CEVIPAZ

CENTRO EDUCATIVO VIRGEN DE LA PAZ

Trabajo Práctico
De
Historia del Arte

Las vanguardias Siglo

XX-XXI
Tema: Cubismo
Integrante:
 Ada Godoy Rivas.

Docente:
 Prof. Lic. Rita E. Cuevas.

Curso:
 1er Año de Profesorado en Artes Plásticas (Segundo Semestre)

Septiembre-2022
Introducción.
El cubismo es un arte cerebral e intelectual ya que sitúa el subjetivismo mental (lo que el cerebro
puede construir o destruir libremente). Es una tendencia esencial pues da pie al resto de las
vanguardias europeas del siglo XX. No se trata de un ismo más, sino de la ruptura definitiva con la
pintura tradicional.

Cubismo.
El cubismo fue el primer movimiento artístico pictórico de la vanguardia del siglo XX que surge en
Francia. Nació en el año 1907 y finalizó en 1914 de la mano de los pintores Pablo Picasso,
Georges Braque y Juan Gris. Su impacto fue tal que se le considera precursor de la abstracción y
de la subjetividad artística en su sentido contemporáneo.

El movimiento cubista establece, por primera vez en la historia, una auténtica ruptura con el arte
occidental que, hasta entonces, se basaba en la imitación de la naturaleza y en la idea de belleza,
lo que supuso entonces un gran escándalo, sobre todo entre los más conservadores.

Características generales.

 El cubismo representa a la realidad por medio de figuras geométricas produciendo un efecto

visual disruptivo y fragmentado.
 Hace uso de colores grises, verdes y marrones haciendo a un lado los colores típicos del
impresionismo, en los primeros años de esta tendencia, la paleta monocromática era la única
herramienta válida para el pintor.
 El cubismo sitúa los objetos en un mismo plano, rechazando la apariencia real de las cosas y
su profundidad.
 En algunas ocasiones el cubismo tenía que emplear un breve discurso lingüístico, que le
permitiera explicar la propuesta del autor, debido a la dificultad de interpretación por parte del
espectador.
 El cubismo es uno de los movimientos artísticos más importantes de todos los tiempos. Su
estética es inigualable además de que supuso una ruptura conceptual sin igual.
 Las figuras se compartimentan en cubos y prismas persiguiendo que las composiciones
puedan verse desde todos los puntos de vista simultáneamente.
 Los cubistas siguieron buscando la inspiración en los referentes del pasado: paisajes, retratos,
bodegones.

Contexto histórico del cubismo.

Las características del cubismo parten, como toda transformación, de un proceso histórico con
implicaciones políticas, económicas, culturales y artísticas. Muchas cosas estaban cambiando a
finales del siglo XIX y principios del siglo XX.

El desarrollo tecnológico había llegado a un punto verdaderamente transformador. La invención del

automóvil en 1885 y del aeroplano en 1903 había cambiado la percepción de la distancia y del
tiempo. Las primeras transmisiones inalámbricas por radio en 1895 cambiaron radicalmente los
parámetros de comunicación. La creación de cinematógrafo en 1896 permitió una nueva
concepción de la imagen a la que se incorporaba el movimiento, con no pocas consecuencias para
las artes visuales.

Por si fuera poco, los sistemas monárquicos europeos comenzaron a ser reemplazados por
repúblicas democráticas, al tiempo que crecían el socialismo y el comunismo ante las dinámicas
socioeconómicas generadas por el capitalismo. Era evidente que la nueva era que se abría paso,
esta sociedad industrializada y masiva, no se veía reflejada en las artes plásticas tradicionales, que
seguían atadas a la imitación de la naturaleza y/o al contenido.

Influencias del cubismo.

La conceptualización del cubismo respondió también a las ideas que, tanto en lo artístico como en
lo cultural, pululaban a principios del siglo XX, y que llamaban la atención de los jóvenes artistas.
No solo había ideas nuevas, sino que había disponibles nuevas formas de mirar el mundo
disponible.

Influencia del postimpresionismo.

Paul Cézanne: Casas en L'Estaque. 1880. Óleo sobre lienzo.

Los pos impresionistas habían despertado la atención a principios del XX. Los jóvenes artistas
residenciados en París se sintieron particularmente conmovidos por una exposición retrospectiva
del pintor francés Paul Cézanne, llevada a cabo en 1907. Cézanne se caracterizaba por reducir los
volúmenes de los objetos a elementos geométricos esenciales como el cilindro, el cubo y la esfera.

Georges Braque: Casas en L'Estaque. 1908. Óleo sobre lienzo. 73 cm × 59,5 cm. Kunstmuseum Bern, Berna.

Los nuevos artistas quedaron prendados de la sentencia del pos impresionista Paul Cézanne, para
quien “todas las formas de la naturaleza parten de la esfera, el cono y el cilindro”. Por lo tanto,
comenzaron a trabajar en la observación y análisis de la imagen, a fin de hallar sus elementos
geométricos esenciales.

Influencia de la escultura africana y del arte ibérico.

 Izquierda: Escultura íbera del siglo III o II a.C. Derecha: Máscara africana.

Influencia del desarrollo tecnológico.

La imagen bidimensional ya no se limitaba solo a la captación de un instante. La cámara

cinematográfica había logrado hacer de la imagen una posibilidad temporal narrativa gracias a la
invención de la técnica del montaje, introducida por Edwin S. Porter y desarrollada por Griffith. Si la
fotografía liberaba a la pintura de la imitación de la naturaleza, el cine la liberaba de la obligación
de contar historias.

Influencia del pensamiento científico.

Los artistas que desarrollaron el cubismo se vieron influenciados por las teorías de Albert Einstein.
Para el conocido científico, era imposible determinar un movimiento; un objeto podía parecer estar
quieto o el movimiento según la perspectiva. De allí resultaría, pues, el concepto de las
perspectivas superpuestas.

El origen del cubismo.

El cubismo tuvo sus orígenes en un grupo de discusión artística

instalado en el boulevard de Montmartre, en un edificio al que
llamaban “Bateau-Lavoir”. Este edificio era la residencia de Pablo
Picasso, Georges Braque, Juan Gris, Max Jacob, Kees Van
Dongen, Constantin Brancusi, Amedeo Modigliani y otros artistas
más.

El grupo de discusión llegó a recibir la visita de los pintores Henri

Matisse, que ejerció gran

Influencia en Picasso y Braque, y Diego Rivera. También lo frecuentaban los escritores Jean
Cocteau y Guillaume Apollinaire, este último creador del texto Los pintores cubistas (Les Peintres
cubistes), publicado en 1913. El investigador Blas Matamoro, en un ensayo titulado Apollinaire,
Picasso y el cubismo poético (1988), sostiene que:
Se dice que Matisse fue, observando un cuadro de Braque, en 1908, el que comparó la
composición a un amasijo de pequeños cubos. El crítico Luis Vauxcelles, retomando a Matisse,
acuña la palabra cubismo al comentar una exposición de Braque ese año, pero será Apollinaire
quien intente las primeras aproximaciones conceptuales a la pintura cubista, atribuyendo su
paternidad a Picasso, del cual los cubistas serían meros y chatos imitadores.

(Las negrillas son nuestras)

La figura estratégica que ayudó a la difusión extraordinaria del cubismo fue el escritor, coleccionista
de arte y marchante Daniel Kahnweiler, un férreo defensor del cubismo y de sus más importantes
artistas: Pablo Picasso, Georges Braque, Juan Gris y André Derain, aunque este último fue más
conocido por su obra fauvista. Kahnweiler jugó un papel fundamental al convertir a su galería en un
centro de difusión del cubismo.

Etapas del cubismo o Tipos de cubismo.

1. Protocubismo (Cubismo primitivo o período cézannesco)

El protocubismo es la fase experimental entre el impresionismo y el cubismo analítico que tuvo

lugar desde principios del siglo XX hasta aproximadamente 1906. El protocubismo se agrupa a
veces con el cubismo cezaniano, un guiño a la profunda influencia del pintor pos impresionista
francés Paul Cézanne en el nacimiento del movimiento cubista.

El cubismo cezaniano se refiere a las pinturas geométricas y angulosas de Cézanne y al estilo

distintivo que unía el estilo impresionista y el cubista. A Cézanne le interesaba simplificar las
formas naturales hasta sus fundamentos geométricos utilizando «pinceladas rotas» y «pinceladas
constructivas», que eran técnicas habituales del Impresionismo. El método de Cézanne de
construir formas con pinceladas fragmentadas y su enfoque analítico de la pintura de paisajes
influyó en los cubistas, los fauves y las sucesivas generaciones de artistas de vanguardia.

Características del protocubismo.

Muchos de los primeros cuadros cubistas también parecen captar la esencia creativa del mundo
físico en lugar de limitarse a reproducir lo que se observa en la naturaleza. Los cuadros
protocubistas, como los de Paul Cézanne, consiguen este atractivo creativo porque su uso del
color, la forma y la perspectiva se desvían de la tradición.

Cézanne construye formas y figuras dentro de sus cuadros utilizando colores modulados en lugar
de líneas continuas, y muchas formas cúbicas y cónicas se mezclan en las escenas representadas.
La perspectiva clásica, generalmente percibida como la ilusión del espacio tridimensional, también
se elimina gradualmente de los esfuerzos de Cézanne por la representación objetiva, revelando un
aplanamiento general del plano del cuadro.

Arte del protocubismo.

Pablo Picasso, Las señoritas de Avignon, 1907.

Georges Braque, Paisaje en La Ciotat, 1907.

. Paul Cézanne, Château Noir, 1903-4.

Artistas del protocubismo.

Paul Cézanne fue una figura clave en los primeros experimentos que condujeron al nacimiento del
cubismo. Los cuadros casi geométricos de Cézanne dieron lugar a muchos de los primeros
experimentos pictóricos de Pablo Picasso y Georges Braque, que finalmente ayudaron a cristalizar
y unificar el cubismo como movimiento propio.

Jean Metzinger, Gino Severini y Robert Delaunay también se encontraban entre los artistas que
experimentaban con el estilo protocubista a pesar de haber trabajado previamente bajo el paraguas
del fauvismo. La obra de Henri Matisse, Paul Gauguin, André Derain y otros fauves también
desempeñó un papel esencial en el desarrollo del cubismo.

2. Cubismo analítico o cubismo hermético.

El cubismo analítico es la primera fase del movimiento artístico del cubismo que se desarrolló
alrededor de 1907 y duró hasta 1912. El cubismo analítico describe el enfoque analítico, pieza por
pieza, que los artistas utilizaban para representar sus temas, como una disección estética de la
forma.

El estilo experimental de Picasso y Braque, que llevaba el enfoque vanguardista de la pintura de

Cézanne un paso más allá, influyó en una segunda fase importante del cubismo, denominada
cubismo sintético.

Características del cubismo analítico.

El cubismo analítico se caracteriza por pinturas que representan un tema desde múltiples puntos
de vista superpuestos dentro de un mismo plano pictórico. Las obras resultantes tienen un aspecto
fragmentado, geométrico y abstracto y una paleta de colores monocromática.

Arte del cubismo analítico.

Georges Braque, Naturaleza muerta (Violín

y candelabro), 1910

Pablo Picasso, Muchacha con mandolina (Fanny Tellier), 1910

Artistas del cubismo analítico.

Los artistas Pablo Picasso y Georges Braque estuvieron a la vanguardia del cubismo analítico
durante muchos años, junto con Juan Gris. Muchos otros artistas comenzaron a adoptar los
métodos no convencionales del cubismo, como Albert Gleizes y Jean Metzinger.

3. Cubismo sintético.

El cubismo sintético es la segunda fase del movimiento artístico del cubismo que duró desde
aproximadamente 1912 hasta 1914.

El cubismo sintético se caracteriza por representaciones planas de objetos cotidianos y

composiciones más audaces y simbólicas que su precursor, el cubismo analítico. El tema de los
cuadros del cubismo sintético estaba menos estructurado que el del cubismo analítico. De hecho,
rozó la abstracción y fue una importante influencia en el desarrollo del arte abstracto.

El papel collé, una técnica de corte y pegado fundamental para el cubismo sintético, es también el
precursor de lo que hoy conocemos como collage.
Características del cubismo sintético.

A diferencia del proceso deconstructivo del cubismo analítico, los artistas que trabajaban en el
estilo del cubismo sintético representaban el tema elegido, normalmente objetos y personas
existentes, mediante una combinación de materiales cotidianos y pintura al óleo. Los colores
utilizados en el arte cubista sintético también son variados y más vibrantes que la paleta
monocromática del cubismo analítico.

Arte del cubismo sintético.

Bodegón con silla de lona, Pablo Picasso, 1912.

Vaso y botella de Suze, Pablo Picasso, 1912.

Artistas del cubismo sintético.

Al igual que el cubismo analítico, el cubismo sintético fue liderado por los artistas Pablo Picasso y
Georges Braque. En 1912, muchos más artistas trabajaban junto a Picasso y Braque en el estilo
cubista, como Juan Gris, Jean Metzinger, Albert Gleizes, Robert Delaunay, Henri Le Fauconnier y
Fernand Léger.

El fin del cubismo y su importancia.

El cubismo tuvo una muy corta duración como movimiento, pues desapareció en el año 1914 con el
inicio de la Primera Guerra Mundial. Aún así, la propuesta estética del cubismo penetró el
imaginario artístico y se convirtió en fuente de inspiración para artistas y comunicadores visuales.

Influencia del cubismo en el arte contemporáneo.

Cubo futurismo.
Izquierda: Kazimir Malévich: El Molinillo de Cuchillo (Principio de Glittering). 1913. Óleo sobre lienzo. 79.5 x 79.5 cm.
Galería de Arte Universitario, Yale.
Derecha: Marcel Duchamp: Desnudo bajando una escalera Nº 2. 1912. Óleo sobre lienzo. 1,47 m x 90 cm. Museo de Arte
de Filadelfia, Filadelfia.

Lo primero que hay que decir es que el cubismo logró un cambio fundamental en el arte occidental:
que se consolidara la valoración del arte como una realidad autónoma de todo contenido o tema al
que estuviera consagrada.

Si bien el impresionismo había abierto este camino cuando hizo girar la atención del tema hacia los
modos de representación, aún la imitación de la naturaleza estaba presente. Los
postimpresionistas se acercaban en la medida en que daban curso a su mundo interior, a su
particular modo de ver o de sentir.

Los cubistas, en cambio, fueron más lejos al romper totalmente con la dependencia del referente y
dieron otra perspectiva a la valoración del concepto. Ese principio de máxima autonomía y máxima
libertad, abrió la compuerta de la creatividad y la originalidad en el arte occidental .

La difusión del cubismo inspiró la creación de nuevos grupos como:

 Cubismo órfico u orfismo, del francés Robert Delaunay, centrado en la importancia al

color y el uso de elementos compositivos creados por el artista.

 Grupo de Puteaux, relacionado también con el orfismo. Algunos artistas fueron el propio
Robert Delaunay, Marcel Duchamp, Raymond Duchamp-Villon, Francis Picabia y
Alexander Calder.

 Cubo futurismo, que implicó una combinación del cubismo con el futurismo italiano.
Algunos nombres importantes de esta corriente fueron Kazimir Malévich, Oleksandr
Arjípenko, Vladímir Baranoff-Rossine y Sonia Delaunay.

 Neoplasticismo del holandés Piet Mondrian.

 Suprematismo ruso de Kazimir Maliévich.

 Constructivismo escultórico de Vladimir Tatlin.

 Purismo, un movimiento estético racional y geométrico impulsado por los franceses

Amadeé Ozenfant y Charles Édouard Jeanneret (Le Corbusier).
Influencia del cubismo en el diseño gráfico.

Cassandre: Le Nouvelliste. 1923. Cartel, estilo art déco. Se percibe la influencia del cubismo y el futurismo.

La más importante influencia del cubismo en el diseño gráfico se registra particularmente en el

diseño tipográfico. Esto fue posible mediante la invención del collage y la integración de la
tipografía al arte, lo que además de producir un efecto formal, logró nuevas significaciones a través
de la asociación de ideas.

De esta manera, el cubismo favoreció el desarrollo del diseño independiente de la naturaleza. En

su fase sintética, fomentó la utilización de signos en lugar de figuras reconocibles. Aportó también
el uso de secciones planas de color, motivos urbanos y precisión en los ángulos. Finalmente, el
cubismo creó el desafío de la interpretación del tema por medio de la atracción hacia la nueva
estructura pictórica.

El cubismo en la Arquitectura.

El cubismo tuvo una gran influencia en la arquitectura, pero

no se dio de forma uniforme en todo el territorio donde la
corriente artística estaba presente. Se centra, sobre todo,
en lo acontecido en la República Checa, cuna de la
arquitectura cubista.

Cubismo y tradición

La mera incorporación de los enfoques de la pintura

cubista de la arquitectura parece demasiado especulativa:
intentaron persuadirse a sí mismos y al público de que estos diseños han sido producidos
conforme a las leyes de la evolución.

La imitación de los edificios históricos y los estilos historicistas se considera altamente inmoral. El
estudio de la tradición arquitectónica lleva a la comprensión de las leyes universales y el respeto
por la tradición. La arquitectura debe así coexistir en armonía con el genius loci (En la mitología
romana un genius loci es el espíritu protector de un lugar, frecuentemente representado como una
serpiente. En la actualidad, este término se refiere generalmente a los aspectos característicos o
distintivos de un lugar y no necesariamente a un espíritu guardián.)

La inspiración barroca.

– Casa Fara en Pelhřimov (1913-14) de Pavel

Janák; casa reconstruida en el centro histórico
pueblo.  La fachadarecoje una nueva concepción
del espacio y la relación de la materia (como en el
cubismo analítico de Picasso), donde la materia se
diluye en el espacio, la superficie de la arquitectura
– pliegues cubista, las fracturas y las olas- se
convirtió en una “mezcla de la materia existente en
el interior y el espacio en el exterior.”

– Kovařovic Villa (1912-13) de Josef Chochol; la estructura recuerda a

una residencia barroca con avant-cuerpo y fachadas.

Inspiración gótica.

– Edificio calle Neklanova (1913-14) de Josef Chochol

tiene un diseño vertical, fuerte. La  esbelta columna de
la esquina se asemeja al balcón interior de una iglesia
gótica; las formas cristalinas tienen la apariencia de una
bóveda de diamantes de estilo gótico tardío; carácter
ornamental del sótano y la cornisa principal inclinada:
“Las partes que parecen ser ornamentales son … tan
necesarias en el organismo total de la obra que en
ningún caso es posible arrancarlo del todo.”

Josef Chochol a menudo compuso su arquitectura en la

base de guías rítmicamente establecidas figura, lo que
marcó el punto en el que la superficie de su fachada se
fracturaba
En la decoración: “cambiamos la antigua decoración
detallista por la expresión más completa y concentrada de la materia en 3D en evolución.”

La inspiración en la arquitectura neo-clásica

– Balneario de Bohdaneč (1911 hasta 1912) de
Josef Gočár fue inspirado por arquitectura
neoclásica de los balnearios construidos en la 2 ª
mitad del siglo XVIII, articulado en una gramática
cubista elegante.

– Casa de la Madonna negra (1911 a 1912) de Josef Gočár,

originalmente diseñada en estilo clásico moderno (estructura
racional y transparente), pero después de la revisión fundamental
del esqueleto de hormigón armado (inspirado en Kotěra y sus
composiciones esqueléticas) adquirió sus elementos distintivos
cubista (el puerta de entrada, capiteles de las columnas entre las
ventanas); se asemeja a la creación barroca; columnas estriadas
entre el 3 ventanas de la planta y la cornisa principal crea la
impresión clásica.

Antecedentes históricos:

 Construcción de imágenes mediante una estructura geométrica y formal.

 Multiplicidad de puntos de vista y perspectivas ejecutadas en un solo plano.
 Descomposición de formas naturales y orgánicas, y convertirlas en figuras o formas
ortogonales. 
 Iluminación proveniente de distintos puntos.
 Mayor expresividad en la Arquitectura.
 Mono-cromatismo basado en colores opacos como castaños y grises.
 Líneas rectas pero basadas en ángulos irregulares. 

Características principales:

Está en contra de: 

 La arquitectura que es demasiado utilitaria. 

 Arquitectura que es demasiado materialista. 
 Arquitectura que carece de belleza espiritual. 
 Arquitectura que no es lo suficientemente teórica. 
 Decoración y ornamentos adicionales.

El cubismo reclama:
 La arquitectura debe ser más poética.
 La arquitectura debe ser más expresiva.
 Arquitectura debe ser más dramática.

La arquitectura debe ser mas artística (del pensamiento artístico y la abstracción se hará cargo de
la practica)
Ante la existencia de la materia (monolítica, la sustancia pasiva, muertos), el espíritu del artista se
centra en invertir esta sustancia muerta, da nueva forma a la misma (la creación de una forma
espiritual), e incluso desea destruirlo.
Las formas cubistas fueron también el resultado de la reflexión especulativa sobre el efecto óptico
de los juegos de luz y sombra en las fachadas; el concepto de frontalidad de Janak: fachada debe
hacer frente a varios puntos de vista frontal y lateral al mismo tiempo.

Principales arquitectos cubistas:

Pavel Janák (1881-1956) Fue un arquitecto,

diseñador y teórico principal del movimiento cubista
en la Republica checa. Pavel Janák (1912): dice “El
carácter constructivo del estilo geométrico moderno
refleja la dependencia de la materia y su peso. El
nuevo estilo cubista refleja el carácter activo del
espíritu humano y su capacidad de prevalecer
sobre la materia”.

Vlastislav Hofman(1964-1884) Fue un artista y arquitecto checo; aunque

también fue pintor, escenógrafo, artista gráfico, diseñador de muebles y
autor, fue fuertemente influenciado por el cubismo: dice: “El sistema
ortogonal del estilo moderno geométrico llegó a ser sustituido por un
sistema cuya lógica de la forma consiste en la composición en planos
diagonal o triangular.”

Josef Gočár (1880 – 1945): Es considerado el arquitecto checo más

importante del siglo XX. Para ampliar sus conocimientos, Gočár
emprendió numerosos viajes al extranjero. A su regreso a la antigua
Checoslovaquia (hoy República Checa), el joven artista, influenciado
por estilos modernos dirigió el taller de su maestro Jan Kotera quien
estaba enfermo.

Josef Chochol (1880 – 1956): A menudo

compuso su arquitectura en la base de guías rítmicamente establecidas
en la figura, lo que marcaba el punto en el que la superficie de una
fachada se fracturaba. “En la decoración, cambiamos la antigua
decoración detallista por la expresión más completa y concentrada de
la materia en 3D en evolución.”

El cubismo en la escultura.
 Se desarrolló en paralelo con la pintura cubista, comenzando en París
alrededor de 1909 con su fase protocubista, y evolucionando hasta principios
de la década de 1920. Al igual que la pintura cubista, la escultura cubista tiene
sus raíces en la reducción de Paul Cézanne de los objetos pintados en planos
componentes y sólidos geométricos; cubos, esferas, cilindros y conos. La
presentación de fragmentos y facetas de objetos que podrían interpretarse
visualmente de diferentes maneras tenía el efecto de «revelar la estructura»
del objeto. La escultura cubista es esencialmente la representación dinámica
de objetos tridimensionales en el lenguaje de la geometría no euclidiana
mediante el cambio de puntos de vista de volumen o masa en términos de
superficies esféricas, planas e hiperbólicas.

Pablo Picasso, cabeza de mujer, 1909

El concepto de escultura cubista puede parecer «paradójico», escribe George Heard Hamilton,
“porque la situación cubista fundamental era la representación en una superficie bidimensional de
un espacio multidimensional al menos teóricamente imposible de ver o representar en las tres
dimensiones del espacio real, la tentación de pasar de un diagrama pictórico a su realización
espacial resultó irresistible”

Principales obras cubistas realizadas en escultura.

1. Cabeza de mujer (1909) - Pablo Picasso.

Se considera la primera escultura cubista de la historia. Realizado

originalmente en arcilla, el artista creó más tarde una versión en
bronce. 

Retratando a su amante Fernande Olivier, esta pieza presenta un

fuerte lenguaje geométrico. 

2. Mujer que camina (1912) - Alexander Archipenko.

Creada por el escultor ucraniano Alexander Archipenko, un artista que

dedicó gran parte de su carrera al cubismo, esta pieza presenta muchos
puntos de vista diferentes, expresados así a través de sus formas
geométricas. 

3. Cabeza (1913) – Joseph Csaky.

Realizada por el artista Joseph Csaky , esta escultura cubista representa el busto de un hombre y
se opone a la delicadeza de otros movimientos. 

Así, presenta una estructura rígida y planos superficiales superpuestos. 

4. Femme au compotier (1920) – Henri Laurens

Realizada en terracota, esta escultura de Henri Laurens presenta

diferentes ángulos y sorprende así al observador con su estética única y
original. 

El Cubismo en la pintura.

La Pintura Cubista o el movimiento cubista fue el que más revolucionó en los mediados del siglo
XV. En aquel momento en el cual el renacimiento nos proponía una pintura en tres dimensiones
quedo atrás a partir del cubismo. Esto se da porque estas dimensiones nos reflejan en los cuadros
un mundo pictórico ordenado pero que no representa en absoluto la realidad.

Sin embargo la pintura cubista lo que pretende es a través de este arte mostrar las diferentes caras
de un objeto que si lo analizamos el ojo no es capaz de verlos a la misma vez, pero la cualidad es
que queda en la memoria.

Características de la pintura cubista.

 La pintura de este estilo se dedica a representar objetos de forma geométrica dónde se pueden
observar desde varios puntos de vista.
 Lo que hace es dividir los elementos para tornarlos así en formas irreconocibles.
 Los tonos de colores que se utilizan rondan en los marrones y grises, pero no brillantes.

Principales exponentes de la pintura cubista.

Pablo Picasso Fuente

Picasso no sólo fue la figura central del

cubismo, sino un pintor y escultor de renombre
internacional, considerado uno de los artistas más influyentes de numerosos movimientos
artísticos, además de un cultor de otras formas de arte como el dibujo, el grabado, la ilustración de
libros, el diseño de escenografías y de vestuario para montajes teatrales, e incluso tuvo una
brevísima obra literaria.

Sus obras más importantes:

 La señorita de Aviñón, (1907)

 Mujer que llora, (1908)
 Autorretrato, (1906)
 Busto de una mujer, (1906)
 La mujer el abanico, (1906)
 La influencia de arte negro.
 Familia de arlequines.
 Dos mujeres desnudas.

Georges Braque.

Fue, uno de los representantes clásicos del cubismo. Antes

fue pintor de brocha gorda, como su padre, y miembro del
fauvismo, El Collage cubista de Braque incluía recortes de
periódicos y revistas, etiquetas de licores, paquetes de
cigarrillos, papeles coloreados y todo tipo de objetos
encontrados que el pintor fue incorporando al lienzo como un
pigmento más. Se caracteriza por la naturaleza muerta en sus
creaciones.

Sus obras más importantes:

 Naturaleza muerta en mesa de árbol.

 Casas en el estanque.
 La Roche-Guyón.
 El portugués.
 Ceret.
 Los tejados.
 El hombre del violín.
 Violín y jarra.
 La mesa del músico.

Juan Gris.

Pintor español, máximo representante del cubismo sintético. Pintó

sus primeras acuarelas al mismo tiempo que publicaba ilustraciones
humorísticas en distintas revistas. Con su pintura introdujo el método
en la praxis cubista; la perfecta definición de unas premisas de trabajo a las que se mantiene fiel
dota de un estilo fuertemente personal a sus obras.

Sus obras más importantes:

 Composición.
 El fumador.
 Las tazas de té.
 La celosía.
 Vaso y paquete de tabaco.
 El lavabo.

Fernand Leger.

Fue uno de los principales protagonistas de la vanguardia parisiense de la

primera mitad del siglo XX. Se formó como arquitecto en Caen, y en 1900
se trasladó a París, donde trabajó como dibujante de arquitectura y acudió a
las academias de pintura de Gérôme y de Gabriel Ferrier. La pintura de
Fernand Léger se caracterizó por la confluencia con aspectos
arquitectónicos, prestando especial importancia a las relaciones entre
figuras, líneas y colores. Además, su preferencia por la pintura mural le
permitió introducir en sus obras otros factores.

Sus obras más importantes:

 Desnudos en el bosque (1909-1910)
 Contraste de formas (1913)
 En Escalera (1914)
 La ciudad (1919)
 Tres mujeres (1921)

Jacques Villon.

Trabajó como dibujante e ilustrador en periódicos y revistas antes de

establecerse en Puteaux, en la Isla de Francia, departamento de Altos del
Sena. Su obra pictórica se inició en el cubismo, pero lo abandona para
trabajar estilos realistas y abstractos incorporando colores brillantes y
formas simplificadas. Sus experimentaciones de espacio, línea y color
alcanzan su mayor expresión en su obra El espacio (1932). Antes pintó
composiciones abstractas como Color Perspective (1922). A lo largo de la
década de 1920 se ganó la vida trabajando para una galería como grabador
reproduciendo obras de otros artistas.

Sus obras más importantes:

 El espacio (1932)

 Color Perspective (1922)
 Robert Delaunay.

Comenzó su trayectoria pictórica influido por el trabajo de

Georges Seurat, pasó luego por una breve etapa fauvista y
derivó posteriormente hacia un estilo propio y colorista,
basado en los principios del cubismo analítico. investigó
exhaustivamente las relaciones existentes entre forma y
color: las obras que corresponden a su período de
madurez se caracterizan por la utilización sistemática de
formas circulares en colores planos, con el fin de dotar de
movimiento a sus composiciones, tal y como aprendió de la teoría de simultaneísmo cromático de
Eugène Chevreul.

Sus obras más importantes:

 Saint Severin, La Ciudad y La Torre Eiffel (1909)

 Catedral de Laon (1912)
 Disco de forma circular (1912)
 Las ventanas (1912)
 El drama político (1914)
 Mujeres portuguesas.
 Gitano en Madrid.

Es así entonces que la pintura cubista comienza a proliferar por el mundo de una forma rápida y
donde cada vez a partir de dicha época comenzó a sobresalir sobre los demás estilos. Sin lugar a
dudas que nos ha dejados soberbios ejemplares, que hasta hoy día son fuente de inspiración y
este movimiento sigue vigente.

El cubismo en la artesania ( artes menores).

Fernando Llort .

(San Salvador, 1949) Artista salvadoreño. Tercero de los

seis hijos del matrimonio entre Baltasar Llort y Victoria
Choussy, se graduó como bachiller en el Liceo Salvadoreño,
prestigiosa institución educativa administrada por la
Congregación de los Hermanos Maristas, y desde finales de
la década de 1960 cursó estudios de arte en Francia y
Estados Unidos, así como de teología en Bélgica.

En 1973 regresó a El Salvador y se instaló en el poblado de

La Palma, una fresca zona rodeada de montañas ubicada en
el departamento de Chalatenango, en el norte del país, que
sería seleccionada como sede de la primera reunión de diálogo entre el gobierno y la guerrilla, el
15 de octubre de 1984. En esa localidad fundó el Centro de Desarrollo Integral, en el que impartió
clases de arte, así como el taller La semilla de Dios, que empezó a funcionar como cooperativa en
1977 y donde decenas de lugareños aprendieron a elaborar artesanías. Este impulso cultural y
artístico daría lugar al llamado estilo palmeño.

Desde 1968 ha realizado diversas exposiciones individuales y colectivas en Francia, Estados

Unidos, México, Guatemala, Canadá, Japón, Alemania y Ecuador. Entre las obras más destacadas
de Fernando Llort figuran los vistosos mosaicos que adornaron la fachada de la Catedral
Metropolitana de San Salvador, monumental construcción edificada durante la segunda mitad del
siglo pasado e inaugurada en 1999. El mural, titulado La armonía de mi pueblo, estaba formado por
casi tres mil azulejos y se precisó un año para su montaje, siendo finalizado poco antes de la
inauguración de la catedral. Sin embargo, una polémica decisión del arzobispado hizo que el mural
fuese retirado en 2011.

Su arte, enraizado en las formas

precolombinas y los elementos étnicos e
indígenas, se percibe sin embargo abierto a
corrientes modernas como el modernismo y el
pop art, y manifiesta un compromiso cívico,
social y religioso. Actualmente Llort se dedica
a realizar diversos trabajos para coleccionistas
privados u otras instituciones o iglesias que
solicitan sus servicios, así como a crear
dibujos y diseños para los artesanos de La
Palma. Promociona además los productos de
la artesanía local por medio de la casa cultural El Árbol de Dios, que fundó en 1985; ubicada en la
colonia residencial Escalón de San Salvador, se ha convertido en un punto de referencia para los
visitantes que buscan artesanías nacionales. 

La influencia de Pablo Picasso en las artesanías de Fernando Llort.

Toda aquella persona que visita Chalatenango

se ha dado cuenta de los murales
característicos de la zona, es imposible pasar
desapercibido ante la gama de colores y
formas que estos poseen. Su arte ha
contribuido con el desarrollo de un singular
concepto artístico y la más universal de las
imágenes artesanales del país, son los
murales de Fernando Llor, quien nació un  7
de abril de 1949 en San Salvador. Hijo de Bañtazar Llort, oriundo de España y Victoria Choussy, de
origen francés.  Llort ha creado un estilo propio lleno de colorido, con un trasfondo de lomas,
árboles y casas blancas con tejado rojo. Algunos de sus trabajos son comparados con el gran
pintor Pablo Picasso.  Las obras de ambos personajes pueden parecer raras, Llor y Picasso tiene
en común la modernidad y la invención de su forma de pintar.
Picasso en una visita a un museo de París queda cautivado, al observar unas máscaras africanas,
lo que da origen al cubismo  (movimiento
artístico cuya palabra fue inventada por el
crítico de arte Louis Vauxcelle que se
desarrolla a partir de 1907 en Francia sus
grandes exponentes son Pablo Picasso y
Braque,). Además las formas geométricas de
los rostros de los distintos personajes son muy
parecidas dan la sensación de tener algún tipo de mascara, también producen la sensación de
estar aplanadas, donde ya no existe un punto de vista único.

En estos cuadros desaparece a perspectiva tradicional, que

mostraba un amplio tratamiento del escenario arquitectónico y
del paisaje, creando un ambiente perfecto para el desarrollo
armonioso de la figura humana. Este sirve ahora para dar
profundidad a la escena y encuadrarla.  La representación del
mundo los pintores no tienen ningún compromiso con la
apariencia de las cosas desde un punto de vista determinado,
sino con lo que se sabe de ellas.

En estos cuadros
no existe la sensación de profundidad ni la exactitud
de las pinturas antiguas como la del Greco, o Da
vinci, es un estilo nuevo, ambas obras toman objetos
de la naturaleza como lo son personas casas,
paisajes, Llor pinta motivos religiosos relacionados
con el catolicismo, su más grande obra estuvo
adornando la fachada de la catedral de san salvador,
cuyo tema la armonía de mi pueblo el cual
representaba al pueblo de Dios, el hombre nuevo y la
nueva mujer, con los instrumentos que utilizan para
su trabajo.

El cubismo es difícil de comprender, siempre existen críticas en torno a esta vanguardia, sin
embargo no podemos negar que es un arte y que en nuestro país su máximo exponente es
Fernando Llort quien en el año 2013 fue declarado hijo meritísimo de el salvador a causa de su
sobresaliente trayectoria artística.

Conclusión.
El cubismo fue una etapa en la que se representaron, unas obras de arte que expresaban el arte
de una forma abstracta, en la que no había una dimensión real de la vida y no existía profundidad
en los cuadros. Gracias a estos artistas que nos compartieron esas riquezas, podemos darnos el
placer de deleitarnos con sus maravillosas obras.

Bibliografia.
 https://www.culturagenial.com/es/cubismo/
 https://www.artlex.com/es/movimientos-artisticos/tipos-de-cubismo/
 https://gabinetee.blogspot.com/2019/10/arquitectura-cubista.html
 https://dossierdearte.wordpress.com/2011/01/09/el-cubismo-y-la-arquitectura
 https://es.wikipedia.org/wiki/Cubismo
 https://www.ensayostube.com/ingenieria/arquitectura/Cubismo-arquitectura-pintura94.php

 https://www.artlex.com/es/movimientos-artisticos/tipos-de-cubismo/
 https://concepto.de/cubismo/#ixzz7gLPb8CIi
 https://www.biografiasyvidas.com/biografia/g/gris.htm

 https://es.wikipedia.org/wiki/Fernand_L%C3%A9ger
 http://elhitoriaro.blogspot.com/2015/06/el-cubismo-y-fernando-llort.html
 https://www.buscabiografias.com/biografia/verDetalle/3793/Robert%20Delaunay
 https://es.wikipedia.org/wiki/Fernand_L%C3%A9ger

Anexo.