Artista que transformó el Arte Contemporáneo

en Latinoamérica
Lygia Pape
Brasil (1927-2004)
Representante del movimiento neoconcreto
durante los años cincuenta y sesenta, Lygia
Pape construyó su práctica de forma sistemática
desafiando los principios de la abstracción
geométrica en los que se basaba el arte concreto
para avanzar hacia una expresión más orgánica.
En sus primeros Desenhos, las formas geométricas
recuerdan pentagramas musicales, donde los
ritmos visuales de líneas, cuadrículas y rupturas se
hacen composiciones. En Tecelares, reinterpreta el
proceso xilográfico, dejando de lado la noción de lo
múltiple para crear obras de arte individuales,
donde los ritmos de reflejo, duplicación y espacio
negativo interactúan para activar las superficies.
Los Libros de la Creación, de la Arquitectura y del
Tiempo y sus icónicas
instalaciones Ttéias sintetizan su proceso artístico;
estas últimas, como entornos inmersivos definidos
por distribuciones geométricas de hilos de plata y
oro suspendidos desde el suelo hasta el techo y
esquinas de la habitación.
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Zilia Sánchez
Cuba (1926)
«¿Por qué sigo haciendo obras?» preguntaron
alguna vez Zilia Sánchez. «Pues porque lo
necesito. Lo llevo conmigo” contestó. Nacida en
Cuba, decidió radicarse en Nueva York desde
1962 y después mudarse en 1972 a Puerto Rico.
Es allí donde comienza una serie de pinturas
donde experimenta con los elementos figurativos
del cuerpo femenino y el lenguaje formal de la
abstracción. La calidez y erotismo de las siluetas
de sus lienzos, a los cuales nombró con frases
sugestivas como Topología Eróticas, rompió con
la aproximación fría e impersonal asociada a la
abstracción en América Latina. En Troyanas,
repite las formas para crear una mayor sensación
de duplicación y utiliza el dualismo visual para
establecer un sentido de lo que denomina
equilibrio estético. Sus obras siempre han estado
atentas a la experiencia femenina, honrando las
vidas y cuerpos de las mujeres, incluido el suyo.
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Marisol Escobar
Venezuela (1930–2016)
Marisol Escobar pasó su infancia siguiendo a
sus padres en sus viajes y su formación artística
fue irregular, ecléctica, académica y en gran
medida autodidacta. Sus primeros años
estuvieron marcados por el expresionismo
abstracto, pero pronto prefirió la escultura a la
pintura y su forma particular de trabajar con los
materiales, especialmente la madera, y más
tarde el yeso, los objetos y la electricidad. A
finales de la década de 1960, su estilo y su
reputación estaban consolidados, y aunque su
vida personal la asociaba al movimiento del arte
pop, su trabajo estaba realmente por fuera de
cualquier legado formal. Eso resultaba lo más
inquietante y también lo más interesante. Sus
esculturas parecían estar cercanas a las
estatuas de columnas medievales, a los tótems
de los nativos americanos y a las cabezas
pegadas, pintadas o esculpidas de Hofmann;
donde las manos, únicos signos de expresión de
estas máscaras sin vida alineadas, eran refleja
de una soledad voluntaria.
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Feliza Bursztyn
Colombia (1933-1982)
Feliza Bursztyn desafió los métodos
tradicionales de la enseñanza de la escultura
en Colombia, resignificando materiales no
convencionales, descartados y otorgándoles
un valor sin precedentes: chatarra, restos de
automóviles y materiales industriales de
desecho fueron animados con movimiento,
sonido e interacción. Después de estudiar en
Estados Unidos en el Arts Students League, se
muda a París para estudiar con maestros
escultores y regresa por una calamidad
familiar a Colombia para experimentar y vivir
en su casa-taller. Gana el primer premio de
escultura en el XVII Salón Nacional en 1965.
Sus series Chatarras, Histéricas y sus
esculturas públicas mostraron una artista con
una mirada conceptual y material potente, una
mujer que vivía por fuera de las convenciones
sociales, una artista que se había hecho
experta en fundición y manipulación de
material industrial en ruinas y que pensaba la
escultura en relación con el espacio. En 1974,
en su exhibición Las Camas, Bursztyn puso en
escena máquinas hechas con motores
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Paz Errázuriz
Chile (1944)
Paz Errázuriz estudió en el Cambridge Institute
of Education de Inglaterra y en la Pontificia
Universidad Católica de Santiago. A lo largo de
los años, ha dirigido su mirada hacia los
sectores marginales y los cuerpos oprimidos. En
su trabajo hay una distancia física y simbólica
que le permite una mirada crítica y estética que
aparece como mediación entre el espectador y
el objeto retratado, y que trae consigo la
posibilidad de abrir interrogantes sobre los
espacios que habitan estas vidas marginadas,
sus territorios urbanos e intersticios. En una de
sus primeras series fotográficas, Dormidos,
Errázuriz documentó la vida de personas que
duermen en las calles de Santiago y funciona
como una metáfora de la parálisis en la que se
encontraban los chilenos al final de la dictadura
de Pinochet. La manzana de Adán, un
fotoensayo con texto de Claudia Donoso donde
se adentraba en la vida de Mercedes, Evelyn y
Pilar, tres travestis que trabajaban en los
burdeles de La Jaula y La Palmera en las
ciudades de Talca y Santiago. Y últimamente un
trabajo interesantísimo, El infarto del alma,
donde documenta la vida de pacientes recluidos
en un hospital psiquiátrico de Putaendo.
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Teresa Burga
Perú (1935-2021)
Teresa Burga es una artista peruana que
puso el cuerpo femenino en el centro de su
práctica. Sus pinturas y esculturas
cuestionan estereotipos femeninos y
jerarquías patriarcales. Fue uno de los
miembros fundadores del Grupo Arte
Nuevo, movimiento peruano de vanguardia
pop-conceptual entre 1966 y 1968, época
en la que fueron importantes las coloridas
pinturas figurativas que funcionaban como
parodias de la representación patriarcal de
las mujeres. Después de un período en
Chicago donde realizó una maestría en
artes, regresó a Lima para hacer su trabajo
más experimental a través de
instalaciones, performances y dibujos
sobre periódicos donde documentó la vida
de las mujeres peruanas, analizando los
estereotipos que les eran impuestos y
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Ana Mendieta
Cuba (1948-1985)
m
Nacida en La Habana, Ana Mendieta es enviada
en 1961 a Estados Unidos junto a otros 14.000
niños como parte de la Operación Pedro Pan. Su
obra, que utiliza medios como el performance, la
escultura, la pintura y el video, revisa tanto el
cuerpo femenino y la violencia ejercida sobre este,
y explora su potencia política desde el mitologia y
su profunda relación con la tierra, como su
experiencia con el desarraigo, la identidad cubana
y la persecución política. Rape Piece fue un
momento de inflexión en su trabajo, un
performance donde Mendieta cubría su cuerpo y lo
exhibía en el campus de la Universidad de Iowa,
como respuesta a la violación y asesinato de su
compañera Saran Ann Offens. Después
vinieron Siluetas, esculturas “cuerpo tierra”, en las
cuales referencias a los rituales Yorubas y la
iconografía Maya se ejecutaban sobre la carne
desnuda, la arena, la piedra, la hierba. Los
Grabados Rupestres, incompletos hasta su
fallecimiento, Body Tracks, Fuego de Tierra y
películas y videos experimentales que fueron
exhibidas después de su muerte.
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Anna María Maiolino
Brasil, (1942)
La práctica de Anna Maria
Maiolino expresa una preocupación por
los procesos creativos y destructivos,
es una obra donde la abstracción se
libera del minimalismo y se pone al
servicio del cuerpo activo y deseante,
de la metáfora, del lenguaje, la
sexualidad, y el inconsciente. Sus
primeros experimentos en la década de
1960 la conectaron con importantes
movimientos de la historia del arte
brasileño, como la Nueva Figuración y
la Nueva Objetividad. En su serie
de Mapas Mentais, despliega una
subjetividad en relación a la identidad
que genera una geografía, de
relaciones familiares y espaciales.
En É o Que Sobra la artista activa
representaciones que remiten a la
violencia represiva del estado sobre los
cuerpos y con unas tijeras amenaza
cortar sus ojos o su lengua. Desde
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Liliana Porter
Argentina (1941)
Integrante del grupo de grabadores del New
York Graphic Workshop junto a otros artistas
latinoamericanos, la obra de Liliana
Porter puede caracterizarse como una
meditación sobre los medios técnicos, los
métodos de reproducción y las fronteras de la
representación. En obras como Untitled, la
línea se transforma en un dispositivo para
fragmentar el cuerpo y conectarlo con las
superficies, donde en una única imagen
existen distintos tiempos de producción y
distintas formas de aproximarse al autorretrato.
Después de pasar por el dibujo y el grabado,
Porter se mueve entre la fotografía, el video,
los collages y las pequeñas instalaciones.
Durante los últimos años, figuritas y pequeños
recuerdos provenientes de sus viajes -con toda
su carga histórica y geográfica- son puestos
sobre fondos vacíos monocromáticos para
abordar cuestiones filosóficas y estados
emocionales más amplios.
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Beatriz González
Colombia (1938)
“Yo me pregunto porqué diablos me llamó la
atención la foto de los suicidas en el periódico.
¿Fue el gris de la cara, o fue la cosa popular de
dos personas que entran en un pacto suicida y
que unen sus manos para una foto que envían a
sus familiares? Los suicidas del Sisga es una de
las obras emblemáticas de Beatriz González, a
quien las fotografías de prensa y la información
mediática sirvieron como materia prima para
definir con bloques cromáticos sólidos un cuerpo
de obra hecho de pinturas, serigrafías y pinturas-
objetos. En su obra temprana estaba muy
presente la reflexión sobre la manera en que la
historia del arte llega a los países suramericanos
a través de reproducciones de bajo costo,
reproducciones que después de su apropiación
se convertían en íconos. Luego vinieron las
obras con críticas mordaces y directas a los
próceres de la historia de Colombia, la alusión a
los retratos de familias respetables de la sección
de sociales, las imágenes de las crónicas rojas,
las estampas populares y el mobiliario popular.
González explora el gusto de la gente y expone
con ironía, su realidad.