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Texto básico
Historia Mundial
Del Cine
(2020)
TOMO IV

Recopilación de textos e investigación adicional

Por: Marco A Domínguez de Dios

Centro Cinematográfico del Sureste Historia mundial del cine

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Géneros por estilo o tono

 Acción
 Aventura
Esquema de contenidos  Catástrofe
 Ciencia Ficción
 Comedia
o Precedentes
 Documentales
o Nacimiento del cine
 Drama
o Consolidación de un lenguaje
o El cine europeo de los 20  Fantasía
o El cine estadounidense de los 20  Musicales
o Consolidación del sonido  Suspenso
o La autocensura (El código Hays)  Terror
o Grandes estudios de EE.UU.  Pornográfico
o El cine europeo de los 30 y 40
o El cine estadounidense de los 40 y 50 Géneros por Audiencia
o El cine latinoamericano
o El cine europeo de los 50 y 60  AA Infantiles
o El cine japonés
 Familiares
o El cine estadounidense de los 60
 Juveniles
o El cine europeo contemporáneo
 Adultos
o El cine estadounidense contemporáneo

Géneros por Formato

Los Géneros Cinematográficos
 Animadas
Las 14 narattivas clásicas  Imágenes Reales
 Cine Mudo
 1 Documental  Cine Sonoro
 2 Biográfico  Cine 2D
 3 Histórico  Cine 3D
 4 Musical  Cine IMAX
 5 Comedia
 6 Infantil Géneros por Ambientación
 7 Western
 8 Aventura y acción
 Bélicas
 9 Bélico
 Contemporáneas
 10 Ciencia ficción
 Crimen
 11 Drama
 Deportivas
 12 Suspenso
 Gangsters
 13 Terror / horror
 Históricas
 14 Porno-erótico
 Policiacas
 Western
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 Religioso TOMO IV
 Épicas
 Futuristas
Diccionario técnico (Glosario)
Otros Sub-Géneros Cinematográficos
FILMOGRAFIA (Mencionada y/o Recomendada

 Cine Arte
 Cine de Autor
 Cine Independiente
 Cine de Culto
 Cine Alternativo
 Cine de Samuráis
 Cine Costumbrista
 Cine Experimental
 Cine de Artes Marciales
 Cine de Anime
 Cine Gore o Splatter
 Cine Slasher
 Cine Político
 Cine Propagandístico
 Cine Surrealista
 Cine Clase B
 Cine Clase Z
 Melodrama
 Cine Snuff
 Cine Spoof
 Cine de Zombies
 Cine Giallo
 Spaghetti Western
 Cine Negro

Escuelas y corrientes cinematográficas

o Surrealismo
o Expresionismo
o Neorrealismo
o Cinéma Vérité
o Nouvelle Vague
o Cinema Nôvo
o Free Cinema
o Vanguardia estadounidense
o Dogma 95

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DICCIONARIO TÉCNICO
DE CINEMATOGRAFIA
E INDUSTRIA AUDIOVISUAL
A
¡A positivo!: ¡A positivar! Orden que da un director cuando está satisfecho con
una toma, indicando que se envíe la película al laboratorio y que se haga una
copia positiva de ella. Generalmente la orden se anota en el parte.
Aberración: Imperfección del objetivo que produce una distorsión en la imagen.
Aberración cromática: Defecto de objetivo quehace que los colores se dispersen,
en lugar de en focarse en el mismo punto; la consecuencia esuna franja coloreada
alrededor de los objetos dela imagen.
Aberración esférica: distorsión esférica Defecto de una lente esférica producido
por su forma esférica, que permite que los rayos de luz procedentes de un punto
atraviesen sus extremos y se enfoquen más cerca de la lente que los rayos de luz
procedentesde un punto que atraviesan su centro. El resultado es una imagen
algo desenfocada, con las figuras cuadradas redondeadas. Este tipo de defecto
puede evitarse uniendo dos o más lentes esféricas con diferentes capacidades de
refracción para que se corrijan las unas a las otras, o utilizando una lente o
elemento flotante no esférico con la lente esférica.
Abertura: (1) Refiriéndose al objetivo, orificio, normalmente controlado por el
diafragma, que regula la cantidad de luz que atraviesa el objetivo yllega a la
película. (2) Refiriéndose a la cámara, ventanilla que determina el área expuesta
de cadafotograma. (3) Refiriéndose al proyector, ventanilla que determina el área
del fotograma que va aproyectarse en pantalla. (4) Refiriéndose a la positivadora,
orificio que controla la cantidad de luzque se expone sobre la película en el
proceso decopia.
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Abertura de diafragma: Abertura ajustable en laparte frontal del objetivo que el
diafragma contro la y que regula la cantidad de luz que atraviesa elobjetivo y llega
a la película. La abertura es importante para determinar no sólo la cantidad
deiluminación para la imagen, sino también la profundidad de campo: cuanto
más se cierra el diafragma, mayor es la profundidad de campo, especialmente
con los objetivos de gran angular. Ladistancia focal del objetivo, que determina
el aumento del sujeto que se filma, es también un factor importante para
determinar la cantidad de luzque llega a la película; debido a ello, el grado
deabertura se calcula mediante una serie de números f, que se obtienen
dividiendo la distancia focal por el diámetro efectivo más amplio. Véasenúmero
f, número t yobjetivo.
Abertura de la Academia: Relación entre el ancho yel alto en las aberturas de las
cámaras y proyectores de 35 mm que da lugar al fotograma de 4:3 ó 1:1,33,
estandarizado por la Academy of MotionPicture Arts and Sciences en 1972. Véase
relación de aspecto.
Abertura del proyector: Placa de abertura en laventanilla del proyector, a través
de la cual pasala imagen proyectada y que tapa la luz no deseada. La placa de
abertura puede cambiarse para acomodar distintas relaciones de aspecto.
Abertura efectiva: Relación entre la longitud focal de un objetivo y el ancho de
su abertura, limitadopor su diafragma. Esta relación se da normalmente en
números f.
Abertura máxima: Abertura máxima del diafragma del objetivo de una cámara;
por consiguiente,el número f más bajo.
Abertura reducida Tamaño de abertura en las cámaras y proyectores de 35 mm
que produce un fotograma con una relación de aspecto de 4:3(1:1,33), llamada
así porque fue necesario reducirel tamaño del fotograma de la película muda
paradejar sitio a la nueva banda de sonido y seguirmanteniendo la antigua
relación de aspecto (alprincipio se probó con una imagen cuadrada, perolos
resultados fueron insatisfactorios). A estas dimensiones se las conoce asimismo
con el nombrede abertura de la Academia, pues fueron estandarizadas por la
Academy of Motion Picture Artsand Sciences en 1932, mientras que el tamaño
delfotograma recibe el nombre de fotograma Movietone, ya que el sistema de
sonido Movietone precisaba de un área de estas características para laimagen de
la película.
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Abertura total: (1) Término que se aplica a un objetivo cuando el iris está en su
abertura máxima, permitiendo por ello que la máxima cantidad deluz atraviese el
diafragma. Para conseguir estaabertura máxima, se selecciona el número f
máspequeño del objetivo de la cámara.
(2) Abertura original del objetivo de la cámara y de la lente del proyector para
película de 35 mm antes de la llegada del sonido, que permitía que seutilizara el
área más amplia posible de la películapara la creación de un fotograma con una
relaciónde aspecto de 4:3.
Abogado especializado en entretenimiento: Abogado especializado en los
aspectos legales de los diversos medios de comunicación de entretenimiento,
especialmente en acuerdos contractuales, litigios, infracciones de la ley,
difamación, derechos deautor, y, a veces, en leyes antitrust.
Abrasión: Cualquier marca o arañazo en la emulsión de la película causada por la
tirantez del rollo o por alguna partícula que se haya desprendido de la emulsión,
dando lugar, generalmente, auna imperfección, a una distorsión o a una rayaen
la imagen.
Abrazadera de pared: soporte acoplado a una pared o a un bastidor para sostener
un foco.
Abrazadera de plató: Soporte y estabilizador parapartes del decorado que se une
al suelo y a la partetrasera de un bastidor o de un fragmento construido de
decorado. Esta abrazadera puede ser unabarra de metal o un fragmento de
madera con extremos planos, o un marco triangular de madera.
Abrazadera de tubos: Pequeño instrumento paracolgar luces y otros aparatos de
tubos de acero ovigas transversales.
Abrir: Aumentar la abertura del diafragma de unobjetivo de forma que pueda
llegar más luz a lapelícula. Esta operación se realiza seleccionandoun número f
más bajo en el anillo de calibración. Para cerrar el diafragma hay que realizar la
operación contraria.
Abrir zoom: Disminución de la longitud focal deun objetivo zoom durante la
filmación de un plano, de manera que la cámara parece alejarse delsujeto y éste
mengua continuamente de tamaño. Al «cerrar zoom» se consigue el efecto
opuesto.
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AAA: Artistas Argentinos Asociados fue una productora independiente creada en
1941, por el director Lucas Demare, los actores Francisco Petrone y Angel
Magaña, el productor Enrique Faustin, el actor y director Elías Alippi y Enrique
Muiño, a los que se sumaron los escritores Ulyses Petit de Murat y Homero Manzi,
Julio Ferrando, el ayudante de dirección Rubén Cavallotti, el escenógrafo Ralph
Papier, el director de fotografía Bob Roberts y el montajista Carlos Rinaldi. Era un
grupo de jóvenes apasionados que despotricaban contra el mercantilismo y la
alarmante falta de inquietudes. Creada en el marco de la época de oro del cine
nacional, su propósito era imprimirle un nuevo sesgo a ese cine: hacer buenas
películas con temas nacionales, pero que además fuesen comerciales. Estaban en
la búsqueda de una expresión cinematográfica auténtica. Tuvieron un control
total sobre sus materiales, como así también una gran claridad ideológica que
compartían. El sello estaba conformado por los aportes de sus fundadores y de
otros privados. La primera producción fue El viejo Hucha (L. Demare, 1942) y su
mayor éxito fue La guerra gaucha (L. Demare, 1942), cumbre del género épico en
la Argentina. La empresa cerró sus puertas en el año 1956.
Abstracto, cine: tuvo su auge en al década del veinte, en tiempos de las
vanguardias europeas, donde sus realizadores provenían de la pintura y la
música. Fue un cine que se declaró en contra de los modelos narrativos clásicos
provenientes de Hollywood. Para estos autores la creación se basaba en la
experimentación con los elementos esenciales del cine: la luz y el movimiento.
Un cine de imágenes y movimientos que no se aferraba a contar una historia
determinada. Los pintores dadaístas alemanes Walter Ruttman y Hans Richter,
junto al pintor sueco Viking Eggeling fueron los iniciadores del cine abstracto, al
inaugurar la escuela experimental alemana que nacía bajo el signo de la
abstracción y el geometrismo. Buscaban el ritmo de las formas puras y de la
música visual. Berlín, sinfonía de una ciudad (Ruttman, 1927) muestra imágenes
documentales de la ciudad, estructuradas como una secuencia temporal a lo
largo de un día. Representantes de este cine fueron Man Ray, Germaine Dulac,
Harry Smith, Jordan Belson, entre otros.
Acción: Movimiento que se produce ante la cámara. Fuerza motriz que
desarrollada por los personajes hace avanzar la narración.
Acción alterna: Forma de montaje que presenta dos secuencias que se alternan
de manera simultánea a medida que progresa la acción, haciéndola evolucionar.
Acción continuada: Manera de hacer progresar la narración fílmica sin
interrupciones ni saltos detrás.
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Acción paralela: Presenta de manera alterna lo que está sucediendo en dos o más
escenas diferentes dentro de la misma acción, y que o bien se complementan o
bien la una puntúa a la otra.
ACTOR’S STUDIO: Escuela de Arte Dramático creada en 1947 por Elia Kazan,
Cheryl Crawford y Robert Lewis. Se inspiró en los métodos de actuación del actor
y director ruso Konstantin Stanislavski, basados en la exploración del carácter,
pero será Lee Straberg, director de la escuela desde 1951, quien los adaptará a
los años cincuenta, adosando la indagación introspectiva y la motivación
psicológica, donde el cuerpo actúa como catalizador y priman los diálogos
internos. La Escuela se relacionó con dramaturgos como Arthur Miller, Tennessee
Williams y Edgard Albee. Significó una nueva manera de interpretar, un
intercambio entre la representación teatral y la cinematográfica. Una de sus
estrellas fue Marlon Brando, que debutó con el nuevo método en Nido de ratas
(1954); también pasaron por la Escuela James Dean, Ben Gazzara, Steve
McQuenn, Paul Newman, Joanne Woodward, entre otros.
Adaptación: comúnmente se designa así a las obras literarias devenidas en cine.
Adaptar significa reacomodar un formato con sus códigos propios en otro distinto
que lo moldeará según su propio lenguaje. Este proceso trae el inconveniente del
reclamo de fidelidad hacia el original, pero hay un error conceptual que radica en
creer que el cine debe representar en vez de presentar algo preexistente. Para
evitar esa confusión conceptual, en vez de hablar de adaptación es más preciso y
adecuado hablar de transposición. La transposición designa la idea de traslado,
de poner algo en otro lugar, y de sacar ciertos modelos de uno, pero pensando
en las formas y sistemas del otro. Es una manera de dar lugar al cine como medio
autónomo, con su riqueza y amplitud de lenguajes, no inferior a las artes nobles
como se designan a la literatura y al teatro. Adaptación/Guión hecho a partir de
una obra literaria
Adaptada (música): Toda composición preexistente que al ser reutilizada en otro
contexto cambia su forma y adopta nuevas características musicales. Se trata de
una técnica muy frecuente que en la época del cine mudo era mayoritaria y que
después fue empleada sobre todo en películas musicales, donde un arreglista o
director musical se encargaba de tomar el material preexistente y adaptarlo a las
nuevas necesidades (duración y orquestación) de la película.
Análisis del film: es una mirada sobre el cine con un rigor más analítico,
académico y profundo. Trata de adentrarse en el film para ver cómo se compone,
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se pregunta por su sentido y diseña las herramientas necesarias para acceder al
conocimiento de la película. En los cincuenta se comenzaron a practicar
metodologías de acceso a las películas que fueran más allá del comentario
argumental. Pero su auge será en los sesenta, conjuntamente con el surgimiento
de la semiología y la influencia de ciencias como la sociología, la historia y la
psicología, que influyeron y aportaron sus distintas miradas para entender un
film. Por ejemplo, el analista establece un corpus de films para probar una idea al
respecto de un género, así seleccionará aquella operación que resulte más
pertinente para obtener el resultado que busca con ayuda de otras disciplinas. El
valor provisto por el análisis es taxonómico, basa su sentido en la catalogación
del objeto analizado. Determina dichas categorías, pero no establece un valor de
virtudes o defectos a un film, ya que eso le corresponde a la crítica, ni tampoco
hace una reflexión sobre el cine en general, porque eso lo haría la teoría del cine.
Actualmente, la división entre análisis, crítica y teoría es menos rígida, sin
embargo hay distintas corrientes de opinión al respecto.
Anamórfico: Lente** que comprime lateralmente una imagen ancha para que
quepa en un negativo de 35 mm. Posteriormente, en la proyección, una lente
opuesta “desamorfiza” (descomprime) la imagen, permitiendo que ésta recupere
su aspecto original. Este sistema es utilizado para lograr los formatos anchos
conocidos como panorámicos ó Scope**.
Ancho de banda: Margen de frecuencias en el que las señales son tratadas por
igual con un tolerancia prefijada de antemano.
Angular: Lente** de distancia focal corta, (para película de 35 mm: 18 a 35 mm.
Por debajo de 16 mm, en este formato, suelen llamarse “ojo de pez”, ya que se
obtiene una imagen muy deformada). El angular permite encuadrar un campo
visual más amplio que un lente normal y con gran profundidad de
campo**, manteniendo en foco tanto los objetos cercanos como el fondo.
Exagera las relaciones de espacio, expandiendo la distancia aparente entre los
objetos cercanos y distantes.
Ángulo: Diferencia que hay entre el nivel de la toma y el objeto o figura humana
que se filma.
Angulación: Inclinación del eje de la cámara respecto al sujeto que ha de ser
captado.
Angulaciones de cámara: la cámara colocada sobre un trípode, el cual que puede
subir o bajar según la necesidad de registro, dio origen a las distintas angulaciones
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que podían experimentarse. Éstas están en relación a la altura de los ojos de la
figura humana. Así, surgieron cinco tipos:
Aplomo: la cámara apunta perpendicularmente hacia el
suelo.
Picada: la cámara se dirige a la cabeza humana por encima de
la altura de sus ojos.
Normal: la cámara se encuentra a la altura de la cabeza.
Contrapicada: la cámara se dirige a la cabeza humana por
debajo de la altura de los ojos.
Supina: la cámara se dirige perpendicularmente hacia el
cielo. Es el sentido contrario al aplomo.
Ángulo contrapicado: se obtiene cuando la cámara se sitúa por debajo del sujeto
a grabar. Se denomina también así al plano que se recoge en esa posición.
Ángulo normal o neutro: Cuando el eje del objetivo está a la altura del sujeto,
paralelo al suelo.
Ángulo oblicuo o aberrante: Cuando el eje de la cámara se inclina a derecha o
izquierda de la vertical.
Ángulo picado: se obtiene cuando la cámara se sitúa por encima del sujeto a
filmar.
Angulo contrapicado. Cuando la cámara se sitúa por debajo del sujeto.
Animación: dotar de movimiento a algo inanimado es, ni más ni menos, el objeto
de la animación, realizado a través de un procedimiento mecánico o electrónico
que pertenece al ámbito del cine y la televisión, pero con una relación directa a
las artes visuales clásicas (dibujo, pintura, escultura y hasta la fotografía). Con los
trucos de Méliès y con la posibilidad de impresionar la película cuadro por cuadro,
el dibujo animado cobró vida. Se considera a Fantasmagorie (Emile Cohl, 1908)
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como el primer film de dibujos animados. En la Argentina, el primer largometraje
de animación fue El Apóstol (Quirino Cristiani, 1917), una parodia de la figura de
Yrigoyen. La técnica inicial llamada stop motion consistía en imágenes dibujadas,
maquetas, marionetas, etc., que se registraban fotograma por fotograma y que
cobraban movimiento al ser proyectadas. Luego vendrán la pixelación (se usaban
objetos auténticos que cobraban “vida”), la rotoscopía (dibujos realizados sobre
la referencia, así se realizó el primer largo sonoro de Disney, Blancanieves, 1937),
la animación de recortes (cut-out animation: recorte de figuras para
reconstruirlas), y aquellos más avanzados, que cuentan con una tecnología
superior, entre los que se encuentran: el sistema inercial (se capta el movimiento
humano a través del sistema Xbus), la animación digital, el 3D y 4D. Actualmente
se puede crear cualquier tipo de imágenes, nada es imposible para el cine.
Animé: Termino del cine de animacion futurista y de ciencia ficcion.. Se refiere a
la animación japonesa, anteriormente conocida como Japanese Animation, luego
Japanimation, hasta que esa denominación cayó en desuso, a mediados del los
noventa, y se redujo sólo a animé. Puede mezclar varios géneros: acción,
aventura, ciencia ficción, erótico, romance e historias infantiles, y está destinado
a todo tipo de público. La mayoría de las veces es una adaptación del manga
(cómic japonés) en vídeo y sus fuentes de inspiración son muy variadas e incluyen
mitología griega, nórdica, leyendas, obras clásicas. Se diferencia del dibujo
animado tradicional en sus temas, en que sus historias tienen un contenido más
profundo y emocional, en la relación más compleja entre los personajes y en la
importancia que se le da a la muerte. Trata de ocuparse de los asuntos “de la vida
real”. Otra diferencia es su técnica, se utilizan menos cuadros de animación por
segundo (8 cuadros, cuando los otros usan 24 o 12). Algunos ejemplos: Los
caballeros del zodíaco (Yasuhito Kikuchi, Kôzô Morishita), Dragon Ball Z (Akira
Toriyama), Akira (Katsushiro Otomo) y Pokémon (Kunihiko Yuyama), entre otros.
Antagonista: Personaje opuesto al protagonista. Sujeto que representa los
valores contrarios del protagonista para resaltar al mismo o darle equilibrio.
Anticlímax: Momento de bajo interés o emoción en la acción del film, que sigue
el desenlace a manera de complemento o de aclaración.
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Argumento o trama: Desarrollo de un tema por medio de la acción que se narra.
Historia o asunto que trata el film a partir de una idea esquemática o general.
Puede ser original o bien adaptado de otra obra. Las cuatro fases de creación de
un argumento son: sinopsis, tratamiento, continuidad y guión técnico. Tema
principal que se narra en una película, una ópera o una obra literaria.
Arquetipo: Protagonista con quien el espectador comparte lo que sucede en la
pantalla, pero que no posee las bondades propias del héroe tradicional. El
antihéroe no despierta la simpatía del espectador por admiración, sino por
lástima. Ejemplos de ello son los personajes principales en cintas como La Ley De
Herodes, Johnny English y A Clockwork Orange, además de los papeles que
Woody Allen ha interpretado en muchos de sus filmes.
ASA – Grados- : “American Standard Association” Surgen durante la Segunda
Guerra Mundial para estandarizar y codificar distintos componentes eléctricos y
fotográficos fabricados entre europa y america. El numero Índice “ASA” que
indica la sensibilidad ó velocidad de una película. Se expresa en números (ASA 25,
32, 40, 50, 64, 80, 100, 125, 160, 200, 250, 320, 400, 500, 650, 800) siendo una
película de 400 ASA más sensible (más rápida) que una de 100 ASA. Mientras
mayor sea la sensibilidad, menor es la cantidad de luz necesaria para una
exposición correcta ante iguales
Las distintas escalas de sensibilidad fotográfica están clasificadas en función
del tipo de emulsión fotográfica presente en la película. La sensibilidad de
una película fotográfica es la velocidad con la que su emulsión fotosensible
reacciona a la luz. Algunas marcas fotográficas hablan de E.I., esto es,
Exposure Index o Índice de Exposición.

Arte y Ensayo: Salas que surgen en España tras ser autorizada su creación por
una Orden Ministerial de 12 de enero de 1967. Estas salas estuvieron destinadas
a la exhibición de películas —”obras de destacados valores cinematográficos”- en
versión original íntegra y subtituladas. Su autorización se ampara en el fenómeno
turístico que traía a España a numerosos extranjeros y que, de esta manera,
podían ver películas en sus idiomas. Sólo se permitió la apertura de estas salas en
ciudades de más de 50.000 habitantes y en zonas turísticas especiales, y con un
aforo máximo de 500 espectadores por sala.
El índice de exposición o sensibilidad de una película se indica mediante las
escalas “ASA” (American Standard Asociation - ESTADOS UNIDOS ) , “DIN”
(Deutsche Industrie Normen- ALEMANIA ), “GOST” (Gosudarstvenny
Standart – URSS Escala soviética -*Actualmente en desuso) e “ISO”
(International Standard Office- RESTO DEL MUNDO)
EQUIVALENCIAS DE ESCALAS DE SENSIBILIDAD
Las equivalencias de las escalas ASA, ISO, DIN y GOST soviética se muestran
en el siguiente cuadro:

ASA DIN GOST

Arte, cine de…: se denomina a una clase de cine contraria al cine comercial, con 25
una distribución menor en las salas de exhibición. Lejos de ser un producto 50 18 11
masivo, apunta a un público mayormente cinéfilo y responde a la creación 100 21 27
individual, donde la autoría del director impone su sello personal. Es un cine que 200 24 55
aborda diversas temáticas, narradas con mayor compromiso ético y estético 400 27 110
sobre la obra y el concepto del cine en general, más reflexivas y con un 800 30 160
tratamiento más profundo, se atreven a jugar con la experimentación y con un 1600 33 360
grado de análisis mayor, en cuanto al uso de los distintos lenguajes y 3200 36 720
herramientas que provee el cine como medio de expresión. Es un cine que ha 6400 39 1800
encontrado su lugar y su difusión en cineclubes, salas de arte y ensayo o circuitos
alternativos. Escala ISO, sería: ASA/DIN

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Condiciones de obturación y apertura de diafragma**. La velocidad también
se encuentra estrechamente relacionada con la definición y el grano, ya que
cuanto más rápida es una película menor será su definición y mayor será su
grano. Hoy en día el término ASA ha sido reemplazado por ISO (International
Standard Organization).
Asincronismo: Efecto que se produce cuando no concuerdan el montaje visual y
el sonoro.
Aspect ratio tags: Estos son *WS* para WideScreen (Pantalla Ancha tipo cine)
y *FS* para FullScreen (Pantalla Completa tipo televisión).
Atmósfera: Se denomina atmósfera al espacio de influencia de una película, al
ambiente favorable o adverso que se pretende crear en determinadas escenas.
En el cine la atmósfera se planifica con cuidado con el fin de lograr la
comunicación interactiva entre lo que hay en la pantalla y el espectador. Para
ello, toda la trastienda del cine se vuelve operativa, los decorados, la música, los
movimientos de cámara, el ritmo, la puesta en escena, los sonidos ambientales…
Atrezo: Conjunto de objetos que pueblan el escenario para dar ambientación y
carácter a la escena, como ser muebles, pinturas, vajilla, etc. También pueden
integrarse en esta categoría los accesorios de vestuario que apoyan la
caracterización de un personaje. Por ejemplo: maletas, sombreros, bastones.
Conjunto de instrumentos, herramientas y todo tipo de objetos que se usan en
decoración
Atrezista: Integrante del equipo de arte encargado del atrezo** y de todos los
detalles de la ambientación necesarios para darle verosimilitud y carácter a los
espacios diseñados por el director artístico. Trabaja en estrecha relación con el
regidor**.
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Audiofile: Sistema de grabación y edición de audio digital por ordenador,
fabricado por la compañía inglesa AMS Neve, (Advanced Music System).
www.ams-neve.com
Audiovisual: es una técnica de difusión bifuncional, porque integra e
interrelaciona las imágenes con el sonido y viceversa. El cine es un medio de
comunicación audiovisual, a partir de la incorporación del sonido. La conjunción
entre lo visual y lo auditivo produce un nuevo lenguaje, una nueva forma de
comunicación y de perc0epción que se produce de manera simultánea. Así, el
mensaje emitido puede reforzarse, contrastarse (el significado nace del contraste
entre ambos), complementarse y armonizarse (a cada sonido le corresponde una
imagen).
Autor, Cine de: Es el realizado por directores que se caracterizan por algún estilo
o cualidad, independientemente de su caso control absoluto de todo el proceso
cinematográfico, incluida la postproducción.
Otra característica observable en el cine de autor es aquél en el que el director
plasma su visión particularísima, no sólo del séptimo arte, sino del mundo en el
que vive, o del que quiere criticar o ensalzar; o bien, da un tratamiento sui generis
a otras obras o temas muy utilizados o de moda en los medios masivos de
comunicación (televisión, internet, cine, teatro...). Casi siempre son films que
únicamente algunos entienden, aceptan y les generan agrado, pero siempre
invitan a la reflexión y a la crítica; además, muchos otros autores los utilizan como
paradigma y perduran en el tiempo en la conciencia colectiva del espectador.
El concepto de “cine de autor” surge allá por el mes de abril de 1951, a manos
de una de las revistas más prestigiosas del mundillo, “Cahiers du Cinéma”.
Fundada por los ilustres André Bazin, Jacques Doniol-Valcroze y Joseph-
Marie Lo Duca, dicha publicación abrigaba como editor a Éric Rohmer y
engendró colaboradores de la talla de Godard, Chabrol o Truffaut.
Truffaut, fue el que impulsó la teoría del autor, que defiende básicamente la
totalidad de la aceptación de las responsabilidades frente a las películas
dirigidas, lejos de los grandes estudios y las imponentes producciones que
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mermaban las decisiones y el contenido final y (exclusivamente) personal del
producto.
La denominación de cine de autor es de por sí paradójica, porque intenta clasificar lo
inclasificable. Bajo el nombre cine de autor se intentan agrupar las obras que se alejan
del llamado cine comercial. Su prestigio suele basarse en la calidad profesional de un
grupo no definido de directores. Sin embargo, en esta definición no caben
clasificaciones formales, estilísticas o temáticas, más bien responde al deseo de
remarcar su independencia creativa.
Avid: Sistema de edición digital por ordenador de audio y video, fabricado por la
compañía norteamericana Avid Technology Inc. Constituye hoy en día el estándar
en la edición no lineal, ya sea para edición off-line, on-line ó composición fílmica.
Sus productos más conocidos son: Film Composer, Media Composer y Xpress.
www.avid.com
B estrechísima, o es una cinta de 35 mm. que se proyecta en doble banda. Físicamente
Background: Fondo de un escenario o de un decorado.
Backstage: Es el área donde se ubica todo el equipo técnico, las cámaras, el
director, los maquilladores, etcétera. Un espacio que el público no presencia al
ver una película y en donde se desarrolla lo previo y lo posterior a la realización
dentro del set. Actualmente, las películas traen como extras en los DVDs esa
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sección para que veamos cómo se filmó la película, qué sucede en las instancias
del rodaje, los detalles, cómo se comportan los actores y el director fuera de
escena; es un lugar que invita al espectador a “espiar” y a familiarizarse más con
lo visto, una manera de acceder a un lugar imaginario.
Banda de diálogo: Es aquella sobre la que se registra el diálogo de la película,
de efectos especiales, en la que se han montado todo tipo de sonidos
ambientales que arropan a las acciones (tales como grillos, tráfico, pájaros, etc.)
Banda de efectos sala: Es la banda en la que se montan todos los sonidos de
ambiente que dependen de las actuaciones de los protagonistas, o de los
movimientos de objetos, o manipulación de enseres. Pasos, rotura de cristales,
movimiento de vajilla, puertas, revólveres, etc. Muchas veces se doblan en el
estudio de sonido.
Banda magnética separada que ha de ir sincronizada con la imagen para la
obtención del “master de sonido”, o banda completa de sonido o mezcla final.
Banda de imágenes: Zona de la película que contiene los fotogramas.
Banda de mezclas: Es la banda sonora del filme, mezcla del «sound track» y la
banda de diálogos.
Banda de música: Contiene la grabación de la música de la película
convenientemente montada en sus lugares correspondientes.
Banda de sonido: Contiene el sonido del film, o sea, el resultado de la mezcla de las
bandas separadas de diálogos, música y efectos.
Banda sonora: Puede ser óptica, que se registra haciendo incidir un rayo luminoso
que varía de intensidad con la variación de timbre y velocidad de sonido sobre una
película virgen, magnética, cuando está adherida a la película en una banda
es la tira óptica o magnética impresa a la izquierda de los fotogramas que almacena
todos los sonidos. Figuradamente es el conjunto de sonidos del film: voz, música,
efectos sonoros…y silencio.
Es todo lo que el espectador escucha en una película: los diálogos, los ruidos, la música
y el sonido del ambiente, los sonidos envolventes, los efectos sonoros, etcétera. Cada
uno de estos sonidos se graba en bandas por separado, las que luego serán mezcladas
Historia mundial del cine
 11

en una sola banda que los contiene a todos, dando como resultado el sonido definitivo
de la película.
Hay sonidos que se graban en directo y otros postsincronizados que se ligarán a la
imagen que estamos viendo de manera sincronizada. Con la llegada del sonoro, el cine
se transformó en un medio audiovisual, donde a partir de la unión de imágenes y
sonidos se forma un todo inseparable: la película.
(ADVERTENCIA: De forma incorrecta se llama así a la música de la película para su
venta en disco).
Blockbuster: Películas que logran las mejores taquillas en un tiempo récord. Las que
sitúan el listón de ingresos cada vez más alto, a partir de una lista que se establece de
los títulos de una semana, de un fin de semana, de un día. Las películas más taquilleras
de la Historia del Cine, aunque el concepto haya evolucionado con el tiempo.
Se dice de un fenómeno de éxito desmesurado, ya sea una grabación, libro o en este
caso una cinta inusualmente exitosa, de amplia popularidad y -sobre todo- grandes
ventas de taquilla.
Hace referencia a una película que ha alcanzado una gran popularidad y éxito de
producción, aunque en ocasiones también se utiliza para superproducciones con
grandes estrellas que no han logrado un gran beneficio.

Estrecha banda a lo largo de un margen de los fotogramas en la que está registrado

el sonido, compuesto por los diálogos, los efectos de sonido y la música.

Bandas: En la copia standard de la película hay dos bandas, una dedicada a la imagen
y otra dedicada al sonido.

Barrido: Paso de un plano a otro por medio de una imagen intermedia casi difusa,
que resulta de un movimiento rapidísimo y seco de la cámara, de tipo panorámico.

Bélico, Cine: hace referencia a las películas de guerra y posguerra de los siglos XX y
XXI, tanto en el género documental, como en ficción y, a veces, en una mezcla de
ambos. Alcanzó su esplendor a partir de la Segunda Guerra Mundial, donde los países
beligerantes utilizaron el cine como espejo de sus diferencias. Con la participación de
Estados Unidos en la guerra, Hollywood destinó la mayor parte de su producción para
reflejar esa contienda.

Benshi: Narrador de peliculas, comentador, lector, un maestro de ceremonias cuya

intervencion era parte inseparable de los primeros espectaculos de cine en Japon.

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LOS PRIMEROS DIEZ BLOCKBUSTER

DE LA HISTORIA
( orden cronológico.)

2. La guerra de las galaxias, Año: 1977 (Star Wars, Director: George Lucas

Sólo en su año de estreno recaudó más de 79 millones de dólares en taquillas,

equivalentes a más de 300 millones de dólares actuales. Además, fue la primera cinta
en establecer récord de 300 millones de dólares en taquillas, mismo que tardó casi 20
años en ser superado.

1. Tiburón Año: 1975 Director: Steven Spielberg

Es el primer blockbuster de la historia. Su título original es Jaws —mandíbulas— y está

basada en la novela homónima de Peter Benchley. En el verano de 1975 fue estrenada
de manera simultánea en 450 salas de EE.UU., recaudando más de 7 millones de
dólares en su primer fin de semana.

Superman, Año: 1978 Director: Richard Donner

Protagonizada por Christopher Reeve, esta película sorprendió a los espectadores con
la primera escena en que Superman vuela. El filme se estrenó en diciembre de 1978
para celebrar el 40 aniversario de la creación de este personaje.
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semanas en el número uno de ventas en taquilla, recaudando más de 360 millones de

dólares, tan sólo en EE.UU.

6. Los Cazafantasmas, Año: 1984 (Ghostbusters) Director: Ivan Reitman

4. Los cazadores del arca perdida Año: 1981 (Raiders of the Lost Ark ) Director: Steven
Spielberg Producida por George Lucas.

Primer filme de la saga de Indiana Jones. Estuvo nominado a nueve premios Oscar, de Considerada como la pelicula más taquillera en la década de los 80, se ganó un lugar
los cuales obtuvo cinco. fue la película más taquillera en su año de estreno, 1981. en el gusto del público por su acertada combinación de comedia, acción y algunos
Durante su primer fin de semana de proyección, en EE.UU., recaudó más de 141 toques de ciencia ficción. Luego de su estreno se crearon series animadas,
millones de dólares. videojuegos, juegos de mesa, cómics y figuras de acción basados en la película.

5. E.T., el extraterrestre Año: 1982 Director: Steven Spielberg

Distribuida por Universal $ Pictures, E.T. fue considerada como la película más 7. Volver al future Año: 1985 (Back to the Future ) Director: Robert Zemickis
taquillera durante diez años —hasta que se estrenó Jurassic Park—. Los críticos la
Primera parte de la trilogía dirigida por Robert Zemickis, producida por Steven
aclamaron como uno de los mejores largometrajes de ciencia ficción y una de las
Spielberg y protagonizada por Michael J. Fox. El éxito de las tres películas fue tal, que
historias más entrañables de todos los tiempos. Luego de su estreno, se mantuvo seis
en la actualidad se utilizan como tema para la creación de memes. El filme, que trata
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sobre viajes al pasado y al futuro del joven Marty McFly y del Dr. Emmett L. Brown,
recaudó más de 380 millones de dólares.
8. Duro de matar, Año: 1988 (“Die Hard”) Director: John McTiernan
Esta película de acción está basada en la novela Nothing Lasts Forever de Roderick
Thorp, publicada en 1979. Realizada con un presupuesto de 28 millones de dólares,
recaudó más de 140 millones de dólares en todo el mundo.
9. Batman, Año: 1989 Director: Tim Burton
Basada en el personaje homónimo de DC Comics, así como en los cómics The Killing
Joke y The Dark Knight Returns, fue protagonizada por Michael Keaton. Esta película
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ganó el Oscar a la mejor dirección artística y recaudó más de 400 millones de dólares
en taquilla.
10. Terminator 2: el juicio final, Año: 1991 Director: James Cameron
Es la segunda parte de una trilogía escrita, producida y dirigida por James Cameron.
Protagonizada por Arnold Schwarzenegger, fue una de las primeras películas que
utilizó imágenes generadas por ordenador. Este filme recaudó 520 millones de dólares
en todo el mundo.
Bloque: Del inglés “CUE”. Cada una de las piezas musicales que figura en una película.
Comienza con la entrada y termina cuando la música cesa. Su estructura, desarrollo y
duración responde a necesidades narrativas o visuales, no a una coherencia musical.
Blue-ray Rip: Basicamente son peliculas que son ripeadas de un disco Blue-ray,
tienen una espectacular resolucion minimo son de 1280 x 800pxl. Pesan mucho.
Blue screen: o pantalla azul. Pantalla azul (aunque de hecho, también puede ser
verde) frente la cual se coloca a un actor para que realice una acción. Luego, en
laboratorio, toda la porción de imagen que ocupa como fondo la pantalla azul es
reemplazada por otra imagen, la cuál puede ser filmada aparte (por lo general, algún
paisaje de acceso difícil o costoso) o generada por ordenador.
B movie: Películas Serie B. Se dice de las películas rodadas con poco presupuesto y
escasas pretensiones artísticas, habitualmente de género (policiaco, oeste, ciencia-
ficción, etc.), cuyo fin primordial es entretener a espectadores poco exigentes.
Historia mundial del cine
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Biopic: (del inglés Biografic Picture, biografía) es un genéro cinematográfico que efectiva, un rudimentario montaje, que luego se extendería al resto de las
narra o adapta biografías de diversas personalidades Universal $ es. Algunos cinematografías. También hicieron uso del primer plano y de los trucajes en films,
ejemplos serían Gandhi, Amadeus, Chaplin, Una mente maravillosa, o Man on the como A big swallow (1901) y La lupa de la abuela (1900), entre otros.
Moon.

Bolex: Cámara de 16 mm fabricada por Paillard S. A., Suiza, desde los años ’30.
Aunque elemental en su funcionamiento, es una excelente herramienta para iniciarse
en la producción cinematográfica. Puede correr a 16, 24, 32 y 64 cuadros por segundo,
su impulsión puede ser a cuerda o mediante un pequeño motor eléctrico. La gran
calidad de sus materiales y su diseño han hecho que aún hoy se sigan utilizando
cámaras que tienen más de 50 años.

Bollywood: Películas musicales indias. En general, se trata de historias fantásticas o

tradicionales, adornadas con coloridos vestidos y coreografías muy imaginativas. En
la India, es el género fílmico más exitoso. En los últimos mese se ha exhibido en la
televisión de paga, en Cinemax, una de las bollywood-movies más famosas de los
Buddy-movie: En el origen, una fórmula de la comedia en donde dos tipos muy
últimos años: Lagaan (Gowariker, 2001).
diferentes son amigos (Laurel y Hardy, por ejemplo). En la actualidad, es una
estrategia que se usa en el cine de acción, en la comedia, en el thriller y hasta en el
Box Office: se refiere e los ingresos de taquilla de una película. Tabla en la que se
melodrama (El Chofer y la Señora Daisy /Beresford/1989 no era más que un
recoge por orden de ingresos las películas más taquilleras de la exhibición en un país
melodrama de pareja/dispareja racial/social).
(o a nivel internacional). También sirve para situar a un actor o director en un lugar
de rentabilidad que le permitirá mejorar su contrato en la próxima producción. Son las llamadas películas de compañeros. El tema central de las buddy movies es el
de las personalidades opuestas. Así, toda la trama gira en torno a dos personas con
Blanqueo: Proceso químico que transforma la plata metálica que forma la imagen
personalidades opuestas que deben trabajar juntos para subsistir o cumplir una
fotográfica en haluro de plata, cuya densidad puede reducirse (reducción), eliminarse
misión.
por completo (positivado color) o transformarse en una imagen teñida (virado).
Bungei-eiga: Peliculas basadas en novelas literarias. Cine japonés
Brighton, Escuela de: No fue una escuela formal propiamente dicha, sino la fortuita
coincidencia -hacia el inicio del cine británico- encabezado por fotógrafos Bunraku: Drama de titeres japones que alcanzo su madurez en el s. XVIII.
profesionales, que construyeron sus propios equipos de cine e impresionaron sus
primeras escenas naturales en las playas de Brighton alrededor de 1900. Ellos fueron:
George Albert Smith, James Williamson y Alfred Collins. La importancia de esta

C
“escuela”, como la denominó el crítico y escritor George Sadoul, radica en la intención
de experimentar con la cámara y probar las posibilidades de ese invento incipiente,
que marcaría las nuevas formas del lenguaje y la narratividad que se desarrollará más
adelante.

Ellos sacaron la cámara al exterior, filmaron en movimiento (travelling), incursionaron

en temas que requerían una nueva sintaxis, alejándose de los cánones teatrales del
Film d’art y de Georges Méliès. Así lo demostraron con sus películas sobre
persecuciones, como Stop Thies! (1901) utilizando, para que la narración fuera más
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Cahiers: “El cine es un arte personal, el realizador es un artista”, así definía a la figura
del director, un grupo de ensayistas y cineastas franceses: Godard, Chabrol, Truffaut,
Astruc, Rohmer, Rivette y Bazin. Ellos dejaron sus postulados en la revista que
fundaron, Cahiers du Cinéma, a fines de la década del 50. Una revista, donde
ejercitaron la crítica como teóricos y cinéfilos, y que luego pondrían en práctica como
directores. Los cahieristas, como los llamaban, no distinguían entre cine-arte y de
entretenimiento, sino que revisaron y redescubrieron al cine de Hollywood, al
valorizar la trayectoria del director como persona individual y responsable del
proyecto, de ahí su postulado sobre la política de autor y su concepción del cine. Fue
y es una de las revistas más importantes e influyentes sobre cine, no sólo por su
contenido, sino por haber incentivado el desarrollo de la crítica cinematográfica como
ejercicio intelectual y enriquecedor del séptimo arte.
CAM: Son películas grabadas con una cámara de vídeo y pasadas a formato digital.
Generalmente alguien las graba en un cine y las transfiere a un PC, ocupan poco
espacio pero siempre se ven muy mal, ya que la oscuridad de la sala, el ángulo de la
cámara y el sonido grabado en el mismo ambiente hacen perder mucha calidad.
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16
Cámara: Es el equipo que permite captar imágenes sobre una película sensible, que
al ser proyectadas sobre una pantalla se verán en movimiento. La cámara de cine fue
inventada por los hermanos Auguste y Louis Lumière en Francia el 13 de febrero de
1895, y la llamaron cronógrafo o tomavistas; con ello nació el cine. La cámara Lumiére
pronto salió a captar la realidad del mundo. El invento se popularizó y se extendió por
el resto de los países. A medida que se usaba, los camarógrafos probaron colocar la
cámara en distintas posiciones frente a un objeto o personaje. Dicha experiencia dio
lugar a la siguiente clasificación, según la ubicación que tome:
Cámara frontal: se coloca frente al rostro de la persona.
Cámara de espalda: se ubica de espaldas al personaje.
Cámara de perfil: cuando se coloca a 90º respecto de la cámara frontal.
Cámara de media espalda: posición intermedia entre la posición de perfil y la de
espalda.
Cámara de tres cuartos perfil: registro del rostro del personaje a 45º grados
respecto a la cámara frontal.
Cámara lenta: Efecto que se logra acelerando el paso de imágenes ante el obturador
y proyectando a más velocidad. Es la forma popular de llamar a la ralentización de la
imagen (o ralentí) que, de forma paradójica, se consigue proyectando a velocidad
normal (24 f/sg) imágenes rodadas a mayor cadencia (48 ó 72). Es cuando se filma a
una cadencia superior a la normal.
Cámara rápida o acelerado: Se logra con cámaras de filmación lenta y reproduciendo
a mayor velocidad. Es el efecto que proporciona lo que llamamos celuloide rancio, de
apariencia cómica, por lo que actualmente se utiliza muy poco. Efecto que se produce
cuando se filma a una cadencia inferior a la normal (24 ips).
Cameo: Breve aparición de un personaje famoso en una película. Un cameo es la
aparición de una persona o un material conocido en una película, en una serie de
televisión o en cualquier medio, sin que se refleje en los créditos de la misma, ni se
cobre por ello. Normalmente son apariciones cortas y sin importancia para la trama.
Camp-Movie: Película con actuaciones exageradas, diálogos ridículos, vueltas de
tuerca argumentales arbitrarias… Susan Sontang sostiene que el cine camp tiene una
“actitud” al proponer una estética precaria, malhechota, provocadora. John Waters
Historia mundial del cine
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es el gran maestro del cine camp contemporáneo aunque el cineasta es, acaso, actores, acusados todos de pertenecer o haber pertenecido al Partido Comunista. Esta
demasiado calculador para ser considerado un auténtico director camp. campaña fue conocida como “maccarthysmo” y finalizó en torno al año 1954.

Campo: Es el espacio en el que entran todos los personajes y objetos visibles en la

pantalla. Lo que nos suponemos u oímos queda fuera de campo. Es el espacio de la
pantalla donde se encuentran todos los objetos visibles contenidos en el interior del
cuadro

Casa “editora”: Nombre que se le dieron en España a las primeras productoras

cinematográficas.

Casting: Etapa de la preproducción que consiste en la búsqueda y entrevista de

actores para la conformación del elenco de una película. También se denomina así al
conjunto de actores que intervienen en el filme.

Los personajes que vemos en una película: actores, actrices, niños, niñas y animales
han sido seleccionados tras una prueba que determinará si son aptos o no para
realizar un rol determinado. El director de casting, junto a un equipo de
colaboradores, es el encargado de hacer una convocatoria donde se solicita
determinado perfil. Luego se realizan pruebas de cámara, de vestuario, de maquillaje
y distintos ensayos para seleccionar al más apto para interpretar el papel que se
necesita. Las pruebas grabadas se comparan y por último se define la selección. Todo
registro queda en una base de datos, para poder ser consultado en otras ocasiones.
Catch (de cámara): Fina lámina metálica que se coloca entre la ventanilla de la cámara
y el negativo para recortar la imagen horizontalmente dándole una forma más
apaisada y con las proporciones habituales de 1.66:1 (European Widescreen) ó 1.85:1
(American Widescreen).
Catering: Servicio de comidas preparadas a domicilio ú locación.
Caza de brujas: Término acuñado en Hollywood cuando se inició la persecución de
comunistas en el seno de la industria. Productores como Jack Warner, Louis B. Mayer
y Walt Disney, actores como Adolphe Menjou, Gary Cooper y Ronald Reagan, fueron
algunos de los que colaboraron activamente con el Comité dando nombres y
defendiendo la necesaria limpieza comunista. Hubo un grupo de diez profesionales,
en especial directores y guionistas (Edward Dmytryk, John Howard Lawson, Herbert J.
Biberman, etc.), que se negaron a colaborar y que fueron condenados al final del
proceso. Aunque la Comisión de Actividades Antiamericanas comenzó a actuar en
1938, bajo la presidencia de Martin Dies, no fue hasta 1947, fecha en que el senador
Joseph McCarthy accede al cargo, cuando dicho Comité inicia una “caza de brujas” en
Hollywood en la que se verían inmersos muchos guionistas, directores, productores y
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Chambara: Viene a significar “teatro de espadas”. Lucha a espada en peliculas y obras
de teatro. termino generico para definir el cine de espadachines que se ambienta en
diversas épocas de la historia local japonesa. Este término procede de la
onomatopeya que produce una katana al chocar contra otra y al cortar la carne del
adversario, definiéndose esto como chanchan barabara y generando así esta palabra
; Para las peliculas de samurais para las clases inferiores Chanbara o Ken-Geki:
El término Chambara se utiliza Es el género de los samurais y, por tanto, japonés – no
confundir con el género Wu Xia Pian de china-.
A diferencia del genero chino Wu Xia Pian, en el que las peleas son acrobáticas, los
personajes pueden saltar y, literalmente, volar, en las películas de chanbara la fantasia
no esta presente.
El género Chambara se centra en las aventuras de los Bushi (término acuñado por el
Shogun Tokugawa en el siglo XVII), mas conocidos en occidente como Samurais.
Guerreros con un férreo sentido del honor y el deber, regidos por el código de
conducta del Bushido, o Camino del Guerrero, que deben cumplir o morir mediante
Suppuku (también llamada Harakiri, suicidio ritual del samurai deshonrado) para
salvaguardar su honor.
También se engloban dentro del género las películas que narran las desventuras de
los Ronins (errantes), Samurais sin clan ni amos, despreciados por otros Bushi,
viviendo en la pobreza y que generalmente se han convertido en mercenarios,
alejándose en muchas ocasiones del código del cultura (honor, valor, justicia…), y hay
un despliegue de los valores tradicionales de su pero dentro de límites realistas. Lo
Historia mundial del cine
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que impera es el bushido, el estricto código de los samurais. Su alma estaba en la

katana (sable japonés) y las historias suelen desarrollarse en el Japón feudal.

Chasis: Depósito de la cámara donde se coloca la película. Está compuesto por dos
carretes: uno entrega la película virgen y el otro recibe la película luego de su
exposición.

Chiyogami-eiga: Antigua forma de espectaculo de sombras que usaba recortables de

papel.

Cine: De cinematógrafo (Hermanos Lumière) Se llama cine o cinematografía a la

tecnología que reproduce fotogramas de forma rápida y sucesiva creando la llamada
“ilusión de movimiento”, es decir, la percepción visual de que se asiste a imágenes
que se mueven. También se le dice cine al edificio o sala donde se proyectan las
películas.

El cine es un arte y una técnica. Es el arte de narrar historias mediante la proyección
de imágenes, de allí que también se lo conozca con el nombre de séptimo arte.
El término tiene la misma raíz griega que otras palabras como cinética, kinesiología y
otras que se relacionan con el movimiento.
Cine catástrofe: Grandes cruceros que se hunden con toda la tripulación, olas
gigantescas que derriban ciudades, bajas temperaturas que congelan grandes
capitales, volcanes que estallan bajo el asfalto, etcétera. El caos, los desastres
naturales y la aparición de un héroe que trata de apaciguar la histeria colectiva y
reparar el desastre apocalíptico por el que atraviesan, son algunos de los elementos
de este subgénero que surgió en los años 70.
Cine Clase B: Contrariamente a la anterior clasificación, estas películas acompañaban
a las de clase “A” como un “combo” que se ofrecía al espectador, hacia las décadas
de los 30 y 40. Estas películas tienen menor costo, menor producción, están
interpretadas por actores no tan conocidos o ignotos, que provenían de estudios más
chicos o independientes y de directores noveles o independientes. Una de las
características de este tipo de cine es la experimentación y la libertad estilística,
asociadas más al cine-arte que al industrial. No todos los productos tienen esa
orientación, porque dentro de esta clasificación encontramos desde las películas de
Jean-Claude Van Damme hasta obras más personales como Un maldito policía, de
Abel Ferrara.

Cine Clase A: Es una clasificación que tiene en cuenta determinadas variables y que
surgió como criterio de división en los años 30 hollywoodenses. Grandes
presupuestos, costosas producciones, un elenco con importantes estrellas,
producidas por los grandes Estudios cinematográficos, asociadas a un cine industrial
y no de arte, realizadas por un director de trayectoria y renombre, una duración de
dos horas o más y con un éxito casi asegurado por el público masivo. Como es bien
sabido, el alto costo no implica necesariamente una alta calidad artística. Ej. Titanic (J.
Cameron).
Cine clásico: El término clásico remite a algo que perdura en el tiempo como modelo,
algo que masivamente ha sido aceptado y enmarcado en dicha categoría por el
público y la crítica especializada, una obra que por su valor e importancia ha quedado
dentro de la historia. Ej.: La trilogía de El Padrino (Francis Ford Coppola).
También se designa así a un estilo narrativo impuesto por Hollywood y luego
extendido al resto de las cinematografías, desde la década del 20 hasta los 60
aproximadamente, donde el discurso parece contarse solo, sin la presencia de su
autor como artista. Son obras que se van pareciendo unas a otras, no sólo en la
manera de contarlas sino que apuntan a ser ideológicamente “correctas”. Modelos y
estereotipos que dejan de lado toda innovación y experimentación estética.

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o Antonioni, ya sea por poner el énfasis en aspectos tales como la originalidad o la

individualidad, ausentes del cine de Hollywood, o simplemente por su característica
de ser «extranjero».

Cine de vanguardia: Este calificativo abarca una inmensa variedad de tendencias en

la historia del cine, ya que es un término relativo al momento en el que se denomina.
En esta categoría de filmes se suele incluir no sólo a estilos tan diversos como el
dadaísmo, el surrealismo, el futurismo, el impresionismo, el expresionismo o la
abstracción, sino el llamado cine marginal o «underground». Entre los logros que han
caracterizado muchas películas de vanguardia está la búsqueda de una forma poética
más pura y libre de la lógica narrativa, la profundización en el realismo o el desdén
por el naturalismo. Una figura de renombre Universal $ es Luis Buñuel.

Cinéfilo: Las características de un cinéfilo serían más o menos las siguientes: alto
consumo de películas, sentir una atracción cuasi hipnótica con la pantalla grande,
Ej.: ¡Qué bello es vivir! “It's a Wonderful Life” (F. Capra). dejarse dominar por las imágenes, sin culpa y con goce, aprender sobre ellas, conocer
su lenguaje para poder traducirlas y aplicar un juicio crítico sobre lo que se mira.
Cine club: Entidad pública o privada que se crea con la participación de un
determinado grupo de personas, con el fin de realizar actividades cinematográficas a Cine independiente: En los EEUU, a partir de la década de los 60, la nueva generación
lo largo de una temporada, un año, etc., actividades que tanto tienen que ver con la de directores se forman en la televisión. Se trata de unos cuantos cineastas inquietos
proyección de películas, cineforums, conferencias y mesas redondas sobre diversos también por hacer un nuevo cine narrativamente más independiente que no por el
temas, organización de seminarios o congresos, publicación de libros, etc. producido tradicionalmente por Hollywood; directores como Cassavettes, Lumet,
Mulligan, Penn o Nichols. Muchos de ellos operaron desde Nueva York y crearon el
Cine clubs: Asociaciones o centros culturales que surgieron en la República y que cine underground, anticomercial, antihollywood y de vanguardia.
tenían como objeto, además de desarrollar todo tipo de actividades cinematográficas
(enseñanza del cine desde el conocimiento del lenguaje, de los directores,
movimientos, etc.), proyectar películas experimentales, vanguardistas y aquellas que
estaban destinadas a un público menos numeroso y que, por lo tanto, no tenían
cabida en la sala comercial establecida. Gracias a los cine-clubs muchos españoles
tuvieron la oportunidad de conocer las grandes películas de la historia del cine
mundial. Estas asociaciones dispusieron de naturaleza jurídica por primera vez en
1957 y se definió su reglamento en 1963.

Cine de arte y ensayo: Se denominó de esta forma a un cine cuya característica más
definitoria era su capacidad de innovación y experimentación formal. Se empleó
inicialmente el término para diferenciar a las películas «artísticas» de las
exclusivamente comerciales. Aunque no existió nunca como movimiento o tendencia
se pudo consolidar en cierto momento cuando algunas películas se proyectaban casi
exclusivamente en determinados cines, llamados de «arte y ensayo» que circulaban
en dicha red de distribución. Se consideraron así a algunos grandes directores que no
tenían mucho que ver con el cine industrializado de Hollywood, como Fellini, Bergman

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CinemaScope: Surge en la década del 50 como un nuevo cambio tecnológico para
atraer a los espectadores, dada la disminución que sufrió el cine a partir de la
competencia con la televisión y de los cambios de costumbres asociadas a la
dispersión y el entretenimiento que la sociedad fue adoptando. Junto al Cinemascope
también surgieron el Cinerama y el 3D. La característica de este nuevo formato de
filmación es la amplitud en la pantalla, de forma rectangular, cóncava, que se logra
con el uso de lentes anamórficos instalados en las cámaras y las máquinas de
proyectar. Fue inaugurado por la 20th. Century Fox con El manto Sagrado (1952), de
Henry Koster.
Cinematografía: Si bien esta palabra identifica habitualmente el arte de reproducir
imágenes en movimiento, cabe ampliar los matices de su significado. De hecho,
también suele emplearse para mencionar el cine realizado en determinado país (p.ej.
la cinematografía brasileña), y asimismo se aplica al lenguaje cinematográfico, esto
es, al modo de narrar una historia mediante imágenes montadas de forma secuencial.
Cinematógrafo: En los primeros años del cine, se identificó con el mismo nombre
tanto a la cámara tomavistas que servía para obtener imágenes, como al local en el
que se proyectaban.
Cine Negro o Film Noir: El cine negro o film noir es un género cinematográfico que se
desarrolló en Estados Unidos durante la década de 1940 y 1950. El término de film
noir fue acuñado por primera vez por el italiano Nino Frank y es usado por la crítica
cinematográfica para describir un género de definición bastante imprecisa.
Habitualmente, las películas caracterizadas como de cine negro giran en torno a
hechos delictivos y criminales con un fuerte contenido expresivo y una característica
estilización visual.
Su construcción formal está cerca del expresionismo. Se emplea un lenguaje elíptico
y metafórico donde se describe la escena caracterizado por una iluminación
tenebrosa en claroscuro, escenas nocturnas con humedad en el ambiente, se juega
con el uso de sombras para exaltar la psicología de los personajes.
Algunos de estos efectos eran especialmente impactantes en blanco y negro. Al
mismo tiempo, la personalidad de los personajes y sus motivaciones son difíciles de
establecer (caso paradigmático son los detectives privados, frecuentes protagonistas
del género. Las fronteras entre buenos y malos se difuminaban y el héroe acostumbra
a ser un antihéroe atenazado por un pasado oscuro.
El cine negro presenta una sociedad violenta, cínica y corrupta que amenaza no sólo
al héroe/protagonista de las películas sino también a otros personajes, dentro de un
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ambiente de pesimismo fatalista. Los finales suelen ser agridulces cuando no
presentan directamente el fracaso del protagonista. Otro punto característico del cine
negro es la presencia de la femme fatal, la mujer fatal que, aparentemente inofensiva,
puede conducir a sus víctimas al peligro o a la muerte.
Cinerama: Sistema de filmación y proyección, en el que con tres cámaras de 35
milímetros se rodaba la escena y tres proyectores pasaban simultáneamente las tres
películas sobre una gigantesca pantalla curva que abarcaba prácticamente el campo
de visión de los espectadores.
Es un sistema de filmación que se creó en 1952 y que utiliza tres cámaras
sincronizadas, para luego ser proyectadas con tres proyectores al mismo tiempo. La
imagen es panorámica y se extiende sobre una gran pantalla con curvatura, utiliza
sonido estereofónico, a fin de incrementar la sensación de estar participando de la
imagen en pantalla.
Con ¡Esto es Cinerama! (1952) se inaugura una nueva forma de vivenciar las películas.
Eran, generalmente, documentales de viajes o travesías, como El Gran Cañón del
Colorado, o de mayor adrenalina, como la experiencia de subir a La montaña rusa.
Dicho sistema provocaba en el espectador la sensación de ser partícipe de la imagen,
uno de los protagonistas que viajaba dentro de ese carrito imparable. También hubo
dos películas dramáticas como El maravilloso mundo de los hermanos Grimm (1962)
y La conquista del Oeste (1962) de John Ford.
Cine ojo: Traducción del término kino (cámara) + glaz (ojo) = camarógrafos. Bajo los
ideales revolucionarios soviéticos de la década del 20, el cineasta y teórico ruso Dziga
Vertov concibió al cine como un medio de comunicación masivo, a través del cual se
podía llegar a concientizar al pueblo a favor del socialismo y de la revolución como el
medio para alcanzarlo. Creía en un cine anti-ficcional, sin actores, sin una historia
inventada, sin decorados, porque la realidad era lo más importante para poder
mostrar tal cual son las cosas. Vertov concebía a la cámara como un ojo, pero más
despierto que el humano, un objeto capaz de evidenciar la realidad y resignificarla a
través del montaje. Con su film El hombre de la cámara (1929), inspiró a muchos
cineastas y amantes del documental.
Cinéma verité: También llamado cine verdad, surgió en la década del 60 y algunos
de sus promotores fueron los cineastas y documentalistas Edgar Morin y Jean Rouch.
Este último sostenía que la cámara sirve para que la gente revele su propia naturaleza,
sus fantasías y sea fiel a eso, además de introducirnos en sus vidas. “La cámara
impacta, es un agente catalizador y revelador de la verdad interior”.
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En Crónica de un verano (1961), el director le preguntó a la gente, frente a cámara y
con micrófono en mano, si era feliz; interrogante nada casual para ser aplicado en una
década de replanteos importantes dentro de la sociedad francesa. En esta clase de
films, el documentalista participa en las acciones que capta la cámara utilizando
procedimientos “psicoanalíticos” para procurar la verdad.
Su raíz se basó en el cine de Dziga Vertov llamado kino-glaz o cine-ojo (ver CINE OJO),
pero conduciéndose hacia un estudio más antropológico y sociológico.
Cineon: Software de Kodak que permite trabajar imágenes en resolución fílmica, ya
sea generándolas o escaneando un negativo ó una cinta de video, contando con la
posibilidad de generar un nuevo negativo, fotograma por fotograma. Las imágenes
procesadas son impresas cuadro a cuadro, color por color, en película, la cuál luego
es revelada normalmente en laboratorio. Se utiliza básicamente para realizar trucas
visuales como fundidos, barridos, sobreimpresiones, etc. También es utilizado para
copiar material de vídeo a 35 mm.
Cine Underground (Cine-subterráneo): Término acuñado por la prensa para
describir a todo el cine marginal, abarcando aspectos importantes del cine
independiente.
Cinta de cámara: Cinta adhesiva de colores de alto precio pero muy resistente y
funcional. Se utiliza en cine profesional para realizar todo tipo de marcas y para sellar
las latas de negativo.
Claqueta: Pizarra que lleva escrito el título de la película, el del director y el del
director de fotografía, además de unas casillas libre en las que se escribe el número
de secuencia, de plano y de toma. Una bisagra la una a una tira de madera, con la que
se puede dar sobre la pizarra un golpe seco (clac). Al filmar ese golpe con sonido
directo, al mismo tiempo que impresiona el fotograma registrar el sonido, con lo que
facilita la sincronización posterior en el momento del montaje. Los textos en la pizarra
ayudan a ordenar el material filmado.
Señal acústica que pauta el tempo musical elegido por el compositor para cada uno
de los bloques emitiendo un “click” por cada compás. Se trata de una variante del
metrónomo que permite a los directores de orquesta y a los músicos interpretar las
composiciones de forma absolutamente precisa para con las necesidades métricas de
los bloques.
Click Track: Técnica para ajustar el tempo musical a la duración de cada uno de los
bloques de música que forman parte de la banda sonora de una película.
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Tradicionalmente se llevaba a cabo practicando una serie de perforaciones regulares
en la banda sonora de las películas, que al ser proyectadas, emitían un “click” que
servía de pauta para el director de la orquesta y los músicos. Actualmente esta técnica
se ha sustituído por una banda de sonido digital que hace innecesarias las
perforaciones físicas y el tener que proyectar la película durante las grabaciones de la
música. Se suele considerar a Carl Stalling, compositor de los célebres cortometrajes
de animación de la Warner Bros. $ , como el inventor de esta técnica, pero fue Max
Steiner quien lo institucionalizó en la producción de largometrajes dramáticos.
Clímax: En cine, el momento culminante de una secuencia. Momento del más alto
interés o emoción en la acción del film, en especial de tono dramático o espectacular,
que se crea antes del desenlace.
Close-up: Primer plano, toma de acercamiento, por lo general se refiere a un
acercamiento al rostro.
Color: Fue uno de los cambios tecnológicos de posguerra, en la década del 30, que
otorgó mayor realismo y verismo a las imágenes cinematográficas. Al principio se creía
que sólo podría incrementar la noción de espectáculo sin ningún otro aporte. El color
fue aplicado en el cine por la firma Technicolor, primero de manera dicromática y
luego tricromática. Los primeros films a color fueron: dibujos animados con el film de
la Disney Árboles y flores (1932), musicales y films de época como Ben Hur (1937). La
incorporación del color se dio de manera paulatina. Hasta la aparición de la televisión
en los 50, en el cine no se había impuesto por completo. Los usos estéticos sobre lo
cromático forman parte del lenguaje visual de un director, como la paleta de un
pintor; algunos lo enfatizan y otros lo opacan. Ej.: El vientre de un arquitecto (P.
Greenaway, 1987), la trilogía Bleu, Blanc, Rouge (K. Kieslowski), Flores de Fuego (T.
Gitano, 1997), entre otros.
Combo: [>> video assist]: Sistema de lentes que se acopla al viewfinder de la cámara
y permite ver en un monitor de vídeo lo mismo que está tomando la cámara. Esto
facilita que varias personas vean a la vez la imagen y la discutan; acción que de otra
manera implicaría turnarse para mirar por el visor de la cámara. Generalmente
cuentan con una grabadora de vídeo, para guardar un registro de todo lo rodado.
Comedia: El inicio del cine estuvo marcado por la comedia, a partir de la legendaria
El regador regado (1896), de los hermanos Lumière, donde encontramos el primer gag
de la historia del cine. Es un género de entretenimiento como el origen mismo del
cine. Su carácter de espectáculo tomado del teatro se impuso en la pantalla y en la
risa del espectador. Sennett, Linder, Keaton, Chaplin, los hermanos Marx, los Tres
chiflados, el Gordo y el Flaco, las distracciones de Peter Sellers, a lo que se suman las
Historia mundial del cine
 22

tortas de crema, las persecuciones, el absurdo, las torpezas, las caídas y los enredos
más disparatados.

Hay varios tipos de comedia:

 Comedia romántica, se desarrolla en torno a enredos amorosos:

Ninotchka (E. Lubitsch, 1939).

 Parodias, donde la imitaciones burlescas puede hacerse sobre

situaciones, películas anteriores, estilos y personajes:

“The Philadelphia Story” Historias de Filadelfia (G. Cukor, 1940).

 Comedia burlesca, se arma en función del uso de continuos gags y del

caos:

”The Naked Gun: From the Files of Police Squad!” ¿Y dónde está el
policía? (Zucker, 1988).
“Una noche en la ópera” (hermanos Marx, Dir. Sam wood 1935).
 Comedia animada, donde se mezclan actores con personajes
 Comedia americana, basada en los éxitos teatrales de Broadway, animados.
brilló en las décadas del 30 y 40:

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Quién engañó a Roger Rabbit (R. Zemeckis, 1988).
 Comedia negra, se desarrollan temas donde la sátira juega un rol
importante sobre temas como la muerte. Bailando en el cementerio
(N. Hurran, 2002).
Compaginador: Trabaja en la sección de montaje. Específicamente se encarga
de ordenar y compaginar todos los fragmentos sonoros y visuales de la
película. Suele tener un ayudante de compaginación.
Conflicto: Enfrentamiento entre fuerzas y personajes que desarrollan la
acción.
Continuidad: Se denomina así a las imágenes que fluyen en un continuum
espacio-temporal, sin saltos bruscos entre sí. Es una manera de facilitar la
comprensión narrativa de lo que se está contando. Es, para dar un ejemplo,
todo lo contrario al zapping y a los videoclips, donde se pasa de una imagen a
otra sin conexión aparente entre ellas. El cine clásico de Hollywood hizo de la
continuidad un modelo de hacer cine y de contar historias.
Contenutismo: Consiste en la valoración de una película por sus contenidos,
relegando a un segundo plano el estilo y la forma. Valora sobre todo el mensaje
y la trascendencia de la historia en el espectador.
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Continuidad/raccord/racor: En el guión es la construcción absolutamente
detallada de la historia redactada de manera literaria, escena por escena y con
sus diálogos. En el rodaje es coherencia entre los elementos de un plano y los
de los siguientes. Al rodarse las películas frecuentemente en desorden
cronológico (ya que se filma atendiendo a campos de luz, decorados,
intensidad de las secuencias, climatología o compromisos de disponibilidad de
actores, medios o personal técnico), el cuidado de la continuidad es esencial
para evitar rupturas en la fluidez de la acción o el diálogo, así como
discrepancias en los detalles, grandes o pequeños.
Contracampo: Espacio visual simétrico al campo, o sea, el campo contrario, al
revés.
Contrapicado: Ángulo que se obtiene cuando la cámara filma desde abajo
hacia arriba, y se agranda el objeto o la figura humana que toma.
Contraste: Intervalo de luminosidades de un sujeto, desde las sombras hasta
las luces.
Copia Cero: Primera versión de la película, ya montada y con la banda sonora
armada, que se utiliza para afinar el etalonaje**, es decir corregir las
densidades de luz y otros aspectos de la fotografía en el laboratorio para hacer
luego la copia definitiva.
Copión: [>> rushes]: Material revelado y copiado, sin ningún tipo de efecto de
laboratorio y sin editar. Su visionaje (por lo general, diario) permite chequear
el resultado de la jornada de rodaje y decidir si algún plano debe volver a
filmarse. Posteriormente al visionado es empleado por el montador para ir
haciendo la copia de trabajo o copión de trabajo.
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Copodrucción: Sistema de financiamiento compartido entre dos países para
realizar una película. Se comparten actores, locaciones y personal técnico.
Apunta a atraer al público de ambos lugares, con lo cual la apuesta al éxito es
doble y las ganancias compartidas.
Coral o Historial Coral: Salta de las reglas de la estructura clásica de un guión
cinematográfico y hace que pequeñas historias cotidianas, tan banales o
insignificantes, se entremezclen entre sí y converjan para constituir un relato.
Los ejemplos de ese tipo de cine en el que las historias individuales se
superponen unas a otras para formar la historia coral, cuando las vidas de
muchos personajes toman una misma dirección a partir de un instante, de un
accidente, de un hecho puntual. Es el caso de películas como “Crash” de Paul
Haggis, “Vidas cruzadas” de Robert Altman, “21 gramo”» de Alejandro
González Iñárritu, “Los tres entierros de Melquíades Estrada” de Tommy Lee
Jones, o “Pulp Fiction” de Quentin Tarantino.
En una película coral, los diálogos deben adecuarse al “friso” general que
pretenda reflejar la película, pero no deben ser diálogos argumentales, es
decir, no deben conducir hacía ninguna situación porque en una película coral,
no hay acción y apenas tiene argumento, aunque ocurran muchas cosas.
Cortadora de negativo: Trabaja en la sección de montaje. Se ocupa de cortar y
armar los negativos originales obtenidos por la cámara. Efectúa la
sincronización y los empalmes necesarios para su posterior uso en la máquina
copiadora.
Corte: Es una modalidad de montaje que se usa para pasar o cambiar de un
plano a otro. Puede hacerse de manera notoria como un salto, para pasar a
otra situación, a otro ambiente, a una imagen opuesta a la anterior, etc., o
puede hacerse sutilmente para no entorpecer la continuidad del relato y pasar
inadvertido frente al espectador que seguirá la acción. Un ejemplo del primer
tipo de corte se da en el film alemán Corre Lola Corre (Tom Tykwer); el segundo
es el utilizado por el cine clásico norteamericano.
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Es la forma directa de efectuar la transición entre dos planos. Se llama también
cambio de plano por corte simple.Paso o unión de un plano con otro, por
medio del enlace o empalme directo sin que haya ningún otro plano
entremedio.
Cortinilla: Efecto óptico que permite substituir de manera gradual una imagen
por otra, en diferentes direcciones.
Cortometraje: Es una película con una extensión menor a media hora. Es el
paso previo para los realizadores que desean llegar al largo. Un campo para la
experimentación. En las escuelas o universidades de cine, realizar un corto es
uno de los ejercicios iniciales para familiarizarse con el lenguaje
cinematográfico. La síntesis argumental que requiere un cortometraje, implica
todo un desafío, ya que en poco tiempo se debe desarrollar una trama
argumental con las características narrativas de una historia: introducción,
nudo y desenlace, del cual surgen films más que interesantes.
Covers o Cover Sets: Locaciones** de una película que se contemplan en el
plan de rodaje como alternativa a la locación principal, en el caso de que esta
no pueda ser utilizada el día estipulado por algún motivo, generalmente de
tipo meteorológico. Por ejemplo: si llueve el día en que se iba a filmar en la
plaza, se va a filmar otra escena en una oficina (cover).
Crédito: (por rótulos, títulos). Anglicismo innecesario que se refiere a los títulos
que anteceden o siguen a una película, en la que se citan todos los datos de
realización de la misma. A veces se les denomina, en redundancia, títulos de
crédito. Tienen una gran importancia para conocer lo que hay tras una película.
Algunos directores se han esmerado en presentarlos de forma cinematográfica
convirtiéndolos en verdaderas obras clásicas.
Crítica: Por lo común, la crítica es la actividad de aquellos profesionales que
expresan un juicio sobre una determinada materia. De ahí que suela vincularse
Historia mundial del cine

a los críticos de cine con esas recensiones y reseñas que, en la prensa, analizan
las películas recién estrenadas. No obstante, la crítica cinematográfica es una
actividad más amplia, que incluye el estudio del lenguaje del cine, de su
historia y del recorrido profesional de quienes lo elaboran. Muchas veces, los
críticos de cine son partidarios de una determinada teoría estética o defienden
cierta ideología. Lógicamente, ese alineamiento fundamenta sus opiniones e
identifica su perfil intelectual.
Crominancia: Parte de la señal de vídeo que contiene la información de color
(matiz y saturación)
Cuadro: Lo que vemos se relaciona con un espacio más amplio que existe a su
alrededor (fuera de la pantalla). Por las características propias del cine, el
espectador reacciona ante la imagen como lo hace ante la representación
realista de un espacio imaginario que va percibiendo; es “una ventana abierta
al mundo”, como esbozó el teórico francés André Bazin.
Hay otro término relacionado con el CAMPO y que existe sólo en función de
éste: es el FUERA DE CAMPO. Este término señala a algunos elementos
(personajes, objetos, decorados, etc.) que, por más que no estén dentro del
campo, son considerados por el espectador de manera imaginaria. Por
ejemplo, si un personaje dirige su mirada hacia los laterales (bordes) del
cuadro y comienza a hablar, el espectador supondrá que alguien, que no
vemos, está allí interactuando o escuchando a nuestro personaje.
Por último, la utilización y disposición de los elementos dentro del campo o
fuera del campo corresponden a elecciones estéticas y estilísticas del
realizador.
Cue-Sheet: Traducido del inglés como “hoja de sonorización”. Listado de todos
los bloques que figuran en una película donde se detalla su duración exacta,
su autoría (si es obra del compositor contratado para la película o se trata de
música de librería) y su naturaleza diegética** o incidental**. La realización de
este guión musical es necesaria como herramienta de trabajo para la post-
producción, así como para concretar el material que granjeará derechos de
autor a su compositor.
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Cult-Movie: Expresión inglesa para “película de culto”. Se refiere a una cinta
que por determinados elementos o influencia generacional ha propiciado un
culto, ya sea por su trama, personajes, banda sonora o estética. Aunque no
necesariamente por su calidad. Son cintas “de culto” -por ejemplo- la saga de
La guerra de las galaxias, Naranja Mecánica, Lo que el Viento se Llevó,
Casablanca, etc.
Curva de Color: Demostración gráfica del rendimiento cromático de un tipo
de luz.
Curva Sensitométrica: Gráfico que representa la relación entre exposición y
densidad de los materiales fotográficos bajo condiciones de revelado
controladas. Estas magnitudes se miden con un densitómetro y se expresan en
unas coordenadas donde el eje horizontal corresponde a los valores de
exposición de material
fotográfico y el eje vertical a los valores de densidad de dicho material. La curva
informa sobre la sensibilidad de la película, el nivel de velo, el contraste y la
reproducción de los distintos valores tonales. La película blando y negro tiene
una sola curva, mientras que la película color tiene 3, una por cada emulsión.
Cámara lenta. Efecto que se logra acelerando el paso de imágenes ante el
obturador y proyectando a más velocidad. Es la forma popular de llamar a la
ralentización de la imagen (o ralentí) que, de forma paradójica, se consigue
proyectando a velocidad normal (24 f/sg) imágenes rodadas a mayor cadencia
(48 ó 72).
Cámara rápida o acelerado. Se logra con cámaras de filmación lenta y
reproduciendo a mayor velocidad. Es el efecto que proporciona lo que
llamamos celuloide rancio, de apariencia cómica, por lo que actualmente se
utiliza muy poco.
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Cameo. Aparición breve de una persona famosa como figurante o en un
papelito breve usualmente se maneja de manera incidental y sin trascendencia
en la trama los más celebres son los protagonizados por el director ingles
Alfred Hitchcock.
Recuadros “Frames” de las peliculas: North by Northwest (1959), Lifeboat (1944) y The
Birds (1963),
Campo. Es el espacio en el que entran todos los personajes y objetos visibles
en la pantalla. Lo que nos suponemos u oímos queda fuera de campo.
Casting. Es el proceso de búsqueda y selección de los actores para el reparto
de un film.
Chroma Key (Croma): Es una técnica audiovisual muy común para extraer color
a la imagen y en su lugar insertar otro color o imágenes generadas por
ordenador. Lo más habitual es contar con pantallas verdes, debido a su
enorme diferencia con el color de la piel humana.
Cine. De cinematógrafo (Hermanos Lumière)
Cine de arte y ensayo. Se denominó de esta forma a un cine cuya
característica más definitoria era su capacidad de innovación y
experimentación formal. Se empleó inicialmente el término para diferenciar a
las películas «artísticas» de las exclusivamente comerciales. Aunque no existió
nunca como movimiento o tendencia se pudo consolidar en cierto momento
cuando algunas películas se proyectaban casi exclusivamente en determinados
cines, llamados de «arte y ensayo» que circulaban en dicha red de distribución.
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Se consideraron así a algunos grandes directores que no tenían mucho que ver
con el cine industrializado de Hollywood, como Fellini, Bergman o Antonioni,
ya sea por poner el énfasis en aspectos tales como la originalidad o la
individualidad, ausentes del cine de Hollywood, o simplemente por su
característica de ser «extranjero».
Cine de vanguardia. Este calificativo abarca una inmensa variedad de
tendencias en la historia del cine, ya que es un término relativo al momento
en el que se denomina. En esta categoría de filmes se suele incluir no sólo a
estilos tan diversos como el dadaísmo, el surrealismo, el futurismo, el
impresionismo, el expresionismo o la abstracción, sino el llamado cine
marginal o «underground». Entre los logros que han caracterizado muchas
películas de vanguardia está la búsqueda de una forma poética más pura y libre
de la lógica narrativa, la profundización en el realismo o el desdén por el
naturalismo. Una figura de renombre Universal $ es Luis Buñuel.
Cine independiente. En los EEUU, a partir de la década de los 60, la nueva
generación de directores se forman en la televisión. Se trata de unos cuantos
cineastas inquietos también por hacer un nuevo cine narrativamente más
independiente que no por el producido tradicionalmente por Hollywood;
directores como Cassavettes, Lumet, Mulligan, Penn o Nichols. Muchos de
ellos operaron desde Nueva York y crearon el cine underground,
anticomercial, antihollywood y de vanguardia.
Cine Underground (Cine-subterráneo). Término acuñado por la prensa para
describir a todo el cine marginal, abarcando aspectos importantes del cine
independiente.
Cinéma verité. Paralelamente a la «nouvelle vague», muy cercano al mismo y
con grandes coincidencias aparece en Francia el, «cinéma verité», de
tendencia documentalista, que busca captar la vida tal como es. Nace a partir
de la necesidad de algunos cineastas de filmar la realidad sin
condicionamientos. Se hace posible con la fabricación de cámaras más ligeras,
que permiten sincronizar al mismo tiempo el sonido, sin necesidad de la
Historia mundial del cine
 27

claqueta. Las filmaciones con la cámara al hombro, cambian muchos de los

principios del cine y hacen posible la improvisación. De alguna manera era
heredero de la filosofía fenomenológica. Históricamente podemos situar en Contenutismo. Consiste en la valoración de una película por sus contenidos,
este estilo el cine de Dziga Vertov y de Robert Flaherty; pero tuvo especial auge relegando a un segundo plano el estilo y la forma. Valora sobre todo el mensaje
a fines de los 50 y principios de los 60 en cineastas franceses como Jean Rouch, y la trascendencia de la historia en el espectador.
Edgar Morin, Chris Marker, Willy Rozier y François Reichenbach, y en los
norteamericanos Don A. Pennebaker, Robert Drew y Richard Leacock.
Comedia. Género destinado a provocar risa y diversión.

CinemaScope. Un formato panorámico de pantalla. Fue un cambio sustancial

en la proyección y filmación de películas, al lograr una visión espectacular de
situaciones y paisajes. La primera película fue «La túnica sagrada»,
Cinerama. Sistema de filmación y proyección, en el que con tres cámaras de
35 milímetros se rodaba la escena y tres proyectores pasaban
simultáneamente las tres películas sobre una gigantesca pantalla curva que
abarcaba prácticamente el campo de visión de los espectadores. Se estrenó en
Nueva York el 30 de septiembre de 1952.
Continuidad/raccord/racor. En el guión es la construcción absolutamente
detallada de la historia redactada de manera literaria, escena por escena y con
sus diálogos. En el rodaje es coherencia entre los elementos de un plano y los
de los siguientes. Al rodarse las películas frecuentemente en desorden
cronológico (ya que se filma atendiendo a campos de luz, decorados,
intensidad de las secuencias, climatología o compromisos de disponibilidad de
actores, medios o personal técnico), el cuidado de la continuidad es esencial
para evitar rupturas en la fluidez de la acción o el diálogo, así como
discrepancias en los detalles, grandes o pequeños.

Claqueta. Pizarra que lleva escrito el título de la película, el del director y el del Corte. Es la forma directa de efectuar la transición entre dos planos. Se llama
director de fotografía, además de unas casillas libre en las que se escribe el también cambio de plano por corte simple.
número de secuencia, de plano y de toma. Una bisagra la una a una tira de
madera, con la que se puede dar sobre la pizarra un golpe seco (clac). Al filmar
ese golpe con sonido directo, al mismo tiempo que impresiona el fotograma
Cortometraje. Película de una duración menor a 30 minutos.
registrar el sonido, con lo que facilita la sincronización posterior en el
momento del montaje. Los textos en la pizarra ayudan a ordenar el material
filmado.
Crédito. (por rótulos, títulos). Anglicismo innecesario que se refiere a los títulos
que anteceden o siguen a una película, en la que se citan todos los datos de
realización de la misma. A veces se les denomina, en redundancia, títulos de
Cliffhanger: Son situaciones inacabadas al final de la película que generan
crédito. Tienen una gran importancia para conocer lo que hay tras una película.
suspense en el espectador y le provocan ganas de querer ver la siguiente cinta,
Algunos directores se han esmerado en presentarlos de forma cinematográfica
en la que se presupone que se resolverá dicho "gancho".
convirtiéndolos en verdaderas obras clásicas.

Climax. En cine, el momento culminante de una secuencia.

Crossover: Es cuando dos películas o sagas se unen para dar lugar a otra
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Cuadro. Zona delimitada por los cuatro bordes de la pantalla.
D
DAT (Digital Audio Tape): Aparato de registro y reproducción de audio digital
que utiliza una cinta magnética de 4 mm.
Degidesign: (Degidesign, Inc.) Compañía norteamericana dedicada a la
fabricación de productos para la producción
y posproducción por ordenador de audio digital, que en 1994 se fusionó con
Avid Technology Inc. Entre sus productos más conocidos se encuentran
ProTools y Audiovisión. www.degidesign.com.
Degradados: Filtro teñido de un determinado color, el cuál se difumina
gradualmente desde un extremo alcanzado
la transparencia en la mitad del filtro.
Decorados, cine: Espacios artificiales de diversos materiales y en especial de
cartón-piedra y madera que simulan lugares reales. Es el marco de referencia
espacial y temporal que no sólo contiene a los personajes, sino que también
ambienta la historia. Un lugar donde trascurre la acción y que contextualiza
estéticamente las escenas. Los primeros decorados eran interiores, desde
simples ambientaciones con un telón pintado hasta toda una construcción
minuciosa y artística como en El gabinete del doctor Caligari. Luego ganó
terreno la filmación en exteriores, porque daba un mayor realismo a la
narración, como fue el caso del western. Simples, suntuosos, realistas y
fantásticos, los decorados evolucionan como parte de la magia del cine.
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Decibelio (dB): Unidad logarítmica que indica una relación entre dos potencias.
Decorados: Espacios artificiales de diversos materiales y en especial de cartón-
piedra y madera que simulan lugares reales. Durante mucho tiempo los
directores los preferían, debido a la facilidad para el control de la luz y para el
movimiento de la cámara. A partir de los movimientos cinematográficos
europeos tras la II guerra Mundial, los escenarios naturales, -rodar en las
calles, por ejemplo- se hicieron cada vez más comunes.
Desenlace: Momento del argumento que pronto conducirá al final de la
historia que se quiere narrar; pone en orden las distintas piezas que han
intervenido hasta entonces y prepara, pues, el final.
Es el momento final de un film, en el que se resuelve el relato, feliz,
trágicamente o con final abierto a varias posibilidades.
Diafragma: Mecanismo que regula la cantidad de luz que llega a través del
lente** a la película fotográfica. Casi todos los diafragmas ajustables adoptan
el diseño de iris, el cuál está formado por un conjunto de laminillas que se
solapan determinando entre sí una abertura de forma aproximadamente
circular y de diámetro variable (ver stop**). El diafragma determina también
la profundidad de campo**. Las pequeñas aberturas dan mayor profundidad
de campo y viceversa.
Dietas: Cantidad económica que percibe un trabajador cuando se halla a más
de 50 Km del lugar de procedencia de la empresa
Diegética (música): Toda música cuya existencia queda justificada dentro de la
diégesis fílmica, es decir, la ficción concreta que propone cada secuencia. Esta
justificación puede ser explícita o implícita, según el grado de concreción de la
fuente de origen de la música: si la secuencia incluye un plano en el que se
Historia mundial del cine

explicite de dónde surge la música (un tocadiscos, una orquesta, una radio), se
trata de música diegética explícita, pero si la secuencia trasncurre en un bar,
la lógica opera implíctamente como justificación y no será necesario un plano
que indique la procedencia exacta de la música. La música diegética puede ser
original o preexistente. Se opone a la música incidental**.
Diégesis: Término cinematográfico si los hay. Porque se refiere al mundo que
muestra el cine cuando nos cuenta una historia, es todo lo que pertenece a la
narración que se está desarrollando. No sólo es lo mostrado ante el
espectador, sino también lo sugerido, de lo cual lo mostrado es sólo parte.
La ficción se relaciona con la diégesis, al representar un mundo creado por la
imaginación y hasta con leyes y códigos propios como lo establecerán los
géneros.
La diégesis cinematrografica es el contexto que propone y en el que se
desarrolla la película. El mundo (ficticio) en que las situaciones y eventos
narrados ocurren.
Director, cine: es el encargado principal de llevar a cabo el desarrollo de una
película y quien la dirige en su totalidad.
El rol del director fue evolucionando y ganando un espacio, que antes era
cedido a la producción como iniciadora de un proyecto cinematográfico,
donde el director era un colaborador más.
El director independiente es el autor de una obra, considerado muchas veces
como un verdadero artista. Su rol es muy amplio, pues produce la película,
escribe el guión, elige los actores, hace cámara, elige las locaciones para filmar,
etcétera. Además indica cuál es el mejor encuadre y el plano adecuado para
una toma, qué banda sonora es la más apropiada, etc., y es el máximo
responsable en el armado final de la película (posproducción).
El director puede imponer su marca personal como un sello inconfundible de
calidad y estilo, así damos por sentado que cuando decimos “es una película
de Bergman” sabemos a qué nos referimos, pero también puede pasar
inadvertido y actuar como el ejecutante de un rol más, dentro del universo
cinematográfico.
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Responsable creativo del film. Es su función dirigir la puesta en escena a partir
de un guión técnico en el que debe tener gran responsabilidad y libertad. Debe
también supervisar el montaje, aunque no siempre los responsables de
producción les permiten total libertad. Muchos directores aspiran también a
producir con el fin de tener la libertad plena.
Difusores: Planchas delgadas de diferentes materiales que se usan con el
objetivo de difuminar la luz, para disminuir su incidencia sobre un objeto o un
actor.
Dimmer: Interruptor eléctrico que permite variar la intensidad de luz emitida
por una bombilla.
Disolvencia: Acción de desvanecer gradualmente una escena, cosa que indica
el paso del tiempo de una escena a otra, al pasar de un plano a otro.
Distancia mecánica: La que se logra mediante objetivos, sin trasladar la cámara
de lugar. Existen objetivos llamados grandes angulares, que amplían el campo
de visión, y los teleobjetivos, que lo acercan. Existen, además, objetivos de
distancia focal variable (zoom) que posibilitan incluso el cambio de dicha
distancia en plena toma.
Documental: Como su nombre indica, el cine documental pretende ofrecer un
documento de la realidad. La cámara se sitúa ante el fenómeno que quiere
retratar, y lo capta con el mayor índice de verosimilitud posible.
Se trata de una fórmula compleja, pues aunque la mencionada premisa lo
distingue del cine de ficción, el documental también echa mano de los recursos
narrativos propios de aquél. Por ejemplo, toda producción parte de un guión
que recrea los hechos, hilvanándolos en una historia con variados niveles de
subjetividad.
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De igual modo, un documental es el producto de un montaje de escenas, y en
este sentido también se aproxima a las películas de ficción. No obstante, como
valores distintivos, cabe insistir en su afán de verosimilitud y en su
aproximación inmediata a la realidad que procura mostrar. Precisamente esos
dos criterios fueron aprovechados por corrientes como el free cinema con el
propósito de alcanzar un mayor realismo.
El inicio del cine comenzó siendo un registro de la realidad, una forma de
“documentar” una porción del mundo. La tarea del documental es probar y
demostrar algo que se propone: por ejemplo, cómo viven los esquimales;
cómo se reproducen las células; a partir de un argumento, se seleccionan las
imágenes y los sonidos que representan la mayor verosimilitud y objetividad
posibles.
El documental describe e interpreta el mundo colectivo. Su desarrollo deberá
contar con juegos sintácticos y estrategias retóricas para que todo lo que se
muestre tenga una presencia tangible: “esto es así” y no está inventado, como
la ficción. El documentalista construye “su” verdad y lo hace bajo un discurso
denotativo, apelando al espectador, porque su punto de vista estará relación
a su posición política, ideológica, social o moral.
Desde el iniciador y recordado Nanook el esquimal, de Robert Flaherty hasta
los documentales recientes de Michael Moore, el documental es un género
que indaga y reinterpreta el mundo.
Según Grierson, es un tratamiento creativo con imágenes reales. Es muy
relativa la definición pues en el género documental, para presentar algo como
real, se utilizan en la mayoría de ocasiones unas grandes dosis de truco y
manipulación.
Documental observador o cine directo: Es un tipo de documental que surgió
en los años 60 y que se centró en registrar aquellos lugares ocultos u olvidados
por la sociedad: por ejemplo, los asilos, los neuropsiquiátricos, etc. Con sus
cámaras ocultas, se penetraba en lugares que antes no se podía llegar o
alcanzar. Las conclusiones quedaban en manos del público, por lo tanto sus
resultados eran ambiguos. No promovía nada, el documentalista sólo
observaba. Eran películas destructoras de estereotipos. El autor aspiraba a ser
invisible. Su verdad la encontraba en sucesos accesibles a la cámara, a la que
llevaba ante una situación determinada y se aguardaba hasta que se produjera
Centro Cinematográfico del Sureste
30
una crisis. Este tipo de documental se preguntaba hasta qué punto la cámara
influye en los hechos que se filman.
El término de cine directo se refiere a los films de personas desconocidas o no
famosas. En El vendedor (de los hermanos Maysles) se registra a un vendedor
de Biblias que las ofrece de casa en casa. Por su parte, Fred Wiseman creía que
la gente tenía derecho a saber lo que pasa a su alrededor, por ejemplo, Titicut
Folies (1967) mostraba lo que sucedía dentro de un Instituto para insanos
criminales.
Doblaje, cine: es el cambio de las voces originales de la película por otras
diferentes en la etapa de la posproducción, o sea, al término de la filmación.
Se puede doblar en otro idioma o en el mismo, lo pueden hacer los mismos
actores u otros. El doblaje puede servir de ayuda ante la dificultad de leer los
subtítulos.
También se utiliza cuando se transmite por televisión, dirigida al público
masivo. En España es muy común la exhibición de películas dobladas al
castellano.
Traducir sus diálogos al idioma del país en el que se proyecta la película. Los
actores de doblaje son actores especializados que ponen voz al texto
traducido.
Aplicar la voz en los diálogos tras el rodaje, y montaje, del film. Se utiliza para
poner en el idioma de los espectadores lo que se había rodado o producido en
otro idioma.
Dobles, cine: Son quienes reemplazan a un actor o actriz en escenas riesgosas
o de desnudez, o de algún tipo de destreza que los actores no están dispuestos
a realizar. Es parte de los trucos que usa el cine para que la ficción sea lo más
fiel posible a la realidad, y para que la estrella en cuestión se luzca ante
nuestros ojos, aunque nos engañen los sentidos.
Dogma 95: (En danés Dogme 95) es un movimiento fílmico desarrollado en
1995 por los directores daneses Lars von Trier, Thomas Vinterberg, Kristian
Historia mundial del cine

Levring y Soren Kragh-Jacobsen. Su meta es producir películas simples, sin
modificaciones en la post-producción, poniendo énfasis en el desarrollo
dramático. Se rigen por un manifiesto que incluye las siguientes reglas:
 El rodaje debe realizarse en exteriores. Accesorios y decorados no
pueden ser introducidos (si un accesorio en concreto es necesario
para la historia, será preciso elegir uno de los exteriores en los que se
encuentre este accesorio).
 El sonido no debe ser producido separado de las imágenes y
viceversa. (No se puede utilizar música, salvo si está presente en la
escena en la que se rueda).
 La cámara debe sostenerse en la mano. Cualquier movimiento -o
inmovilidad- conseguido con la mano están autorizados.
 La película tiene que ser en color. La iluminación especial no es
aceptada. (Si hay poca luz, la escena debe ser cortada, o bien se puede
montar sólo una luz sobre la cámara).
 Los trucajes y filtros están prohibidos.
 La película no debe contener ninguna acción superficial. (Muertos,
armas, etc., en ningún caso).
 Los cambios temporales y geográficos están prohibidos. (Es decir, que
la película sucede aquí y ahora).
 Las películas de género no son válidas.
 El formato de la película debe ser en 35 mm.
 El director no debe aparecer en los créditos.
DOKURITSU PURODAKUSHUN: Produccion independiente en el cine
japonés
Dolby: Sistema de reducción de ruidos que acompañan a una señal acústica,
aumentando entre 10 y 15 db la relación señal ruido. Hace uso de filtros que
subdividen la señal en varias bandas a fin de ser tratadas individualmente y en
forma codificada. El sistema actúa durante la grabación y la reproducción.
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31
Dolby SR (Spectral Recording): Sistema de sonido analógico de Dolby. Utiliza
3.1 canales de sonido: izquierdo, central, derecho y subwoofer. Esencialmente
el Dolby SR es el grado más alto de sonido analógico.
Dolby SR-D: Sistema de sonido digital multicanal de Dolby. Utiliza 5.1 canales
de sonido: surround izquierdo, izquierdo, central, derecho, surround derecho
y subwoofer. Como todos los sistemas de audio digital, utiliza un respaldo
analógico: si una sala no está equipada con sistema digital, o si ocurre una falla
en la unidad SR-D, la película puede ser reproducida con sonido analógico.
Dolly: Vehículo sobre el cual se emplazan la cámara y el operador. Es como un
travelling con ruedas de goma Carrito sobre el que se monta la cámara.
Drama, género: El tono de la obra dramática puede ser tanto trágico como
cómico. Como género cinematográfico, el drama está asociado a las tramas
con conflictos entre los principales personajes: historias de amores imposibles
(Los puentes de Madison), de injusticias raciales (El color púrpura), conflictos
internos (Mi pie izquierdo), basados en hechos históricos (Garaje Olimpo),
etcétera.
Se caracteriza por utilizar un discurso que apela a la sensibilidad y a la emoción
del espectador, no sólo a través del guión, sino de la música, la fotografía y del
buen desempeño actoral.
Drive-in: Se denominaron así los cines para coches, los autor-cines, que
proliferon en Estados Unidos en los años cincuenta y en Alemania y otros
países europeos años más tarde. Son escenarios muy utilizados por el cine
estadounidense para algunas secuencias de películas juveniles de época.
DSR: Significa “Digital Stream Rip” (ripeo de una fuente digital). Es un ripeo que
se ha capturado de una fuente digital que no es un estándar, como la televisión
por satélite.
Historia mundial del cine
 32

Desenlace. Es el momento final de un film, en el que se resuelve el relato, feliz,

DVDRip: Es una copia comprimida de un DVD. Tienen muy buena calidad de
video y de sonido. Pueden contener audio MP3, OGG ó AC3, y la definición del
video es muy buena en relación al tamaño/calidad del archivo.
DVDSCR: Son películas extraídas de un DVD de promoción. La calidad es igual
que la de DVDRip, pero a diferencia del DVDRip, estos salen mucho antes y
suelen tener leyendas (en la parte inferior de la pantalla) o contadores (reloj
en la parte superior), y en algunos casos hasta pueden contener partes en
blanco y negro.
DVD R: Un DVD+-R es simplemente un DVD, es copia generalmente fiel de un
original. En ciertos casos pueden omitir menus, o cambiar subtítulos por los de
otro idioma. Pero siempre la calidad va a tender a ser la mejor posible.
trágicamente o con final abierto a varias posibilidades.
Director/Directora. Responsable creativo del film. Es su función dirigir la
puesta en escena a partir de un guión técnico en el que debe tener gran
responsabilidad y libertad. Debe también supervisar el montaje, aunque no
siempre los responsables de producción les permiten total libertad. Muchos
directores aspiran también a producir con el fin de tener la libertad plena.
Distancia mecánica. La que se logra mediante objetivos, sin trasladar la cámara
de lugar. Existen objetivos llamados grandes angulares, que amplían el campo
de visión, y los teleobjetivos, que lo acercan. Existen, además, objetivos de
distancia focal variable (zoom) que posibilitan incluso el cambio de dicha
distancia en plena toma.

DVD CUSTOM: Es un dvd casero. Creado desde algun archivo de multimedia,
quedando en su interior archivos IFO e VOV. la calidad de este DVD dependera
del origen de la fuente (grabacion casera, dvdrip, xvid, divx, minidv, dvcam,
etc.)
Doblaje. Aplicar la voz en los diálogos tras el rodaje, y montaje, del film. Se
utiliza para poner en el idioma de los espectadores lo que se había rodado o
producido en otro idioma.

Documental. Según Grierson, es un tratamiento creativo con imágenes reales.

Es muy relativa la definición pues en el género documental, para presentar
Dynamation: Software de animación, que permite la ineractividad y algo como real, se utilizan en la mayoría de ocasiones unas grandes dosis de
modificación realista de imágenes naturales. Fabricado por la compañía truco y manipulación.
norteamericana Alias/ Wavefront.

Decorados. Espacios artificiales de diversos materiales y en especial de cartón-

piedra y madera que simulan lugares reales. Durante mucho tiempo los
directores los preferían, debido a la facilidad para el control de la luz y para el
movimiento de la cámara. A partir de los movimientos cinematográficos
europeos tras la II guerra Mundial, los escenarios naturales, -rodar en las
calles, por ejemplo- se hicieron cada vez más comunes.

Centro Cinematográfico del Sureste Historia mundial del cine


E
Edición: Se llama así al montaje cuando se hace en vídeo o sistemas
informáticos. En sentido amplio, editar es montar.
Edición Digital: Montaje elaborado mediante equipos informáticos, ya sea
basado en hardware o software.
Editor de sonido: Toda banda sonora se compone de música, sonidos, ruidos,
efectos especiales, diálogos y doblajes. El editor de sonido es quien se encarga
de obtener, darle un orden y compaginar los ruidos y sonidos que se requieran
en una película.
Editbox: (Quantel) Sistema digital de edición no lineal por ordenador de audio
y video, fabricado por la compañía inglesa Quantel Inc. www.quantel.com
Efectos Digitales: Efectos realizados con ordenador, distintos de los especiales,
que son puramente mecánicos y hechos en rodaje.
Efecto: En la técnica de algunos espectáculos, trucos o artificios para provocar
determinadas impresiones que producen ilusión de realidad.
Efectos especiales: El recordado ilusionista y cineasta francés Georges Méliès
introdujo los trucos, o sea su magia, a la magia del cine. En principio los realizó
desde la cámara, durante el rodaje, o manipulando los objetos. Así, todo efecto
especial modifica lo filmado, con el fin de generar una nueva imagen. Los
efectos especiales también pueden realizarse en la etapa de posproducción,
creando objetos, personajes y hasta espacios nuevos. El advenimiento del
digital posibilitó la independencia completa de lo visto en pantalla con lo
Centro Cinematográfico del Sureste
33
filmado de la realidad, como era hasta entonces. En el cine, ya nada es
imposible.
Todo el cine está repleto de efectos especiales, ya sean difíciles o complicados,
aunque generalmente se les asigna más a los que son peligrosos o
complicados. Lo que sí es característico de ellos es que siempre responden a
técnicas de trabajo, algunas muy sofisticadas. Pueden ser mecánicos, sonoros,
físicos, químicos, cinéticos… La lluvia, la niebla, los terremotos, el fuego, los
cristales trucados, la nieve la sangre falsa, etc.
Efectos Sala: Conjunto de sonidos y ruidos producidos artificialmente o bien
extraídos de la propia vida real, que crean o recrean la realidad que se muestra
en el film, ya sea porque el sonido directo** no logro capturarlos o porque no
existían en la escena durante el rodaje.
Se trata de pasos, monedas que se caen, vasos que se apoyan, cierres, etc.
EIZO-SAKKA: Director artistico en el cine japonés
Eje de Acción: Recta imaginaria que atraviesa él o los personajes, determinada
por su dirección de mirada. Este eje funciona como parámetro para la
continuidad y coherencia entre las distintas
posiciones de cámara de los planos que conforman una misma escena.
Eje de cámara: Recta imaginaria definida por la orientación de la cámara, que
se extiende desde ésta al objeto filmado.
Eje Óptico: Recta imaginaria que conecta la cámara con el objeto enfocado.
Historia mundial del cine

Eléctricos: Cada uno de los ayudantes del director de fotografía que se
encargan de llevar las lámparas, armar y desarmar los trípodes, colocar
gelatinas, etc.
Elenco: Se compone de todos los actores y actrices principales y secundarios
que participan con un papel determinado en una obra cinematográfica o
teatral.
Elipsis: Es un salto en el tiempo y/o en el espacio. El espectador no pierde la
continuidad de la secuencia aunque se han eliminado los pasos intermedios.
Empalme: Unión de dos fragmentos o planos de película que se realiza en el
montaje en moviola**.
Emplazamiento: Situación de la cámara, punto de vista o ángulo que adopta a
la hora de captar una escena.
Emulsión: En fotografía, fina capa de sustancias químicas sensibles a la luz,
adheridas a una base / soporte, que reaccionan en la exposición registrando la
imagen que recibe el objetivo de la cámara. En función de la composición de
la emulsión, distintas películas presentan distinto grado de sensibilidad a la luz.
Dicha sensibilidad se expresa en unidades ASA, cuyos valores más frecuentes
oscilan entre los 50 ASA (baja sensibilidad) y 400 ASA (alta sensibilidad).
Emulsión latente: La emulsión ya rodada y expuesta disponible para el
laboratorio.
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34
Encadenado: Una transición de planos por sobreimpresión pasajera, más o
menos larga, de las últimas imágenes de un plano y las primeras del plano
siguiente.
Paso de un plano a otro por medio de una serie de fotogramas intermedios en
que las imágenes se superponen
Encuadre: Es la selección del campo abarcado por el objetivo en el que se tiene
en cuenta el tipo de plano, el ángulo, la altura, y la línea de corte de los sujetos
y/u objetos dentro del cuadro, y su precisa colocación en cada sector, para
lograr la armonía de la composición y la fluidez narrativa con que se habrá de
montar posteriormente. Es decir, la forma de organizar la toma. Es uno de los
momentos más delicados e importantes de la filmación ya que en él se tiene
en cuenta el tipo de plano, la colocación de objetos y actores, la ubicación de
la cámara y todos los puntos de vista que se requerirán para iniciar la toma. El
objetivo capta aquel espacio de la realidad que se quiere tomar y que
posteriormente se proyectará.
Entrada: Es el billete que da derecho a la asistencia a un espectáculo. En una
entrada de cine consta el nombre de la película, sala en la que se proyecta,
numero de fila y butaca, y algunos datos más…
Encuadre: ¿Qué mira la cámara?, ese es el inicio del encuadre, el punto de vista
desde donde se registra y se observa. ¿Cómo se lo hace? Desde cada uno de
los lugares que se elija para filmar se podrá representar algo diferente, una
porción de espacio que se elige con un sentido narrativo y estético singular.
Uno de los directores más famosos que basó su filmografía en el uso del
encuadre fue Orson Welles.
Ensayo: Etapa de entrenamiento actoral y de puesta en escena previa al
rodaje. En el ensayo, se compone el personaje, surge y se le da forma,
relacionándolo con el resto de los roles y elementos que lo acompañan e
Historia mundial del cine

influencian en su desarrollo interpretativo. Dentro del ensayo hay etapas que
deben cumplirse, pero quedan a criterio de cada director. Comúnmente son
las siguientes: elección de los actores, entrevistas personales, trabajo de mesa,
improvisaciones, memorización de textos y pruebas (vestuario, maquillaje,
decorados, etcétera).
Épico, cine: Grandes presupuestos, escenarios suntuosos, ambientación
histórica, míticos personajes y la epopeya como algo grandioso, son algunos
de los pilares del cine épico, dedicado a retratar temas religiosos o bíblicos
como Los diez mandamientos o reconstrucciones históricas como Ben-Hur.
Tuvo su auge en Hollywood durante los años 50 y 60. Es un género que rescata
valores colectivos representados bajo la grandilocuencia valerosa de los
héroes.
Escaleta: Es el esqueleto del guión, en la que se detallan todas las escenas,
indicando si va a ser rodada en un espacio interior o exterior; de día o de
noche, y el lugar en el que transcurre la acción (dormitorio del protagonista,
por ejemplo). Una vez construida la escaleta, se añaden los diálogos.
Método utilizado para la escritura de guiones, que consiste en una serie de
tarjetas (una por cada escena), que permiten trabajar de una manera más
gráfica la estructura narrativa, poniendo a prueba distintos órdenes posibles.
Escanear: Digitalizar imágenes o sonidos tomados de otros soportes
materiales (película, fotografía, grabaciones musicales) para poder trabajarlos
en un ordenador.
Escena: Serie de planos que forman parte de una misma acción o también
ambiente dentro de un espacio y de un tiempo concretos.
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35
Escenarios exteriores: Como indica su nombre, el rodaje en escenarios
exteriores significa que el equipo de filmación no realiza su labor en un estudio
de cine o dentro de un edificio. En la calle o en la naturaleza, este tipo de rodaje
es extremadamente complejo, pues queda sometido a las inclemencias del
tiempo y a la variable iluminación que ofrecen las distintas horas del día. No
obstante, este planteamiento proporciona resultados de una gran frescura.
Movimientos como el neorrealismo y el cinéma vérité han sido muy proclives
a esta solución profesional.
Escenarios interiores: Dentro de un estudio de cine o de un edificio ya
existente, el trabajo de filmación en escenarios interiores supone la
adecuación de un entorno cubierto a las necesidades del rodaje. Quien se
encarga de componer ese espacio es el decorador o director artístico. Él es
quien elabora el marco físico del filme y define la concepción visual de éste.
Por ejemplo, en la película expresionista Nosferatu, el vampiro, el director
artístico, Albin Grau, dibujó los planos de todos los decorados, creando
diversas escenografías para esta tenebrosa producción. Rodar en interiores
significa que el director controla completamente cada detalle, sobre todo en
lo referido a la iluminación. A diferencia de lo que sucede cuando se rueda al
aire libre, este tipo de rodaje no sufre problemas climatológicos o derivados
de la intromisión de curiosos.
Estereotipo (Cinematográfico): Modelo o idea simplificada, que se expresa
cinematográficamente a través de ciertos personajes o pautas dramáticas. Por
lo común, los estereotipos vienen a resumir —y simplificar- líneas de
comportamiento y actitudes ideológicas, que permiten ahorrar explicaciones
superfluas, y propician la identificación del público con una serie de figuras
que, ciertamente, ya conoce. En líneas generales, se trata de elementos
retóricos, fruto de una forma narrativa que insiste en compendiar y
economizar los detalles, de manera que el relato sea guiado por figuras cuya
comprensión sea accesible a todo tipo de públicos. Entre otros estereotipos
fácilmente identificables en el cine, cabe citar al héroe libertador o justiciero,
a la doncella perseguida, al oprimido inocente, al delincuente converso y al
villano perverso y sofisticado.
Historia mundial del cine

Estudio: Espacio en el que se reúnen uno o varios platós para el rodaje de
películas. Puede contener una o varias naves para los interiores y escenarios
al aire libre para aquellos que necesiten de espacios abiertos; en ambos casos
con la posibilidad de utilizar decorados corpóreos.
Escena: Toda película está compuesta y divida por escenas. Éstas se componen
de distintos planos que se relacionan bajo un mismo criterio de unidad de
espacio y de tiempo para darle coherencia narrativa a la historia que se cuenta.
Una misma escena puede tener un solo plano y contar algo, como el inicio de
Psicosis.
Tal y como se llama en teatro, es la toma que coincide con la entrada y salida
de actores del marco de filmación. Es una unidad de tiempo y de acción que
viene reflejada en el guión cinematográfico. Suele explicar el momento y lugar
en el que sucede algo. Ejemplo: Parque de atracciones. Exterior. Noche.
Escenografía: Pertenece al área o departamento que está dentro de la
Dirección de arte. Se divide en dos grupos: la escenografía de exteriores y de
interiores. Los exteriores pueden tener distintos estilos: realista, fantástico y
espectacular. Tienen que ser situacionales y geográficos, o sea demostrar las
características propias del paisaje donde se hallan, la situación histórica y
social en la que se enmarca la historia y la época donde se desarrolla para que
sean concordantes. También deberá brindar una atmósfera adecuada, un
marco de referencia no sólo hacia lo que se está contando sino también hacia
los personajes que allí actúan.
La escenografía de interiores está relacionada con el teatro y se divide en:
clásica (donde prepondera lo arquitectónico), naturalista (utiliza telones
pintados), verista (sus decorados son fantásticos o irreales), romántica (usa
decorados grandiosos enfatizando el contexto), expresionista (la luz tiene una
función interpretativa, además de lo pictórica), realista (hace uso de utilería
real para recrear ambientes con mayor verismo), documentalista (sus
escenarios son naturales y verdaderos).
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36
La escenografía también se basa en la utilería. Las hay de dos tipos: la utilería
de campo y la utilería de acción. En la historia del cine, hay escenografías que
quedaron en el recuerdo, como las de Metrópolis, Ciudad Gótica y Gladiador,
entre tantas otras.
Se desempeña dentro de la Dirección de arte de un film. Su tarea consiste en
hacer los bocetos, maquetas y diseños de la escenografía que luego llevará a
cabo.
Escorzo: Efecto que se produce cuando un objeto o una figura humana es
tomada en un gran primer plano y, por tanto, queda desfigurada a causa del
encuadre.
Espacio: Es el determinado por el campo que toma el encuadre de la cámara.
Estética del cine: La definición de estética del cine implica el estudio del cine
como arte, la interpretación de los films como mensajes artísticos. Esta
concepción conlleva una idea sobre lo “bello”, sobre el gusto y el placer del
espectador como del teórico en su acercamiento al cine. Su campo de trabajo
son los textos (los films) plausibles de ser leídos e interpretados.
Etalonaje: [>> dosificado] Proceso químico realizado en el laboratorio que
permite dosificar la luz de la copia, con el fin de corregir el color, luz e
intensidad de la imagen, para igualar los planos dentro de cada escena y
obtener la textura y el look deseado por el director y el director de fotografía.
Es el proceso de ajuste y/o igualado progresivo de la fotografía de cada toma
montada, a partir del primer copión (moviola) o telecine (vídeo o sistema
digital). Así se homogeneiza todo el proceso para evitar saltos de continuidad
de luz.
Historia mundial del cine
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Easter Eggs: Literalmente significa 'huevos de Pascua' y está referido a una

tradición anglosajona por la que durante la Pascua los padres esconden huevos
Exhibidor: La industria cinematográfica está compuesta por tres sectores: la por todas partes para que sus hijos los encuentren. En el cine está referido a
producción, la distribución y la exhibición. Esta última se encarga de mostrar la aparición en una cinta de guiños o pistas a otras películas.
la película al público en sus salas, quedándose con el 50%, aproximadamente,
de cada entrada vendida. En este ámbito, hay competencia en cuanto a la
calidad de las salas donde se exhiben las películas y en cuanto al tipo de
películas que se exhibe; algunas se dedican al cine arte y otras al cine de Edición: Se llama así al montaje cuando se hace en vídeo o sistemas
entretenimiento. Los costos de importación de películas extranjeras que no informáticos. En sentido amplio, editar es montar.
llegan a la Argentina o que no pueden ser adquiridas por la crisis económica,
es otro problema que deben enfrentar. La mayoría de los films que se exhiben
son de procedencia norteamericana, dejando poco lugar o tiempo de
Edición Digital: Montaje elaborado mediante equipos informáticos, ya sea
exhibición al cine periférico.
basado en hardware o software.

Expresionismo: Un movimiento o corriente cinematográfica que se desarrolló

Efectos especiales (FX). Todo el cine está repleto de efectos especiales, ya sean
en Alemania entre 1913 y 1930, en conjunción con otros movimientos
difíciles o complicados, aunque generalmente se les asigna más a los que son
artísticos, literatura, arquitectura, música, fotografía, etc. Que el cine integró
peligrosos o complicados. Lo que sí es característico de ellos es que siempre
y entregó al público. Tal vez el ejemplo más clásico sea El gabinete del Dr.
responden a técnicas de trabajo, algunas muy sofisticadas. Pueden ser
Caligari ( Das Kabinett des Doktor Caligari, 1919), de Robert Wiene.
mecánicos, sonoros, físicos, químicos, cinéticos... La lluvia, la niebla, los
terremotos, el fuego, los cristales trucados, la nieve la sangre falsa, etc.

Expresionista, cine: Es un movimiento pictórico y literario que tuvo lugar en

Alemania a comienzos del siglo XX y en otros países de Europa, en oposición al
Eje de cámara: Recta imaginaria definida por la orientación de la cámara, que
Impresionismo. Los expresionistas no querían reflejar el mundo de manera fiel
se extiende desde ésta al objeto filmado.
y realista como lo hacían los impresionistas, ellos estaban interesados en
romper las formas. Su objetivo era transmitir las emociones y los sentimientos
más profundos donde se refleje y expongan temas derivados de la guerra, la
urbe, la fragmentación, el miedo, la pérdida de la identidad y el fin del mundo Elipsis. Es un salto en el tiempo y/o en el espacio. El espectador no pierde la
(Apocalipsis). Fueron obras enérgicas y emotivas, que también demostraban continuidad de la secuencia aunque se han eliminado los pasos intermedios.
su percepción sobre la locura, el amor, el delirio y la naturaleza. En el cine, el
film alemán El gabinete del doctor Caligari (Robert Wiene, 1919), dadas sus
características pictóricas y escenográficas, como su representación actoral y
su temática, podría catalogarse como expresionista. Emulsión: En fotografía, fina capa de sustancias químicas sensibles a la luz,
adheridas a una base / soporte, que reaccionan en la exposición registrando la
imagen que recibe el objetivo de la cámara. En función de la composición de
la emulsión, distintas películas presentan distinto grado de sensibilidad a la luz.
Extra o figurante: Actor sin texto cuya función es de contenido visual para Dicha sensibilidad se expresa en unidades ASA, cuyos valores más frecuentes
enriquecer la escena y conformar el ámbito en el que se integra el reparto. oscilan entre los 50 ASA (baja sensibilidad) y 400 ASA (alta sensibilidad).

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 38

y entregó al público. Tal vez el ejemplo más clásico sea El gabinete del Dr.
Caligari ( Das Kabinett des Doktor Caligari, 1919), de Robert Wiene.
Encadenado. Una transición de planos por sobreimpresión pasajera, más o
menos larga, de las últimas imágenes de un plano y las primeras del plano
siguiente.

Encuadre. Es la selección del campo abarcado por el objetivo en el que se tiene

en cuenta el tipo de plano, el ángulo, la altura, y la línea de corte de los sujetos
y/u objetos dentro del cuadro, y su precisa colocación en cada sector, para
lograr la armonía de la composición y la fluidez narrativa con que se habrá de
montar posteriormente. Es decir, la forma de organizar la toma. Es uno de los
momentos más delicados e importantes de la filmación ya que en él se tiene
en cuenta el tipo de plano, la colocación de objetos y actores, la ubicación de
la cámara y todos los puntos de vista que se requerirán para iniciar la toma.

Entrada. Es el billete que da derecho a la asistencia a un espectáculo. En una

entrada de cine consta el nombre de la película, sala en la que se proyecta,
numero de fila y butaca, y algunos datos más...

Escena. Tal y como se llama en teatro, es la toma que coincide con la entrada
y salida de actores del marco de filmación. Es una unidad de tiempo y de acción
que viene reflejada en el guión cinematográfico. Suele explicar el momento y
lugar en el que sucede algo. Ejemplo: Parque de atracciones. Exterior. Noche.

Etalonaje: Es el proceso de ajuste y/o igualado progresivo de la fotografía de

cada toma montada, a partir del primer copión (moviola) o telecine (vídeo o
sistema digital). Así se homogeneiza todo el proceso para evitar saltos de
continuidad de luz.

Expresionismo. Un movimiento o corriente cinematográfica que se desarrolló

en Alemania entre 1913 y 1930, en conjunción con otros movimientos
artísticos, literatura, arquitectura, música, fotografía, etc. Que el cine integró

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F Folletín: Desde que Aristóteles fijó los elementos retóricos necesarios para
Falta de raccord/racor: Es la ausencia de coherencia entre dos planos. Algo que
sobra o que falta, una copa vacía y luego llena. En realidad se llama a cualquier
incoherencia entre secuencias, a un anacronismo muy significativo, no
previsto, de época (un reloj en un personaje medieval).
Fassbinderiano: Alude all cineasta alemán Rainer Werner Fassbinder nacido en
Bad Wörishofen (Baviera) en 1945 y muerto en Munich en 1982. Fue director
de cine, teatro y televisión alemán además de actor, siendo el más importante
representante del nuevo cine alemán. Llegó a encargarse también de la
fotografía y, sobre todo, del montaje de muchas de sus obras.
La soledad, el miedo, la desesperación, la angustia, la búsqueda de la propia
identidad y la aniquilación del individuo por los convencionalismos, el amor no
correspondido, la felicidad soñada y el deseo tortuoso, la explotación de los
sentimientos y su equiparación a una mera transacción comercial, las pasiones
íntimas como forma de retratar una época y dar testimonio de sus grietas
económicas, políticas, morales y sexuales, son los grandes temas del cine de
Fassbinder… en el que casi siempre tendrá un protagonismo esencial la mujer.
Festivales cine: Actos públicos donde se dan a conocer y se presentan
productos con la idea de comercializarlos posteriormente.
Ficción: Por una precisión de términos, las películas de ficción suelen
distinguirse de las películas documentales por el hecho de narrar una trama
inventada por el guionista. Aunque este escritor cinematográfico puede
elaborar un relato inspirado en hechos reales, siempre lo hará guiado por un
criterio dramático. Por lo común, el filme de ficción es interpretado por actores
que personifican a las figuras imaginadas por el guionista. El cine se convierte,
de este modo, en una vía de acceso a universos de fantasía tan llenos de
significado como los que puedan ofrecer la novela y el teatro. Aprovechando
Centro Cinematográfico del Sureste
39
este símil literario, cabría identificar al documental con el ensayo y al cine de
ficción con la narrativa convencional.
originar en el drama eso que llamamos intriga, se hace evidente el
reconocimiento de una serie de pautas narrativas, especialmente acordes con
el gusto popular. Asentada en un sistema de opiniones de orientación
burguesa, la novela popular alcanzó su apogeo a mediados del XIX, y lo hizo
justamente cultivando la intriga, el romance y el melodrama. Publicada por
entregas en la prensa escrita, esa fórmula novelesca que se dio en llamar
folletín fue alcanzando nuevas cotas de exceso y efectismo. De hecho llegó a
acuñarse un adjetivo —rocambolesco- inspirado por sus intrigas más
exuberantes. El responsable de tal neologismo fue Pierre Alexis Ponson du
Terrail, creador en 1854 de un personaje, Rocambole, que resume mucho de
lo que significó la narrativa folletinesca. Entre los cultivadores más asiduos y
notables de esta fórmula figuran Alejandro Dumas, Paul Féval, Charles Dickens
y Eugenio Sue. Desde sus primeros momentos, el cine adoptó el mismo
esquema a la hora de orientar sus argumentos. De ahí que buena parte de la
producción cinematográfica se haya acomodado a los resortes del relato
folletinesco, con todos sus vaivenes, súbitas revelaciones y expresiones
enérgicas, conducentes a un final feliz.
Foto fija: Profesional que realiza la fotografía promocional de la película.
Fotografías realizadas para la promoción del film.
Fotograma: Área rectangular de la película que se expone cada vez que el
obturador se abre. La forma y tamaño de la ventanilla determinan sus
dimensiones.
Flashback: El Flashback (inglés: escena retrospectiva) o analepsis es una
técnica utilizada tanto en el cine como en la literatura que altera la secuencia
cronológica de la historia, conectando momentos distintos y trasladando la
acción al pasado. WIKIPEDIA Para ver este recurso recomiendo ver alguna de
estas peliculas: Erase una vez en América o Tiempos Violentos.
Historia mundial del cine

Es un recurso narrativo por el que se cuentan hechos ya sucedidos. Por medio
del recuerdo, del sueño, de la narración de una historia, de la diferente óptica
de un suceso por parte de varios personajes, a partir de la lectura de un libro
de historia. Como ejemplo se puede poner Ciudadano Kane, de Orson WeIles.
Flashforward: (ir hacia delante). Es una escena soñada, o proyectada hacia el
futuro, o pensar lo que hubiera sido. La secuencia de los panecillos de Charles
Chaplin en La quimera del oro, o los sueños de los personajes del pueblo en
Bienvenido, Mister Marshall, de Luis G. Berlanga.
Fantástico, cine: Es un género opuesto al realismo. Tiene sus leyes propias y
construye un universo paralelo, poblado de seres y objetos que sólo son
posibles dentro de la fantasía. El hombre y los seres sobrenaturales se
relacionan y conviven como en El mago de Oz (Victor Fleming,1939). Sus
relaciones como sus roles pueden ir desde una armoniosa convivencia hasta
grandes luchas o peleas por ver quién ejerce el dominio sobre el otro. Abarca
tanto a los films de terror (El hombre invisible, James Whale,1933), como a
aquellos meramente fantásticos (la saga de La historia sin fin, 1984/90/94,
Narnia, Andrew Adamson, 2005).
Ficción: Contraria a la realidad, la ficción se despliega en el ámbito de la
creatividad, de la imaginación, el sueño y, por lo tanto, cercano a lo irreal, a lo
ficticio, que se desarrolla paralelamente al mundo concreto y tangible. Es un
espacio donde se cultiva y desarrolla la invención que luego será volcada en
relatos que otorgan ese contrapunto necesario, esa pausa merecida que nos
reclama la existencia.
Figurantes: Extras o actores de conjunto. Se denomina así a las personas que
representan a
personajes anónimos imprescindibles para dar realismo a ciertas escenas. Por
ejemplo: transeúntes en una calle, clientes en un restaurante, alumnos en una
escuela…
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Figurinista: Diseñador de los modelos de vestuario del film y responsable del
vestuario total del mismo. Debe trabajar en íntima conexión con el
escenógrafo para unificar criterios en cuanto al estilo cromático, época,
ambiente y atmósfera.
Film editor: (Ang.) Nomenclatura que recibe el montador en lengua inglesa.
Film d’art: Para que el cine se diferencie de la condición de entretenimiento
como era considerado en sus inicios, y se lo incluya dentro de las artes nobles,
como la literatura y el teatro, había que darle herramientas más formales, una
estética suntuosa, sofisticada, guiones bien elaborados, etc.; de esa manera,
lograría autonomía, prestigio y pasaría a ser visto y consumido por otra clase
de público, uno más exigente y elitista. Bajo esas premisas surgió en 1908 una
sociedad denominada Film d’art, que llevó al cine obras teatrales de
importantes autores con la participación de renombrados artistas de la época,
desde literatos hasta escenógrafos. Uno de los films más conocidos fue El
asesinato del duque de Guisa (André Calmette,1908), un ejemplo de obras que
entran en la categoría de teatro filmado y que se alejan del verdadero cine.
Film-noir: El cine negro es un género cinematográfico que se desarrolló en
Estados Unidos durante la década de 1940 y 1950. Se suele considerar como
la primera película de este tipo a El Halcón Maltés , de John Huston, con
Humphrey Bogart y Mary Astor, estrenada en 1941.
El término film noir fue acuñado por el francés Nino Frank y es usado por la
crítica cinematográfica para describir un género de definición bastante
imprecisa, cuya diferenciación de otros géneros como el cine de gángsters o el
cine social está muy difuminada. Habitualmente, las películas caracterizadas
como de cine negro giran en torno a hechos delictivos y criminales con un
fuerte contenido expresivo y una característica estilización visual. Su
construcción formal está cerca del expresionismo. Se emplea un lenguaje
elíptico y metafórico donde se describe la escena caracterizado por una
iluminación tenebrosa en claroscuro, escenas nocturnas con humedad en el
ambiente, se juega con el uso de sombras para exaltar la psicología de los
Historia mundial del cine

personajes. Algunos de estos efectos eran especialmente impactantes en
blanco y negro. Al mismo tiempo, la personalidad de los personajes y sus
motivaciones son difíciles de establecer (caso paradigmático son los detectives
privados, frecuentes protagonistas del género, tales como Sam Spade o Philip
Marlowe). Las fronteras entre buenos y malos se difuminaban y el héroe
acostumbra a ser un antihéroe atenazado por un pasado oscuro.
El cine negro o film noir presenta una sociedad violenta, cínica y corrompida
que amenaza no sólo al héroe/protagonista de las películas sino también a
otros personajes, dentro de un ambiente de pesimismo fatalista. Los finales
suelen ser agridulces cuando no presentan directamente el fracaso del
protagonista. Otro punto característico del cine negro es la presencia de la
femme fatal, la mujer fatal que, aparentemente inofensiva, puede conducir a
sus víctimas al peligro o a la muerte. Las novelas de Dashiell Hammett y
Raymond Chandler, con sus detectives Spade y Marlowe son frecuentes
fuentes de los guiones del género.
Filme: Cualquier tipo de obra cinematográfica, ya sea de ficción, documental,
educativa, experimental o de animación. En EE.UU., film es un término general
y neutral, en oposición a cinema, que tiene connotaciones de arte serio, a
movie, que sugiere la naturaleza popular, el valor de entretenimiento, y a
veces los aspectos económicos del medio, y a motion picture, que tiene
connotaciones de película entendida como el proceso de dar movimiento a
unas imágenes o como un gran negocio motivado por las finanzas y el
mercado.
Fílmico: Cualquier cosa que tenga que ver, directa e internamente, con una
película o películas,esto es, cualquier cosa relacionada con los pormenores de
una o más películas. El término puede aplicarse a las técnicas, la iluminación,
el decorado, la interpretación, los personajes o la trama, elementos que son
parte de las obras concretas. El «tiempo fílmico», por ejemplo, describe la
ordenación y las manipulaciones temporales a las que respondemos en la
pantalla. El término «cinematográfico», en su uso común, es más ge neral, y se
refiere tanto a elementos dentro de unapelícula como a asuntos externos a
obras específicas, pero relacionados con o análogos al cine.
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41
Filmografía: Lista cronológica, muy parecida a una bibliografía, de las películas
en las que ha intervenido un individuo (por ejemplo, un actor, director,
guionista, etc.). Esta lista muestra toda la carrera del individuo en el cine.
Filmoteca: (1) Lugar que almacena y cataloga películas con el fin de volverlas
disponibles para su difusión, para su visionado individual o para ambas cosas.
A diferencia de un distribuidor, una filmoteca pone a disposición sus películas
gratuitamente o a un precio muy reducido. Una filmoteca tiene unas funciones
más limitadas que las de un archivo cinematográfico, ya que no es responsable
de la conservación y la restauración de películas, ni de poner a disposición del
público una colección de películasy documentos tan amplia para la
investigación.
Filmotecas destacables de los EE.UU. son la Lincoln Center Library for the
Performing Arts, que forma parte de la New York Public Library; el Wisconsin
Center for Film and Theater Research en Madisony la Margaret Herrick Library
de la Academy of Motion Picture Arts and Sciencesen Beverly Hills,California.
Filtros: Lámina de material transparente (cristal, gelatina, acetato) que se
coloca delante del lente** de la cámara y que absorbe una parte específica de
la luz que lo atraviesa con el fin de modificar el cromatismo y la intensidad
lumínica, o de alterar y deformar la imagen. Aunque estos últimos son
accesorios ópticos más que filtros, se ha incorporado esta acepción en la jerga
fotográfica.
Flash-back: Recurso que se utiliza cuando, al narrar una historia en tiempo
presente, se necesita recurrir al pasado. Para ello, se muestra o se cuenta algo
que ya ocurrió y que servirá, tanto al espectador como al desarrollo del relato,
para completar la información. Es un volver hacia atrás, que no detiene la
historia, sino que la vuelve más comprensiva e interesante. Puede ser utilizado
en un sólo plano, como los recuerdos en Hiroshima, mon amour (Alain
Resnais,1959), en una escena, o en casi toda la película, como en Memento
(Christopher Nolan, 2000).
Historia mundial del cine
 42

Free cinema: Movimiento cinematográfico inglés que surgió en los 50, que
pregonaba un cine libre y cercano al documental o al neorrealismo. Contó con
el apoyo del Instituto Británico de Cine. Todo movimiento surge del contexto Fotograma: Una película se compone de una sucesión de fotos fijas, llamadas
sociopolítico que lo genera. En este caso, el desmoronamiento del viejo fotogramas. Su equivalente sería una palabra. Para que las palabras adquieran
Imperio Británico, al que los conservadores no quieren renunciar. La crisis del sentido, se las deberá leer de corrido. En el cine, la sucesión de 24 fotogramas
laborismo, la carrera de armamentos, la amenaza nuclear, la despolitización por segundo (la velocidad utilizada para generar movimiento), determinará
de las masas, el conformismo moral y la mediocridad cultural fueron algunos una gramática fílmica con la cual podemos contar algo, narrar historias o
de los catalizadores, para que un grupo se diera a conocer, al publicar el leerlas a través de las imágenes en movimiento.
“Manifiesto de los jóvenes airados” en 1958. Los autores fueron John Osborne,
Lindsay Anderson y Carol Reizs entre otros. Estos jóvenes cineastas querían
representar a los seres anónimos de la sociedad, lejos del formalismo de la
Forzar el Negativo: Aumentar la sensibilidad de una película por sobre lo que
burguesía y con libertad formal y temática de creación. Rodaban con pequeños
el fabricante recomienda como estándar para
equipos y al margen de los estudios, con poco presupuesto y una buena banda
sonora. La productora Woodfall Film fue la que intentó conceder una la misma. Este proceso se puede llevar a cavo de dos maneras
independencia al movimiento. Algunos de sus títulos y representantes fueron
Lorenza Mazzetti (Together, 1956), Lindsay Anderson (Dreamland, 1953), y Modificando la fijación de la sensibilidad de la
Karel Reisz y Tony Richardson (Momma don´t allow, 1955). película (ASA**) en el cuerpo de la cámara.

Alargando más de lo normal el tiempo de revelado

en el laboratorio, o aumentando la temperatura
Flint: Sistema de composición multicapa, efectos especiales, gráficos y
animación 2D/3D por ordenador, fabricado por la compañía Canadiense de los tiempos de revelado.
Discreet. www.discreet.com

Foto fija: Apartado técnico encargado de realizar fotografías de la película.

Fotografía, director: Encargado de la calidad de imagen que veremos en toda Suelen ser de determinadas escenas de importancia y se toman con fines
la película: el tipo de textura que tendrá, el tinte cromático al que vire, la promocionales.
puesta de luces y de cámara, los filtros y las lentes que se adecuen de la mejor
manera a la historia que se está contando. El director de fotografía le impone
una estética a la imagen. Por ejemplo, en Pizza, birra, faso (Caetano-
Stagnaro,1997) la elección de una textura de gran nitidez visual con una Fotograma: Cada uno de las imágenes que se suceden en una película
cámara fija no le hubiera dado el mismo marco contextual que la historia cinematográfica rodada en celuloide. Es el elemento más pequeño de la
necesitaba, eso derivó en la acertada elección de una imagen turbia, con película.
mucho grano y la cámara en movimiento.

Fotómetro: Instrumento utilizado en fotografía que mide, mediante una célula

Foto fija: Persona que se encarga de tomar fotos durante el rodaje para fotoeléctrica, la intensidad de la luz que incide o es reflejada por un sujeto u
publicitar y promocionar la película. Trabaja dentro del área de la dirección de objeto. De esta manera se determinan las combinaciones correctas de
fotografía. diafragma** y velocidad de la cámara para lograr una buena exposición.

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Frame: Cada uno de los fotogramas (24 por segundo, en cine) o cuadros (25
por segundo, en vídeo) que componen una película.
(Ang.) Equivalente del fotograma en soporte magnético (cinta de vídeo, donde
la imagen está codificada electrónicamente). Un segundo de vídeo está
compuesto de diversos números de frames, según la norma de grabación. En
la norma PAL, utilizada en la mayoría de países europeos, un segundo contiene
25 frames. En la norma NTSC, estándar norteamericano, un segundo contiene
aproximadamente 30 frames.
Frames por segundo (FPS): Del inglés “Frames Per Second”. Unidad que sirve
para medir la cantidad de cuadros de película que son proyectados por cámara
por segundo. El cine se proyecta usualmente a 24, y gracias a la rersistencia
retiniana captamos una sensación de verdadero movimiento.
Franquicia: Personaje o personajes de ficción con gran aceptación por el
público (personajes literarios o de cómic por ejemplo) que son propiedad de
una determinada empresa que produce películas con ellos para así obtener
beneficios gracias a dicha popularidad.
Free cinema: En Gran Bretaña, es el equivalente al «cinema verité» en Francia.
El «free cinema» se encuadra dentro de una estética contestataria,
insatisfecha con la sociedad en que vive, crítica para con su sociedad puritana
y clasista; plantea las inadaptaciones sociales que ocasiona la vida en las
grandes ciudades industriales y la soledad del hombre contemporáneo en
ellas. Los cineastas más representativos han sido Lindsay Anderson, Tony
Richardson o Karel Reisz. En la Alemania federal, el «nuevo cine alemán»
generó cineastas como Fassbinder, Herzog o Wenders. Hay que tener en
cuenta en todos ellos la influencia del «mayo del 68».
Freeze-frame: Imagen congelada
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Fuera de campo: Término relacionado con el campo (ver definición), que existe
sólo en función de éste. Es un concepto que surge cuando algunos elementos
(personajes, objetos, decorados, etc.) por más que no estén dentro del campo,
son recreados por el espectador de manera imaginaria. Por ejemplo, si un
personaje dirige su mirada hacia los laterales del cuadro (bordes) y comienza
a hablar, el espectador supondrá que alguien, que no vemos, está allí
interactuando o escuchando a nuestro personaje. Acción o diálogo que oímos
pero no vemos ya que tiene lugar fuera del campo visual o campo de la cámara.
Acción o diálogo que tiene lugar fuera del campo visual de la cámara.
Fuera de foco: Cuando vemos que una imagen nítida pierde definición,
decimos que está fuera de foco. Se transforma en una imagen que logra tener
un efecto fantasmal, onírico, alucinógeno. También puede suceder lo
contrario, estar fuera de foco y volverse nítida.
Fundido: Es una transición entre planos, en la que desaparece
progresivamente la imagen que se fundía en negro y se disuelve por completo
antes de que otra imagen surja de la misma oscuridad. Oscurecimiento gradual
de la pantalla hasta quedar totalmente negra (fundido en negro) o,
excepcionalmente de otro color, abriéndose el siguiente. Fade-in se llama al
que cierra y fade-out al que abre. Se usa para indicar el paso del tiempo o un
cambio radical de escenario. en negro o en blanco o color): Plano que se va
haciendo cada vez más oscuro (o blanco o de color), hasta que en la pantalla
se hace el negro (el blanco o el color) total. Hay de cierre y de apertura.
Plano que se va haciendo cada vez más oscuro (o blanco o de color), hasta que
en la pantalla se hace el negro (el blanco o el color) total. Hay de cierre y de
apertura.
Fundido encadenado: Es un fundido más suave, en el que el plano es
sustituido por otro que se le superpone progresivamente, sin corte.
Falta de raccord/racor. Es la ausencia de coherencia entre dos planos.
Algo que sobra o que falta, una copa vacía y luego llena. En realidad se llama a
cualquier incoherencia entre secuencias, a un anacronismo muy significativo,
no previsto, de época (un reloj en un personaje medieval).
Film editor: (Ang.) Nomenclatura que recibe el montador en lengua inglesa.
Historia mundial del cine

Filmoteca nacional. Es un organismo oficial que depende del Instituto de la
Cinematografía y las Artes Audiovisuales (ICAA). Su función prioritaria es
recuperar, restaurar, archivar, analizar y exhibir la totalidad de las películas
nacionales. Posee un fondo con todas las publicaciones cinematográficas
nacionales importantes y contribuye al conocimiento del cine español. Hay
Filmotecas en varias Comunidades Autónomas.
Flashback (vuelta atrás). Es un recurso narrativo por el que se cuentan
hechos ya sucedidos. Por medio del recuerdo, del sueño, de la narración de
una historia, de la diferente óptica de un suceso por parte de varios
personajes, a partir de la lectura de un libro de historia. Como ejemplo se
puede poner Ciudadano Kane, de Orson WeIles.
Flashforward (ir hacia delante). Es una escena soñada, o proyectada hacia
el futuro, o pensar lo que hubiera sido. La secuencia de los panecillos de
Charles Chaplin en La quimera del oro, o los sueños de los personajes del
pueblo en Bienvenido, Mister Marshall, de Luis G. Berlanga.
Fotograma. Cada uno de las imágenes que se suceden en una película
cinematográfica rodada en celuloide. Es el elemento más pequeño de la
película.
Frame: (Ang.) Equivalente del fotograma en soporte magnético (cinta de
vídeo, donde la imagen está codificada electrónicamente). Un segundo de
vídeo está compuesto de diversos números de frames, según la norma de
grabación. En la norma PAL, utilizada en la mayoría de países europeos, un
segundo contiene 25 frames. En la norma NTSC, estándar norteamericano, un
segundo contiene aproximadamente 30 frames.
Free cinema. En Gran Bretaña, es el equivalente al «cinema verité» en
Francia. El «free cinema» se encuadra dentro de una estética contestataria,
insatisfecha con la sociedad en que vive, crítica para con su sociedad puritana
y clasista; plantea las inadaptaciones sociales que ocasiona la vida en las
grandes ciudades industriales y la soledad del hombre contemporáneo en
ellas. Los cineastas más representativos han sido Lindsay Anderson, Tony
Richardson o Karel Reisz. En la Alemania federal, el «nuevo cine alemán»
generó cineastas como Fassbinder, Herzog o Wenders. Hay que tener en
cuenta en todos ellos la influencia del «mayo del 68».
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Fuera de campo. Acción o diálogo que oímos pero no vemos ya que tiene lugar
fuera del campo visual o campo de la cámara.
Fundido. Es una transición entre planos, en la que desaparece
progresivamente la imagen que se fundía en negro y se disuelve por completo
antes de que otra imagen surja de la misma oscuridad. Oscurecimiento gradual
de la pantalla hasta quedar totalmente negra (fundido en negro) o,
excepcionalmente de otro color, abriéndose el siguiente. Fade-in se llama al
que cierra y fade-out al que abre. Se usa para indicar el paso del tiempo o un
cambio radical de escenario.
Fundido encadenado. Es un fundido más suave, en el que el plano es sustituido
por otro que se le superpone progresivamente, sin corte.
G
Gag: Dentro de la comedia, un gag vine a demostrar que no todo es predecible,
y que las situaciones tienen giros inesperados. El gag juega con lo esperado
para hacer lo contrario, utilizando el cuerpo y no la palabra, como es en el
chiste, así el efecto humorístico produce un resultado inusitado. Buster Keaton
fue un experto en el uso del gag.
Es un «golpe cómico» que no se espera. Puede ser visual, verbal o sonoro. Es
tan importante en la historia del cine que durante muchos años ha existido en
Hollywood la profesión de «gagman», que era quien inventaba las ocurrencias.
En las películas cómicas estaba al lado del director para improvisar situaciones
durante la misma acción del rodaje.
Gadget: Un gadget o gizmo es un dispositivo que tiene un propósito y una
función específica, generalmente de pequeñas proporciones, práctico y a la
vez novedoso. Los gadgets suelen tener un diseño más ingenioso que el de la
tecnología corriente.
Historia mundial del cine
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Se suele pensar que la palabra fue inventada alrededor de los década de 1980
en Estados Unidos, pero en realidad su acuñación se remonta a los años 1884-
5 por la compañía Gaget, Gauthier & Cia, encargada de la fundición de la
Estatua de la Libertad, que al acercarse la fecha de la inauguración quería algo
de publicidad y comenzó a vender réplicas en pequeña escala de la famosa
dama.
La primera bomba atómica fue llamada gadget por los científicos del Proyecto
Manhattan, al ser experimentada en la Prueba Trinity.
como al público, ya que éstos terminaban de anticipar la propuesta discursiva
de una película. Actualmente, los géneros se entrelazan con el resultado de
obras híbridas.
Una posible clasificación en géneros sería: comedia, drama, western, musical,
suspenso e intriga, terror, acción, infantil, fantástico, ciencia ficción, aventura,
bélico, época, documental, etcétera.

En ficción, son populares en las películas de espías, especialmente en las series Gidayu: Canto narrativo en el cine japonés
de James Bond o en las series de Batman y Iron Man, dependientes siempre
de sus equipos. Otro personaje célebre de los dibujos animados dotado de un
surtido de gadgets, era el Inspector Gadget.
GIRI-NINJO: Inclinacion personal opuesta al deber, utilizada como motor de la
trama en la dramaturgia convencional japonesa.

Gelatinas: Planchas de una variante del plástico, de diferentes colores,

utilizadas para teñir luces colocándolas justo delante de las lámparas.
Gran angular: Tipo de lente que se utiliza para poder registrar grandes
espacios, con profundidad, con la finalidad de permitir que los objetos
cercanos y lejanos queden simultáneamente en foco. Tiene la desventaja de
GENDAIGEKI: Termino generico para las peliculas sobre la vida deformar los objetos que se encuentran en el borde del cuadro, dando una
contemporanea. ligera sensación de aglobamiento. Como ejemplo del uso del gran angular hay
dos casos opuestos: en el cine de Orson Welles otorga una estética impecable
y autoral, mientras que en manos de Terry Williams es satírico y paródico.

Género: Es una forma de clasificar las películas por su temática o estilo. Se

habla de musical, policiaco, histórico, documental, etc.
Gran primer plano: cuando la cabeza llena el encuadre.

Géneros: Es un criterio de clasificación y de agrupación por temáticas y estilos.

Se reconoce a un film de un determinado género, porque establece códigos Guión adaptado: Guión hecho a partir de una obra literaria.
propios, a través de los cuales se diferenciará de otros, y se podrá reconocer
en el discurso y la estética que imponga. El cine aplicó los géneros
provenientes de la literatura y el teatro, y creó algunos propios, como el
Guión de cine: Es la idea de lo que va a ser la película plasmada por escrito,
western. La consolidación y el auge de la industria cinematográfica impuso al
con narración, diálogos, descripción de personajes y escenarios.
género en la producción de películas; por ejemplo, cada uno de los grandes
Estudios se especializó en producir un determinado género. Es la descripción de lo que se ve y se dice en un film. Al escribir un guión no se
utilizan adjetivaciones ni circunstanciales, como en una novela o en un cuento,
La misma evolución del cine modificó y amplió el concepto de género, le fue
porque serían muy difíciles de adaptarlos al lenguaje cinematográfico. El
quitando la rigidez propia de la clasificación que limitaba tanto a los autores
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desarrollo de la historia hay que pasarla a signos e imágenes, o sea hacerlos
fílmicos.
Tiene distintas etapas:
Sinopsis (es una síntesis argumental donde
se encuentran los principales puntos a
desarrollar: protagonista/s, meta u
objetivo, motivación, antagonista/s,
desarrollo del núcleo dramático y
desenlace).
Libro cinematográfico (es la historia
narrada con diálogos y acciones en forma
de novela; se lo llama guión literario a la
europea, porque se escriben los diálogos a
mitad de la hoja para destacarlos).
Guión literario (se escribe a dos columnas:
en una se coloca lo que se dice y en la otra,
la acción y dónde transcurre. Se lo divide
por secuencias y escenas).
Guión técnico (es similar al anterior, pero
se le agregan los elementos técnicos:
posiciones y movimientos de cámara,
tamaños de plano, etcétera).
Guión técnico. Es el guión al que se añaden multitud de anotaciones y
elementos que tienen que ver con el rodaje. Tiene más que ver con la
planificación. Especifica lo que se ha de ver y se ha de escuchar durante la
proyección del film, y en el mismo orden en que aparecerá en la pantalla.
Guión literario: Narración argumental del film que contiene los personajes, los
decorados, la ambientación, el vestuario…, así como los diálogos y el “off”.
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Guionista: Imaginar una historia y plasmarla en un papel es el rol del guionista,
quien se encarga de crear el armazón de una película. Con un buen guión está
la mitad de las probabilidades de producir una buena obra. Un guionista no
necesariamente tiene que ser un escritor, pero sí alguien que sepa traducir los
conceptos al lenguaje cinematográfico.
Gore, cine: El cine splatter o gore es un tipo de película de terror que se centra
en lo visceral y la violencia gráfica. Estas películas, mediante el uso de efectos
especiales y exceso de sangre artificial, intentan demostrar la vulnerabilidad
del cuerpo humano y teatralizar su mutilación. WIKIPEDIA Cuando el gore
busca realismo es muy desgradable. Cuando esta ridiculizado como en Planet
Terror de Robert Rodriguez es un recurso interesante.
Literalmente, sangre derramada. Gore-movies son las cintas de horror
sanguinolento, como la legendaria The Hill Have Eyes (Craven , 1977) y, antes
que ella, la influyente La Noche de los Muertos Vivientes (Romero, 1968).
Gran plano general: Muestra un paisaje o un gran decorado donde las figuras
humanas y los objetos no tienen prácticamente ningún relieve.
Grano: Cantidad de limaduras de plata por fotograma. Cuanto mayor sea el
grosor del grano, peor calidad tiene la película.
Grúa: Es una plataforma elevadiza con un brazo mecánico donde se instala la
cámara. Sirve para realizar tomas que necesitan ser capturadas en amplitud y
desde lo alto, bajo una mirada distinta, que generalmente termina dando paso
o introduciéndose dentro de la imagen cuando el plano se reduce. Tanto el
operador como el director pueden supervisar desde allí. El travelling (filmar en
movimiento), utiliza la grúa cuando se desplaza hacia arriba.
Aparato provisto de una base, un contrapeso y un largo brazo mecánico en
cuyo extremo se emplaza una plataforma móvil donde se instala la cámara, el
operador** y, de ser necesario, el foquista.
Historia mundial del cine

El vehículo que soporta la cámara, que va sobre una plataforma giratoria y
permite realizar multitud de movimientos. Es esencial para los planos
secuencia complicados.
Grupos electrógenos: Generadores de gran potencia suministradores de
energía eléctrica. En cine suelen formar parte de un camión y se utilizan para
alimentar los proyectores de iluminación.
Gag. Es un «golpe cómico» que no se espera. Puede ser visual, verbal o sonoro.
Es tan importante en la historia del cine que durante muchos años ha existido
en Hollywood la profesión de «gagman», que era quien inventaba las
ocurrencias. En las películas cómicas estaba al lado del director para
improvisar situaciones durante la misma acción del rodaje.
Género. Es una forma de clasificar las películas por su temática o estilo. Se
habla de musical, policiaco, histórico, documental, etc.
Grúa. El vehículo que soporta la cámara, que va sobre una plataforma giratoria
y permite realizar multitud de movimientos. Es esencial para los planos
secuencia complicados.
Guión. Es la idea de lo que va a ser la película plasmada por escrito, con
narración, diálogos, descripción de personajes y escenarios.
Guión técnico. Es el guión al que se añaden multitud de anotaciones y
elementos que tienen que ver con el rodaje. Tiene más que ver con la
planificación.
H
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Happy End, Happy Ending: Literalmente, final feliz. Fórmula narrativa con
referente en las historias fantásticas clásicas.
Hardcore: Conocido también como pornografía. En la década del 70 el éxito
del film estadounidense Garganta Profunda (Gerard Damiano, 1972) marcó
una legitimación en la industria. Films con imágenes de sexo explícito,
privilegiadas sobre la narración y el diálogo. Utilizan con preferencia el primer
plano, el plano detalle, los planos conjunto y la fragmentación visual. No
apelan a la sugerencia, como los films eróticos, sino que muestran el cuerpo
desnudo en su totalidad, detallando las zonas erógenas. De gran consumo por
parte de los espectadores y un negocio para la industria.
Héroe: Entre los estereotipos más frecuentados por los guionistas
cinematográficos, sin duda hay uno que ha quedado establecido como
fundamental, sobre todo en géneros como el de aventuras. Se trata del héroe,
tan carismático como poderoso, cuya caracterización parte de un acervo
cultural milenario. En cierto sentido, esos héroes que evolucionan en la ficción
de la gran pantalla, son criaturas literarias descendientes de los héroes de las
antiguas mitologías, y convertidos en patrones caracterológicos por la novela
de caballerías. A partir de ese patrimonio narrativo, el folletín y más tarde el
cine han fijado un modelo que, por su acogida popular, mantiene su vigencia
sin grandes oscilaciones. De acuerdo con esa pauta, los héroes del cine han de
cumplir un ciclo de iniciación, que pasa por diversos estratos. Al final, el héroe
es quien restaura el orden cuando éste ha sido alterado, y también es quien
imparte justicia y, como premio, obtiene el reconocimiento popular, el amor o
la fortuna personal. Si bien desde antiguo el héroe suele ser un varón, la
necesaria emancipación femenina ha sido reflejada por el cine mediante el
surgimiento de heroínas igualmente capaces, adornadas con méritos
admirables y tan valerosas como su contrapartida masculina.
Hertzio (Hz): Unidad de medida de la frecuencia que equivale a un ciclo por
segundo.
Historia mundial del cine

Heavyworks: Sistema de edición no lineal por ordenador, fabricado por
Lightworks Editing System Limited. www.lwks.com
Henry: Sistema de composición multicapa, animación y edición de efectos
visuales por ordenador, fabricado por la compañía inglesa Quantel Inc.
www.quantel.com
HDTV: Significa “High Definition Television”. Es un video grabado de una
television de alta definición. La calidad es similar a un DVDRip. La imagen tiene
una relación de aspecto 16:9, lo que permite mostrar una imagen más amplia
que la television normal (panorámico).
HMI: (Hydrargyrum Médium arc-length Iodide) Luces cuya temperatura color
es de 5600º Kelvin, esto quiere decir que emiten una luz azulada, similar a la
luz diurna. Cuentan con la ventaja de no ser tan calurosas como las luces de
tungsteno.
Hollywood: Si el cine nació en Francia, fue en Hollywood donde creció, se
expandió, se comercializó y se industrializó. Transformada en la “Meca del
cine”, desde 1911 hasta fines de los años 50, allí surgieron y se instalaron los
grandes Estudios, las superproducciones, las estrellas y el star system, la
producción seriada de los géneros, etcétera. Desde Hollywood se monopolizó
el mercado cinematográfico, erigiéndose en “el modelo” a seguir para el resto
de los países. Su penetración no sólo se determinó por los modelos de
realización, sino también por lo político e ideológico. Fue un Paraíso de los
excesos que lo prometía todo, un lugar donde se podía cumplir y llevar a cabo
cualquier fantasía. Hoy, envejecido y fagocitado por las grandes compañías, es
un lugar emblemático para visitar, un espacio donde las imágenes nunca
terminarán de apagarse.
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HR-HDTV: Igual que el HDTV sólo que las siglas HR quieren decir “High
Resolution” (alta resolución), lo que quiere decir que la calidad de la imagen
es superior, tanto que se puede considerar superior a un DVDRip.
I
Idea: Punto de partida para elaborar el argumento.
Identificación: Relación que se establece entre audiencia y personajes.
Iluminación: No hay imagen en el cine que no esté pensada en función de la
luz. La iluminación crea atmósferas, climas, genera efectos (día, noche,
amanecer, atardecer, tormentas, etc.), completa y termina de darle forma
estética a la imagen. La iluminación, sea natural o artificial, orienta al
espectador. Hay distintos tipos de iluminación:
Iluminación amplia: poca relación o proporción (se denomina ratio) entre la
luz principal (ver L) y la luz de relleno (ver L).
Iluminación frontal: las fuentes de luz se colocan sobre los objetos o los rostros
desde la misma posición que la cámara.
Iluminación estrecha: gran diferencia proporcional entre la luz de relleno y la
principal.
Iluminación contrastada: mucha diferencia entre la figura y el fondo.
Historia mundial del cine

Iluminación de contraluz: muy alta la luz de contraluz (ver L).
Iluminación de silueta: el contraluz está muy alto y no se usa la luz principal.
Iluminación dirigida: un objeto se ilumina con una fuente luminosa en forma
directa, expandida o concentrada.
Iluminación rebotada: se trata de hacer rebotar los rayos lumínicos sobre otra
superficie (tabla de poliestireno expandido, por ejemplo) para que se
proyecten sobre el objeto a iluminar.
Imagen: Es el recorte de un espacio y de una porción de tiempo, la materia
prima del cine. La imagen es como una palabra que el cine transformará en
texto; es un silencio, una pausa y una visión. Tiene la virtud de comunicar, de
emocionar, de atemorizar, de conmover. Nos hace abrir los ojos ante lo
desconocido o cerrarlos ante el horror de lo inimaginable. Una imagen es al
mismo tiempo inasible y sensitiva. Logra ser metáfora y poesía, reflexión y
entretenimiento.
Imaginación: Capacidad de crear y modular ideas a partir de unos preceptos
de cualquier nivel y sin limitaciones.
Independiente, cine: Término ligado a la producción, a la distribución y a
la estética, generalmente producidas al margen de los grande estudios, no
respondiendo al Modelo de Representación Institucional. Tiene más libertad
formal y creativa, no copia las formas de filmar de “las majors”, se aleja del
circuito comercial y más rentable, y no le interesa hacer un cine políticamente
correcto.
La importancia del cine independiente está dada por su carácter de
innovación en cuanto a temas, modos de narración y técnicas visuales
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49
elegidas; características que atraen y que son consumidas por una gran parte
del público, lo que demuestra, al mismo tiempo, que puede ser rentable. Ahí,
es cuando la gran industria, según Paul Schaeder, se alimenta de los cineastas
independientes porque saben que “los márgenes nutren al centro”. Para
Hollywood son necesarios porque, de esta manera, abarca todos los sectores
y los distintos públicos. Por lo tanto, tienen una relación de simbiosis, de
interdependencia. Las majors buscan talentos en el Sundace Film Institute, que
tiene el objetivo de promover y alentar a realizadores que se alejen y
diferencien de los patrones rígidos establecidos por Hollywood.
Fuera de Hollywood, y para el resto del mundo, lo independiente
tiene un sentido diferente que puede designar una forma creativa y artística
alejada de la visión de cine como negocio de entretenimiento. Lo
independiente visto como el medio para la difusión de ideas y la expresión
artística; un cine que invita a repensarlo y reflexionar sobre el arte. Sus
recursos financieros provienen de sectores públicos y/o privados y sus
producciones son generalmente de bajo presupuesto.
Es una acepción que puede confundirse con lo experimental, con las
experiencias de vanguardia o con el underground.
En Argentina, el Festival de Cine Independiente –BAFICI- es un gran
exponente y una oportunidad de poder ver este tipo de cine.
Intertítulos: Forma de comunicación utilizada durante el cine mudo en
forma de carteles negros e intercalados con las imágenes. Sobre ellos se
anuncian frases, diálogos, o una expresión aclaratoria de lo que sucede en la
pantalla. Surge como reemplazo al comentarista de películas que acompañaba
la función imitando voces, ruidos, tocando el piano y comentando la acción
que el público visualizaba. A diferencia de éste, los intertítulos requerían que
el público leyera y compartiera el mismo idioma. Su función consistía en
ayudar a la comprensión narrativa del film. Con la llegada del sonoro los
intertítulos no desaparecieron por completo, algunos films los utilizan como
separadores de secuencias, de escenas o como una forma nostálgica de
homenaje.
Iris: Efecto utilizado en el cine mudo que consiste en el cierre circular centrado
en la pantalla, mientras alrededor se ennegrece totalmente. Se lo utilizó para
focalizar y detallar ciertos objetos y rostros como en Broken Blossoms (D. W.
Historia mundial del cine

Griffith, 1919). Actualmente, algunos directores usan ese efecto de iris como
un cálido recuerdo de aquel período silente.
Incidental (música): Toda música cuya aparición en la película no esté
justificada por la propia escena. Se denomina incidental porque incide en la
ficción como un recurso narrativo y emocional que posee una intencionalidad
propia y autónoma. Frente a la no intencionalidad de la música diegética, que
existe porque está, la música incidental existe porque concreta, intensifica,
desmiente o acompaña el sentido de general y exacto de las escenas. Se trata
de un recurso dramático cuyo origen se remonta al teatro griego y que se
aplica en el cine directamente imitado de la ópera y el teatro musical del siglo
XIX.
Insert: También llamado “plano de protección”, es una toma realizada en el
rodaje para cubrir acciones o detalles que podrían pasar desapercibidos en un
plano más amplio. Suele hacerse para tener la posibilidad de evaluar en el
montaje si su uso es necesario o no.
Inserto: Plano que se intercala en medio de otros dos para destacar un
detalle, describir un aspecto…
Interlock: Término utilizado para designar la proyección por separado, pero
sincronizada de la banda de imagen y la banda de sonido.
Internal: Una release internal se hace por diferentes razones. Los grupos de
Classic DVD los hacen mucho, para asegurarse de que no hay dupes. También
los ripeos de mala calidad se hacen internos, para no bajar la reputación del
grupo, o debido a la cantidad de ripeos existentes.
Una release INTERNAL esta disponible como normal en los grupos de los sitios
afiliados pero no pueden ser intercambiadas sin la petición de los operadores
del sitio.
Internegativo: Copia del negativo obtenida del interpositivo, que es a su vez,
una copia del negativo original. Se usa para extraer copias sin dañar el
negativo.
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50
J
Jaleo: Sistema que combina la edición digital no lineal de audio y video con la
composición multicapa, fabricado por la compañía española Co.
Communicación Integral. Permite trabajar sin compresión y con una infinita
cantidad de capas sin necesidad de realizar renders.
JIGAIDEIKI O JIDAIGEKI: Cine historico japonés especialmente de la era Edo
(1600-1867).
Jirafa/Boom: Es el soporte telescópico que se utiliza para sujetar el micrófono
sobre los actores y moverlo al lugar necesario para captar todos los diálogos.
Se coloca a suficiente altura sobre los intérpretes con el fin de que la cámara
no lo filme.
JORURI: Narracion realcionada con el Bunkaru.
Jump Cut: (en inglés, “corte con salto”) Efecto de salto que se produce en el
montaje al cortar de una posición de cámara a otra más cercana o más lejana
en el mismo eje óptico.
Montaje que supone un salto visible en la continuidad de la acción,
provocando un salto apreciable, ya dsea de personajes o situaciones.
En edición cinematográfica es el corte donde se remueve la parte media de
una toma continua, uniendo el principio y el final de las toma. Esta técnica
interrumpe la continuidad temporal y produce un efecto asombroso. Los
objetos en movimiento parecen saltar de posición en posición.
Historia mundial del cine

JUN-BUNGAKU: Literatura por oposicion a las “lecturas populares”.
Jirafa/Boom. Es el soporte telescópico que se utiliza para sujetar el micrófono
sobre los actores y moverlo al lugar necesario para captar todos los diálogos.
Se coloca a suficiente altura sobre los intérpretes con el fin de que la cámara
no lo filme.
Jump-cut: (Ang.) Montaje que supone un salto visible en la continuidad de la
acción, provocando un salto apreciable, ya dsea de personajes o situaciones.
K
KABUKI: Uno de los tres grandes generos del teatro japones clasico. ( los otros
son el noh y el bunraku) del s. XVIII.
Kaiju es el genero de películas japonesas cuyo protagonista es un monstruo, como el
popular Godzilla- (ゴジラ Gojira Dir. Ishiro Honda 1954.)
KAIJU: (怪獣 kaijū?) es una palabra japonesa que quiere decir bestia extraña o
bestia gigante, pero es generalmente traducido al inglés como "monstruo".
Específicamente, esta palabra es usada para referirse a las gigantescas
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51
criaturas que atacan o protegen al mundo o la humanidad en el género
tokusatsu, y que son originarias de Asia.
Éste término engloba al Kaiju-eiga ( 怪 獣 映 画 'kaijū eiga'?, películas de
monstruos), películas de Kaiju, Kaijin (referidos a monstruos humanoides) y
Daikaiju (大怪獣 'daikaijū'?), específicamente una larga lista de monstruos.
KAMMERSPIELFILM: Movimiento cinematográfico en el cine alemán durante
el período mudo de la década de 20. Provenía del teatro y fue impulsado por
el artista Max Reinhardt. Este movimiento ponía su acento en la crítica social
reflejada a través de situaciones cotidianas y realistas, su mirada contenía una
profundidad psicológica y estéticamente se narraba con un tono poético e
intimista. Eran obras dramáticas e intensas que se reforzaban con una
fotografía que acentuaba los claroscuros y la oposición de los contrastes. La
última carcajada (1925) de F. Murnau es un claro representante de este estilo.
Kinescopado: Proceso de copiado de vídeo a cine. Procedimiento inverso al
telecinado**. Consiste en reproducir sobre la película 35 mm (soporte óptico)
lo realizado en vídeo (soporte magnético) o en un formato digital.
Kinetoscopio: Invento del norteamericano Thomas Alva Edison que inspiró a
los hermanos Lumière. Se trata de una banda de película que avanza tras un
visor individual, frente a una bombilla eléctrica, creando la ilusión de
movimiento. Se fabricó en serie a partir de 1893, logrando un gran éxito como
atracción de feria.
L
Latitud: Grado de tolerancia que tiene una emulsión fotográfica a exposiciones
incorrectas. Cuanto más sensible es la película mayor es la latitud. Una película
blanco y negro tiene mayor latitud que la película color.
Historia mundial del cine

Largometraje: Película de duración superior a 60 minutos.
Leitmotiv: Directamente del alemán, puede traducirse como “motivo
conductor”. Se trata de una técnica de identificación entre una melodía o frase
musical y un concepto, que puede equivaler a un personaje, un
acontecimiento o una idea general. Esta identificación se establece mediante
la simultaneidad en la primera aparición del concepto en concreto y la
melodía, y a partir de ahí, mediante a repetición idéntica o transformada,
siguiendo las incidencias argumentales. Es una técnica típicamente operística,
también empleada en el ballet y el poema sinfónico, adaptada al cine por los
compositores pioneros del cine norteamericano, los europeos Max Steiner,
Erich Wolfgang Korngold o Franz Waxman. El término fue acuñado por el
musicólogo F. W. Jähns.
Lenguaje audiovisual: El cine es un lenguaje en imágenes. Incluso, podemos
hablar de una gramática visual. Al igual que en un escrito hay palabras, frases
y párrafos, en una película hay planos, escenas y secuencias. ademas el
lenguaje audiovisual conjuga imágenes con palabras, música, sonido e
iluminación.
Lente: Sistema óptico que equipa una cámara y que se utiliza para captar una
imagen y proyectarla sobre el negativo, permitiendo su impresión de manera
nítida. Las distintasconfiguraciones ópticas de los lentes permiten variaciones
en la distancia focal, y en consecuencia en el ángulo de la toma y la
profundidad de campo. La distancia focal es aquella que hay desde el plano de
la película al centro del lente, cuando éste enfoca al infinito. Vale destacar que
para una película de 35 mm será considerado normal un lente cuya distancia
focal sea de más o menos 50 mm.
Ver angular**, teleobjetivo**, macro** y zoom**.
Librería (música de): Traducción literal del término inglés library music con el
que se designa a los archivos de música pregrabada que poseen los estudios
de cine, radio y televisión y a los que se recurre para musicar diversas obras
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audiovisuales, generalmente por falta de presupuesto para contratar a un
compositor.
Lightworks: Sistema de edición no lineal por ordenador de audio y video,
fabricado por la compañía inglesa Lightworks Editing Systems Limited. Intentó
competir con Avid** mediante algunos adelantos, pero
hasta la fecha no logró imponerse. www.lwks.com
lista negra: Lista de personas que por una u otra razón no son contratadas por
ninguna agencia o compañía de la industria. En 1947 y 1951, el Comité de
Actividades Antiamericanas llevó a cabo en los EE.UU. unas investigaciones,
publicitadas a bombo y platillo, para descubrir a comunistas y a subversivos en
el seno de la industria cinematográfica. Temeroso tanto de las resoluciones
gubernamentales como de las pérdidas en taquilla, Hollywood,
supuestamente, elaboró una lista negra de personas que trabajaban dentro de
la industria y que eran comunistas, o de las que, al menos, se sospechaba que
lo eran. Aunque la industria negaba la existencia de esa lista, durante veinte
años a un gran número de personas se les hizo imposible encontrar trabajo en
Hollywood, y muchas se vieron forzadas a emplear seudónimos o a buscar
trabajo en el extranjero. El Comité continuó sus investigaciones hasta 1954.
Lista Negra de Hollywood: A finales de los años cuarenta y cincuenta, un gran
número de personas que habían trabajado en la industria cinematográfica de
Hollywood no fueron capaces de ser de nuevo contratados después de haber
sido acusados de comunistas, de estar asociados con comunistas o de ser
miembros de organizaciones subversivas.
El boicot del que fueron objeto estas personas por parte de Hollywood fue
consecuencia de la caza de comunistas y subversivos en la industria
cinematográfica que llevó a cabo el Comité de Actividades Antiamericanas,
especialmente en 1947 y 1951. El boicot fue la forma en la que Hollywood
demostró su patriotismo durante el periodo de McCarthy, al mismo tiempo
que se protegía de la censura del Gobierno y de la desaprobación pública.
Historia mundial del cine
 53

Muchas carreras fueron destruidas en la industria cinematográfica como

consecuencia de la «lista negra», la existencia de la cual negaron
enérgicamente los estudios de Hollywood,aunque una organización patriótica Contraluz: es la luz que se coloca detrás de la figura y que la despega del fondo.
llamada Aware había concebido una, que fue ampliamente difundida por la
American Legion. Varios profesionales del cine se vieron obligados a trabajar
bajo seudónimo o a buscar trabajo en el extranjero.
Luz dura: se utiliza este término cuando se hace uso de la luz dirigida.

Locaciones: Espacio físico elegido para servir de escenario natural en una

Luz incidente: es la luz que recibe directamente el objeto o superficie.
película (por ejemplo: una plaza, una iglesia, una calle…). Se los puede utilizar
en el estado en que se encuentran o ambientarlos (redecorarlos) para
transformarlos en otro tipo de ámbito (por ejemplo, hacer que un pasillo de
escuela sirva como pasillo de hospital) o reubicarlos temporalmente (en el Luz lateral: es un complemento de las luces principales y de relleno. Se coloca
caso de una película de época). de forma perpendicular al eje de la cámara, iluminando un costado del objeto
o sujeto en cuestión.

Luminancia: La señal de blanco y negro del vídeo

Luz principal: luz que ilumina la cara, colocada a 45º con respecto a la mirada.

Limited: Una película limited significa que se ha visto en menos de 250 cines,
y por ellos son sacadas como limitadas. Luz reflejada: toda la luz que recibe un cuerpo es reflejada por éste, e
inmediatamente captada por la cámara.

Luz: La calidad fotográfica dependerá de la función que se le dé a la luz, de

sacar el mayor beneficio según la necesidad que requieran las imágenes y, por Luz de relleno: luz que equilibra la otra mitad de la cara.
ende, lograr una cohesión y coherencia estética en toda la película. Es una de
las tareas a desarrollar por el director de fotografía.

Luces suaves: luces rebotadas para iluminar.

Luz cenital: luz que se coloca por encima de un personaje, otorgándole un

áurea cuasi celestial.
Largometraje. Película de duración superior a 60 minutos.

Luz contrapicada: es la iluminación que se realiza por debajo de un personaje,

a fin de generar un aspecto tenebroso y de grandeza. Muy utilizado en los films
de terror.
M
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M1: Sintetizador de sonidos creado por la compañía norteamericana Korg.
MacGuffin: Un MacGuffin (también McGuffin o Maguffin) es un elemento de
suspenso que hace que los personajes avancen en la trama, pero que no tiene
mayor relevancia en la trama en sí. MacGuffin es una expresión acuñada por
Alfred Hitchcock y que designa a una excusa argumental que motiva a los
personajes y al desarrollo de una historia, y que en realidad carece de
relevancia por sí misma.
El elemento que distingue al MacGuffin de otros tipos de excusas
argumentales es que es intercambiable. Desde el punto de vista de la
audiencia, el McGuffin no es lo importante de la historia narrada
Macro: Lente especial para realizar fotos a corta distancia. Estrictamente
hablando el termino debería
limitarse a los lentes capaces de una relación de ampliación 1:1 o mayor.
Magnético: Banda revestida magnéticamente sobre la cual se imprime el
sonido para luego, en laboratorio, transcribirla a la banda óptica y obtener de
esta manera la imagen y el sonido juntos.
Mailing: Herramienta de marketing que permite llegar de forma personalizada
a integrantes de una base de datos, utilizando correo tradicional o electrónico,
con el fin de publicitar un producto.
Mainstream: Comercial. Mainstream es un neologismo de origen ingles
(literalmente corriente principal) que se usa en el arte en general y en la
musica moderna en particular, para designar los trabajos que cuentan con
grandes medios para su produccion y comercializacion, y que llegan con
facilidad al gran publico. Artisticamente puede utilizarse con un matiz
despectivo, para caracterizar obras de caracter comercial y poco innovador,
simplemente para referirse a producciones masivas, o puede utilizarse con un
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54
tono neutro, para designar las obras pertenecientes a artistas consagrados o
corrientes artisticas consolidadas.
Maquinista: Técnico encargado de montar y utilizar la maquinaria auxiliar de
fotografía usada durante la filmación, como ser grúa**, travelling**, etc.
Majors: Las principales productoras norteamericanas.
Making of: (realizando la película): Se denomina making of a la filmación de
cómo se ha realizado un film, es una forma de introducirnos y conocer detalles
de la película detrás de la pantalla. En el making of pueden incluirse reportajes
a los productores, a su director, presenciar el armado del set, la
caracterización de los actores, los dibujos del storyboard, los diseños previos a
la imagen que veremos, etc. El making of generalmente forma parte del menú
de una película en DVD.
Reportaje que documenta las curiosidades y técnicas del rodaje de un filme.
Este vídeo suele tener un objetivo publicitario.
Se trata de un montaje breve, en el que asistimos a las interioridades de la
película. En él, tenemos el privilegio de asistir al rodaje, como si fuéramos un
miembro más del equipo. Este tipo de escenas se combinan con apariciones
de actores, director y guionista, que nos cuentan en primera persona sus
impresiones y anécdotas sobre el rodaje.
En español “Cómo se hizo”, documental breve generalmente realizado
durante la filmación de una cinta, que originalmente se usa para la promoción
de la misma y que ahora se incluye como extra en las ediciones en DVD.
Maqueta: Es un medio apto para reproducir de manera reducida o en escala
real un lugar o un objeto real o ficticio. Tiene tres dimensiones y aporta la
cuota de verosimilitud necesaria para lograr los trucos y efectos especiales
requeridos por la historia. Desde grandes reproducciones o miniaturas
detallistas, las maquetas son creaciones diseñadas por el director de arte y su
equipo, y sirven de base para la planificación del rodaje en la etapa de
Historia mundial del cine

preproducción o bien como plató de filmación, como fue el caso del barco del
Titanic (1997) construido para la película.
Composición musical interpretada por sintetizadores que imiten el sonido de
instrumentos reales o por un grupo reducido de instrumentos que sirve para
ofrecer al director una idea aproximada de cómo sonorán los bloques**
cuando sean orquestados (ver orquestación**) y grabados.
Maquillador: Pertenece al grupo de trabajo del director de arte y se encarga
de caracterizar y/o maquillar a los actores. El maquillaje como rubro fue
ganándose un lugar junto a otras áreas importantes. Fue reconocido y
premiado como categoría en la entrega de los Oscars. Entre las grandes
creaciones del cine se encuentra el multifacético Lon Chaney, la mutación de
Robin Williams en Mrs. Doubtfire (1993), las famosas orejas del capitán Spock,
los orcos de la saga de El señor de los Anillos y muchos otros que lograron una
verdadera transformación.
Manierismo: El amaneramiento artístico es habitual en la etapa final de las
corrientes cinematográficas. En ello, el cine no se distingue de otras
expresiones artísticas. Los creadores, a fuerza de repetir ciertos ingredientes y
características, llevan su obra hacia lo convencional. Sujeta a un mismo estilo,
la corriente acaba por no evolucionar, estancándose en una dimensión
unidireccional. De ahí que una escuela cinematográfica que se amanere pierda
interés. Lejos de significar una apuesta arriesgada, provocadora o novedosa,
cae en la rutina y la reiteración.
Manifiesto: Documento a través del cual un artista o un grupo de creadores
hace públicos los principios de su escuela o movimiento. En este sentido, los
manifiestos tienen siempre una doble faceta, pues por un lado son textos
fundacionales, que inauguran una propuesta estética, y por otro, fijan un
reglamento para distinguir las producciones artísticas que asume o rechaza el
nuevo grupo. A medida que se consolida una corriente creativa, no es inusual
que nuevos manifiestos precisen o varíen ciertas nociones a defender por
quienes se adhieran a él. En algún caso más estricto, como sucede en el
movimiento Dogma 95, cada película que decida llevar este sello debe ser
homologada por los creadores de la tendencia en cuestión.
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55
Marcas: Señales, usualmente en el suelo, para trazar el recorrido o el punto de
llegada o partida del actor y que deben ser respetadas por cuestiones técnicas
diversas, el enfoque, el encuadre, la iluminación.
Marketing: Actualmente, las labores de promoción son indispensables para el
éxito comercial de una película. El diseño gráfico de una estudiada campaña
de publicidad incluye la implicación del equipo artístico, sobre todo director y
actores, que utilizan los medios de comunicación para vender su producto.
Máscara: Es un efecto visual sobre la lente de la cámara que cierra y acota el
cuadro, a fin de orientar el punto de vista del espectador sobre un objeto de
la escena que se necesita destacar. Es una forma de focalizar la atención. Las
máscaras pueden adquirir distintas formas; las más conocidas son las del
formato cerradura, los prismáticos, un óvalo, miras telescópicas, etcétera.
Matte painting: Es un efecto visual que se utiliza para generar y aumentar la
ilusión del realismo cuando se trata de algo sobrenatural o imposible de filmar.
La técnica consiste en pintar sobre vidrio y combinarlo con el decorado o la
maqueta, lo que otorgará un efecto de gran realismo. Ej. Los pájaros (1963).
Mediometraje: Película con duración entre 30 y 60 minutos.
Melodrama: Género en el que se entremezcla lo sensible y emocional a la vida
cotidiana. El cine adopta el melodrama de la novela teatral de fines del siglo
XIX, de la literatura de folletín y de la escritura naturalista. Uno de los
precursores en llevar el melodrama al cine fue David W. Griffith, quien
descubrió en el primer plano una forma de composición que acentuaba el
drama. Ej. En Pimpollos rotos, lo utiliza sobre el rostro melancólico y desolado
de Lillian Gish. Las historias del melodrama versan sobre la búsqueda de la
identidad, pasiones desencontradas, hijos perdidos y/o robados, mujeres
explotadas y dominadas, vidas miserables, sobre aquellos que dieron el mal
Historia mundial del cine

paso, etc. Los personajes se destacan por ser transgresores de ciertas normas,
se mueven por intereses ajenos a los suyos, lo cual los motiva a que actúen
indebidamente. Son muy pasionales y viscerales. La sexualidad también juega
un rol destacado en la construcción de intrigas. Hay varios tipos: melodrama
familiar, social, amoroso, etcétera. Ej.: Cumbres Borrascosas (1939).
Merchandising: Se denomina a todos los productos —mercadotecnia- que
genera una película y que son objeto de venta junto con el lanzamiento de
dicha película. Son productos que se mantienen en el mercado durante mucho
tiempo llegando a ser culto de coleccionistas.
Meritorio: Persona que trabaja en un rodaje en un puesto que podría definirse
como “aprendiz”. Suele encargarse de pequeñas tareas, para ir formándose en
alguna de las áreas del equipo técnico.
Mezcla: Proceso que consiste en grabar juntas, en una sola pista sonora todas
las grabaciones aisladas que se han hecho durante el proceso de sonorización:
diálogos, músicas, efectos sala**, etc. Durante
el proceso se regulan y corrigen, el nivel, la tonalidad y otras características,
para que en conjunto funcionen armónicamente.
Mesa de mezclas: Sistema electromecánico, analógico o digital, de procesado
de las imágenes o sonidos electrónicos para su manipulación.
Micrófonos: La captación del sonido se realiza a través de los micrófonos. Hay
una gran variedad de micrófonos utilizados por el cine y divididos en distintas
categorías: según su construcción, para lograr una transformación de la señal,
y según su captación: direccionales –bidireccionales, cardiode e
hipercardiode–, omnidireccionales, micrófonos de mano, inalámbricos,
corbateros y boom o caña.
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Microfonista: Trabaja junto con el director de sonido y se encarga de manejar
y usar los micrófonos y accesorios, como así también asistir al sonidista.
MIDI: (Musical Instrument Digital Interface) Protocolo de comunicación en
serie que a través de un único hilo
de datos transmite mensajes entre instrumentos musicales electrónicos,
ordenadores y equipos de
audio y sonido. El protocolo MIDI sirve, básicamente, para que un dispositivo
“maestro” (teclado, ordenador, etc) pueda gobernar a otro “esclavo”
(sintetizador, sampler**, tarjeta de sonido) o a un conjunto de ellos.
Mickey-mousing: Técnica de musicalización que consiste en transcribir todos
los accidentes rítmicos visuales y los movimientos de los personajes de manera
onomatopéyca. Aunque su nombre proviene de Mickey Mouse, el personaje
animado más célebre de Walty Disney, esta técnica no sólo se emplea en el
cine de animación sino en todos los géneros cinematográficos, especialmente
en la comedia y el musical.
Modista: Integra el equipo del director de arte y colabora junto a la vestuarista
en la confección del vestuario que surge del guión.
Montaje: Es el gran organizador de la película, un principio constructivo del
espacio y el tiempo del film. Para algunos directores es la herramienta más rica
para armar su película una vez rodada y, para otros, es un elemento que
incorporan durante el rodaje dentro del guión. El montaje conecta un plano
con otro y determina: la duración de los mismos, la imagen que se muestra y
cómo se encadenan los planos. Además, tiene la función de significar, de dotar
de sentido a las imágenes que, aisladamente, no significarían lo mismo. De
igual forma se trabaja con el montaje del sonido, con la banda sonora de la
película. Por último, las imágenes y los sonidos seleccionados generarán ese
todo, que es el film terminado.
Historia mundial del cine

La organización de la película tras el rodaje. Elegir, cortar y pegar los diferentes
trozos de película, con una idea determinada por el guión. Durante el proceso
de montaje se seleccionan y descartan secuencias y se imprime el ritmo a la
película.
Cuando vemos una película, nos encontramos con un proceso narrativo. Pero
la filmación no ha sido lineal. Las tomas se realizan sin seguir el guión. La labor
del montador es la de escoger las mejores secuencias y encadenarlas siguiendo
el hilo narrativo, cortando y montando planos, mientras se sincroniza imagen
y sonido.
Montaje alternado: Se ven dos situaciones que suceden paralelamente en el
mismo tiempo, ambas se muestran desde distintos puntos de vista, pero
terminan uniéndose al final, como una convergencia. La vida de un bombero
americano (E. Porter).
Montaje paralelo: Se ven dos situaciones que suceden paralelamente en el
mismo tiempo, pero en distintos lugares y unidas dramáticamente. Ej. La
escena del dormitorio en Cuando Harry conoció a Sally.
Montaje narrativo: Es el montaje más discreto, el que menos nota el
espectador. Se lo denomina invisible porque no se perciben los cortes entre
los planos, el cambio de plano se aparece como contínuo y fluído. Ej. los films
clásicos de Hollywood.
Montaje de choque: También llamado montaje de atracciones, creado por el
cineasta ruso Sergei Eisenstein, quien sostenía que al unir dos planos
diferentes se produce un choque audiovisual, lo cual provoca y genera una
nueva idea en el espectador, un nuevo significado. Este tipo de montaje toma
de base el materialismo dialéctico de Marx (tesis-antítesis-síntesis). Ej. El
Acorazado Potemkim.
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Montaje en el plano: Se produce cuando dentro de un mismo plano de forma
contínua, sin cortes, se muestran distintos objetos o situaciones, utilizando los
movimientos de cámara y los distintos tamaños de plano. Su duración puede
o no coincidir con el plano secuencia. Ej. La soga de Hitchcock.
Montajista: Finalizado el rodaje, es uno de los rubros más importantes del cine
porque el montajista se encarga del armado final de la película, con todo el
material grabado en la sala de montaje se le da forma definitiva al film que
verán los espectadores.
Movimientos: Los movimientos implican cambios, dinamismo, una renovación
a ciertos modelos importados e impuestos. Surgen como consecuencia y
paralelamente a cambios de nivel social, político y cultural en una sociedad.
Así, se imponen nuevas estéticas, nuevos lenguajes y técnicas discursivas que
ahondan en temáticas y en estilos diferentes, pero que comparten
características y valores similares. Como las vanguardias, los movimientos
coinciden en un deseo de construir un lenguaje audiovisual que se aparta de
lo ya visto. Su auge se produce mundialmente en los inquietos años 60: En
Italia se llamó Neorrealismo, en Francia la Nouvelle Vague, en Alemania el
Nuevo Cine Alemán, en Inglaterra el Free Cinema, en Estados Unidos el New
American Cinema. Influenciados por un aire renovador y con mucho por decir,
los movimientos se fueron expandiendo dando origen al Nuevo Cine
Latinoamericano: en Cuba se lo llamó Cine Revolucionario Cubano, en Brasil el
Cinema Novo, en Argentina Grupo Cine de Liberación y Cine de Base, en Bolivia
el grupo Ukamau, en Chile el Cine de la Unidad Popular, en Perú La Escuela de
Cuzco.
Movimiento de balanceo: Es el obtenido cuando la cámara se mueve de
derecha a izquierda y al revés sin pararse.
Movimientos en la misma cámara: Capaces de reproducir con exactitud el
movimiento de los sujetos filmados: el paso rítmico del film detrás del objetivo
y del obturador. En los aparatos primitivos, el arrastre del film se hacía
manualmente. Era muy complicado pero los operadores de cámara se
Historia mundial del cine

convirtieron en verdaderos artesanos que lograban en cada momento el ritmo
y la cadencia adecuada a la escena filmada. Podían exagerar en escenas
cómicas o ralentizar en las dramáticas. Nacieron así dos tipos de movimiento:
cámara lenta y cámara acelerada. El «cámara lenta» se logra acelerando la
velocidad de filmación y ralentizando la de proyección. El «acelerado» se
realiza a la inversa. Muchos de los efectos especiales de hoy día están
realizados con estos criterios a los que se han aplicado las nuevas tecnologías.
El efecto “celuloide rancio”, de la velocidad de las películas antiguas se debe a
que se filmaron a una velocidad muy lenta y se proyectan con motor a una
velocidad constante, más alta.
Movimientos de la cámara sobre sí misma: Otro recurso del lenguaje
cinematográfico es el movimiento de la cámara sobre sí misma. Cuando la
cámara se mueve para perseguir objetos o figuras. La cámara gira sobre una
plataforma esférica. Se logran así las panorámicas horizontales, verticales y
diagonales. Se busca así a los actores, se siguen sus movimientos, con el fin de
incrementar los espacios y las formas de ver la realidad. Gracias a estos
movimientos se hizo posible el ‘plano secuencia’, visto más arriba.
Movimientos externos a la cámara: Cuando es la misma cámara la que se
desplaza. El movimiento externo de la cámara se puede conseguir de muy
diversos modos: mediante el travelling, con la grúa o montando la cámara en
un helicóptero. Así como las panorámicas se mueven sobre el eje de la
máquina, los travellings se hicieron colocando la cámara en un carrito que se
desplazaba sobre unos rieles. Vino luego la transformación de la óptica
variable, que permitió lo que se ha llamado travelling óptico (zoom). Hoy, la
liviandad de las cámaras y la facilidad de su manejo permiten que el operador,
a pie y cámara en mano, siga al sujeto, lográndose efectos de un verismo
sorprendente. La grúa tiene la capacidad y versatilidad de realizar tomas
verticales, desde la altura y a nivel del suelo, y vistas aéreas. El helicóptero, por
su facilidad de movimiento en el aire sirve para recrear ambientes que de otra
forma serían imposibles: filmar grandes multitudes, espacios inmensos,
batallas, etc.
Centro Cinematográfico del Sureste
58
Moviola: Máquina visionadora de película, por lo general con forma de mesa,
utilizada para realizar los sucesivos cortes del montaje. Sus cabezales pueden
leer la imagen y el sonido juntos o por separado.
Su uso comenzó a disminuir en los años ´90 tras la aparición de los equipos
digitales, como el Avid
Mudo, cine: Desde los inicios del cine hasta la primera película sonora, El
cantor de jazz (1927), el cine careció de la voz humana, era un medio
básicamente afónico. En las salas de cine, las imágenes estaban acompañadas
de un comentarista que ejercía de maestro de ceremonias, comentando las
imágenes. También se contrataba a un actor o cantante, que relataba los
diálogos de manera sincrónica con las imágenes proyectadas. Los efectos
sonoros, como el galope de un caballo, los truenos, la lluvia, etc., se lograban
mediante distintos artilugios, de forma sincrónica. La mayoría de las
proyecciones se acompañaban de música. En las salas más grandes había
orquestas y en las salas más chicas y humildes tan sólo un piano. En la década
de 1910 se componían partituras para películas, como en el caso del film de El
asesinato del Duque de Guisa (1908), que pertenece al Film d´art francés.
Por lo tanto, el cine no era completamente silencioso, sino que sólo faltaba
que los actores expusieran su voz, lo que suavizaría la exageración
interpretativa. Hubo mucha oposición al cambio, a dejar de lado la mímesis.
Ciertos actores o actrices no tenían buena voz y eso provocaba ciertos temores
a perder el trabajo. Charles Chaplin, entre otros, fue un gran opositor. El sonido
sería una intromisión a la pantomima y a la interpretación de sus films, era algo
que sobraba y que sin eso no volvería a ser lo mismo. Sin embargo, la evolución
tecnológica se impuso, y el tiempo hizo que las imágenes y el sonido
terminaran siendo como una amalgama que enfatiza el realismo.
Música: Desde la incorporación del sonido en El cantor de jazz (1927) dirigida
por Alan Crossland, el cine pasó a ser un medio audiovisual, se empleaban
canciones y algunos diálogos. La música acompaña a la imágenes, genera
diversos climas: tensión, miedo, sensualidad, y refuerza y enfatiza lo visual. La
música logra trasladarnos dentro de ese universo ficcional que se nos presenta
ante nuestra mirada.
Historia mundial del cine
 59

Se pueden distinguir dos tipos de música: a) aquella que proviene de la escena

que estamos viendo, y es llamada diegética; ej.: escuchamos música de piano
y vemos a un pianista tocando en dicho piano; y aquella música que oímos, Mediometraje. Película con duración entre 30 y 60 minutos.
pero de la cual no vemos su procedencia, a la que se denomina extradiegética;
ej.: los acordes que oímos en la saga de Tiburón cuando el animal se acerca.
En este último caso, el solo hecho de escuchar la música, sin ver la imagen, nos
Melodrama. Género en el que se entremezcla lo sensible y emocional a la vida
permite imaginar una situación peligrosa, como un efecto reflejo de
cotidiana.
sustitución. La grandeza de ciertas películas está ligada a su relación y uso de
la música como a la buena elección que los directores lograron con los
músicos. Dentro de la historia del cine, fueron inolvidables las creaciones
musicales de Bernard Herrmann, Nino Rota, Max Steiner y Lalo Schifrin, entre Montaje. La organización de la película tras el rodaje. Elegir, cortar y pegar los
otros. diferentes trozos de película, con una idea determinada por el guión. Durante
el proceso de montaje se seleccionan y descartan secuencias y se imprime el
ritmo a la película.
Musical, comedia: Es un género que incorpora la música y las coreografías de
baile a la historia que se narra, como parte del relato ficcional. Sus

características principales son el reemplazo de los diálogos por canciones, la
irrupción repentina, dentro de la acción, de escenas de baile que duran hasta
que el tema musical termina, mientras despliegan elaboradas coreografías y
acrobacias. Actores como Fred Astaire, Ginger Rogers, Gene Kelly han dado
muestras de sus destrezas en Cantando bajo la lluvia (1952), Un americano en
París (1951), La rueda de la fortuna (1944), Escuela de sirenas (1944), donde
se realizaban coreografías acuáticas con la participación de la nadadora Esther
Williams o en Brindis de amor (1953), etc. Entre los directores de musicales se
encuentran Busby Berkeley, Stanley Donen, Vincent Minelli, entre otros. La
Novicia Rebelde (1965) o Mary Poppins (1964) fueron exponentes para los más
jóvenes. Diferente es la calidad de los films de Bob Fosse, demostrada con los
éxitos de Cabaret (1972) y All that jazz (1979). Actualmente la comedia musical
es un género que ha quedado un tanto relegado y fuera de los cánones más
taquilleros.
Musicalizador: Integra el staff del director de sonido y se encarga de
seleccionar y/o grabar la música que se utilizará en la banda sonora de la
película.
MacGuffin: Este término fue acuñado por Alfred Hitchcock para referirse a un
elemento narrativo que, a priori, parece vital para la trama, pero que
demuestra ser superfluo dado que la película ahonda en temas más profundos.
N
Nagra: El más difundido de los magnetófonos portátiles. Permite grabar el
sonido directo en cintas magnéticas. De origen suizo, fue el primero realmente
liviano y transportable.
Narración: El cine en sus comienzos no estaba concebido para contar historias,
funcionaba como un registro de la realidad. Era considerado una atracción de
feria con grandes innovaciones técnicas y, por ende, no formaba parte de las
artes nobles como la novela y el teatro. Para poder lograr su autonomía y
adquirir la respetabilidad de las otras artes, el cine tuvo que recurrir a la
narración, a contar historias como hacían las otras disciplinas. Así, la narración
se hizo parte del cine, compartiendo las mismas estructuras que cualquier
relato de ficción: introducción, nudo y desenlace.
La primera aproximación a la narratividad y, por qué no al primer film de
ficción, fue realizado por los hermanos Lumière: El regador regado (1896).
George Méliès percibió el potencial del cine para contar una pequeña historia,
la posibilidad de recrear un hecho distinto frente a la cámara. Sin embargo,

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será con David Griffith el verdadero comienzo de una gramática
cinematográfica.
Los componentes del cine –según Jacques Aumont, definidos como una
imagen móvil figurativa, que implica que los objetos mostrados son
reconocidos socialmente, poseen un valor y tienen movimiento– condujo al
cine a su encuentro indefectible con lo narrativo. Por lo tanto, todo film es
narrativo aunque sea experimental. Para que un film no lo sea, no debería
reconocerse absolutamente nada en él.
Bajo otra concepción, Francois Jost asocia y entiende a la narración, no como
algo tan amplio, sino como el acto que posibilita comunicar a un narrador con
sus destinatarios, los espectadores. Ambos se disponen a participar en dicho
proceso mediante el intelecto.
Más allá de las distintas concepciones, el cine siempre nos cuenta algo: buenas
y malas historias, innovadoras o reiteradas, originales o híbridas, entretenidas
o abúlicas, pasajeras o inolvidables.
Naturalismo poético francés: Corriente de pensamiento artística de fines del
siglo XIX, basada en reproducir la realidad con la mayor objetividad y verismo
posibles. Su concepción del hombre radica en considerarlo sin albedrío y sujeto
a la herencia genética y al medio en que vive. La condición humana está
condicionada por problemas sociales como la pobreza, la violencia, el
alcoholismo y la prostitución. El naturalismo y la influencia de los textos de
Zola pusieron el verismo en circulación, oponiéndose al acartonamiento del
Film d`art. André Antoine y su teatro libre llevan al cine Travail (1919), donde
se utilizan escenarios naturales, actores no profesionales etc. Louis Feuillade
realizó una serie de films llamada “La vida tal cual es” (1911-1913), con un
temario de problemas sociales: el alcoholismo, el poder del dinero, el trabajo
cruel de las minas, etcétera.
Jean Renoir dará a esta concepción naturalista un rigor más estilista, dando
lugar al naturalismo poético francés o realismo negro de anteguerra: Naná
(1926), La golfa (1931), Los bajos fondos (1936). Otros representantes de este
tipo de cine serán Jacques Feyder (El signo de la muerte, 1933), Julián Duvivier
(La Bandera, 1935), Marcel Carné (El muelle de las brumas, 1938). Los
personajes del naturalismo poético francés pertenecían a las clases sociales
más excluidas: ladrones, prostitutas, desertores, legionarios, etcétera. La
topografía rondaba los ambientes sórdidos, las tabernas, los muelles, los
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60
suburbios industriales, callejones… Lo poético se relacionaba con la estilización
romántica de los objetos más realistas. Lo negro tenía que ver con su carácter
fatalista y su visión pesimista de la vida, acompañado de un nihilismo
existencialista.
Neutro: Filtro que absorbe la luz de todos los colores (todo el espectro de luz)
en la misma proporción. Se caracterizan por no introducir variaciones
cromáticas a la imagen, pero si permiten modificar la exposición, el contraste
o la definición.integrada por los cineastas Manuel y Víctor Chamba, Luis
Figueroa, César Villanueva y Eulogio Nishiyama con Kululi (1961).
Neorrealismo: Bajo el régimen fascista italiano, las voces de nuevos cineastas,
algunos procedentes del Centro Sperimentale, logran una búsqueda hacia la
representación de la realidad con el mayor verismo posible y contrarios a la
opulencia que alimentaba el Duce. Hacer un “cine antropomorfo”, que tratase
a los hombres vivos, y no de monigotes como hacía el oficialismo, así lo definía
Luchino Visconti, uno de los primeros en llevar a la pantalla Ossesione (1942),
film que inicia esta nueva etapa, para seguir con su búsqueda estética en La
terra trema (1947/48). Roberto Rossellini se destaca con la trilogía Roma,
ciudad abierta (1945), Paisá (1946) y Alemania, año cero (1948). Vittorio de
Sica y el guionista Cesare Zavattini harán Ladrón de bicicletas (1948) y Umberto
D (1951).
El agregado de “neo” se relaciona con las influencias que recibió este
movimiento del naturalismo poético francés, el documental británico y el
realismo ruso: dejar ver una nueva realidad oculta por la censura.
Los temas del neorrealismo se basaban en la concepción del hombre como ser
social, que vive y se relaciona con la colectividad en la que está inmerso. El
estilo hacía énfasis en el realismo y en el verismo cuasi documental.
Mayormente, utilizaban actores no profesionales, escenarios naturales,
diálogos sencillos, iluminación más realista, sin maquillaje, sin decorados ni
artificios propios de los estudios, característicos del cine fascista de teléfonos
blancos. Abogaban por mostrar de manera sobria una realidad sin adornos, en
la que se dejaba entrever el sentimiento de revolución social que se estaba
gestando.
Historia mundial del cine

Noche americana: Es un procedimiento de rodaje, muy utilizado en el cine
norteamericano que consiste en filmar por el día y que parezca que es de
noche. En algunas películas se aprecia que las sombras no corresponden a la
noche, a pesar de los aspectos azulados u oscuros de la escena. Se realiza por
medio de filtros de color y de la colocación de la luz hacia la cámara con el fin
de semivelar la película. Las nuevas tecnologías hacen inútil este artificio, que
por otra parte se nota mucho.
Nouvelle Vague: Los cambios políticos y sociales de finales de los cincuenta
y principios de los sesenta dieron lugar al surgimiento de la Nueva ola francesa
(1959-1962). Fue el fruto de un grupo de críticos de cine fundadores de la
revista Cahiers du Cinema (1957), desde donde ejercieron la crítica, dejando
en claro su cinefilia y su carácter revisionista sobre el cine realizado hasta
entonces. Reivindicaron la obra de muchos cineastas, como Ford, Tati, Clouzot,
Hitchcock, etc., y sentenciaron la obra de diversos directores provenientes del
cinema qualité. También debutaron como cineastas. Sus primeros
largometrajes fueron realizados entre 1958 y 1959, encabezados por Claude
Chabrol en El bello Sergio - "Le Beau Serge" -(1954), luego será Francois
Truffaut con Los 400 golpes -“ Les quatre cents coups” (1959) y Jean-Luc
Godard con Sin Aliento –“ À bout de souffle, “(1959), quienes marcaron una
tendencia estilística y narrativa diferente, contraria al cine industrial, y de gran
influencia en el resto de la cinematografías. El cine de la Nouvelle Vague pone
su acento en cómo se cuenta una historia y resta importancia al tema.
Implicaron una ruptura hacia el realismo psicológico del cine de género.
Exaltaron el cine de autor, al priorizar la individualidad del artista, que se
expresa a través del cine. Otros autores que se destacaron dentro de esta
renovación fueron Eric Rohmer, Alain Resnais, André Bazin y Jacques Tati.
Nuevo Cine Alemán: Fue una renovación dentro del cine alemán durante
las décadas de los 60 y 70. El primer cambio fue impulsado por jóvenes
cineastas provenientes del cortometraje. Sin llegar a consolidarse como
movimiento, compartían el proyecto de querer renovar el concepto del cine
en su país. En 1962 firman un manifiesto llamado de Oberhausen, debido al
nombre de la ciudad, a través del cual se muestran en contra del cine de
Alemania Occidental. Proponen un cine de lucha estética-cultural y
contestatario, aunque al mismo tiempo necesitaban el apoyo político e
industrial para poder concretar sus proyectos. El grupo de cineastas estaba
compuesto por Alexander Kluge, Herbet Vesely, Volker Schlöndorff (El joven
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61
Torless, 1966; El Tambor, 1978) y Jean-Marie Straub, entre otros. La difusión
televisiva permitió que alguno de ellos estrenara sus primeros largos, recibidos
con indiferencia dentro su país. También trataban de construir sus propias
cadenas de distribución bajo sistemas de cooperación con modalidades
underground, y otros fueron asimilados como funcionarios culturales. Junto a
ellos se destacó un cine femenino con autoras como Helma Sanders y
Margarethe Von Trotta con El segundo despertar de Christa Klages (1977) y
Las hermanas alemanas (1981).
En la década del 70 hubo una segunda renovación que surge a partir de autores
como Wim Wenders (Alicia de las ciudades,1974; El amigo americano, 1977),
Werner Herzog (Aguirre, la ira de Dios, 1972; Nosferatu, el vampiro, 1978) y
Rainer Fassbinder (La angustia corroe el alma, 1975; Lili Marleen, 1981),
quienes sin formar ninguna alianza ni vanguardia y con estilos personales,
lograron jerarquizar y llevar un cine de autor más allá de sus fronteras.
Nuevo Cine Americano (New American Cinema): Fue un movimiento
heterogéneo que surge en la segunda posguerra, y que giraba en torno a la
revista Film Culture –fundada en 1955 por Jonas Mekas, líder del cine
independiente– y a la New York Film Maker´s Cooperative. Los integrantes del
nuevo cine americano se postulaban en contra del cine industrial de
Hollywood y su “americam dream”, al que consideraban estéticamente
decadente. Vanguardistas y experimentales, en busca de distintas formas
narrativas, utilizaron el super 8 y el 16mm e incursionaron en el vídeo, los
cineastas probaron distintos circuitos de difusión alternativos y nuevos modos
de producción. Sus representantes, localizados principalmente en Nueva York,
fueron: John Cassavetes (Sombras, 1959; La canción del pecado, 1962),
Shrirley Clarke (La conexión, 1961), Adolfas Mekas (The Bring, 1964) y Lionel
Rogosin (Come back to Africa, 1958-60), entre otros.
Nuevo Cine Español: Se denomino así al grupo de películas realizadas por
los nuevos directores salidos de la Escuela Oficial de Cinematografía bajo los
auspicios de la Dirección General de Cinematografía, al frente de la cual estuvo
José María García Escudero. Quise ser un referente similar a los movimientos
europeos como la “Nouvelle vague” francesa, el “Free cinema” británico, el
Nuevo Cine Alemán e, incluso, como la vanguardia estadounidense o el
Historia mundial del cine
 62

“Cinema Nôvo” brasileño. Sin embargo, no llegó a ser un movimiento por poner el audio o el video de otro grupo, pero esto no afecta la calidad en
consolidado. nada.

Nuevo Cine Latinoamericano: Los movimientos se fueron expandiendo desde

Europa y Norteamérica hacia los países periféricos, dando origen al Nuevo Cine
Latinoamericano, que brilló en la década del sesenta, enarbolando un espíritu
crítico y revolucionario: en Cuba se lo llamó cine revolucionario cubano y se
desarrolló de la mano de Tomás Gutiérrez Alea (Memorias del Subdesarrollo,
1968); en Brasil, el Cinema Novo estuvo encabezado por Glauber Rocha (Dios
y el Diablo en la Tierra del Sol, 1964); en la Argentina, por el Grupo Cine de
Liberación, con Fernando Pino Solanas y Eduardo Getino (La hora de los
hornos, 1968) y el Cine de la Base, con Raymundo Gleyzer (Los traidores, 1973);
en Bolivia, el grupo Ukamau estuvo representado por Jorge Sanjinés, con el
film Ukamau; en Chile el cine de la Unidad Popular, bajo la voz de Miguel Littin
(El Chacal de Nahueltoro, 1969); en Perú, la Escuela de Cuzco,
Noche americana. Es un procedimiento de rodaje, muy utilizado en el cine
norteamericano que consiste en filmar por el día y que parezca que es de
noche. En algunas películas se aprecia que las sombras no corresponden a la
noche, a pesar de los aspectos azulados u oscuros de la escena. Se realiza por
medio de filtros de color y de la colocación de la luz hacia la cámara con el fin
de semivelar la película. Las nuevas tecnologías hacen inútil este artificio, que
por otra parte se nota mucho.

Nueva Ola Francesa: Nouvelle vague (Nueva ola) es la denominación que

la crítica utilizó para designar a un nuevo grupo de cineastas franceses surgido
a finales de la década de 1950. Los nuevos realizadores reaccionaron contra
las estructuras que el cine francés imponía hasta ese momento y,
consecuentemente postularon como máxima aspiración, no sólo la libertad de
expresión, sino también libertad técnica en el campo de la producción fílmica.

Este apelativo surge cuando muchos de los críticos y escritores de la

revista especializada “Cahiers du Cinéma” (Cuadernos de Cine) -fundada en
1951 por André Bazin- deciden incursionar en la dirección de filmes hacia
finales de los años cincuenta, tras haber desempeñado la profesión de
guionistas durante los años precedentes. Tales son los casos de François
Truffaut, Jean-Luc Godard, Jacques Rivette, Eric Rohmer o Claude Chabrol, y
sobre todos ellos su precursor Jean Pierre Melville.

Nuked: Se le dice a las películas que suelen tener falla o algún problema.
Puede ser problema de sonido, imagen o mal Cropeada (cortada la imagen) o
bien con la imagen distorsionada. Tambien se “Nukean” entre grupos de ripeo

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O
Objetivo: Es un conjunto de lentes convergentes y divergentes colocados
dentro de un cilindro que forma la parte óptica de la cámara. Su función es
recibir la luz procedente de un objeto, modificar su dirección hasta crear la
imagen óptica contra el soporte sensible (película). Los cilindros con las lentes
se denominan objetivos fotográficos, que nos permiten tener un mayor
dominio sobre la manera en que ingresa la luz a la cámara.
Tipos de objetivos: gran angular, teleobjetivo, normal, zoom y anamórfico.
Ejemplo: Si colocamos la cámara frente a una cuadra de un barrio, con el gran
angular se captarán todas las casas, con el normal se captará una o dos casas
y con el teleobjetivo se tomará la puerta de entrada de una de ellas.
El gran angular se utiliza para poder registrar grandes espacios con
profundidad. Permite que los objetos cercanos y lejanos queden en foco
simultáneamente. Tiene la desventaja de deformar los objetos que se
encuentran en el borde y da una ligera sensación de aglobamiento.
El normal reproduce las mismas proporciones que el ojo humano.
El teleobjetivo se usa para captar objetos que están lejos y acercarlos hasta el
detalle, los aumenta, aplanando la imagen. Tiene poca profundidad de campo
y deja fuera de foco lo que está delante o detrás del objeto que capta, logrando
mucha nitidez y aumentando la luminosidad.
El zoom tiene una distancia focal variable, que permite acercar o alejar algo.
Algunos lo han llamado “travelling óptico”. Se usó para generar distintos
efectos, como mareos, vértigo, alucinación o claustrofobia. Tiene sus adeptos
y también quienes lo rechazan y prefieren olvidarlo.
El anamórfico comprime la imagen en el rodaje para expandirla en la
proyección, ganando más visión en los bordes laterales de la pantalla. En 1953
fue registrada con el nombre de Cinemascope.
Obturador: Es un disco semicircular, inserto dentro de la cámara, que gira
constantemente y que permite obturar y desobturar la luz que deberá llegar
Centro Cinematográfico del Sureste
63
al interior de la película. Mientras la película se desliza sobre unos carriles, de
manera uniforme e intermitente frente a la ventanilla, el obturador hace
medio giro para que la película avance y en la otra mitad del giro desobtura el
haz lumínico para que la película haga su registro. Todo ese proceso se hace a
una velocidad de 24 fotogramas por segundo, llamado ciclo de la cámara, en
el cual el obturador tendrá un tiempo de exposición de 1/48 segundos.
Ocular: En la parte posterior de la cámara de cine se encuentra el ocular, que
permite visualizar lo que está encuadrando el objetivo, a través de un sistema
de prismas llamado reflex. El operador puede saber lo que está registrando e
ir ajustando las dioptrías que están en el ocular para lograr la puesta del foco.
Off: Referente a sonido. Cualquier tipo de sonido que se produce fuera de lo
que está mostrando la cámara. Pueden ser voces o sonidos ambientales,
efectos sonoros etc. _Posproducción_ (También denominada coloquialmente
como “pospo”). Se trata de la fase de elaboración de una pelicula que
comienza cuando, una vez grabada, el montador dispone del material
necesario para completar el primer montaje.
Voces o sonidos cuya fuente no está visualmente en cuadro.
One-liner: Literalmente, “de una línea”. Es decir, una frase corta y graciosa
que se usa como arma verbal en los terrenos de la comedia fílmica.
Opera prima: Se dice de la primera cinta de un director.
Operador: Técnico del equipo de fotografía encargado del manejo de la
cámara y el encuadre según las instrucciones del realizador.
Original (música): Toda composición realizada ex profeso para una película.
Se emplea en contraposición a la música preexistente **, o música de
librería**, y la música adaptada**.
Orquestación: Proceso de la composición mediante el cual se seleccionan
los instrumentos que ejecutarán la música, dotándola de unas determinadas
carácterísticas sonoras. Tradicionalmente, la industria cinematográfica (en
especial la norteamericana) ha contado siempre con orquestadores
profesionales que colaboraban con los compositores (actualmente incluso
existen orquestadores especializados en determinados grupos de
instrumentos), produciéndose una distinción de tareas que desde un punto de
Historia mundial del cine
 64

vista musical purista puede parecer antinatural, ya que la orquestación forma este caso, el más globalizado, todo el cine debería tener un espacio para ser
parte intrínseca de la composición. considerado y valorado. Tanto el llamado cine arte, el cine de autor y el cine
periférico no logran pisar la cotizada alfombra roja, salvo en ciertas ocasiones.
Oscar: Premio en forma de estatuilla, diseñada por Cedric Gibbons —que fue Entre los films que han sido galardonados se encuentran: El padrino (Francis F.
el máximo responsable de la decoración de la Metro Goldwyn Mayer desde Coppola); Carrozas de fuego (H. Hudson); Amadeus (Milos Forman); Pelotón
1924 hasta 1956-, y que concede desde 1928 es un premio concedido por la (Oliver Stone); El secreto en la montaña (A. Lee), etcétera.
Academia de las Artes y las Ciencias Cinematográficas (en inglés: AMPAS;
Academy of Motion Picture Arts and Sciences) también llamado «premio de la Películas más premiadas
Academia» o en inglés Academy Award—en reconocimiento a la excelencia de Año Película Distr. / Productora Oscars
los profesionales en la industria cinematográfica, incluyendo directores,
actores y escritores, y es ampliamente considerado el máximo honor en el El señor de los anillos - El retorno del rey
2003 New Line 11
(The Lord of the Rings: The Return of the King )
cine.
1997 Titanic Fox / Paramount 11
La entrega del premio Oscar es considerado para algunos como el
1959 Ben-Hur MGM 11
máximo galardón de la industria cinematográfica; para otros, es simplemente
un show publicitario glamoroso, competitivo y recaudador. Desde 1927, el 1961 Amor sin barreras (West Side Story ) MGM 10
premio es otorgado por la Academia de Artes y Ciencias Cinematográficas de 1996 El paciente inglés (The English Patient ) Miramax 9
Hollywood. La codiciada estatuilla de 34 cm., 3 kg de peso y bañada en oro fue
1987 El último emperador (The Last Emperor ) Columbia 9
diseñada por el decorador Cedric Gibbons y realizada por el escultor George
Stanley. Su nombre proviene de una anécdota que trascendió: una de las 1958 Gigi MGM 9
secretarias de la Academia, Margaret Herrik, al descubrir la estatuilla advirtió
1939 Lo que el viento se llevó (Gone With the Wind) MGM 9
el parecido que tenía con su tío Oscar, a partir de ese comentario se bautizó a
Fox Searchlight /
la estatuilla como 2008 Quisiera ser millonario (Slumdog Millionaire ) 8
Warner Ind.
1984 Amadeus Orion 8

1982 Gandhi Columbia 8

Películas ganadoras de los 5 Oscars principales 1972 Cabaret Allied Artists 8

1964 Mi bella dama (My Fair Lady ) Warner Bros 8

AÑO PELICULA DIRECTOR ACTOR ACTRIZ GUIÓN
Sucedio una noche Claudette Robert Riskin (Historia: 1953 De aquí a la eternidad (From Here to Eternity) Columbia 8
1934 Frank Capra Clark Gable
( It Happened One Night) Colbert Samuel Hopkins Adams)
1954 Nido de ratas (On the Waterfront) Columbia 8
Atrapado sin salida Bo Goldman, Lawrence
Milos Jack Louise
1975 (One Flew Over the Cuckoo's Hauben (Novela: Ken Los mejores años de nuestras vidas (The Best
Forman Nicholson Fletcher 1946 Samuel Goldwyn 8
Nest ) Kesey) Years of Our Lives)
El silencio de los inocentes Jonathan , Anthony Ted Tally (Novela: Thomas
1991 Jodie Foster
(The Silence of the Lambs ) Demme Hopkins, Harris)
Outtakes: Se dice de escenas “cortadas” o no incluidas en la copia final de
una película. Por lo general son incluidas al final de la cinta, durante la
secuencia de créditos o como material extra en el DVD correspondiente.
La Academia cuenta con más de 5000 socios que votan a los futuros
premiados en sus distintas categorías, las cuales fueron ampliándose con los
años, paralelamente a la evolución cinematográfica. Como en todo Festival, en
Centro Cinematográfico del Sureste Historia mundial del cine

P
Pan and Scan: Sistema para emitir formatos panorámicos en televisión sin
bandas negras, que consiste en “inventar” un movimiento de cámara de lado
a lado, que va mostrando las partes de la imagen que de otra forma quedarían
fuera del cuadro.
Paintbox: Sistema de producción y composición de grafismos animados por
ordenador, fabricado por la compañía inglesa Quantel Inc. ¡Error! Referencia
de hipervínculo no válida.
Paneo: Movimiento de la cámara sobre su propio eje, sea de izquierda a
derecha o de derecha a izquierda.
Panós: Marco de madera cruzado con tirantes en diagonal sobre un
travesaño horizontal y cubierto con tela arpillera tratada, contrachapado,
conglomerado o material plástico. Utilizado en la construcción escenográfica,
sirve para simular paredes, etc.
Panorámica: Movimiento de rotación de la cámara sobre su soporte. Puede
ser horizontal, vertical, circular, de barrido.
Panorámicas: Se referían a las vistas que tenían más información, sobre todo
porque el operador de turno movía ligeramente la cámara hacia un lado para
hacer un recorrido sobre el acontecimiento que impresionaba.
Paso de manivela: Técnica aplicada por numerosos pioneros del cine a la hora
de conseguir efectos diversos con la imagen. Consistía en impresionar, con un
giro de manivela, un fotograma, y para el siguiente haber cambiado de
posición al personaje u objeto, y así sucesivamente, para que el conjunto de
dichos fotogramas produjesen un determinado efecto en la proyección.
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Película: Es la cinta que se proyecta. Ha sido con el tiempo de diversos
materiales. La más conocida en sus primeros cincuenta años fue la de
celuloide. Actualmente se hacen de triacetato de celulosa, que no se inflama.
Es sus bordes tiene unas perforaciones que sirven para el arrastre en el
proyector. Los formatos de la película son muy variados, pero los más comunes
han sido los de 16 mm. Y 35 mm. El de 70 mm se hizo muy común en la década
de 1960, hasta el presente. En cine familiar y amateur se ha trabajado mucho
con 8 mm.
Peplum: es un género fílmico popular, que puede conceptualizarse como
una película de aventuras, ambientada en la Antigüedad, en especial -aunque
no excluyentemente- la greco-romana. El término fue acuñado por la crítica
francesa en los años 60, usando metonímicamente el nombre de una prenda
de vestuario muy frecuente en tales filmes, la llamada latinizadamente
“peplum”, (del griego “πεπλον” -peplo-), especie de túnica sin mangas
abrochada al hombro.
Perforaciones: Orificios que presenta la película a sus costados para poder
ser sujetada por el mecanismo de arrastre de la cámara o del proyector.
Persistencia Retiniana: Fenómeno visual descubierto por el científico
belga Joseph Plateau (Bruselas 1801-1883). Plateu descubrió que una imagen
permanece en la retina una décima de segundo antes de desaparecer
completamente. Esto permite que veamos la realidad como una secuencia de
imágenes ininterrumpida y que podamos calcular fácilmente la velocidad y
dirección de un objeto que se desplaza; si no existitese, veríamos pasar la
realidad como una rápida sucesión de imágenes independientes y estáticas.
Plateau descubrió que nuestro ojo ve con una cadencia de 10 imágenes por
segundo, que nosotros no vemos como independientes gracias a la
persistencia visual. En virtud de dicho fenómeno las imágenes se superponen
en la retina y el cerebro las “enlaza” como una sola imagen visual móvil y
continua. El cine aprovecha este efecto y provoca ese “enlace” proyectando
más de diez imágenes por segundo (exactamente 24), lo que genera en
nuestro cerebro la ilusión de movimiento.
El ojo retiene las imágenes durante una fracción de segundo después de su
desaparición, lo que permite ver 24 imágenes fijas por segundo como una
imagen en movimiento continuado. Roget, físico, descubrió el fenómeno en
1824.
Historia mundial del cine

Photoshop: (Adobe) Software de diseño gráfico, edición y producción de
fotografías e imágenes impresas y de web, fabricado por Adobe Inc.
www.adobe.com
Pietaje: También llamado Key Code. Número que coloca el fabricante
en el negativo, que identifica cada pie de película. Esto permite, a la hora del
corte de negativo, identificar con exactitud el fotograma donde debe realizarse
cada corte.
Planeamiento: Inicio o arranque de la historia que se quiere narrar.
Planiflicación: Desglose del guión en planos.
Planta: Dibujo de un escenario visto desde arriba.
Plató: Lugar cerrado y acustizado donde se construyen los decorados para
filmar una película o algunas escenas. Los grandes estudios poseen varios
platos en los cuales suele trabajarse paralelamente, aún distintas películas.
Son los casos de los estudios de Hollywood o de Cinecittá.
Plan de rodaje: Se llama a un documento gráfico, normalmente en forma
de tablero, que indica a los participantes en el rodaje, en un calendario, el
número de planos, escenas o secuencias a rodar por día, la participación de
actores y figurantes y los requerimientos de todo orden que deben estar
disponibles para cada jornada de trabajo.
Plano: Es lo filmado de una sola vez. No obstante, plano también se llama el
espacio que recoge la filmación en relación con la figura humana: plano
general, plano entero, plano americano, plano medio, primer plano, plano
detalle.Conjunto de imágenes que constituyen una misma toma; es, pues, la
unidad de toma. Hay de diferentes tipos según el ángulo de la cámara.
Plano aéreo o «a vista de pájaro»: Cuando la cámara filma desde
bastante altura: montaña, avión, helicóptero, etc.
Plano americano o’ (P.A.):, se de denomina también plano
medio largo o plano de 3/4, encuadra desde la cabeza hasta
las rodillas. Se le llama americano porque era utilizado en las
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66
películas de vaqueros para mostrar al sujeto con sus armas. En
una toma clásica registra a la figura humana desde las rodillas
hacia arriba. Es necesario destacar que su línea inferior se
encuentra por debajo de las rodillas.
Plano cenital: Cuando la cámara se encuentra en la vertical respecto del
suelo y la imagen obtenida ofrece un campo de visión orientado de arriba a
abajo.
Plano corto: encuadre de una persona desde encima de las cejas hasta la
mitad de la barbilla.
El plano entero (P.E.), también llamado “plano figura”, es denominado así
porque encuadra justamente la figura entera del sujeto a tomar, es decir, se
podría decir que el plano abarca justo desde la cabeza a los pies.
Plano en contrapicado: Al contrario que el anterior, la cámara se coloca
bajo el objeto, destacando este por su altura.
Plano en profundidad: Cuando el director coloca a los actores entre sí
sobre el eje óptico de la cámara dejando a unos en primer plano y a otros en
plano general o plano americano. No se habla de dos planos, primer plano o
segundo plano, como haríamos en lenguaje coloquial, pues hemos definido
plano, por razones prácticas, como sinónimo de encuadre.
Plano detalle - También llamado “plano primerísimo”.-: Planos de objetos
o sujetos, flores, una nariz, un ojo, un anillo, etc.
Este plano se utiliza para destacar un elemento que en otro plano
podría pasar desapercibido, pero que es importante que el espectador se de
cuenta para seguir correctamente la trama. Un ejemplo típico son las películas
de la detective Sra. Fletcher (de la serie televisiva “Murder, She Wrote”),
donde al principio del capítulo casi siempre aparecen algunos “planos detalle”
como un papel que cae en el suelo, una cerradura oxidada, un interruptor de
la luz, etc y al final del capítulo se entiende la resolución del misterio gracias a
estos detalles.
Plano general: (Long shot): Introduce al espectador en la situación, le
ofrece una vista general y le informa acerca del lugar y de las condiciones en
que se desarrolla la acción.
Historia mundial del cine

Muestra con detalle el entorno que rodea al sujeto o al objeto, como
un amplio escenario. A veces se muestra al sujeto entre una 1/3 y una 1/4 de
la imagen.
Suele colocarse al comienzo de una secuencia narrativa. En un plano
general se suelen incluir muchos elementos, por lo que su duración en pantalla
deberá ser mayor que la de un primer plano para que el espectador pueda
orientarse y hacerse cargo de la situación. Puede realizarse de varios modos,
según su grado de generalidad.. Es el que muestra las figuras y los objetos de
una manera total, incluyendo la escena donde se hallan igualmente es
utilizado para describir visualmente a las personas en el entorno que les rodea.
Plano general corto: Abarca la figura humana entera con espacio por
arriba y por abajo.
Plano frontal: Cuando la cámara está en el mismo plano que el objeto.
Gran plano general - o Plano general largo (P.G.L.)-: Es una panorámica
general con mayor acercamiento de objetos o personas. (Alrededor de 30
metros).
El P.G.L.-: muestra un gran escenario o una multitud. El sujeto (o
figuras) no se puede ver o bien queda diluido en el entorno, lejano, perdido,
pequeño, masificado. Tiene un valor descriptivo y puede adquirir un valor
dramático cuando se pretende destacar la soledad o la pequeñez del hombre
enfrente del medio. Recoge la figura/s humana/s en contextos tan amplios en
los que se pierde la figura o el grupo. Se da así más relevancia al contexto que
a las figuras que se graban.
Plano inclinado: Se obtiene cuando la posición de la cámara no es vertical.
Plano master: Secuencia que se rueda en un solo plano para presentar la
continuidad de una acción y que será enriquecida con insertos.
Plano medio (P.M.) ó (Medium shot): Encuadra desde la cabeza a la
cintura del sujeto o bien a la altura del pecho. Ello limita ópticamente la acción
mediante un encuadre más reducido y dirige la atención del espectador hacia
el objeto. Los elementos se diferencian mejor y los grupos de personas se
hacen reconocibles en correspondencia de tomas enfatiza con la distancia la
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67
relación personal, propicia una distancia adecuada para mostrar la realidad
entre dos sujetos. Por ejemplo una entrevista entre dos personas.
Plano medio corto (P.M.C.) (Medium close shot): El Plano medio corto
encuadra a la figura humana desde la cabeza hasta la mitad del torso -cuya
línea inferior se encuentra usualmente a la altura de las axilas-. Es mucho más
subjetivo y directo que los anteriores. Los personajes pueden llegar a ocupar
la pantalla con un tercio de su cuerpo, y permite una identificación emocional
del espectador con los actores. Este plano nos permite aislar una sola figura
dentro de un recuadro, y descontextualizarla de su entorno para concentrar
en ella la máxima atención. Mediante este encuadre es posible deslizar
también muchos otros elementos significativos.
Plano medio largo: encuadre que abarca a la figura humana hasta debajo
de la cintura.
Plano panorámico general: Es una filmación que abarca muchos
elementos muy lejanos. En él los personajes tendrán menos importancia que
el paisaje. Por ejemplo, una cabaña en el bosque vista de lejos. Las personas
se verán pequeñas.
Plano Picado: Ángulo obtenido cuando la cámara filma de arriba a abajo, y
que hace que el objeto o la figura humana filmada se empequeñezca. Cuando
la cámara está sobre el objeto, en un cierto ángulo. El objeto está visto desde
arriba. Suele emplearse a veces para destacar aspectos psicológicos, de poder,
etc.
Plano secuencia: Es una forma de filmar, en el que en una toma única se
hacen todos los cambios y movimientos de cámara necesarios. El director no
rompe el plano y nos va mostrando poco a poco toda una serie de hechos. No
suelen hacerse muy largos por la dificultad de rodaje que entrañan. No
obstante, hay planos secuencia memorables por su calidad, longitud y
anécdotas de rodaje, como el comienzo de Sed de mal (Touch of evil 1958), de
Orson Welles, o el de Matin Scorsese en Uno de los nuestros. Aunque el más
famoso es el caso del film La soga de Hitchcock que posee un único plano,
aunque falso, pues para realizarlo debía hacer los cambios de rollo
aprovechando puntos oscuros, como la espalda de un actor, una columna, etc.
No obstante, toda la acción acontece en un mismo espacio temporal, el más
largo que existe en el cine.
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Secuencia que se rueda en un solo plano, en una única toma, sin
ningún tipo de montaje, directamente y sin interrupción, y por eso conserva
las unidades espacial y temporal.
Secuencia filmada en continuidad, sin corte entre planos, en la que la
cámara se desplaza de acuerdo a una meticulosa planificación.
Plano sobre el hombro: Cuando se toma a dos personas en diálogo, una
de espaldas (desde el cogote), y otra de frente que abarca dos tercios de la
pantalla.
Plano subjetivo: Muestra lo mismo que ven los ojos de un personaje. A
veces el plano tiene el mismo movimiento que el intérprete.. Cuando la cámara
sustituye la mirada de un personaje
Planteamiento: Siguiendo la terminología de la literatura, es la parte inicial
de la trama en la que se presentan los personajes y el conflicto que se va a
desarrollar.
Posproducción: Fase de elaboración de una pelicula que comienza cuando,
una vez grabada, el montador dispone del material necesario para completar
el primer montaje.
Preexistente (música): Toda composición realizada con anterioridad al
momento de creación de una película. El cine ha necesitado siempre de estos
préstamos, que pueden ser canciones o composiciones instrumentales, y que
pueden figurar en la banda sonora de forma adaptada** en su formato
original.
Primer plano (Close up): encuadre de una figura humana por debajo de
la clavícula. El rostro del actor llena la pantalla. Tiene la facultad de
introducirnos en la psicología del personaje. Con este encuadre se llega a uno
de los extremos del lenguaje visual: los objetos crecen hasta alcanzar
proporciones desmesuradas y se muestran los detalles (ojos, boca, etc.).
Polarizador: Filtro que actúa evitando reflejos en los objetos o eliminando
brillos.
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68
Profundidad de Campo: Distancia que se extiende por delante y por
detrás del objeto enfocado, conservando también una definición aceptable.
Los lentes angulares posibilitan una amplia profundidad de campo, con el
efecto colateral de generar en el espectador la sensación de mayor distancia
entre la figura y el fondo, así como una nitidez general. Por el contrario, los
distintos lentes teleobjetivos presentan una profundidad de campo menor y
posibilitan poner en foco un sólo objeto, desenfocando lo que esté por delante
y detrás. El efecto que produce en el espectador es el de aplastamiento entre
fondo y figura.
Espacio entre el primer término y el último que se enfocan en un mismo
encuadre.
Pressbook: Catálogo confeccionado por las productoras y distribuidoras, a
través de sus departamentos de prensa y publicidad, destinado a los
exhibidores y a la prensa cinematográfica. Generalmente contiene: sinopsis
del film, ficha técnica y artística, biografía del director y los intérpretes
principales, gacetillas, clichés y fotos.
Presskit: Set destinado a los exhibidores y a la prensa cinematográfica, que
contiene el material de prensa y publicidad necesario para promocionar un
film. Suele estar compuesto por el pressbook**, fotolitos, el afiche del filme,
un CD o cassette con los temas principales de la banda sonora y el trailer.
Primer plano (P.P),: Muestra el rostro entero o una parte de la figura
humana, o bien un objeto globalmente. en el caso de la figura humana,
recogería el rostro y los hombros. Este tipo de plano, al igual que el Plano
detalle y el Primerísimo primer plano, se corresponde con una distancia íntima,
ya que sirve para mostrar confidencia e intimidad respecto al
sujeto.Primerísimo plano: Muestra una parte del rostro de la figura humana, o
acerca una zona, o bien sólo una porción de un objeto.
Product placement: Marca publicitaria que aparece en cuadro como
elemento de atrezzo pero claramente visible para servir al mismo tiempo de
promoción.
Acción publicitaria que consiste en mostrar en imagen como
elemento de atrezzo, pero claramente visible, una determinada marca o
producto, para servir al mismo tiempo de promoción. Por ejemplo: una lata de
un determinado refresco en la mano de uno de los actores
Historia mundial del cine

Productor: Es quien aporta (o gestiona la búsqueda) el dinero para la película.
A veces se convierte en productor ejecutivo, cuando debe controlar el
presupuesto, hacer los contratos, conseguir los permisos de rodaje, procurar
la comida y alojamiento del equipo.
Productora: Empresa dedicada a producir proyectos audiovisuales.
PDTV (DVBRip): Significa “Pure Digital Television”. En USA se usa el término
PDTV y en Europa es más común oír hablar de DVBRip, ya que es un estándar
de la TDT (Televisión Digital Terrestre). Porlo que, en resumidas cuentas, es
muy similar a los ripeos de HDTV, pero algo inferior en calidad.
Proper: Una película PROPER, es un Rip que soluciona el problema que tenia
la Nukeada. Estos rips son sacados por otro grupo de Rippers (ripeadores).
Proteus: Módulo sintetizador de sonidos diseñado por la compañía
norteamericana E-MU /ENSONIQ, que permite la creación y modificación de
sonidos.
Protools: Sistema de grabación y edición de audio digital por ordenador,
fabricado por la compañía Degidesign Inc**. www.digidesign.com
Panorámica. Movimiento de rotación de la cámara sobre su soporte. Puede
ser horizontal, vertical, circular, de barrido.
Película. Es la cinta que se proyecta. Ha sido con el tiempo de diversos
materiales. La más conocida en sus primeros cincuenta años fue la de
celuloide. Actualmente se hacen de triacetato de celulosa, que no se inflama.
Es sus bordes tiene unas perforaciones que sirven para el arrastre en el
proyector. Los formatos de la película son muy variados, pero los más comunes
han sido los de 16 mm. Y 35 mm. El de 70 mm se hizo muy común en la década
de 1960, hasta el presente. En cine familiar y amateur se ha trabajado mucho
con 8 mm.
Persistencia retiniana. El ojo retiene las imágenes durante una fracción
de segundo después de su desaparición, lo que permite ver 24 imágenes fijas
por segundo como una imagen en movimiento continuado. Roget, físico,
descubrió el fenómeno en 1824.
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Plan de rodaje. Se llama a un documento gráfico, normalmente en forma
de tablero, que indica a los participantes en el rodaje, en un calendario, el
número de planos, escenas o secuencias a rodar por día, la participación de
actores y figurantes y los requerimientos de todo orden que deben estar
disponibles para cada jornada de trabajo.
Plano. Es lo filmado de una sola vez. No obstante, plano también se llama el
espacio que recoge la filmación en relación con la figura humana: plano
general, plano entero, plano americano, plano medio, primer plano, plano
detalle.
Plano-secuencia. Secuencia filmada en continuidad, sin corte entre planos, en
la que la cámara se desplaza de acuerdo a una meticulosa planificación.
Planteamiento. Siguiendo la terminología de la literatura, es la parte inicial de
la trama en la que se presentan los personajes y el conflicto que se va a
desarrollar.
Productor. Es quien aporta (o gestiona la búsqueda) el dinero para la película.
A veces se convierte en productor ejecutivo, cuando debe controlar el
presupuesto, hacer los contratos, conseguir los permisos de rodaje, procurar
la comida y alojamiento del equipo.
Precuela: Es cuando de una o varias películas, se hace otra que narra una
historia anterior a la actual.
Q
Quadrafonico: Sistema estereo de cuatro canales
Quadlite: Unidad de iluminación con cuatro luces floodde 500 vatios.
Quarterly Review of Film and Video: Publicación cinematográfica que incluye
ensayos críticos y académicos tanto sobre cine como sobre televisión. La
publicación informa sobre obras comerciales, experimentales y documentales,
tanto nuevas como antiguas. Está publicada por Harwood Academic
Publishers.
Historia mundial del cine
 70

Quemar: (1) Pasar repentinamente de una imagen a una pantalla en blanco.

(2) Sobreexponer una zona blanca que se está filmando para que aparezca un
negro denso en el negativo.

(3) Superponer letras o cualquier elemento fotográfico (como la lluvia) en una

película ya expuesta.

(4) Combinar, mediante una positivadora óptica, letras o cualquier otro

material gráfico con una escena filmada por separado.

(5) Superponer un código de tiempo sobre unas imágenes, normalmente

parasu edición en vídeo o digital.

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R
R5: Se denominan asi por la codificación de región DVD, (R5) es un Dvdrip, en
este caso en su mayoría son de origen Ruso (Región 5) y por ende de muy
buena calidad, porque son copiados de DVD región 5 valga la redundancia.
Ralentí: El término alude al régimen mínimo de revoluciones por minuto (giros
o vueltas por minuto) a las que se ajusta un motor de combustión interna para
permanecer encendido y de forma estable sin la necesidad de suministrarle
energía externa.
En cine ralentí se refiere al efecto que se logra acelerando el paso de imágenes
ante el obturador y proyectando a más velocidad. “Cámara lenta” es la forma
popular de llamar a la ralentización de la imagen que, de forma paradójica, se
consigue proyectando a velocidad normal (24 f/sg) imágenes rodadas a mayor
cadencia (48 ó 72).
Repack: Al igual que el PROPER, también soluciona el problema que tenia la
Nukeada, pero a diferencia del otro, este esta hecho por el mismo grupo que
la Nukeada.
Raccord: Continuidad; relación de coherencia entre los distintos planos de una
película, en cada uno de sus rubros técnicos. Por ejemplo: igualdad de luz en
diferentes tomas (a veces rodadas en distintos días) que conformarán luego
una misma escena.
Unión de un plano con otro. El cine crea ilusión de continuidad: un plano debe
empezar donde acaba el anterior y terminar donde se inicia el siguiente. Los
elementos que aparecen en el plano también deben respetar esa continuidad.
Por ejemplo, un actor no puede llevar sombrero y en el plano siguiente no
llevarlo.
Racor: Es la coherencia entre unas secuencias y otras. En gramática equivale al
papel que hace la concordancia. Si una actriz lleva un vestido roto en una
secuencia debe mantenerse así mientras dure esa situación. Lo contrario se
llama “falta de raccord”.
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71
Rapport: La palabra RAPPORT proviene del francés “relación”. En términos
cinematográficos se dice de la interacción exitosa entre dos personajes dados,
es decir de la “química” que producen juntos dentro de la cinta.
Ratio: Relación entre el ancho y el alto de un fotograma.
Realizador: A veces sinónimo de director. Se le llama sobre todo cuando se
ocupa sólo de la puesta en escena y del rodaje.
Regidor: Persona de producción encargada de conseguir la utilería de acción,
es decir todo aquel elemento que tenga función activa en el rodaje.
Remake: Nueva versión de una película existente.
Render: Proceso por el cual el ordenador calcula un efecto requerido, ya sea
una transición, una animación, un efecto multicapa, etc, para poder reproducir
la secuencia de movimiento en tiempo real.
Ritmo: Es el movimiento que se imprime a la acción en una película y se
consigue adecuando la duración de cada plano y los recursos sonoros, icónicos
y expresivos que se utilizan. El ritmo puede lograrse con planos de corta
duración y numerosos, en un ritmo rápido, con planos de larga duración y muy
poco numerosos, en un ritmo lento, planos cada vez más breves, o cada vez
más largos (in crescendo), o sin norma fija, con cambios bruscos. Los sonidos
y la música pueden apoyar el ritmo de las imágenes.
RMVB: (real media variable bitrate) y, usado habitualmente con los códecs de
vídeo y audio RealVideo y RealAudio, se consigue un tamaño de archivo más
pequeño que con formatos como MPEG. De esta forma, se mantiene una
calidad similar con mayor razón de compresión.
Road movie: Literalmente “película de carretera”, en inglés. Es un género
cinematográfico cuyo argumento se desarrolla a lo largo de un viaje.
Herederas de la tradición literaria del viaje iniciático (*), las road movies
combinan la metáfora del viaje como desarrollo con la cultura de la movilidad
individual de los Estados Unidos y el Occidente opulento después de la
Segunda Guerra Mundial, cuando la posesión de un automóvil se vuelve uno
de los signos de la identidad adulta.
Historia mundial del cine
 72

En general, las road movies tienden a una estructura episódica, en que cada
segmento de la narrativa enfrenta a los protagonistas con un desafío, cuyo
cumplimiento revela parte de la trama. En las road movies iniciáticas, el viaje Remake: A diferencia del reboot, aquí se hace la versión de una cinta antigua.
revela al protagonista algo sobre sí mismo en lugar de sobre el lugar al que ha En lugar de contar la historia con un nuevo enfoque modificando aspectos
llegado. Sobre este modelo pueden organizarse distintos modelos de importantes de la misma, aquí la historia se mantiene, solo se actualiza.
desarrollo y desenlace.

Royalties: Pago que se hace por el derecho a usar la propiedad de otro con
miras a sacar una ganancia. Indica la cantidad que un distribuidor ha pagado a
un productor por su película.
Rush: Se llama a los fragmentos de cada toma.
Ritmo. Es el movimiento que se imprime a la acción en una película y se
consigue adecuando la duración de cada plano y los recursos sonoros, icónicos
y expresivos que se utilizan. El ritmo puede lograrse con planos de corta
duración y numerosos, en un ritmo rápido, con planos de larga duración y muy
poco numerosos, en un ritmo lento, planos cada vez más breves, o cada vez
más largos (in crescendo), o sin norma fija, con cambios bruscos. Los sonidos
y la música pueden apoyar el ritmo de las imágenes.

Rueda de prensa: entrevista periodística que sostienen varios informadores

con una sola persona. Rush. Se llama a los fragmentos de cada toma.

S
Raccord (Racor). Es la coherencia entre unas secuencias y otras. En gramática
equivale al papel que hace la concordancia. Si una actriz lleva un vestido roto
en una secuencia debe mantenerse así mientras dure esa situación. Lo
contrario se llama «falta de raccord». Salto de eje: Efecto óptico que se produce cuando se cruzan los ejes de acción
y, por tanto, se da una perspectiva falsa en la continuidad de los planos
correlativos.
Realizador. A veces sinónimo de director. Se le llama sobre todo cuando se
ocupa sólo de la puesta en escena y del rodaje.
Salas Especiales: Surgen en 1970 cuando llega una cierta liberalización en la
Reboot: Es el reinicio o relanzamiento de una historia contada previamente,
exhibición de películas, sobre todo de películas eróticas. En estas salas se
no forzosamente siguiendo la continuidad previa sino sólo conservando los
podían proyectar películas con cortes y que, por lo tanto, no ofrecían
elementos más importantes, aunque comenzando todo de nuevo, desde el
“destacados valores”. La apertura de estas salas fue el principio del fin de las
inicio, con ideas más “frescas”.
denominadas de Arte y Ensayo.

Red band tráiler: Son un tipo de vídeos promocionales de las películas que
Sampler: Sintetizador capaz de digitalizar sonidos reales o electrónicos y
muestran contenidos solo apto para adultos, 'red band' les categoriza como
usarlos posteriormente como base para nuevos sonidos internos, utilizando la
no aptos para menores de 18 años.
tecnología PCM (Pulse Code Modulation).

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Scope: Término genérico con que se conoce a los distintos formatos de
pantalla ancha usados a partir de la década del ’50, intentando atraer de nuevo
el público a las salas tras el enorme éxito de la televisión. Algunos de ellos
fueron: Cinemascope, Superscope, Warnerscope, etc.
Score: Verbo y sustantivo inglés que puede traducirse como “musicar” (to
score) y como “partitura” (score).
Screener [scr]: Una cinta pre VHS, enviada a las tiendas de alquiler, y a otros
sitios para usos promocionales. Un screener se proporciona en una cinta VHS,
y suele estar a 4:3 (pantalla completa) de razon de proporcion. El punto malo
es un “aviso” (un mensaje que pasa por debajo de la pantalla, con el copyright
y el numero de telefono anti copias). Tambien, si la cinta tiene cualquier
numero de serie, o cualquier otra marca que puede llevar a la fuente de la
cinta, habran de ser eliminadas, generalmente con una marca negra en esa
seccion. Esto solo suele durar unos segundos, pero desafortunadamente en
algunas copias esto aparecera durante toda la pelicula, y puede que sea
bastante grande. Dependiendo del equipamiento utilizado, la calidad del
screener puede ser desde excelente si se hace desde una cinta MAESTRA,
hasta muy mala si se hace desde un VHS muy viejo y una cinta en muy mal
estado. La mayoria de los screeners se pasan a VCD, pero unos pocos intentos
de SVCD tambien se han visto, algunos mejores que otros.
Screwball Comedy: Comedia romántica alocada. Es un subgénero de la
comedia de carácter romántico en el que generalmente un chico conoce a una
chica, los dos se caen mal pero, a la larga, terminan enamorándose.
El término screwball comedy significa comedia loca o zigzagueante (toma su
nombre de un tipo de lanzamiento de baseball en el que la bola coge diversos
efectos), pero la palabra screw por si sola significa tornillo.
La fórmula va más o menos así: muchacho conoce a una muchacha, los dos se
caen mal pero, a la larga, terminarán enamorados. ¿La primera screwball-
comedy ?: Sucedió una Noche (Capra, 1934). ¿Mis favoritas?: además de la ya
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73
mencionada, La Fiera de Mi Niña / Domando al Bebé (Hawks, 1938) y Ayuno
de Amor (Hawks, 1940).
Scrip: Se llama así a la secretaria de rodaje. Realiza una función muy
importante y de gran responsabilidad en el desarrollo de la película. Una de
sus más relevantes tareas es la de lograr que haya continuidad entre las
escenas, dejando claramente constancia de cualquier detalle que vaya a ser
continuado en la secuencia posterior, aunque medien entre ellas días o
espacios de tiempo muy amplios, con el fin de evitar incoherencias de rodaje
y faltas de racor. Persona perteneciente al equipo de dirección que durante el
rodaje lleva las planillas con el informe de tomas y continuidad, y que
generalmente se encarga de la claqueta.
Secuencia: Es una acción un tanto complicada en la que se mezclan escenas,
planos, lugares. No tienen por qué coincidir en ella en tiempo fílmico y el real.
Poseen una unidad de acción, un ritmo determinado y contenido en sí misma.
Se puede comparar al capítulo de una novela. Serie de escenas que forman
parte de una misma unidad narrativa. Unidad de espacio y tiempo, porción
mínima con significación narrativa.
Segunda Unidad: Equipo de filmación más pequeño, generalmente dirigido por
el primer asistente de dirección, que filma planos de menor envergadura en
paralelo al rodaje principal.
Semiprimer plano (Semi close up shot): Concentra la atención del espectador
en un elemento muy concreto, de forma que sea imposible que lo pase por
alto. Si se refiere al cuerpo humano, este tipo de encuadre nos mostrará una
cabeza llenando completamente el formato de la imagen. Desde el punto de
vista narrativo nos puede transmitir información sobre los sentimientos,
analiza psicológicamente las situaciones y describe con detenimiento a los
personajes.
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Semovientes: Nombre que reciben los animales que intervienen en escena.
Serie B: Películas de menor presupuesto en función de expectativas
comerciales.
Serie: Está formada por episodios que cuentan una historia con final, siempre
con los mismos protagonistas.
Serial: Constan de capítulos con un final abierto, por lo tanto con una historia
incompleta, que evoluciona de un episodio a otro. Para desarrollar el hilo
argumental cuenta con los mismos personajes, como la serie.
Sesiones: Días de rodaje.
Set: Lugar de rodaje. Decorado. Localización. Lugar donde se realiza el rodaje.
Incluye los decorados o demás elementos necesarios para culminar
adecuadamente la toma o tomas necesarias en dicha ubicación.
Silicon Graphics: (Hoy en día conocida como SGI) Empresa norteamericana
líder en el diseño de servidores, superordenadores y plataformas de trabajo
para imagen y sonido. www.sgi.com
Sincronismo: (en el doblaje) Coincidencia entre un sonido y la fuente que lo
produce. Se utiliza sobre todo para referirse al movimiento de los labios
durante el doblaje, pero también para los pasos, las puertas, etc. Cuando
sonido y fuente no coinciden en el tiempo, se dice que están “fuera de sincro”.
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Sincronización: Correspondencia exacta, fotograma a fotograma, entre
imagen y sonido.
Sincronizar: Hacer concordar exactamente la banda sonora con la banda de
imágenes.
Sinopsis: Resumen o esquema del tema o del argumento en que se incluyen
las características mayores de los protagonistas.
Slapstick: Traducido del inglés: “bufonada” es un tipo de comedia que implica
exageración de la violencia física (por ejemplo, un personaje golpeado en la
cara con una sartén o que se estampa a toda velocidad contra una pared). Este
estilo es muy común en los tipos de entretenimiento en los cuales se da por
hecho que el público entiende (y cabe decir que espera) la naturaleza
hiperbólica de tal violencia en la que se exceden los límites del sentido común,
permitiendo así una risa no cruel. Sus mayores representaciones se
encuentran actualmente en los dibujos animados “cartoons” y en las películas
cómicas de argumentos simples, normalmente dirigidas a un público joven.
Aunque a veces se utiliza el término peyorativamente, la interpretación de la
comedia slapstick, basada en una medición del ritmo exquisita, una ejecución
calculada al milímetro, reacción del personaje y risa del público está
considerada como una de las tareas más difíciles que un actor puede realizar.
Así se le llama a la comedia física agresiva (de golpe, porrazo y pastelazo
incluidos). El maestro original fue Mack Sennet con sus Keystone Cops. Sennet
le enseño el oficio a gente como Chaplin, Keaton o Arbuckle, quienes dieron
sus primeros pasos en las desorbitadas, extravagantes y violentas comedias de
Sennet. Es un término que, procedente de la revista musical y también del
circo, adapta el cine con el fin de conseguir “gags” muy visuales, basados en la
acción física de los personajes (tortazos, bastonazos, golpes de todo tipo, etc.),
que provocan risas inmediatas.
Slasher film: Los slasher-films son las películas de horror en donde el maloso
usa como arma el indispensable cuchillo cebollero. Norman Bates lo hizo
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primero en Psicósis (Hitchcock, 1960) y otros han seguido sus nefastos pasos
en Halloween (Carpenter , 1978) y Martes 13 (Cunningham, 1980) –sí, ya sé,
esta última se llama en realidad Viernes 13 , pero así, con el título de Martes
13, se estrenó en México.
Sleeper: Película que obtiene un gran éxito de público inesperado
Sobreimpresión: Es cuando se impresiona dos veces el mismo fragmento de
film, filmando cada vez imágenes diferentes que adquieren significado con la
superposición.
Softimage: Software de edición de efectos digitales por ordenador, fabricado
por la compañía canadiense Softimage Inc, la cuál se fusionó en 1998 con Avid
Technology Inc. www.softimage.com
Sonido Analógico: Todo aquél sonido que no es digital en su fuente, como el
de un cassette de música, los discos de vinilo, el sonido de los vídeos.
Sonido Directo: Se denomina así al sonido tomado durante el rodaje al mismo
tiempo que se filman las imágenes. Generalmente los diálogos son grabados
de esta manera, para ser luego mezclados con la sonorización
y la música.
Grabar los diálogos y sonidos al mismo tiempo que se realiza el rodaje. Se gana
en naturalidad pero se pierde en claridad de voz.
Sonido DTS: (Digital Theater Systems) Formato de audio digital multicanal para
la proyección de películas en las salas de cine, creado para competir con Dolby
Digital**. Utiliza 5.1 canales: surround izquierdo, izquierdo central, central,
derecho central, surround derecho y subwoofer. El audio de la película viene
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75
en CD ROM, y cada uno puede contener hasta 100 minutos de sonido digital.
El sistema DTS imprime una pista de código de tiempo en el negativo del film
y un código especial en el CD, para así sincronizar ámbos y asegurar que se
reproduce el sonido correcto para cada cuadro de filmación.
Sonido SDDS: (Sony Dynamic Digital Sound System) Sistema de audio digital
multicanal, creado por Sony Software Corporation, junto con Sony Pictures $
. Permite disponer de una banda sonora de 7.1 canales: surround izquierdo,
izquierdo, central izquierdo, central, central derecho, derecho, surround
derecho y subwoofer. El SDDS consiste en una pista óptica de sonido digital
que se aloja en la zona que hay entre las perforaciones y el extremo de la
película standard de 35 mm, sobre ambos lados, si molestar a las pistas ópticas
de sonido análogo, que permanecen donde siempre. Utiliza una técnica de
reducción de error basada en un 100% de redundancia de la información para
prevenir una caída de la señal digital ocasionada por los drop out y daños que
se pueden producir en la película.
Soundtrack: Banda de sonido que incluye música y efectos pero no diálogos.
Estos integran una pista aparte, de tal modo que puedan ser reemplazados
cuando la película sea doblada para su exhibición en el extranjero. Es una
banda en la que se registran los sonidos de todas las bandas menos la de
diálogos.
Spaghetti western o Western europeo: Es un particular subgénero del western
que estuvo de moda en las décadas de los años 60 y 70, aunque en ésta última
década el spaghetti western ya se encontraba en decadencia. Puesto que la
mayoría de estas películas fueron financiadas por compañías italianas o
españolas, el género adquirió rápidamente el nombre de spaghetti western
(«western espagueti» en inglés) cuando se trataba de películas italianas o
chorizo western cuando se trataba de películas españolas. La mayoría se
rodaron en Cinecittà (Italia) y en Almería (España). Es muy famoso el desierto
de Tabernas debido a que allí se rodaron películas famosas de este subgénero.
Término con el que se define a los western de bajo presupuesto que se rodaron
en Italia. En general, también se utiliza para denominar a cualquier western
realizado en Europa.
Historia mundial del cine

Típico subgénero que emergió con fuerza en los años sesenta y que tiene que
ver con las producciones que se realizaron en Italia y España, principalmente,
con recursos plásticos y estereotipos ya conocidos del western
estadounidense. Fue un cine que prácticamente se hizo en serie; es decir, que
los argumentos se repetían frecuentemente, los actores apenas eran
reconocidos y muchos directores transformaban sus nombres en otros de
grafía inglesa con el fin de dar atraer la atención del espectador sobre la
película. Fue un cine de cierta pobreza que, sin embargo, se consumió en
abundancia durante más de diez años.
Splatter: Atribuida a George A. Romero splatter literalmente es una derivacion
verbal que significa salpicar o rociar, sin sustantivo alguno, aunque
obviamente en este caso la sangre acuda inmediatamente a nuestras mentes.
De esta forma, se eliminaba el apelativo directo por otro mas ambiguo, aunque
igualmente reconocible.El propio Romero acuñaria un nuevo termino,
splastick, union de splatter y slapstick , del que se autocoronóo creador,
aunque su maximo representante actual sea el neozelandes Peter Jackson.
Spoiler: La palabra spoiler proviene del inglés “spoil” cuyo significado es
estropear, echar a perder, arruinar. Spoiler quiere decir aguafiestas. Es
bastante común que esta palabra aparezca en reseñas, comentarios,
monografías, etc., indicando la situación antes mencionada, para aquellos que
consideran los adelantos perjudiciales para el disfrute de la historia.
En los comentarios o críticas relativos a obras artísticas, principalmente las que
pertenecen al género narrativo (cine, literatura, videojuegos, cómic, series
televisivas, etc.) puede ser necesario mencionar elementos que constituyen
un adelanto de lo que acontecerá en la historia o detalles de la misma. Estos
párrafos donde se revela total o parcialmente el argumento, son usualmente
llamados spoilers.
Spot: Cortometraje publicitario.
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76
Spotting: Proceso con el que el director y el compositor concretan el
emplazamiento de la música a lo largo de la película.
Star System: Fue D. W. Griffith, padre del cine de ficción, quien empezó a
firmar sus películas y a colocar a los actores en los títulos de crédito. Gracias a
esa iniciativa, los actores comenzaron a ser conocidos, generándose una
demanda por parte del público. Actrices como Lillian Gish o Mary Pickford
lograron gran popularidad, inaugurando el firmamento de los star-system que
sigue rutilante en nuestros días.
Se denomina al fenómeno del estrellato. Desde que Carl Laemmle decidió a
partir de 1912 dar el nombre de las actrices y actores que intervenían en sus
películas, los espectadores estadounidense e, inmediatamente, de todo el
mundo comenzaron a demandar ciertas películas a partir de los protagonistas
que intervenían en ellas. El strar-system se convirtió en el mejor vehículo de
promocionar y vender una película en todo el planeta.
Steadycam: Dispositivo mecánico que sostiene la cámara mediante un arnés
sobre el cuerpo del operador**. Por su diseño absorbe las vibraciones y
permite rodar tomas en movimientos de todo tipo con gran fluidez. Marca
registrada por la firma Cinema Products Corporation.
Técnica que consiste en llevar la cámara mediante un arnés, sujeta al cuerpo,
de forma que las imágenes resultantes parecen el punto de vista subjetivo de
un personaje.
Storyboard: El story board (literalmente “tabla de historia”) es un bosquejo de
una película o corto cinematográfico que por lo general se dibuja y colorea a
mano y sirve como referencia para la primera puesta en imágenes. El proceso
de storyboarding, en la forma que se conoce hoy, fue desarrollado en el
estudio de Walt Disney durante principios de los años 1930, después de varios
años de procesos similares que fueron empleados en Disney y otros estudios
de animación. El Storyboarding se hizo popular en la producción de películas
de acción viva durante principios de los años 1940.
Historia mundial del cine

Conjunto de planillas con dibujos de cada uno de los planos que componen
una escena.
Su función es ilustrar gráficamente para todo el equipo el tamaño del plano, el
movimiento de la cámara y de los actores, así como ciertas especificaciones
técnicas. De esta manera se puede estudiar cada plano previendo la manera
más conveniente para su filmación y evitando malentendidos.
Es como un cómic con la historia dibujada de la película, expuesta plano a
plano por medio de dibujos que señalan el encuadre a realizar y van
acompañados de los textos con los diálogos correspondientes. Es muy útil en
el momento del rodaje, pues facilita el trabajo de los técnicos sobre todo en
secuencias de acción. Es imprescindible donde hay efectos especiales que
posteriormente han de superponerse.
Stop-motion: El stop-motion es una técnica de animación que consiste en
aparentar el movimiento de objetos estáticos capturando fotografías. En
general se denomina animaciones de stop motion a las que no entran en la
categoría de dibujo animado, esto es, que no fueron dibujadas ni pintadas, sino
que fueron creadas tomando imágenes de la realidad.
Hay dos grandes grupos de animaciones stop-motion: La animación de
plastilina (o cualquier material maleable), en inglés claymation, y las
animaciones de objetos (más rígidos).
Stop: Cada una de las medidas de abertura del diafragma**. Cada una dobla o
reduce a la mitad la cantidad de luz que ingresa. Los números crecen a medida
que la abertura se hace menor. Por lo tanto f/22 es una abertura menor que
f/11.
STV: Straight To Video (Directas A Video). Películas que nunca se emitieron en
cine, y por lo tanto, no son admitidas por muchos grupos.
Subgénero: A partir de la pauta temática resumida bajo lo que llamamos
géneros, se plantea una creciente diversificación, de modo que cada nueva
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77
tendencia, fijada ya en las pautas propias de la industria del cine, adquiere su
peculiar etiqueta. Por ejemplo, a partir del género del cine negro, surgen
variedades como el thriller erótico, el thriller de acción e incluso el llamado
polar, o cine negro que se sumerge en una realidad como la francesa. Ni que
decir tiene que cada una de esas variantes, o subgéneros, resulta de compleja
catalogación, y en más de una oportunidad parte de una moda efímera que,
analizada desde una perspectiva histórica, carece de fundamentos teóricos.
SVCD: SVCD es un formato basado en mpeg2 (igual que el DVD) que permite
bitrates variables hasta 2500kbits a una resolución de 480×480(NTSC) y hasta
768×512 (PAL) que es después descomprimida a 4:3 cuando se reproduce.
Debido al víbrate variable, la longitud que puedes meteren un CD-R no es fija,
pero generalmente caben entre 35 y 60 minutos. Para conseguir una mejor
codificación en SVCD se codifica utilizando víbrate variable, es importante
utilizar varias pasadas. Esto lleva mas tiempo, pero los resultados son
muchísimo mejores.
Scrip. Se llama así a la secretaria de rodaje. Realiza una función muy
importante y de gran responsabilidad en el desarrollo de la película. Una de
sus más relevantes tareas es la de lograr que haya continuidad entre las
escenas, dejando claramente constancia de cualquier detalle que vaya a ser
continuado en la secuencia posterior, aunque medien entre ellas días o
espacios de tiempo muy amplios, con el fin de evitar incoherencias de rodaje
y faltas de racor.
Secuela: Cuando de una película surgen otras con los mismos personajes
continuando la historia de la anterior.
Secuencia. Es una acción un tanto complicada en la que se mezclan escenas,
planos, lugares. No tienen por qué coincidir en ella en tiempo fílmico y el real.
Poseen una unidad de acción, un ritmo determinado y contenido en sí misma.
Se puede comparar al capítulo de una novela.
Historia mundial del cine
 78

Serie B. Películas de menor presupuesto en función de expectativas

comerciales.

Sonido directo. Grabar los diálogos y sonidos al mismo tiempo que se realiza
el rodaje. Se gana en naturalidad pero se pierde en claridad de voz.

Spin-off: Ocurre, cuando una cinta tiene mucho éxito y uno de sus personajes
gusta mucho entre el público. Consiste en hacer una nueva película con dicho
personaje o personajes como protagonistas.

Spoiler: Es desvelar un contenido importante que puede estropear parte de

trama para el espectador. Últimamente está en boca de todo el mundo,
especialmente cuando se habla de series, por lo que en muchas ocasiones se
específica que el contenido que se está a punto de leer o ver puede contener
información que va a "arruinarte" la sorpresa de la historia.
Suspense, cine: Anticipación que crea unas expectativas basándose en la
dilatación del tiempo. Usualmente funciona ocultando una información al
personaje que si tiene el espectador.
Story Board. Es como un cómic con la historia dibujada de la película, expuesta
plano a plano por medio de dibujos que señalan el encuadre a realizar y van
acompañados de los textos con los diálogos correspondientes. Es muy útil en
el momento del rodaje, pues facilita el trabajo de los técnicos sobre todo en
secuencias de acción. Es imprescindible donde hay efectos especiales que
posteriormente han de superponerse.

Suspense. Estrategia creada por el director de una película para mantener en

vilo al espectador, ya sea mediante recursos que prolongan la tensión, o dando
informaciones al espectador sobre cosas que los protagonistas no conocen.

Sound track. Es una banda en la que se registran los sonidos de todas las
bandas menos la de diálogos.

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T
Target Market: Grupo específico de consumidores. Segmento del mercado al
cuál las empresas dirigen su esfuerzo de marketing.
Take: Toma de imagen o de sonido.
Techniscope: Sistema que empleaba cámaras estándar y objetivos esféricos,
utilizando dos perforaciones en vez de las cuatro habituales, con lo cual se
conseguía un formato 2.35:1. No utilizaba lentes anamórficas. En el
laboratorio, Technicolor añadía una compresión de 2:1. Con este sistema el
coste del laboratorio aumentaba y los costes de película negativa se reducían
a la mitad.
Telecinado: Proceso por el cual se transfieren películas de soporte fílmico a
soporte vídeo. Se puede partir tanto de una copia positiva como de una
película negativa. Hoy en día estas últimas han ganado popularidad por la alta
calidad de imagen que se logra en la transferencia.
Telecinar: Copiar de cine a vídeo.
TeleCine (TC): Una máquina de telecine copia la película digitalmente desde el
proyector. El sonido y la imagen deberían ser muy buenos, pero los telecines
son muy poco comunes debido al equipamiento y los costos. Generalmente la
película tendrá su razón de proporción correcta, porque existen los telecines
de 4:3. TC no debe ser confundido con Time Code, que es un contador visible
en la pantalla durante la película.
Telefilm: Es una película realizada para televisión y que se ajusta a sus técnicas
de filmación y montaje.
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79
TeleSync (TS): Una película en formato telesync tiene la misma calidad de
imagen que el CAM, excepto que utiliza una fuente de audio externa,
generalmente un conector de audio en las butacas, lo cual no asegura una gran
calidad de sonido porque hay mucho ruido externo que puede interferir.
Muchas veces se graba un telesyncen un cine vacío o desde una sala de
proyección con una cámara profesional, obteniendo así una mayor calidad de
imagen. La calidad aumenta notablemente, pero sigue siendo mala.
Tema: La idea o ideas de fondo que se quieren transmitir a través de una trama
argumental.
Teleobjetivo: Lente de distancia focal larga, ( más de 80 mm para cámaras de
35 mm). El teleobjetivo permite encuadrar un ángulo de toma más reducido
que un lente normal. Se emplea para aproximar imágenes lejanas o para
realizar primeros planos. Comprime las perspectivas y su profundidad de
campo es mínima, produciendo fondos fuera de foco.
Temp-track: Fórmula abreviada de temporary-track o pista provisional,
bloques de música preexistente que se emplean durante el proceso de
montaje y que sirven de referencia al director, el montador y el compositor
sobre el ritmo que requieren las secuencias a las que acompañan.
Tempo (musical): Ritmo o velocidad a la que se interpreta una composición
musical.
Tête-à-tête: Expresión francesa que significa cabeza-con-cabeza y equivale a la
expresión coloquial en español “mano a mano”.
Thriller: El término inglés thriller deriva del verbo thrill (asustar, estremecer,
emocionar) y se denomina así a las películas que persiguen estos objetivos,
Historia mundial del cine

película emocionante, que generalmente narra un hecho relacionado a lo
criminal, de suspenso o intriga.
Llamamos thriller a una película emocionante. Como en muchos otros casos
de los géneros cinematográficos, no existe una traducción literal del término y
algunos llaman, equivocadamente, cintas de suspenso al thriller.
Time-lapse: Técnica fotográfica que consiste en tomar las mismas imágenes
desde la misma posición en constantes intervalos de tiempo.
Títulos de crédito: Son los rótulos que aparecen al principio y al final de la
película: título, nombres de los actores y otros profesionales que han
trabajado, y otras informaciones interesantes sobre el film.
Toma: Nomenclatura dada a cada una de las veces que se rueda un mismo
plano, habitualmente identificada con un número y cuya extensión comprende
desde que en rodaje se sincronizan con la claqueta imagen y sonido hasta que
se grita ¡corten!.
En la gramática del lenguaje, se puede decir que la toma es el momento que
transcurre desde que el obturador se abre hasta que se cierra. Equivale a la
palabra plano, que es la unidad operativa elemental de la película. Si el
fotograma es la palabra, el plano es la frase. Es la filmación o fotografiado.
También se llama a la acción de filmar: vamos a hacer una toma.
Termocolorímetro: Instrumento que mide la temperatura color de las luces
incidentes que intervienen en una escena, con el fin de equilibrarlas entre sí
mediante filtros compensadores. Al existir un equilibrio, se podrá corregir
variar, de ser necesario, el color de una escena en el proceso de etalonaje**.
Los termocolorímetros pueden estar graduados en grados Kelvin (ºK) o en
valores Mired.
Timming: Ritmo. Término que se suele usarse para referirse al ritmo interno
de una escena o al trabajo de los actores (no al ritmo del montaje).
Tráiler: Cortometraje usado a efectos publicitarios y compuesto por escenas
del film cuya publicidad se trata de hacer.
Montaje de uno a dos minutos que, mediante la muestra de los momentos
álgidos, anticipa los que veremos en la película. Se trata de breves montajes,
en tono grandilocuente, ideados para crear interés y expectación en el
espectador.
Centro Cinematográfico del Sureste
80
Es el avance de una película. Se realiza con fines publicitarios, para que los
espectadores de una película queden atraídos por otra que se proyectará en
el cine días después. Actualmente los podemos ver en Internet, mucho más
cortos. Directores de fama, como Orson Welles han hecho tráileres de sus
películas, que hoy son considerados como verdaderas obras de arte.
Transfer: Proceso por el cual se transfiere (se transforma) un material en video
de un formato o norma a otro.
Por ejemplo: de NTSC a Pal, de Beta a VHS.
Travelling: Conjunto de vías y carro sobre los cuales se monta la cámara.
También suele denominarse ‘travelling’ al movimiento que realiza la cámara
desplazándose en el espacio. En la mayoría de los casos se trata de
movimientos prolijos, con una dirección definida.
Movimiento de cámara obtenido mediante el desplazamiento de la misma
sobre raíles o cualquier otro sistema.
Movimiento mecánico de translación de la cámara en el espacio cuando ésta
se desplaza encima de un móvil o bien sobre el hombro del operador.
Técnica cinematográfica consistente en el seguimiento del objeto mediente el
desplazamiento de la cámara sobre raíles o cualquier otro sistema.
Es el avance de una película que, con fines publicitarios, trata que los
espectadores queden atraídos a la versión final que días después se proyectará
en el cine. Tráileres hechos por grandes directores, como Orson Welles, son
hoy día considerados como verdaderas obras de arte.
Trama. Línea de estructura de una historia en donde se planifican los conflictos
y las tensiones para tener atrapada a la audiencia con el desarrollo de los
acontecimientos.
TVRip: Son videos grabados de la televisión y pasados a formato digital.
Episodios de TV, programas, series y hasta alguna que otra película, pero la
calidad nunca se iguala a la obtenida por un DVDRip. Generalmente, el TVRip
se hace en formatos que luego puedan ser pasados fácilmente a SVCD o VCD.
Teaser: Un adelanto corto de una película de menor duración que un tráiler y
que aporta información distinta a él.
Historia mundial del cine
 81

Telefilm. Es una película realizada para televisión y que se ajusta a sus técnicas
de filmación y montaje.

Tema. La idea o ideas de fondo que se quieren transmitir a través de una trama
argumental.

Títulos de crédito (ver créditos). Son los rótulos que aparecen al principio y al
final de la película: título, nombres de los actores y otros profesionales que
han trabajado, y otras informaciones interesantes sobre el film.

Toma. En la gramática del lenguaje, se puede decir que la toma es el momento

que transcurre desde que el obturador se abre hasta que se cierra. Equivale a
la palabra plano, que es la unidad operativa elemental de la película. Si el
fotograma es la palabra, el plano es la frase. Es la filmación o fotografiado.
También se llama a la acción de filmar: vamos a hacer una toma.

Toma falsa (Blooper): Es cuando durante el proceso de creación de una película

ocurren gazapos o meteduras de pata. En algunos casos estos son incluidos al
final de la misma, durante los títulos de crédito.

Tráiler. Es el avance de una película. Se realiza con fines publicitarios, para que
los espectadores de una película queden atraídos por otra que se proyectará
en el cine días después. Actualmente los podemos ver en Internet, mucho más
cortos. Directores de fama, como Orson Welles han hecho tráileres de sus
películas, que hoy son considerados como verdaderas obras de arte.

Trama. Línea de estructura de una historia en donde se planifican los conflictos

y las tensiones para tener atrapada a la audiencia con el desarrollo de los
acontecimientos.

Travelling. Movimiento de cámara obtenido mediante el desplazamiento de la

misma sobre raíles o cualquier otro sistema.

Trhiller. Género cinematográfico o literario que persigue despertar la emoción,

la intriga, la tensión y el suspenso a partir de la narración de algún hecho
criminal o judicial, también puede referirse a las películas cuyo fin es un tanto
abierto, inconcluso y que se prestan a distintas interpretaciones.

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 82

V
U
Under the line: En inglés, expresión que hace referencia al coste de una
película excluyendo la cantidad pagada a la altamente remunerada estrella o
estrellas. Cuando se incluyen estos costes, se utiliza el término over the line.

Under shooting: Rodar una escena o una película entera con un número de
planos y emplazamientos de cámara que no resulten suficientes para la
realización de un montaje adecuado.

Unidad dramática: Estructura dramática fuertemente organizada, cuya trama

carece de elementos divergentes o periféricos que se aparten de los
personajes principales y del desarrollo de sus situaciones.

En la crítica literaria tradicional, a esta cualidad se la denomina asimismo

«unidad de acción», hablando además de una «unidad de lugar» y de una
«unidad de tiempo» (por ejemplo, cuando toda la acción se desarrolla en una
sola localización y en un tiempo prescrito, generalmente de 24 horas). A estas
dos unidades se las invoca a veces como requisito de la unidad dramática, Theda Bara en “A Fool There Was” (Había un necio 1915, dir: Frank Powell)
aunque en el cine y en el teatro modernos se permite una mayor flexibilidad
espacial y temporal.
Vamp: Término derivado de «vampiresa», utilizado sobre todo en los tiempos
Unit set: Decorado hecho de partes que se pueden disponer de diversas del cine mudo, que se empleaba para describir a una femme fatale, una
formas para crear varias escenas. hermosa y seductora mujer que es la perdición de los hombres. Theodosia
Goodman adoptó el nombre artístico de Theda Bara, supuestamente un
Upstage: (1) Parte trasera del plató.
anagrama de Arab Death(«muerte árabe»), y se convirtió en la vamp tras su
(2) Desviar la atención del público, que estaba hasta ese momento centrada aparición en “A Fool There Was” (Había un necio 1915, dir: Frank Powell),
en un intérprete, a la acción de otro intérprete o de algún asunto en la escena. película basada en el poema de Rudyard Kipling El vampiro.

(3) Obligara un intérprete a mirar hacia el fondo, algo a veces causado por
algún intérprete o alguna acción al fondo de la escena.
(4) Orden dada a un intérprete para que aleje la vista de la cámara o para que
mire hacia la parte de atrás de la escena.
VCD: VCD en un formato basado en mpeg1, con un víbrate constante de
1150kbit a una resolución de 352×240(NTSC) o 1150kbit a 352×288 (PAL). Los
VCDs se utilizan generalmente para transferir cosas de menor calidad
(CAM/TS/TC/Screener(VHS)/TVRip) para conseguir tamaños de archivo
menores, y meterlos en el menor numero de discos.

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 83

Velocidad, Rapidez del motor de la cámara de cine, que funciona a 24 cuadros

por segundo.

24 por segundo es la velocidad de fotogramas que expone a la luz por segundo.

A mayor velocidad de fotogramas, más detalles de la realidad se capturan, y
ese material, después de procesado y reproduciendolo a 24 cuadros por
segundo da como resultado un efecto de cámara lenta.En las cámaras
digitales, la velocidad puede variar entre 24, 48, 30, 60 cuadros por segundo.
(dependiendo del modelo de la cámara).

Viaje Iniciático: Frecuente en la literatura y el cine, es una historia, y en diversa

instancia, una experiencia, en la que un individuo se encuentra en situaciones
hostiles o adversas que harán que su personalidad cambie, después de que
toma conciencia de sí mismo, de la realidad externa o de poseer una misión en
la vida, y ve modificado su caracter, espíritu o experiencia para lograr una
mejora en su persona, después de lograr superar una serie de situaciones
difíciles de superar.

Visor: Sistema óptico por medio del cual el operador de cámara ve al actor u
objeto.

Vistas: Se denominaron así a las primeras imágenes en movimiento obtenidas

por los pioneros cinematográficos. Se limitaban, en plano fijo, a captar
aquellos acontecimientos que sucedían delante de la cámara: un paisaje, una
playa, una calle, una salida de…, etc.

Voz en off: Es la voz de alguien que no está en escena. Puede ser narrador, un
pensamiento de alguien que está en escena, una canción desde fuera de
campo, etc

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 84

W
voladoras (2004) de Zhang Yimou / La maldición de la flor dorada (2006) de
Zhang Yimou / The Banquet (2006) de Xiaogang Feng.

Watio (W): Medida de potencia de luz en los proyectores eléctricos.

Whodunit, ¿Quién lo hizo?, fórmula narrativa en la que alguien muere y un

detective (u otro personaje) se dedica a descubrir al asesino.

Wild track: Toma de sonido adicional efectuada en locación**

independientemente de la acción, a fin de incorporarla a la banda sonora con
o sin posibilidades de sincro**.

Workprint (WP) – copia de trabajo-: Un workprint es una copia de la película

que aún no ha sido terminada. Pueden faltar escenas, música, y la calidad
puede ir desde excelente a muy mala. Algunos WPs son muy diferentes del
producto final y otros pueden contener escenas extras. Los WPs pueden ser
buenas adiciones a la colección y tienen una buena calidad final.

Wu Xia (wuxia pian): Ell Wu Xia es un género cinematográfico que se originó

en Taiwán y Hong Kong – no confundir con el género Chanbara de Japón- y es
un género de películas de artes marciales (espadas) y fantasía. Su significado
literal es “caballeros de las artes marciales” o “héroes de las artes marciales”,
en chino.
Wurlitzer: Nombre de marca de un órgano popular en las salas de cine durante
Las características que lo distinguen son: un escenario histórico, escenas de los años treinta y cuarenta, cuando se alzaba de repente desde el foso de la
acción centradas en la lucha con espadas, énfasis en el melodrama y temas de sala junto con su instrumentista para entretener al público durante los
vínculo, amistad, lealtad y traición. Este género se considera ligeramente intermedios. El Wurlitzer rellenaba el silencio que dejaba la conclusión de la
diferente al cine de artes marciales. película sonora.
En el Kung Fu los héroes son más terrenales y respetan las leyes de la gravedad,
en cambio el Wuxia es místico; los héroes alcanzan alto grado de destreza,
desafiando las leyes físicas, y espectacularidad en el uso de las artes marciales
(es frecuente escenas donde ascienden con saltos a las copas de los arboles o
se suspenden en el aire como volando en cada salto), desarrollan poderes
sobrenaturales, pueden aparecer y desaparecer y dominan los fenómenos
climáticos.

La película Tigre y dragón (Wo hu cang long) de Ang Lee, 2000, significó el
debut del género en Hollywood. Dentro de las películas de mayor repercusión
en el genero se encuentran: Hero (2002) de Zhang Yimou / La casa de las dagas

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 85

X
X: (1) Abreviatura para referirse a una sola exposición de la película en una
cámara o a un solo fotograma de película.

(2) Una de las marcas que figuran en las páginas de un guion para indicar
elmovimiento de un personaje.

(3) En muchos países europeos, calificación que se aplica a las películas con
contenidos pornográficos o sumamente violentos.

Xerocopia de calcos: En los dibujos animados, xerocopiar dibujos originales

sobre calcos en lugar de entintarlos a mano. El procedimiento lo introdujo la
Walt Disney Productions a finales de los años cincuenta.

Xerografía, acetato: Xerox Procedimiento de copia electrofotográfico

empleado para transferir dibujos a acetatos en el cine de animación, en lugar
de utilizar tinta. Este sistema fue creado por WaltDisney Productions en
colaboración con XeroxCorporation.

Xrated: En el contexto estadounidense, antigua clasificación otorgada por la

CARA (Classificationand Rating Administration) de la MPAA (Motion Picture
Association of America). Esta designación implicaba que ninguna persona
menor de diecisiete o dieciocho años (dependiendo del estado) podía verla.
Una película comercial que recibiera esta clasificación no obtendría buenos
resultados en taquilla y, en algunos casos, tampoco sería publicitada en los
medios de comunicación locales. De ahí que, en muchas ocasiones, se
presionara a los cineastas para que efectuaran cortes en el filme, para que la
CARA diera una nueva calificación a la película.

La MPAA cambió la calificación X a NC17 en1990, al haber perdido su sentido

en virtud de la utilización no autorizada de dicha denominación a la hora de
publicitar filmes pornográficos.

Xray: En inglés, diabla de luces suspendida sobre un decorado.

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Y - Z
Zancadilla mediante cable: Método para hacer que se caigan los caballos,
especialmente en el cine del Oeste, mediante un cable tenso.
Zanja: Hoyo en el suelo en el que pueden situarse intérpretes u objetos para
hacer que parezca que su altura es menor o en el que puede colocarse la
cámara para filmar un plano a una altura deseada.
Zapping: Comportamiento del telespectador con el mando a distancia, que
cambia de una cadena a otra (por ejempio, para evitar la publicidad en la
televisión)
Zinger: Luz direccional empleada para añadir luminosidad en un decorado con
iluminación predominantemente suave.
Zona de estudio: Zona que se extiende en un radio de 50 kilómetros de un área
de rodaje (por ejemplo, en el radio de un estudio). Al personal debe pagarse
el kilometraje recorrido fuera de esta área durante el periodo de producción y
también se aplican ciertas normas laborales cuando se está fuera de la zona
de estudio.
Zona muerta: (1) Punto de un área en el cual las reverberaciones producidas
por el mismo sonido se cancelan mutuamente.
(2) Área de la escena enla que no tiene lugar ninguna acción durante elplano.
(3) Área del decorado que no está incluida en el campo de visión de la cámara
durante un plano.
(4) Pasaje del guion con poca energía, acción o interés intrínseco.
Zoom: (1) Movimiento aparente de alejamiento o acercamiento a un objeto,
conseguido por medio de un objetivo de longitud focal variable. Aunque el
término debería limitarse técnicamente al empleo de dicho objetivo, a veces
también se utiliza para describir efectos similares conseguidos en el rodaje sin
el uso del mismo, por ejemplo, mediante un veloz movimiento de la cámara
sobre un soporte rodante o mediante el corte rápido de un plano general a un
primer plano. No obstante, el plano de zoom comprime el espacio que hay
Centro Cinematográfico del Sureste
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entre la cámara y el objeto, mientras que el plano de dolly hace que el
espectador se desplace por el espacio y el corte rápido elimina por completo
la continuidad espacial. Los zoomsópticos se realizan acercando o alejando la
cámara y elobjetivo respecto de la película que se está filmando en la
positivadora óptica. En los dibujos animados, los zooms se crean mediante el
rápido movimiento en vertical, hacia arriba o hacia abajo, de la cámara que
lleva incorporada la mesa de animación.
(2) Plano en el que la cámara parece alejarse del objeto o aproximarse a él en
virtud del empleo de un objetivo zoom.
(3) Hacer que la cámara parezca acercarse al sujeto o alejarse de él
medianteun objetivo zoom.
(4) Objetivo zoom.
Zoom congelado: Plano de zoom que concluye con una imagen detenida del
sujeto: por ejemplo, cuando una película finaliza con lo que parece la
aproximación de la cámara hacia el rostro del personaje, que queda congelado
en primer plano, para que se quede grabado en nuestra memoria.
Zoom continuo: Plano de zoom en el que el sujeto aumenta continuamente de
tamaño, primero hasta llenar gradualmente el encuadre y luego
incrementando su tamaño hasta desbordarlo, de forma que una pequeña
porción del mismo llena todo elcampo de visión.
Zoom de animación: Efecto de zoom conseguido en animación mediante la
alteración del tamaño del sujeto fotografiado entre un dibujo y el siguiente.
Zoom de choque: Plano de zoom que cierra rápida e inesperadamente el zoom
sobre el sujeto. Este tipo de plano, que suele emplearse para sobresaltar y
sacudir a los espectadores, casi se ha convertido en un cliché en las películas
de terror o de aventuras de segunda categoría.
Zoom motorizado: Control motorizado para unobjetivo zoomque opera la
lente de forma automática y le permite moverse suavemente a la misma
velocidad para un plano de zoom.
Zoom óptico: Efecto de zoom realizado no con unacámara y un objetivo zoom,
sino en una positivadora óptica. Un zoom de aproximación se realiza
Historia mundial del cine
 87

acercando la cámara y el objetivo progresivamentea la película que se está

copiando y un zoomde alejamiento, alejándolos gradualmente. La ventaja de
este método es que se evitan las distorsiones espaciales que se producen con FILMOGRAFIA BASICA
un zoomnormal; el inconveniente de este método es que, ampliando el sujeto (Titulo original,titulo en Mexico, titulo en España )
en un zoom de aproximación realizado con una positivadora óptica, la imagen
se hace más granulosa y menos definida.
Ordenadas por fechas de estreno:
1902
Zoöpraxiscopio: Proyector inventado por EadweardJames Muybridge a finales Le voyage dans la lune – Viaje a la luna – George Méliès
del siglo XIX, compuesto por una rueda ampliada de fenakistoscopio con placas
fotográficas de vidrio y una linterna mágica que servía para las proyecciones 1903
públicas. Muy bridge completó su invento en 1879 y lo denominó The Great Train Robbery – Asalto y robo de un tren – Edwin S. Porter
zoogiroscopio, pero en 1881 le cambió el nombre por el de zoöpraxiscopio. 1915
Muybridge fue un británico que efectuó la mayoría de sus experimentos The birth of a nation – El nacimiento de una nación – D.W. Griffith
fotográficos en los EE.UU. Antes de inventar el zoöpraxiscopio, realizó una
Les vampires – Los vampiros – Louis Feuillade
serie de pruebas fotografiando formas móviles con 12 cámaras (que llegarían
a ser 48) que operaban en rápida sucesión. 1916
Intolerance – Intolerancia – D. W. Griffith
Su serie más famosa fue la de la carrera de caballos que fotografió en 1878
para que el gobernadorde California, Leland Stanford, ganara la apuesta que
1919
había hecho de que, al correr, el caballo llegaba a tener en algún momento las Das kabinett des Doktor Caligari- El gabinete del Doctor Caligari– Robert
cuatro patas en elaire. Wiene
Broken Blossoms – Lirios rotos La culpa ajena – D. W. Griffith
Zoótropo: Instrumento inventado en 1834 en Inglaterra por William George 1920
Horner. Denominado originalmente Daedalum, el zoótropo explotaba el
Way down east – Las dos tormentas – D. W. Griffith
mecanismo de la persistencia retiniana del ojo humano. Valiéndose de una
serie de dibujos, distribuidos sobre tiras cambiables de papel que se insertaban Within our gates – Puertas adentro – Oscar Micheaux
en la cara interna de un tambor rotatorio, creaba la ilusión de movimiento. 1921
Colocado frente a los dibujos, el espectador miraba a través de unas ranuras Korkalen – La carreta fantasma – Victor Sjöström
practicadas en el tambor, encima de la tira de papel, y veía imágenes en Orphans of the storm – Las dos huérfanas – D. W. Griffith
movimiento de figuras típicas, como malabaristas o caballos saltarines. La souriante Madame Beudet – La sonriente Madame Beudet –
Germaine Dulac
Título original: The Complete Film Dictionary, Second Edition Publicado por primera vez en EE.UU. bajo el título The Complete
Film Dictionary, Second Edition, de Ira Konigsberg www.akal.com ISBN: 84-460-1902-7 Depósito legal: M. 28.795-2004 Impreso
1922
en Fernández Ciudad, S. L. (Madrid) Dr. Mabuse, der Spieler – Dr. Mabuse – Fritz Lang
Nanook of the Nord – Nanook el esquimal – Robert J. Flaherty
Nosferatu, eine Symphonie des Grauens- Nosferatu – Murnau
Häxan (Witchcraft through the ages) – Häxan: la brujería… – Benjamin
Christensen
Foolish wives – Esposas frívolas – Erich v. stroheim
1923
Centro Cinematográfico del Sureste Historia mundial del cine

Our hospitality – La ley de la hospitalidad – Buster Keaton
La roue – La rueda – Abel Gance
1924
The Thief of Bagdad – El ladrón de Bagdad – Raoul Walsh
Stachka – La huelga – Sergei Eisenstein
Greed – Avaricia – Erich v. stroheim
Sherlock, Jr. – El moderno Sherlock Holmes – Buster Keaton
Der Letzte Mann – El Ultimo Hombre- El último – Murnau
1925
Seven chances – Siete ocasiones – Buster Keaton
Phantom of the Opera – El fantasma de la Ópera – Rupert Julian
Bronenosec Potyomkin – Acorazado Potemkim – Sergei Eisenstein
The Gold Rush – La quimera del oro – Charles Chaplin
The big parade – El gran desfile – King Vidor
1927
Metrópolis (Metropolis) – Fritz Lang
Sunrise -Amanecer – Murnau
The General -El maquinista de La General– Buster Keaton
The Unknown – Garras humanas – Tod Browning
Oktjabr – Octubre – Sergei Eisenstein
The Jazz singer – El Cantante de Jazz -El cantor de Jazz – Alan Crosland
Napoleon – Napoleón – Abel Gance
The Kid Brother – El hermanito – J.A. Howe, Ted Wilde (Harold Lloyd)
1928
The Crowd – Y el mundo marcha… – King Vidor
The Docks Of New York – Los muelles de Nueva York – Josef von Sternberg
Un chien andalou -Un perro andaluz– Luis Buñuel
La Passion de Jeanne D’Arc - La Pasión de Juana de Arco– Carl Theodor
Dreyer
Steamboat Bill, Jr. – El héroe del río – Charles Reisner Keaton
Potomok Chingos-Khana – Tempestad sobre Asia – Vsevolod Pudovkin
1929
Blackmail – La muchacha de Londres – Alfred Hitchcock
Čelovjek s Kinoapparatom – El hombre de la cámara – Dziga Vertov (Дзига
Вертов)
Centro Cinematográfico del Sureste
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Die Büchse der Pandora -La caja de Pandora (Lulú)– Georg Wilhelm Pabst
1930
Der Blaue Engel – El Ángel Azul – Josef von Sternberg
L’age d’or – La edad de Oro – Luis Buñuel
Zemlya – La Tierra – Aleksandr Dovzhenko
Little Caesar – Hampa dorada – Mervyn LeRoy
All quiet on the wester front – Sin novedad en el frente – Lewis Milestone
1931
À nous la liberté – Viva la libertad – René Clair
Le million – El millón – René Clair
Tabu – Tabú – Murnau y Flaherty
Dracula – Drácula – Tod Browning
Frankestein – El doctor Frankenstein – James Whale
City LIights – Luces de la ciudad – Charles Chaplin
The public enemy – El enemigo público – William A. Wellman
M – M, el vampiro de Dusseldorf – Fritz Lang
La chienne – La golfa – Jean Renoir
Vampyr (Der Traum des Allan Grey) – Vampyr, la bruja vampiro – Carl
Theodor Dreyer
1932
Love me tonight – Ámame esta noche – Rouben Mamoulian
Boudu sauvé des eaux – Boudu salvado de las aguas – Jean Renoir
I am a fugitive from a chain gang – Soy un fugitivo – Mervyn LeRoy
Trouble in Paradise – Un ladrón en la alcoba – Ernst Lubitsch
Scarface: The shame of a Nation – Scarface, el terror del hampa – Howard
Hawks
Shanghai express – El expreso de Shanghai – Joseph Von Sternberg
Freaks –Fenomenos- La parada de los monstruos – Tod Browning
Me and my gal – Mi chica y yo – Raoul Walsh
1933
Zero de conduite – Cero en conducta – Jean Vigo
42nd Street – La calle 42 – Lloyd Bacon
Footlight Parade – Desfile de candilejas – Lloyd Bacon
Gold diggers of Vampiresas de Mervin Le Roy
Born to Be Bad – Nacida para ser mala – Lowell Sherman
Historia mundial del cine

Duck soap – Sopá de pato -Sopa de ganso – Leo McCarey [los hermanos
Marx]
Queen Christina – La reina Cristina de Suecia – Rouben Mamoulian
Las Hurdes (Tierra sin pan) – Luis Buñuel
King Kong – King Kong – Merian C. Cooper, Ernest B. Schoedsack
The bitter tea of General Yen – La amargura del General Yen – Frank Capra
Sons of the desert – Compañeros de juerga – Wiliam A. Seiter (El Gordo y
el Flaco)
1934
It’s a gift – Norman Z. McLeod
Triumph des Willens – Triunfo de la voluntad – Leni Riefenstahl
L’Atalante – L’Atalante – Jean Vigo
The black cat – Satanás – Edgar G. Ulmer
Judge Priest – El juez Priest – John Ford
It Happened one night – Sucedió una noche – Frank Capra
The thin man – La cena de los acusados – W.S. Van Dyke
1935
Captain Blood – El capitán Blood – Michael Curtiz
Mutiny on the Bounty – El Motín del Bounty – Frank Lloyd
Night at the opera – Una noche en la ópera – Sam Wood (Hermanos Marx)
The 39 steps – 39 escalones – Alfred Hitchcock
Bride of Frankenstein – La novia de Frankenstein – James Whale
Top hat – Sombrero de copa – Mark Sandrich
1936
Une partie de campagne – Día de campo – Jean Renoir
Modern Times -Tiempos modernos– Charles Chaplin
Swing Time – En alas de la danza – George Stevens
My man Godfrey – Al servicio de las damas – Gregory La Cava
Mr. Deeds goes to town – El secreto de vivir – Frank Capra
Camille – Margarita Gautier – George Cukor
Sabotage – Sabotaje – Alfred Hitchcock
Dodsworth – Desengaño – William Wyler
Things to come – La vida futura – William Cameron Menzies
Le roman d’un tricheur – La novela de un tramposo – Sacha Guitry
1937
Captain courageous – Capitanes intrépidos – Víctor Fleming
Centro Cinematográfico del Sureste
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Ye ban ge sheng – Canción de medianoche – Weibang Ma-Xu
La grande illusion – La gran ilusión – Jean Renoir
The life of Emile Zola – La vida de Emile Zola – William Dieterle
Stella Dallas – Stella Dallas – King Vidor
Make way for tomorrow – Dejad paso al mañana – Leo McCarey
Snow White and the Seven Dwarves – Blancanieves y los Siete enanitos –
Disney
The Awful Truth – La pícara puritana – Leo McCarey
Pepe le Moko – Pepe le Moko – Julien Duvivier
1938
Jezebel – Jezabel – William Wyler
The adventures of Robin Hood – Robin de los bosques – Michael Curtiz,
William Keighley
Angels with dirty faces – Ángeles con caras sucias – Michael Curtiz
Olympia – Olimpia – Leni Riefenstahl
La femme du boulanger – El pan y el perdón – Marcel Pagnol
Bringing up baby – La fiera de mi niña – Howard Hawks
1939
Stagecoach – La diligencia – John Ford
Zangiku Monogatari – La historia del último Crisantemo – Kenji Mizoguchi
Babes in arms – Hijos de la Farándula – Busby Berkeley
Mr. Smith goes to Washington – Caballero sin espada – Frank Capra
The Wizard Of Oz – El mago de Oz – Victor Fleming y otros
Destry rides again – Arizona – George Marshall
Only angels have wings – Solo los ángeles tienen alas – Howard Hawks
Gonne with the wind – Lo que el viento se llevó – Victor Fleming
Le jour se léve – Marcel Carné
Gunga Din – Gunga Din – George Stevens
Ninotchka – Ninotchka – Ernst Lubitsch
La regle du jeu – La regla del juego – Jean Renoir
Wuthering Heights – Cumbres borrascosas – William Wyler
His girl friday – Luna nueva – Howard Hawks
Rebecca – Rebeca – Alfred Hitchckock
1940
Fantasia – Fantasía – Disney
The Philadelphia Story – Historias de Filadelfia – George Cukor
Historia mundial del cine

The Grapes of Wrath – Las uvas de la ira – John Ford
Dance, girl, dance – Dance, girl, dance – Dorothy Arzner
Pinocchio – Pinocho – Disney
The mortal Storm – Tormenta mortal – Frank Borzage
The Bank Dick – Edward F. Cline
Citizen Kane – El Ciudadano Kane – Orson Welles
1941
The Lady Eve – Las tres noches de Eva – Preston Sturges
The Wolf Mann – El hombre lobo – George Waggner
The Maltese Falcon – El Halcón Maltés – John Huston
Sergeant York – El sargento York – Howard Hawks
Dumbo – Dumbo – Disney
High Sierra – El último refugio – Raoul Walsh
Sullivan’s Travels – Los viajes de Sullivan – Preston Sturges
How green was my Valley – Qué verde era mi valle – John Ford
1942
The Palm Beach Story – Un marido rico – Preston Sturges
Now, Voyager – La extraña pasajera – Max Steiner
Casablanca – Casablanca – Michael Curtiz
To be or not to be – Ser o no ser – Ernst Lubitsch
Cat People – La mujer pantera – Jacques Tourneur
The Magnificent Ambersons – El cuarto Mandamiento – Orson Welles
Yankee Doodle Dandy – Yanqui Dandy – Michael Curtiz, James Cagney
1943
Meshes of the afternoon – Maya Deren
Fires were started – El fuego comenzó – Humphrey Jennings
The man in grey – Perfidia – Leslie Arliss
The life and death of Colonel Blimp – Vida y muerte del… – M. Powell, E.
Pressburger
I walked with a Zombie – Yo anduve con un zombie – Jacques Tourneur
The seventh victim – La séptima víctima – Mark Robson
The Ox-Bow Incident – Incidente en Ox-Bow – William A. Wellman
Shadow of a doubt – La sombra de una duda – Alfred Hitchcock
Ossessione – Obsesión – Visconti
1944
Meet me in St. Louis – Cita en San Louis – Vincente Minnelli
Centro Cinematográfico del Sureste
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To have and have not – Tener y no tener – Howard Hawks
Laura – Laura – Otto Preminger
Gaslight (The Murder in Thornton Square) – Luz que agoniza – George
Cukor
Henry V – Enrique V – Laurence Olivier
Ivan Grozni I y II – Iván el Terrible 1ª y 2ª parte – Eisenstein
Double Indemnity – Perdición – Billy Wilder
Murder, my sweet / Farewell, my lovely – Historia de un dectective –
Edward Dmytryk
1945
The battle of San Pietro – John Huston
Spellbound – Recuerda – Alfred Hitchcock
Mildred Pierce – Alma en suplicio – Michael Curtiz
Les enfants du Paradis – Los niños del paraíso – Marcel Carné
Roma, cittá aperta – Roma, ciudad abierta – Roberto Rossellini
The lost weekend – Días sin huella – Billy Wilder
Detour – Detour – Edgar G. Ulmer
I Know where I’m going – Sé adonde voy – Michael Powell y Emeric
Pressburger
1946
The best years of our lives – Los mejores años de nuestra vida – William
Wyler
Brief encounter – Breve encuentro – David Lean
Paisa – Camarada – Roberto Rossellini
The Postman always rings twice – El cartero siempre llama dos veces – Tay
Garnett
My darling Clementine – La pasión de los fuertes – John Ford
The stranger – El extraño – Orson Welles
La Belle et la Bete – Jean Cocteau
The big sleep – El sueño eterno – Howard Hawks
The killers – Forajidos – Robert Siodmak
A matter of life and death (Stairway to Heaven) – A vida o muerte – M.
Powell, E. Pressburger
Great expectations – Cadenas rotas – David Lean
Notorious – Encadenados – Alfred Hitchcock
Black narcissus – Narciso negro – Micahel Powell, Emeric Pressburger
Historia mundial del cine
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It’s a wonderful life – ¡Qué bello es vivir! – Frank Capra The Asphalt Jungle – La jungla de asfalto – John Huston
Gilda – Charles Vidor Rashomon – Akira Kurosawa
1947 Winchester ’73 – Anthony Mann
Rio Grande – John Ford
Monsieur Verdoux – Charles Chaplin
All about Eve – Eva al desnudo – Joseph L. Mankiewick
Out of the past – Retorno al pasado – Jacques Tourneur
Sunset Blvd. – El crepúsculo de los dioses – Billy Wilder
The Ghost and Mrs. Muir – El fantasma y la Señora Muir – Joseph L.
Los olvidados – Luis Buñuel
Mankiewick
In a lonely Place – En un lugar solitario – Nicholas Ray
Odd man out – Larga es la noche – Carol Reed
1948 1951
The big carnival – El gran carnaval – Billy Wilder
Ladri di biciclette – Ladrón de bicicletas – Vittorio de Sica
A Streetcar Named Desire – Un tranvía llamado deseo – Elia Kazan
Letter from anUnknown Woman -Carta de una desconocida– Max Ophüls
Extrangers on a Train – Extraños en un tren – Alfred Hitchcock
Secret beyond the door – Secreto tras la puerta – Fritz Lang
The Lavender Hill Mob – Oro en barras – Charles Crichton
Force of evil – La fuerza del destino – Abraham Polonski
Pandora and the Flying Dutchman – Pandora y el holandés errante – Albert
Xiao Cheng Zhi Chung – Primavera en una pequeña ciudad – Fei Mu
Lewin
Red River – Río Rojo – Howard Hawks, Arthur Rosson
The African Queen – La Reina de África – John Huston
Rope – La soga – Alfred Hitchcock
Journal d’un curé de campagne – Diario de un cura de campaña – Robert
The Snake Pit – Nido de víboras – Anatole Litvak
Bresson
The lady from Shanghai – La dama de Shangai – Orson Wells
Un american in Paris – Un americano en París – Vincente Minnelli
The paleface – Rostro Pálido – Norman Z. McLeod
A Place in the Sun – Un lugar en el sol – George Stevens
The red Shoes – Las zapatillas rojas – Michael Powell, Emeric Pressburger
The Day the Earth Stood Still – Ultimátum a la Tierra – Robert Wise
The Treasure of the Sierra Madre – El tesoro de Sierra Madre – John
Huston 1952
Louisiana Story – Robert J. Flaherty The Quiet Man – El hombre tranquilo – John Ford
1949 Jeux interdits – Juegos prohibidos – René Clément
Angel Face – Cara de ángel – Otto Preminger
The heiress – La heredera – William Wyler
Singin’ in the Rain – Cantando bajo la lluvia – Stanley Donen
Kind hearts and coronets – Ocho sentencias a muerte – Robert Hamer
Ikiru – Vivir – Akira Kurosawa
Gun crazy (Deadly is the female) – El demonio de las armas – Joseph H.
Europa ’51 – Roberto Rossellini
Lewis
The Bad and the Beautiful – Cautivos del mal – Vincente Minnelli
Adam’s rib – La costilla de Adán – George Cukor
The Big Sky – Ríos de sangre – Howard Hawks
Whiski galore! – Alexander Mackendrick
High Noon – Solo ante el peligro – Fred Zinnermann
White heat – Al rojo vivo – Raoul Walsh
Umberto D – Vittorio de Sica
The reckless moment – Almas desnudas – Max Ophüls
Le carrosse d’or – La carroza de oro – Jean Renoir
The third man – El tercer hombre – Carol Reed
On the town – Un día en Nueva York – Stanley Donen, Gene Kelly 1953
Orphee – Orfeo – Jean Cocteau The Bigamist – El bígamo – Ida Lupino
1950 The Band Wagon – Melodías de Broadway – Vincente Minnelli
Centro Cinematográfico del Sureste Historia mundial del cine

Madame de… – Max Ophüls
From here to eternity – De aquí a la eternidad – Fred Zinnermann
Tokyo Monogatari – Cuentos de Tokio – Yasujiro Ozu
Roman Holiday – Vacaciones en Roma – William Wyler
Le salaire de la peur – El salario del miedo – Henri-Georges Clouzot
The Naked Spur – Colorado Jim – Anthony Mann
Pickup on South Street – Manos peligrosas – Samuel Fuller
Gentlemen Prefer Blondes – Los caballeros las prefieren rubias – Howard
Hawks
The Big Heat – Los sobornados – Fritz Lang
Les vacances de M. Hulot – Las vacaciones de Monsieur Hulot – Jacques
Tati
Viaggio in Italia – Te querré siempre – Roberto Rossellini
Ugetsu Monogatari – Cuentos de la luna pálida – Kenji Mizoguchi
Shane – Raíces profundas – George Stevens
Beat the Devil – La burla del diablo – John Huston
1954
Johnny Guitar – Nicholas Ray
On the Waterfront –Nido de ratas - La ley del silencio – Elia Kazan
Seven Brides for Seven Brothers – Siete novias para siete hermanos –
Stanley Donen
Les Diaboliques – Las diabólicas – Henri-Georges Clouzot
Animal Farm – Rebelión en la granja – Joy Batchelor, John Halas
Rear Window – La ventana indiscreta – Alfred Hitchcock
A Star is born – Nace una Estrella - Ha nacido una estrella – George Cukor
The Barefoot Contessa – La condesa descalza – Joseph L. Mankiewicz
La Strada – La calle- Federico Fellini
Shichinin Samurais – Los siete samurais – Akira Kurosawa
Senso – Luchino Visconti
Silver Lode – Filón de Plata – Allan Dwan
Carmen Jones – Otto Preminger
Sanshô Dayu – El intendente Sanshô – Kenji Mizoguchi
Salt of the Earth – La sal de la tierra – Herbert J. Biberman
1955
Artists and Models – Cómicos en París – Frank Tashlin
Guys and Dolls – Ellos y ellas – Joseph L. Mankiewicz
Centro Cinematográfico del Sureste
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Pather Panchali – La canción del sendero – Satyajit Ray
Bad Day at Black Rock – Conspiración de silencio – John Sturges
Les maîtres fous – Los amos locos – Jean Rouch
Hill 24 Doesn’t Answer – La Colina 24 no contesta - Thorold Dickinson
The Ladykillers – El quinteto de la muerte – Alexander Mackendrick
Marty – Delbert Mann
Ordet – La palabra – Carl Theodor Dreyer
Bob le Flambeur – Jean-Pierre Melville
Kiss me deadly – El beso mortal – Robert Aldrich
The man from Laramie – El hombre de Laramie – Anthony Mann
Rebel without Cause – Rebelde sin causa – Nicholas Ray
The Phenix City Story- El Imperio del terror – Phil Karlson
Sommarnattens Leende – Sonrisas de una noche de verano – Ingmar
Bergman
Nuit et Brouillard – Noche y niebla – Alain Resnais
The Night of the Hunter – La noche del cazador – Charles Laughton
Lola Montès – Lola Montes – Max Ophüls
1956
Forbidden Planet – Planeta prohibido – Fred M. Wilcox
Biruma No Tategoto – El arpa birmana – Kon Ichikawa
The Searchers – Centauros del desierto – John Ford
Un condamné a mort s’est echappé – Un condenado a muerte… – Robert
Bresson
Written in the Wind – Escrito sobre el viento – Douglas Sirk
The man who Knowk too Much – El hombre que sabía demasiado – Alfred
Hitchcock
Giant – Gigante – George Stevens
All the heaven Allows – Solo el cielo lo sabe – Douglas Sirk
Invasion of the Body Snatchers – La invasión de los ladrones de cuerpos –
Don Siegel
The Wrong Man – Falso culpable – Alfred Hitchcock
Bigger than Life – Delirio de locura – Nicholas Ray
High Society – Alta sociedad – Charles Walters
The Ten Commandments – Los Diez Mandamientos – Cecil B. DeMille
1957
Historia mundial del cine

12 Angry Men – 12 Hombres en pugna- Doce hombres sin piedad – Sidney
Lumet
Det Sjunde Inseglet – El Séptimo Sello – Ingmar Bergman
An Affair to Remember – Tú y yo – Leo McCarey
Smultronstället – Fresas salvajes – Ingmar Bergman
Le notti di Cabiria – Las noches de Cabiria – Federico Fellini
Kumonosu Jo – Trono de sangre – Akira Kurosawa
The Incredible Shrinking Man – El increíble hombre menguante – Jack
Arnold
Aparajito – El Invencible – Satyajit Ray
Gunfight at the OK Corral – Duelo de Titanes – John Sturges
The Bridge on the River Kwai – El puente sobre el río Kwai – David Lean
Bahrat Mata – Madre India – Mehbood Khan
Letjat Zhuravli – Cuando migran las grullas – Mikhell Kalatozov
Paths of Glory – Senderos de gloria – Stanley Kubrick
Sweet Smell of Success – Chantaje en Broadway – Alexander Mackendrick
1958
Man of the West – El hombre del Oeste – Anthony Mann
Touch of Evil – Sed de mal – Orson Welles
Bab El Hadid – Estación Central – Youssef Chahine
Gigi – Vincente Minnelli
The Defiant Ones – Fugitivos – Stanley Kramer
Vertigo – Vértigo (De entre los muertos) – Alfred Hitchcock
Popiól I Diament – Cenizas y diamantes – Andrzej Wajda
Drácula – Terence Fisher
Mon oncle – Mi tío – Jacques Tati
Jalsaghar – El salón de música – Satyajit Ray
1959
Les quatre cents copus – Los cuatrocientos golpes – François Truffaut
North by Northwest – Con la muerte en los talones – Alfred Hitchcock
Some like it hot – Con faldas y a lo loco – Billy Wilder
Anatomy of a murder – Anatomía de un asesinato – Otto Preminger
Les yeus sans visage – Ojos sin rostro – Georges Franju
Ride lonesone – Cabalgar en solitario – Budd Boetticher, Harry
Orfeu negro – Orfeo negro – Marcel Camus
Shadows – John Cassavetes
Centro Cinematográfico del Sureste
93
Apur Sansar – El mundo de Apu – Satyajit Ray
A bout de souffle – Al final de la escapada – Jean-Luc Godard
Ben Hur – William Wyler
Pickpocket – Robert Bresson
Hiroshima mon amour – Alain Resnais
Río Bravo – Howard Hawks
Le trou – La evasión – Jacques Becker
Ukigusa – La hierba errante – Yasujiro Ozu
1960
Rocco e i suoi fratelli – Rocco y sus hermanos – Luchino Visconti
La dolce vita – Federico Fellini
Saturday night and Sunday morning – Sábado noche, domingo mañana –
Karel Reisz
Tirez sur le pianiste – Tirad sobre el pianista – François Truffaut
L’avventura – La aventura – Michelangelo Antonioni
The young one – La joven – Luis Buñuel
Meghe dhaka fara – Estrella nublada – Ritwik Ghatak
Hayno – La criada – Kim Ki-young
Psycho – Psicosis – Alfred Hitchcock
La maschera del demonio – La máscara del demonio – Mario Bava
Peeping Tom – El fotógrafo del pánico – Michael Powell
The appartment – El apartamento – Billy Wilder
Spartacus – Espartaco – Kirk Douglas, Edward Lewis
1961
Splendor in the grass -Esplendor en la hierba– Elia Kazan
L’année dernière à Marienbad – El año pasado en Marienbad – Alain
Resnais
La jetée - Chris Marker
One-eyed Jacks – El rostro impenetrable – Marlon Brando
Lola – Jacques Demi
Breafast at Tiffany’s – Desayuno con diamantes – Blake Edwards
La notte – La noche – Michelangelo Antonioni
Jules et Jim – François Truffaut
Viridiana – Luis Buñuel
The ladies man – El terror de las chicas – Jerry Lewis
Sasom I en spegel – Como en un espejo – Ingmar Bergman
Historia mundial del cine

Chonique d’un été – Edgar Morin, Jean Rouch
The hustler – El buscavidas – Robert Rossen
West side story – Amor sin Barreras- Robert Wise
Mondo cane – Este perro mundo – Paolo Cavara
1962
Cléo de 5 a 7 – Agnès Varda
Dog star man – Stan Brakhage
Sanma no aji – El sabor del sake – Yasujiro Ozu
L’eclisse – El eclipse – Michelangelo Antonioni
Lawrence de Arabia – David Lean
To kill a Mockinbird –Como matar a un ruiseñor– Robert Mulligan
The manchurian candidate – El mensajero del miedo – John
Frankenheimer
Lolita – Stanley Kubrick
O pagador de promessas – Anselmo Duarte
The Man who Shot Liberty Valance – El hombre que mató a Liberty Valance
– John Ford
What ever happened to Baby Jane? – ¿Qué fue de Baby Jane? – Robert
Aldrich
Vivre sa vie: film en douze tableaux – Vivir su vida – Jean-Luc Godard
Heaven and earth magic – Harry Smith
1963
The Birds – Los pájaros – Alfred Hitchcock
The Nutty Professor – El profesor chiflado – Jerry Lewis
Blonde Cobra – Ken Jacobs
The cool world – Shirley Clarke
Otto e mezzo – Fellini Ocho y Medio – Federico Fellini
Pasazerka – La pasajera – Witold Lesiewick, Andrezej Munk
Le mépris – El desprecio – Jean-Luc Godard
Hud – El más salvaje entre mil – Martin Ritt
Nattvardsgästerna – Los comulgantes – Ingmar Bergman
Flaming Creatures – Jack Smith
The Great Escape – El Gran Escape – John Sturges
Shock Corridor – Corredor sin retorno – Samuel Fuller
Il gattopardo – El gatopardo – Luchino Visconti
Vidas secas – Vidas secas – Nelson Pereira dos Santos
Centro Cinematográfico del Sureste
94
Méditerranée – Jean-Daniel Pollet
Khaneh Siah Ast – La casa negra – Forugh Farrokhzad
The Haunting – La mansión encantada – Robert Wise
Yukinojo henge – La venganza de un actor – Kon Ichikawa
1964
The servant – El sirviente – Joseph Losey
Goldfinger – James Bond contra Goldfinger – Guy Hamilton
Scorpio Rising – Kenneth Anger
Les parapluies de Cherbourg – Los paraguas de Cherburgo – Jacques Demi
Marnie – Marnie, la ladrona – Alfred Hitchcock
My fair lady – Mi bella dama - George Cukor
Suna no onna – La mujer de arena – Hiroshi Teshigahara
Dr. Strangelove or… – DR. Insolito- ¿Teléfono rojo? Volamos hacia Moscú
– Stanley Kubrick, Victor Lyndon
A Hard day’s Night – la noche de un dia difícil / ¡Qué noche la de aquel día!
– Richard Lester
Il desserto rosso – Desierto rojo – Michelangelo Antonioni
Tini Zabutykh Predkiv – Sombras de antepasados olvidados – Sergei
Parajanov
Masque of the Red Death – La máscara de la muerte roja – Roger Corman
Prima della revolutione – Antes de la revolución – Bernardo Bertolucci
Gertrud – Carl Theodor Dreyer
Il vangelo secondo Mateo – El evangelio según San Mateo – Pier Paolo
Pasolini
Deus e o diabo na terra do sol – Dios y el diablo en la tierra del sol –
Glauber Rocha
Onibaba – El demonio – Kaneto Shindô
1965
Vinyl – Andy Warhol
Obchod na korze – La tienda en la calle mayor – Jan-Kadar, Elmar Klos
Doctor Zhivago – David Lean
The War Game – El juego de la guerra – Peter Watkins
Tokio orimpikku – Olimpíada de Tokio – Kon Ichikawa
La batagglia di Algeri – La batalla de Argel – Robert Wise
The sound of Music –La Novicia Rebelde- Sonrisas y lágrimas – Robert
Wise
Historia mundial del cine

Rekopis znaleziony w Saragossie – El manuscrito encontrado en Zaragoza
– Wojciech Has
Alphaville, une étrange aventure de Lemmy Caution – Lemmy contra
Alphaville – Jean-Luc Godard
Chimes at Midnight – Campanadas a medianoche – Orson Welles
Repulsion – Repulsión – Roman Polnaski
Giulietta degli spiriti – Giulietta de los espíritus – Federico Fellini
Pierrot le fou – Pierrot el Loco – Jean-Lic Godard
Faster, Pussycat! Kill! Kill! – Russ Meyer
Subarnarekha – Río de oro – Ritwik Ghatak
De m an die zijn abr kort liet knippen – El hombre del cráneo rasurado –
André Delvaux
1966
Hold me while I´m naked – George Kuchar
Blowup – Blowup. Deseo de una mañana de verano – Michelangelo
Antonioni
Il buono, il bruto, il cattivo – El bueno, el malo y el feo– Sergio Leone
Sedmikrasky – Las margaritas – Vera Chytilová
Da Zui Xia – Ven a beber conmigo – King Hu
Seconds – Plan siniestro – John Frankenheimer
In the head of the night – En el calor de la noche – Norman Jewison
Who´s Afraid of Virginia Woolf – ¿Quién teme a Virginia Woolf? – Mike
Nichols
Persona – Ingmar Bergman
Masculin, féminin –Masculino, Femenino- Jean-Luc Godard
Au hasard Balthasar – Al azar de Baltasar – Robert Bresson
1967
Deux ou trois choses que je sais d’elle – Jean-Luc Godard
The Graduate – El graduado – Mike Nichols
Playtime – Jacques Tati
Report – Bruce Conner
Hombre – Un hombre – Martin Ritt
Belle de jour – Bella de día – Luis Buñuel
Les demoiselles de Rochefort – Las señoritas de Rochefort – Jacques Demy,
Agnes Varda
Weekend – Jean-Luc Godard
Centro Cinematográfico del Sureste
95
Le samouraï – El silencio de un hombre – Jean-Pierre Melville
Cool Hand Luke – La leyenda del indomable – Stuart Rosemberg
Point blank – A quemarropa – John Boorman
Wavelength – Michael Snow
Bonnie and Clyde – Bonnie y Clyde – Arthur Penn
Csillagosok, Katonák – El rojo y el blanco
Marketa Lazarová – Frantisek Vlácil
The Jungle Book – El libro de la selva – Walt Disney
Horí, má Panenko – El baile de los bomberos – Milos Forman
Terra em transe – Tierra en trance – Glauber Rocha
Ostre Sledované vlaky – Trenes rigurosamente vigilados – Jirí Menzel
Vij – Georgi Kropachyov, Constantin Yershov
1968
Gaav – La vaca – Dariush Mehrjui
Céra una volta il West – Hasta que llegó su hora – Sergio Leone
Planet of the Apes – El planeta de los simios – Franklin J. Schaffner
Faces – John Cassavetes
Rosemary’s Baby – La semilla del diablo – Roman Polanski
If… – Lindsay Anderson
Memorias del subdesarrollo – Tomás Gutiérrez Alea
The Producers – Los productores – Mel Brooks
David Holzman´s diary – Jim NcBride
Skammen – La vergüenza – Ingmar Bergman
2001: A Space Odyssey – 2001: Una Odisea espacial – Stanley Kubrick
Vargtimmen – La hora del lobo – Ingmar Bergman
Targets – El héroe anda suelto – Peter Bogdanovich
Night of the Living Dead – La noche de los muertos vivientes – George A.
Romero
1969
Ma nuit chez Maud – Mi noche con Maud – Eric Rohmer
Lucía – Humberto Solás
Xia nu – Un toque de zen – King Hu
Butch Cassidy and the Sundance Kid – Dos hombres y un destino – George
Roy Hill
Midnight Cowboy – Vaquero de medianoche – John Schlesinger
Historia mundial del cine
 96

Satyricon – Federico Fellini Willy Wonka & the Chocolate Factory – Willy Wonka & la fabrica de
Z – Costa Gavras Chocolate - Un mundo de fantasía – Mel Stuart
Il conformista – El conformista – Bernardo Bertolucci McCabe and Mrs. Miller – Los vividores – Robert Altman
Easy rider – Nacidos para Perder - Buscando mi destino – Dennis Hopper Walkabout – Nicolas Roeg
High School – Frederick Wiseman Klute – Alan J. Pakula
In the year of the pig – Emile de Antonio Harold and Maude – Harold y Maude – Hal Ashby
The Wild Bunch – la Pandilla salvaje -Grupo salvaje – Sam Pekinpah Még kér a nép – Salmo rojo – Miklòs Jancsó
Andrei Rublev – Andrei Tarkovski Get Carter – Asesino implacable – Mike Hodges
Le boucher – El carnicero – Claude Chabrol The French Connection – Contra el imperio de la droga – William Friedkin
Sayat Nova – El color de las granadas – Sergei Parajanov Shaft – Las noches rojas de Harlem – Gordon Parks
Kes – Ken Loach Dirty Harry – Harry1 – Dirty Harry – Harry el sucio – Don Siegel
1970 Le souffle au coeur – El soplo en el corazón – Louis Malle
Sweet sweetback’s baadasssss song – Melvin van Peebles
Tristana – Luis Buñuel The Last Picture Show – La última película – Peter Bogdanovich
Five easy pieces – Mi vida es mi vida – Bob Rafelson Straw Dogs – Perros de paja – Sam Peckinpah
El topo – Alejandro Jodorowsy Two-Lane Blacktop – Carretera asfaltada en dos direcciones – Monte
Woodstock – Michael Wadleigh Hellman
Deep end – Jerzy Skolimowski 1972
La strategia del ragno – La estrategia de la araña – Bernardo Bertolucci The heartbreak Kid – El rompecorazones – Elayne May
Little Big Man – Pequeño gran hombre – Arthur Penn Aguirre, der zorn gottes – Aguirre, la ira de Dios – Werner Herzog
Ucho – La oreja – Karel Kachyna Cabaret – Bob Fosse
Patton – Franklin J. Schaffner Ultimo tango a Parigi – El último tango en París – Bernardo Bertolucci
Mash – Robert Altman High Plain Drifters – Infierno de cobardes – Clint Eastwood
Performance – Donald Cammell, Nicolas Roeg Sleuth – La huella – Joseph L. Mankiewicz
Gimme Shelter – Albert Maysles et al Deliverance – Defensa – John Boorman
Zabriskie Point – Michelangelo Antonioni Solyaris – Solaris – Andrei Tarkovski
L’Ucello dalle piume di cristallo – El pájaro de las plumas de cristal – Dario The Godfather – El Padrino – Francis Ford Coppola
Argento Viskingar och rop – Gritos y susurros – Ingmar Bergman
Il giardino de los Finzi-Contini – El jardín de los Finzi-Contini – Vittorio de Fat City – Ciudad dorada – John Huston
Sica Le charme discret de la bourgeoisie – El discreto encanto de la burguesía
1971 – Luis Buñuel
Wanda – Barbara Loden Die bitteren Tränen der Petra von Kant – Las amargas lágrimas de Petra
W.R.: Misterije organizma – Los misterios del organismo – Dusan von Kant – Rainer Werner Fassbinder
Makavjev Frenzy – Frenesí – Alfred Hitchcock
A Clockwork Orange – La naranja mecánica – Stanley Kubrick Pink Flamingos – John Waters
Le chagrin et la pitié – Marcel Ophüls Superfly – El mercado del vicio – Gordon Parks. Jr.

Centro Cinematográfico del Sureste Historia mundial del cine


1973
The Sting – El golpe – George Roy Hill
La maman et la putain – Jean Eustache
Badlands – Malas tierras – Terrence Malick
American graffiti – George Lucas
Papillon – Franklin J. Schaffner
Enter the Dragon – Operación dragón – Robert Clouse
Mean Streets – Malas calles – Martin Scorsese
The Long Goodbye – El largo adiós – Robert Altman
The Wicker Man – El hombre de mimbre – Robin Hardy
La nuit américaine – La noche americana – François Truffaut
Don’t look now – Amenaza en la sombra – Nicolas Roeg
Sleeper – El dormilón – Woody Allen
Serpico – Sidney Lumet
The Exorcist – El exorcista – William Friedkin
Turks Fruit – Delicias turcas – âul Verhoeven
El espíritu de la colmena – Víctor Erice
Le planènete sauvage – El planeta salvaje – René Laloux
Amarcord – Federico Fellini
The harder the come – Más dura será la caída – Perry Henzell
Pat Garrett and Billy the Kid – Pat Garrett and Billy the Kid – Sam
Peckinpah
1974
Dersu Uzala – Akira Kurosawa
The Conversation – La conversación – Francis Ford Coppola
The Texas Vhain Saw Massacre – La matanza de Texas – Tobe Hooper
Zerkalo – El espejo – Andrei Tarkovsi
A Woman Under the Influence – Una mujer bajo la influencia – John
Cassavetes
Young Frankenstein – Frankenstein Jr- El jovencito Frankenstein – Mel
Brooks
Chinatown –Basrrio Chino- Roman Polanski
Céline et Julie vont en Bateau – Jacques Rivette
Blazing Saddles – Sillas de montar calientes – Mel Brooks
The Goodfather: Part II – El Padrino, segunda parte – Francis Ford Coppola
Centro Cinematográfico del Sureste
97
Angst essen Seele auf – Todos nos llamamos Ali – Rainer Werner
Fassbinder
Bring me the Head of Alfredo Garcia – Quiero la cabeza de Alfredo García
– Sam Peckinpah
1975
Dogs Day Afternoon – Tarde de perros – Sidney Lumet
One Flew Over the Cuckoo’s Nest – Alguien voló sobre el nido del cuco –
Milos Forman
Jeanne Dielman, 23 Quai du Commerce, 1080 Bruxelles – Chantal
Ackerman
The rocky horror picture show – Jim Sharman
Deewaar – La pared – Yash Chopra
Monty Python and the Holy Grail – Los caballeros de la mesa cuadrada y
sus locos seguidores – Terry Gilliam, Terry Jones
Barry Lyndon – Stanley Kubrick
Faustrecht der Freiheit – La ley del más fuerte – Rainer Werner Fassbinder
India song – Canción de La India – Marguerite Duras
Picnic en Hanging Rock – Picnic en Hanging Rock – Peter Weir
Maynila: sa Mga kuko ng liwanag – Lino Brocka
Salò o le centoventi giornate di Sodoma – Salò o los ciento veinte días de
Sodoma – Pier Paolo Pasolini
Nashville – Robert Altman
Cría cuervos – Carlos Saura
O thiassos – El viaje de los comediantes – Theo Angelopoulos
Jaws – Tiburón – Steven Spielberg
1976
The killing of a chinese bookie – John Cassavetes
Carrie – Brian De Palma
The Outlaw Josey Wales – El fuera de la ley – Clint Eastwood
All the President’s Men – Todos los hombres del Presidente – Alan J.
Pakula
Rocky – John G. Avildsen
Taxi Driver – Martin Scorsese
Network – Network, un mundo implacable – Sidney Lumet
Voskhozhdeniye – La ascensión – Larisa Shepitko
Ai no korida – El imperio de los sentidos – Nagisa Oshima
Historia mundial del cine

Novecento – Bernardo Bertolucci
The Man Who Fell to Earth – El hombre que cayó a la tierra – Nicolas Roeg
1977
Star Wars – La guerra de las galaxia – George Lucas
Close Encounters of the Third Kind – Encuentros Cercanos del Tercer Tipo
- Encuentros en la tercera fase – Steven Spielberg
The Last Wave – La última ola – Peter Weir
Annie Hall – Woody Allen
Last chants for a slow dance – Jon Jost
Stroszek – La balada de Bruno S. – Werner Herzog
Czlowiek z marmuru – El hombre de mármol – Andrej Wajda
Saturday Night Fever – Fiebre del sábado noche – John Badham
Killer of sheep – Charles Burnet
Eraserhead – Cabeza borradora – David Lynch
Ceddo – Ousmane Sembene
Der amerikanische Freund – El amigo americano – Wim Wenders
The Hills Have Eyes – Las colinas tienen ojos – Wes Craven
Soldaat van Oranje – Eric, oficial de la reina – Paul Verhoeven
Suspiria – Dario Argento
1978
The chant of Jimmie Blacksmith – Fred Schepisi
Wu du – Cinco venenos mortales – Chang Cheh
L’albero degli zoccoli – El árbol de los zuecos – Ermanno Olmi
The Deer Hunter – El cazador – Michael Cimino
Grease – Vaselina - Brillantina – Randal Kleiser
Days of the Heaven – Días del cielo – Terrence Malick
Zombi – Dawn of the dead – George A. Romero
Shao Lin San Shih Liu Fang – Las 36 cámaras de shaolin – Chia-Liang Liu
Up in Smoke – Como humo se va – Lou Adler, Tommy Chong
Halloween – La noche de Halloween – John Carpenter
1979
Die Ehe der Maria Braun – El matrimonio de María Braun – Rainer Werner
Fassbinder
Real life – Como en la vida real – Albert Brooks
My brilliant career – Gillian Armstrong
Stalker – Andrei Tarkovski
Centro Cinematográfico del Sureste
98
Alien – Alien, el octavo pasajero – Ridley Scott
Breaking away – El relevo – Peter Yates
Die Blechtrommel – El tambor de hojalata – Volker Schlöndorf
Alll that Jazz – Empieza el espectáculo – Bob Fosse
Being there – Bienvenido Míster Chance – Hal Ashby
Kramer vs. Kramer – Kramer contra Kramer – Robert Benton
Life of Brian – La vida de Brian – Terry Jones
Apocalypse Now – Francis Ford Coppola
The jerk – Un loco anda suelto – Carl Reiner
The muppet movie – James Frawley
Manhattan – Woody Allen
Mad Max – Mad Max: salvajes de la autopista – George Miller
1980
Nosferatu, vampiro de la noche (Nosferatu: Phantom der Nacht) – Werner
Herzog
Ordinary People – Gente corriente – Robert Redford
Atlantic City – Louis Malle
Le dernier métro – El último metro – Truffaut
The Shining – El resplandor – Stanley Kubrick
The Empire Strikes – El imperio contraataca – Irvin Kershner
The Elephant Man – El hombre elefante – David Lynch
The Big Red One – Uno Rojo Division de Choque – Samuel Fuller
Loulou – Maurice Pialat
Airplane! – ¿Dónde esta el piloto? - Aterriza como puedas – Jim Abrahams
& al
Raging Bull – Toro salvaje – Martin Scorsese
1981
Raiders of the Lost Ark –Los cazadores del Arca Perdida- En busca del Arca
perdida – Steven Spielberg
Das Boot – El submarino – Wolfgang Petersen
Gallipoli – Peter Weir
Chariots of Fire – Carros de fuego – Hugh Hudson
Body Heat – Fuego en el cuerpo – Lawrence Kasdan
Reds – Rojos – Warren Beatty
An American Werewolf in London – Un hombre-lobo americano en
Londres – John Landis
Historia mundial del cine

Tre fratelli – Tres hermanos – Francesco Rosi
Czlowiek z zelaza – El hombre de hierro – Andrzej Wajda
Zu Frü, zu spät – Danièle Huillet, Jean-Marie Straub
Fast Times at Ridgemont High – Aquel excitante curso – Amy Heckerling
1982
E.T.: The Extra-terrestrial – E.T. El Extraterrestre – Steven Spielberg
The Thing – La Cosa – John Carpenter
Poltergeist – Spielberg
Blade Runner – Ridley Scott
The evil dead – Posesión infernal – Sam Raimi
Tootsie – Sydney Pollack
Yol – El camino – Serif Gören
Diner – Barry Levinson
Fitzcarraldo – Werner Herzog
Gandhi – Richard Attenborough
La notte di San Lorenzo – La noche de San Lorenzo – Paolo Taviani, Vittorio
Taviani
De stilte rond Christine M. – El silencio de Christine M. – Marleen Gorris
Fanny och Alexander – Fanny y Alexander – Ingmar Bergman
1983
A Christmas Story – Historias de Navidad – Bob Clark
El norte – Gregory Nava
Videodrome – David Cronenberg
Return of the Jedi – El retorno del Jedi – Richard Marquand
The Big Chill – Reencuentro – Lawrence Kasdan
Sans Soleil – Chris Marker
Le dernier combat – kamikaze Luc Besson
L’argent – El dinero – Robert Bresson
Utu – Geoff Murphy
Terms of Endearment – La fuerza del cariño – James L. Brooks
De vierde man – El cuarto hombre – Paul Verhoeven
The King of Comedy – El rey de la comedia – Scorsese
The Right Stuff – Los Elegidos - Elegidos para la gloria – Philip Kaufman
Koyaanisqatsi – Godfrey Reggio
Once Upon a Time in America – Érase una vez en América – Sergio Leone
Scarface – El precio del poder – Brian de Palma
Centro Cinematográfico del Sureste
99
Narayama Bushi-Ko – La balada del Narayama – Shohei Imamura
1984
Amadeus – Milos Forman
The Terminator – Terminator – James Cameron
París, Texas – Wim Wenders
A Nigthmare on Elm Street – Pesadilla en la calle del infierno- Pesadilla en
Elm Street – Wes Craven
This is a spinal tap – Rob Reiner
Beverly Hills Cop – Un Detective suelto en Beverly Hills- Superdetective
en Hollywood – Martin Brest
Ghost Busters – Los Cazafantasmas – Ivan Reitman
A Passage to India – Pasaje a la India – David Lean
Stranger Than Paradise – Extraños en el Paraíso – Jim Jarmusch
The Killing Fields – Los gritos del silencio – Roland Joffé
The Natural – El mejor – Barry Levinson
The Breakfast Club – El club de los cinco – John Hughes
1985
Ran – Akira Kurosawa
Idi i smotri – Masacre-ven y mira – Elem Klimov
La historia oficial – Luis Puenzo
Out of Africa – Memorias de África – Sydney Pollack
The Purple Rose of Cairo – La rosa púrpura de El Cairo – Woody Allen
Back to the Future – Volver al Futuro - Regreso al futuro – Robert Zemeckis
Tong Nien Wang Shi – Tiempo de vivir, tiempo de morir – Hsiao-hsien Hou
Brazil – Terry Gilliam
Kiss of the Spider Woman – El beso de la mujer araña – Hector Babenco
The Quiet Earth – El único superviviente – Geoff Murphy
Mishima: A Life in Four Chapters – Mishima – Pauls Schrader
Prizzi’s Honor – El honor de los Prizzi – John Huston
Sans toit ni loi – Sin techo ni ley – Agnès Varda
Shoah – Claude Lanzmann
The Color Purple – El color púrpura – Steven Spielberg
1986
Manhunter – Hunter – Michael Mann
Stand by me – Cuenta conmigo – Rob Reiner
Blue Velvet – Terciopelo azul – David Lynch
Historia mundial del cine

Hannah and her Sisters – Hannah y sus hermanas – Woody Allen
She’s gotta have it – Nola Darling – Spike Lee
Le déclin de l’empire américain – El declive del imperio americano – Denys
Arcand
The Fly – La mosca – David Cronenberg
Aliens – Aliens: el regreso – James Cameron
Ferris Bueller’s Day Off – Todo en un día – John Hughes
Down by law – Bajo el peso de la ley – Jim Jarmusch
A Room with a View – Una habitación con vistas – James Ivory
Children of a Lesser God – Hijos de un dios menor – Randa Haines
Platoon – Oliver Stone
Caravaggio – Derek Jarman
Tampopo – Juzo Itami
Peking Opera Blues – Do ma daan – Tsui Hark
Salvador – Oliver Stone
Top Gun – Pasion y Gloria -Ídolos del aire – Tony Scott
Sherman’s March – Ross McElwee
Dao Ma Zei – El ladrón de caballos – Tian Zhuangzhuang
1987
Yeelen – La luz – Souleymane Cissé
Der Himmel über Berlin – El cielo sobre Berlín – Win Wenders
‘A’ gai waak juk jap – El tesoro de China – Jackie Chan
Babettes gaestebud – El festín de Babette – Gabriel Axel
Raising Arizona – Arizona Baby – Joel Coen
Full Metal Jacket – La chaqueta metálica – Stanley Kubrick
Withnail and I – Withnail y yo – Bruce Robinson
Good morning, Vietnam – Barry Levinson
Au revoir les enfants – Adiós muchachos – Louis Malle
Broadcast News – Al filo de la noticia – James L. Brooks
Housekeeping – Bill Forsyth
La princesa prometida (The Princess Bride) – Rob Reiner
Moonstruck – Hechizo de luna – Norman Jewison
The Untouchables – Los intocables de Eliot Ness – Brian de Palma
Hong gao liang – Sorgo rojo – Zhang Yimou
The dead – Dublineses – John Huston
Fatal Atraction – Atracción fatal – Adrian Lyne
Sinnui yauman – Una historia china de fantasmas – Siu-Tung Ching
Centro Cinematográfico del Sureste
100
Mujeres al borde un ataque de nervios – Almodóvar
1988
Spoorloos – Desaparecida – George Sluizer
Bull Durham – Los búfalos de Durham – Ron Shelton
Ariel – Aki Kaurismäki
The thin blue line – Errol Morris
Akira – Katsuhiro Otomo
Nuovo cinema paradiso – Cinema Paradiso – Giuseppe Tornatore
Hotel Terminus: Klaus Barbie et son temps – Marcel Ophüls
A fish called Wanda – Un pez llamado Wanda – Charles Crichton
The Naked Gun – Agárralo como puedas – David Zucker
Big – Quisiera ser grande – Penny Marshall
Dangerous liaisons – Las amistades peligrosas – Stephen Frears
Hotaru no haka – La tumba de las luciérnagas – Isao Takahata
Topio stin omichli – Paisaje en la niebla – Theo Angelopoulos
Dekalog, Jeden – Krzysztof Kieslowski
Die Hard – La jungla de cristal – John McTiernan
Une historie de vent – Joris Ivens
Who Framed Roger Rabbit – ¿Quién engañó a Roger Rabbit? – Robert
Zemeckis
Rain man – Barry Levinson
Une affaire de femmes – Asunto de mujeres – Claude Chabrol
Drowing by numbers – Conspiración de mujeres – Peter Greenaway
Neko Z Alenky – Alice – Jan Svankmajer
Batman – Tim Burton
1989
When Harry met Sally – Cuando Harry encontró a Sally – Rob Reiner
Crimes and Misdemeanors – Delitos y faltas – Woody Allen
The Cook, the Thief, his Wife & her Lover – El cocinero, el ladrón, su mujer
y su amante – Peter Greenaway
Drugstore Cowboy – Gus Van Sant
My Left Food – Mi pie izquierdo – Jim Sheridan
Dip Huet seung hung – El asesino- John Woo
Do the Right Thing – Haz lo que debas – Spike Lee
Roger and me – Michael Moore
Glory – Tiempos de gloria – Edward Zwick
Historia mundial del cine

Astenicheskij Sindrom – Síndrome de abstinencia – Kira Muratova
Sex, Lies and Videotape – Sexo, mentiras y cintas de vídeo – Steven
Soderbergh
Say Anything – Un gran amor… – Cameron Crowe
The Unbelievable Truth – La increíble verdad – Hal Hartley
Beiqing Chengshi – Ciudad de la tristeza – Hsiao-hsien Hou
1990
S’en fout la mort – Claire denis
Reversal of Fortune – El misterio von Bülow – Barbet Schroeder
Goodfellas – Uno de los nuestros – Martin Scorsese
Jacob’s Ladder – La escalera de Jacob – Adrian Lyne
King of New York – El rey de Nueva York – Abel Ferrara
Dances with Wolves – Bailando con lobos – Kevin Costner
Europa, Europa – Hitlerjunge Salomon
Pretty woman – Garry Marshall
Archangel – Guy Maddin
Trust – Confía en mí – Hal Hartley
Nema-ye nazdik – Primer plano – Abbas Kiarostami
Edward Scissorhands – Eduardo Manostijeras – Tim Burton
Henry: Portrait of a Killer – Henry: Retrato de un asesino – John
McNaughton
Total Recall – Desafío total – Paul Verhoeven
1991
Wong Fei-Hung – Wong en América – Hark Tsui
Boyz’n the Hood – Los chicos del barrio – John Singleton
Da hong deng long gao gao gua – La linterna roja – Zhang Yimou
Delicatessen – Mar Caro, Jean-Pierre Jeunet
Guling Jie Shaonian sha ren shijian – Una radiante mañana estival –
Edward Yang
Naked Lunch – El almuerzo desnudo – David Cronenberg
La belle noiseuse – La bella mentirosa – Jacques Rivette
The Rapture – El despertar de Sharon – Michael Tolkin
My own private Idaho – Mi Idaho privado – Gus van Sant
Thelma and Louise – Thelma y Louise – Ridley Scott
Terminator 2: Judgment Day – Terminator 2: El día del juicio – James
Cameron
Centro Cinematográfico del Sureste
101
The Silence of the Lambs – El silencio de los corderos – Jonathan Demme
JFK – Jfk, caso abierto – Oliver Stone
Slacker – Richard Linklater
Tongues Untied – Lenguas desatadas – Marlon Riggs
Hearts of darkness: a filmmaker’s apocalypse – Fax Bahr/Eleanor Coppola
La double vie de Véronique – La doble vida de Verónica – Krzysztof
Kieslowski
1992
Strictly ballroom – Baz Luhrmann
The Player – El juego de Hollywood – Robert Altman
Reservoir dogs – Quentin Tarantino
Romper stomper – Geoffrey Wright
Glengarry glen ross – Éxito a cualquier precio – James Foley
Unforgiven – Sin perdón – Clint Eastwood
Aileen wuornos: the selling of a killer – Nick Broomfield
Conte d’hiver – Cuento de invierno – Eric Rohmer
Yuen Ling-Yuk – La actriz – Stanley Kwan
C’est arrivé près de chez vous – Ocurrió cerca de su casa – R.Belvaux
The Crying Game – Juego de lágrimas – Neil Jordan
1993
Be wang bie ji – Adiós a mi concubina – Kaige Chen
Groundhog Day – Atrapado en el tiempo – Harold Ramis
Thirty two short films about Glenn Gould – François Girard
Short cuts – Vidas cruzadas – Robert Altman
Philadelphia – Jonathan Demme
Hsimeng Jensheng – El maestro de marionetas – Hou Hsiao-Hsien
Jurassic Park – Parque jurásico – Steven Spielberg
Trois couleurs: Bleu – Tres colores: Azul – Krzysztof Kieslowski
The Piano – El piano – Jane Campion
Lang feng zheng – La cometa azul – Tian Zhuangzhuang
Hsi Yen – El banquete de boda – Ang Lee
Schindler’s List – La lista de Schindler – Steven Spielberg
1994
The Adventures of Priscilla, Queen of the Desert – Las aventuras de
Priscilla, reina del desierto – Stephan Elliott
Trois couleurs: Rouge – Tres colores: Rojo – Krzysztof Kieslowski
Historia mundial del cine
 102

Hoop dreams – Steve James 1996

Forrest Gump – Robert Zemeckis Fargo – Joel Coen
The Lion King – El rey León – Roger Allers/ Rob Minkoff Trois vies et une seule mort – Tres vidas y una sola muerte – Raúl Ruiz
Clerks – Kevin Smith Shine – Scott Hicks
Four Weddings and a Funeral – Cuatro bodas y un funeral – Mike Newell Breaking the Waves – Rompiendo las olas – Lars von Trier
Natural Born Killers – Asesinos natos – Oliver Stone Independence day – Roland Emmerich
The Last Seduction – La última seducción – John Dahl Secrets and lies – Secretos y mentiras – Mike Leigh
Pulp Fiction – Quentin Tarantino Gabbeh – Mohsen Makhmalbaf
The Shawshank Redemption – Cadena perpetua – Frank Darabont Lone star – John Sayles
The roseaux sauvages – Los juncos salvajes – Andrè Téchiné Trainspotting – Danny Boyle
Chung Hing sam lam – Chungking express – Kar-wai Wong Scream – Scream, vigila quién llama – Wes Craven
Crumb – Terry Zwigoff The English Patient – El paciente inglés – Anthnony Minguella
Sátántangó – Béla Tarr
1997
Zire Darakhatan Zeyton – A través de los olivos – Abbas Kiarostami
Happy together – Wong Kar-Wai
Heavenly Creatures – Criaturas celestiales – Peter Jackson
Mononoke Hime – La princesa Mononoke – Hayao Miyazaki
Caro diario – Nanni Moretti
L.A. confidential – Curtis Hanson
Muriel’s Wedding – La boda de Muriel – P.J. Hogan
The Butcher Boy – Contracorriente – Neil Jordan
Riget – El reino – Morten Arnfred, Lars von Trier
The Ice Storm – La tormenta de hielo – Ang Lee
1995 Boogie nights – Paul Thomas Anderson
Babe – Babe, el cerdito valiente – Chris Noonan Deconstructing Harry – Desmontando a Harry – Woody Allen
Deseret – James Benning The Sweet Hereafter – Dulce porvenir – Atom Egoyan
Braveheart – Mel Gibson Funny games – Michael Haneke
Safe – Todd Haynes Ta’m e Guilass – El sabor de las cerezas – Abbas Kiarostami
Toy Story – John Lasseter Abre los ojos – Alejandro Amenábar
Casino – Martin Scorsese Mat i Syn – Madre e hijo – Aleksandr Sokurov
Heat – Michael Mann Titanic – James Cameron
Kjaerlighetens kjotere – Zero Kelvin – Hans Petter Moland
1998
Clueless – Sin pistas / Fuera de onda – Amy Heckerling
The Big Lebowski – El gran Lebowski – Joel Coen
Smoke – Wayne Wang/Paul Auster
Festen – Celebración – Thomas Vinterberg
Badkonake sefid – El globo blanco – Jafar Panahi
Saving Private Ryan – Salvar al soldado Ryan – Steven Spielberg
Seven – David Fincher
Buffalo 66 – Vincent Gallo
Underground – Emir Kusturica
Rushmore – Wes Anderson
Dilwale dulhaniya le jayenge – El corazón amoroso se queda con la novia
Lola rennt – Corre, Lola, corre – Tom Tykwer
– Aditya Chopra
Idioterne – Los idiotas – Lars von Trier
Xich Lo – Triciclo – Ahn-Hung Tran
Pi – Pi, fe en el caos – Darren Aronofski
The Usual Suspects – Sospechosos habituales – Bryan Singer
Happiness – Todd Solondz
Dead man – Jim Jarmusch
Centro Cinematográfico del Sureste Historia mundial del cine
 103

The Thin Red Line – La delgada línea roja – Terrence Malick Y tu mamá también – Alfonso Cuarón
There’s something about Mary – Algo pasa con Mary – Bobby & Peter No Man’s Land – En tierra de nadie – Danis Tanovic
Farrelli Sen to Chihiro no kamikakushi – El viaje de Chihiro – Hayao Miyazaki
Sombre – Philippe Grandieux La pianiste – La pianista – Michael Haneke
Ringu – The Ring – Hideo Nakata Monsoon Wedding – La boda del monzón – Mira Nair
1999 The Royal Tenenbaums – Los Tenenbaum, una familia de genios – Wes
Gohatto – Tabú – Nagisa Oshima Anderson
Magnolia – Paul Thomas Anderson 2002
Beau travail – Claire Denis Ônibus 174 – Jose Padilha, Felipe Lacerda
The Blair Witch Project – El proyecto de la bruja de Blair – Daniel Myrick The Pianist – El pianista – Roman Polanski
Three Kings – Tres reyes – David O. Russell 2003
Rosetta – Jean-Pierre & Luc Dardenne Oldeuboi – Oldboy – Chan-wook Park
Todo sobre mi madre – Pedro Almodóvar LOTR, Return of the King – ESDLA, El retorno del rey – Peter Jackson
Les temps retrouvé – El tiempo recobrado – Raúl Ruiz Good bye Lenin! – Wolfgang Becker
Fight Club – El club de la lucha – David Fincher Lost in Translation – Sofia Coppola
Being John Malkovich – Cómo ser John Malkovich – Spike Jonze La meglio gioventù – La mejor juventud – Marco Tullio Giordana
American beauty – Sam Mendes
2004
Matrix – Andy & Larry Wachowski
Crash – Paul Haggis
El sexto sentido – M.Night Shyamalan
Der Untergang – El hundimiento – Oliver Hirschbiegel
2000 Sideways – Entre copas – Alexander Payne
Fahrenheit 9/11- Michael Moore
Les glaneurs et la glaneuse – Los espigadores y la espigadora – Agnès Varda
2005
Gladiator – Ridley Scott
Va, vis et deviens – Vete y vive – Radu Mihailean
Fa yeung nin wa – Deseando amar – Kar-wai Wong
Paradise now – Hany Abu-Assad
Nueve Reinas – Fabián Bielinski
En terreno vedado (Brokeback Mountain) - Ang Lee (Película basada en el
Yi Yi – Edward Yang
cuento de la escritora Annie Proulx).
Requiem for a dream- Réquiem por un sueño – Darren Aronofski
Tsotsi - Gavin Hood (Película basada en la Novela del escritor Athol
Amores perros – Alejandro González Iñárritu
Fugard).
Meet the Parents – Los padres de ella – Jay Roach
El jardinero fiel (The Constant Gardener) - Fernando Meirelles (Película
Traffic – Steven Soderbergh
basada en la Novela del escritor John Le Carré).
Wo hu cang long – Tigre y dragón – Ang Lee
Memento – Christopher Nolan 2006
Dancer in the dark – Bailar en la oscuridad – Lars von Trier
2001 Little Miss Sunshine - Pequeña Miss Sunshine - Jonathan Dayton
The Prestige -El truco final, el Prestigio - Christopher Nolan
Le fabuleux destin d’Amélie Poulain – Amélie – Jean-Pierre Jeunet
Das Leben der Anderen- La vida de los otros - Florian Henckel
Moulin Rouge! – Baz Luhrmann
Centro Cinematográfico del Sureste Historia mundial del cine
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United 93- Vuelo 93 - Paul Greengrass Gravity - Gravedad- Alfonso Cuarón

Hijos de los hombres -Children of Men - Alfonso Cuarón La vida de Adèle -Abdellatif Kechiche
El laberinto del fauno - Pan’s Labyrinth - Guillermo del Toro 2014
The Last King of Scotland - El último rey de Escocia - Kevin Macdonald Boyhood -Richard Linklater
Borat - Larry Charles Birdman o (la inesperada virtud de la ignorancia) -Alejandro G. Iñárritu
Babel - Alejandro González Iñárritu El Gran Hotel Budapest -Wes Anderson
The Queen – La Reina - Stephen Frears
2015
Apocalypto - Mel Gibso
Star Wars: Episodio VII - El despertar de la Fuerza -J. J. Abrams
Infiltrados (The Departed) - Martin Scorsese
El renacido -Alejandro G. Iñárritu
Volver - Pedro Almodóvar
El hijo de Saúl -László Nemes
La vida de los otros Florian Henckel von Donnersmarck
Spotlight -Tom McCarthy
2007 Tangerine -Sean Baker
Paranormal Activity Oren Peli Mad Max: Fury Road -George Miller
There Will Be Blood Paul Thomas Anderson Victoria Sebastian Schipper
2008 2016
The Hurt Locker Kathryn Bigelow La La Land Damien Chazelle
The Dark Knight Christopher Nolan Hell or High Water David Mackenzie
Låt den rätte komma in Tomas Alfredson El libro de la selva Jon Favreau
2009 Jackie Pablo Larraín
District 9 -Neill Blomkamp Toni Erdmann Maren Ade
Avatar -James Cameron Under the Shadow Babak Anvari
2010 Manchester by the Sea Kenneth Lonergan
Toy Story 3 -Lee Unkrich 13th Ava DuVernay
Inception -Christopher Nolan I, Daniel Blake Ken Loach
Nostalgia de la luz -Patricio Guzmán La llegada Denis Villeneuve
The social network -David Fincher Moonlight Barry Jenkins
2011
The Artist -Michel Hazanavicius
2012
The Cabin in the Woods -Drew Goddard
Lincoln- Steven Spielberg
Wadjda -Haifaa al-Mansour
2013
12 años de esclavitud -Steve McQueen
La gran belleza- Paolo Sorrentino
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