una solución, una unidad entre dos mundo, el arte y la sociedad, el mundo
exterior y el interior, entre la fantasía y realidad, para llegar a una realidad absoluto,
de surrealidad. Por medio de herramientas tanto experimentales como científicas,
apoyadas en la filosofía y la psicología. Para señalar esto fundamentos, esta nueva
estética que propone, voy citar del texto de Mario De Micheli, Las vanguardias del
siglo XX, un párrafo de P Eluard, donner a voir;
Los poetas dignos de este nombre, como los proletarios, se niegan a ser explotados. La poesía
verdadera está en todo lo que no se ajusta a esta moral, a una moral que, para mantener su orden y
su prestigio, no sabe hacer otra cosa que construir bancos, cuarteles, cárceles, iglesias y prostíbulos.
La poesía verdadera está en todo lo que libera al hombre de este bien espantoso, bien que tiene un
rostro de muerte. Se halla en la obra de Sade, de Marx o de Picasso, como en la de Rimbaud,
Lautréamont o Freud. Se halla también en la invención de la radio, en la explotación del Tcheliuskin,
en la revolución de Asturias y en las huelgas de Francia y de Bélgica. Puede estar tanto en la fría
necesidad, la de conocer o comer mejor, como en el gusto de lo maravilloso. Desde hace más de
cien años los poetas descendieron de las cimas en que creían estar y caminaron por las calles,
insultaron a sus maestros; ya no tienen dioses, se atrevieron a besar en la boca a la belleza y al
amor, aprendieron los cantos de rebelión de la muchedumbre miserable y, sin dar muestras de
disgusto, tratan de enseñarle los suyos propios.
Esta cita nos abre a la nueva mirada, a la intención de una reconstrucción, una
solución, un mirar hacia el otro, por encima de lo personal, hasta una solución
colectiva, dentro de la crisis de la posguerra.
Bretón, en su manifiesto, va a definir; el surrealismo es automatismo psíquico puro,
por cuyo medio se intenta expresar, verbalmente, por escrito o de cualquier otro
modo, el funcionamiento real del pensamiento. Es un dictado del pensamiento, sin la
intervención reguladora de la razón, ajeno a toda preocupación estética o moral.
Las teorías de Freud, y el trabajo sobre diferentes técnicas visuales y/o narrativas
podía inducir al incidente y a los sueños y habían calado hondo en Bretón. Para
este locura era la única manera de encontrarnos con la realidad, donde sostenían
que había un apartado en la mente humana, llamado la parte oscura, donde se
hallaban todos los pensamientos y sentimientos más puros del ser humano, para
poder sacarlos a la luz y tener un resultado diferente a lo “normal”. Para poder
realizar sus obras unas de las características principales va a ser trabajar desde el
inconsciente, lo onírico, el psicoanálisis. Algunos artistas se basan en sus sueños y
pesadillas para plasmar sus obras, exceso de estupefacientes en otros casos, llevar
una mala alimentación para sentirse más débil y así componer.
Otra de las características más importantes es el Automatismo. Si bien el dadaísmo
también utilizaba esta técnica para la composición poética, esta era manos psíquica
y más mecánica, lo cual Breton propone; en 1er lugar un sitio más propicio para la
concentración del espíritu. Entrar en un modo más perceptivo y prescindir de
nuestro intelecto e ingenia como así el del otro también. comenzar a escribir sin
tener que reparar en lo que escribimos, sin que entre la razón en juego. Así lograr
que el consciente no logre exteriorizarse. La espontaneidad era fundamental para el
surrealismo.
Con respecto a la pintura Bretón expone que el error del hombre y del artista es que
el modelo solo se podía tomar del mundo exterior y reproducirlo tal cual es y pone
en revisión los valores reales que nos inspiran, que de un modo están en nuestro
interior. El objetivo es romper con la lógica convencional, dando por resultado el
crear un mundo donde sea libre, donde no haya inhibición. la fusión entre la realidad
y el sueño donde le va a devolver al hombre toda su integridad.
La imagen surrealista viola las leyes del orden natural y social. Toma términos de la
realidad que parecen imposibles de convivir, provocando en el espectador tal shock
que hace que su imaginación se introduzca por los caminos de la alucinación y el
sueño.
Otras técnicas utilizadas eran la del fotomontaje o collage. donde creaban un
escenario utópico de realidad de dos elementos distintos que parecían que no
pueden convivir, como dijimos anteriormente, con el fin de provocar la irritabilidad de
las facultades del espíritu.
Max Ernest, propone otra característica con la técnica llamada frottage, la cual
consiste en la utilización de una hoja de papel sobre una materia, y de allí nacen
nuevas serie de imágenes inesperadas.
El erotismo es otra de las características importantes para el surrealismo, ya que las
obras debían representar esos deseos más reprimidos del ser humano. Jugando
con la sexualidad, erotismo, temas tabues y bizarros, ya que para estos el sexo era
otra forma de liberar el inconcienete.
Lo curioso a destacar de este movimiento es que no es posible encajarlo en un
relato discursivo específico, si bien el surrealismo busca un mismo fin, los
procedimientos son indefinidos, cada artista le aporta su “toque” distintivo, como
dice M. De Micheli, el surrealismo se define como actitud del espíritu hacia la realidad y la vida,
no como un conjunto de reglas formales ni de medidas estéticas. Para el surrealismo, en suma, es el
contenido lo que decide, es su verdad, es su fuerza. También los medios expresivos que el
surrealismo investigó experimentalmente pretendían ofrecer al poeta y al artista la mayor posibilidad
de exteriorizar la verdad interior sin que nada la mortificara ni la obstaculizara.
El grupo finalmente se disuelve en 1938, si bien Bretón insistió en mantener la unión
del movimiento, hizo lo posible por mantener separadas el alma social y el alma
individual, la cual estaba en desacuerdo que eran esencial mentes distintas, la cual
muchos de los miembros no estaban de acuerdo. Una vez separados Bretón
estrecha sus lazos con Trotski, refugiándose en México, en la casa del artista
Rivera.
Expresionismo
(Espinoza, Brian Efren)

El expresionismo se desarrolla a principios del siglo XX y tiene su surgimiento en

Alemania. Fue un movimiento que buscaba romper el academicismo y naturalismo
predominante en los salones y en poder expresar la subjetividad del artista a través
las formas exageradas, pinceladas dinámicas y colores intensos. Sus dos grandes
exponentes fueron el Grupo Die Brücke ( El puente) y Der Blaue Reiter (El jinete
Azul).

Die Brücke:

El grupo Die Brücke iniciado en 1905 en Dresde, Alemania, fundado por Ernst
Ludwig Kirchner, Erich Heckel, Fritz Bleyl y Karl Schmidt-Rottluff más tarde se
integraron otros artistas como Emil Nolde y Otto Muller.
El objetivo era romper con los convencionalismos artísticos de la Alemania de ese
momento donde el impresionismo y post impresionismo había penetrado con retraso
y donde el fauvismo aún no había logrado introducirse. Poder generar un arte más
auténtico y emocional era imperioso y corrientes anti academicistas de jóvenes
lograron aglutinarse. Kirchner influenciado por el grupo Phalanx de Kandinsky
abandona sus estudios de arquitectura en Dresde y se une a otros tres estudiantes
para fundar al año siguiente Grupo Die Brücke. Dresde era una ciudad burguesa
que no había sufrido la transformación dramática de la revolución industrial y en
donde las nuevas olas del modernismo conviven con un fuerte pasado rococó y
barroco. En sus obras el grupo Die brücke abordó temas sociales como la guerra y
retratos de la vida urbana moderna, sus inicios tuvieron una fuerte influencia de la
xilografía que logró encauzar una pintura de gran carácter.
Sus características:
- Comparte el temperamento jovial antiacadémico del Jugendstil, pero se
opone a su espíritu optimista.
- Buscan un arte intuitivo como expresión vital del sujeto inmerso en esta
nueva vida.
- Esta expresión es, en general, de angustia, alienación, rebeldía e
inconformismo. En este sentido,emerge como un proyecto vanguardista,
marcado por un espíritu de protesta anti-burgués.
- Estaban más preocupados por los procesos de la creación que por los
productos acabados.
- Prevalecía el espíritu de comunidad , muchas veces no firmaban sus obras.
- “Uno de los objetivos del Puente es atraer a todos los elementos
revolucionarios y progresistas, eso significa su nombre” (Carta a Nolde,
1906).
- Xilografía: es la producción más importante, no sólo como praxis en sí
misma, sino porque resulta decisiva para la consolidación de sus lenguajes
pictóricos. Inspirada en xilo tardomedieval alemana y Munch.
- Su pintura no es casi nunca agradable, ni hedonista ni brillante. Siempre hay
algo de estridente, grosero y hasta de híbrido.​ Desde el comienzo era
evidente que para ellos el CONTENIDO SUPERA AL APREMIO DE LA
PERFECCIÓN FORMAL.
Kirchner, noche de Berlín, 1913.

Kirchner es el artista del grupo Die brücke que logra una imagen verdadera y nueva
figurativa original, es el poeta de la vida artificial de las calles. Su pincelada vibrante
y dinámica son semejantes a un resultado de imperceptibles descargas nerviosas.
Sus personajes son seres rígidos y automáticos con una tensión y carácter
antinaturalista y misterioso.La proporción de sus personajes se realiza en función
del cuadro y no sobre un tradicionalismo general de construcción. La obra que
desarrolla Kirchner en 1910 y 1911 es un buen ejemplo del tono diferencial que
adopta en el puente la influencia colorista del fauvismo.
La Expansión del grupo Die Brucke se da en 1906 fuera del circuito del arte y su
primera exposición se da en una fábrica de lámparas donde Heckel había construido
una sala de exposiciones y Kirchner aporta el primer manifiesto que dice:

“ Con fe en el progreso y en una nueva generación de creadores y

disfrutadores,convocamos a toda la juventud. Como jóvenes que somos, llevamos
en nosotros el futuro y queremos inventar libertad de vida y movimiento, frente a las
viejas fuerzas establecidas. Todo aquel que comunique con franqueza y autenticidad
lo que le impulsa a la creación, es de los nuestros “

Las primeras obras del puente no están completamente independizadas del

ambiente post impresionista, mientras que los grabados, a través del trabajo con la
línea y de la influencia de Grunewald a Munch, van generando un lenguaje
diferente. En la litografía de la exposición hace su aparición el trazo anguloso y la
síntesis distorsionada de una figura violenta que sugiere un sentimiento tortuoso
ambiguo y frágil.
El desarrollo entre 1907 y 1910 se da en torno a el estilo sinuoso y dramático con
influencia de Munch propio de los grabados,trasladado a la pintura. Esto puede
verse reflejado en Calle de Berlín de Kirchner. Die brücke se diferencia del fauvismo
en aspectos tonales y una composición espacial que combina figuras en reposo
amenazante con el peso de un vacío incongruente. En 1906 y 1907 la segunda
exposición es solo de grabados, en la misma se incluyen obras de Kandinsky.
Pechstein funda en Berlín la Nueva secesión y son invitados a exponer. Gracias a
esta exposición el grupo logra tener una gran atención pública.
En 1910 sucede la 3ra exposición en Dresde, en la galería Arnold. Se publica su
primer catálogo. En tanto los demás artistas van migrando hacia la capital ya que
ofrecía un horizonte con mayor crecimiento.
Ya en 1911 todos los integrantes se hallan en Berlín, Pechstein, que fue el primero
en retirarse de Dresde en 1908 era considerado el líder del grupo ya que la imagen
de su pintura era más fácil de digerir. Una vez instalados en Berlín cada integrante
desarrolla un estilo más autónomo y las competencias individuales se acrecientan y
generan la ruptura del grupo en 1913. Existía una rivalidad entre Pechstein y
Kirchner que aspirando a ser el lider del grupo compone a modo personalista la
Chronik del Brücke, provocando el descontento, rechazo y posterior retirada del
resto del grupo.

Der Blaue Reiter:

El jinete azul fue fundado en Munich, Alemania, en 1910. Integrado por los artistas
Vasily Kandinsky,Franz Marc y Paul Klee, entre otros. Este grupo centraba su
producción en trascender la realidad visible y explorar lo abstracto como vehículo de
lo espiritual en sus obras. Sus paletas eran de colores intensos, vibrantes y
utilizaron formas simbólicas para representar emociones y conceptos más allá de la
representación literal. Su principal exponente fue Kandinsky, que en los años
previos ya alternaba en su producción un impulso abstracto y dinámico que sumado
al color trascendía la figuración. En 1910 se agrupa con Paul Klee y Franz Marc bajo
el nombre del Jinete Azul,El nombre viene del amor de Kandinsky por los jinetes y
de Marc por los caballos (los consideraba bellos) y del color azul. El grupo se
disuelve el 1914 con el estallido de la Primera Guerra mundial, Ese mismo año se
organizo su ultima muestra.

Ideas estéticas de Kandinsky

La falta de linealidad en el proceso de su producción refleja la complejidad de sus

ideas:
1. Que la abstracción no es un camino único sino uno de los caminos posibles para
la expresión de las emociones. Der blaue reiter no se propone como un estilo o
movimiento : “nuestro propósito es mostrar en
la variedad de las formas representadas, que el deseo interior del artista da como
resultado una
multiplicidad de formas”.
2. Que la abstracción carece de valor si se la considera mera’ desde el punto de
vista formal: las formas deben ser un vehículo de materialización de lo espiritual. La
abstracción no es sólo un
método pictórico, implica todo un trabajo sobre las resonancias emotivas y
espirituales que provoca
el color. (Tener en cuenta que en 1912 escribe “De lo espiritual en el arte”).

La abstracción

La discusión sobre el origen autoral de la abstracción probablemente no tenga

sentido, ya que precisa la confluencia de experiencias similares en distintos puntos
de Europa es síntoma de un fenómeno más amplio que excede a las experiencias
individuales. Tal vez lo que distingue a Kandinsky como protagonista de este paso
del arte moderno sea la profundidad y solidez del pensamiento teórico estético que
él asocia 'íntima’ a la experimentación con la abstracción.

Expansión del jinete azul

1912: 2da exposicion, concentrada en grabados y acuarelas, pero abarcó un radio

internacional amplio, atrayendo obras del Puente, Cubismo y los principales artistas
modernos rusos, así como al suizo establecido en Múnich,Paul Klee.
Una de sus producciones claves fue el Almanaque “El Jinete Azul”. La reunión de
materiales de esta pieza reflejan las ideas sobre el arte del grupo:
1. Rechazo de las convenciones de la historia del arte ocidental. Muestran ejemplos
de arte primitivo así como dibujos infantiles.
2. Rechazo de los criterios jerárquicos de la historia del arte vinculado al rechazo de
las categorías de clasificación que separan a las distintas artes.
El Almanaque reunió pinturas, ensayos teóricos, contribuciones de Schoenberg. El
2do volumen se planeaba no sólo como síntesis de las artes sino también como
diálogo entre artes y cs, fue interrumpido por la primera guerra mundial.
En 1910, H. Walden crea la revista Der Sturm, donde se populariza la etiqueta
“expresionismo”. Una de las iniciativas más relevantes de la revista fue la
introducción del Futurismo, no sólo sus obras sino también sus manifiestos. Además
de la revista, Walden propicia cantidad de actores tendientes a estimular y difundir el
nuevo arte.
La diferencia con Die Brucke es que no aceptan la poética del Puente. El instinto, el
temperamento y las raíces fisiológicas de la inspiración no les persuaden. Tendían
más a una purificación de los instintos y no a desencadenarse sobre el lienzo.
Buscaban un modo de captar la esencia espiritual de la realidad​. Así, tienen una
orientación marcadamente especulativa, no adoptan actitudes bárbaras, sino
refinadas y casi aristocráticas.

Primer Salon de Otoño Aleman

La Secesión berlinesa decide hacer un S.O. al modo parisino. Walden se hace cargo
del mismo. La tendencia general apunta hacia la abstracción con algunas ramas del
postcubismo francés, el futurismo italiano,las vanguardias rusas, Mondrian,
Kandinsky y otros de Alemania.
KANDINSKY

- Para él, la historia de la humanidad está toda encerrada en una marcha

ascética del materialismo al
espiritualismo. Del mal al bien, de la oscuridad a la luz, de la angustia a la felicidad.
El arte no debe hacer un camino distinto: del pesado y humillante fardo de la
realidad material a la abstracta libertad de la visión pura​.
- “Cuanto más espantoso se vuelve este mundo, tanto más el arte se vuelve
abstracto, mientras que un mundo feliz crea un arte realista”.
- Para él, el color es el medio que ejerce una influencia directa en el alma → el
color es la tecla, el alma es el piano. El artista es la mano que, al tocar las
teclas, pone el alma en vibración. El artista debe tender a la adecuación de
las teclas.
- El dinamismo de los colores, el color en sí mismo, está ligado a la forma →
un color ilimitado (sin forma) sólo se puede pensar, pero no plasmarlo en el
lienzo ⇒ entre forma y color hay una inevitable y recíproca interacción​.
- La obra se convierte en un mundo en sí mismo, ya no es el equivalente de
un contenido preexistente, sino que ella misma es un contenido nuevo y
original que actúa en nosotros a través de la vista, suscitando en nuestra
interioridad vastas y profundas resonancias espirituales.
- También sostenía que la realidad objetiva podía mirarse “abstracta’”, o sea,
prescindiendo de la función que las cosas se ven obligadas a desempeñar en
la mortificante rutina.
PAUL KLEE
- Según él, el artista debe convertirse en una especie de médium en
comunicación con el seno de la naturaleza. Su aspiración debe ser integrarse
en las fuerzas creativas de la naturaleza de modo que, a través de él, ésta
pueda crear fenómenos nuevos, nuevas realidades y nuevos mundos.
- A diferencia de Kandinsky, está convencido de poder penetrar la corteza del
mundo fenoménico, cómo está convencido de que el arte puede captar el
sentido creativo de la naturaleza de modo directo.
- Kandinsky: el mundo objetivo es infranqueable, entre el mundo objetivo y la
esfera del arte no hay contacto → el arte no puede ser más que abstracto.
- Su lenguaje rechaza la abstracción absoluta.
 - Kandinsky tiende a suscitar en el alma resonancias mediante puros ritmos
formales, puras vibraciones cromáticas.
- Klee tiende a expresarse siempre por alegorías, analogías y símbolos.
- Kandinsky: opone espíritu y materia.
- Klee: afirma una continuidad del universo.
- Kandinsky: sus primeras obras se llaman “Improvisaciones” → es un
impulso, un abandono lírico, un ímpetu, un entusiasmo musical lo que preside
el nacimiento de sus lienzos.
- Klee: sus cuadros están hechos de “economía” → la suya es una sutil
operación intelectual en la que también el sentimiento se hace agudo, nítido y
cristalino, en la que todo procede con medida.

FRANK MARC

- Vio en los ojos de los animales una inocencia que el hombre había perdido,
una comunión con los ritmos de la naturaleza de la que el hombre estaba
alienado, y los pintó como imágenes simbólicas,además de como objetos de
contemplación por medio de los cuales alcanzar la iluminación.
- Kandinsky y Jawlensky se apoyaron principalmente en el arte del fauvismo,
relativamente abierto a las emociones; Marc,Macke y Klee encontraron en
Delaunay un tipo de cubismo poético y constructivo, valoraban de él sus
armonías de color y estructura.

Kandinsky a partir de 1914

- 1913-14: obras con paleta más enfriada y experimentos con formas

geométricas. La guerra lo obliga a volver a Moscú, donde se incorpora en la
ctr oficial posrevolucionaria y donde se dan influencias mutuas con sus
compatriotas vanguardistas.
- 1921: abandona Moscú y va a Alemania. En el 22 es nombrado profesor de la
Bauhaus. Allí su obra continúa la tendencia hacia construcciones más sólidas
y estudiadas e investigaciones con las formas geométricas y colores
primarios.
- 1930: retorna a un estilo más lírico y libre, de formas biomorfas y
movimientos espaciales.