PROYECTO FINAL DE DIBUJO

LIBRO DE ARTISTA
DEFORMACIÓN DE LA IDENTIDAD DEL
ARLEQUÍN PARTIENDO DE LO GROTESCO

Marina Maturana García

María Felicia Puerta Gómez

Dibujo: Lenguaje y técnicas

Facultat de Belles Arts de Sant Carles
Curso 2021-2022
ÍNDICE
1. INTRODUCIÓN…………………………………………..……p.3 2.

OBJETIVOS ...…………………………………………………..….p.4

3. REFERENTES ARTÍSTICOS………………….……………..…p.5

3.1 GERHARD RICHTER…………………….… p.5

3.2 JUSTIN MORTIMER……………………………….p.5

3.3 PICASSO……………………………………………p.6

4. METODOLOGÍA DEL PROYECTO…………………………...p.7

5. CONCLUSIONES .……………………………………………... .p.

6. ANEXO DE IMÁGENES………………………………………p.10
1. INTRODUCCIÓN
El proyecto está compuesto por una serie de
ilustraciones reunidas en un libro de artista vinculado a la
experimentación de diferentes materiales y técnicas que evalúa
el análisis de procedimientos de hibridación entre diversas
técnicas. Imágenes grotescas que hacen hincapié en el cambio
de la expresión y la deformación ejemplificando también el
sentimiento de soledad de esa persona detrás de la máscara.

Los dos pilares esenciales son: la búsqueda de la

representación de lo decadente en una fiesta mediante un único
elemento del imaginario: el payaso, el cual nos traslada
ineludiblemente a un evento festivo por los característicos
colores de la vestimenta y accesorios o el maquillaje; y la
desfiguración de esta identidad mediante el color y la forma, que
gira en torno al concepto de una decadencia ambigua con
aspecto aséptico.

Con este objetivo, comenzamos la búsqueda de los

elementos que conforman este estereotipo por medio de la
representación visual y artística, con la creación de diversos
collages superponiendo imágenes y recortes dispares entre
ellos. Ante eso, nos surgen nuevas dudas. ¿Por qué queremos
representar este tema? ¿Cómo podemos desarrollarlo para que
el espectador entienda el hilo conductor de cada dibujo? Para
ello, nos resulta útil la reflexión de Odilon Redon:

“Mis dibujos inspiran y no han de ser definidos. Nos

colocan, al igual que la música, en el reino ambiguo de lo
indeterminado.”

Consideraremos los objetivos y metodología planteados

para llevar a cabo este trabajo. Continúa un compendio de
artistas vinculados a aspectos formales y conceptuales.
Finalmente, concluimos con una reflexión general planteando
las aportaciones extraídas.
2. OBJETIVOS
Durante el desarrollo del proyecto, los objetivos aquí
marcados han sido susceptibles de alteraciones al adaptarse a
las exigencias, búsquedas y conclusiones que se formularon a
partir de la práctica.

Objetivo general:

- Creación de una serie de dibujos a partir de la

imágenes grotescas con diferentes estados
anímicos bajo una mirada artística como marco de
cuestionamiento del propio individuo y el colectivo
asiduo al tiempo de ocio.

Entre los objetivos específicos podemos mencionar:

- Experimentación y desarrollo de un lenguaje

pictórico, adecuado al proyecto con una
coherencia propia.

- Análisis de la temática en un grado visual y teórico

con propósito expositivo.

- Uso de una gama de color que estereotipa el

personaje, con propósito de creación de una
atmósfera oscura en las imágenes, en contraste
con la saturación de la línea del dibujo que
desfigure la escena a pesar de ser reconocida por
su paleta.

- Estudio documental del trabajo; profundizando para

lograr una idea esencial a exhibir a través de los
principales elementos de representación:la trama y
la línea.

- Revisión de mi iconografía e imaginario personales,

enlazando conocimientos previos propios y los
adquiridos mediante este proyecto.

- Concentración de un elemento simbólico a indagar

mediante el contraste entre lo oscuro y el color.
3.REFERENTES ARTÍSTICOS
En este apartado nos concentramos en el descifrado de
las influencias y referentes pictóricos, centrándonos en las
partes con mayor utilidad para aproximarnos a nuestras obra.

3.1 GERHARD RICHTER

Gerhard Richter es uno de nuestros pilares del

trabajo, enfatizando su método de disolución
de las fronteras entre el objeto y la persona en
una fotografía para componer una escena
inmóvil, al ser un recuerdo pero con
movimiento, por ser un momento fugaz perdido
en el tiempo. Esa gestión del ritmo de una
imagen en la pintura nos interesa a la hora de
huir de la inmovilidad y figuración en las
imágenes finales creadas.

3.2 JUSTIN MORTIMER

Conocimos a Justin Mortimer en la última fase

del proyecto. Produce un claroscuro entre los
símbolos de forma recurrente en sus collages a
medida que nos adentramos en su trayectoria.
Nos interesa su transcurso y la composición de
cada obra, elementos que hemos intentado
trasladar a nuestro libro de artista.
 En relación a la metodología procesual, es de vital importancia la
consideración de huir de la representación figurativa del personaje. Con la
ayuda de la modulación de la línea vinculada a la búsqueda de la
representación de este estereotipo y del arlequín durante la historia del
arte y la cultura audiovisual junto con la recolección de imágenes, la
lectura de textos que contestan a un sentido lúdico del hacer artístico;
tratando de asimilar su valor. Esta fase tiene como finalidad la destilación
de referentes más cercanos a la temática donde inscribimos a los artistas
visuales consultados. Robert Motherwell hace hincapié en su significado
propio de un libro de artista, con lo que nos sentimos identificados:

“Para mí, los cuadernos de dibujo son algo así como un 'jeu
d'esprit' secreto y totalmente espontáneo, algunos me gustan tanto
como todo lo que he hecho. Invariablemente, son hechos sin
premeditación. Quiero decir, no sólo que no tengo plan cuando los
hago sino tampoco un plan para hacerlos.”

Sentimos lo que sucede en cada dibujo y nos retroalimentamos

de lo representado anteriormente, dándole sentido a toda la serie. Es
un diálogo entre un universo de elementos como pensamientos e
imágenes que forman las imágenes, determinando el resultado,
consiguiendo o no una conclusión puesto que la investigación de un
espacio común y la duda son los estímulos del proyecto.
Esto permite tanto profundizar en diversas soluciones como el
descarte de otras composiciones y lo instintivo en el proceso artístico.
Progresan diferentes ideas que se fueron ajustando al propio soporte
creado y encuadernado y la indagación técnica, relacionada a las
también a la elección del papel, el tipo de unión para encuadernar los
pliegos creados y el desarrollo matérico a medida que progresaba la
documentación.

Con un transcurso propio, el proceso que nos transporta a estas

imágenes comienza por la recopilación de cómics en desuso, la
creación y edición de diferentes versiones y bocetado de otros
elementos a modo de prueba con la posterior realización del libro;
siendo éste el sustento principal que fundamenta el trabajo, abierto a
un abanico de otras posibles obras con otros elementos del imaginario.
 El inicio del trabajo surge con una idea de dibujar imágenes
sobre un mismo elemento para explorar la adaptación y límites de la
temática desde un punto de vista contradictorio de lo que sería una
fiesta infantil. En este momento, decidimos orientar este trabajo a la
exploración y la desvirtuación para el aprendizaje de nuevas técnicas y
usos de cada material. Las imágenes enmarcadas dentro del libro
tienen una misma naturaleza, pues representan cierta cotidianidad que
todos hemos admirado en alguna ocasión.
En la evolución del proyecto, finalmente seleccionamos
diferentes fotografías con varios estados anímicos para conseguir un
abanico de resultados, siendo esta la parte crucial.

Las características que hacen que hayamos escogido estas

fotografías de referencia son: la expresión facial, como comentamos
anteriormente; y el planteamiento del payaso como algo lúdico para
niños como pueden ser un libro de recortes para hacernos nuestro
personaje propio, un cuaderno de colorear al personaje o la
capitalización de este en el caso de McDonald’s, un payaso
mundialmente conocido que tenía como objetivo atraer a todos los
públicos y hacer de los restaurantes una supuesta fiesta.
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Se entiende la narrativa abierta gracias al plano libre del
encuadre que aporta una interpretación polisémica en la que el
observador tiene la responsabilidad de cerrarla, dejando de estar
cargados de literalidad.

Al haber asimilado estas premisas en las primeras fotografías,

evolucionamos de estrategia; intentando priorizar lo impulsivo para dar
libertad al uso de materia y técnicas: el pastel, carboncillo, lápices,
acuarelas, recortes, lavados en nogalina y tinta china, transferencias
que indagan en la línea para enfatizar la idea principal. La meditación
de Deanna Petherbridge nos aclara este tema.

“En mi trabajo nunca hago dibujos preliminares, a veces es

difícil repetir algo o continuar cuando la urgencia se ha ido.”
5. CONCLUSIONES
Consideramos que la disposición del uso de palabras a nuestro
entendimiento y la intención propia de manifestar con lucidez nuestros
pensamientos, nos aporta un novedoso balance cargado de claridad y
perspectiva a la hora de realizar un planteamiento de futuros proyectos
artísticos.

El establecimiento de nuestra posición y objetivos en cuanto a la

actitud frente a la práctica en el arte, contribuye a un aumento de la
capacidad crítica y constructiva de evaluar nuestro trabajo, así como la
aptitud para profundizar en éste. Podemos valorar el cumplimiento de
las metas propuestas inicialmente.

Desde otra perspectiva, la organización de un contexto teórico

mostrando los elementos a destacar durante el ejercicio artístico, nos
ha provocado una revisión del desarrollo del dibujo y la expresión que
hemos alcanzado hasta el momento. En lo que respecta a la práctica
dibujística, entrar en contacto con la técnica mixta, potencia y refuerza
el lenguaje artístico propio. Valoramos que queda un amplio campo de
exploración para indagar en las conexiones entre el uso del dibujo y
estos lenguajes. Un fin nos incita a seguir aprendiendo e invade
nuestro interés a partir de este momento.

Es una ocasión de examinar el plano conceptual y visual de los

planteamientos compositivos, impulsándonos a la prueba, lo intuitivo y
lo desconocido que se articulaba tanto en los cuadros como en este
propio escrito.

El placer y aprendizaje que nos ha aportado este proyecto,

empujados por un sentimiento personal llevado a la práctica, nos ha
servido como un reencuentro con la pintura, que sirve como un
ejercicio inicial o de acercamiento a la práctica matérica y abstracta,
aspecto que ha sido de provecho en el hacer artístico y nos empuja a
la continuidad de la experimentación.
 6. ANEXO DE IMÁGENES

Portada y contraportada