5 Texto Básico HMC Tomo Uno MAD 2019 Corte

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Texto básico
Historia Mundial
Del Cine
(2020)
TOMO I
Recopilación de textos e investigación adicional
Por: Marco A Domínguez de Dios
Centro Cinematográfico del Sureste Historia mundial del cine

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Géneros por estilo o tono
 Acción
 Aventura
Esquema de contenidos  Catástrofe
 Ciencia Ficción
 Comedia
o Precedentes
 Documentales
o Nacimiento del cine
 Drama
o Consolidación de un lenguaje
o El cine europeo de los 20  Fantasía
o El cine estadounidense de los 20  Musicales
o Consolidación del sonido  Suspenso
o La autocensura (El código Hays)  Terror
o Grandes estudios de EE.UU.  Pornográfico
o El cine europeo de los 30 y 40
o El cine estadounidense de los 40 y 50 Géneros por Audiencia
o El cine latinoamericano
o El cine europeo de los 50 y 60  AA Infantiles
o El cine japonés
 Familiares
o El cine estadounidense de los 60
 Juveniles
o El cine europeo contemporáneo
 Adultos
o El cine estadounidense contemporáneo
Géneros por Formato

Los Géneros Cinematográficos
 Animadas
Las 14 narattivas clásicas  Imágenes Reales
 Cine Mudo
 1 Documental  Cine Sonoro
 2 Biográfico  Cine 2D
 3 Histórico  Cine 3D
 4 Musical  Cine IMAX
 5 Comedia
 6 Infantil Géneros por Ambientación
 7 Western
 8 Aventura y acción
 Bélicas
 9 Bélico
 Contemporáneas
 10 Ciencia ficción
 Crimen
 11 Drama
 Deportivas
 12 Suspenso
 Gangsters
 13 Terror / horror
 Históricas
 14 Porno-erótico
 Policiacas
 Western
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 Religioso Diccionario técnico (Glosario)

 Épicas
 Futuristas FILMOGRAFIA (Mencionada y/o Recomendada
Otros Sub-Géneros Cinematográficos
 Cine Arte
 Cine de Autor
 Cine Independiente
 Cine de Culto
 Cine Alternativo
 Cine de Samuráis
 Cine Costumbrista
 Cine Experimental
 Cine de Artes Marciales
 Cine de Anime Introducción
 Cine Gore o Splatter
 Cine Slasher Los pasos que ha dado el cine a lo largo de más de un siglo de existencia confirman un
 Cine Político trayecto histórico plagado de realidades que, en forma de películas, han consolidado una
 Cine Propagandístico estructura creativa e industrial que ha permitido superar los problemas que han surgido al cabo
 Cine Surrealista de los años. En su evolución el cine ha consolidado un lenguaje, ha definido trayectos artísticos,
 Cine Clase B modelos empresariales que han favorecido el surgimiento de carreras artísticas de todo tipo,
 Cine Clase Z construidas sobre modelos y representaciones que, en muchos casos, han trascendido su propio
 Melodrama ámbito cinematográfico. En el camino, el cine se vio marcado por todo tipo de vanguardias
 Cine Snuff artísticas, movimientos culturales, circunstancias políticas y conflictos bélicos.
 Cine Spoof
 Cine de Zombies
 Cine Giallo
 Spaghetti Western
 Cine Negro
Escuelas y corrientes cinematográficas
o Surrealismo
o Expresionismo
o Neorrealismo
o Cinéma Vérité
o Nouvelle Vague
o Cinema Nôvo
o Free Cinema
o Vanguardia estadounidense
o Dogma 95

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Precedentes
El Cinematógrafo se presenta en sociedad en los últimos años del siglo XIX. Este nuevo
invento, surge a partir de la convergencia de una serie de progresos científicos que arrancan
desde siglos atrás, a partir de aportaciones habidas en el campo de la Física y la Química, de la
óptica y de las cámaras, y mejoras en terrenos como la proyección de las imágenes, tanto de
aquellas que pueden ser fijas —la fotografía- como de las que, por aplicación de ciertos
mecanismos, consiguen dar sensación de movimiento.
Desde la teoría de la visión, impulsada por Johannes Kleper en 1602, hasta los inicios
de la industria óptica, que consolida Joseph Fraunhofer en 1807, se confirma la posibilidad de
uso de la cámara oscura que ya había anticipado Leonardo da Vinci, aunque se atribuya a
Giambattista della Porta la invención de dicho mecanismo. Estos estudiosos e inventores
La primera fotografía en la que apareció un ser humano fue tomada por Louis Daguerre a finales
pusieron los cimientos para el desarrollo de las cámaras fotográficas que impulsarían hombres de 1838 o principios de 1839. La imagen se titulaBoulevard du Temple y en ella sale un hombre
como Friedrich Voigtländer en 1841, Thomas Lutton —el inventor de la cámara réflex- en 1860 en la esquina inferior izquierda que se está limpiando las botas.
y George W. Eastman, quien en 1888 presentó en sociedad la famosa cámara Kodak.
James Clerk Maxwell, en el año 1861 obtiene la primera instantánea a color la cual
Vista desde la ventana en Le Gras.- La cour du domaine du Gras- La más antigua retrata un humilde lazo de tela:
fotografía (conservada) creada tras 8 horas de exposición por Nicéphore Niépce en 1826.
La fotografía hacia finales del siglo XIX se socializó de tal manera que muchos
ciudadanos en todo el mundo podían disponer de una cámara. Y la fotografía fue el soporte
que animó a otros inventores en pensar en cómo se podía obtener una imagen en movimiento.
El nacimiento de la fotografía se sitúa en 1839, cuando Joseph N. Niepce obtuvo, tras
una larga exposición, obtener una sombra. Fue un avance que para el hombre de la calle pasó
Desde finales del siglo XVIII ya se proyectan imágenes fijas que se intentan animar
desapercibido, pero no para aquellos científicos, empresarios e intelectuales que se dieron
mediante procedimientos como la linterna mágica -que había sido inventada por Athanasius
cuenta que algo estaba pasando en el mundo de la obtención de imágenes. En apenas unos
Kircher- y otros artilugios llamados Phantascopio (Etienne Robertson en 1799), Praxinoscopio
años, este nuevo procedimiento enfrentó a pintores y fotógrafos, entendiendo los primeros (Emile Reynaud en 1880) o Zoopraxiscopio (Eadweard Muybridge en 1881).
que la fotografía iba a acabar con su trabajo.

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Una serie de fotos en movimiento hechas por Eadweard Muybridge entre 1872 y 1877,
como parte de una petición del gobernador de California, Leland Stanford, de capturar en
película el movimiento de un caballo de carrera; así fue que unió una serie de cables a lo largo
del recorrido de la pista y conectó cada uno al disparador de una cámara fija. El caballo,
mientras corría, jaló los cables y logró una serie de fotos, que posteriormente el fotógrafo montó
en un disco estroboscópico y proyectó con una linterna mágica para reproducir la imagen del
caballo en movimiento.
Zoopraxiscopio Eadweard Muybridge
Eadweard Muybridge, seudónimo de Edward James Muggeridge (Kingston upon

Thames, 9 de abril de 1830 - ibídem, 8 de mayo de 1904) fue un fotógrafo e investigador
británico. Cambió su nombre cuando emigró a los Estados Unidos en 1851. Sus experimentos
sobre la cronofotografía sirvieron de base para el posterior invento del cinematógrafo.

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Étienne Jules Marey (Beaune,

Francia, 5 de marzo de 1830 – París, Francia,
21 de mayo de 1904) Fue un reconocido
médico dedicado a la investigación y a la
fotografía. Gracias a él y a su trabajo se
produjeron grandes avances en la ciencia y de
la imagen. La técnica que utilizó para sus
investigaciones fue la llamada
cronofotografía técnica que consiste en
registrar sobre papel o negativo lo que actúa
sobre los sujetos que están en movimiento. Estas ilusiones ópticas dieron paso a otras generadas por sistemas mecánicos como el
revólver fotográfico que utilizó Jules Jansen en 1874, o el fusil fotográfico que aplicó Etienne
Jules Marey en 1882.
Aves por Eadweard Muybridge
Marey quedó admirado por los resultados que Muybridge había conseguido pero Aves por Étienne Jules Marey
insatisfecho por la falta de precisión en las imágenes de pájaros. En 1882, perfeccionó la
'escopeta fotográfica', inspirada por el “revólver fotográfico” inventado en 1874 por el
astrónomo Jules Janssen, y capaz de tomar doce exposiciones en un segundo.

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Marey abandonó rápidamente su escopeta y en 1882 inventó una cámara de placa

fija cronomatográfica equipada con un obturador de tiempo. Utilizándola, tuvo éxito al
combinar en una placa varias imágenes sucesivas en un simple movimiento.
Estas y otras muchas investigaciones buscaron el otorgar movilidad a la imagen

fotográfica. Ayudó a alcanzar este objetivo la comercialización del rollo de película (celuloide)
comercializado por los hermanos Hyatt en 1868 y que desarrolló plenamente, George W.
Eastman cuando son mostradas al público en diversos países, las primeras imágenes en
movimiento.
El Cinematógrafo —el Cine- llegó a ser una realidad cuando todos los procedimientos
y sistemas de captación y fijación de imágenes permitieron alcanzar la mayoría de edad
necesaria para ser presentado al público como un nuevo espectáculo.

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Nacimiento del cine

Antes de dar a conocer el Cinematógrafo, en diversos países de Estados Unidos y
Europa varios inventores están trabajando en varios sistemas que tenían un objetivo común: el
visionado y proyección de imágenes en movimiento. Entre 1890 y 1895, son numerosas las
patentes que se registran con el fin de ofrecer al público las primeras "tomas de vistas" “Newark Athlete” (mayo o junio de 1891)
animadas. Entre los pioneros se encuentran los alemanes Max y Emil Skladanowski, los
estadounidenses Charles F. Jenkins, Thomas Armat y Thomas Alva Edison, y los franceses
hermanos Lumière.
¿Lo Sabías?
Dickson y William Heise, su ayudante, elaboraron sus primeras piezas kinetoscópicas
de entre 20 y 40 segundos en el primer estudio de cine, el Black Maria, y Fred Ott’s Sneeze [1894]
fue la primera película cómica de la historia. Las imágenes del forzudo Eugene Sandow, la
bailarina Annabelle Moore y los tiradores Annie Oakley y Buffalo Bill Cody vincularon la imagen
en movimiento a otras formas de entretenimiento popular.
“Fred ott's sneeze “El estornudo ,con tan solo 5 egundos de duracióN fue filmada
entre el 2 y 7 de enero de 1904 y guarda el record de haber Sido la primera pelicula con registro
de exhibición en los Estados Unidos el dia 9 de ese mismo mes.
El Black Maria o Kinetographic Theater en New Jersey estudio fotográfico que se

covertirira en el primer set de filmación

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“Carmencita “ rodada entre el 10 y 16 de marzo de 1894, año en que las

objeciones del senador James A. Bradley ante la visión de las medias y los tobillos de
la bailarina llevaron a la primera censura de la historia del cine.
Según el historiador de cine, Charles Musser, la bailadora Española

Carmencita (Carmencita) fue la primera mujer en aparecer en una película en los
Estados Unidos.
Los boxeadores Michael Leonard y Jack Cushing (filmada en junio de 1894

primer combate profesional filmado y quizás la primera película deportiva de la
historia
“Sandow” (El Hércules moderno, mayo 18 de 1894).
Bufalo Dance 24 de septiembre de 1894
“Boxing Cats” / Gatitos boxeando ( julio 1894)

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Annie Oakley ( 1 de noviembre de 1894)
Annabelle Serpentine Dance de 1895 fue una sensacion entre el publico al presentar
versiones coloreadas a mano de esta singular danza presentada por la bailarina norteamericana
Annabelle Moore la cual actuara para Edison INC en cuando menos 9 ocasiones entre 1894 y
1897 incluidas varios remakes de las mismas en estos 4 años
Annabelle Butterfly Dance (1894)
Annabelle Serpentine Dance de 1895 fue una sensacion entre el publico al presentar
versiones coloreadas a mano de esta singular danza presentada por la bailarina norteamericana
Annabelle Moore la cual actuara para Edison INC en cuando menos 9 ocasiones entre 1894 y
1897 incluidas varios remakes de las mismas en estos 4 años

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“The Kiss” (tambien conocida como “The May Irwin Kiss”, “The Rice-Irwin Kiss and
The Widow Jones” El beso con 18 segundos de duración realizada en abril de 1896 y es
considerada la primera película romantica filmada de la historia, sus protagonistas May Irwin
and John Rice , recrean la escena final de la obra teatral de Broadway“ The Widow Jones” (la
viuda Jones) .
La actriz canadiense, May Irwin, que luego se convirtió en millonaria, adorada por el
público aparecera en varias películas después de su debut en el cine. Esta escena de tan solo
unos segundos se repitió 3 veces para hacer este cortometraje. Fue a solicitud de un periódico
de Nueva York que Edison acepta filmar éste largo beso polémico.
Cuando se presentó esta película, produjo un escándalo entre el clero y algunos

críticos de prensa. Pero ello no impidió que fuera la película más popular de 1896.
Fatima's Coochee-Coochee Dance (1896). La película muestra a la bailarina Fatima

mientras ella baila. Esta cinta fue censurada a partir de 0:32 debido a los "movimientos de
cadera más escandalosos del siglo XIX ". La censura fue una concesión a los propietarios de las
casas de kinetoscopio porque no se negarían a mostrar la película por temor a las redadas de
quienes se llamaban a sí mismos los guardias de la aplicación moral.

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Edison también grabó acontecimientos deportivos, lo mismo que sus rivales. Un

combate de boxeo organizado por la familia Latham propició la invención del bucle de
Latham, truco mecanico que permitió que las películas fueran más largas.
Los Latham también redactaron el primer «contrato de estrella» cuando llegaron a un

acuerdo en exclusiva con el boxeador de la categoría de los pesos pesados
«Gentleman Jim» Corbett en 1894,
Seminary Girls - Pillow Fight Scene (1897) | James H. White | Thomas Edison
Acerca del Kinetoscopio de Edison fue en abril de 1894 que los hermanos Holland
abrieron el primer salón de kinetoscopio en el número 1155 de Broadway, en Nueva York.en el
los clientes pagaban 25 centavos por ver 5 piezas con una duración e 20 a 40 segundos en la
mayoría de los aparatos el visionado de las imágenes sólo se podía hacer de manera individual.
“Gordon Sisters – two lady boxing” ( 21 de abril de 1901)

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Traducción:
EL CINEMATOGRAFO
Salon indien du Grand Café
14 del Boulevard des Capucines
de París,
Este aparato, inventado por MM. Auguste y Louis
Lumière, permite recoger, por series de pruebas
instantáneas, todos los movimientos que, durante
El día en que una máquina empezó a imprimir la vida un tiempo dado, se sucedieron delante del
objetivo, y de reproducir luego estos movimientos
proyectando, tamaño natural, delante de una
"Este aparato inventado por MM. Auguste y Louis Lumière, permite recoger, en serie sala entera, sus imagenes sobre una pantalla.
de pruebas instantáneas, todos los movimientos que, durante cierto tiempo, se suceden
ante el objetivo, y reproducir a continuación estos movimientos proyectando, a tamaño TEMAS DE ACTUALIDAD
natural, sus imágenes sobre la pantalla y ante sala entera".
1. La Sortie de l’Usine LUMIÈRE à
Los hermanos Lumière pegaron el extravagante cartel en la vidriera del Grand Café,
Lyon (La salida de la Fábrica
en el número 14 del Boulevard des Capucines, a orillas del Sena. Luego de varios
ensayos exitosos había decidido presentar su invento en París. El fotógrafo Clément LUMIÈRE en Lyon)
Maurice, amigo de Auguste, se había encargado de buscar el lugar idóneo: un saloncito 2. La Voltige (La acrobacia)
en el sótano del café, denominado Salon Indien y que hasta poco antes se utilizaba 3. La Pêche aux poissons rouges (La
como sala de billar. El lugar era pequeño, lo que escondía algunas ventajas: un fracaso
pasaría inadvertido, mientras que un éxito generaría amontonamiento de gente en las pesca de los peces rojos)
calles. 4. Le Débarquement du Congrès de
Programa de pryección que hicieron los
Hermanos Lumière presentando el
Photographie à Lyon (El desembarco
La negociación con el dueño, un italiano de apellido Volpini, no había sido sencilla. del Congreso de Fotografía en Lyon)
Le ofrecieron el 20 por ciento de la recaudación, pero el tano, con poca confianza en el cinematógrafo. En la imagen se pueden ver
nuevo invento, no arregló hasta conseguir un contrato por un año a 30 francos diarios. los diez títulos de igual número de cortos 5. Les forgerons (Los fraguadores)
presentados. 6. Le Jardinier “L'Arroseur arrosé”
Los Lumière decidieron hacer la presentación el 28 de diciembre. La entrada costaría Recientes descubrimientos y polémicos (El jardinero “El regador regado”)
un franco y las exhibiciones serían cada media hora. Distribuyeron invitaciones entre debartes se han desatado por todo el mundo
algunas personas en cuya asistencia estaban especialmente interesados: entre otros,
7. Le repas (La comida)
debido a que de resultar autentica esta
el director del Museo Grévin, M. Thomas; el director del Folies Bergère, M. Lallemand; 8. Le Saut à la couverture (El salto a
invaluable pieza como el programa
y el director del teatro Robert Houdin, George Méliès. correspondiente a las primeras funciones - la manta)
incluyendo la inaugural del 28 de diciembre de 9. La Place des Cordeliers à Lyon (La
1895- , todo lo escrito hasta entonces acerca Place des Cordeliers en Lyon)
de los espectadores y sus reacciones ante este 10. La mer (El mar)
nuevo invento resulta erróneo, la polémica
inicia con el orden de las cintas
en forma inversa y la multicitada “D L’arrivée
toda vez que no se citan dos memorables d’un train à La Ciotat “ (La llegada de un tren a
cortos “Démolition d'un mur” (Demolición de la estación de La Ciotat) ambos recientemente
un muro) a la cual se le refiere como el primer catalogados de manera como realizados en
truco de proyección al ser reproducido al final 1896

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A pesar de todos los preparativos la convocatoria fue más bien modesta. Muchos de
los invitados no asistieron, y la mayoría de los transeúntes que leían el cartel seguían
su camino, indiferentes. Apenas algunos curiosos con media hora para perder bajaron
hasta el Salon Indien. La recaudación fue de 35 francos, lo que apenas alcanzaba a
cubrir el alquiler del local.
En medio de un escepticismo generalizado, se apagaron las luces. Un débil haz de

luz surgió del fondo y se extendió hasta la pantalla blanca. Apareció entonces la plaza
Bellecour, de Lyon, con la gente y los carruajes en movimiento. El descreimiento se
transformó en asombro: ante sus ojos se exhibía un espectáculo jamás visto.
"Una de mis vecinas estaba tan hechizada, que se levantó de un salto y no volvió a
sentarse hasta que el coche, desviándose, desapareció", recordó el periodista Henri de
Parville. "Los que decidieron entrar salían un tanto estupefactos. Y muchos volvían
llevando consigo a todas las personas conocidas que habían encontrado en el
bulevard", contó Volpini.
Fue la primera proyección pública de la historia, y dio nacimiento a lo que conocemos 1.- La Sortie de l’Usine LUMIÈRE à Lyon (La salida de la Fábrica
como cine. Así surgió en 1895, la "máquina de imprimir la vida", como la llamaría años LUMIÈRE en Lyon)
después Marcel L'Herbier. El cinematógrafo (cinématographe, en su idioma original) de
los Lumière, una cajita de unos 20 centímetros por lado y 12 de profundidad, permitía
tomar imágenes, proyectarlas y hasta copiarlas. Funcionaba con una película de 35
milímetros, al igual que el competidor kinetoscopio de Edison, pero tenía varias
ventajas: corría a 16 fotogramas por segundo (frente a los 48 del invento
estadounidense), lo que permitía un menor gasto de cinta, y no pesaba más que una 2.- La Voltige (La
cámara fotográfica con su trípode. De hecho, el paso de los años demostró que el
aparato aún sigue siendo útil: en 1995, a propósito del centenario del cine, cuarenta acrobacia)
directores de renombre realizaron cortometrajes con esta modesta máquina, reunidos
en Lumière y compañía (Lumière et compagnie).
Diez rollos de 17 metros conformaban los primeros programas presentados por los
Lumière. Eran películas breves e inocentes; mostraban escenas cotidianas que los
espectadores habían visto una y mil veces. Y sin embargo generaban fascinación. Al
día siguiente de aquella primera exhibición los periódicos se deshicieron en elogios, e
incluso algún cronista alucinado destacó la autenticidad de los "colores" de las
imágenes.
Aunque vulgares, aquellos primeros films son un retrato de la época, de una Europa
que vivía la era industrial. Salida de los obreros de la fábrica Lumière (La sortie des
usines Lumière) tiene una alta significación histórica y social: el Manifiesto Comunista
aún estaba fresco y en 1895 se había fundado en Francia la Confederación General
del Trabajo. El cine, tal vez de manera involuntaria, lo refleja al colocar a los obreros
como protagonistas de la cinta.

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3.- La Pêche aux

poissons rouges (La
pesca de los peces
rojos)
Le Jardinier “L'Arroseur arrosé” (El jardinero-“El regador regado” intitulado inicialmente Le

La Pêche aux poisson jardinier et le petit espiègle, de 49 segundos de duración presenta a Jean François Clerc –
jardinero real de los hermanos Lumière- como el primer actor contratado expresamente para
hacer una película.
4.- Le Débarquement
du Congrès de ¿Lo Sabias?
Photographie à Lyon
Tras el éxito de público, los Lumière encargaron al ingeniero Jules Carpentier fabricar
(El desembarco del un gran número de cámaras, nombraron a agentes de la empresa en las principales capitales
Congreso de de Europa y América, y formaron a jóvenes operadores dispuestos a viajar por los cinco
Fotografía en Lyon) continentes para rodar escenas de los pueblos locales. La selección de personal resultó fácil y
barata: entrevistaron a los recién licenciados de las facultades y escuelas técnicas de Lyon más
capaces para el oficio y les impartieron un curso acelerado de filmación y proyección. Asimismo,
les proporcionaron un equipo técnico y las credenciales necesarias para realizar su trabajo por
todo el mundo.
Así recalaron en la empresa un estudiante de farmacia como Gabriel Veyre, que
pronto zarpó hacia América Latina; el veterano soldado Félix Mesguich, encargado de abrir una
sucursal en Estados Unidos; el jefe mecánico Charles Moisson, que cubrió en Rusia la
coronación del zar, y un antiguo alumno de La Martinière, Alexandre Promio, a quien la regente
de España, doña María Cristina, autorizó a filmar algunas escenas de la guardia y la armada
reales. Todo un equipo técnico que, en una diáspora planificada desde los despachos de las
fábricas Lumière, contribuyó a una globalización sin precedentes de las imágenes del planeta.
Les forgerons (Los
fraguadores)

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9. La Place des
Cordeliers à Lyon
(La Place des
Cordeliers en Lyon)
Le repas (La comida)

10. La mer (El mar)
Le Saut à la
couverture (El salto
a la manta)

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¿Lo Sabias?
El dia de los inocentes permanece hasta nuestros dias ep porque e de esta afirmacion
tiene que ver ectamente con lo escritoa lo largo de decadas de testimonios y fuentes multiples
consultadas que dan cuenta de una aseveracion , que las recientes investigaciones y
publicaciones a nivel mundial oblagan necesaraiamente a re escribir la historia del cine mundial,
donde se ha logrado demostrar la aparicon de más prptagonistas, pioneros y realizadores de
los que tradicionalmente se daban cuenta . un ejemplo de esto lo es el hecho de 2 vistas
asentadas como parte del programa original del 28 de diciembre de 1895 . pero que con la
publicacion del catalogo lumiere se puede afirmar historicamente que esto no es posible mnos
referimos a la demolición de un muro y a la sorpresa – casi coinmoción causada entre en
publico por el arribo del tren las cuales cuentas con fechas de catalogo posteriores.
El primer cartel cinematográfico de la historia del cine fue vendido el 5 de septiembre

de 2018 por la casa Sotheby's en una subasta online por 178.000 euros, un precio superior al
estimado (entre 44.000 y 68.000 euros).
El póster, en el que se puede leer Cinématographe Lumière fue diseñado por el artista
francés Henri Brispot en 1896 para promocionar las funciones en el salón del Grand Cafe de
París.

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Madero) de la ciudad de México un año más tarde el empresario camarógrafo y posteriormente

productor Salvador Toscano abrió la primera sala de cine público de México a los 17 años la
calle Jesús María en la ciudad de México y meses mas tarde filmaría las primeras vistas
enteramente nacionales iniciando así el cine mexicano.
Allí el público abarrotó el sótano del pequeño local -curiosa repetición de la sesión
del sótano del "Gran Café" de París donde debutó el cinematógrafo- y aplaudió fuertemente
las "vistas" mostradas por Bernard y Veyre. La droguería "Plateros" se localizaba muy cerca de
donde, unos años después, se ubicaría la primera sala de cine de nuestro país: el "Salón Rojo".
A partir de este año, se sucederán sin interrupción las proyecciones y, con ellas, la
demanda de más títulos, con lo que se inicia la producción a gran escala de películas que, poco
a poco, van aumentando de duración al igual que mejora la historia que narran.
Maréchal-ferrant (1896) ¿Lo sabías?

Mientras tanto, los hermanos Lumière, además de administrar los asuntos
empresariales, proseguían con sus investigaciones para obtener una fotografía en color en un
solo cliché. Sus investigaciones incluían desde la técnica de coloreado a mano empleada por los
japoneses en sus estampas –como las que coleccionaba Claude Monet– hasta las placas de
vidrio traslúcido que se podían proyectar en una pantalla. De hecho, consiguieron en sus
fábricas de Monplaisir un procedimiento bautizado como "tricromía", que los camarógrafos de
la empresa presentaron como pruebas fotográficas en color tras las sesiones de cine. La pintura,
la fotografía y el cine compartían un mismo lenguaje, pues todos reflejaban los cambios de la
Naturaleza, encuadraban el tiempo detenido y atrapaban la luz fugaz del paisaje. Sólo faltaba
que compartiesen una mirada en colores.
La placa autocroma de los Lumière, patentada en 1903 y comercializada en 1907,

maravilló a los especialistas por su extrema sensibilidad y fue el único procedimiento en color
hasta 1935. Los autocromos entusiasmaron a los críticos por las mismas razones que la
instantánea y el celuloide cautivaron a sus predecesores: reproducían la realidad y vencían a la
muerte. De modo que tanto políticos como millonarios se retrataron en colores para pasar a la
“Partie d'écarté”- Partida de cartas (febrero de 1896)
posteridad. La Gran Guerra (1914-1917 devolvería la realidad al blanco y negro.
Tras la presentación del Cinematógrafo en París, en otras muchas ciudades europeas
y americanas comienza a "presentarse" el nuevo invento. En España la primera proyección la
ofrece un enviado de los Lumière en Madrid, el 15 de mayo de 1896. Durante unos años, los temas de las películas se repiten con cierta frecuencia, y los
espectadores se dejan atrapar, sobre todo, por aquellas que les resultan más sorprendentes.
En México el cine llegó casi ocho meses después de su triunfal aparición en París. La
En esta línea trabaja en mago francés Georges Méliès que comienza a dirigir una serie de
noche del 6 de agosto de 1896, cuando el presidente Porfirio Díaz, su familia y miembros de su
películas que tienen muchos trucos y efectos, imágenes mágicas en las que desaparecen
gabinete presenciaban asombrados las imágenes en movimiento proyectadas por Claude
personajes (Escamoteo de una dama, 1896), chocan trenes, crecen los objetos y hasta se puede
Ferdinand Bon Bernard y a Gabriel Veyre, dos enviados de la casa Lumière en uno de los salones
viajar a lugares desconocidos como en su celebre (Viaje a la Luna, 1902).
del Castillo de Chapultepec. Ocho días más tarde el cinematógrafo fue presentado al público el
14 de agosto, en el sótano de la droguería "Plateros", en la calle del mismo nombre (hoy
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El padre del espectaculo

Entre los 33 primeros espectadores asistenten a la proyección cinematográfica en el
Salon Indien del Grand Café del Boulevard des Capucines de París, el 28 de diciembre de 1895,se
hallaba un singular empresario de teatro quien expreso «Todos nos quedamos boquiabiertos,
estupefactos» su nombre era George Melies.
Acostumbrado a los escenarios y a la psicología de la prestidigitación, Méliès muy

pronto se dio cuenta de las espectaculares y maravillosas posibilidades que ofrecía el
cinematógrafo Lumière. Sin embargo, los Lumière se negaron a venderle un ejemplar de su
aparato arguyendo lo siguiente: «Esta invención no tiene futuro…».
Por suerte, Méliès halló un artefacto equivalente en Londres creado por el óptico
Robert William Paul, eminente óptico y miembro de la Escuela de Brighton, que le vendió un
modelo de bioscopio, un armatoste difícil de transportar que sólo servía para proyectar
películas, no para impresionarlas. En esencia, no presentaba sustanciales diferencias con
“Une partie de cartes “- una partrida de cartas (1896)
respecto al kinetoscopio de Edison. Aunque no era lo que estaba buscando, por ahora se
conformaba. Como su ingenio era grande e inquieto, no tardó en cambiar su mecanismo para
conseguir positivar la realidad. La reconversión de cámara a proyector era sumamente costosa,
pero sus habilidades eran grandes como mecánico y meses más tarde desarrolló un aparato de
prestaciones similares al cinematógrafo, con una curiosa rampa helicoidal por la que se movía
el negativo. Era el kinetógrafo o teatrógrafo.
En 1896 grabó su primera película, Partida de cartas, una sola escena de menos de un
minuto. Su primera película no fue sino un plagio de los Lumière, pero poco después rodó
Escamotage d’une dame chez Robert-Houdin (Desaparición de una dama en el teatro Robert-
Houdin, 1896), filme de trucajes que consagró la fusión, precoz y decisiva, de magia y cine. Fue
una brillante idea, ya que, mientras la mayoría de los pioneros del cine se contentaban con
filmar «llegadas de trenes a una estación», Méliès trasladó a sus películas la extraordinaria
cosmogonía que había puesto en escena: la magia de épocas remotas, la fantasmagoría de
Robertson un diabólico universo, de una velocidad extrema, donde se combinaban el terror y
la risa, estaba repleto de diablos, esqueletos, fantasmas y demonios que evolucionaban frente
a unos decorados de perspectivas forzadas: el cine se reencontró con sus orígenes ancestrales,
los de la linterna mágica.
Escamotage d’une dame chez

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Había tramoyas, trampillas y decorados espectaculares que bosquejaba y pintaba el propio

El «el mago de Montreuil» Méliès. Las sesiones de rodaje las hacía a primera hora del día.
A principios de 1897, Méliès hizo construir en su propiedad de Montreuil-sous-Bois

un estudio acristalado exactamente del mismo tamaño que el teatro Robert-Houdin (13,50 ×
6,60 metros), con una altura de 4,50 metros y coronado por un techo de cristal a dos aguas que
alcanzaba los 6,20 metros en su punto más alto. En 1900 lo equipó con camerinos para artistas,
almacenes para decorados y trampas, y postigos para tamizar la luz, y lo utilizó hasta el final de
su carrera cinematográfica. Desgraciadamente, no ha quedado nada de aquel estudio
acristalado, el primero concebido exclusivamente para la cinematografía: fue destruido al
finalizar la Segunda Guerra Mundial. Henri Langlois, el fundador de La Cinémathèque Française,
pudo visitarlo antes de que fuera derruido, y afirmó: «En Montreuil es donde podía
comprenderse y descifrarse mejor el universo de Méliès. Pero ha sido todo arrasado, pese a
nuestras advertencias. Todo en aquel lugar le evocaba: en la planta baja, en el camerino de los
figurantes, cabezas de autómatas y vigas oxidadas procedentes del taller paterno. En el estudio
pudimos caminar por el foso empleado para tantas películas de trucajes. Estaba repleto de
decorados, y también había muebles con trampantojo. Y en aquella jaula de cristal, en parte
reducida a pedazos, en medio de las hiedras, nos vimos inmersos en la luz que le había
permitido rodar sus películas, pero también en el misterio de un mundo encantado».
Entre 1896 y 1912 se rodaron allí cerca de 500 películas de ficción.
Los historiadores de cine no se ponen de acuerdo en si el primer estudio de la historia

fue el de Méliès o el de Edison, el Black María de Edison. Aunque el de Edison pudo construirse
antes, en él no se hicieron películas con actores, que no existían todavía en el mundo
cinematográfico. Méliès utilizaba acróbatas y gente de circo y del espectáculo de feria, más que
actores de teatro, que no querían mezclarse con un mundo entonces considerado más como
espectáculo de feria que como arte.
Algo que hacía únicas a las películas de Méliès era su escenografía. Para todas sus
producciones diseñaba y construía enormes maquetas y aparatosas situaciones.
Méliès descubrió enseguida los inconvenientes de rodar al aire libre. El viento y la

lluvia dañaban los decorados y debía estar pendiente del día y la noche.
En 1897 fundó el primer estudio cinematográfico en un campo a las afueras de

Montreuil-sous-Bois. Se trataba de un edificio compuesto por paneles de cristal y diseñado para
aprovechar la luz del Sol. Méliès no rueda con luz artificial, en parte porque los generadores
que había no tenían suficiente potencia. Era una fusión entre un teatro y un estudio fotográfico.

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procedimientos e imaginaba sucesivamente cambios de decorados fundidos, obtenidos

Los «trucos» de Méliès mediante un dispositivo especial del aparato cinematográfico; apariciones, desapariciones y
metamorfosis obtenidas por superposición de fondos negros o partes negras reservadas a los
Sobreimpresión, fundidos encadenados, montaje, fondos negros, primeros planos decorados; así como superposiciones sobre fondos blancos ya impresionados […].
con diferencia de escala, efectos teatrales y pirotécnicos, ilusionismo… Meliès introdujo en el
cine la magia y la ficción, y para ello, utilizó innumerables efectos especiales de su creación.
Algunos de ellos fueron fruto de la casualidad, otros de su imaginación desbordante. Para él, la
pantalla del cine es como la chistera del mago.
El truco de sustitución. Stop trick

(literalmente «truco de parar»)
El azar llevó a Méliès a su descubrimiento. Se encontraba filmando en la Plaza de la

Ópera cuando, de pronto, se atascó la cámara. Al mover la manivela descubrió con asombro
cómo los ómnibus que circulaban por la plaza se habían transformado en coches fúnebres, y
los hombres en una procesión de mujeres. Un homme de têtes -
Animación fotograma a fotograma o paso de manivela.

Stop-motion.
Méliès advirtió que, deteniendo el movimiento de la manivela de la cámara, y después

volviendo a rodar, podían lograrse todo tipo de efectos de desaparición y transformación. El
cineasta francés no puede atribuirse en solitario este descubrimiento pues, poco antes, en
1895, Alfred Clark, un empleado de la Edison Kinetoscope Company, en Nueva Jersey (Estados
Unidos), había realizado una película titulada The execution of Mary, queen of scots, en la que
empleaba este efecto visual al rodar la decapitación de la protagonista.
Exposición múltiple del negativo “L'Homme à la tête de caoutchouc” -El hombre de la cabeza de goma (1901)
(doble sobreimpresión).
Filmaba sobre negro y luego superponía las imágenes)
Fundidos a negro y desde negro.
Que se reprodujeron prácticamente en todo el cine mudo.

Gracias al cine de trucajes, Méliès podía llevar a la pantalla aquello que no siempre
era posible en el escenario de un teatro, ni siquiera en el Robert-Houdin: cuerpos cortados,
explotados; cabezas y extremidades separadas del cuerpo pero con vida; multiplicación,
permutación, transformación y levitación de personajes y objetos, etc. Según afirmaba: «Un
truco lleva a otro. Frente al éxito del nuevo género, me las ingenié para hallar nuevos “L’homme Orchestre “ - El Hombre orquesta ( (1900).

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mis conocimientos especiales de ilusionismo reunidos a lo largo de veinticinco años de práctica

en el teatro, fui introduciendo en el cinematógrafo trucos de tramoya, de mecánica, de óptica,
de prestidigitación, etc.”.
Coloreado a mano de películas

A Melies se le atribuye,. con dudas,. la creación de la primera película en color, o
coloreada a mano.
La mansión del diablo (1896),
“Mélomane”-El Melomano (1903
El caldero infernal (1903)
-Plano de detalle- 6 rostros y actitudes distintas del mismo Mellies interactúan de

manera simultanea
Trucos de tramoya
El inquilino diabólico (1909).
Para las filmaciones utilizaba decorados especiales, con trampillas, cuerdas, fondos:
Melies escribio : “Más adelante vinieron trucos de cabezas cortadas, desdoblamientos de Por lo general, eran filmes con abundancia de explosiones y llamas. Colorear a mano
personajes, escenas interpretadas por un solo actor acababa interpretando él solo hasta diez ya se hacía con las láminas de linterna mágica, pero era muy trabajoso, pues había que pintar
personajes parecidos que representaban la acción unos junto a otros. Y, por último, empleando
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todos los fotogramas, uno a uno. Para este fin contrató a un equipo con experiencia en el pero a la vez ridícula. Todas sus películas están repletas de vida, movimiento y detalles. De
coloreado de linterna mágica. hecho, Méliès sentía horror al vacío y a la lentitud, así como a la muerte, aunque,
paradójicamente, fuese un tema recurrente en su obra. En manos del mago Méliès, el rey de
los trucajes, el cine se convirtió en un poder chamánico.
Diversos biógrafos de Méliès han popularizado una anécdota sobre cómo descubrió el
mundo de los trucos de cine. El realizador se hallaba rodando uno de sus cortometrajes en la
Plaza de la Ópera de París, hacia 1897. Al filmar el tráfico circulante, su cámara se estropeó. Le voyage dans la Lune
Cuando reveló y proyectó la película, se dio cuenta de que un tranvía tirado por caballos se
transformaba en un carruaje fúnebre. La filmación interrumpida había logrado ese efecto.
Méliès advirtió que, deteniendo el movimiento de la manivela de la cámara, y después volviendo
a rodar, podían lograrse todo tipo de efectos de desaparición y transformación. Había nacido La película más conocida de Méliès es Le voyage dans la Lune (Viaje a la Luna), rodada
de ese modo el truco de paso de manivela, base de la animación fotograma a fotograma o stop- en sus estudios en 1902. Está inspirada en varias fuentes, entre otras Julio Verne, H. G. Wells,
motion. atracciones de feria y una opereta que Offenbach presentó en 1875 en el Théâtre de la Gaîté.
La producción se alargó durante meses, exigiendo al inicio una importante inversión. La cinta,
de 260 metros (es decir, unos 13 minutos de proyección), incluye 30 cuadros o escenas.
Abundan sorprendentes trucajes como por ejemplo la famosa secuencia en que la Luna recibe
el impacto del obús en el ojo, o el cuadro donde los astrónomos sueñan con la Osa Mayor, cuyas
siete estrellas son rostros femeninos. Le voyage dans la Lune dejó al mundo fascinado. Se
hicieron tantas copias ilegales del filme, especialmente en Estados Unidos, que Méliès tuvo que
abrir una sucursal en aquel país para proteger sus derechos.
A pesar de esta leyenda, muy extendida, el cineasta francés no puede atribuirse en

solitario este descubrimiento. Poco antes, en 1895, Alfred Clark, un empleado de la Edison
Kinetoscope Company, en Nueva Jersey (Estados Unidos), había realizado una película titulada
The execution of Mary, queen of scots, en la que empleaba este efecto visual al rodar la
decapitación de la protagonista.
Una nueva fantasmagoría

En la obra de Méliès, gran amante de la figura de Mefistófeles, siempre aparecen
fantasmas, diablos, gnomos, brujas, demonios, monstruos, espectros y esqueletos que hacen
de las suyas a lo grande para alterar el orden establecido, pero también se observan hadas,
genios y crucifijos varios que usan todas sus argucias para mantenerlos a raya. Méliès recurre
muy a menudo a la iconografía de la linterna mágica, de la féerie y de la fantasmagoría para
construir su arte. De todos modos, transforma la fantasmagoría macabra que practicaba
Robertson (Étienne-Gaspard Robert) en un espectáculo cómico, donde la muerte es trágica
24
“Le voyage dans la Lune”-Viaje a la Luna, (1902)
Otros viajes fantásticos
La «lógica del absurdo» de Méliès se prestaba en particular al tema de los viajes. En

1904 adaptó la obra de teatro Le voyage à travers l’impossible (Viaje a través de lo imposible),
con el subtítulo «Una inverosímil aventura de un grupo de sabios de la Sociedad de Geografía
Incoherente». En el caso de À la conquête du Pôle (A la conquista del Polo, 1911), el profesor
Maboul viaja al Polo Norte en su «aerobús» a pesar del peligro de ser devorado por el Gigante
de las Nieves.
Maquinaria teatral, desplegables panorámicos horizontales y verticales, maquetas,

sobreimpresiones, fundidos encadenados, paradas de cámara, efectos pirotécnicos: en la obra
de Méliès los viajes nunca son tranquilos. Sí coloreados y exóticos, como en el caso de Les
aventures de Robinson Crusoé (Las aventuras de Robinson Crusoe, 1902), un filme basado casi
en el mismo principio narrativo que Le voyage dans la Lune (Viaje a la Luna): llegada a una tierra
hostil, peripecias con los indígenas, huida, regreso al país, charanga y desfile, apoteosis… Méliès
satisface así el gusto del público por los países lejanos y la fantasía. Le voyage de Gulliver a
Lilliput et chez les Giants (1902), con un anciano Gulliver observando a la luz de una linterna la
ciudad liliputiense recreada a escala.
Entre los títulos más destacados del cineasta francés figuran, en lo tocante a los
efectos especiales, Mésaventures d'un aèronaute (1901), Viaje a través de lo imposible (1904),
Las alucinaciones del barón de Münchhausen (1911) y La conquista del Polo (1912). Con sus
películas ofrece la posibilidad de dar la vuelta al mundo en unos cuantos minutos oníricos.
Viaje a través de lo imposible (1904),

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Méliès y las mujeres
Georges Méliès, que muy pronto se convirtió en la atracción de los actores y actrices
del Théâtre du Châtelet, el Folies-Bergère y la Ópera de París, se rodeó a lo largo de toda su
carrera como cineasta de jóvenes actrices y bailarinas que veían una oportunidad de mejorar
presentándose en el teatro Robert-Houdin o en el estudio de Montreuil. Y se enamoró de una
de ellas, Jehanne d’Alcy, que se convirtió en la vedette de la Star Film y, mucho más tarde, en
su segunda esposa. Fue precisamente ella quien interpretó una de las pocas películas
«licenciosas» de Méliès, Après le bal (le tub) [Tras el baile (el cubo), 1897].
En sus películas, las mujeres son descuartizadas, desmembradas e incineradas, o bien

se convierten en mariposas, abejas, brujas o diablesas; son también sus cómplices, visiones
mágicas, diosas, hadas, sirenas, estrellas, princesas, y a menudo las que poseen la llave para
acceder a un mundo onírico y fantástico.
La conquista del Polo (1912).
No obstante, muchos de estos originales efectos especiales del primer cine de Méliès
tienen su origen en números creados por dos magos que tienen una influencia fundamental en
el desarrollo artístico del ilusionista francés. Uno de ellos, Jean Eugène Robert-Houdin, es quien
precisamente da nombre al teatro propiedad del futuro cineasta. De Robert-Houdin se sabe
que, en 1856, durante una visita a la Argelia francesa, realizó algunos trucos tan extraordinarios
que los habitantes de la colonia lo tomaron por un poderoso brujo. Fue además el inventor de
autómatas capaces de dibujar siluetas, realizar operaciones matemáticas e incluso de jugar al
ajedrez con destreza. Por otro lado, su teatro, fundado en París en 1845, había sido escenario
de numerosas y brillantes coreografías luminosas realizadas gracias a las virtudes de las
modernas linternas mágicas. Este hecho también es fundamental para comprender el interés
de Méliès por desarrollar tales artefactos.
Casi al mismo tiempo, en Londres, un personaje con idénticas fantasías a las del mago
de París, John Nevil Maskelyne, inauguraba la conocida "England's Home of Mistery", habitada
por autómatas y, naturalmente, ilusiones proyectadas por la linterna mágica. Maskelyne,
además, es el primer maestro de Méliès, quien recibe de él las primeras enseñanzas de su vida
profesional como mago. Es casi seguro que sin la influencia de Robert-Houdin y Maskelyne,
Méliès no se hubiera decidido a adquirir su primer cinematógrafo.
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En conjunto, acciones muy delicadas de representar sin caer en el ridículo». Y añadía: «Es la obra
más grande realizada hasta la fecha en fotografía animada».
“Jeanne d’Arc” - Juana de Arco (1900)
Méliès se sentía especialmente orgulloso de haber sido el primero en llevar a la

pantalla al personaje de Juana de Arco (Jeanne d’Arc, 1900): «Evidentemente, para mí, “el
hombre de los trucos”, lo que de verdad era tentador de la historia era la parte fantástica:
visiones, apariciones, la quema de una mujer ¡en vivo! y, por descontado, la ascensión al cielo.

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Esta línea creativa la desarrollará el español Segundo de Chomón, que compite con
Méliès en la producción de películas sorprendentes (El hotel eléctrico, 1908) . También fueron
importantes las aportaciones de los fotógrafos de la Escuela de Brighton, pioneros británicos
que sorprendieron por la utilización narrativa de ciertos recursos que dieron fuerza a la historia
que contaban, como sucedió con La lupa de la abuela (1900), de James A. Williamson, en donde
el punto de vista da mayor expresividad a los hechos que se narran.

30
¿Lo sabías?
El cine de adultos de Melies y Edison
“Après le bal” – Despues del baile (1897)

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Simultáneamente, Méliès y Segundo de Chomón aplican técnicas —como el paso de

manivela, que permitía el construir una historia fotograma a fotograma- para generar historias
fantásticas y con efectos; es el momento del cine de trucos en el que se intenta sorprender al
¿Lo Sabías? espectador haciendo aparecer y desaparecer personas y objetos.
A la sombre de la producción de Edison van creciendo otros directores como Edwin S. Esta fase la cierra Edwin S. Porter cuando en Salvamento en un incendio (1902) va
Porter, que logrará dar un paso fundamental en la construcción de una historia con el diseño de más allá de la estructura lineal que plantea todo el mundo, intercalando situaciones que atraen
una estructura que se centra en el salvamento en el último minuto “The Great Train Robbery”- de manera especial la atención del espectador —insertos-; es decir, intercala una serie de
(Asalto y robo de un tren (1903) película que daba inicio a un género exclusivo americano: el planos en los que destaca ciertos detalles del ambiente, de la acción de los personajes y con los
western). que se pasa de un espacio a otro sin ningún tipo de explicación —el montaje paralelo-.
Quizás todas estas aportaciones y el hecho de cada vez más se apropiara el cine de
textos literarios muy conocidos por los espectadores, condujeron a que el teórico italiano
Riccioto Canudo escribiera en 1911 su "Manifiesto de las Siete Artes" en el que señalaba al cine
como el Séptimo Arte, y en el que pedía que los empresarios del cine asumieran un mayor
compromiso artístico con lo que hacían, para ir más allá de la industria y el comercio.
A partir de 1910, los europeos comienzan a producir películas más largas que
sorprenden por su buena factura. Las adaptaciones de obras de Victor Hugo y Emile Zola
sirvieron de garantía para diversas producciones francesas.
En estos años, la casa Gaumont compite con la Pathé, ampliando la producción de

películas. En 1911, Louis Feuillade entra como director artístico y responsable de la producción
de la Gaumont inicia una serie que, frente a la tendencia teatral imperante, supone un retorno
al realismo, devolviendo al cine su sentido de la actualidad.
En la serie “La vie telle qu'elle est”- La vida tal como es (1911-13), se incorporan
importantes avances técnicos, decorados más realistas, la sobriedad en la interpretación de los
“The Great Train Robbery” (Asalto y robo de un tren ) es una película rodada en 1903
actores, la creación de algunos efectos a través de la iluminación artificial y la aplicación del
con guion, producción y dirección de Edwin S. Porter considerada como una obra de arte en la
primer plano.Louis Feuillade (director de varios seriales) y otros muchos, van profundizando en
historia del cine impulsadora del genero western.
el lenguaje cinematográfico, dando cuerpo a una gramática de recursos expresivos que el
espectador asumirá y llegará a conocer con mucho detalle.
Consolidación de un lenguaje
Después realiza Fantomas (1913-16), un excelente serial policíaco por episodios, con
una inspiración fantástica que inspirará a los surrealistas; y que incluso sugerirá ideas a Luis
El desarrollo de la industria del cine ha propiciado la definición de un lenguaje
Buñuel para utilizarlas en “L´age d´or “ -La edad de oro (1930).
específico que se encargaron de ir definiendo los directores que trabajaron en el tránsito del
siglo XIX al XX. Sorprende que los pioneros no se limitaran a seguir con la simple "toma de vista" Feuillade continuó trabajando durante la gran guerra con otros dos seriales por
durante muchos años. Hubo quien se preocupó por dar a entender que la utilización de varios episodios: “Les Vampires” – Los Vampiros y Judex (1915-16).
planos de distinto tamaño servían para enriquecer la historia y la acción de los personajes.
En estos seriales actuaba Musidora, que, además de la primera vampiresa del cine,
La evolución que se aprecia en los primeros años tiene que ver con las primeras era novelista, poeta, pintora y realizadora. Musa del surrealismo y del cine vanguardista, dirigió
imágenes impresionadas por los primeros operadores en todo el mundo. Un paso más lo dan diez filmes -varios de ellos basados en novelas de Colette-
los fotógrafos de Brighton a partir de 1900, fecha a partir de la que utilizan en sus películas
diversos recursos (puntos de vista, panorámicas, sobreimpresiones, etc.) para organizar la
historia.

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Por su parte, los italianos consolidaron un modo de hacer que afectará a las industria
cinematográficas de todo el mundo. es el que más tarde se conocería como KOLOSSAL o
PEPLUM, esto es, cine de aventuras ambientado en la época clásica, caracterizado por sus
elaborados escenarios y sus escenas de masas,. La película “Gli ultimi giorni di Pompei”- Los
últimos días de Pompeya de Luigi Maggi (1908), inició el género del cine monumental italiano.
Pronto siguieron otros filmes, como “La caduta di Troia”- La caída de Troya, Luigi Romano
Borgnetto y Giovanni Pastrone, (1910), ¿Quo Vadis? ( 1913) Dirigida por Enrico Guazzoni,
superó las dos horas de proyección. y una nueva versión de Los últimos días de Pompeya (Gli
ultimi giorni di Pompeii, Mario Caserini, 1913).
La obra culminante de este período del cine italiano es Cabiria (Giovanni Pastrone,
1914), ambientada en la segunda guerra púnica. Curiosamente es con Cabiria que surge la
primera saga de la historia del cine. Uno de sus personajes, Maciste, quien interpretaba a un
Jeanne Roques, conocida artísticamente bajo el pseudónimo de Musidora, fue una
esclavo de gran porte, tuvo tal éxito que ya en 1915 generaron su propio film llamado
actriz, directora, escritora, productora y realizadora francesa, que se hizo famosa por su
"Maciste". Entre 1915 y 1926 se realizaron 26 films con Maciste como protagonista.
interpretación en la película de Louis Feuillade Les Vampires. Fue el arquetipo de mujer fataly
los surrealistas la adoptaron como una de sus musas.
También, en este período, aparecen los primeros cómicos de la pantalla, "tipos", que
con sus bufonadas adquieren gran popularidad. A menudo, ruedan en la calle peleas y
persecuciones a las que los cómicos incorporan caídas y acrobacias imposibles.
Escena del templo de murlok de la película” Cabiria” (1914), de Giovanni Pastrone la

cual en su tiempo se convirtió en uno de los grandes monumentos cinematográficos de la
historia por su tratamiento de los personajes, del espacio, la iluminación y la escenografía
(estas producciones italianas dan un impulso a la construcción de decorados corpóreos).
Fue el momento en el que se dio un paso importante: cambiar la cámara de lugar,
buscar nuevos ángulos desde los que contar la historia al tiempo que se mantiene la continuidad
El gran innovador de la escuela cómica francesa fue Max Linder, que entre 1911 y de acción —en la que también han de ser funcionales los rótulos que se intercalan para recoger
1913 alcanzó su etapa de mayor éxito, siendo considerado, en esos años, el actor más popular el diálogo de los actores-; es el momento en el que se construye una situación a partir del plano-
de toda Europa. Algunos rasgos de su personaje, como el sombrero, el bigote o sus andares, contraplano.
influencia que sería inspiración al mismo Charles Chaplin, como él mismo reconocería años
después.
33
El paso más relevante hacia la consolidación de un lenguaje específico lo ofreció el película. Del mismo modo Griffith se sirvió también del montaje paralelo, la profundidad de
director estadounidense David W. Griffith, quien tuvo la capacidad de organizar todas las campo y el flash back, convirtiendo a El nacimiento de una nación - The Birth of a Nation- en la
aportaciones habidas hasta mediados de la década de los años diez, y concretarlas en dos película más completa hasta la fecha en cuanto a recursos narrativos se refiere.
películas que han pasado a la Historia del cine como las más emblemáticas de la narración
cinematográfica primitiva:
En el film se reflejan los acontecimientos más importantes para la creación de Estados

Unidos, como la guerra civil o el asesinato de Lincoln pero desde una perspectiva racista,
ensalzando la supremacía de la raza blanca y enalteciendo las acciones del Ku Klux Klan, que
salvaban a la población blanca de las aberraciones perpetradas por los hombres negros.
“The birth of a nation “ - El nacimiento de una nación (1915) e “Intolerance” - El director tuvo grandes dificultades a la hora de encontrar actores de raza negra que
Intolerancia (1916) de David Wark Griffith. quisieran participar en el rodaje por lo que tuvo que caracterizar a actores blancos.
¿Lo Sabías?
Veinte años después de la invención del cine David Wark Griffith (D. W. Griffith ) es el
primer cineasta que empieza a establer el origen del lenguaje cinematográfico tal y como hoy
lo conocemos, estableciendo así un modelo determinado de cine. Para conseguirlo empleó
diversos recursos narrativos como el uso de primeros planos, su alternancia con planos
generales y el salro de eje, que permite al espectador comprender y organizar mentalmente el
espacio donde está teniendo lugar la acción, mejorando notablemente la asimilación de la

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En 1917, el Tribunal Supremo de Washington pronuncia una sentencia favorable a los

Independientes, dando por finalizado el sistema monopolista de Edison. A partir de este
momento, las firmas primitivas, incluida la Edison Co., irán desapareciendo y serán los
Independientes quienes tomen el relevo.
Antes de que se disuelva el monopolio de Edison, algunos de los Independientes

abandonan las ciudades, desplazándose a las lejanas regiones del Oeste, con el fin de esquivar
las frecuentes disputas legales. Allí hallarán una gran variedad de paisajes, una brillante
iluminación natural y un clima constante durante prácticamente todo el año, condiciones muy
propicias para el rodaje en exteriores.
El estreno de la película ocasionó disturbios en varias ciudades como Boston y Filadelfia
Y será en esas regiones donde habrá de nacer el género americano por excelencia, el
y en otras como Chicago o Kansas se canceló su exhibicion. El carácter altamente racista del film
western.
incitó a pandillas blancas a atacar a personas de raza negra.
Aunque el western ya contaba con algunas obras como “(The Great Train Robbery” -
Asalto y robo de un tren, (1903), de Edwin S. Porter, es en este entorno privilegiado donde
comenzará a tomar forma cinematográfica la epopeya del oeste, adoptando la mitología propia
de la conquista y la colonización del territorio, aún reciente en la historia.
En 1915, tres firmas independientes se unieron para formar la Triangle Pictures Corp. Cada
una de ellas aportó su respectivo director artístico: Thomas H. Ince, D. W. Griffith y Mack
Sennett. Quedaron así ligados los tres creadores que más aportaciones han hecho al cine
norteamericano en unos años decisivos para el nacimiento del séptimo arte.
La evolución de la industria cinematográfica a nivel mundial está estrechamente

ligada al desarrollo de los acontecimientos económicos, sociales y políticos. Así, la irrupción de
la Primera Guerra Mundial (1914-1918) repercute sobre la situación del mercado
cinematográfico mundial, alterando, de manera decisiva, la posición alcanzada por las
diferentes cinematografías nacionales. Uno de los directores que más aportó a este nuevo género fue Thomas H. Ince. Él creó
en 1913 un nuevo cow-boy, “Río Jim”, interpretado magistralmente por William Shakespeare
En Estados Unidos un año antes- en 1913-, se pone en marcha un proceso judicial Hart, conocido como "el hombre de los ojos claros". Pero, además, Ince empieza a dar
auspiciado por los Independientes - un grupo de empresarios judíos de origen centroeuropeo protagonismo a la naturaleza, y sus westerns son dinámicos y visuales.
en su mayoría - que se dedican a la exhibición y producción de películas, y que pretenden
terminar con el monopolio del comercio que desde 1908 está en poder del trust de Edison, la La labor realizada por Ince es ingente; entre las películas que produce, dirige,
Motion Pictures Patents Company. supervisa o monta personalmente, y aquellas cuyo guión es obra suya, alrededor de 800 títulos.

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Además, aporta al cine una teoría de la división del trabajo, según esquemas muy
férreos, a partir de un guión muy rígido, que ha de ser respetado en todas las fases de la
realización del film, para asegurarse de que todas las películas llevarán su estilo. Es por ello, el
primero en incorporar un guión escrito a la realización, ya que anteriormente la dinámica
¿Lo Sabías ?
habitual consistía en improvisar sobre un argumento desarrollado en unas breves notas.
Un mito llamado Tom Mix
Las cuales eran las bases de la producción californiana y de la naciente ciudad de
producción “Holywooland” Mirada viva, nariz como pico de águila y mentón que se estira ansioso de peligros.
Cabalga en el recuerdo, montado en su caballo “Tony”, como un ser mitológico, con sombrero
Los nuevos productores Independientes acabarán estableciéndose a la cabeza de la de alas anchas y justiciera determinación.
industria cinematográfica en Norteamérica. Adolph Zukor, tras el éxito alcanzado con la
importación de “Les amours de la Reine Elisabeth” -Elizabeth, Reina De Inglaterra (1912)
protagonizada en por Sarah Bernhardt, puso en marcha su empresa Actores Famosos en Obras
Famosas .
Pero no tardará en despojar al incipiente Star-system de la carga teatral del Film

d'ArtM
En Tom Mix se concreta plenamente la identificación encarna un amplio conjunto de

estructuras fabulosas y conductas que se creen ejemplares. La fusión del héroe con el actor es,
en su caso, total.
Cuando se convirtió en una gran estrella de cine, la publicidad de la Fox Films le creó
una biografía mucho más pintoresca que cualquiera de sus papeles cinematográficos.
Sin embargo, era exagerada sólo en el sentido de que ningún hombre podía haber
realizado tantas cosas en tan pocos años y en un espacio geográfico tan amplio. Y él, que era
una criatura del espectáculo y gran narrador de historias, nada hizo por minimizar la imagen
que se había construido fuera de la pantalla.

36
Tom Mix fue el primer gran cowboy de la historia del cine; los westerns provocarán una Colocadas ahí desde 1923 estas archifamosas letras de 13,7 metros de altura -- cada una
verdadera conmoción formal y temática. También aparecen las primeras figuras con enorme - han presidido desde entonces las alturas la meca del cine.
popularidad, como Bronco Billy (Anderson) y William S. Hart. Y era es su tiempo todo un espectáculo iluminado por las noches por más de 4.000
bombillas y el mantenimiento de las cuales era llevada a cabo por un trabajador que vivía en
una pequeña caseta detrás de una de la “LL”.
Los países que participan en la primera guerra mundial verán disminuir su producción
de películas, especialmente Francia que antes de la guerra acapara el 80 por 100 de los
mercados mundiales, pero que muy pronto será incapaz de atender su propia demanda. Estos
serán los años en los que el cine norteamericano, aprovechando el receso en la producción
francesa, vivirá su gran desarrollo, tanto a nivel industrial como artístico, sentando las bases
sobre las que habrá de construirse el nuevo arte.
La mayoría de los historiadores consideran al británico Stuart Blackton como el

pionero de las películas animadas. En 1906 creó un corto titulado Humorous Phases of Funny
Faces -traducido como Fases humorísticas de caras divertidas -, en el que dibujaba con tiza una
serie de rostros en una pizarra y los filmaba.
El mítico letrero que preside la colina y en el que se puede leer “Hollywoodland”

inicialmente era una herramienta publicitaria con el que se pretendía vender terrenos para crear
una macro urbanización en la naciente capital del cine
El francés Émile Cohl es considerado por muchos historiadores el padre real de los
dibujos animados. Su película FANTASAMAGORIE, de 36 metros de longitud y una duración
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aproximada de 1 minuto 57 segundos, está integramente interpretada por personajes de línea

simple y animados sobre papel filmado en película de alto contraste.
Gertie the Dinosaur es un cortometraje animado de 1914 dirigido por Winsor McCay
que inspiró a varias generaciones de animadores fue el primer dibujo animado, en presentar un
personaje con personalidad propia. El personaje principal se diferencia de los creados
anteriormente por Blackton y Cohl, y lo convierte en el predecesor de los creados posteriormente
por Walt Disney. Fue además el primer dibujo animado en ser creado utilizando key frame.
Émile Cohl realizó alrededor de 300 películas, de las que se conservan apenas 65. Su
productiva carrera se desarrolló entre Francia, Inglaterra y Estados Unidos.
El norteamericano Winsor McCay realizó una primera adaptación en dibujos

animados de su personaje LITTLE NEMO.
El invento fue patentado por BRAY STUDIOS INC y EARL HURD.; Una muestra de ello es esta
película: BOBBY BUMPS STARTS A LODGE, filmada en 1916.
El norteamericano Earl Hurd inventó el acetato en 1915. Consistía en una hoja

transparente en la cual se trazaban y pintaban los objetos y sujetos animados y se superponían
sobre un fondo fijo. Su aportación revolucionó la incipiente industria de la época, ya que gracias
a la transparencia del acetato no era necesario dibujar el fondo en cada fotograma, lo que
ahorraba mucho trabajo.
La película consta de unos 4.000 dibujos y después de esta primera aventura animada,
el autor, compaginó durante el resto de su carrera el cómic con la realización de películas de
dibujos animados.
38
. Carl Laemmle, otro independiente, fundó la Universal .
. Los hermanos Warner, la Warner Bros.
. Wilhelm Fuchs, que pronto adoptó el nombre de William Fox, fue el padre de la Fox.
. Samuel Goldfish, que también cambió su nombre pasando a llamarse Samuel

Goldwyn, creó con Marcus Loew la Metro-Goldwyn-Mayer.
Felix el Gato , fue el primer personaje de animación en alcanzar un nivel de popularidad tan
grande como para atraer a los espectadores con el solo reclamo de su aparición en una película Zukor seguido por los demás Independientes estableció los primeros modelos
en 1920. efectivos de organización industrial, algunos de los cuales aún se aplican en la actualidad. Sin
Los orígenes de Félix continúan cuestionados. Pat Sullivan, caricaturista y empresario de cine embargo, en la conformación del relato cinematográfico, quedaban aún caminos por trazar.
de origen australiano y el animador estadounidense Otto Messmer han afirmado ser los
creadores, y la evidencia parece sostener ambas demandas. Muchos historiadores, incluyendo
John Canemaker, afirman que fue Sullivan quien plagió a Messmer.
Durante estos años surgieron estrellas de la talla de Mary Pickford, las hermanas
Lillian y Dorothy Gish, Douglas Fairbanks, el cómico Mack Sennett y nuevos nombres como
Rodolfo Valentino y Theda Bara. Las estrellas facilitaron el éxito a Hollywood en todos los
mercados del mundo.
Rodolfo Valentino y Wilma Banky en el hijo del Sheik -Son of the Sheik- (1926),
Valentino en los cuatro jinetes del apocalipsis -The Four Horsemen of the Apocalypse -de Rex
Ingram ( 1921)
Además, Zukor creó, en colaboración con otros empresarios, la Paramount, una

corporación que controlaba una red de más de cinco mil salas por todo el país, y producía
películas de alto costo y larga duración, al ritmo de un lanzamiento de gran calidad a la semana.

39
¿Lo Sabías?
Douglas Fairbank el más increíble protagonista de cintas de aventura ; Atletico y
acrobático actor de generosa sonrisa, encarnó en las pantallas mudas al prototipo de héroe
americano, defensor de las causas justas e implacable persecutor de malvados y pérfidos
villanos, ganándose el afecto y simpatía de la millonaria audiencia estadounidense.
La primera película en la que daba rienda suelta a su característica vivacidad

aventurera y energía escénica fue ““The Mark of Zorro”- La Marca Del Zorro (1920), un film
dirigido por Fred Niblo que propició con su éxito el protagonismo de Fairbanks en numerosos
títulos de aventuras. Entre ellos “The Three Musketeers” - Los Tres Mosqueteros (1921) de Niblo,
“Robin de Los Bosques” (1922) de Allan Dwan, “El Ladrón De Bagdad” (1924), film dirigido por
Raoul Walsh, o “El Pirata Negro” (1926), película de Albert Parker.
“Robin Hood”- Robín de los bosques (1922)
“The Thief of Bagdad” El ladrón de Bagdad (1924)
“The Mark of Zorro”- La marca del Zorro (1920)
“The Black Pirate”- El Pirata Negro (1926)
“The Three Musketeers” – Los Tres Mosqueteros (1921)

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mostrando una especial pasión por la ridiculización del orden establecido, eligiendo como
blanco a aquellos que detentan la autoridad.
La máscara de hierro (The Iron Mask) (1929)
En estos años, la escuela cómica norteamericana tomó el relevo de la francesa y, de

la mano del director canadiense Mack Sennett, inauguró la "edad de oro" de la comedia.
Es la época de los cortometrajes cómicos, de uno o dos rollos, que se pasaban dentro
de un programa múltiple, junto con el noticiario de actualidad y antes de la película central.
Pero aumentó su demanda, lo cual favoreció el desarrollo del género.
Años antes Mack Sennett participó en la fundación de la productora Keystone (1912),

y con las Keystone Comedies fue conquistando a todos los públicos.
Ademas este singular discpulo de Grifith, fue un gran descubridor de talentos –

gagsman, directores y actores- de todas las procedencias. En sus estudios reunió a los mejores
artistas del circo, del music-hall y el teatro norteamericano, con los que llevaría a cabo su
copiosa obra de más de 1500 filmes en 18 años. Bajo su dirección estuvieron actores que luego
se convertirían en grandes estrellas como Ford Sterling, Mabel Normand, Harold Lloyd , Charlie
Chaplin, Raymond Griffith, Gloria Swanson, Bing Crosby o W. C. Fields.
Mack Sennett es el padre no tan solo de sus ridículos policías, “los Keystone Cops”, y
Descubrió la comicidad de los policías y con ello estableció el tipo de los Keystone sus atractivas bañistas, “las bathing beauties” sino de un modelo de comedia visual frenética ,
Cops, un grupo de torpes policías que van imponiendo la ley y haciendo estragos, en una donde las persecusiones, caídas y batallas mas inusuales se dan cita, a este nuevo tipo de humor
se le conocera como “Slapstick” , y a cada una de las unidades cómicas que lo componen, se
imitación burlesca que provoca la hilaridad del público, debido a la profanación de un tipo social
conocerán como gags.
profundamente respetable. Luego de la guerra, hacia 1916 creó sus Bathing Beauties, grupos
de jóvenes y hermosas señoritas en traje de baño -para el disfrute y deleite de las tropas
desmovilizadas- que aparecen bajo cualquier pretexto, mostrando sus encantos. En su haber
están, además, las Kid Comedies y las famosas comedias de pastelazos.
Sennett desarrolló, en una absoluta libertad, un estilo que tiene su motor en la

vocación destructiva del artista. Las persecuciones frenéticas, las carreras y las caídas, las
batallas campales, forman parte de un mundo de destrucción del que no escapa nadie

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animados- , aunque puede usarse para ciertos efectos especiales (como los sables láser de la
película Star Wars, de 1977).
El proceso consiste, esencialmente, en reemplazar los fotogramas de una filmación real por
dibujos «calcados» sobre cada fotograma. Así se transmite al dibujo la naturalidad y
secuencialidad de movimientos, expresiones, luces, sombras y proporciones propias de la
filmación original que sirvió de base para la animación.
T.
Las bathing beauties de Mack Sennet
EL éxito obtenido por la rotoscopia permitirá la creación de Fleischer Studios, Inc en 1921.
En 1919, con un Hollywood a pleno rendimiento, cuatro de sus más importantes
Dirigida por los hermanos Max y Dave Fleischer y es famoso por llevar a la pantalla inmortales
figuras fundaron un estudio de cine para asegurar su independencia creativa (y sus ingresos) “
dibujos animados como Koko el payaso protagonista de la seie para producir su propia serie
United Artists ” fue fundada el 5 de febrero de 1919 por Charles Chaplin, Douglas Fairbanks,
llamada Out of the Inkwell. (1919) y Ko-Ko Song Cartunes (1924) estas ultimas pioneras en la
Mary Pickford y David Wark Griffith. Desafiando el poder de los grandes estudios de la época
introducción de sonido sincronicos – años antes que el cantante de jazz debutara como la
en respuesta la prensa inmortalizo el siguiente cabezal “Cuando los locos se hacen los dueños
priemra película sonora- sin embargo, los cortos con sonido no presentaron mucho interés en la
del manicomio”.
época, en parte debido a que la mayoría de los cines no estaban equipados con los aparatos
necesarios de reproducción.
¿Lo Sabías?
El rostoscopio fue inventado por Max Fleischer hacia 1914 esta inovacion tecnológica permite
a los animadores diseñar imágenes sobre la película misma -usada tradicionalmente en dibujos

42
Otros éxitos de los Fleischer Studios, serán Betty Boop, primer dibujo animado de una
chica flapper quien hzo su primera aparición el 8 de agosto de 1930, en el dibujo animado “Dizzy
Dishes “
Curiosamente “ Bimbo “ , un personaje simpático presenta en una de sus aventuras

como coprotagonista a Betty y esta lo desplaza arrolladoramente en popularidad para 1933,
un cortometraje de la serie de Betty Boop (donde Betty tiene una pequeña aparición haciendo
el mismo baile de Betty Boop's Bamboo Isle). Dara la popularidad y fama inmediata a la
canción “I Yam What I Yam” el primer dibujo animado de la serie Popeye el marino.

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El cine europeo de los 20

Los movimientos artísticos que se proyectan en la Europa de los años veinte influyen
de manera determinante en el cine. Desde diversas perspectivas y en casi todos los países,
directores jóvenes y con grandes ideas teóricas y creativas, ofrecen un buen conjunto de
películas que dejarán profunda huellas en las generaciones posteriores.
Son años dominados también por el futurismo (Fernand Léger o Many Ray) y el
surrealismo de Germaine Dulac, Luis Buñuel y Salvador Dalí.
Los directores franceses asumen, además de sus películas, un compromiso teórico
fundamental impulsando cine-clubs (Louis Delluc funda el primero en 1920), publicando
algunos libros (Jean Epstein firma en 1921 "Buenos días, cine", en el que habla de las
posibilidades creativas de la cámara y otros recursos expresivos) y desarrollando nuevas
fórmulas narrativas que se anticipan en el tiempo al cine espectáculo (Abel Gance rueda
Napoleón, 1927; película que ofrece diversas innovaciones técnicas, entre otras la pantalla
múltiple, anticipo del sistema Cinerama).
Nosferatu el vampiro, (1922) de Friedrich W. Murnau
Los alemanes disponen de recursos importantes (propiciados por la productora UFA)

y abordan películas de diversa consideración a partir de proyectos dirigidos por Ernst Lubitsch,
Friedrich W. Murnau “Nosferatu, eine Symphonie des Grauens”- Nosferatu el vampiro (1922)
Fausto,1926), Fritz Lang (Las tres luces, 1921; Metrópolis, 1926) y George W. Pabst (La calle sin
alegría, 1925), a caballo del cine comercial, de gran espectáculo, y el más intimista, sustentado
por el expresionismo y la puesta en escena impulsada por el Kammerspielfilm, y las
aportaciones realistas y melodramáticas de la Nueva Objetividad.

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Este experimento realizado a través del montaje se basó en la yuxtaposición de un

Metrópolis (1926) de Fritz Lang mismo primer plano del actor Iván Mozzhujin con planos de un plato de sopa, una niña en un
ataúd y una mujer en un diván. Las tres breves secuencias hacían al espectador reconocer en la
El cine surgido de la revolución rusa (1917) dio paso a numerosas e importantes impasible cara del actor las sensaciones de hambre, dolor y la lujuria.
aportaciones teóricas que se concretaron en los trabajos de Dziga Vertov —sobre todo el "cine
ojo": objetividad de la cámara-, de Lev Kulechov —en su laboratorio experimental desarrolló la
teoría del montaje- y el grupo de la Fábrica del Actor Excéntrico (FEKS), dirigido por Gregori
Kozintev, Leoni Trauberg y Sergei Yukevitch, totalmente opuestos a la objetividad de Vertov.
¿Lo Sabías?
El efecto Kuleshov
Otro de sus experimentos más reconocidos por la cinematografia rusa fue el llamado
Efecto Kuleshov. En él se reconoció, una vez más, la enorme importancia del montaje y El cine-ojo nace a finales de 1919 en una Rusia recién azotada por la guerra civil. En
demostró la tendencia a leer textos yuxtapuestos como uno solo, construyendo una historia. un contexto de hambre y miseria, los artistas promovían una revolución artística, en
Además, definió el plano como signo que construye el cine, del mismo modo que las letras consonancia con la social y política que se estaba llevando a cabo. Dziga Vertov, seudónimo que
hacen palabras, que después son textos. en realidad significa peonza giratoria (su nombre original era Philip Kaufman) se junta con
Elizabeth Svilova, su mujer, y Mikhaïl Kaufman, su hermano, con motivo de promover esta
revolución cinematográfica. Atacando duramente el cine de ficción, al que denominaban cine-
mentira, y llevando a cabo una serie de documentales vanguardistas de cierta repercusión
nacional, se hicieron llamar los ‘kinoki’. Su influencia en etapas posteriores fue tal que Jean-Luc
Godard creó el Grupo Dziga Vertov en 1969 para rendirles homenaje.

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la tripulación se rebeló contra los oficiales del régimen zarista. El filme está considerada como
una de las películas más influyentes de todos los tiempo y fue nombrada mejor película de la
Entre las características principales del cine-ojo destacan la búsqueda de la realidad y historia en la Exposición General de Bruselas de 1958
la espontaneidad; la ausencia de decorados preconcebidos, de actores profesionales, de
maquillaje y efectos especiales. Atacaban duramente el cine de ficción, que se veía influido por
la literatura y el arte dramático. Según sus propias palabras, querían captar ‘la vida de
improvisto’ y ‘explorar el caos de los fenómenos visuales que llenan el espacio’. Aunque sus En otras cinematografías, las aportaciones individuales alcanzaron desigual fortuna.
películas puedan parecer muy objetivas, rozando el tono documental, hay que tener en cuenta El cine italiano después el éxito conseguido con las grandes producciones históricas de la
que lo que buscaban era “un ritmo propio, que no hayan sido sisado de otro lugar y que se década anterior —un modelo denominado peplumentre los referentes cinematográficos- sólo
encuentra en el movimiento de las cosas”. logra un cierta representatividad gracias a la presencia en sus producciones de ciertas actrices
como Francesca Bertini o Lyda Borelli.
No obstante, además de estos nombres, y desde los valores culturales que
impulsaron su trayectoria artística, cabe mencionar al gran maestro soviético: Sergei M. El drama nórdico se sostiene en las películas de los suecos Victor Sjöström “Korkalen
Eisenstein, director que supo aprovechar y enriquecerse con las aportaciones de directores de “ - La carreta fantasma (1920) y Mauritz Stiller (La expiación de Gösta Berling (1923), directores
todo el mundo para construir un cine de gran efectividad plástica e ideológica “Stachka “- La que marcharán a trabajar a Hollywood durante esta década, y en la del danés Carl Theodor
huelga (1924 ) ;” Bronenosec Potyomkin”- El acorazado Potemkin, 1925;” Oktjabr”- Octubre, Dreyer, que firmará una de las películas más importantes de estos años: “La Passion de Jeanne
(1927). D’Arc”- La pasión de Juana de Arco (1928).
A su sombra se movieron con desigual fortuna “Potomok Chingos-Khana” –

Tempestad sobre Asia (1928) de Vsevolod Pudovkin y Aleksandr Dovjenko.
Los especialistas de todos los tiempos han incluido a “La Passion de Jeanne D’Arc”-
La pasión de Juana de Arco (1928). de Carl Dreyer entre los diez mejores filmes del planeta La
“ Bronenosec Potyomkin” El acorazado Potemkin, (1925) dirigida por el cineasta protagonista principal, Renée Maria Falconetti convierte a su rostro desnudo de todo maquillaje
soviético Serguéi M. Eisenstein. a reproduce y conmemora el motín ocurrido en 1905, cuando

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en la máscara más conmovedora y humana del séptimo arte gracias a la fotografía delpolaco
Rudolph Maté

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El cine estadounidense de los 20

Después del aprendizaje que muchos directores tuvieron a lo largo de los años diez,
no debe resultar llamativo el hecho de que a lo largo de los años veinte dirigieran algunas de
las películas más importantes, llamativas y sorprendentes de sus respectivas carreras y de la
Historia del Cine.
Si Mack Sennett se había convertido en el máximo exponente del cine de destrucción

(de sus manos salieron el famoso grupo de policías —los Keystone Cop-, la guerra de pastelazos,
con una acción vertiginosa que dio lugar al estilo slapstick), sus discípulos Harold Lloyd y Charles
Chaplin progresaron hacia un cine de mayor interés y efectividad, una línea que progresaría Harold Lloyd Harold fue un actor cinematográfico estadounidense, considerado uno
gracias a las aportaciones de Búster Keaton. El cine cómico y la comedia se entrelazan en las de los más grandes cómicos de la historia del séptimo arte actuó en 208 películas entre 1913 y
películas de estos actores-directores, situándolos en la cumbre el cine que alcanzaron no sólo 1947. Durante la década de los veinte fue el actor más popular y mejor pagado del universo
por sus propios trabajos sino, también, por el éxito popular conseguido en todo el mundo. cinematográfico. Es conocido sobre todo por las secuencias de persecución que incluían proezas
físicas como trepar por los muros de altos edificios. Junto a Buster Keaton y Charlie Chaplin
forma el trio de grandes cómicos del cine mudo.
Harold Lloyd, por su parte, también después de un dilatado aprendizaje alcanzó su
mayor gloria con el desarrollo de "gags" y situaciones muy divertidas en películas como El
estudiante novato (1925), lo importante es la seguridad “Safety Last” (1926) y Relámpago
(1928) Casado y con suegra” Hot wáter” (1924)
El chico (1921) y La quimera del oro (1925)
Charles Chaplin hizo famoso su personaje de "Charlot" gracias a la caracterización que

se convertiría con el tiempo en uno de los iconos más recordados. Si ya fueron importantes
películas como El vagabundo (1915), El inmigrante (1917) y Armas al hombro (1918), desarrolló
sus fundamentales argumentos temáticos —sobre la base de un tono tragicómico- en “The El héroe del rio (1928) El maquinista de la general (1927)
Kid”- El chico (1921) y “The Gold Rush “ La quimera del oro (1925).
Buster Keaton se caracterizó por un rostro inexpresivo (lo que provocó que se le
llamara "cara de palo") y el tener que enfrentarse estoicamente a un mundo que se rebelaba a
cada instante ante lo que hiciese. Lo mejor de su trabajo se encuentra en” Our hospitality” La
ley de la hospitalidad (1923),” Sherlock, Jr. – El moderno Sherlock )1924), “Seven chances “- Las
siete ocasiones (1925), “The General “ -El maquinista de la General (1927) , El cameraman
(1928). ”Steamboat Bill, Jr.” - El héroe del rio (1928)

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El jorobado de nuestra Sra. de Paris- The Hunchback of Notre Dame -(1923) y El fantasma de la
ópera (1925)
Lon Chaney, apodado "El Hombre de las Mil Caras", fue un actor estadounidense de la era del
cine mudo. Considerado uno de los actores más versátiles de los comienzos del cine, es recordado
principalmente por sus interpretaciones de "caracterización extrema" donde representa personajes
torturados, a menudo grotescos y afligidos sus más memorables Quasimodo, el campanero de Notre Dame,
y Erik, el "fantasma" de la Ópera de París , sus representaciones buscaban una reacción de simpatía y
tristeza entre la audiencia y no aterrarlos o hacerlos sentir rechazo hacia esos personajes desfigurados que
tan sólo eran víctimas del destino.
El mexicano Ramón Novarro interpreta a Ben Hur en la cinta de Fred Niblo de 1923
Novarro - por cierto Primo de la también actriz Dolores del Río- fue el primer actor mexicano El cine estadounidense se benefició a lo largo de estos años de la presencia de
que trabajó y que logró el éxito en Hollywood donde participó en 55 películas además de numerosos directores y técnicos europeos que decidieron probar fortuna en su industria. Entre
incursionar como director, productor y guionista. los emigrantes más reconocidos de esta época se encontraron los austríacos Erich von
Stroheim, muy agudo a la hora de abordar temas sociales con ironía y realismo “17. –
Foolish wives “- Esposas frívolas (1921); El carrusel de la vida,1922; “Greed “- Avaricia (1923), y
Además del cine cómico, la industria estadounidense abordó otros temas, dando
Joseph von Sternberg, quien puso los cimientos de un género típico americano -el cine de
origen a una serie de líneas de producción que se denominarían géneros. Desde el cine del
gangsters (cine negro)- con la película La ley del hampa (1927). El alemán Ernst Lubitsch da sus
Oeste (western), con singulares aportaciones de John Ford (El caballo de hierro, 1924; Tres
primeros pasos hacia un cine mordaz e irónico que consolidará tras la implantación del cine
hombres malos, 1926), hasta el cine de aventuras impulsado por Allan Dwan (Robin Hood, 1922;
sonoro. El sueco Victor Sjöström dejará su buen hacer en El viento (1928) y el francés Jacques
La máscara de hierro, 1929), se pasa por el cine bélico y social de King Vidor “The big parade “-
Feyder aprovechará la presencia de Greta Garbo para rodar con la Metro Goldwyn Mayer El
El gran desfile (1925); Y “The Crowd “ - El mundo marcha (1928) y William A. Wellman (Alas,
beso (1929).
1927), y los melodramas de Frank Borzage (El séptimo cielo, 1927), entre otros muchos, además
de las sorprendentes obras de terror interpretadas por Lon Chaney (El jorobado de Nuestra
Señora, 1923, de Wallace Worsley; el fantasma de la ópera, 1925, de Rupert Julien), las de los
galanes románticos John Gilbert (Sota, caballo y rey,1923, de John Ford; Su hora, 1924, de King
Vidor), Ramón Novarro (Ben-Hur,1925, de Fred Niblo ; El príncipe estudiante, 1927, de Ernst
Lubitsch) y Rodolfo Valentino (Los cuatro jinetes del Apocalipsis, 1921, de Rex Ingram; Sangre
y arena, 1922, de Fred Niblo; El águila negra, 1925, de Clarence Brown).
Fueron unos años importantes para el star-system cinematográfico.

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historias, obligando a una reestructuración industrial que afectará, inevitablemente, a la

comercialización de las películas en todo el mundo.
La polémica suscitada entre la Warner (su sistema llamado Vitaphone suponía la

sincronización del disco con el proyector cinematográfico) y la Fox (tenía el sistema Movietone)
y la RCA (con su sistema Photophone), éstos con el registro del sonido en la misma película
(llamado sonido óptico), y otras empresas, obligó a decidir adoptar un sistema estándar de
sonido para evitar el caos en la industria. Se decidió que el más apropiado era el sonido óptico,
porque iba impreso en la misma película.
¿Lo Sabías?
En octubre de 1928, cuando Walt Disney buscaba distribuidor para las dos películas
que había producido con Mickey Mouse como protagonista, se proyectó el primer filme del cine
sonoro. Adelantándose a otros productores que creyeron pasajera aquella innovación, Walt se
apresuró a incorporar el sonido a una tercera película de Mickey, Willie en el barco de vapor
(1928). Buen imitador de voces y acentos, Disney hizo el doblaje de Mickey y su novia, Minnie,
a fin de abaratar costos. La película, estrenada el 18 de noviembre de 1928 en un teatro de
Nueva York, obtuvo un rotundo éxito de público y crítica.
El cantante de jazz (1927) dirigida por Alan Crosland. es la primera película sonora de
la historia del cine significando para los hermanos Warner -sus productores- un éxito económico
nunca antes registrado
Consolidación del sonido

Desde finales del siglo XIX, cuando se producen las primeras imágenes en
movimiento, se intentó que tanto el fonógrafo inventado por Edison como el gramófono
diseñado por Emil Berliner pudieran se acoplados al Cinematógrafo. Quien lo intentó en primer
lugar fue el francés Auguste Baron, después le siguieron otros muchos. No obstante, cuando el
Cinematógrafo comienza a difundirse por el mundo, lo empresarios tenían más interés en
explotar el nuevo espectáculo que en pensar en rentabilizar algo nuevo, económicamente más
costoso. Steamboat Willie 1928 de Walt Disney primer corto sonorizado
A partir de los experimentos e investigaciones que se remontan a los primeros años Las primeras películas sonoras que comenzaron a circular por todo el mundo se
del siglo XX, y que se centran en el registro y la reproducción del sonido cinematográfico, los adaptaron a las circunstancias del momento. Se proyectaron películas mudas sonorizadas y se
sistemas que se patentan en torno a los años veinte buscan hacer realidad un sueño de muchos: remontaron otras incorporándoles partes sonoras. Los Estudios afincados en Hollywood
que los actores hablen en la pantalla. La - Warner Bros. es la primera empresa que se arriesga comenzaron a producir películas en varias versiones (idiomas) con el fin de comercializar cada
a producir las primeras películas "sonoras" y "habladas". El primer intento parcial se aprecia en una en su correspondiente país, sobre todo cuando la versión original con subtítulos fue
Don Juan (1926), y el segundo y más importante, en El cantante de jazz (1927), ambas dirigidas rechazada en la mayoría de los países. Este sistema perduró durante unos años hasta que vieron
por Alan Crosland. Este nuevo paso tecnológico va a influir de manera determinante en la que resultaba muy costoso. Fue el momento en que los productores decidieron adoptar el
industria, en los profesionales que en ella trabajan, en los planteamientos estéticos de las doblaje como opción más económica. Con el tiempo, se adoptó e implantó definitivamente

50
dicho procedimiento en casi todos los países, con lo que la obra original comenzó a tener
"versiones" derivadas de la traducción realizada en cada país.
Entre las películas que muestran los problemas que se vivieron en diversos países
entre 1926 y 1931, cabe mencionar El séptimo cielo (1927), de Frank Borzage, La muchacha de
Londres (1929) , de Alfred Hitchcock, M, el vampiro de Dusseldorf (1931), de Fritz Lang, y la
española El misterio de la Puerta del Sol(1928), de Francisco Elías, entre otras. Sobre la vivencias
de los actores y los problemas económicos y técnicos vividos en los grandes Estudios
estadounidenses durante los rodajes de las primeras películas sonoras.

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De hecho el modo de hacer del cine en USA cambió, se hizo menos abierto a la
crudeza social, menos naturalista, mas sin embargo A pesar de ser un indudable período de
represión, esta necesidad de esquivar la tijera del censor, hizo aflorar toda una serie de
recursos, de dobles sentidos, de referencias veladas. En determinados casos y en géneros como
la comedia, dio pie a la sugerente habilidad de no mostrar o no decir abiertamente aquéllo que
resultaba obvio.
¿Lo Sabías?
El cine, como toda expresión artística, no tardó en generar polémica. En plena década
de los años veinte, a los controvertidos argumentos que pudieran aparecer en pantalla, se
sumaban los escándalos de actores y directores fuera de ella. La prensa sensacionalista de la
época fue un hervidero con todas sus explosivas tribulaciones, plagadas de asesinatos, de
drogas o de muerte. La meca del cine fue representada nada menos que como un escenario de
depravación e inmoralidad. Entre los sucesos más sonados, encontramos el de la supuesta
La Autocensura (El código Hays). violación y posterior fallecimiento de la desconocida aspirante a actriz Virginia Rappe a manos
del cómico Roscoe Arbuckle. También fue muy divulgado el divorcio de la entonces célebre Mary
El código Hays, creado por la asociación de productores cinematográficos de Estados Pickford, de su primer marido Owen Moore, mientras mantenía un romance con Douglas
Unidos (MPAA) fue un código de producción cinematográfico que describía lo que era Fairbanks.
considerado moralmente aceptable y determinaba con una serie de reglas restrictivas qué se
podía ver en pantalla y qué no en las producciones estadounidenses. Al principio, la mayoría de los directores hicieron caso omiso del código Hays, pero
en 1934, éste se volvió obligatorio. Todas las distribuidoras de cine en Hollywood dependieron
Fue escrito en 1929, por uno de los líderes del Partido Republicano de la época, del visto bueno —«el sello de la pureza»— del código Hays, bajo el riesgo de recibir una fuerte
William H. Hays, con la ayuda del editor católico Martin Quigley y del sacerdote jesuita Daniel multa, además de serias dificultades para su distribución y mala publicidad. Tras revisar el
A. Lord, producto, el representante —más bien, censor— otorgaba su certificado de aprobación para
que el público pudiera ver la cinta.
Aunque establecido en 1930, se aplicó desde 1934 hasta que se abandonó en 1967, -
para dar lugar al nuevo sistema de Clasificación por edades de la MPAA-.
El código se constituyó además de un sistema de censura, en una eficaz herramienta

proteccionista que prohibía la exhibición en Estados Unidos de la mayoría de las películas
europeas o independientes quienes en sus temáticas o contenidos a menudo violaban el estilo
de Hollywood.

52
 El tráfico clandestino de drogas y uso de éstas no serán mostrados, en

Las prohibiciones del código ningún film.
 Fuera de las exigencias propias de la trama y de los personajes, no se dará
Principios generales lugar al alcohol en la vida norteamericana.
No se autorizará ningún film Vulgaridad

que pueda rebajar el nivel moral de los
espectadores. Nunca se conducirá al  Abordando temas groseros, repugnan-tes y desagradables, pero no
espectador a tomar partido por el necesa-riamente malos, se deberá atender a las exigencias del buen gusto
crimen, el mal, el pecado. y se respetará la sensibilidad del espectador.
Los géneros de vida descritos en

el film serán correctos, teniendo en Alcohol
cuenta las exigencias particulares del  El uso de alcohol nunca se debe representar de manera excesiva. En las
drama y del espectáculo. escenas de la vida americana, las exigencias de la trama y de una pintura
La ley, natural o humana, no satisfactoria de los personajes pueden sólo justificar su existencia. E incluso
en ese caso, el realizador deberá dar pruebas de moderación.
será ridiculizada y la simpatía del
auditorio no irá hacia aquellos que la
violentan. Religión
El código enumeraba tres "principios generales".  Los ministros del culto en sus funciones de ministros de culto no serán
mostrados nunca bajo un aspecto cómico o crapuloso. Los sacerdotes, los
Especificaba además las restricciones como aplicaciones particulares de los tres principios pastores y las religiosas nunca se podrán mostrar capaces de un crimen o
anteriores. de un grupo impuro.
Blasfemias
Crímenes  Las blasfemias intencionales y todo propósito Irreverente o vulgar, están
prohibidas bajo todas sus formas. El personaje de Cristo debe ser tratado
 La técnica del asesinato deberá ser presentada de manera que no suscite con respeto. Cristo no es tema para una comedia. Iguales reglas regirán en
imitación. lo que atañe a la Santa Virgen.
 No se mostrarán los detalles de los asesinatos brutales.
 La venganza, en nuestros días, no será justificada. El Código de Producción no dará consentimiento al empleo en un film de ninguna de
 Los métodos de los criminales no deberán ser presentados con precisión. las palabras de la lista siguiente, que no es exhaustiva:
 Las técnicas del robo, de la perforación de cajas fuertes y el dinamitado de
trenes, minas y edificios, no deben ser detalladas. Dios: Señor; Jesús; Cristo (empleado con irreverencia);
 Se observarán las mismas precauciones en lo que concierne al incendio Mierda, Kilombo; Jodido; Jodedor, Caliente (referido a una mujer); Virgen; Puta:
voluntario. Mariquita; Cornudo; Hijo de puta; Metido;
 La utilización de armas de fuego será reducida al mínimo estricto.
 La técnica del contrabando no será expuesta. Chistes de W.C.: Historietas de viajantes de comercio y de hijas de granjeros;

53
Condenado; Infierno (salvo cuando estas dos últimas palabras son Indispensables y Cuando se trata de un amor impuro, de un amor que la sociedad siempre ha tenido
necesarias a la representación, en un contexto histórico correcto, en una escena a un diálogo, por malo o que la ley divina condena, importa observar las reglas siguientes:
fundamentados sobre un hecho histórico o folklórico o a raíz de una cita bíblica, en su contexto,
o una cita literaria, y a condición de que no se haga ningún empleo de esas palabras que no sea  Un amor impuro nunca debe parecer atractivo o hermoso.
conforme al buen gusto o reprensible en sí).  No debe ser objeto de una comedia o de una farsa o utilizado para provocar
la risa.
 No debe originar en el espectador el deseo o una curiosidad malsana.
La sexualidad  No debe parecer justo ni permitido.
 En general, no se deben detallar ni en el método ni en la manera.
 El carácter sagrado de la institución del matrimonio y del hogar será
mantenido. Los films no dejarán suponer que formas groseras de relación
sexual son cosa frecuente o reconocida. Vestuario
 El adulterio y todo comportamiento sexual ilícito, a veces necesarios para
la Intriga, no deben ser objeto de una demostración demasiado precisa, ni El desnudo completo no se admite en ningún caso. Esta prohibición alcanza al
ser justificados o presentados bajo un aspecto atractivo. desnudo de hecho, al desnudo en siluetas y a toda visión licenciosa de una persona desnuda a
la vista de otros personajes del film. Se prohíbe igualmente mostrar los órganos genitales de
Escenas de pasión: los niños, comprendidos los de los recién nacidos.
 No deben ser introducidas en la trama salvo que sean indispensables. Los órganos genitales del hombre no se deben delatar bajo un ropaje de bolsas o de
 No sé mostrarán besos ni abrazos de una lascividad excesiva, de poses o pliegues sugestivos. Si un tema histórico exige un pantalón ajustado, la forma característica de
gestos sugestivos. los órganos genitales debe ser suprimida en la medida de lo posible.
 En general, el tema de la pasión debe ser abordado de manera que no
despierte emociones viles o groseras seducción: la violación. Los órganos genitales de la mujer no deben delatarse bajo un tul, ni en sombras ni
 Nunca deben aventurarse más lejos, en este dominio, que de la alusión y como un surco. Toda alusión al sistema capilar, incluidas las axilas, está prohibida.
esto únicamente cuando la trama no pueda evitarlo. Estos temas nunca
deben ser objeto de una descripción precisa. Incluso la descripción de la Las escenas de quitarse las ropas deben evitarse si no son indispensables para la
víctima debatiéndose ante la violación está prohibida. trama. En lo sucesivo queda prohibido mostrar a las mujeres quitándose las medias. Nunca un
hombre deberá quitar las medias a una mujer. No está permitido para los hombres quitarse el
Nunca son convenientes para una comedia: pantalón. Si el argumento lo exige, se les puede mostrar con el pantalón ya quitado a condición,
sin embargo, de presentarlos con una ropa interior conveniente.
 Las perversiones sexuales y toda alusión a éstas está prohibida.
 Nunca se tratará el tráfico de blancas.  Las exhibiciones están prohibidas - El ombligo también.
 Los vestuarios de la danza que permitan exhibiciones inconvenientes y
Decisiones particulares sobre la sexualidad movimientos indecentes durante la danza están prohibidos.
Por respecto al carácter sagrado del matrimonio y del hogar el “triángulo” –si se
entiende por tal el amor de un tercero por una persona ya casada— será objeto de un
tratamiento particularmente circunspecto. No debe presentar la institución del matrimonio Decisiones particulares sobre el vestuario
como antipática.
Se ha decidió que las medidas tomadas por el Código de Producción en lo que atañe
Las escenas de pasión deber ser tratadas sin olvidar qué es la naturaleza humana, y al vestuario, el desnudo, las exhibiciones indecentes no se deben interpretar de manera que se
cuales son las acciones habituales. Numerosas escenas no pueden ser presentadas sin excluyan escenas auténticamente fotografiadas en países extranjeros que muestran la vida
despertar emociones peligrosas en los jóvenes, los retardados y los criminales. indígena en ese país, si esas escenas forman parte integral de un film que describe
exclusivamente la vida indígena, a condición de que esas escenas no tengan nada de reprensible
Incluso en los límites del amor puro, hay hechos cuya presentación ha sido siempre en ellas mismas, que no sean empleadas en ningún film realizado en estudios y que no se
considerada por los juristas como peligrosas.

54
subraye en modo alguno en esas escenas las particularidades del cuerpo, del vestuario o de la El buen gusto y la delicadeza deben regir la utilización de los dormitorios. Evitar dar
ropa de los indígenas. demasiada importancia a la cama. Es preferible que las parejas ca-sadas duerman en camas
separadas. Si es imposible evitar la cama común, no se permitirá bajo ningún concepto mostrar
a la pareja en la cama al mismo tiempo.
Decisiones particulares sobre el desnudo.

Temas reprobables.
 El efecto del desnudo o del semidesnudo sobre los hombres y las mujeres
normalmente constituidos, y más aún sobre los adolescentes y los Los temas siguientes deben ser tratados sin pasar las fronteras del buen gusto:
retardados, ha sido reconocido con honestidad por los que hacen las leyes
y los moralistas.  El ahorcamiento o la electrocución como castigos legales del crimen.
 De donde se desprende el hecho de que la posible belleza de un cuerpo  El estrangulamiento.
desnudo o semidesnudo no impide la inmoralidad de su exhibición en el  La brutalidad y lo macabro. Toda alusión a la cópula de un hombre y un
film. Pues, a pesar de su belleza, el efecto de un cuerpo desnudo o cadáver está prohibida y, si se muestra a una muerta, evitar darle un aire
semidesnudo sobre un individuo normal debe ser tomada en consideración. seductor.
 El recurso del desnudo o del semidesnudo con el simple propósito de  La marca con fuego de animales y hombres.
“sazonar” un film debe colocarse entre las acciones inmorales. Es inmoral  La crueldad visible hacia animales o niños. La palmada en el trasero está
en su efecto sobre el espectador medio. permitida si encuentra una justificación en la trama. Nunca será aplicada
 El desnudo en ningún caso puede ser de una importancia vital para la trama. sobre las nalgas desnudas.
El semidesnudo no debe traducirse en exhibiciones inconvenientes u  La venta de mujeres o una mujer vendiendo su virtud.
obscenas.  Las operaciones quirúrgicas. Toda visión de un bisturí o de una aguja
 Las telas transparentes o translúcidas y las siluetas son con frecuencia más hipodérmica que penetra en la piel, toda extracción de sangre, están
sugestivas que un desnudo. prohibidos.
 Las heridas deben mostrar un mínimo estricto de sangre, incluso en los films
de guerra.
Baile
 Las danzas que sugieran o representen actos sexuales o pasionales
indecentes están prohibidas.
 Las danzas que acentúen los movimientos indecentes serán juzgadas
obscenas. Todo menear de caderas y todo moviendo del bajo vientre deben
ser vigilados estrictamente.
Decisiones particulares sobre la danza
 A la danza se la considera Universal $ mente como un arte y un medio de

expresión de emociones humanas particularmente bellas.
 Pero las danzas que sugieren o representan actos sexuales, sean ejecutadas
por una, dos o numerosas personas, las danzas que tienen por fin provocar
reacciones emotivas del público, las danzas que originan movimientos de
senos, una agitación excesiva del cuerpo estando inmóviles, son un ultraje
al pudor y son malas.
Decorados
55
¿Lo Sabías?
Los censurados
Durante sus primeros años de vigencia, se observó el código con cierta permisividad
y ello favoreció a ciertas producciones que lograron esquivar sus directrices. En plena era de la
Gran Depresión, los estudios no podían permitirse más pérdidas, por eso fueron reacios al
principio a adoptar una serie de medidas que afectaban directamente a los géneros de moda,
como las películas de gángsters o las comedias. Sin embargo, las amenazas de boicot por parte
del sector católico de la sociedad americana y la retirada de fondos por parte algunos inversores
influyentes, obligaron a los estudios a acatar el código en firme a partir de 1934. Estos años se
denominaron como el Pre-Code Hollywood.
La primera víctima del código Hays fue el comediante «Fatty» Arbuckle, a quien la
comisión censuró hasta poco antes de su muerte debido a un escándalo que protagonizó en
años previos a la implementación del «reglamento de la decencia».
También los cortos animados se vieron afectados: Betty Boop tuvo que alargar su
falda y reducir su escote para ser aprobada. Ni los Hermanos Marx quedaron fuera del estricto En el ámbito del vestuario, el código Hays prohibía el desnudo completo, «no admisible en
Breen: en la película “Monkey Business” —Los rompecabezas— (1931) se tuvo que editar una ningún caso» e incluso las escenas de las mujeres quitándose las medias. Por ello, en «Con faldas
escena en la que Groucho comparaba las virtudes de una dama con el aceite de un automóvil. y a lo loco» decidieron incluir más lentejuelas en el vestido de Marilyn Monroe en una de las
El filme “Tarzan and his Mate” —Tarzán y su compañera— (1934) fue mutilado para escenas más sensuales de la película. De hecho, llama poderosamente la atención ver a Jane,
evitar mostrarle al público «partes no permitidas» del cuerpo de Maureen O’Sullivan. interpretada por Maureen O'Sullivan, con un vestuario más atrevido en las películas de
Hubo algunos arriesgados como Cecil B. De Mille quien, pese a las advertencias y principios de los treinta, como «Tarzan y su compañera», que en las posteriores secuelas de los
críticas de Hays que censuraban las partes de fuerte contenido lésbico y violencia en su más años 40, como «El tesoro de Tarzán».
reciente producción de “The Sign of the Cross” —El signo de la cruz— (1932), la estrenó tal
como la había concebido; sin embargo, años después, en su reestreno, fue proyectada con la
debida censura.
Destaca también el caso de David O. Selznick, quien prefirió pagar una multa antes
que cambiar la frase final dicha por Clark Gable en Lo que el viento se llevó — “Gone With the
Wind “— (1939): «Frankly my dear, I don’t give a damn» —Francamente querida, me importa
un bledo.
El director y magnate Howard Hughes tuvo que pasar por fuertes discusiones para
estrenar “The Outlaw” —El forajido— (1943), dada la sugestiva pose de la actriz Jane Russell en
los carteles de promoción.
Por otra parte, en el final de “The Bad Seed “—La mala semilla— (1956), del director
Mervyn LeRoy, la autora de los crímenes a lo largo de la cinta debe tener un final ejemplar y
casi divino, a diferencia de lo que sucedía originalmente en la obra de teatro.

56
Academia. donde se dieron cita 36 personalidades de la industria
"la estatuilla de la Academia", "el trofeo

dorado" o "la estatuilla al mérito" de la Academy of
Motion Picture Arts and Sciences. “AMPAS”
"La génesis de la Academia fue completamente repentina, sin planificación, no
premeditada y bastante espontánea", contó el actor Conrad Nagel una vez cuando tuvo que
contar cómo surgieron los premios Oscar. Según Nagel, en 1926 estaba cenando un día junto al
director Fred Niblo y el productor Louis B. Mayer, y este último se empezó a quejar de los
constantes ataques que recibía Hollywood y de que era una pena que no existiera una
organización que representara a Hollywood para poder defenderse con un discurso unificado.
Una semana después, estas tres personas se juntaban con otros representantes de la industria,
y un año y medio después ya estaba creada .
Louis B. Mayer presidente de la MGM, padre del Star System americano, y quizás la
persona más poderosa que tenía Hollywood por esos años. Definio que los ataques Hollywood
provenían mayormente de: la base trabajadora de la industria, las clases moralistas y censoras
y la critica popular.
 Los sindicatos, que reclamaban mejores condiciones de salario y empleo.

 Organizaciones familiares y miembros eclesiásticos que tan solo veian en
la industria una suerte de caldo de cultivo de inmoralidad y escándalos.
 Ademas los intelectuiales de la época formaban una parte importante
de la críticas e influenciaban a través de la radio y la prensa al público en
general de manera negativa ya que no veían en la industria más que una
máquina de producir trivialidades Imposibles de ser tomadas seriamente.
La AMPAS "Academy of Motion Picture Arts and Sciences" (Academia de Peliculas

Artes y Ciencias) fue creada el 4 de mayo de 1927 cuando se celebró una cena en el Crystal
Ballroom, del Hotel Biltmore, en el centro de Los Ángeles, para establecer los objetivos de la

57
Aquella noche se discutió, entre otros temas, cómo se reconocería los logros Película sobresaliente Alas — Paramount Famous Lasky Co.
sobresalientes en la realización de una película, en todas las facetas de la producción Producción única y artística Amanecer — Fox Films Co.
cinematográfica pero solo un objetivo el "mejorar la calidad artística de las cintas, crear una
plataforma común para las distintas ramas y oficios de la industria, fomentar la investigación Mejor dirección – Drama Frank Borzage - El séptimo cielo
técnica y el progreso cultural”. Mejor dirección – Comedia Lewis Milestone - Hermanos de armas
Mejor actor Emil Jannings – La última orden y El destino de la carne
La estatuilla que representa su premio fue elaborada al año siguiente por el
escenógrafo de la Metro Goldwyn Mayer, Cedric Gibbons, quien eligió para su diseño a un Mejor actriz Janet Gaynor – El séptimo cielo, El ángel de la calle y Amanecer
hombre desnudo posando con una espada y erguido sobre la bobina de una película con cinco Mejor argumento Ben Hecht – Underworld
pequeñas cavidades, cada una de ellas representando las secciones de las que La estatuilla que
representa su premio fue elaborada al año siguiente por el escenógrafo de la Metro Goldwyn Mejor adaptación El séptimo cielo – Benjamin Glazer;
Mayer, Cedric Gibbons, quien eligió para su diseño a un hombre desnudo posando con una basado en la obra de Austin Strong
espada y erguido sobre la bobina de una película con cinco pequeñas cavidades, cada una de Mejor dirección de arte The Dove y Tempest – William Cameron Menzies
ellas representando las secciones de las que se componía la Academia: actores, directores, Mejor fotografía Amanecer – Charles Rosher y Karl Struss
escritores, técnicos y productores. Inicialmente, el material elegido para realizar la estatuilla Mejores efectos de ingeniería Alas - Roy Pomeroy Ralph Hammeras
era el bronce y consta entre sus dimensiones de unas trece pulgadas y media y pesa cerca de Nugent Slaughter
nueve libras y según indican algunas fuentes el actor y posterior director mexicano Emilio Mejor escritura de intertítulos Joseph W. Farnham
Fernández (El Indio Fernández) sirvió de modelo para dibujar el boceto.
Algunas nominaciones fueron sin aludir a una película específica, como para Ralph
Hammeras y Nugent Slaughter, que recibieron nominaciones en la categoría ahora inexistente
de efectos de ingeniería.
Al contrario de las ceremonias siguientes, un actor o director podía recibir un premio por
múltiples obras en un año. Emil Jannings, por ejemplo, recibió el premio al mejor actor por su
trabajo tanto en El destino de la carne como en La última orden.
La primera ceremonia de entrega tuvo lugar el 16 de mayo de 1929 en el hotel

Hollywood Roosevelt, y fue conducida por el actor actor Douglas Fairbanks, los primeros
premios fueron entregados en una cena privada donde las 270 personas que asistieron pagaron
$ 5.00 dolares de admisión y donde todos de sabían acon anticipación quiénes eran los
ganadores.
Durante la ceremonia sw quince minutois de duraciónm, la Academia presentó los

Premios en doce categorías. - Se anunciaron los ganadores tres meses antes del evento -

58
A partir de 1935, tuvo inicio una tendencia democratizadora, con Frank Capra dirigiendo la
Academia, que intentó evitar presiones de las grandes empresas productoras y favoritismos de
los académicos.
¿ Lo Sabías?
El origen del nombre «Óscar» es aún muy debatido.
Una versión muy extendida acerca del nombre de la estatuilla tuvo origen en 1931, cuando la
secretaria ejecutiva de la Academia, Margaret Herrick, vio por primera vez el premio e hizo una
referencia con su «tío Óscar» (sobrenombre para su primo Oscar Pierce). El columnista Sidney
Skolsky, quien estuvo presente cuando Margaret Herrick nombró la estatuilla, adoptó el nombre
en uno de sus artículos el cual rezaba: «los empleados han nombrado afectuosamente su
famosa estatuilla como Óscar».
Una biografía de la actriz Bette Davis afirma que la estatuilla fue nombrada como tal en honor
a su primer esposo, Oscar Nelson; una de las primeras menciones de la estatuilla como «el
Óscar» se remonta a 1934, en un artículo realizado por la revista TIME sobre la sexta ceremonia
Para honrar los logros cinematográficos sobresalientes de los años 1927 y 1928. Wings fue de entrega de premios, donde Walt Disney citó haber agradecido a la Academia por el Óscar
la primera película en ganar el premio a la mejor película (galardón entonces conocido como que ganó en dicho año.
«Película sobresaliente»), además de ganar el premio a los mejores efectos de ingeniería para
Roy Pomeroy,- entregado por única vez esa noche-. Finalmente, en 1939, el premio fue llamado oficialmente «Óscar» por la AMPAS. Otra versión
Sin embargo, se consideró como la ganadora más importante a la película Amanecer, quien acerca del origen del nombre se originó con Eleanor Lilleberg, secretaria ejecutiva de Louis B.
ganó el premio a la «mejor calidad artística de producción». Mayer, quien al ver la estatuilla exclamó: «¡se parece al rey Óscar II!».
Al año siguiente, la Academia abandonó aquel galardón y decidió retroactivamente que el
premio ganádo por Wings era el mayor honor que se otorgaría.
No hay que pasar por alto el detalle de que una de las circunstancias que
contribuyeron a que estos premios adquirieran más popularidad fue que nacieron en el
transcurso del cine mudo al sonoro. Por ello, en la primera ceremonia todas las cintas
seleccionadas eran mudas al año siguiente, el sonido inunda la entrega de “la estatuilla de la
Academia", "el trofeo dorado" o "la estatuilla al mérito" – según referia la prensa de entonces-
, por eso no fue extraño que triunfara un musical como "Melodías de Broadway" de Harry
Beaumont un año después.
Durante las primeras ceremonias se mantiene un equilibrio entre Fox y Paramount,
pero en los años treinta la tercera de las grandes productoras, la Metro Goldwyn Mayer toma
la delantera durante tres décadas.
De a poco, la popularidad del premio fue tal que no sólo se empezó a celebrar en
teatros, sino que empezaron a existir apuestas sobre los posibles ganadores por parte de los
espectadores,
¿Lo Sabías?
En 1934 se determina entre las reglas de elección que solo concursaran por la Sucedió una noche (1934) de Frank Capra fue la primera película en obtener los 5 premios más
estatuilla anual las películas estrenadas entre el 1 de enero y el 31 de diciembre anteriores a la importantes de la academia: Mejor película, mejor director, mejor actor, mejor actriz, y el Óscar
ceremonia de entrega.

59
al mejor guion adaptado. Tal logro sería igualado hasta 1975 con “One Flew Over the Cuckoo”
(Atrapado sin salida) y con el Silencio de los inocentes 1991
Fred Astaire y Ginger Rogers
Ginger Rogers se convirtió de la noche a la mañana en la mejor pareja de baile de

Astaire. Juntos, desde 1933 hasta 1939 hicieron nueve musicales para RKO y dieron un nuevo
sentido al musical cinematográfico, introduciendo rutinas de baile envueltas en una excelente
elegancia y virtuosismo, introduciendo canciones que se convirtieron en éxitos como "Cheek to
cheek", "They Can´t Take That Away From Me" o "They All Laughed".
Aún hoy en día, la expresión "Fred y Ginger" todavía es referencia de una de las parejas
más grandes de la historia del cine.

60
La fecha 24 de octubre de 1929 La estructura económica que parecía inquebrantable simplemente se derrumbó.
Las teorías sobre su causa son variadas y el debate entre expertos continúa hasta
nuestros días. Emtre los muchos factores destacan: La falta de diversificación de la
- El Jueves Negro - . economía, los desequilibrios económicos por la desigual distribución del ingreso, las
deudas de la larga guerra mundial de 1914 – 17, que impuso el Tratado de Versalles -
Durante la década de 1920 “ Los Alegres 20s” Estados Unidos consiguió un rápido mismas que los países europeos no pudieron saldar-, un fuerte descenso en el ciclo
desarrollo económico y una gran prosperidad. Fue una época de profundos cambios económico, la especulación del mercado de valores, el endeudamiento de la
en la economía por el crecimiento de las industrias, los avances tecnológicos, el población, los altos aranceles y otras restricciones al comercio internacional, la
progreso de la aviación y la industria del automóvil, el crecimiento de la población sobreproducción agrícola y finalmente el desplome del mercado.
urbana, el desarrollo de una cultura de masas, la llegada de los medios de
comunicación no escritos como la radio y el cinematógrafo y la importancia que Todo esto estuvo acompañado de un desastre natural sin precedentes en su
adquirió el mercado de valores. historia, el Dust Bowl. La gran sequia invadió la región entre el Golfo de México y
Canadá, 35 millones de hectáreas de tierras de cultivo fueron completamente
Mas sin embargo estudiosos de la economía llegan a la conclusión de que una destruidas y otros 100 millones de hectáreas perdieron su capa superior.
serie de factores sociales, ecológicos y políticos confluyen de manera individual y
estallan en conflictos al mismo tiempo ; Asi en el mes de octubre (Entre el uno de
octubre de 1929 y el 31 de agosto de 1931 cerraron 4.835 bancos , la quiebra bancaria
supuso una contracción de la demanda, El cierre de industrias, la pérdida de
propiedades agrícolas y un desempleo generalizado.
Miles de colonos que se habían establecido en las grandes llanuras en la última

mitad del XIX, dedicaron la tierra al cultivo de cereales y destruyeron las gramíneas
que mantenían la tierra cohesionada y húmeda; Con la sequía las capas superiores de
suelo se redujeron a polvo que fue desplazado hacia el sur y el este, formando nubes
gigantescas que viajaban hacia el Atlántico. Miles de familias de granjeros perdieron
Largas filas de cuentahabientes intentando retirar sus ahorros de las sucursales
sus tierras e iniciaron el éxodo hacia California y otros estados.
bancarias

61
especuladores “Era una birbuja inflacionaria”. Nadie pudo o quiso darse cuenta de la
gravedad de la situación.
Cuando el jueves 24 de Octubre de 1929 la Bolsa de Nueva York quebró, la

crisis fue inevitable y se extendió al sistema bancario, a la industria, el comercio.
La quiebra bursátil se convirtió pronto en financiera. El crédito cayó ante la

imposibilidad de los especuladores en bolsa de devolver los préstamos adquiridos
antes del crash. El pánico afectó enseguida a la banca, que se encontró atrapada entre
unos inversores que no podían devolver los créditos y unos ahorradores que corrieron
a rescatar sus fondos, temerosos de perderlos. Muchos bancos no pudieron hacer
frente a esta situación, precipitándose en la ruina. De los 23000 bancos
estadounidenses existentes, casi 5000 cerraron sus puertas, haciendo perder sus
ahorros a millones de ciudadanos.
Mientras tanto en las ciudadades hacia 1932 un veintiocho por ciento de la fuerza Con el crack de Wall Street del 29 de octubre de 1929 se terminó la
de trabajo americana estaba paralizada. -Durante el resto de la década nunca prosperidad de la década de 1920 y empezó un desempleo masivo que solo se
descendió del veinte por ciento- ciudades fabriles llegaron a tener hasta un 80% por resolvió con la economía de guerra generada tras la incorporación de Estados
ciento de trabajadores desempleados quienes buscaban día tras día, por las calles Unidos a la II Guerra Mundial.
algún trabajo remunerado sin encontrarlo.
La Gran Depresión en el cine

La reacción del cine ante la depresión económica fue lo que en términos
generales se ha llamado de “evasión”. El cine junto a los demás medios de
comunicación, potenció el consumo de masas y el gran mercado del entretenimiento,
los productores promovieron un medio en el que los ciudadanos buscaban una
distracción de sus problemas.
Al comienzo de la década fueron muy populares las películas de gánsteres las
cuales contribuirán a reafirmar el orden social ,fortaleciendo las instituciones sociales
A fines de la década, la prosperidad, que antes estaba basada en el desarrollo de la comunidad y en especial de la famila, haciendo valer el peso y los alcances del
industrial, paso a depender de la especulación. En 1928, algunos síntomas hacían largo brazo de la ley, recordando en todo momento que: “El que la hace, la paga”.
prever que la economía estaba en peligro. Los ingresos de la población no habían Invariablemente se abrirá oportunidad al cine de comedia y entre estas se
subido tanto como para que el consumo siguiera creciendo. Los almacenes estaban contrastara el humor de veteranos de la edad silente como Chaplin y Harold Lpyd a
llenos de mercancías que no podían ser vendidas y muchas fábricas comenzaron a quienes se sumaran un nuevo estilo el las parejas al estilo Oliver Hardy y Stan Laurel
despedir a sus trabajadores. y el irreverente doble sentido de los hermanos Marx .
Sin embargo en la bolsa de valores seguía la fiesta especulativa. Los precios Esta década pfrecera igualmente grandes películas de cine fantástico y de
de sus acciones seguían subiendo porque había una gran demanda de los aventuras, la proliferación de grandes escrtitores estadounidenses como Fitzgerald,
Dos Passos, Hemingway, Faulkner y Steinbeck hacen parte de un grupo que se
62
conocera como la “Generación perdida” quienes mostraran un realismo

inusitado al drama a demás de reforzarse extraordinarias adaptaciones de
clásicos de la literatura mudial , novela histórica y romántica. Finalmenete
tendremos oportunidad de contemplar la consolidación del genero de animación el
cual sin duda alguna contribuyo con el desarrollo del popular tecnicolor.
Así mismo sucedieron cambios relacionados con la industria en lo general, ya que
no pudo permanecer ajena al clima de preocupación e incertidumbre creado por la
crisis y el desempleo, era necesario para los estudios y los productores asegurar su
supervivencia con películas que fueran éxitos comerciales, había comenzado el gran
mercado del entretenimiento de masas.
También se puede localizar en esta década el comienzo de la costumbre de
vender palomitas, evidencia del mal momento económico que obligó a los dueños de
los teatros a buscar recursos extras. Hay también quienes aseguran que los finales
felices de las películas se hacen comunes para generar un clima de optimismo. “Yet a
‘happy ending’ negates all their harsh experiences, tacking on the note of New Deal
optimism”.
En conclusión, la oferta de películas no hizo más que contribuir para que el cine
se convirtiera en un verdadero pasatiempo, “más de 75 millones de espectadores
acudían al cine todas las semanas en Estados Unidos en la década de los treinta”.

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La MGM se hizo con el estrellato cinematográfico gracias a los temas románticos

dirigidos por Clarence Brown e interpretados por Greta Garbo (Ana Karenina,1935),
las más diversas historias firmadas por Victor Fleming (La indómita, 1935; Capitanes
intrépidos, 1937), en especial dos películas que marcaron una época de esplendor: Lo
Grandes Estudios de EE.UU. que el viento se llevó (1939), con Clark Gable y Vivien Leigh, y El mago de Oz (1939),
con una jovencísima Judy Garland. Los hermanos Marx fueron dirigidos por Sam Wood
Desde comienzos de los años diez se fueron fundando las más importantes
en sorprendentes películas como Una noche en la ópera (1935) y Un día en las carreras
empresas de cine estadounidenses como la Universal Pictures, Fox Film Corporation
(1937). La producción musical del Estudio quiso ser una proyección de los
—después conocida por 20th Century Fox-, United Artists, Warner Bros. , Metro-
espectáculos de Broadway, tanto operetas (con Jeannette MacDonald) como historias
Goldwyn-Mayer (MGM), Columbia, Paramount, RKO, que irían sufriendo diversas
con mucho baile (con Eleanor Powell).
modificaciones en su estructura de gestión al fusionarse con otras empresas
dedicadas a la exhibición y la distribución. La consolidación de estas firmas permitió
que la década de los años treinta se definiera como la "Edad de oro" de los grandes
Estudios cinematográficos estadounidenses (y del mundo). El motivo no es sólo la
producción continuada que se realiza en cada uno de ellos, sino el desarrollo de las
más diversas líneas temáticas que dieron lugar una política de géneros más definida.
Se contempló a la Metro Goldwyn Mayer —con su famoso león en la presentación

de todas sus películas-, Paramount y Warner con respeto, sobre todo porque fueron
los Estudios que dispusieron de mayores recursos tecnológicos y humanos. Después se
incorporaría al grupo la 20th Century Fox. En cualquier caso, la exclusividad no impidió
un intercambio a lo largo de los años de actores y directores según intereses afines
Una noche en la ópera fue seleccionada para preservarse en la National Film Registry de
Estados Unidos por la Biblioteca del Congreso como "película cultural, histórica o estéticamente
significativa". También se incluyó en la actualización de 2007 del AFI's 100 Years... 100 Movies,
en el número 85.
Destacaran por la libertad y a veces hasta audacia de sus proyecto RKO (Radio-
Keith-Orpheum) y United Artist

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La - Warner Bros. supo desarrollar hábilmente géneros como el cine negro y el

cine de aventuras. En el primero Mervin LeRoy dirigió títulos tan representativos
como Hampa dorada, (1930), con Edward G. Robinson, y Soy un fugitivo (1932), con
Paul Muni; en el cine de aventuras destacan las aportaciones de Michael Curtiz,
representativas de un modo de hacer que atrapó al público de la época: La carga de
la brigada ligera (1936) y Robín de los bosques (1938), ambas con Errol Flynn y Olivia
de Havilland. Y en el campo musical sobresalieron las películas barrocas dirigidas y
coreografiadas por Busby Berkeley.
Gold Diggers de 1933 (Busby Berkeley)

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Paramout por su parte apoyó los grandes filmes históricos de Cecil B. De Mille
como El signo de la cruz (1932) y Cleopatra (1934), la comedia sofisticada y de fina
ironía de Ernst Lubitsch (Un ladrón en mi alcoba, 1932; La viuda alegre,1934) o el cine
de gangsters y de terror dirigidos con buen pulso por Rouben Mamoulian (Las calles
de la ciudad, 1931; El hombre y el moustruo. Dr. Jekyll y Mr. Hyde, 1932) . Sus
películas musicales fueron mas bien historias en las que diversos actores cantaban
unas canciones (Mae West, Bing Crosby, etc.).

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La Universal se especializó en cine de terror con inolvidables películas que han

marcado a buena parte del cine posterior de género. James Whale fue el responsable
de Frankenstein (1931) y El hombre invisible (1933), entre otras. Tod Browning dirigió
Drácula (1931), con un inimitable Bela Lugosi, y una sorprendente e inigualable Freaks
“Fenomenos” (1932).
En 1931 verían la luz dos obras fundamentales del cine fantástico: el Dracula
protagonizado por Bela Lugosi, y el Frankenstein de Boris Karloff. Ambos filmes
resultarían influenciales en toda la historia del cine de horror e impulsarían el inicio de
la era de oro del género, que se extendería durante la década del 30 y el 40

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King Kong 1933 película producida por los estudios RKO

La RKO produjo los musicales de la pareja de baile más famosa del cine: Fred
Astaire y Ginger Rogers, especialmente con La alegre divorciada (1934) y Sombrero
de copa (1935). La además apostaría en las carreras de cresativos directores como
Orson Welles, que lanzó algunos de sus grandes éxitos con estos estudios, entre ellos
la célebre cinta Ciudadano Kane. y Alfred Hitchcock en varias películas como la ya
mítica Encadenados.
Además fueron los distribuidores de las películas de animación de Disney, desde
los vortos previos a Blancanieves y los siete enanos, y todos los cortometrajes del
universo Mickey Mouse de ese periodo.,

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Columbia se centró en una producción más familiar, destacando las comedias de

Frank Capra en la línea de Sucedió una noche (1934), con Claudette Colbert y Clark
Gable, El secreto de vivir (1936), con Gary Cooper y Jean Arthur, y Vive como quieras
(1938), con Jean Arthur emparejada en esta ocasión con James Stewart.

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Hacia 1933 el proceso de animación ya podía realizarse en menos tiempo y los

hermanos Fleischers aprovechaban para producir gran cantidad de series, incluso superaban a
las de los estudios de Disney
El cine estadounidense de los 30 ´s
¿ LO SABÍAS?
¿Lo sabias?
Además fue en esa misma época cuando apareció el primer dibujo animado con color
y sonido, se trataba del sapo Flip, como parte de una serie de dibujos animados llamados
“Fiddlesticks”.
Max y Dave Fleischer fueron los creadores de la serie de dibujos animados Betty Boop
(1930-39), cuya sensual protagonista estaba inspirada en la cantante Helen Kane.
Para celebrar la llegada del sonidos crearon una nueva serie llamada “Talkartoons”
entre 1929 y 1932, mientras que Disney introdujo “Silly symphonies”.
Como dato curioso a fin de mantener la posibilidad de que el público cantase al mismo
tiempo que veía sus cortos Max inventó la bolita saltarina que le permitía al público seguir la
letra y el ritmo de una canción ahora popularmente difundida en el entretenimiento de los
karaoke

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¿Lo Sabías?
Cuando ya se había hecho un nombre en la industria de Hollywood, Walt Disney

emprendió una iniciativa arriesgada $ 500.000 dólares y sin precedentes: Producir el primer
largometraje de dibujos animados de la historia del cine , Blancanieves y los siete enanos
(1937) demostró que los dibujos animados podían ser todo un género cinematográfico.
La película recaudó cuatro millones de dólares, todo un récord para la época, pero
dejó endeudado a Disney hasta 1961 cuando acabo de amortizar los intereses del préstamo
inicial de presupuesto de rodaje que finalmente se triplico

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¿Lo Sabías?
La consolidación de la industria norteamericana demostró como nunca su alta
competencia, originalidad y frescura en historia y solidez de sus directores en el año de 1939
donde competirían por el premio óscar 10 cintas de manera simultanea. es de destacar que mas
de la mitad de estas son consideradas clásicos de la filmografía estadounidense y varias de ellas
han preservado el honor de considerarse entre las mejores 100 cintas jamás filmadas
“Wuthering Heights”- Cumbres borrascosas - William Wyler
Cumbres borrascosas “Wuthering Heights”.- William Wyler compide por los premios Oscar en
las siguientes categorías: Mejor película, Mejor director, Mejor actor principal, Mejor actriz de
reparto, Mejor fotografía, Mejor guion adaptado, Mejor dirección artística, Mejor banda sonora
“Goodbye, Mr. Chips” -Adios, Mr. Chips- Sam Wood;
“Stagecoach”. -La diligencia - John Ford;
“Dark Victory”. Amarga Victoria.- Dirigida por Edmund Goulding

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Lo que el viento se llevó “Gone with the Wind”.- Victor Fleming; “Ninotchka” es una película estadounidense del género de comedia producida y dirigida por
Ernst Lubitsch para la Metro-Goldwyn-Mayer
Greta Garbo era la gran estrella del cine mudo, pero también tenía una voz atractiva y
pudo dar el salto al sonoro. Aún así, hasta “Ninotchka” sus películas hacían poco más que
sustituir subtítulos por diálogos, y no había parado de sufrir en su estilo más intenso y
reconocible, que envejecía lentamente “Ninotchka” contó con cuatro candidaturas a los Oscar:
mejor película, mejor actriz principal, mejor guión y mejor argumento Es considerada por los
críticos como una obra maestra, una de las mejores comedias de todos los tiempos. Basada en
un musical de Broadway titulado "Silk Stockings". La cinta fue publicitada como "Garbo ríe"
(Garbo Laughs!), en referencia a la publicidad de la anterior cinta de Greta …"Garbo habla"
(Garbo Talks!) de su película "Anna Christie", de 1930..
“The Wizard of Oz”- El mago de Oz- Victor Fleming;
“Of Mice and Men” De ratones y hombres Dir.- Lewis Milestone
“Mr. Smith Goes to Washington” - Caballero sin espada - Dir. Frank Capra

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“Love Affair” -Tú y yo - Dirigida por Leo McCarey
Charles Boyer-Irene Dunne Tú y yo “Love Affair” Dirigida por Leo McCarey fue candidata a los
siguientes premios Óscar: mejor película, mejor actriz, mejor actriz de reparto y mejor guion
original, mejor canción original, por"Wishing" y mejor dirección artistica

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El cine europeo de los 30 ¿Lo Sabías ?
Tras la implantación del sonido en todo el mundo, las industrias de cada país
comenzaron a producir y a abastecer el mercado con películas que fueron interesando al
público. No obstante, el clima político que se vive en varios países a lo largo de los años treinta
y la Segunda Guerra Mundial, afectaron irremediablemente en el modo de hacer y los temas a
abordar por quienes deseaban dirigir cine.
El cine francés se mueve en el realismo que se ofrece desde la tradición y los

ambientes populares de René Clair (Catorce de julio, 1932) y Jean Renoir (Toni,1934; Los bajos
fondos, 1936; La regla del juego, 1939) y el drama que, con ciertas dosis de fatalismo, recrean
Julien Duvivier (Pepe-le-Moko, 1937) y Marcel Carné (El muelle de las brumas, 1938), ambas
películas interpretadas por el gran actor Jean Gabin. La guerra delimitó espacios. Más allá de
abordar temas realistas, los directores franceses se centraron en las adaptaciones literarias y
muy académico en las formas, un cine llamado "de qualité", con el que convivieron directores El accidente fortuito
consolidados como Clair (El silencio es oro, 1947) y otros directores más jóvenes como Jacques
Becker, Henry-George Clouzot y Robert Bresson. Después de acabar sus estudios de ingeniería de minas, Flaherty comenzó a trabajar
como explorador de minas de hierro para una compañía ferroviaria en la bahía de Hudson,
El cine inglés comenzó a diseñar una estructura proteccionista para su cine, dada la Canadá. En 1913, en su tercera expedición a la zona, su jefe, sir William Mackenzie, le propuso
implantación del cine estadounidense en su mercado e industria. El gran impulsor del cine de filmar con una cámara la vida familiar de los oriundos de la zona los Inuit.
los treinta fue Alexander Korda, director y productor que consiguió uno de sus grandes películas
en La vida privada de Enrique VIII (1933). Son los años en los que Alfred Hitchcock demuestra Asi Flaherty vivió con un Allakariallak (un hombre perteneciente a los Inuit) y con el
que sabe contar historias (treinta y nueve escalones, 1935; Alarma en el expreso, 1938) y resto de su familia durante varios meses. Las primeras filmaciones realizadas por Flaherty
Anthony Asquit alcanza su madurez con Pigmalion (1938). No obstante, los treinta confirman unos30.000 pies de película de nitrato ardieron, durante un incendio en la sala de montaje en
que los británicos son unos maestros del documental. La Escuela impulsada por John Grierson Toronto, provocado por su cigarrillo. Aunque su impresión de edición consiguió salvarse,
y con apoyo del gobierno, permitirá que un grupo de directores (Basil Wright, Harry Watt, Paul Flaherty no estaba satisfecho con los resultados.
Rotha, etc.) realicen un cine informativo de gran altura con el apoyo de maestros como el
propio Grierson y Robert Flaherty. Cuando comenzó a grabar de nuevo la película, Flaherty optó por preparar todo lo
que iba a grabar, incluso el final, donde Allakariallak y su familia están, supuestamente, en
riesgo de muerte si no encuentran o construyen un refugio lo antes posible, pero el iglú que
aparece en las imágenes ya había sido construido, aunque solo por la mitad, para que Flaherty
pudiera introducir la cámara en él y captar una buena imagen sobre cómo es el interior de un
iglú.
Tras abandonar el estilo de vida de los Inuit, Flaherty se decidió a hacer una nueva
película. En 1920 consiguió fondos de Revillon Frères (una empresa de comercio francés) para
rodar lo que se convertiría Nanook del Norte. El 15 de agosto de 1920, Flaherty llegó a Inukjuak
(ciudad entonces conocida como Puerto Harrison), Quebec, para rodar su película. Llevó
consigo dos cámaras cinematográficas Akeley, a las que los esquimales se refieren como "el
Aggie". Flaherty, aún en proceso de rodaje, trajo el desarrollo completo, impresión y equipos
de proyección para mostrar a los Inuit su película.

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Flaherty tuvo un romance con su actriz principal, Inuk, la mujer joven que interpretó
a la esposa de Nanuk. Unos meses después de su partida, dio a luz a su hijo, Josephie (25 de
diciembre de 1921 - 1984), a quien el director nunca reconoció como hijo.
Nanuk fue la primera de una serie de películas que Flaherty hizo sobre el mismo tema:
la humanidad contra los elementos.
Otros incluyen Moana, un romance de la edad de oro fijado en Samoa y Man of Aran
establecido en las islas de Aran de Irlanda. Todas estas películas emplean los mismos recursos
retóricos; los peligros de la naturaleza y la lucha de las comunidades para ganarse la vida.
El tercer hombre (The Third Man) es una película británica del año 1949 dirigida por Carol Reed,
con Joseph Cotten, Orson Welles y Alida Valli en los papeles principales. El guion fue escrito por Graham
Greene .y la inmejorable Fotografía de Robert Krasker
Los años cuarenta van a estar dominados por la producción de John Arthur Rank, con
películas de prestigio como Enrique V (1945) , dirigida e interpretada por Laurence Olivier, uno
de los mejores actores británicos y el que mejores adaptaciones hizo de la obra de William
Shakespeare, y Breve encuentro (1945), de David Lean. Fueron años, los cuarenta, en los que
el maestro Carol Reed dirige películas como Larga es la noche (1947) y El tercer hombre (1949),
Sin un previo guión, Flaherty no dejaba de anotar en su diario ideas para la película. y los Estudios Ealing desarrollan una gran e interesante producción en el campo de la comedia
La cacería de morsas (a la manera tradicional que habían abandonado los esquimales mucho social con gran ironía (Pasaporte para Pimlico, 1949; Ocho sentencias de muerte, 1949).
tiempo atrás) y la construcción del iglú (dimensionado y preparado en exclusiva para el rodaje),
dos de las secuencias más importantes del filme "Nanook of the North. A story of life and love
in the actual Artic". (1922)
“La única forma de comprender a los esquimales era vivir con ellos”, y Flaherty pasó
casi dos años y medio en la región nororiental de la Bahía de Hudson. Eligió a un buen cazador
de la tribu “Itivimuit” de esquimales, Nanook, convirtiéndolo junto a su familia en protagonistas
de la película.
“Der Blaue Engel”- El ángel azul (1930) cinta alemana de Joseph von Sternberg
considerada como uno de los mejores filmes sonoros alemanes de todos los tiempos. Esta
película catapultó hasta el estrellato a la a una desafiante actriz Marlene Dietrich quien
interpreta a LOLA el sueño delirante del profesor Rath interpretado por el magistral actor Emil
Jannings

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“Triumph des Willens “ -El triunfo de la voluntad es una película propagandística nazi
dirigida por Leni Riefenstahl. Muestra el desarrollo del congreso del Partido Nacionalsocialista
en 1934 en Núremberg. Se estrenó en 1935 y es una de las películas de propaganda más
conocidas de la historia del cine.donde muestra el regreso de Alemania como potencia mundial,
bajó la dirección de Hitler como un mesías que devolverá la gloria a la nación
Con un deseo de superar viejos traumas y, sobre todo, volver la mirada a la sociedad,
surge el neorrealismo impulsado por una generación que, aunque escasa de recursos, supo
ofrecer algunas de las historias más brillantes del cine en la inmediata postguerra.
Dada la situación política europea, Italia se ve sumida en la producción de cine con

marcado cariz propagandístico en la línea de La corona de hierro (19), de Blasetti, y en la
¿Lo Sabías? comedia intrascendente (llamada de "teléfonos blancos") de Mario Camerini (¡Qué
sinvergüenzas son los hombres, 1932). No obstante, en la inmediata postguerra cobrará fuerza
El ángel azul causó gran revuelo en los años 30 porque Marlene Dietrich un movimiento neorrealista centrado en temas sencillos, extraídos de la vida cotidiana y
apareció con los muslos descubiertos; fue una de las primeras actrices de cine en plasmados con gran realismo y un tono visual próximo al documental.
hacerlo.
El cine soviético alcanza unos de sus grandes momentos con Iván el Terrible(1945),
El cine alemán se muestra muy activo durante los primeros años treinta de la mano de Sergei M. Eisenstein, mientras que la presión política que se ejerce sobre los creadores
de Joseph von Sternberg “Der Blaue Engel”- El ángel azul (1930) -con una excepcional papel de obligará a realizar otras muchas películas que pretenden ensalzar la figura de Stalin, un culto a
Marlene Dietrich- y Fritz Lang “M”. El vampiro de Dusseldorf (1931) con una interpretación la personalidad que dará origen a un retroceso en la producción cinematográfica.
especial de Peter Lorre, antes de que estos directores se incorporaran al cine estadounidense.
George W. Pabst mostró su gran vena realista en Westfront (1930) y Carbón (1932).
El ascenso político de los nazis tiene su proyección en obras de singular relieve como
El flecha Quex (1933), de Hans Steinhoff, y El judío Süss (1940), de Veit Harlan, mientras que la
directora Leni Riefenstahl acomete dos de los pilares del documentalismo cinematográfico:
“Triumph des Willens” - El triunfo de la voluntad (1934) y “Olympia”- Olimpiada (1936).

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The Grapes of Wrath “Las uvas de la ira”(1940) una adaptación dirigida por John Ford
de la novela homónima del ganador del premio Pulitzer John Steinbeck pese a que el cine
estadounidense tendía a evitar las películas de realismo social. La película es más optimista que
la obra literaria en la que se basa.
Ford contó con la decisiva participación de Gregg Toland, el fotógrafo más importante
de su generación, quien al año siguiente crearía las legendarias imágenes de el Ciudadano Kane
de Orson Welles
Para plasmar el más impresionante retrato de la depresión económica que asoló los
EE.UU. en los años 30 constituyendose en un canto a la solidaridad. Cotidiana, lírica y
comprometida, una película inolvidable, necesaria -en su momento- y magistral.

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Se puede hablar de Charles Chaplin (El gran dictador, 1940), de John Ford (Las uvas
El cine estadounidense de los 40 ´s de la ira, 1940, con Henry Fonda), de William Wyler (La carta, 1940; La loba, 1941 ; las dos
interpretadas por Bette Davis) y de George Cukor (La costilla de Adán, 1949, con una pareja
La década de los cuarenta se inicia con una auténtica bomba creativa: la película El sorprendente: Spencer Tracy y Katharine Hepburn).
Ciudadano Kane (1940), dirigida por un recién llegado llamado Orson Welles, que rompió
muchos esquemas desde el punto de vista visual y narrativo, y en la que tuvo un gran
protagonismo el director de fotografía Gregg Toland.
El halcón maltés (The Maltese Falcon) es una película estadounidense de 1941 basada
en la novela del mismo nombre de Dashiell Hammett, dirigida por debutante joven John Huston
quien nos muestra a través e este clásico del cine una colección de hechos criminales a fin dea
prevalecer una atmósfera de suspenso, ya sea respecto al éxito de la empresa criminal, el
descubrimiento del culpable o las motivaciones del delito.
El Ciudadano Kane (1940)
Estos años estuvieron marcados por la producción de películas de "cine negro", con
excepcionales aportaciones en obras como El halcón maltés (1941), de John Huston, con
Humphrey Bogart; Casablanca (1942), de Michael Curtiz, con una pareja protagonista
inolvidable: Ingrid Bergman y Bogart; Laura (1944), de Otto Preminger, con Gene Tierney y Dana
Andrews; y Gilda (1946), de Charles Vidor, con Rita Hayworth y Glenn Ford. Fueron años de
gran variedad temática y de excepcionales interpretaciones.
Casablanca (1942)
Además, encontraron un hueco en la programación aquellas historias más humanas

y evangelizadoras como Siguiendo mi camino (1944), de Leo McCarey, con Bing Crosby, los
musicales como Escuela de sirenas (1944), de George Sydney, con la famosa Esther Williams,
westerns como Duelo al sol (1946), de King Vidor, con Gregory Peck y Jennifer Jones, Pasión de
los fuertes (1946), de John Ford, con Henry Fonda, Linda Darnell,
El gran dictador (1940)

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Quizás del corto más famoso de esa época de Disney es Der Fuehrer's Face, (en
español: El rostro del Fuhrer), es un cortometraje de animación de Disney sobre la Segunda
Guerra Mundial que parodia a los nazis y tiene como protagonista al Pato Donald. La historia
transcurre en Nutzi land (Se pronuncia igual que Nazi land pero se traduce como ´´tierra de los
locos``).
Además de producir películas para públicos diferentes divisiones, desde 1942 hasta
1943 se le pidió a Disney de animación para crear una serie de imágenes producidas por el
coronel Frank Capra para el Ejército de los EE.UU..Esta serie incluye películas como "Prelude to
War" y "Estados Unidos va a la guerra". Aunque estas películas fueron pensadas originalmente
para los militares, fueron liberados a los cines debido a su popularidad.
Escuela de sirenas (194)
No obstante, el cine estadounidense de los cuarenta se vio delimitado en su

producción por la entrada del país en la Segunda Guerra Mundial, que impulsó el cine de
propaganda desde el documental y el cine de ficción, en películas en las que el heroísmo del
"Estados Unidos va a la guerra" y "Education for Death"
soldado estadounidense quedaba bien destacado, como en Treinta segundos sobre Tokio
(1944), de Mervyn LeRoy, y Objetivo Birmania (1945), de Raoul Walsh, con un Errol Flynn capaz
de solucionar él solo todos los problemas
El trabajo de la casa Disney durante los años en que los Estados Unidos entró en la
guerra, fue completamente propagandístico por un total de más de 400.000 pies de película el
equivalente a 68 horas de película continua. Al día de hoy, la gran mayoría de los trabajos que
realizaron prácticamente están calificados como prohibidos y descatalogados
La serie de aventura de Superman también combatió en la segunda guerra mundial

a favor de los aliados y en contra de saboteadores japoneses
En el lado contrario se encontró “The Story of G.I. Joe “ - También somos seres
humanos (1945), de William A. Wellman, un retrato realista de los soldados que caminan hacia
sus objetivos, de los jóvenes que sufren, tiene miedo y angustia, que pasan hambre.

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¿Lo Sabías?
Después de Blancanieves y los Siete Enanitos de Disney, Fleischer Studios fueron los
únicos que se atrevieron a producir un largometraje animado. Así, en 1939 se estrena la
extraordinaria Los Viajes de Gulliver. Si bien el film recaudó en los EEUU casi tanto como Pinocho
de Disney, a causa de la Segunda Guerra Mundial el film no pudo contar con el mercado europeo
por lo que no logró recuperar en taquilla, su alto costo.
La década de los años cuarenta fue un período de gran actividad en los estudios
Disney, caracterizado tanto por la consolidación del estilo iniciado con Blancanieves y los siete
enanos como por la contradicción que Walt sentía entre su tendencia artística a la innovación y
al riesgo y la necesidad de atender a un mercado nada dado a las novedades y los experimentos.
Reflejo de ello fue la tibia respuesta del público a las siguientes películas salidas de su «factoría»

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de sueños. Pinocho (1940), considerada como una de las piezas maestras del cine de animación
en la que se invirtieron 2.600.000 dólares, resulto un desastre comercial.
Lo mismo sucedió con Fantasía (1940),con un de costó 2.3 millones de dólares y donde
los factores políticos de una inminente guerra en Europa frustrarían este mensaje de armonía Los desafíos tecnicos de la animación de Dumbo – con una ilustración surrealialista-
fracasando el concepto de la «obra total» que Walt Disney había imaginado y deseado. Estos toman mayor merito es esta cinta realizada en condiciones muy poco favorables como estar
tropiezos comerciales más sin embargo abrieron una importante brecha económica cuando el enmedio de una huelga de dibujantes de Disney además de cumplir con el compromiso de la
público adopto en su gusto historias menos complejas pero poderosamente sentimentales fecha de estreno, mas sin embargo la fluidez de la historia y el sentimentalismo de los personajes
como”Dumbo” (1941) y despertaría de la inocencia con” Bambi” (1942) estrenada cuando en el hacen de esta breve película- tan solo 64 minutos –un éxito rotundo e inmediato entre el publico.
país cuando los norteamericanos ya se hallaban involucrados en el conflicto belico mundial.

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La belleza de la naturaleza, la fragilidad de la vida , la evolución constante, la

adversidad del medio, todos estos elementos están presentes en la película Bambi de 1942
precisamente cuando ya se encuentra involucrado el planeta entero en la segunda Guerra
Mundial, Esta increíble animación sensibiliza al publico de todo detalle a cada instante , por
ello el mensaje y resultado de un crudo despertar de la inocencia (en tan solo 78 segundos)
Plasmado la secuencia de los cazadores – mismos que nunca se observan - queda aun más
registrado en la mente del espectadorm que por la imágenes mostradas de allí el impácto
emocional continua consternando al publico asistente década tras década .

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La película obtuvo varios premios cinematográficos estadounidenses y europeos,

entre ellos siete Premios Óscar, incluidos los de mejor película, director, actor (Fredric March) y
actor secundario (Harold Russell).
En 1989, fue incluida entre las obras cinematográficas que conserva el National Film
¿Lo Sabías? Registry de la Biblioteca del Congreso de Estados Unidos por ser consideradas «cultural,
histórica o estéticamente significativas».
También esta emblemática cinta se vio condicionada en su creación por las iniciativas
del Comité de Actividades Antiamericanas. Directores, guionistas y actores sintieron la
persecución implacable de la Comisión dirigida por el senador Joseph McCarthy. Fue la
denominada "caza de brujas", una batalla política con la que se pretendió sanear Hollywood de
comunistas.
Los mejores años de nuestra vida “The Best Years of Our Lives” (1946) dirigida por
William Wyler y con Fredric March, Myrna Loy, Teresa Wright, Virginia Mayo y Dana Andrews
en los papeles principales. Está basada en la novela de 1945 Glory for Me, de MacKinlay Kantor
(1904 - 1977) mismo que plantea el retorno a casa de 3 combatientes de la Segunda Guerra
Mundial El regreso a la cotidianidad les obliga a afrontar una realidad para la que no están
preparados a pesar de ser un gran éxito de público y de crítica, fue una de las películas vigiladas
en la llamada caza de brujas del senador Joseph McCarthy por considerarla de contenido
subversivo, al hablar de la adaptación a la paz y lo complicado que puede resultar.
El Comité de Actividades Antiamericanas planteó convocar a Robert Sherwood, el

guionista, por el contenido sospechoso de ciertas escenas, pero finalmente no lo hizo gracias a
la intervención directa de Samuel Goldwyn, uno de los fundadores de la MGM.
Harold Russell, verdadero mutilado de guerra, se interpretó a sí mismo y se convirtió

en el primer y único actor en obtener dos Premios Óscar por el mismo papel en la misma película
(al mejor actor secundario y un Óscar especial honorífico).

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estrellas como Dolores del Río y Pedro Armendáriz (Flor silvestre y María Candelaria,
1943), y María Félix (Enamorada,1946; Río escondido, 1948).
El cine latinoamericano
Los países latinoamericanos fueron recibiendo al Cinematógrafo al igual que

en el resto del mundo, a finales del siglo XIX. Las circunstancias sociales, económicas
y políticas marcaron con los años su progreso cinematográfico, en el que tanto
tuvieron que ver los promotores españoles, franceses e italianos como la presencia
de las películas estadounidenses en sus pantallas. Muy pronto el mercado de cada
uno de los países comenzó a estar controlado por el cine de Hollywood. No obstante,
esta situación no impidió que en diversas épocas floreciesen aportaciones que
mostraron la singularidad de la producción latinoamericana, que se apoyaría a lo largo
del tiempo y en gran medida en la coproducción entre países de habla hispana.
Quizás esta situación es la que provocó que en la producción de las primeras

películas habladas en español, Hollywood contratara a numerosos profesionales
(Ramón Novarro, Lupe Vélez, Dolores del Río, Antonio Moreno, José Mojica, Carlos
Gardel, entre otros) con el fin de que realizaran e interpretaran las versiones
destinadas a dichos países. Esto no impidió que entre 1929 y 1932 se produjeran las María Candelaria,( 1943) Río Escondido' (1947)
primeras películas sonoras en México, Brasil o Argentina; en otros países, las primeras
producciones sonoras locales se darán a conocer más tarde (1932-50).
También se encuentran las obras de Fernando de Fuentes (El compadre

Mendoza, 1933; Allá en el Rancho Grande, 1936; Jalisco canta en Sevilla, 1948, ésta
con Jorge Negrete y Carmen Sevilla -primera coproducción hispano-mexicana tras la
llega al poder en España de Francisco Franco), y otras de Alejandro Galindo, Julio
Bracho y Roberto Gavaldón.
Santa (1932) Dirección Antonio Moreno, Adaptación de la novela homónima

de ederico Gamboa es considerada la primera película del cine sonoro de México
Durante la década de los cuarenta es el cine mexicano el que alcanza una

mayor notoriedad internacional gracias a las películas de Emilio Fernández "El Indio"
(y la colaboración en la fotografía de Gabriel Figueroa) y la presencia de notorias

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Son años en los que despunta el actor Mario Moreno "Cantinflas" quien, con
su verborrea, se encargará de consolidar su popularidad nacional e internacional y
arrasar en taquilla durante unos años con películas como Ahí está el detalle (1940),
de Juan Bustillo Oro,
El cine argentino se sostiene con dificultad sobre las películas de Lucas

Demare (La guerra gaucha, 1942), Luis Cesar Amadori (Santa Cándida, 1945), Hugo
Fregonese (Donde las palabras mueren, 1946) y actrices como Libertad Lamarque, sin
olvidar la extensa filmografía de Leopoldo Torres Ríos (Adiós Buenos Aires, 1937;
1942; el crimen de Oribe, 1950)
El cine brasileño tiene un punto de partida singular en Límite (1929), de

Mário Peixoto, sugerente y marcada por las vanguardias europeas de los veinte. Pero
también cuenta con la importante película Ganga bruta (1933), de Humberto Mauro,

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El cine europeo de los 40s

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Cuarenta y un profesionales relacionados con el mundo del cine y del arte fueron citados
¿Lo Sabías? a declarar en los interrogatorios públicos realizados por el HUAC (House on Unamerican
Activities Comittee, es decir, el comité parlamentario para perseguir las actividades
La “Caza de Brujas” “antiamericanas”), con los que colaboraron activamente personajes de mucho peso como Walt
Al finalizar la Segunda Guerra Mundial, los años de la posguerra traerán a Estados Unidos Disney, Gary Cooper, John Wayne ó Robert Taylor .
una ola de conservadurismo que erosionará la dimensión social del New Deal instaurado por el
presidente Roosevelt tras la depresión vivida en Norteamérica en los años treinta. Y eso pese a
que su sucesor en el cargo, Harry S. Truman, pertenecía igualmente al liberal Partido Otros actores, como Lauren Bacall, Humphrey Bogart, Katheryn Hepburn, Danny Kaye,
Demócrata, este giro conservador será una de las causas de la ruptura entre los antiguos aliados Frank Sinatra o Judy Garland protestaron contra estos procesos y apoyaron a los que se negaron
del conflicto mundial, cuya consecuencia será la creación del orden bipolar y la tensión entre a responder.
los dos bloques, el Occidental liderado por Estados Unidos y el soviético liderado por la URSS. Diez de los convocados – conocidos como los “Diez de Hollywood”- se negaron a declarar
Se instalaría definitivamente a partir de este periodo en la sociedad estadounidense una invocando la Primera Enmienda de la Constitución, que protege la libertad de creencia y de
histeria anticomunista sin precedentes. Aunque no era un fenómeno novedoso sí es cierto que palabra serían procesados por desacato y sentenciados a penas de entre seis meses y un año
la virulencia con que se desató desde mediados de la década de los años cuarenta sobrepasó de cárcel.
cualquier límite conocido anteriormente.  Alvah Bessie, guionista
Y sobre todo en lo que respecta al terror a que la URSS tratara de infiltrarse  Herbert Biberman, guionista y director
ideológicamente en la sociedad norteamericana a través de grupúsculos comunistas. Es en este  Lester Cole, guionista
contexto en el que a partir de 1947 se desarrollará una frenética búsqueda y posterior  Edward Dmytryk, director
“depuración” de cualquier elemento no ya comunista, sino que mostrará el menor atisbo de  Ring Lardner Jr., guionista
izquierdismo o pensamiento liberal dentro de todos los niveles de la vida norteamericana.  John Howard Lawson, guionista
 Albert Maltz, guionista
 Samuel Ornitz, guionista
Empezaría así la llamada “Caza de Brujas”, expresión por la que se conocerá a esta
 Adrian Scott, productor y guionista
persecución ideologic y a uno de los sectores que vivió con mayor intensidad este proceso
 Dalton Trumbo, novelista, guionista y director
inquisitorial fue sin duda Hollywood, a la que se someterá a un ataque en toda regla para
depurar de la industria a todo sospechoso de ser Pro comunista.
Entre 1951 y 1952 se produjo una segunda “Caza de Brujas”, dirigida por el parlamentario
Durante aquellos vergonzosos años en Hollywood circulaba una lista negra. Quien formara John S. Wood. Surgirán en ese momento las “listas negras”, relaciones confeccionadas por la
parte de ella no encontraría trabajo en la ciudad. Aunque eso sí, hubo escritores que se valeiron propia industria del cine que incluían los profesionales que habían sido denunciados por
de pseudonimos y prestanombres. comunismo y a los que a partir de entonces no se les permitió trabajar de forma libre, acabando
El guionista Dalton Trumbo, firmó bajo el seudónimo de “Robert Rich” guiones como el de con las carreras de muchos de ellos.
“Roman Holiday”, Vacaciones en Roma -Dir. William Wyler (1953) o “The Brave One” -Dir. Irving
Harpe (1956) – Este ultimo durante su autoexilio de tres años en México -ambos ganadores del
El protagonismo en esta segunda oleada persecutoria corrió a cargp del senador Joseph
premio Oscar .
McCarthy, denunciando más de doscientos supuestos casos de comunistas infiltrados que

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trabajarían en el Departamento de Estado. Terenci Moix le define como “un paranoico y

mentiroso compulsivo, que cayó en desgracia cuando sus desvariadas sospechas alcanzaron al
propio Ejército”.
La practica del uso de las “listas negras” siguieron funcionando hasta que, en 1960, las
presiones ejercidas por Otto Preminger y Stanley Kubrick permitieron que Dalton Trumbo
pudiese firmar los guiones de Éxodo y Espartaco respectivamente escritos en ese preciso año.
Sin duda la “Caza de Brujas” es el reflejo más palpable y evidente de cómo la tensión de
la Guerra Fría, en su manifestación de histeria anticomunista, influyó y condicionó la vida de
Estados Unidos, en lo que a su aspecto cultural se refiere. El “McCarthysmo” arruinó una
tendencia de cine social en Estados Unidos que había dado obras como Las uvas de la ira (John
Ford, 1940) o Tiempos modernos (Charles Chaplin, 1935).

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El cine estadounidense de los años 50´s ¿Lo Sabías?

El Cinerama
Las películas de la década de 1950 fueron de gran variedad de generos y estilos. Como El cinerama constituyó el primer formato panorámico del cine. Su inventor fue Fred
resultado de la televisión, los estudios y las empresas trataron de poner al público de vuelta en Waller, técnico de efectos especiales en Paramount, y la primera película que lo usó fue This is
los cines. Utilizaron más técnicas en la presentación de sus películas a través de grandes Cinerama, que se estrenó en 1952. – ganador indiscutible del premio oscar como película del
formatos de proyección que incluían un mucho mayor pantalla ancha y mayor-enfoque y año-
definición, como Cinemascope, VistaVision y Cinerama; De igual manera se revaloró el sistema
de proyección en 3-D. Esto obviamente derivo en el financiamiento de grandes y ambiciosas
producciónes que requirierón de mayor duración de tiempo para narrarla abundando en temas
épicos- históricos, de fantasia y clásicos de la literatura mundial.
Los rodajes en cinerama empleaban tres cámaras, y los cines, tres proyectores
sincronizados para mostrar el trío de imágenes solapado sobre una pantalla curvada. Pero estas
complicaciones lo convirtieron en un sistema demasiado caro. Tras el estreno de “How The
West Was Won “La conquista del oeste (1962) y El maravilloso mundo de los hermanos Grimm
(1962), fue sustituido por formatos panorámicos, como CinemaScope y Todd-AO, que
únicamente necesitaban una cámara y un proyector.

90
“How the wes was won “ La conquista del oeste es la película más icónica de toda la
historia del género Western; MGM decidió embarcarse en un proyecto faraónico, con una
película que incluyera todo aquello representativo del género: las grandes praderas, las tribus
indias, el ferrocarril, los cowboys, el sheriff, los primeros colonos, los salones, etc., para ello no
se esctimnaron recursos en reunir el mejor reparto de toda la historia del cine: Carroll Baker,
James , Debbie Reynolds, George Peppard, Eli Wallach, Lee J. Cobb, Karl Malden, Robert Preston,
Walter Brennan, Agnes Moorehead y Spencer Tracy, con posiblemente los mejores cowboys del
western: John Wayne, James Stewart, Henry Fonda, Gregory Peck y Richard Widmarck, y los
puso a las ordenes de cuatro representativos directores de la época: Henry Hathaway, John
Ford, George Marshall y Richard Thorpe, este último sin acreditar.
Durante el final de esta década se acrecenta más el declive de la asistencia de

espectadores a las salas cinematográficas. Las productoras realizaron esfuerzos desesperados Al igual que el sistema convencional en 35 mm, el CinemaScope utiliza cuatro
para atraer espectadores, haciendo películas que superaban las posibilidades económicas. Tras perforaciones y veinticuatro fotogramas por segundo. Pero el nuevo formato no sólo ofrecía una
el fracaso económico de Cleopatra, se realizaron filmes que obtuvieron notables éxitos en imagen más ancha, sino que también proporcionaba cuatro pistas magnéticas de sonido en 35
taquilla, como El Doctor Zhivago (1965), de David Lean. La carrera imparable de las productoras mm (canales izquierdo, central, derecho y surround), todas ellas discretas o independientes.
por sustraer espectadores a la televisión, les llevó a una hacer gastos excesivos y a buscar Desde el principio, para acomodar los cuatro canales de sonido en la misma película de 35 mm
caminos diferentes que atrajeran espectadores a las salas cinematográficas. de la imagen en lugar de en otra, la relación de aspecto fue recortada de los 2.66 iniciales a
2.55:1.
Las megapelículas reunían grandes estrellas, metrajes desmesurados, acción
realizada por especialistas, grandes planos de paisajes, para impedir que pudieran ser pasadas
por televisión, o ponérselo difícil, y temas de carácter Universal , para que pudieran ser
vendidas en todo el mundo

91
“Around the World in 80 Days,” -La vuelta al mundo en 80 días ( 1956)

Es la época de películas como “Around the World in 80 Days,” -La vuelta al mundo en
80 días ( 1956) de Michael Anderson, , “The Bridge on the River Kwa”- El puente sobre el río
Kwai (1957) y “Lawrence of Arabia”- Lawrence de Arabia (1962) ambas de David Lean que
tuvieron grandes éxitos de taquilla.
“The Bridge on the River Kwa”- El puente sobre el río Kwai (1957) ) Dirigida por David Lean
Los diez mandamientos, (1956)
“Lawrence of Arabia”- Lawrence de Arabia (1962) Dirigida por David Lean

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“How to Marry a Millionaire” - Cómo atrapar ar un millonario (1953)

Ben-Hur (1959)
La película que inauguró oficialmente el formato fue “The Robe” - El manto Sagrada (1953)
Con el advenimiento de la televisión, Hollywood se sintió amenazado y respondió dirigida por Henry Koster), aunque la primera película en rodarse en tal -formato fue “How to
mediante la producción de epopeyas monumentales, como Los diez mandamientos o Marry a Millionaire” - Cómo atrapar ar un millonario (1953) de Jean Negulesco, protagonizada
Ben-Hur, e inventando y popularizando innovaciones técnicas como el Cinemascope.
por Marilyn Monroe.
Muchas de las películas del «viejo Hollywood» se desarrollaban en un mundo
idealizado y respondían a las exigencias de un público en busca de entretenimiento
que no quería ser confrontado a la realidad social.
En 1950, el hombre llega por primera vez a la Luna. Y lo hace dos veces.
Primero, en Con Destino a la Luna, y meses más tarde, en Cohete K-1. Ambos
films anuncian el estilo que marcará la década. El público, cansado de los
monstruos de novela, mira hacia las estrellas en busca de nuevas emociones.
Es la hora de las invasiones extraterrestres, los monstruos mutantes y los
viajes espaciales.
Este enfoque de cine espectáculo, junto con el ambiente de la Guerra Fría

entre las potencias crearon una atmosfera de paranoia, con un renovado
interés por la ciencia de la energía nuclear y bomba atómica, así como un
mayor interés por los misterios del espacio exterior . La ciencia ficción de
Hollywood generó asi el comienzo de una década dorada con películas
“The Robe” - El manto Sagrada (1953) notables en argumentos y efectos especiales.

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“The War of the Worlds”- La guerra de los mundos (1953) Dir: Byron Haskin)
“The Day the Earth Stood Still” - El dia que paralizarón la tierra (1951) de
Robert Wise
“ The Incredible Shrinking Man” -El asombroso hombre creciente, (1957) de Jack
Arnold.

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¿Lo Sabías?
“Invasion of the Body Snatchers" -La Invasión de los Ladrones de Cuerpos (1956) Dir. Don Siegel
“Forbidden Planet” - Planeta prohibido. -1956 -. Dir. Fred McLeod Wilcox. es una
versión fantástica - espacial basada en la novela la Tempestad de William Shakespeare y se
constituirá en una emblemática cinta de la ciencia ficción de la década del cincuenta
vaLorandose como una una precursora de todo lo que vino después relacionado con el género,
además de ser la primera película donde los humanos viajan a través del espacio y viven sus
aventuras en un lugar alejadísimo de la Tierra. El guión de Cyril Hume describe a los personajes
y la ambientación, pero su trama puede relacionarse con ciertos aspectos de nuestra historia y
el inconsciente colectivo, planteado por la teoría de Jung.
En Inglaterra se crea la clasificación "X", que en ese momento se usó no sólo

para los films de sexo, sino también para los de terror.
En 1953, la televisión comienza a ser un rival de entidad para el cine. Para
competir con ella, se crean los films en 3 dimensiones, que tendría un éxito
considerable durante un tiempo, hasta la llegada del Cinemascope. Uno de los
primeros films en 3D es los Crímenes del Museo de Cera. Por aquellas fechas, un tal
Roger Corman producía su primera película, antes de pasar a la dirección, y en los
cines podía verse Invasores de Marte y también la Guerra de los Mundos.
En la primera, un niño es testigo de la llegada de los extraterrestres, y de cómo Antes de la Invasión..., en 1954, se estrena “The Creature from the Black Lagoon”, (El monstruo
éstos controlan poco a poco a los habitantes del pueblo. La segunda, basada en la de la laguna negra) Cinta de terror estadounidense de 1954, dirigida por Jack Arnold y
novela de H.G. Wells, se llevaría el oscar a los mejores efectos especiales y mostraría producida por Universal Pictures. También en ese año James H. Nicholson y Samuel Z. Arkoff
una visión apocalíptica a la que el público (sobre todo el americano) estaba poco forman la American International Pictures (AIP), que produciría, entre otros, muchos de los films
acostumbrado. Esta visión pesimista se repite en “Invasion of the Body Snatchers" (La de Corman. Un año después, una pequeña compañía inglesa llamada Hammer Films estrena el
Experimento del Dr. Quatermass, basada en un popular personaje televisivo.
Invasión de los Ladrones de Cuerpos (1956-) Director Don Siegel que incluso se vió obligada
a cambiar su final por otro más optimista, y se ha convertido en pieza clave del cine fantástico.

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ANTES Y EL RETORNO DEL TERROR
“The Beast From 20,000 Fathoms”( El Monstruo de los Tiempos Remotos .- 1953.- En 1956 Roger Corman ya dirigía varias películas por año. Este año estrenó” Attack of the Crab
dirigida por Eugène Lourié. Monsters”(El ataque de los cangrejos gigantes) y “Not of this Earth” (Emisario De Otro Mundo),
rodadas (como casi toda la obra de Corman) en poco tiempo y con poco dinero. El género
evoluciona, y a las invasiones extraterrestres les suceden las mutaciones atómicas como
argumento genérico.
¿Lo Sabías?
Conociendo que el horror era la panacea de sus problemas financieros, la

Universal siempre intentó ampliar su panteón de monstruos clásicos, sin demasiado
resultado. Ya en los 40 y los 50 las secuelas de vampiros, licántropos y toda la troupe
de monstruos estaba bordeando el agotamiento del público, y no faltaría mucho para
que se iniciara la decadencia - desde el enfrentamiento de monstruos entre sí
(monsters bash) hasta su inclusión en comedias como la saga de Abbott y Costello -.
En los 50, con el despertar de un nuevo subgénero - los monstruos atómicos, iniciada
con “The Beast From 20,000 Fathoms” ( El Monstruo de los Tiempos Remotos .- 1953.-
dirigida por Eugène Lourié. )-, el estudio intentaría subirse al género revitalizado con
algunas obras originales. Y de todos los experimentos de la Universal , el único que
se sumaría al panteón clásico de monstruos sería Gill Man, el apodo con que se le
conoce a la criatura de la laguna negra.
Attack of the Crab Monsters" (El ataque de los cangrejos gigantes.- 1958 -.Director: Roger
Semanas más tarde se estrena “This Island , Earth” (Esta Isla, la Tierra, de Joseph
Corman)
Newman). Los alienígenas de este film son clásicos, y su imagen daría inspiración años
más tarde a la creación de los músicos de la taberna espacial en la guerra de las
galaxias

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“Not of this Earth” (Emisario De Otro Mundo 1958-.)

En el 57, podemos ver como un hombre crece hasta el infinito en el Gigante Ataca o como se
reduce hasta la nada en el Increíble Hombre Menguante. Sólo un año después, los espectadores
De esta forma, tras los cangrejos gigantes observaremos también descendientes de las
sufren con” Attack of the 50 Foot Woman”( el Ataque de la Mujer de 50 Pies dirigida por Nathan
enormes hormigas en “ Them!” (Humanidad en Peligro.-1954-. Dir. Gordon Douglas ) y el
H. Juran (en los créditos como Nathan Hertz) y ven como un ser humano se convierte en insecto
arácnido de Tarantula (1955), vienen las mutaciones humanas.
en “The Fly”, ( La Mosca, en una película de ciencia ficción y terror estadounidense de 1958,
dirigida por Kurt Neumann)
En 1959, la mutante del año será “The Wasp Woman “(La Mujer Avispa) de Roger Corman.
“ Them!” (Humanidad en Peligro.-1954-.)
” Attack of the 50 Foot Woman” ( el Ataque de la Mujer de 50 Pies .- 1957-. )

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Para 1956, había fallecido Bela Lugosi. No obstante, tendría una participación post
mortem (¿quién mejor que él?) dos años después en "la peor película de la historia",
Plan 9 del Espacio Exterior de Ed Wood.
“The Fly”, ( La Mosca, 1958)
1958 permitio el debut de jóvenes talentos como Steve McQueen mientras este
luchaba contra” The Blob”( La Mancha Voraz) filme independiente estadounidense de
Terror/ciencia ficción del año 1958 que presenta un gigantesco alien similar a una
“The Wasp Woman “(La Mujer Avispa) de Roger Corman. Ameba que aterroriza la pequeña comunidad de Downingtown, Pennsylvania. La
aceptación y popularidad de esta sinta en buena parte se debio a su proyección para
un público adolescente que acudia a la inovacion cinematografica que se significaban
los Auto-cinemas.

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Mientras, los monstruos clásicos vuelven a recobrar protagonismo. A principios de la década “20,000 Leagues Under the Sea” -20.000 leguas de viaje submarino , es una película
eran excusa paródica de los films de Abbott y Costello, después, eran revividos gracias a la estadounidense de 1954 producida por los estidios Disney y dirigida por Director: Richard
energía atómica, como en Frankenstein 1970 (1958), o eran rejuvenecidos en I Was a Teenage Fleischer que conto con un reparto estelar como Kirk Douglas, James Mason, Peter Lorre, Paul
Werewolf (1957) y I Was a Teenage Frankenstein (1957). Pero ese mismo año, la productora Lukas
Hammer Films recupera de forma más seria los clásicos. Compra los derechos a la Universal y
realiza la Maldición de Frankenstein (1957), Drácula (1958) o la Momia (1959), con Christopher Empresas como American International Pictures, la japonesa Toho, y de Gran Bretaña
Lee y Peter Cushing como protagonistas. Hammer Film Productions fueron creados para producir exclusivamente películas del género
fantástico.
También hubo temas basados en la ciencia ficción de clásicos como Julio Verne “20,000
Leagues Under the Sea” - 20.000 leguas de viaje submarino (1954) de los estudios Disney o
“When Worlds Collide “ cuando los mundos chocan 1951).
Toho es una productora de cine japonesa que data desde la decada de los años 30 actualmente
se encuentra establecida en la ciudad de Chiyoda, Tokio, Japón. En Oriente, es más conocida
por la gran cantidad de películas sobre kaiju (monstruos) , tokusatsu (efectos especiales) y las
películas de anime producidas por el estudio de cine Ghibli. Su mayor creación y de mayor éxito
tanto nacional como internacional es Godzilla , conocido como El rey de los monstruos cración
del director Ishiro Honda en 1954.

99
La década era igualmente hábil tanto en carácter y películas realistas. Los actores
altamente notables James Stewart, John Wayne, y Marlon Brando eran en el pico de su
popularidad. Stewart protagonista en Winchester '73 y Wayne protagonizar de John Ford
Caballería Trilogy y “Seachers” Mas corazón que odio /Centauros de desierto revitalizó el oeste.
Brando dominó funciones versátiles en películas como:
“Julius Caesar” (Julio César.- 1953-. dirigida por Joseph L. Mankiewicz)
”An Streetcar Named Desire” (Un tranvía llamado deseo.- (1953)- Dir. Elia Kazan
“On the Waterfront” (Nido de ratas / La ley del silencio .-1954-. dirigida por el director
griego-estadounidense Elia Kazan y escrita por Budd Schulberg.)
“The Wild One” Salvaje (1953) Dir. László Benedek)

100
“Guys and Dolls”(Ellos y ellas .- 1955-. Director: Joseph L. Mankiewicz) Mientras tanto el director ingles Alfred Hitchcock estaba en la cima de su arte con
películas como
”The Teahouse of the August Moon”( La casa de té de la luna de agosto .-1956-. guion
“ Strangers on a Train “ - Pacto siniestro- (1951)
escrito por John Patrick a partir de su propia obra de Broadway de 1953, ganadora del Premio
Pulitzer de drama y del Premio Tony)
“Dial M for Murder”- Con M de muerte (1954)

y la ganadora de 4 premios Oscar de la academia; “Sayonara”.- 1957-. dirigida por
Joshua Logan a partir de la novela del mismo nombre del escritor estadounidense James A.
Michener.

101
“The Man Who Knew Too Much “ ( El hombre que sabía demasiado .-1956* remake
de cinta filmada en 1934)
Grace Kelly y James Stewart en “Rear Window “ (La ventana indiscreta.- 1954-.)
Jimmy Stewart y Kim Novak en “Vertigo” (1958)
“To Catch a Thief”( Para atrapar al ladrón.- 1955-.),
“North by Northwest “- Intriga internacional -(1959)

102
En esta tesitura se moverá la producción cinematográfica en los cincuenta, en la que

el cine de género continuará su marcha con singulares aportaciones.
En el western se revisan sus planteamientos, con películas como “Broken Arrow” La

flecha rota (1950), de Delmer Daves en la que el indio ya deja de ser el malo de la película “High
Noon” La hora señalada (1952), de Fred Zinnemann, y “Shane” (Shane el desconocido.-1953-.
de George Stevens).
El cine negro con “The Asphalt Jungle“Mientras la ciudad duerme) (1950), de Huston,
muestra su eficacia.

103
Y también, comedias
El musical alcanza su cumbre con las aportaciones de Gene Kelly “An American in
Paris,( Un americano en París.- 1951-. Dir. Vincente Minnelli) “Singing in the rain” (Cantando en
la lluvia.- 1952-. Dir. Stanley Donen.)
“ Some Like It Hot” (Una eva y dos adanes/ con faldas a lo loco 1959) , de Billy Wilder,
Conocida como “La Ambición Rubia”, esta actriz se convirtió muy pronto en el mito
erótico de la época. La sensualidad, frescura y belleza son sólo algunos de los atributos que
hicieron que Marilyn conquistara rápidamente las pantallas por sus papeles en La comezón
del 7ª año, Los caballeros las prefieren rubias, o Una Eva y 2 Adanes. Aún hoy está muy
presente, ya sea por ser un icono del pop o por los continuos rumores que todavía aparecen
sobre su misteriosa muerte.
“Singing in the rain” - Cantando en la lluvia.- (1952)-. Dir. Stanley Donen.
“The Seven Year Itch” (La comezón del séptimo año /La tentación vive arriba 1955 )
“Seven Brides for Seven Brothers”.- Siete novias para siete hermanos, 1954

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“The Seven Year Itch” (La comezón del séptimo año (1955) muestra una de
las escenas mas icónicas en la historia del cine, La escena del vestido de Marilyn en
las rejas de ventilación del subterraneo neoyorkino esta tuvo que rodarse dos veces.
La primera toma fue en la Avenida Lexington de Manhattan, en la calle 51. La segunda
se hizo en un estudio. La escena que aparece en la película es la de esta segunda toma,
ya que la primera resultó inservible, debido al ruido de la muchedumbre que
presenciaba la filmación.
“Gentlemen Prefer Blondes” - Los caballeros las prefieren rubias (1953) Dir. Howard
Hawks Musical estadounidense de 1953 es famosa por la interpretación auto-irónica de
Marilyn Monroe y su reconocimiento mundial en el papel de la rubia superficial Lorelei Lee, así
como por su clásico número musical cantando "Diamonds Are a Girl's Best Friend".
Muchas líneas y escenas fueron censuradas por juzgarse inadecuadas por la

oficina de Hayes. Aunque usadas en ediciones posteriores de la película, las escenas
en las que el vestido de Marilyn se alzaba por encima de su cintura fueron borradas
por las autoridades de la época, por considerarlas inapropiadas.

105
Melodramas (Obsesión, 1954, de Douglas Sirk), historias de ambiente

juvenil “Rebel Without a Cause “(Rebelde sin causa, 1955, de Nicholas Ray)
Rebelde sin causa (Rebel Without a Cause) es una película estadounidense de 1955 dirigida por
Nicholas Ray y con James Dean, Natalie Wood, su estreno sucedió el 27 de octubre de 1955 -un
mes mas tarde del trágico accidente automovilístico donde perdiera la vida Dean- En este filme
se intentó retratar la decadencia moral de la juventud estadounidense, criticar el estilo de vida
de los progenitores y explorar la brecha generacional.

106
negocio para todas las familias que poseyeran un automóvil en esa Norteamérica que, sin
embargo, sorteaba una Gran Depresión.
¿Lo Sabías?
La era de los autocine, autocinemas o cine drive-in

“Toda la familia es bienvenida, sin importar lo ruidosos que sean sus niños”, dice un cartel
con letras gigantes. En el lugar, un gran terreno descuidado, hay automóviles y una sábana
donde en cierto momento de la noche se comienza a proyectar una película. Es la noche del 6
de junio de 1933 y en este rincón de Nueva Jersey, en la costa oeste de los EU, se respira la
novedad; es la apertura el primer autocinema del que se tenga registro en el mundo, una moda
que abarcaría grandes territorios, se extinguiría y regresaría, tal vez con más fuerza que antes. En agosto de 1931, Hollingshead registró la idea ante patentes y el 6 de junio, la ciudad
de Camdem, Nueva Jersey, abrió las puertas del primer autocinema del mundo. Como dato
curioso una de las razones que llevaron a Hollingshead a crear su nuevo negocio fue la obesidad
de su madre, quien ya no podía ir a las salas de cine debido a su peso. En respuesta, su hijo
construyó una idea genial. Si tú no vas al cine, deja que el cine vaya a ti.
Menos de un mes después de conseguir la patente (agosto de 1931) y con la ayuda de

tres inversores que aportaron una cantidad cercana a los $30,000 dolares, se abrió al público el
primer autocine como tal, llamado "Park-It Theatre" el 6 de junio de 1933 en el bulevar del
Almirante Wilson en Nueva Jersey bajo el eslogan "Toda la familia es bienvenida, no importa lo
escandalosos que sean los niños". Publicitaron el autocine como una forma de pasar la velada
cómoda e íntima, donde se podía fumar y comer dentro del propio coche sin molestar a los
demás, y encima ahorrando un dinero en niñeras porque los niños podían quedarse dormidos
en los asientos traseros del automóvil.
El primer autocinema del mundo: Camdem, Nueva Jersey: 25 ctvs. por auto o por persona,
o 3 personas por 1 dólar.
Su origen
Un par de años después de las primeras funciones de cine callejeras, el empresario químico
Richard M. Hollingshead comenzó la planeación de un nuevo negocio: un cine al que pudieras ir
con tu auto y, además, pudiera anunciarse la gama de lubricantes, propiedad de la familia del
empresario. Así, con un proyector Kodak 1928 y una radio, el innovador empresario empezó un

107
Diagrama original presentado a la oficina de patentes

Contaba con 400 plazas para automóviles en un recinto de 1,6 km2 rodeado de vallas y
árboles altos para evitar que mirones consiguieran ver las películas gratis. Los coches se
aparcaban sobre un suelo de gravilla con una capa de aceite que cumplía la función de evitar
que se formaran polvaredas al circular los vehículos, y también para que no se acumularan
mosquitos. Estaba presidido por una pantalla de 12x15 m colocada a 3,5 m de distancia del
suelo, acompañada por tres altavoces de 1,8 m de RCA Victor que se colocaron junto a la
pantalla y que se escuchaban a varios kilómetros a la redonda.
La primera película que se proyectó fue "Two white arms" (Fred Niblo, 1932), también
conocida como "Wives Beware" y protagonizada por Adolphe Menjou, considerada entonces
una película algo pasada de moda, y por cuyo alquiler de los rollos durante cuatro días se pagó En los 50s , algunos de los 4 mil autocinemas existentes registraron cupos similares a los
$400 dolares , que era una cantidad desorbitada en comparación a los $ 20 dolares que solían de las salas tradicionales al llegar hasta albergar 750 vehiculos por funcion. Era el boom
pagar a la semana los cines habituales. económico de los EU la industria automotriz colocaba miles de unidades en el mercado. Los
sectores conservadores de la época llegaron inclusive a Satanizar públicamente estos espacios
al afirmar temerariamente que estos “Pozos de pasión” eran los responsables directos del
naciniento de 1 de cada 4 estaonidenses de la época
Anuncio insertado en la prensa norteamerica para la noche del 6 de junio de 1933 y hoja
volante para este tipo de establecimientos en la ciudad de Mexico ( 2 de mayo de 1950) .
Fotagrama de la película Grease Vaselina (1978) donde se puedes apreciar el área de

columpios infantiles y al fondo la proyeccion promocional de la dulcería del sitio

108
Entretenimiento, ante todo

Muchos autocines empezaron a incorporar algunas zonas de ocio diferentes: desde
parques infantiles para poder tener a los hijos entretenidos hasta un servicio exclusivo de
comida y bebida donde se ofrecían perritos calientes, pizza, hamburguesas, palomitas,
refrescos, café, chocolate, dulces y papas fritas, entre otras cosas.
El sonido a través de la radio

La forma de propagar el sonido se fue modificando lentamente de grandes altavoces
frontales a pequeños alto parlantantes para ser colocador es las ventanas de cada auto , con el
auge de los transitores y la miniaturización de los radio receptores m todos los vehículos
contarían con aparatos de bandas AM y FM. Ello inovo que existiese una frecuencia libre al
inicio o termino del cuadrante comercial donde se recibia una señal local generada desde un
transmisor de pequeño alcanceque usualmente transmitia desde la cabina de proyección de
esta manera se podía escuchar perfectamente y con un costo mucho más reducido.

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Cartelera años 50s

Películas que han alcanzado las Mayores recaudaciones por año
Año de estreno / Título /Recaudación mundial (US$)
1951 “Quo vadis?”. película, dirigida por Mervyn LeRoy $ 30 000 000
1950 “Cinderella”- La Cenicienta, película producida por Walt Disney y

dirigida por Clyde Geronimi $ 85 000 000
1952 "This Is Cinerama” - Cinerama - Dirección Merian C. Cooper" $
41 600 000

110
1953 “Peter Pan” -producida por la compañía Walt Disney dirigida por
Clyde Geronimi, Wilfred Jackson y Hamilton Luske $ 87 400 000 1955 “Lady and the Tramp”- La dama y el vagabundo, Dirección Clyde
Geronimi , Wilfred Jackson y Hamilton Luske $ 93 600 000
1954 “Rear Window” La ventana indiscreta dirigida por Alfred Hitchcock

$36 764 313 1956 “The Ten Commandments”- Los diez mandamientos, dirigida y
producida por Cecil B. DeMille $ 85 400 000

111
1959 “Ben-Hur”, dirigida por William Wyler $73 000 000
1957 “The Bridge on the River Kwai”- El puente sobre el río Kwai, dirigida
por David Lean $ 33 300 000
1958 “South Pacific, Dirección: Joshua Logan $ 36 800 000

112
El cine europeo de los 50s

Fellini y los OSCARS
El cine europeo pasa por una situación de necesario proteccionismo por parte de los
gobiernos de cada país, con el fin de poder establecer unos márgenes que permitan
desenvolverse en el propio mercado ante la presencia del cine estadounidense. Es una década
de transición en la que directores muy jóvenes, en su mayoría surgidos del campo de la crítica
cinematográfica, desean hacer frente al cine convencional y clásico. Para eso a lo largo de la
década reclaman libertad de acción y creación y ayudas para financiar sus proyectos, y darán
origen a unos movimientos con proyección cultural y política que fueron conocidos como la
"nouvelle vague" (Francia), el "free cinema" (Reino Unido) y el "Nuevo cine alemán", entre
otros, y siempre en conexión directa con lo que acontecía en diversos países americanos.
En Francia, junto con una producción en la que intervienen los directores como Jean
Renoir (La carroza de oro, 1952), René Clair (La belleza del diablo, 1950) se encuentran
excepciones como la de René Clément, con su singular Juegos prohibidos (1952), Henry-George La Strada Mejor guión original
Clouzot con la sorprendente El salario del miedo (1956), la originalidad y trascendencia del
trabajo de Jacques Tati, maestro del humor inteligente y crítico como lo demostró en La
vacaciones de Monsieur Hulot (1951) y Mi tío (1958), y el singular trabajo de Robert Bresson
que busca una ruptura en las formas a través de Diario de un cura rural (1950) y Un condenado
a muerte se ha escapado (1956). La "nouvelle vague" marcará los nuevos itinerarios para el cine
posterior.
El cine italiano se sostiene a partir de las películas que firman directores como Luchino
Visconti que tras Bellísima (1951) y Senso (1954), abordará un cine espectáculo combinado con
la reflexión social e histórica (Rocco y sus hermanos, 1960; El gatopardo, 1963; La caída de los
dioses, 1969; Muerte en Venecia, 1971). A Roberto Rosellini le interesan los problemas
humanos que aborda con diverso interés en Europa 51 (1951) y, especialmente, Te querré
siempre (1953). Michelangelo Antonioni profundiza en la incomunicación a través de su trilogía
La aventura (1959) , La noche (1960) y El eclipse (1962).
Sorprende por la proyección de su obra Federico Fellini, que también vive su

momento más intenso y representativo de su carrera con filmes tan completos como “La
strada” (La calle 1954), Las noches de Cabiria (1956), “La dolce vita” (1958), “ 8½” (Ocho y medio
1962) y Amarcord (1973), recibiendo varios Oscar de la Academia.

113
En los sesenta también Pier Paolo Pasolini propone alternativas, para muchos
radicales, como las de El evangelio según San Mateo (1964) o Teorema (1968).
El cine británico mantiene vivas las líneas creativas de los cuarenta, más arropadas
por la ayuda del gobierno. La comedia de los Estudios Ealing y las adaptaciones shakesperianas
de Laurence Olivier convivieron con producciones bélicas y numerosas adaptaciones teatrales
que habían sido éxito en el West End londinense. En estos años las películas de David Lean
evolucionaban entre la sencillez de El déspota (1953) y la superproducción (El puente sobre el
río Kwai, 1957; Lawrence de Arabia, 1962). La productora Hammer vivirá su mejor momento
industrial y artístico al abordar películas de ciencia-ficción como El experimento del doctor
Quatermass (1955), de Val Guest, y, especialmente, historia de terror, en las que rescata los
personajes clásicos que hiciera famosos la Universal , sólo con la diferencia que estas
producciones ya eran en color. Así surgieron La maldición de Frankenstein (1957) y Drácula
(1958), dirigidas por Terence Fisher e interpretadas por Peter Cushing y Christopher Lee,
producciones que alcanzaron un notable éxito internacional.
El cine nórdico continuó ofreciendo excelentes trabajos, como el del maestro Carl
Theodor Dreyer que dirigió La palabra (1955), una obra completa en su fondo y forma. No
obstante, a partir de esta década el nombre que recordará la existencia del cine en estos países
será el de Ingmar Bergman, director sueco que sorprende al mundo con una películas cargadas
de emoción, sentimiento, tragedia y humanidad. A partir de El séptimo sello (1956) es
descubierto en muchos países en los que comienzan a revisar su obra anterior al tiempo que
continúan su trayectoria con otros filmes tan sorprendentes como Fresas salvajes(1956) y el
manantial de la doncella (1959).
8 1/2 Mejor Director, Mejor guión original, Mejor película extranjera
Amarcord 1975, al Mejor Director, Mejor película extranjera

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Ichikawa con El arpa birmana (1956) , un soberbio trabajo sobre el horror de la guerra que fue
El cine japonés premiado en el Festival de Venecia.
La Historia del cine en Japón se inició con los trabajos de varios pioneros, como Koyo
Komada, a finales del siglo XIX. En apenas cuatro años la producción ya es muy alta, lo que lleva
emparejado la multiplicación de empresas y Estudios cinematográficos, que en buena parte
serán arrasados en el terremoto de 1923. La industria no se desalienta ante esta catástrofe, e
inmediatamente recompone su infraestructura, continuando con una producción tan intensa
que llegó a superar los 700 filmes al año en el segundo lustro de los años veinte.
Fueron años en los que dieron sus primeros pasos directores como Teinosuke
Kinugasa, Kenji Mizoguchi, Yasujiro Ozu y Heinosuke Gosho, entre otros, quienes dirigieron las
primeras películas totalmente sonoras a lo largo de los años treinta (hasta 1937 todavía se
produjeron películas mudas). La industria japonesa, sin embargo, dependerá durante unos años
del equipamiento y película virgen llegados del exterior. Su producción se centró en las películas
de época, feudales, -los"jidaigeki"-, que durante épocas convivieron con el cine que mira a las
clases más populares, la vida contemporánea, —los "gendaigeki"-, sobre una trama Los siete samuráis (1954)
melodramática, y con el "shomingeki", una estructura temática basada en temas de la vida
familiar y del individuo, la clase media baja, desarrollados a caballo de la comedia y el drama. Años después llegarán de forma aislada películas que continúan llamando la atención
Todos los directores evolucionaron durante los treinta y cuarenta sobre estos tres modelos por la crudeza de ciertas historias y la reflexión continuada de los directores sobre temas
temáticos, abriendo nuevas puertas a otros subgéneros que facilitaron la riqueza de un cine en arraigados en la tradición japonesa, como las de. Nagisha Oshima, que muestra el lado trágico
buena medida de autoconsumo, que sólo conseguirá darse a conocer en Occidente a partir de del sexo en El imperio de los sentidos (1976), y la obra de Shoei Imamura quien, con La balada
los años cincuenta. de Narayama(1983), se adentra en el mundo de los sentimientos, en la realidad cotidiana de
los habitantes de un pueblo que conviven en el más arraigado primitivismo. El mundo del cómic,
tan importante en Japón, continuó con su proyección internacional con Akira (1989), del
maestro del manga Katsuhiro Otomo, quien participaría también en Metrópolis (2002), del
Los principales festivales internacionales de cine (Cannes, Venecia) abrieron las animador Shigeyuki Hayashi (Rintaro).
puertas al cine japonés concediendo importantes premios a películas comoRashomon (1950),
de Akira Kurosawa —Oscar a la mejor películas extranjera-,Cuentos de la luna pálida de agosto
(1953) y El intendente Sansho (1954), de Kenji Mizoguchi, y La puerta del infierno (1953), de
Teinosuke Kinugasa —también Oscar a la mejor película extranjera-. Se descubrió en estas
películas que su estructura narrativa estaba muy evolucionada y que tenía muchos puntos de
contacto con todo lo desarrollado en Occidente. Son películas de época, históricas, feudales
que sorprenden en todo el mundo y obligan a una revisión del cine anterior, circunstancia que
se produce en diversas Filmotecas y ciclos culturales. También descubren el buen hacer de
actores como Toshiro Mifune, Chishu Ryu, Kinuyo Tanaka, Machico Kyo, Kazuo Hasegawa,
Hideko Takamine, Masayuki Mori e Isuzu Yamada, Takashi Simura, Tatsuya Nakadai, entre
otros.
Quien logró asentarse en las salas occidentales con regularidad fue Akira Kurosawa,
que sorprendió a lo largo de su carrera con títulos excepcionales como Vivir (1953), Los siete
samuráis (1954), El mercenario (1961), Dersu Uzala(1975), Kagemusha (1980) y Ran (1985), en
los que profundiza, desde perspectivas diversas y momentos históricos diferentes, en el
hombre y su relación con los demás. Con buen pulso narrativo irrumpe también en escena Kon
115
El cine estadounidense de los 60s
La sociedad estadounidense comienza a sentir la fuerza de una generación que busca

abrir nuevos caminos reivindicativos de una nueva convivencia que se proyectan en los
intereses culturales, creativos y vivenciales. La industria del cine, en gran medida, también
siente cómo el interés de los espectadores por las películas que produce está provocando que
sus cimientos se resientan. La televisión y otros modos de entretenimiento provocan que
determinadas superproducciones tengan difícil su amortización.
El profesor Chiflado ( 1963)
La fiesta inolvidable, 1968
Los géneros todavía conservan la esencia que les ha definido como tales. Las
comedias tienen de protagonistas a Rock Hudson y Doris Day (Un pijama para dos, 1962, de
Delbert Mann), a Peter Sellers (la fiesta inolvidable, 1968, de Blake Edwards) y, especialmente,
a Jerry Lewis (Lío en los grandes almacenes y El profesor Chiflado, 1963, de Frank Thaslin y el
Para la filmación de la polémica película “Lolita” Stanley Kubrick tuvo que lidiar propio Lewis), aunque la presencia del maestro Billy Wilder sigue marcando las diferencias (El
constantemente con la censura por ejemplo En la novela original Lolita tiene 12 años. Sin apartamento, 1960, con Jack Lemmon; Uno, dos, tres, 1961, con James Cagney)
embargo, por la censura de la época, en la película el personaje tiene 14 años, aunque la actriz
que interpretó el papel, Sue Lyon, contaba 16 años cuando se rodó.
El cine estadounidense ya ha sentado bases en Europa, produciendo numerosas

películas en Gran Bretaña, Italia y España, con actores de prestigio internacional (Doctor
Zhivago, 1965, de David Lean) y los directores más representativos de la época trabajan tanto
en Estados Unidos como en el Viejo Continente (John Huston, Stanley Kubrick, Orson Welles,
John Schlesinger, etc.).

116
Psicosis (1960)
El cine de terror alcanzó algunos de sus momentos más memorables con películas
como Psicosis (1960) y Los pájaros (1963), de Alfred Hitchcock, Repulsión (1965) y Rosemary's
Baby (1968), de Roman Polanski, y La noche de los muertos vivientes (1968), de George A.
Romero.
El western continúa dando historia con gran fuerza y efectividad como Siete hombres
y un destino «The Magnificent Seven» (1960), de John Sturges, y El hombre que mató a Liberty
Valance (1962), de John Ford.
Amor sin Barreras ( 1961)
El musical aborda temas relacionados con el mundo juvenil y familiar ejemplos son:
Amor sin barreras (West Side Story), 1961; la novicia rebelde (The Sound Of Music) , 1965, de
Robert Wise) y comienzan a surgir con más frecuencia —antes ya había pasado con Elvis «The Magnificent Seven» - Siete hombres y un destino (1960) versión wester del clásico japonés
Presley- las películas que aprovechan el tirón popular de los nuevos grupos musicales jóvenes, los siete samuráis, Conto con el multireparto encabezado por Yul Brynner, Steve McQueen,
como los Beatles, para producir historias como La noche de un día difícil! (1964), de Richard Charles Bronson, James Coburn, Horst Buchholz, Robert Vaughn, Eli Wallach y Brad Dexter en
Lester. los papeles principales.
En la década de 1960, la «fábrica de sueños» de Hollywood y las fórmulas que había

ensayado alcanzaron un punto muerto. Las carreras de directores de renombre como Alfred
Hitchcock o John Ford declinaban, y las estrellas de la «edad de oro» habían muerto —
Humphrey Bogart, Gary Cooper— o estaban retiradas —Cary Grant, John Wayne—. Los

117
ejecutivos de los estudios, todos muy mayores, como Jack Warner, ocupaban sus puestos desde noche mientras que el resto de material fue rodado durante las dos semanas siguientes.
la época del cine mudo y habían perdido todo contacto con la realidad social del momento. Se Corman rodó cada escena una única vez con tres cámaras simultáneamente. El presupuesto
producían más y más películas para un público que ya no existía, y, en un intento desesperado total de la película fue de tan solo $ 27.000 Dólares (más 7,000 por distribución ).
de recuperarlo, los estudios invertían inmensas sumas en películas monumentales o en
comedias musicales. Como dato curioso en esta película fue una de las primeras películas de Jack
Nicholson; en ella, interpreta el papel de Wilbur Force, paciente masoquista de un dentista
No obstante, la reflexión sobre el hombre en el más amplio sentido de la palabra se sádico.
impone en trabajos tan diversos temáticamente como El prestamista (1965), de Sydney Lumet,
La jauría humana (1966), de Arthur Penn, Baile de ilusiones (They Shoot Horses, Don't They?),
(1969) , de Sydney Pollack. Las nuevas vías creativas, desde un ámbito independiente y
solapado con las iniciativas de los grandes Estudios, quedan reflejados en varias películas que El cine europeo de los 60s
cierran la década: El graduado, de Mike Nichols, Cowboy de medianoche, de John Schlesinger,
-con sendas magistrales interpretaciones de Dustin Hoffman, y Bonnie y Clyde, de Arthur Penn,
y que de alguna manera permanecen en la memoria colectiva como iconos de un momento
socio-cultural de gran relieve.
En cualquier caso, se consolida un cuadro artístico apoyado en actores como Jack

Lemmon, Walter Matthau, Paul Newman, Robert Redford, Clint Eastwood, y actrices como Faye
Dunaway, Shirley MacLaine, Barbra Streisand, entre otros, que sirven de transición entre la
estrellas maduras y los jóvenes que va a irrumpir en la década siguiente.
¿Lo Sabías?
La pequeña tienda de los horrores o La tiendita del horror (The Little Shop of Horrors)
es una película estadounidense de 1960 dirigida por Roger Corman. Se trata de una de las
películas de serie B más famosas de la historia. Ganó notoriedad al convertirse en una de las
películas que se rodaron con mayor rapidez. Así el mismo Corman y el guionista Charles B.
Griffith escribieron el guion en una única . Los actores ensayaron durante únicamente tres días
antes del comienzo de la película. La mayor parte del rodaje se realizó en dos días y una única

118
Cartelera años 60s

Películas que han alcanzado las Mayores recaudaciones por año
Año de estreno / Título /Recaudación mundial (US$)
1960 Espartaco 60 000 000
1961 101 dálmatas 224 000 000
1962 Lawrence de Arabia 70 000 000
1963 From Russia with Love 78 900 000
1964 Goldfinger 124 900 000

1968 2001: A Space Odyssey 190 700 000
1965 The Sound of Music 163 200 000
1969 Butch Cassidy and the Sundance Kid 102 308 889
1966 Who's Afraid of Virginia Woolf? 28 000 000
1967 El libro de la selva 205 800 000

119
El cine europeo contemporáneo
A partir de los años setenta, el cine europeo evoluciona a partir de los proyectos
individuales de cada uno de los directores que buscan proseguir su carrera superando todos los
obstáculos que, realmente, se le cruzan en su camino. No se puede decir que cada
cinematografía tenga unas señas de identidad como grupo; existen proyectos singulares,
rutinarios, originales, provocadores, insulsos, pretenciosos y aburridos. El público europeo
continúa accediendo a las salas con el fin de visionar cine estadounidense; el interés por el cine
propio destaca, de manera especial, en Francia, gracias a un sistema de financiación que
permite acometer empeños de mayor fuste. El resto de cinematografías buscan sobrevivir en “A Clockwork Orange”, Naranja mecánica (1971) de Stanley Kubrick
el corto espacio que le queda, con las ayudas de las Administraciones nacionales y los fondos
europeos que intentan dinamizar un mercado mortecino y paliar las deficiencias existentes. El cine británico se apoya en los trabajos de los veteranos Stanley Kubrick (La naranja
mecánica, 1971; El resplandor, 1980) y Charles Crichton (Los enredos de Wanda, 1988), para
dar en los ochenta a una de las décadas más brillantes de dicha cinematografía con Carros de
fuego (1981), de Hugh Hudson, y Gandhi (1982), de Richard Attenborough, entre otras, estela
El cine italiano continúa en manos de directores clásicos como Luchino Visconti,
que continuarían producciones como Cuatro bodas y un funeral (1994), de Mike Newell, y
Federico Fellini, Pier Paolo Pasolini, aunque otros autores comienzan a demostrar
Secretos y mentiras (1996), de Mike Leight. Surge un cine de realismo social impulsado por Ken
creativamente sus inquietudes culturales e ideológicas en títulos tan interesantes como El
Loach (Agenda oculta, 1990; Lloviendo piedras, 1993; La cuadrilla, 2001), Stephen Frears (Mi
conformista (1970) y Novecento (1976), de Bernardo Bertolucci, El árbol de los zuecos (1974),
hermosa lavandería, 1985; Café irlandés, 1993) y Jim Sheridan (En el nombre del padre, 1993),
de Ermanno Olmi, Cinema Paradiso(1989), de Giuseppe Tornatore, y el multipremiado trabajo
y el éxito comercial de todos los tiempos fue Full Monty (1997), de Peter Cattaneo.
de Roberto Benigni La vida es bella (1998). También apuestan, como Bertolucci, por un cine
estilo Hollywood, alcanzando con El último emperador (1987) , uno de sus momentos más
brillantes, película que recibió 9 Oscar de la Academia.
En el cine alemán cogió el testigo la generación intermedia con nombres tan

significativos que con sólo nombrarlos se les atribuyen ejemplos notorios de buen cine. Werner
Herzog dirige Aguirre o la cólera de Dios (1973), excepcional relato sobre la época de
conquistas. Rainer W. Fassbinder, corrosivo analista de la sociedad alemana y del ser humano,
firma películas como La ley del más fuerte (1974) y La ansiedad de Verónica Voss (1981). La
personalidad de Wim Wenders crece en círculos de cinefilia de todo el mundo tras la proyección
deAlicia en las ciudades (1973), El amigo americano (1977), Cielo sobre Berlín(1987). Mientras
que Volker Schlöndorff muestra su madurez en El tambor de hojalata (1979), pasando después En el cine francés, junto con los François Truffaut (La mujer de al lado, 1981), Louis
a trabajar en el cine estadounidense. Malle (Adiós muchachos, 1987), sigue muy activo Claude Chabrol (Inocentes con manos sucias,
1974; Un asunto de mujeres, 1988; No va más,1997) y Bertrand Tavernier (Hoy empieza todo,
1999), e irrumpen con fuerza Robert Guédiguian (De todo corazón, 1998) y los hermanos Luc y
Jean Dardenne (Roseta, 1999) y Jean-Pierre Jeunet (Amélie, 2001).
Del resto de cinematografías, junto con el movimiento Dogme 95 impulsado por Lars
von Trier (Rompiendo las olas, 1996) y otros cineastas daneses, que no lograron ocultar el
120
acierto de películas como El festín de Babette (1987), de Gabriel Axel, o Pelle el conquistador
(1988), de Bille August, se puede decir que son autores únicos (como el griego Theo
Angelopoulos, el portugués Manoel de Oliveira, los filandeses Aki y Mika Kaurismäki, el iraní
Abbas Kiarostami, etc.) los que defendidos por la crítica internacional de cinéfilos y arropados
por un sin fin de premios en los festivales más importantes, llegan con frecuencia a ciertas salas
europeas para ser disfrutados por el público interesado en otras historias y maneras de narrar.
Kubrick siempre buscó no entregar las claves de sus películas, de manera bastante
acertada para contribuir a la creación de un espacio mítico alrededor, y de permitir la
especulación filosófica sobre su propia especulación filosófica (un espejo infinito).
Un ejemplo de ello lo representa 2001: Odisea en el Espacio es una de las obras más
enigmáticas en la historia del arte reciente. El hermetismo de su creador como de la temática
contribuyen a crear un culto alrededor de esta película

121
la ciudad simboliza una sociedad esclerotizada por el racismo y el consumo. También en difíciles
El cine estadounidense contemporáneo circunstancias financieras, John Carpenter rodó una serie thriller críticos, iniciada con viernes
13 (1976) caracterizada por su ambiente sombrío y pesimista. Rosemary's Baby El bebe de
Un movimiento cinematográfico estadounidense de finales de los años 1960s hasta Rosemay (1968), Carrie , El exorcista y La profecía ponen en escena a «niños-demonio». Estas
mediados de los años 1970s que modernizó significativamente la producción de películas en tres películas se pueden interpretar como alegorías sobre el conflicto generacional de la época.
Hollywood. Este cine, inscrito en la contracultura e influido tardíamente por el neorrealismo
italiano y la Nouvelle vague francesa, se caracteriza por la potenciación del papel de los
realizadores en el seno de los grandes estudios de EE.UU. y la representación, bajo un nuevo
radicalismo, de temas hasta entonces tabú, como la violencia o la sexualidad. El «nuevo
Hollywood» también renovó los géneros de cine clásico americano —western, cine negro— o
los «deconstruyó» liberándolos de sus convenciones.
El período relativamente corto del «nuevo Hollywood» está considerado como una
de las fases más importantes del cine desde el punto de vista artístico y reveló a muchos
directores, como Francis Ford Coppola, Martin Scorsese y Dennis Hopper.
Con La noche de los muertos vivientes, rodada sin medios, George A. Romero sentó
las bases del cine de terror moderno, donde la amenaza de zombis mutantes sobre la gente de

122
libertad era posible en el seno de la United Artists $ , que produjo sus películas en los años 70 y
que obtuvo algunos beneficios tanto en términos culturales y de popularidad como económicos.
¿Lo Sabías?
La Farsa y La Parodia
Mucho más allá de las trayectorias personales de directores consagrados y de los
nuevos creadores, se dieron otras líneas mucho más marginales que se englobaron bajo la
denominación "Cine independiente americano" (el New American Cinema, el cine
underground), corrientes de vanguardia que quisieron romper con las temáticas tradicionales.
Todo lo que siempre quiso saber sobre el sexo pero nunca se atrevió a preguntar de
Woody Allen (1972),
A finales de los años 60, el humorista teatral Woody Allen comenzó a representar las
neurosis —a menudo sexuales— de un ciudadano moderno en comedias originales como Annie
Hall o Manhattan, con la ayuda de la innovadora fotografía de Gordon Willis. Con sus gafas y Mel Brooks creó una serie de películas paródicas como The Producers (1967)m The
su frágil figura, Allen, protagonista de la mayoría de sus películas, era la figura emblemática del Twelve Chairs (1970) Blazing Saddles (1974) “Young Frankenstein“ - El joven Frankenstein
antihéroe de esta era. Woody Allen ha sido guionista, director y actor de sus creaciones. Esta (1974) o “Silent Movie”- La última locura de Mel Brooks- (1976), High Anxiety (1977) en la que
123
se burlaba del Hollywood clásico de forma irrespetuosa pero sin animosidad , History of the quizás los más sonados fueron los de La puerta del cielo (1980), de Michael Cimino, y el mundo
World: Part I (1981)la loca historia del mundo (1981) sátira sobre las películas épicas To Be or acuático (Waterworld, ) (1995), de Kevin Reynolds.
Not to Be (1983)y Space Balls (1987) una cruda mirada hacia el cine fantástico de ciencia ficción,
aventura y mercadotecnia . Robin Hood: Men in Tights (1993) El cine del último tercio del siglo XX fue básicamente espectáculo, producciones que
supieron aprovechar el tirón de series impulsadas por Steven Spielberg —uno de los grandes
1970 Love Story 106 400 000 empresarios de Hollywood, además de gran director- y un grupo de directores que fueron
consolidando su carrera a su sombra en películas diversas en multiples generos.
1971 Diamonds Are Forever 116 000 000
1972 El padrino 245 066 411
1973 El exorcista 441 306 145 ¿Lo Sabias?

1974 The Godfather Part II 193 000 000 “Jaws”- Tiburón es una película estadounidense de terror, suspense y
aventuras estrenada en 1975. Dirigida por Steven Spielberg, su estreno es recordado
A partir de 1975 el cine estadounidense entra en la nueva era que va a estar dominada como un verdadero hito en la historia del cine. La productora Universal $ Pictures
por los blockbusters, el box-office; es decir, por la rentabilidad inmediata en taquilla de una puso en marcha una enorme y efectiva campaña publicitaria para promocionar la
película. Desde Tiburón (1975), de Steven Spielberg, hasta Spiderman (2002), de Sam Raimi,
película y la estrenó simultáneamente en más de 450 salas de cine de Norteamérica.
Hollywood va a estar pendiente de la ventas de entradas en el primer fin de semana.
Recibida en general con alabanzas de la crítica especializada, Tiburón fue galardonada
con numerosos premios a su banda sonora y montaje, y se la incluye a menudo entre
las mejores películas de la historia.
Fue la producción más taquillera de la historia del cine hasta 1977, año en
Esta nueva idea del negocio la consolida George Lucas cuando dirige La guerra de las
que se estrenó Star Wars. Ambos filmes fueron el punto de partida del sistema de
galaxias (1977), todo un fenómeno cinematográfico —toda la saga- que se transforma en otro
negocio del Hollywood moderno, que gira en torno a películas de acción o aventura
sociológico y de mercadotecnia. En este sentido también sorprende el éxito de Titanic (1997),
de James Cameron, de The Matrix (1999), de Larry y Andy Wachowski, o los éxitos de El señor basadas en premisas sencillas, que se estrenan en verano rodeadas de grandes
de los anillos. La comunidad del anillo (2001), de Peter Jackson, y Harry Potter y la piedra campañas publicitarias y en muchas salas de cine para intentar asegurar su éxito entre
filosofal (2001), de Chris Columbus. Pero los grandes éxitos no pueden ocultar otras fracasos; el público

124
Los Oscar son el acontecimiento más esperado por todos los amantes del cine
y sus estrellas. Con más de 90 ediciones a sus espaldas, los Premios de la Academia de
las Artes y las Ciencias Cinematográficas de Hollywood han premiado a grandes
películas a lo largo de su Historia. En este reportaje, repasamos todas las películas que
han ganado el Oscar a la Mejor Película.
El 19 de mayo de 1929 en el Hotel Hollywood Roosevelt de Los Angeles tenía

lugar la primera ceremonia de los Oscar en la que resultó ganadora la película Alas,
una cinta muda que narraba la experiencia de dos pilotos de aviación en la Primera
Guerra Mundial. En esta entrega sólo se entregaron 12 premios, ahora son 24.
Oscar a la Mejor Película
Ver galería
90 imágenes
Son muchas las anécdotas que podríamos contar de estos premios, que son
los más antiguos de la Historia del Cine, pero nos quedaremos con los 11 galardones
de Ben-Hur, Titanic y El Señor de los Anillos: El Retorno del Rey, los cuatro Oscar de
Oscar - Todas las películas ganadoras a Mejor Película Katharine Hepburn, las 20 nominaciones de Meryl Streep y Bob Hope, quién presentó
la ceremonia de los Oscar en 19 ocasiones.
Por Clara Castaño Ruiz 5 Mar 2018
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Replica de los Oscar a la venta en Amazon
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12 Comentarios
Otra curiosidad es la procedencia del nombre, no se sabe realmente quién
Titanic, American Beauty, Ben-Hur... 89 años de Oscar dan para mucho y por
empezó a llamar al premio Oscar. La leyenda más extendida dice que se debe a un
eso recordamos todas las películas que han ganado el Oscar a la Mejor Película.
comentario de Margaret Herrick, ejecutiva de la Academia, a quién le recordó a su tío
Oscar y el columnista Sidney Skolsky adoptó el nombre. Otras teorías hablan de que
se llama así por el primer marido de Bette Davis, pero lo único cierto es que se comenzó
a utilizar de manera oficial en 1939.
125
1 Avengers: Infinity War $2,048,134,200

2 Black Panther $1,348,258,224
3 Jurassic World: Fallen Kingdom $1,305,772,799
4 Incredibles 2 $1,242,507,764
5 Aquaman $1,146,894,640
6 Bohemian Rhapsody $893,017,661
7 Venom $853,628,605
8 Mission: Impossible—Fallout $787,456,552
9 Deadpool 2 $786,680,557
10 Fantastic Beasts: The Crimes of Grindelwald $652,220,086
11 Ant-Man and the Wasp $623,144,660
12 Ready Player One $579,290,136
13 Hong Hai Xing Dong $578,190,751
14 Tang Ren Jie Tan An 2 $544,068,574
15 The Meg $529,530,715
16 Hotel Transylvania 3: Summer Vacation $527,060,998
17 Ralph Breaks The Internet $523,472,817
18 Dr. Seuss’ The Grinch $510,978,677
19 Bumblebee $465,195,589
20 Wo Bi Shi Yao Shen $451,176,640
21 A Star is Born $433,345,337
22 Rampage $428,056,280
23 Solo: A Star Wars Story $393,151,347
24 Mamma Mia: Here We Go Again! $392,474,667
25 Spider-Man: Into The Spider-Verse 3D $375,243,139
26 Fifty Shades Freed $371,350,619
27 Xi Hong Shi Shou Fu $366,961,920
28 The Nun $363,676,447
29 Zhuo yao ji 2 $361,683,815
30 Peter Rabbit $347,132,280
31 Mary Poppins Returns $340,246,439
32 A Quiet Place $336,157,526
33 Green Book $322,717,024
34 Skyscraper $304,115,534
35 Ocean’s 8 $297,115,976
36 Pacific Rim: Uprising $290,930,148
37 Tomb Raider $273,477,501
38 Maze Runner: The Death Cure $265,878,536
39 Halloween $254,902,722

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Recopilación de textos e investigación adicional

Por: Marco A Domínguez de Dios

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Zoopraxiscopio Eadweard Muybridge

Eadweard Muybridge, seudónimo de Edward James Muggeridge (Kingston upon

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Étienne Jules Marey (Beaune,

Aves por Eadweard Muybridge

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Marey abandonó rápidamente su escopeta y en 1882 inventó una cámara de placa

Estas y otras muchas investigaciones buscaron el otorgar movilidad a la imagen

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Nacimiento del cine

El Black Maria o Kinetographic Theater en New Jersey estudio fotográfico que se

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“Carmencita “ rodada entre el 10 y 16 de marzo de 1894, año en que las

Según el historiador de cine, Charles Musser, la bailadora Española

Los boxeadores Michael Leonard y Jack Cushing (filmada en junio de 1894

“Sandow” (El Hércules moderno, mayo 18 de 1894).

Bufalo Dance 24 de septiembre de 1894

“Boxing Cats” / Gatitos boxeando ( julio 1894)

Annie Oakley ( 1 de noviembre de 1894)

Annabelle Butterfly Dance (1894)

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Cuando se presentó esta película, produjo un escándalo entre el clero y algunos

Fatima's Coochee-Coochee Dance (1896). La película muestra a la bailarina Fatima

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Edison también grabó acontecimientos deportivos, lo mismo que sus rivales. Un

Los Latham también redactaron el primer «contrato de estrella» cuando llegaron a un

“Gordon Sisters – two lady boxing” ( 21 de abril de 1901)

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En medio de un escepticismo generalizado, se apagaron las luces. Un débil haz de

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3.- La Pêche aux

Le Jardinier “L'Arroseur arrosé” (El jardinero-“El regador regado” intitulado inicialmente Le

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Le repas (La comida)

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El primer cartel cinematográfico de la historia del cine fue vendido el 5 de septiembre

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Madero) de la ciudad de México un año más tarde el empresario camarógrafo y posteriormente

Maréchal-ferrant (1896) ¿Lo sabías?

La placa autocroma de los Lumière, patentada en 1903 y comercializada en 1907,

El padre del espectaculo

Acostumbrado a los escenarios y a la psicología de la prestidigitación, Méliès muy

Escamotage d’une dame chez

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Había tramoyas, trampillas y decorados espectaculares que bosquejaba y pintaba el propio

A principios de 1897, Méliès hizo construir en su propiedad de Montreuil-sous-Bois

Entre 1896 y 1912 se rodaron allí cerca de 500 películas de ficción.

Los historiadores de cine no se ponen de acuerdo en si el primer estudio de la historia

Méliès descubrió enseguida los inconvenientes de rodar al aire libre. El viento y la

En 1897 fundó el primer estudio cinematográfico en un campo a las afueras de

Centro Cinematográfico del Sureste Historia mundial del cine