UNIVERSIDAD GALILEO

FACOM
CURSO: TENDENCIAS CONTEMPORÁNEAS DEL ARTE
CARRERA: LICENCIATURA EN CUMUNICACIÓN Y DISEÑO

Guía No 1
Tendencias Contemporáneas del arte y el diseño

Nombre: _Carlos Enrique Vargas González_______ Sección: __H1__________

Instrucciones: Desarrolla los siguientes temas que a continuación se

presentan. No olvides que pronto serás un Licenciado en
COMUNICACIÓN Y DISEÑO GRÁFICO, por lo tanto, te recuerdo que
en tus guías debes ilustrar tus textos
Al finalizar envíala al ges en la fecha indicada por el catedrático

1. Desarrolla los siguientes conceptos

a. Arte

Como arte denominamos un conjunto de disciplinas o

producciones del ser humano de fines estéticos y simbólicos
a partir de un conjunto determinado de criterios, reglas y
técnicas.

Etimológicamente, la palabra arte

procede del latín ars, artis, y del
griego τέχνη (téchne), que significa
"técnica". De ahí que fuera usada en
la antigüedad para referirse también
a oficios como la herrería, además
de las disciplinas como la poesía, la
pintura o la música.
Las artes buscan representar, a través de medios diferentes
el universo de inquietudes humanas, sean reales o
imaginadas, mediante el uso de símbolos o alegorías.

La expresión arte se usa también para referir a todos

aquellos procesos manuales que requieren de la aplicación
de reglas o técnicas específicas, orientadas al disfrute de los
sentidos. Por ejemplo, las artes culinarias.

Arte también es una palabra utilizada para indicar la

capacidad o habilidad para hacer algo con excelencia y
pericia. Por ejemplo, el arte de la guerra o el arte de la
política.

También se usa para hacer referencia a algo que debe estar

bien hecho o a algo que debe aprenderse o hacerse con
atención y cuidado: “Ejercitar bien tiene su arte”. "Amar es
un arte".

TIPOS DE ARTE

Artes Plásticas
Artes Musicales o Sonoras
Artes literarias
Artes Escenicas
Artes Audiovisuales
b. Estética

Estética es la disciplina que estudia la naturaleza de la

belleza y la percepción de la misma por parte de los
individuos, por lo cual se relaciona estrechamente con el
arte.

Es la rama de la filosofía que estudia la esencia de lo bello

y de la percepción de la belleza del arte, es decir, el gusto.
Como campo de estudio diferenciado, esto es, como
disciplina, la estética surgió en el siglo XVIII, en el contexto
del Iluminismo o Ilustración.

Estética posee diferentes acepciones según el contexto

donde se emplee, aunque todas giran en torno a la
percepción de lo bello. La palabra estética deriva del latín
moderno aestheticus, y este del griego aisthētikós que
significa “percepción o sensibilidad” a través de los sentidos.
c. Estilo

Se llama estilo a la forma que damos al lenguaje o el modo

peculiar con que cada uno expresa sus pensamientos.
Más precisamente, el estilo es el carácter general que a un
escrito dan los pensamientos que contiene, las formas bajo
las cuales están presentados, las expresiones que los
enuncian, y hasta el modo con que estas se hallan
combinadas y coordinadas en sus respectivas cláusulas.
Aunque un texto sea gramaticalmente correcto, puede tener
mal estilo si los pensamientos son embrollados, los periodos
débiles, obscuros o redundantes, las palabras no se
corresponden con el registro. Cuando se juzga del estilo de
un autor, es preciso tener en cuenta todas las cualidades, ya
intrínsecas, ya exteriores, que constituyen el escrito.
Cada género de composición pide un estilo propio y peculiar,
porque no se ha de emplear el mismo estilo en una carta que
en una obra didáctica o en un discurso.
Los antiguos retóricos dividieron el estilo en sencillo,
templado y sublime, y cada cual tiene el tono que le imprima
la clase de pensamientos y la manera de expresarlos.

CARACTERIZACIÓN DE LOS TIPOS DE ESTILO

Según la extención de la clausula

Según la manera de pensar
Según el grado de adorno
Según la naturalidad
2. Construye un cuadro competitivo, estableciendo diferencia entre
las bellas artes y las artes útiles (ejemplifica)

Aspecto Bellas Artes Artes Útiles

Propósito Explorar la Tienen un propósito

expresión estética y funcional o utilitario
emocional
Enfoque Creativo Creatividad libre y Creatividad
abstracta orientada a la
funcionalidad
Percepción Emocional, Práctica, funcional y
Estética subjetiva y estética centrada en la
eficiencia
Materiales y Uso diverso de Frecuentemente
Técnicas materiales y limitados por la
técnicas funcionalidad
Valor en el Generalmente alto Varía según la
mercado debido a su rareza demanda y la
utilidad
Aplicaciones Pintura, escultura, Arquitectura, diseño
comunes música, danza, etc. de productos,
artesanía
Experiencia del Conexión emocional Interacción práctica
Espectador y reflexiva y experiencia
tangible
Contexto Histórico Tradicionalmente Tradicionalmente
asociadas a la élite asociadas a la vida
cotidiana
Impacto Social y Reflejan valores Contribuyen
Cultural culturales y sociales directamente a la
funcionalidad
Ejemplo La Mona Lisa de Un diseño
Leonardo da Vinci ergonómico de una
silla de oficina
 3. ¿Cuáles son las artes visuales o permanentes?

Las artes visuales o permanentes se refieren a formas de arte que se pueden

experimentar visualmente, a menudo a través de la vista y, en algunos casos, del
tacto. Estas formas de arte se crean utilizando diversos medios y técnicas y se
presentan en formas físicas y tangibles. Algunos ejemplos de artes visuales o
permanentes incluyen:

Pintura: Creación de imágenes y composiciones visuales utilizando pigmentos y

otros medios sobre superficies como lienzos, papel, madera o paredes.

Escultura: Creación de formas tridimensionales a partir de diversos materiales,

como piedra, metal, madera, arcilla o materiales reciclados.

Arquitectura: Diseño y construcción de edificios y estructuras que sirven como

espacios funcionales y estéticos.

Fotografía: Captura de imágenes utilizando cámaras y técnicas de procesamiento

de imágenes.

Grabado: Creación de imágenes en relieve o en hueco en superficies como

madera, metal o piedra, que luego se pueden transferir a papel u otros materiales.

Arte Textil: Creación de obras de arte utilizando técnicas de tejido, bordado,

costura y otros métodos relacionados con textiles.
Cerámica: Creación de objetos de arcilla cocida, como vasijas, platos y esculturas, a
menudo decorados con esmaltes y otras técnicas.

Vidriería: Creación de objetos y obras de arte utilizando vidrio, a menudo con

técnicas de fusión, soplado o vitrales.

Mosaicos: Creación de imágenes o patrones utilizando pequeñas piezas de vidrio,

cerámica, piedra u otros materiales, dispuestas y fijadas en una superficie.

Estas formas de arte visual se consideran "permanentes" porque existen en un

estado físico y tangible y pueden ser exhibidas en galerías, museos y otros espacios
de exhibición de arte de manera duradera. Además, estas obras de arte a menudo
se conservan a lo largo del tiempo, lo que permite a las generaciones futuras
apreciar y estudiar la creatividad y la expresión artística del pasado.

4. ¿Cuáles son las artes fonéticas o temporales?

Son las obras expresadas a través de la voz humana que combina

con los sonidos y palabras son apreciada por el sentido del oído.
Fonética acústica:

Es el estudio de la fonética desde el punto de vista de las

ondas sonoras. Se ocupa de la medición científica de las
ondas de sonido que se crean en el aire cuando hablamos.

Fonética articulatoria:

Es la que estudia los sonidos de una lengua desde el punto

de vista fisiológico; es decir, describe qué órganos orales
intervienen en su producción, en qué posición se encuentran
y cómo esas posiciones varían los distintos caminos que
puede seguir el aire cuando sale por la boca, nariz, o
garganta, para que se produzcan sonidos diferentes
 Fonética auditiva:

La fonética auditiva, también denominada fonética

perceptiva, trata de la percepción a través del oído de los
sonidos del habla. Considera la fonética desde el punto de
vista del oyente. Estudia la manera cómo el oído reacciona
ante las ondas sonoras (audición) así como la interpretación
de tales ondas (percepción).

Fonética experimental:

Son las propiedades acústicas y físicas de los sonidos del

habla, reuniendo y cuantificando los datos sobre la emisión
y la producción de las ondas sonoras que configuran el
sonido articulado.

5. ¿Cuáles son las artes mixtas o audiovisuales?

El arte audiovisual se puede definir como la exploración artística

mediante lo visual (por ejemplo, una pelicula) y lo auditivo (por
ejemplo, una canción). Dicha relación entre lo visual y lo auditivo
 transmite a la audiencia diferentes emociones, sentimientos o
mensajes. Ejemplos de arte visual son la musica visual, el coine
abstracto, las instalaciones artisticas audiovisuales,
los diarios audiovisuales, un videoclip, el video
mapping el videoarte de los años 70 e incluso el vaporwave de
los años 2000.

El libro Art and the Senses cita a los artistas futuristas

italianos, fortunato depero y Luigi Russolo, como diseñadores de
máquinas de arte en 1915 para crear una experiencia
multisensorial de sonido, movimiento y color. 1 En la década de
1970, Harry Bertoja creó esculturas sonoras de objetos para tener
un efecto multisensorial, explorando las relaciones entre el sonido,
el evento iniciador y las propiedades materiales de los objetos. n
un ejemplo con conexiones musicales manifiestas, The Oxford
Handbook of New Audiovisual Aesthetics cita al músico Lustmord
como alguien cuya práctica atraviesa el arte audiovisual y los
principales medios de comunicación, donde su trabajo no es
tradicionalmente musical y tiene aspectos claramente visuales.

6. ¿Qué estilos artísticos conforman la tendencia simbólica?

La tendencia simbolista en el arte surgió en la segunda mitad del
siglo XIX y se caracterizó por un enfoque en los simbolismos, las
metáforas y los significados ocultos en lugar de la representación
literal. Este movimiento influyó en varias disciplinas artísticas,
incluyendo la pintura, la literatura, la música y el teatro. Algunos
de los estilos artísticos y movimientos que se asociaron con la
tendencia simbolista incluyen:

Prerrafaelitas: Aunque surgieron antes del simbolismo,

compartían una apreciación por la naturaleza, la espiritualidad y el
simbolismo en la representación artística.

Art Nouveau: Este estilo se caracteriza por líneas curvas, formas

orgánicas y una fuerte influencia de la naturaleza. Muchas obras
de Art Nouveau incorporaron simbolismo en sus diseños
decorativos.

Decadentismo: Un movimiento literario y artístico que surgió en

Europa, que se centraba en la idea de la decadencia de la
sociedad y la búsqueda de experiencias sensoriales y espirituales
intensas.

Simbolismo en la pintura: En la pintura, los artistas simbolistas

se alejaron de la representación realista y se enfocaron en la
representación alegórica y simbólica. Algunos pintores notables
 asociados con el simbolismo incluyen Gustave Moreau, Odilon
Redon y Fernand Khnopff.

Primitivismo: Los artistas simbolistas se sintieron atraídos por las

culturas y las artes "primitivas", buscando una conexión más
profunda con las fuerzas espirituales y la expresión simbólica a
través de estas influencias.

Surrealismo: Aunque el surrealismo surgió en el siglo XX,

compartió algunas similitudes con el simbolismo en términos de
exploración de lo subconsciente y lo simbólico en el arte.

Estos estilos y movimientos artísticos contribuyeron a la rica

tapestry de la tendencia simbolista, que se caracteriza por su
enfoque en los significados ocultos, la espiritualidad y la
exploración de los misterios de la existencia humana.

7. ¿Qué estilos artísticos conforman la tendencia clásica?

La tendencia clásica en el arte abarca estilos que se inspiran en

las tradiciones artísticas de la antigua Grecia y Roma, y que han
perdurado a lo largo del tiempo debido a su enfoque en la belleza,
la armonía, la proporción y la representación realista. Algunos de
los estilos artísticos que conforman la tendencia clásica incluyen:

Arte Clásico de la Antigua Grecia y Roma: Esta es la fuente

original de la inspiración para el arte clásico. Los griegos y
romanos crearon esculturas, pinturas y arquitectura que se
centraban en la representación realista del cuerpo humano y en la
captura de la belleza idealizada.

Renacimiento: Durante el Renacimiento en Europa (siglos XIV al

XVII), hubo un renacimiento del interés por las formas artísticas
clásicas. Artistas como Leonardo da Vinci, Michelangelo y Rafael
tomaron inspiración de las obras clásicas y crearon piezas
maestras que se centran en la anatomía, la perspectiva y la
armonía.

Neoclasicismo: Este movimiento artístico, que surgió en el siglo

XVIII, se inspiró en los ideales del arte clásico y buscó revivir los
principios estéticos de la antigua Grecia y Roma. Los neoclásicos
crearon obras que se caracterizaban por la simplicidad, la claridad
y la precisión en la representación.
Academicismo: El academicismo, que fue prominente en el siglo
XIX, siguió los principios del arte clásico y se enseñó en las
academias de arte de Europa. Los artistas académicos se
esforzaron por lograr la perfección técnica y la belleza idealizada
en sus obras.

Estilo Beaux-Arts: Este estilo, que se desarrolló en Francia en el

siglo XIX, se basaba en los principios del arte clásico y se aplicaba
a la arquitectura, escultura y pintura. Los edificios Beaux-Arts
exhibían proporciones clásicas y detalles ornamentados.

Estilo Palladiano: Inspirado por los diseños del arquitecto

renacentista Andrea Palladio, este estilo se centraba en la
arquitectura clásica, con énfasis en la simetría, la proporción y la
elegancia.

En resumen, la tendencia clásica en el arte abarca varios estilos

que se centran en los principios estéticos y técnicos derivados de
las tradiciones artísticas de la antigua Grecia y Roma, y que han
influido en el arte y la arquitectura a lo largo de la historia.
8. ¿Qué estilos artísticos conforman la tendencia idealista?

La tendencia idealista en el arte se caracteriza por la

representación de la realidad de una manera idealizada o
perfeccionada. Los artistas que siguen esta tendencia tienden a
enfocarse en la belleza, la armonía y los ideales estéticos en lugar
de buscar una representación literal o naturalista de la realidad.
Algunos de los estilos artísticos que conforman la tendencia
idealista incluyen:

Renacimiento: Durante el Renacimiento, los artistas se

inspiraron en la antigua Grecia y Roma y buscaron crear obras de
arte que reflejaran la belleza y la perfección idealizada del cuerpo
humano y del mundo natural. Artistas como Leonardo da Vinci,
Rafael y Michelangelo son ejemplos destacados de esta tendencia
idealista.

Academicismo: El academicismo, que fue prominente en el siglo

XIX, se basaba en principios idealistas y se enseñaba en las
academias de arte de Europa. Los artistas académicos se
esforzaban por lograr la perfección técnica y crear obras que
representaran ideales estéticos y morales.

Prerrafaelitas: Este movimiento artístico del siglo XIX buscaba

capturar una estética idealizada a través de la naturaleza y la
 mitología, rechazando las convenciones artísticas establecidas
por los artistas posteriores al período del pintor renacentista
Rafael (de ahí el nombre "Prerrafaelita").

Simbolismo: Aunque el simbolismo también se puede ver como

un estilo que tiene una tendencia idealista, los simbolistas se
centran en los significados ocultos y los simbolismos en lugar de
una representación realista. Utilizan símbolos para expresar ideas
y emociones, a menudo en un estilo estilizado y simbólico.

Art Nouveau: Este estilo, que se desarrolló a finales del siglo XIX
y principios del XX, se caracteriza por líneas curvas y orgánicas,
a menudo inspiradas en formas naturales. Aunque también se
centra en la funcionalidad, muchos de sus diseños tienen una
calidad idealizada y estilizada.

Estos estilos artísticos comparten una inclinación hacia la

perfección estética y la idealización, mostrando una realidad
mejorada o elevada en lugar de una representación puramente
objetiva de la realidad. Estos movimientos y estilos han dejado
una marca significativa en la historia del arte, mostrando la
fascinación perpetua de los artistas con la idea de lo ideal.

9. Analiza las consecuencias que tuvo en oscurantismo para el

desarrollo del arte y de humanidad en general

El término "oscurantismo" se refiere a períodos históricos en los

que prevalecía un rechazo a la ilustración, el conocimiento y la
razón en favor de la ignorancia y la superstición. Estos períodos
históricos, a menudo caracterizados por la censura, el
dogmatismo religioso y la falta de avances intelectuales, han
tenido consecuencias significativas para el desarrollo del arte y la
humanidad en general:
Estancamiento Intelectual:

Arte: Durante los períodos de oscurantismo, el arte a menudo

estaba limitado por las restricciones impuestas por las autoridades
religiosas y políticas. La creatividad y la experimentación artística
se vieron restringidas, lo que llevó a la repetición de estilos y
temas establecidos.

Humanidad: La falta de acceso al conocimiento y la educación

resultó en un estancamiento en diversas áreas, como la ciencia,
la filosofía y la tecnología. Esto impidió el desarrollo de nuevas
ideas y la expansión del conocimiento humano.

Supresión de la Libertad Creativa:

Arte: Los artistas se enfrentaron a la censura y la supresión de

sus obras si estas desafiaban las creencias establecidas o las
normas sociales. Muchos temas artísticos se limitaron a
representaciones religiosas o políticamente seguras.

Humanidad: La supresión de la libertad creativa también tuvo un

impacto en la expresión individual y en la diversidad cultural. Las
ideas innovadoras y progresistas fueron reprimidas, lo que llevó a
la falta de diversidad en el pensamiento y en la creatividad.

Falta de Avances Científicos y Tecnológicos:

Arte: La falta de avances científicos y tecnológicos también limitó

las posibilidades técnicas en el arte. La falta de innovaciones en
los materiales y las técnicas artísticas limitó la calidad y la variedad
del arte producido.

Humanidad: La supresión del pensamiento crítico y la

experimentación científica llevó a una falta de descubrimientos
significativos. Esto retrasó el progreso en medicina, tecnología y
otras disciplinas, afectando directamente la calidad de vida y el
bienestar de las personas.

Desconfianza en la Diversidad y la Tolerancia:

Arte: La diversidad de estilos y formas de arte fue limitada, ya que

cualquier forma de expresión que se desviara de las normas
establecidas era vista con desconfianza y a menudo prohibida.

Humanidad: La falta de tolerancia hacia las diferencias culturales,

religiosas y sociales llevó a conflictos y tensiones en la sociedad.
La falta de aceptación de la diversidad limitó las oportunidades de
aprendizaje y crecimiento mutuo.
 En resumen, el oscurantismo tuvo un impacto profundamente
negativo en el desarrollo del arte y la humanidad en general,
limitando la libertad creativa, el progreso intelectual y científico, y
la diversidad cultural. Los períodos de oscurantismo representan
épocas en las que la humanidad se encontraba restringida en su
capacidad para explorar nuevas ideas y perspectivas, lo que
impidió el florecimiento del conocimiento y la creatividad.

10. Describe con fechas y lugares del mundo en los que se puso en
práctica la inquisición

La Inquisición fue una serie de instituciones y procedimientos

judiciales establecidos en varios lugares del mundo durante la
Edad Media y la Edad Moderna con el objetivo de combatir la
herejía y otras formas de desviación religiosa. Estos tribunales
eclesiásticos estaban encargados de investigar, juzgar y condenar
a las personas consideradas herejes, brujas y otros "criminales
religiosos". A continuación se presentan algunos de los lugares y
fechas más destacados en los que se puso en práctica la
Inquisición:

Reino de Aragón (España): En 1232, el rey Jaime I de Aragón

estableció la Inquisición en la ciudad de Tarragona. Luego, en
1483, los Reyes Católicos, Isabel I de Castilla y Fernando II de
Aragón, establecieron la Inquisición española a nivel nacional
mediante el decreto de los Reyes Católicos.

Reino de Castilla (España): En 1478, los Reyes Católicos

crearon la Inquisición castellana en la ciudad de Sevilla. Más
tarde, en 1483, la Inquisición española se unificó bajo un solo
sistema que tenía autoridad sobre todo el territorio español.

Portugal: En 1536, Portugal estableció la Inquisición, que operó

hasta 1821. Los tribunales inquisitoriales portugueses estaban
bajo la autoridad directa de la corona portuguesa.

Italia: La Inquisición se estableció en varios estados italianos a lo

largo de los siglos XVI y XVII, incluyendo Venecia, Florencia y
Roma. Cada estado tenía su propio sistema inquisitorial.
 Francia: Aunque la Inquisición no se estableció oficialmente en
Francia, se llevaron a cabo persecuciones inquisitoriales en
algunas regiones, especialmente durante el auge del
protestantismo en el siglo XVI.

Alemania: Algunas ciudades y estados alemanes tuvieron sus

propias formas de Inquisición, especialmente durante los siglos
XVI y XVII, en respuesta a la Reforma Protestante.

América Latina: La Inquisición se estableció en las colonias

españolas y portuguesas en América Latina durante el período
colonial. En América Latina, la Inquisición se centró en suprimir
cualquier forma de sincretismo religioso y prácticas indígenas
consideradas heréticas.

Filipinas: La Inquisición se estableció en Filipinas, entonces una

colonia española, en el siglo XVI y estuvo activa hasta el siglo XIX.

Es importante tener en cuenta que la Inquisición variaba en

intensidad y enfoque en diferentes regiones y períodos de tiempo.
Las prácticas inquisitoriales fueron severas en algunos lugares,
resultando en numerosas ejecuciones y persecuciones, mientras
que en otros lugares, la Inquisición tuvo menos impacto en la
población.

11. Biografía de dos personajes influyentes de la inquisición

española

Tomás de Torquemada (1420-1498):

Tomás de Torquemada fue un influyente inquisidor español que
desempeñó un papel fundamental en la historia de la Inquisición
española. Nació en Valladolid, España, en 1420, en una familia de
conversos, es decir, judíos que se habían convertido al
cristianismo. Torquemada se unió a la Orden de Santo Domingo
y se convirtió en un fraile dominico.
En 1483, los Reyes Católicos, Isabel I de Castilla y Fernando II de
Aragón, nombraron a Torquemada como el primer Inquisidor
General de España. Durante su mandato, la Inquisición española
se consolidó y se intensificaron las persecuciones contra los
herejes, especialmente judíos y musulmanes convertidos al
cristianismo, así como contra los llamados "herejes" protestantes
y otros grupos considerados desviados. Torquemada fue
responsable de numerosas detenciones, juicios y ejecuciones.
Torquemada también fue uno de los principales impulsores de la
expulsión de los judíos de España en 1492. Murió en Ávila,
España, en 1498.

Juan Antonio Llorente (1756-1823):

Juan Antonio Llorente fue un sacerdote, historiador y político
español que se convirtió en una figura influyente en la crítica de la
Inquisición española. Nació en 1756 en Cascante, Navarra,
España. Ingresó en la Orden de San Agustín y fue nombrado
inquisidor en Valencia en 1790.
Sin embargo, durante la invasión napoleónica de España en 1808,
Llorente apoyó a las fuerzas francesas, lo que le permitió acceder
a los archivos de la Inquisición. Después de la retirada francesa,
Llorente se convirtió en el comisario general de la Inquisición en
España y comenzó a recopilar documentos y registros detallados
sobre las actividades de la Inquisición.
 Después de la abolición de la Inquisición en 1820, Llorente
escribió su obra más influyente, "Historia crítica de la Inquisición
española" (1822), en la que expuso las atrocidades cometidas por
la Inquisición a lo largo de los siglos. Esta obra contribuyó
significativamente a la desacreditación y repulsa hacia la
Inquisición y su legado en España.
Juan Antonio Llorente falleció en Madrid en 1823, dejando un
legado de crítica histórica sobre la Inquisición española y su
impacto en la sociedad española y europea.

12. ¿Por qué razones al siglo XV y XVI, se les denominó

históricamente el RENACIMIENTO

El término "Renacimiento" se utiliza para describir un período de

tiempo que se extiende aproximadamente desde el siglo XIV hasta
el siglo XVII en Europa, aunque los siglos XV y XVI son
considerados como el núcleo del movimiento. Esta época se
caracteriza por un renacer del interés en la cultura, el arte, la
ciencia y la filosofía que se asemejaba a la gloriosa herencia de la
antigua Grecia y Roma. El término "Renacimiento" se deriva del
término italiano "Rinascimento", que significa "nacimiento" o
"renacimiento". Históricamente, esta época ha sido denominada
así por varias razones:

Revival de las Artes Clásicas: Durante el Renacimiento, hubo

un renovado interés en las artes y las culturas clásicas de la
antigua Grecia y Roma. Los artistas y eruditos estudiaron y
emularon las obras de los antiguos maestros, buscando capturar
la belleza y la proporción que caracterizaban a las obras clásicas.

Redescubrimiento del Conocimiento Antiguo: Los textos y

manuscritos clásicos que habían sido preservados en monasterios
y bibliotecas se redescubrieron y tradujeron. Estos textos incluían
obras de filósofos, científicos y escritores de la antigua Grecia y
Roma, lo que permitió una expansión significativa del
conocimiento en diversas disciplinas.

Innovaciones Artísticas y Científicas: Durante este período, se

produjeron avances significativos en las artes visuales, la música,
la literatura y las ciencias. Los artistas experimentaron con nuevas
técnicas y estilos, mientras que los científicos hicieron
descubrimientos que sentaron las bases para la Revolución
Científica posterior.

Humanismo: El Renacimiento se caracterizó por la adopción del

humanismo, un enfoque filosófico que enfatizaba la importancia
del individuo, el estudio de las humanidades y la exploración del
potencial humano. Este enfoque humanista influyó en todas las
áreas del conocimiento y la cultura.

Avances en la Imprenta: La invención de la imprenta con tipos

móviles por Johannes Gutenberg alrededor de 1440 permitió la
producción en masa de libros y difundió el conocimiento de
manera más accesible. Esto contribuyó enormemente a la difusión
de las ideas renacentistas.

En resumen, el Renacimiento se llamó así debido a la renovación

cultural y el florecimiento de las artes, la ciencia y la filosofía que
se asemejaban a un "renacimiento" de los ideales y logros de la
antigua Grecia y Roma. Este período fue testigo de un
 resurgimiento de la creatividad y el conocimiento, marcando un
punto de inflexión importante en la historia europea y mundial.

13. Menciona por lo menos 3 grandes inventos o descubrimientos

del período renacentista

Durante el Renacimiento, se produjeron numerosos inventos y

descubrimientos que transformaron la sociedad y sentaron las
bases para futuros avances científicos y tecnológicos. Aquí te
menciono tres grandes inventos o descubrimientos del período
renacentista:

Imprenta con Tipos Móviles (c. 1440):

Este es uno de los inventos más significativos del Renacimiento.
Johannes Gutenberg, un impresor alemán, desarrolló la imprenta
con tipos móviles alrededor del año 1440. Este invento permitió la
producción masiva de libros y otros materiales escritos, lo que
llevó a una difusión más amplia del conocimiento y a una
revolución en la educación y la comunicación.

Telescopio (principios del siglo XVII):

Aunque el telescopio como dispositivo óptico se desarrolló a
principios del siglo XVII, durante la transición del Renacimiento a
la era moderna, su impacto fue inmenso. Galileo Galilei, un
científico y astrónomo italiano del Renacimiento, mejoró y
perfeccionó el telescopio para observaciones astronómicas. Sus
observaciones, como las lunas de Júpiter y las fases de Venus,
refutaron las teorías geocéntricas establecidas y apoyaron la
heliocentrismo de Copérnico, contribuyendo así al desarrollo de la
astronomía moderna.
Microscopio (c. 1595):
A finales del siglo XVI, el neerlandés Zacharias Janssen y su
padre Hans Janssen desarrollaron uno de los primeros
microscopios compuestos. Este invento permitió a los científicos
observar objetos y organismos a nivel celular, lo que llevó a
importantes descubrimientos en biología y microbiología. Robert
Hooke, en el siglo XVII, fue uno de los primeros científicos en
utilizar un microscopio para estudiar células, lo que sentó las
bases para la teoría celular y revolucionó nuestra comprensión de
la biología.
 Estos inventos y descubrimientos del Renacimiento jugaron un
papel crucial en el avance del conocimiento humano y
contribuyeron a la transición de la Edad Media a la época
moderna, marcando el inicio de una era de grandes
descubrimientos científicos y tecnológicos.

14. ¿Qué influjo tuvo la imprenta para el desarrollo científico y

artística de la humanidad?

La invención de la imprenta con tipos móviles por Johannes

Gutenberg en el siglo XV tuvo un impacto revolucionario en el
desarrollo científico y artístico de la humanidad. A continuación,
se describen los influjos clave que tuvo la imprenta en estas áreas:

Influjo en el Desarrollo Científico:

Difusión del Conocimiento: La imprenta permitió la

producción en masa de libros y otros materiales escritos.
Esto llevó a una difusión masiva del conocimiento científico,
haciéndolo más accesible para un público más amplio. Los
textos científicos, que anteriormente eran manuscritos
costosos y difíciles de obtener, ahora podían producirse y
distribuirse en grandes cantidades.

Facilitación de la Investigación: Los científicos podían

compartir fácilmente sus descubrimientos y teorías con otros
investigadores, lo que condujo a un aumento en la
colaboración y la revisión de ideas. Esto aceleró el proceso
de investigación y ayudó en el desarrollo de campos como
la astronomía, la medicina, las matemáticas y la física.

Estandarización del Conocimiento: La imprenta permitió

la estandarización de textos científicos y la reproducción
exacta de fórmulas matemáticas, diagramas y
observaciones. Esto garantizó la precisión en la transmisión
del conocimiento científico, sentando las bases para futuros
desarrollos en la metodología científica.
Influjo en el Desarrollo Artístico:

Preservación y Difusión de Obras de Arte: La imprenta

se utilizó para reproducir obras de arte, incluyendo pinturas,
dibujos y grabados. Estas reproducciones permitieron la
preservación de obras maestras y su difusión a regiones
lejanas, permitiendo que un público más amplio apreciara el
arte.

Expansión de Estilos Artísticos: Las impresiones

permitieron la difusión de estilos artísticos y técnicas de un
lugar a otro. Esto llevó a una mayor diversidad en la forma
de arte, ya que los artistas podían verse influenciados por
las obras de colegas de diferentes regiones, enriqueciendo
así la creatividad artística.

Publicación de Libros Ilustrados: La imprenta facilitó la

producción de libros ilustrados que combinaban texto e
imágenes. Estos libros, conocidos como incunables,
ampliaron las posibilidades de narración visual y llevaron a
la creación de libros de arte y libros ilustrados que se
convirtieron en una forma importante de expresión artística.

Desarrollo de la Cartografía: La imprenta permitió la

producción de mapas detallados y precisos. Esto fue crucial
 para la exploración y el descubrimiento geográfico durante
la Era de los Descubrimientos, y también contribuyó al
desarrollo del arte cartográfico.

En resumen, la imprenta con tipos móviles tuvo un impacto

profundo y duradero en el desarrollo científico y artístico de la
humanidad, al facilitar la difusión del conocimiento y el arte de una
manera que era prácticamente imposible antes de su invención.
Este avance tecnológico allanó el camino para la expansión del
conocimiento y la creatividad en todo el mundo.
Referencias

https://www.significados.com/arte/

https://www.wikilengua.org/index.php/Estilo

https://prezi.com/qvibypqk5rjx/artes-
foneticas/#:~:text=Arte%20fonetico%3A,vista%20de%20las%20ondas%20son
oras