SEGUNDO CAPITULO: EL ESTILO CLÁSICO

La coherencia del lenguaje musical

Este documento es un ensayo que explora las características del estilo clásico en
la música y su evolución a lo largo del tiempo. El autor comienza explicando cómo
el estilo clásico se gestó de manera natural a través de la evolución del lenguaje
musical desde el siglo XV. Destaca la importancia de la frase breve, periódica y
articulada en la formación del estilo clásico, lo que llevó a una exaltación de la
simetría y una estructura rítmica variada y lógica. Además, el autor destaca la
transición rítmica suave y natural como una característica clave del estilo clásico.

A continuación, el autor compara el estilo clásico con el período Barroco. En el

Barroco, el autor destaca una estructura rítmica homogénea con el uso
ocasional }de ritmos contrastantes. El contraste se lograba a través de la
superposición o yuxtaposición de diferentes ritmos. El Barroco también tenía un
estilo perpetuum mobile, donde el ritmo permanecía constante a lo largo de la
pieza. El autor destaca que los dinámicos eran a menudo constantes, con el uso
ocasional de ornamentación para la variedad. Sin embargo, el uso de dinámicas y
ornamentación aumentó en popularidad en el período clásico.

El autor también explora cómo la interpretación de la música en el período Barroco

era a menudo un asunto privado, con menos énfasis en los efectos dramáticos y
más en las sutiles inflexiones y rubato. El autor destaca que la distinción entre
géneros, como la ópera, el oratorio y el concierto, se hizo más importante a
mediados del siglo XVIII.

En general, este ensayo proporciona una visión detallada de las características del
estilo clásico en la música y cómo se compara con el período Barroco.
La música es un lenguaje universal que ha sido utilizado por la humanidad desde
tiempos inmemoriales para expresar emociones, contar historias y comunicar
ideas. A pesar de que la música no utiliza palabras, tiene su propia gramática y
estructura que le permiten ser coherente y comprensible para el oyente.

La coherencia del lenguaje musical se basa en varios elementos clave, como la

melodía, la armonía, el ritmo y la forma. La melodía es la línea principal de la
música, la cual se compone de una serie de notas que se suceden en el tiempo.
La armonía, por su parte, se refiere a la combinación de varias notas que suenan
simultáneamente y que crean acordes y progresiones armónicas. El ritmo es la
organización del tiempo en la música, y se refiere a la duración y acentuación de
las notas y silencios. La forma, finalmente, se refiere a la estructura general de la
música, y cómo se organizan los diferentes elementos para crear una obra
coherente.

La coherencia del lenguaje musical se logra a través de la utilización de estos

elementos de manera coherente y consistente a lo largo de la obra. Por ejemplo,
una melodía que se repite varias veces a lo largo de una pieza crea una sensación
de unidad y coherencia. De la misma manera, una progresión armónica que se
repite a lo largo de una sección de la música crea una sensación de estabilidad y
cohesión.

Además, la coherencia del lenguaje musical también se logra a través de la

utilización de técnicas de desarrollo musical, como la variación, la repetición y la
secuenciación. Estas técnicas permiten que los diferentes elementos de la música
se desarrollen y evolucionen a lo largo de la obra, creando una sensación de
progreso y movimiento.

La coherencia del lenguaje musical también se relaciona con la interpretación de

la música. Un intérprete debe ser capaz de comprender la estructura y la
coherencia de la obra, y utilizar su técnica y expresividad para comunicarla al
oyente.
 Estructura y ornamentación
La estructura y la ornamentación son dos elementos fundamentales en la música,
que han evolucionado a lo largo de la historia de la música. La estructura se
refiere a la organización de los elementos musicales en una obra, mientras que la
ornamentación se refiere a la adición de elementos decorativos a la música. En
este ensayo, se explorará la relación entre la estructura y la ornamentación en la
música, y cómo han evolucionado a lo largo del tiempo.

En la música clásica, la estructura es un elemento fundamental. La mayoría de las

obras clásicas tienen una estructura definida, que se basa en la repetición de
secciones y la variación de temas. Por ejemplo, una sinfonía típica tiene cuatro
movimientos, cada uno con una estructura definida. El primer movimiento suele
ser rápido y tiene una estructura sonata, que consta de una exposición, un
desarrollo y una recapitulación. El segundo movimiento suele ser lento y tiene una
estructura ternaria, que consta de una sección A, una sección B y una repetición
de la sección A. El tercer movimiento suele ser un minueto o un scherzo, y tiene
una estructura ternaria o de rondó. El cuarto movimiento suele ser rápido y tiene
una estructura sonata o de rondó.

La ornamentación, por otro lado, se refiere a la adición de elementos decorativos a

la música. La ornamentación se utilizó ampliamente en la música barroca, donde
se añadían adornos a las melodías para hacerlas más interesantes y expresivas.
Los adornos más comunes eran los trinos, los mordentes y los grupettos. La
ornamentación también se utilizó en la música clásica, pero de una manera más
limitada. En la música clásica, la ornamentación se utilizaba principalmente para
añadir variedad a las repeticiones de las secciones.

A medida que la música evolucionó hacia el Romanticismo, la estructura y la

ornamentación se volvieron más flexibles. Los compositores románticos
comenzaron a experimentar con formas más libres y a añadir más ornamentación
a sus obras. Por ejemplo, en la música de Chopin, la ornamentación se convierte