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11 mujeres artistas latinoamericanas que debe

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Un homenaje a estas virtuosas cuyo trabajo ha influenciado a innumerables artistas, pero que aún
no han recibido el reconocimiento a la par con sus pares masculinos.

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11 mujeres artistas latinoamericanas que debe conocer

Octubre 18, 2018

Pídale a una persona promedio que nombre una artista latinoamericana, y es muy probable que
mencionen a Frida Kahlo. No se disputa el lugar de Kahlo en el canon de la historia del arte como
maestra del surrealismo y el autorretrato. Pero incluso ella enfrentó obstáculos en su viaje hacia
los libros de historia y la conciencia popular, incluida la marginación flagrante que enfrentó como
artista tanto femenina como latinoamericana.

Si bien la práctica de Kahlo ha trascendido en su mayoría las lecturas sexistas, muchas otras
artistas latinoamericanas no han sido tan afortunadas. “A lo largo de la historia del arte, las
personas que han tenido el poder de escribir narrativas dominantes decidieron excluir a las
mujeres y al arte hecho en América Latina”, dijo la curadora Cecilia Fajardo-Hill. “Es una forma de
segregación, y es inaceptable”.

Fajardo-Hill es el curadora, junto con Andrea Giunta, de “Mujeres radicales: arte latinoamericano,
1960-1985”, un espectáculo en expansión que comenzó su gira en el Museo Hammer de Los
Ángeles y actualmente se exhibe en el Museo de Brooklyn. Es solo la segunda exposición de un
museo estadounidense a gran escala que se enfoca en artistas mujeres latinoamericanas, pero
marca un esfuerzo creciente de curadores e historiadores para afirmar su influencia. “Hablar sobre
las mujeres que se han pasado por alto requiere muchas exposiciones”, continuó Fajardo-Hill.
“Este es el primero de muchas que deberían suceder”.

A continuación, destacamos 11 mujeres artistas latinoamericanas (de “Radical Women” y más allá)
cuyo trabajo ha influenciado a innumerables artistas, pero que aún no han recibido el
reconocimiento a la par con sus pares masculinos.

Tarsila do Amaral (1886-1973) Brasil

Tarsila do Amaral es la artista brasileña más famosa del siglo XX, pero hasta hace poco, su trabajo
recibía escasa atención fuera de su país de origen. El año pasado, el Art Institute of Chicago se
convirtió en la primera institución de los Estados Unidos en presentar una exposición individual de
la obra de la pintora modernista (ahora está a la vista en el Museo de Arte Moderno de Nueva
York).

Un miembro de la burguesía de São Paulo, Amaral viajó a París en la década de 1920, donde tomó
clases con grandes cubistas como Fernand Léger y se codeó con gente como Pablo Picasso y
Constantin Brancusi. Ella trajo elementos de sus pinturas modernistas-formas aplanadas, espacio
fracturado, cuerpos distorsionados-de vuelta a Brasil, pero los hizo suyos al incluir contenido
ignorado por sus homólogos europeos.

Do Amaral llenó sus lienzos con escenas vibrantes de la vida brasileña y los poderosos y
abundantes cuerpos de figuras femeninas. Estas pinturas inspiraron el movimiento de la
Antropofagia de Brasil, que incitó a los artistas a definir un nuevo y único estilo brasileño al
“canibalizar” aspectos definitorios del arte occidental. En el proceso, la práctica de Amaral ayudó a
dar forma a la identidad nacional poscolonial de su país.
María Izquierdo (1902-1955) México

María Izquierdo era una madre soltera que criaba a tres hijos cuando sus retratos y pinturas de
interiores místicos y surrealistas comenzaron a hacer olas en la Ciudad de México en la década de
1930. Anteriormente, había asistido a clases en la Escuela Nacional de Bellas Artes de la capital,
donde el renombrado muralista Diego Rivera elogió sus primeros trabajos. Desde entonces,
Izquierdo desarrolló una práctica que “rechazó el arte político que prevalecía en su momento”,
como ha señalado la crítica Holland Cotter, y en su lugar mezcló elementos del mito y la cultura
popular mexicana con contenido relacionado con su propia identidad, emociones y subconsciente.
En 1930, montó una exposición individual de su obra en Nueva York, convirtiéndola en la primera
artista femenina mexicana en hacerlo (incluso antes de Kahlo).

Sin embargo, la popularidad de Izquierdo entre la élite artística de la Ciudad de México comenzó a
menguar en la década de 1940, cuando Rivera y su colega muralista David Alfaro Siqueiros le
impidieron recibir una importante comisión mural pública por la que fue finalista (un raro golpe
para una mujer artista en él hora). Los dos hombres la llamaron no calificada, y desde entonces, su
carrera sufrió. Con el tiempo, su legado también se volvió nebuloso, a pesar de su influencia en los
pintores surrealistas y figurativos, tanto en sus pares como en los que vinieron después de ella.

Lygia Clark (1920-1988) Brasil

Lygia Clark fue una de varias artistas en la década de los sesenta en Brasil para ser pionera en el
arte interactivo e inmersivo, un intento de romper los límites entre el arte y la vida. Clark comenzó
su práctica radical explorando la abstracción geométrica en un momento en que el realismo era
todavía el motivo dominante en Río de Janeiro. Obtuvo inspiración temprana de modernistas
europeos como Paul Klee y Léger, pero rompió con su estilo al llevar las formas duras de sus
pinturas al espacio tridimensional. Sus lienzos sobresalían en el aire, y ella comenzó a hacer
esculturas angulosas, sus famosos “Bichos (Critters)” con la intención de ser manejados por los
espectadores.

Junto con otros artistas de Río de Janeiro, Lygia Pape y Hélio Oiticica, Clark fundó el movimiento
Neo-Concreto, que fomentó la participación, la experimentación, la sensualidad e incluso el
discurso político dentro de la abstracción. Más tarde, Clark gravitó hacia el cine y el arte
interpretativo como un medio para expresar su creciente deseo de acercar el arte y la vida.
Finalmente, comenzó a centrarse menos en la creación artística y más en su práctica como
psicóloga. A partir de las primeras observaciones de las personas que jugaban con sus esculturas,
Clark desarrolló métodos en los que los pacientes interactuaban con los objetos como parte de su
proceso de curación.

Lygia Pape (1927-2004) Brasil

Al igual que Clark, Lygia Pape sentó las bases para innumerables artistas experimentales que
buscaban cerrar la brecha entre el arte y el mundo que lo rodea. La práctica de Pape también
creció desde un interés inicial en la abstracción geométrica, pero rápidamente se movió hacia la
performance, la instalación y el cine como un medio para explorar las dimensiones sociales del
arte. Ella hizo libros que estaban destinados a ser retenidos y reorganizados, y coreografías de
actuaciones grupales.

Su trabajo más destacado The Divisor (1968), fue activado por un gran grupo de escolares de una
favela de Río de Janeiro. Al asomar la cabeza a través de agujeros en una enorme sábana blanca,
sus movimientos individuales se restringieron a medida que se metamorfoseaban en un solo
organismo. En ese momento, Brasil fue gobernado por una dictadura, y la pieza de Pape comentó
audazmente sobre las limitaciones a las libertades personales impuestas por el gobierno.

Sus películas fueron igualmente experimentales y audaces. En Eat Me (1975), ella filmó una boca
de cerca mientras chupa y grotescamente escupe varios objetos. La pieza alude simultáneamente
al “canibalismo” del movimiento antropofagia de do Amaral y la violencia que plagó cada vez más
a Brasil.

Zilia Sánchez (1928) Cuba

En la década de 1960, Zilia Sánchez reinventó la abstracción geométrica de bordes duros al
introducir lienzos en forma y formas onduladas que evocaban la sensualidad y el erotismo. Nacida
en Cuba, Sánchez creció en los años difíciles antes de la revolución y comenzó su carrera como
pintora y diseñadora de escenarios para grupos radicales de teatro guerrillero. En 1964, viajó a
Nueva York, donde comenzó a hacer pinturas en forma, una práctica que desarrolló aún más en
Puerto Rico después de establecerse allí a principios de los años setenta.

En las pinturas tridimensionales de Sánchez, como la Topología Erótica de 1976, las áreas
puntiagudas del lienzo sobresalen en el espacio, su semejanza con los pezones realzados por las
formas pintadas de color rosa que los rodean. A lo largo de su carrera, Sánchez también se ha
unido a múltiples lienzos; donde se encuentran, aparecen aberturas recordando vulvas y otros
orificios.

Marisol Escobar (1930-2016) Venezuela

Se decía que Marisol, nacida María Sol Escobar, había recibido “más prensa y más visibilidad que
Andy Warhol” en la década de 1960. Pero al igual que muchas artistas mujeres, su influencia fue
eclipsada por sus homólogos masculinos. Nacida en París en el seno de una acaudalada familia
venezolana, Marisol comenzó a pasar un tiempo en Nueva York en la década de 1960, absorbiendo
la emergente escena del arte pop.

No pasó mucho tiempo antes de que mostrara sus esculturas lúdicas y satíricas que mezclaban
influencias tan variadas como los ensambles de Robert Rauschenberg y el arte popular
precolombino. Las figuras totémicas resultantes representaban figuras famosas, como los
Kennedy, y familias cotidianas, al tiempo que incorporaban elementos moldeados del propio
cuerpo de Marisol. De esta manera, combinó lo personal y lo político, haciendo alusión al naciente
movimiento de arte feminista.
Marta Minujín (1943) Argentina

Marta Minujín también pasó la década de 1960 instalada en el floreciente movimiento Pop art,
donde ocasionalmente colaboraba con Warhol. El trabajo de Minujín, sin embargo, no se parecía
en nada a las pinturas lisas y producidas en masa de su contraparte masculina de cabello plateado.
En cambio, sus esculturas afelpadas, ambientes encendidos con brillantes neones y actuaciones
públicas invitaron a la participación activa y al contacto físico.

En la década de 1960, Minujín comenzó a transformar los colchones multicolores en formas

abultadas que hacían referencia al cuerpo humano, el sexo y el descanso. Se convirtieron en
elementos centrales de entornos como La chambre d’amour (1963) y ¡Revuelquese y Viva! (1964),
en el que Minujín alentó a los participantes a dejar sus inhibiciones en la puerta y rodar en un mar
de cojines.

El trabajo de Minujín también ha abordado cuestiones políticas como los males del régimen
totalitario y la opresión. Para la serie en curso “La caída de los mitos universales”, ella erigió
réplicas de monumentos famosos como el Partenón usando objetos cargados, como libros
prohibidos por la antigua dictadura argentina. Una vez que se desmantela una estructura dada, sus
componentes individuales se distribuyen al público.

Teresa Burga (1935) Perú

A lo largo de los 60 años de carrera de Teresa Burga, ha colocado el cuerpo femenino en el centro
de su práctica de flexión de pop. Sus pinturas y esculturas lúdicas e incisivas han cuestionado los
estereotipos femeninos y las jerarquías patriarcales del mundo del arte. Simultáneamente,
implican a los medios de comunicación y al gobierno totalitario como culpables del chauvinismo.

Burga comenzó su carrera en la década de 1960, cuando se intensificaron los disturbios políticos
en el Perú. Miembro fundador de Groupe Arte Nuevo, que ayudó a presentar el trabajo de
vanguardia de Pop Art and Happenings en Perú, sus primeros trabajos resistieron la preferencia
nacionalista del dictador Juan Velasco Alvarado hacia el arte indígena. Las pinturas figurativas
brillantes de los años 60 parodiaban las representaciones sexistas de las mujeres, mientras que las
esculturas modulares construidas a partir de cubos (piensen en las Cajas de Brillo de Warhol,
1964) representaban partes del cuerpo y abordaban la mercantilización de la forma femenina.

Otras piezas fueron más intensivas en investigación. Para Perfil de la mujer peruana (1980-81),
Burga y la psicoterapeuta Marie-France Cathelat investigaron las vidas de las mujeres de clase
media como forraje para una instalación multimedia que explora la disonancia entre las mujeres
reales peruanas y los estereotipos que se les atribuyen.

Beatriz González (1938) Colombia

Al recordar su carrera en 2015, Beatriz González se describió a sí misma como una “transgresora
que no encajaba en su tiempo”. El artista radicado en Bogotá alcanzó la mayoría de edad en la
década de 1960, en los albores del arte pop y un período de conflicto en Colombia conocida como
La Violencia. González fusionó ambas influencias en un cuerpo de trabajo que hacía referencia a
imágenes de la historia del arte y los disturbios sociales y políticos de su época.

Quizás en su obra más famosa, Los suicidas del Sisga I, II y III (1965), González se apropió de una
foto reproducida en los periódicos locales; mostraba los rostros sonrientes de una pareja
profundamente religiosa que se suicidaron conjuntamente para absolver el pecado de la mujer.
González reinterpretó la imagen en una serie de pinturas brillantes y planas que ponen de relieve
el trágico final de la pareja y la inquietante sensación de los medios que provocó. Otras obras
cuestionan la producción en masa reproduciendo obras históricas de arte famosas en objetos
domésticos cotidianos, como cortinas y toallas sucias.

Paz Errázuriz (1944) Chile

En la década de 1970, la fotógrafa Paz Errázuriz se atrevió a documentar comunidades marginadas
bajo la dictadura liderada por Pinochet en Chile. Ignorando las leyes que restringían el acceso de
las mujeres a ciertas áreas, ingresó en burdeles poblados por trabajadoras sexuales queer y trans;
hospitales psiquiátricos; circos; y clubes de boxeo. Después de hacerse amigo de miembros de
estas escenas dispares, ella tomó sus retratos. Las fotos resultantes irradian intimidad y calidez,
reverenciando a sus sujetos y exponiendo la opresión que enfrentan. “Son temas que la sociedad
no mira”, ha dicho Errázuriz sobre su trabajo en curso, ” mi intención es alentar a las personas a
que se atrevan a mirar”.

Mónica Mayer (1954) México

La práctica feminista de Mónica Mayer se inició en la escuela de arte, cuando escuchó a un grupo
de estudiantes masculinos declarar “que las mujeres eran menos creativas que los hombres
porque dijimos que habíamos dado a luz”, como recordaría más tarde en una declaración del
artista. En 1978, dejó su México natal para ir a Los Ángeles, donde se sumergió en el influyente
Taller de Estudio Feminista e interactuó con pioneros del movimiento de arte feminista
estadounidense, como Judy Chicago. Más tarde ese año, Mayer llevó su floreciente práctica de
rendimiento a la Ciudad de México, donde produjo El tendedero (1979). La pieza interactiva alentó
al público a terminar la frase: “Como mujer, lo que más detesto de esta ciudad es…”

Otros trabajos se burlaron de las ideas tradicionales de normalidad sexual o celebraron los deseos
de las mujeres. Mayer llegó a fundar dos grupos de arte feministas propios, y ha promovido su
ideología feminista a través de canales fuera de su práctica. “Creo que lo más importante que el
arte feminista me ha dado es la comprensión de que el trabajo de un artista es más que producir
obras de arte”, explicó. “Hacer investigación sobre el arte de las mujeres, escribir sobre ellas…
enseñar, protestar y apoyar a otras mujeres artistas es parte de mi trabajo”.

Escrito por Alexxa Gotthardt.

Lea el contenido original en el blog Libreta de Bocetos.

Tarsila do Amaral y Pablo Picasso: confluencias

Este artículo texto argumenta una posible confluencia entre los dos artistas Pablo Picasso y Tarsila
do Amaral, a partir del tratamiento formal de sus obras, la postura de los personajes, el uso
relevante de la línea, el volumen de las formas o la aplicación de contornos nítidos y definidos que
caracterizan algunas de las obras de ambos pintores por esos años en los cuales Tarsila, frecuento
al autor del Guernica durante su estadia entre los años 1920 y 1922 en Europa.

Tarsila do Amaral y Pablo Picasso: confluencias

Obras mezcladas de Picasso y Tarsila do AmaralObras mezcladas de Picasso y Tarsila do Amaral

Una vez más las obra Abaporu (1928) de Tarsila Do Amaral (San Pablo 1886-1973) ha sido foco de
atención desde que las autoridades del Museo de Arte Latinoamericano de Buenos Aires –
Fundación Costantini anunciaran su préstamo para la exposición Tarsila do Amaral: Inventing
Modern Art in Brazil que se presentará desde octubre del 2017 en The Art Institute of Chicago
(AIC) y desde febrero del 2018 en The Museum of Modern Art (MoMA) en Nueva York.

La pieza realizada con óleo sobre tela fue un regalo que la artista realiza para su marido el poeta
brasileño Oswald de Andrade y cuyo título en lengua tupi-guarani refiere a los antropofagos,
hombres que se alimentan de carne humana, lo que impulsó a la creacion del movimiento
antropofago y a la escritura de su manifiesto, el cual propone a modo de metáfora devorar la
modernidad europea y liberarse del dominio decimonónico y de la constante imitación de las
producciones y tendencias de dicho continente. Este acto salvaje de devorar una cultura
encuentra una raíz filosófica en la comunidad Tupinambá de Brasil, la cual capturaba enemigos
para luego devorarlos e incorporar sus mejores características en pos de convertirse en un pueblo
más fuerte y poderoso. La obra se convierte así en un emblema de las obras que intentaran
deglutir la cultura europea imperante en pos de la revalorización de lo americano, la cual fue
realizada cuando la artista retorna de París en 1928 y en la cual aplica las técnicas de vanguardia
aprendidas durante su estadía en el viejo continente. Por supuesto que no es solo la artista
brasilera quien participa de dicha revalorización ya que durante los años veinte son varios los
pintores que regresan a su país y se incorporan en la lucha dada entre lo nuevo y las tradiciones,
ejemplos claves de este proceso de vanguardia regional latinoamericana fueron el argentino Xul
Solar y los uruguayos Rafael Barradas y Joaquín Torres García quienes fueron impulsados por el
espíritu de época donde proliferaron los distintos ismos a los que supieron darle un rostro propio.
Es importante reconocer aquí la diferencia en las ideas propuestas por los exponentes brasileños
que supieron valorar en el otro características positivas que podrían integrarse a la propia
identidad.

Es entonces que a partir de esta obra comienza la etapa antropofágica en la producción de la

artista caracterizada por temáticas relacionadas con sus recuerdos y sueños ya que según ella
misma afirma las imágen resultante en Abaporu proviene de su inconsciente y la misma está
relacionada con las historias que le narraban las negras durante su infancia.

Al realizar un repaso por las fuentes escritas de críticos e historiadores de arte que se dedicaron a
la artista es notable la profusión de textos que vinculan la obra en cuestión con el movimiento
surrealista creado por André Breton y cuyo primer manifiesto data de 1924, la relectura de dichos
textos invita a pensar en la posibilidad de que el énfasis puesto en la relación con el arte
surrealista, la cual resulta evidente ya que la propia artista plantea que sus obras provienen de sus
sueños, ha contribuido probablemente a invisibilizar la influencia en Abaporu, icono del
modernismo brasileño que formará parte por primera vez de una muestra monográfica de la
artista en EEUU, de las ideas y técnicas que también adoptaron los pintores que formaron parte de
la escena parisina frecuentada por Tarsila como Pablo Picasso durante la década del veinte en
Europa, debido a que Tarsila realiza un viaje a París en 1920, durante el cual se formó aprendiendo
las corrientes modernas en boga, para luego asimilarlas a la propia identidad, generando una
síntesis perfecta entre modernidad y raíces.

La posible confluencia propuesta aquí entre los dos artistas Pablo Picasso y Tarsila do Amaral
puede verse en el tratamiento formal de la obra, ya sea en la postura de los personajes, el uso
relevante de la línea, el volumen de las formas o la aplicación de contornos nítidos y definidos que
caracterizan algunas de las obras de ambos pintores por esos años en los cuales Tarsila frecuento
al autor del Guernica durante su estadia entre los años 1920 y 1922 en Europa. Al observar obras
realizadas por el artista español realizadas entre los años 1917 y 1924 durante el llamado Retorno
al orden como Gran Bañista (1921,) es factible para el espectador trazar una línea de referencia
con la obra Abaporu debido al tratamiento desmesurado de miembros, y la simplificación y
sintetismo extremo de las formas. Lo mismo sucede al contemplar Dos mujeres corriendo por la
playa que Picasso realiza en 1922 y La siesta de 1919 en cuanto a la similitud en el tratamiento
desmedido de la figura humana donde al igual que Tarsila, Picasso se inclina por el uso de
proporciones del cuerpo alteradas mediante deformaciones y agrandamientos tanto en miembros
superiores como en los inferiores.

Ambos artistas recurren a la monumentalidad de figuras como también se observa en Mujer e

hijo a orillas del mar de 1921, del pintor español, donde las formas se caracterizan por una
voluptuosidad acentuada.

Si el lector realiza un recorrido por las obras aquí propuestas podrán observar las resonancias
formales indicadas entre la obra propiedad del Museo de arte latinoamericano y las que realiza
Picasso durante los años en que ambos frecuentan la capital francesa.

Para concluir, el texto que aquí se ofrece no busca negar o contradecir las propuestas planteadas
por aquellos autores que vinculan la obra de Tarsila al movimiento surrealista sino que propone al
lector un punto de vista diferente para abordar la obra en cuestión y cuyo eje se centra en la
posibilidad del intercambio de conceptos que sin duda debe haber existido entre todos aquellos
que como Tarsila y Picasso recorrieron las escuelas de París por esos años, destacando que el
intercambio entre dichos artistas se plantea de forma bidireccional lo que implica negar
categóricamente toda línea de pensamiento que infunda la obra de Tarsila do Amaral de un
carácter derivativo o epigonal planteado por lo general por aquellos defensores del discurso
eurocéntrico dentro del gran relato del arte moderno.

La extraordinaria carrera de Cecilia Vicuña, la chilena que recibió el León de Oro en la Bienal de
Venecia 2022

Manuel Toledo

desde Venecia, para BBC Mundo

25 abril 2022, 10:52 GMT

Cecilia Vicuña recibe el León de Oro a la Trayectoria en la 59 Bienal de Venecia, 2022

FUENTE DE LA IMAGEN,EPA

Pie de foto,

Cecilia Vicuña recibe el León de Oro a la Trayectoria en la 59 Bienal de Venecia, 2022

Este fin de semana abrió sus puertas la 59 Bienal de Venecia, con la mayor representación
femenina en sus 127 años de historia.

El sábado, América Latina vivió un momento significativo, cuando la artista y poeta chilena Cecilia
Vicuña recibió un León de Oro a la Trayectoria, galardón que compartió con la alemana Katharina
Fritsch.

"Durante décadas, Vicuña ha recorrido su propio camino, con precisión, humildad y obstinación,
anticipándose a muchos debates recientes sobre la ecología y el feminismo e imaginando nuevas
mitologías personales y colectivas", destacó la curadora de la bienal, la italiana Cecilia Alemani.

"El lenguaje artístico de Cecilia Vicuña se basa en una gran fascinación por las tradiciones
indígenas y las epistemologías no occidentales", agregó Alemani.

La bienal, que había sido pospuesta a causa de la pandemia, se celebrará hasta el 27 de noviembre
de 2022.

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Los ojos de la madre

Cecilia Vicuña nació en Santiago de Chile en 1948, en una familia de artistas, y estudió arte en la
Universidad de Chile y la Slade School of Fine Arts de Londres, donde se encontraba cuando
ocurrió el golpe militar de Augusto Pinochet en septiembre de 1973.

Desde 1975 a 1980 vivió en Bogotá y después se estableció en Nueva York, donde todavía radica.

La exposición de obras de Vicuña en Venecia. La obra a la derecha se llama Leoparda de ojitos y es

de 1976.

FUENTE DE LA IMAGEN,MANUEL TOLEDO

Pie de foto,

La exposición de obras de Vicuña en Venecia. La obra a la derecha se llama Leoparda de ojitos y es

de 1976.

En los últimos años su obra ha sido merecedora de un amplio reconocimiento internacional,

especialmente desde que sus instalaciones textiles Quipu se presentaran en las exposiciones de
Documenta 14 en Alemania y Grecia.

Recientemente, la galería Tate Modern de Londres, que adquirió una de esas instalaciones, Quipu
Womb (2017), anunció que Vicuña realizará la próxima Comisión Hyundai para su Turbine Hall,
uno de los encargos más codiciados en el circuito artístico internacional.
Cecilia Vicuña posa con su instalación Quipu Womb (2017). Foto de Lucy Dawkins

FUENTE DE LA IMAGEN,LUCY DAWKINS / TATE MODERN

Pie de foto,

Cecilia Vicuña posa con su instalación Quipu Womb adquirida por la galería Tate Modern de
Londres.

Instalación con quipu de Cecilia Vicuña, en el Museo de Arte de Berkeley, EE.UU.

FUENTE DE LA IMAGEN,TATE MODERN

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El lenguaje artístico de Vicuña se basa en una gran fascinación por las tradiciones indígenas, como
esta instalación con quipu -el sistema inca de cuerdas y nudos- expuesta en el Museo de Arte de
Berkeley.

En el pabellón Giardini de la Bienal de Venecia se exhiben una serie de cuadros y una instalación
que representan su obra desde mediados de la década de 1960 hasta la fecha.

La instalación, NAUfraga (2022) fue realizada especialmente para esta bienal con sogas y desechos
hallados en la ciudad de los canales y hace pensar en su lento hundimiento a causa del cambio
climático.

NAUfraga representa una continuación de sus trabajos llamados 'precarios', con 'basuritas', que
comenzó a realizar en Chile en 1966.

La instalación, NAUfraga de Cecilia Vicuña (2022)

FUENTE DE LA IMAGEN,MANUEL TOLEDO

Pie de foto,

La instalación NAUfraga fue realizada especialmente para esta bienal con sogas y desechos
hallados en Venecia, una continuación de sus trabajos 'precarios' que inició en 1966.
Algunos de los cuadros son recientes, como Virgen Puta (2021), mientras que otros, como La
Comegente (2019) y Llaverito (2019), se basan en obras perdidas de la década de 1970.

Una de las pinturas de esos años que sí se conservó y se exhibe en la bienal, Bendígame mamita
(1977) -un retrato de su madre- fue seleccionada para el material publicitario de la bienal y su
catálogo.

La pintora chilena ha destacado en sus medios sociales que, gracias a eso, los ojos de su madre
están por doquier en Venecia.

Foto de la obra Bendígame Mamita de Cecilia Vicuña (2017)

FUENTE DE LA IMAGEN,TATE MODERN

Pie de foto,

Bendígame Mamita (2017) fue seleccionada para el material publicitario de la bienal y su catálogo.

Bienal histórica

Otras mujeres también hicieron historia en esta Bienal.

La estadounidense Simone Leigh fue nombrada mejor artista de la bienal y el pabellón del Reino
Unido, con la obra de Sonia Boyce, fue seleccionado como mejor representación nacional.

Es la primera vez que dos mujeres negras, Leigh y Boyce, se llevan los galardones de posiblemente
mayor prestigio en el mundo del arte contemporáneo.

La exposición principal, cuyo nombre, La leche de los sueños, se inspira en el título de un libro de
la artista surrealista británico-mexicana Leonora Carrington, incluye a más de 200 artistas de 58
países.
Según la curadora, la decisión de que la mayoría de las obras fueran de mujeres y artistas con
inconformidad de género refleja "una reconsideración deliberada de la centralidad del hombre en
la historia del arte y la cultura contemporánea".

La exposición incluye obras de otros creadores de América Latina, como la cubana Belkis Ayón,
cuyas colografías inspiradas en temas afrocubanos abren el pabellón Arsenale, alrededor de un
enorme busto de una mujer negra cuya falda parece una choza.

Fue precisamente por ese busto, llamado Casa de Ladrillo (2019), que Simone Leigh recibió el León
de Oro.

Escultura de Casa de Ladrillo, de Simone Leigh (2019)

FUENTE DE LA IMAGEN,GETTY IMAGES

Pie de foto,

Simone Leigh recibió el León de Oro por el busto Casa de Ladrillo.

También se muestran tres arpilleras de la chilena Violeta Parra y cinco gigantescas esculturas-
hornos del argentino Gabriel Chaile, que representan a miembros de su familia.

Una de las salas está dedicada a una bellísima instalación de la artista colombiana Delcy Morelos,
Paraíso Terrenal (2022), en la que los espectadores caminan entre grandes masas de tierra que
huelen a heno, cacao, harina de mandioca y especias.

En general, esta bienal ofrece menos obras en video que ediciones anteriores y más pinturas,
esculturas, cerámicas, trabajos textiles e instalaciones.

Y quizás porque prima la mirada femenina, muchas de las obras tienen una gran fuerza poética e
invitan a la meditación.
Para muchos de los visitantes y de los propios artistas, se trata de un momento histórico y
esperanzador.