Breve reseña histórica del óleo

Nadie sabe cuándo se inventó por primera vez la pintura al óleo. Se habían agregado aceites a las mezclas de pinturas
mucho antes de la invención de la pintura al óleo como medio independiente. El primer ejemplo conocido de pintura al
óleo se registra ya en el siglo XI, pero la práctica de la pintura de caballete con colores al óleo surgió del siglo XV
( quattrocento ) pintura al temple métodos de pintura Ocurrió en gran parte como resultado de las mejoras en el refinado
del aceite de linaza y la disponibilidad de nuevos pigmentos de color y solventes volátiles después de 1400, todo lo cual
coincidió con la necesidad de un medio alternativo al tempera de yema de huevo puro para cumplir con el Requisitos
creativos del Renacimiento.

Durante muchos años, el primer uso de pintura al óleo se atribuyó al artista flamenco  Jan van Eyck y su hermano Hubert.
Fueron sus habilidades de pintura, se dijo, junto con su experiencia en pigmentos de color de aceite, lo que convenció
primero a los holandeses, luego a los venecianos y luego a otros italianos de que el aceite era superior al temple al
huevo. Si bien es cierto que los Van Eycks revolucionaron la práctica de la pintura al óleo y la llevaron a un temprano
nivel de perfección, no la inventaron. En cambio, sus orígenes son más antiguos y más oscuros. El tratado de Theophilus
del siglo XII (el seudónimo posiblemente de Roger de Helmarshausen, un orfebre y monje benedictino) menciona
"colores brillantes con aceite" y las instancias, como se mencionó anteriormente, datan del siglo XI.

Dejando de lado la cuestión de quién lo inventó realmente, el desarrollo de la pintura al óleo se transformó
totalmente Pintura renacentista temprana , gracias a los esfuerzos de varios pintores (incluidos los Van Eycks) que
trabajaron en el norte de Europa e Italia durante la primera mitad del quattrocento . Estos artistas comenzaron a
experimentar con el uso del aceite como aglutinante de pigmentos, y a medida que las ventajas de la pintura al óleo
sobre el temple se hicieron más evidentes, se convirtió en la preferencia natural de más y más artistas. En cualquier
caso, a finales del siglo XV, el temple: el método principal de pintura de paneles Casi había desaparecido. A partir de
entonces se empleó casi exclusivamente en frescos, generalmente en Italia, donde fue adecuado para el clima cálido y
seco. Ciertamente para la época de Leonardo Alto renacimiento obra maestra Mona Lisa (1503-6), los aceites fueron el
medio estándar para trabajos de caballete, particularmente retratos, ver también sfumato técnica de sombreado, aunque
muchos artistas italianos como Raphael (1483-1520) y el propio Leonardo Da Vinci (1452-1519) continuaron utilizando
una combinación de aceite y temple (por ejemplo, La última cena de Da Vinci, 1495)

El paisaje
Los paisajes constituyen un tema muy práctico. Desde mezclar la pintura, crear una composición agradable y jugar con
técnicas de pintura, es sencillo crear un paisaje completamente único al óleo. El trabajo con pintura al óleo se considera
bastante flexible debido a su largo tiempo de secado.

Pasos pintar un paisaje al óleo

Primera parte - Atenuar el lienzo: cubriremos el color blanco intenso para ocultar los pequeños
puntos que se translucen a través de la pintura del paisaje.

 Escoger el tema para la pintura: Pensar en el tipo de paisaje que nos gustaría pintar. Si se va a incluir un
océano, una montaña o un campo, debemos determinar en qué estación nos gustaría pintar el paisaje y
considerar el tipo de luz que tendrá. Por ejemplo, si vamos a pintar una escena vespertina, la luz podría
proyectar largas sombras.
 Colocar el lienzo sobre un caballete y exprimir las pinturas al óleo sobre una paleta: Si no contamos
con un caballete o vamos a pintar un lienzo pequeño, podemos apoyar el lienzo contra algo resistente o
sobre una superficie de trabajo. Luego, sacamos una paleta y exprimimos una cantidad del tamaño de una
moneda de cada color de pintura al óleo que deseamos utilizar.
Podemos improvisar si no contamos con la paleta de pintor clásica. Utilizamos un pedazo de cartón liso, una
bandeja de vidrio plano, una tabla delgada de madera o una tapa de plástico.
 Cubrir el lienzo con el tono más claro: Debemos determinar el color más claro que tendrá el paisaje (por
ejemplo, un cielo azul pálido, un tono de luz solar cálido o un gris claro y frío). Sumergir el pincel con el que
nos sentimos más cómodo en la pintura al óleo transparente y unas gotas de disolvente (como aguarrás).
Luego, aplicamos ese tono sobre toda la superficie del lienzo y utilizar un pedazo de papel absorbente o un
paño para mezclar el color.
Para conseguir un tono de luz solar cálido, podemos combinar negro azabache con blanco y un poco de
naranja. Para crear un azul pálido, podemos mezclar azul con gris y blanco.
 Secar el lienzo tonificado a temperatura ambiente durante 1 o 2 días: Colocar el lienzo en una habitación
bien ventilada y dejar que se seque por completo. Este procedimiento debería tardar entre 1 y 2 días
dependiendo del clima. Luego, podemos comenzar a pintar el cielo sobre el lienzo.
  Para ventilar la habitación, podemos encender un ventilador o abrir una ventana.
 Recordemos limpiar los pinceles y cubrir bien la paleta de pintura para evitar que se sequen.
 Pintar el contorno de las formas principales con un color claro de pintura al óleo: Sumergir un pincel
pequeño en un color de pintura claro y utilízarlo para pintar ligeramente el contorno de los puntos focales
principales (por ejemplo, árboles, montañas, graneros o cercas). Este boceto nos ayudará a completar la
composición mientras pintamos.
 Podemos ser tan detallado o básico como deseemos al pintar el contorno. Pintemos las formas con
más detalle si deseamos una mayor orientación mientras pintamos el paisaje.
 Si preferimos hacer la composición de la pintura a medida que avanzamos, podemos omitir este
paso.

Segunda parte-Trabajar en el cielo

 Mezclar la pintura al óleo para crear el color del cielo: Podemos mezclar azul cobalto con negro
azabache y un poco de blanco para crear un cielo realista. También podemos mezclar siena tostada con
amarillo ocre y amarillo Nápoles para crear un cielo dorado al atardecer.
 Podemos crear algunos tonos diferentes con los colores sobre la paleta.
 Tengamos en cuenta que, si deseamos aplicar capas de pintura al óleo, debemos hacerlo con los
colores más finos y transparentes antes de agregar capas más gruesas.
 Pintar la parte más oscura del cielo cerca de la parte superior de nuestro lienzo: Podemos utilizar el
pincel de cualquier tamaño que deseemos para aplicar la pintura más oscura para el cielo a lo largo de la
parte superior del lienzo. El cielo suele estar un poco más oscuro cerca de la parte superior y más claro cerca
de la línea del horizonte, independientemente de la hora del día.
 Si deseamos que los bordes de la pintura sean aún más oscuros, en especial si vamos a pintar un
paisaje nocturno, debemos agregar un toque de pintura negra en las esquinas y mezclarlos con
nuestro pincel.
 Limpiamos la pintura para crear un color más claro que llene el cielo: Es probable que deseemos
cambiar a un pincel mediano o grande si comenzamos con uno pequeño. Pasamos el pincel en el color que
aplicamos en la parte superior del lienzo y luego arrastramos hacia la mitad o dos tercios del lienzo. A
medida que bajemos el tono del color, se volverá más claro.
 Pasamos un pincel limpio sobre el cielo para suavizar y mezclar la pintura: Una vez que la mitad o dos
tercios del lienzo se llenen con el cielo, debemos tomar un pincel de 5 cm (2 pulgadas) limpio y seco y
moverlo por el cielo hasta que la pintura se haya difuminado ligeramente. No deberíamos notar una ruptura o
diferencia notable entre la porción oscura del cielo y el área más clara cerca del horizonte.
 Está bien que dejemos algunas áreas del cielo más oscuras para crear interés y atraer al
espectador.
 Utilizar la esquina de un pincel pequeño para agregar nubes al cielo: En este punto, debemos tomar un
pincel de 2,5 cm (1 pulgada) y sumergirlo en pintura al óleo blanca sobre nuestra paleta. Aplicar la pintura
sobre una parte del cielo y hacerla girar un poco para crear una nube tan grande como deseemos. En lugar
de crear varias nubes de un color blanco brillante, tratemos de dejar algunos espacios o pintamos nubes
tenues y pálidas también.
 Si deseamos atenuar aún más las nubes, pasamos un pincel limpio y seco de 5 cm (2 pulgadas)
sobre ellas para difuminarlas en el cielo.

Tercera parte-Pintar detalles en el paisaje

 Utilizar una espátula para hacer formas grandes: Para crear o bloquear formas ásperas (por ejemplo,
montañas, árboles, establos o cantos rodados), sumergimos los bordes de una espátula angulada en la
pintura. Raspamos el lado de la espátula contra el lienzo para crear ángulos o bordes afilados.
 Podemos utilizar la espátula para delinear las formas y luego rellenarlas con un pincel. Si lo
preferimos, continuamos utilizando la espátula para pintar las formas, en especial si deseamos que
luzcan realmente ásperas.
 Crear elementos intermedios, como un límite forestal: Colocamos un pincel en la mitad del terreno del
lienzo para crear un límite forestal en la distancia, un campo lejano o una cerca a lo largo del horizonte.
Tengamos en cuenta que estas formas intermedias serán menos detalladas que las cosas que se encuentran
más cerca del espectador en primer plano.
 Para crear un límite forestal con tonos tierra realista, mezclamos un poco de pintura al óleo verde,
negra y marrón. Luego, sumergimos un pincel de 5 cm (2 pulgadas) y golpeamos suavemente el
extremo del pincel a lo largo del punto medio de la pintura.
 Pintamos los detalles de nuestro paisaje con un pincel: Cambiamos a un pincel de punta fina y pintamos
objetos (como cercas, puentes o edificios) en primer plano, un poco más oscuros que en el punto medio.
También debemos hacer que los sujetos sean más detallados si se encuentran más cerca de nosotros.
 Por ejemplo, podemos pintar un árbol o una flor grande en primer plano cerca del espectador.
Hacemos los colores más oscuros y las hojas o los pétalos bastante detallados. Si tenemos árboles o
flores en el punto medio, debemos utilizar colores tenues y simplemente pintar su forma general.
 Agregar sombras a nuestros sujetos para que luzcan realistas: Así como decidimos la hora del día para
pintar el paisaje, debemos tener en cuenta la ubicación del sol en el cielo y hacia dónde proyectará su luz.
Luego, utilizamos una espátula pequeña o un pincel de punta fina para aplicar un poco de pintura al óleo
verde azulado donde las sombras deben caer.
 Las sombras también agregan profundidad al paisaje.
 Utilizamos un pincel para difuminar las partes de la pintura que deseamos suavizar: Si pintamos agua
o un campo de hierba con una brisa suave, es probable que deseemos dar la ilusión de un movimiento suave
o un reflejo. Tomamos un pincel limpio y seco de 5 cm (2 pulgadas) y pásamos suavemente de forma
horizontal contra el área del lienzo que deseamos difuminar. El pincel seco mezclará los trazos para que no
sean visibles.
 Si nos gustaría mostrar algo que se refleja en el agua (por ejemplo, algunos árboles en el borde),
debemos arrastrar el pincel hacia abajo desde el sujeto hacia el agua.

Materiales necesarias para la elaboración del paisaje

 Un lienzo o soporte: hay muchos soportes diferentes para
empezar a pintar al oleo. Podemos elegir el que más nos guste,
lo importante es asegurarnos de que la superficie sobre la que
vamos a pintar esté bien preparada para la pintura al óleo.

 Un caballete:
ofrecen comodidad y una buena perspectiva del
cuadro.

 Pinceles: Depende del artista y del tipo de técnica que se va a utilizar, podemos elegir un tipo u otros
pinceles. Lo mejor es tener pinceles de buena calidad. Aunque
al principio tengamos pocos. Los pinceles de pelo de marta son
los mejores para pintar al óleo, pero hoy en día existen los
pinceles sintéticos o de pelo de cerdo. Ambos son una opción
más económica y ofrecen resultados de buena calidad.
Debemos de tener en cuenta las formas y tamaños del pelo de
los pinceles. La forma del pincel influye directamente en cómo
quedarán los trazos de nuestra pintura. Entre los tipos de
pinceles encontramos: Los pinceles planos, pinceles redondos, pinceles de lengua de gato, pincel
delineador, pincel angular, pincel de abanico, pincel stippler, pincel de punta avellanada, pincel de
punta mop, pincel angular. Los pinceles para óleo tienen el mango largo.
 Una paleta de pintura: La paleta de pintor es
la superficie que vamos a utilizar para mezclar los
colores, uno de los símbolos más representativos del
mundo del arte. No debemos preocuparnos
demasiado por ellas. Aunque son imprescindibles
para la pintura al oleo, son muy económicas.
Para empezar puedes utilizar un plato, un pedazo de
cristal o una tabla de madera. Sin embargo, las
 paletas para óleo que podemos encontrar en las tiendas son muy útiles y cómodas. Estas, tienen un
orificio que ayuda a sostenerlas y evita que se nos caiga la pintura. Lo importante es que nuestra
paleta tenga una superficie amplia, que sea fácil de limpiar y que sea de un color lo más claro
posible. Todo esto nos permitirá hacer las mezclas cómodamente y sin que sea un obstáculo a la
hora de crear nuestras propias obras de arte.
 Pinturas al óleo: Lo mejor es no volverse loco con la cantidad de colores que hay en el mercado. Lo
recomendable es comprar una caja económica de 12 colores. Así nos acostumbraremos a las
técnicas al óleo, conocer las posibles combinaciones de colores y familiarizarnos con las texturas.
Si lo preferimos, también podemos comprar los
colores por separado. La mejor opción es comprar
tubos de óleo de tamaño mediano con los colores
siguientes:
 Los tres colores básicos: Amarillo
Primario (o amarillo de cadmio claro), azul
Cyan (o azul ultramarino) y rojo
primario/magenta (o crimson alizarina).
Combinando estos tres colores podemos
construir todos los colores secundarios y
todo el círculo cromático.
 Blanco titanio: Es recomendable que
consigamos un tubo de tamaño grande
para aclarar colores, dar luz, pintar reflejos, el color blanco es muy necesario.
 Tierra sombra natural: Este color nos será de gran ayuda para hacer sombras y fabricar
colores oscuros, ocres, tierras, e incluso el color negro. El negro puro no es necesario en un
principio, pues ensucia demasiado los otros colores al mezclarse con ellos y el resultado es
poco natural. Es recomendable dejarlo para más adelante.

 Solvente: Son nuestros mejores aliados a la hora de experimentar

con nuevas técnicas. Nos ayudan a que la pintura al óleo sea menos
espesa o a tener un secado más lento o rápido. Además hay medio
un efecto brillante o mate según necesitemos. Sin embargo utilizarlos
de manera equivocada hará que nuestra obra pierda calidad. Así,
podremos provocar que se cuartee o que tarde demasiado tiempo en
secarse.

 Gesso o pintura
acrílica (para preparar el lienzo): Es ideal para preparar tu
propio bastidor entelado (un proceso denominado
imprimación), ya que facilita el trabajo con óleos y acrílicos, entre
otras pinturas.

 Espátula: Son un bien muy preciado y más si

conocemos todo lo que se puede conseguir con
ellas. Tiene infinidad de usos gracias a la amplia
variedad que podemos encontrar y disponer en
tienda.
 Para servir pintura
Uno de los usos más comunes de
una espátula para pintura al óleo es
servirla del tubo a la paleta. Gracias
 a ella podremos ayudarnos para no pasarnos con la cantidad de pintura, así tener
nuestras medidas controladas.
 Para realizar mezclas
Si estamos haciendo mezclas en grandes cantidades, la espátula de pintor es nuestro
ayudante. Mezclamos bien los colores gracias a su punta y aplicamos después con
nuestros pinceles.
 Para eliminar restos de pintura
Para esto es muy útil tanto en el lienzo como en nuestra paleta. Por una parte, en el
lienzo podemos rectificar e incluso borrar en determinadas zonas. Además, podemos
sacar brillos más o menos gruesos en función de nuestra obra. Por otra, la espátula es
un perfecto aliado para retirar pintura de nuestra paleta para limpiarla al final del día o de
otras superficies.
 Trapos o toallas y papel: Para la
limpiar y retirar el exceso de óleo y
secar los pinceles. Cualquier
camiseta vieja de algodón o papel
absorbente de cocina nos puede
servir. La camiseta de algodón para
secar los pinceles durante la sesión
de pintura, y el papel para limpiar
otras herramientas cómo la espátula
o la paleta, ya que si secamos los pinceles con papel, pueden quedar restos de celulosa en el pincel
que pueden llegar a parar en nuestro cuadro.
 Tarro para los diluyentes: Si
decidimos utilizar aceite cómo
disolvente para diluir nuestras pinturas,
es muy práctico conservarlos en frasco
de cristal y así reutilizamos los tarros de
cualquier alimento en conserva que son
muy útiles. Si utilizamos disolventes,
evitemos dejar los tarros abiertos, así
no se evaporará el disolvente, nos
durará más y trabajaremos en un
ambiente más seguro.

Técnicas de pintura al óleo

 El bloqueo del color: Consiste en bloquear el color con pinceladas diluidas siguiendo los contornos de un
objeto. Esto nos permite definir los bordes de la forma sin necesidad de utilizar la pintura más gruesa. La
clave es delinear los bordes del objeto con los mismos colores que serán utilizados en el fondo de la misma.
 El fondo instantáneo: Se puede utilizar un fondo pintado como la base de la pintura. Usamos una pintura
diluida aplicando en pequeñas pinceladas. Hacemos nuestro boceto sobre esta base de color para obtener
un fondo instantáneo que nos servirá de base para nuestra obra

 El claroscuro: Es una de las técnicas más antiguas de la pintura al óleo para crear volumen. Se centra en el
movimiento de la luz en toda la superficie del objeto a través del contraste de luz y sombra. Al utilizar esta
técnica, las sombras deberían ser de color negro y lo mejor para esto es utilizar un color de fondo neutro.

 El valor en las pinceladas: Los movimientos del pincel pueden definir el volumen y la forma de un objeto.
Utilizamos el pincel como un lápiz. Aplicamos diferentes colores en la pintura como si utilizáramos los lápices
convencionales.
 Líneas de carbón: Utilizamos líneas de carboncillo detrás de un objeto para reforzar su forma y darle
dimensión. Cuando mezclamos dos técnicas diferentes estamos usando técnicas mixtas y es muy útil
ayudarse con otros elementos de la pintura que no conseguirías de otra manera.

 Color saturado: Uso del color saturado es la manera de añadir colores más vivos y volumen. Para utilizar
esta técnica saturamos el color tanto como sea posible, en las zonas del objeto que no están iluminados. De
esta manera crearemos un sombreado innovador.

 El movimiento del pincel: Usamos diferentes tamaños de pincel en los trazos para definir y diferenciar la
forma que queramos lograr en diferentes áreas de la pintura. Tratamos de experimentar con pinceladas a lo
largo, golpes cortos, y incluso pequeños puntos. En general, pequeñas pinceladas representarán mejor a los
objetos más cercanos o que están en el primer plano.
 Mezcla de pintura irregular: Añadimos un efecto de líneas a nuestra pintura dejando rayas de color en el
lienzo. Estas irregularidades pueden añadir interés a nuestra obra. dándole una textura diferente que logrará
volumen.

 El follaje: Para pintar follaje y que los trazos del pincel puedan verse como las hojas debemos variar los
tonos de las hojas añadiendo más o menos pintura diluida y distintos tonos de verde para dar sensación de
lejanía.

 Puntillismo: Para darle un toque impresionista a nuestra pintura usamos la técnica del puntillismo. Esto
consiste en pequeñas cantidades de pintura de forma sistemática a través del lienzo completo para lograr
alcanzar un efecto uniforme y una textura continua, en base de miles de puntos concentrados en una forma
determinada.
 Textura suave: Crear una sensación suave en nuestro objeto con pinceladas borrosas e irregulares.
Probemos frotar el pincel contra la tela para conseguir una textura esponjosa que dé la sensación de
suavidad en la forma.

 El vidrio transparente: Para sugerir una textura de cristal transparente o vidrio, debemos prestar mucha
atención a las luces y a las sombras sin rellenar en el objeto para solo añadirle los efectos de luces en él.

 Textura de Metal: Para crear el efecto de metal brillante debemos contrastar el negro contra el blanco en las
zonas de luz y de sombra. Reservamos el blanco más puro para los puntos donde la luz entre de frente al
objeto y el negro más brillante para aquellas áreas donde no entre casi nada de luz. Podemos aplicar un
poco de pintura diluida para los tonos medios.
 Técnica Monocromática: Para de crear una pintura monocromática, es decir aquella en la que se usa un
solo tono de color, debemos escoger en base a la gama del espectro al que le podamos variar la saturación
hacia el pastel o al intenso. Para esto debemos seleccionar el tono que deseemos e ir bajándole la saturación
con mezclas progresivas de blanco hasta que quede en la gama de los pasteles. Lo mismo vamos a hacer
con los colores saturados mezclando con una porción cada vez mayor de negros hasta que oscurezcamos lo
suficiente.

 Los colores fríos: Esta técnica es muy personal y se trata de trabajar sólo con colores fríos como verdes,
grises y azules en una pintura. Usamos sólo un poco de colores cálidos para crear un punto de contraste que
vendrá siendo el punto focal de la obra.

 Pinceladas Informales: Tratemos de hacer pinceladas informales que no sigan un patrón y se ejecuten en
diferentes direcciones. Estos pequeños golpes cubren el lienzo en trazos irregulares y se verá mucho más
interesante que un relleno continuo y ordenado.
Esta técnica se puede utilizar con ambos tipos de pinceles, tanto las pinceladas gruesas, como las más finas.
 Pinceladas no representativas: Esta técnica se parece mucho a la anterior, pero en esta nos enfocamos en
las líneas del contorno. Siempre resultará recomendable usar una pincelada libre tanto en los rellenos como
en los bordes. Esto significa que podemos salir de las líneas del objeto que hemos definido sin preocuparnos
de que se vea perfectamente delineado.

 Los colores complementarios: Los principales colores complementarios son de color amarillo y morado,
azul y naranja, y rojo y verde. Cuando los colores son contrarios en el espectro crean un fuerte contraste.
Consideramos el uso de colores complementarios en nuestro trabajo para añadir dinamismo en los efectos
visuales y mucha más fuerza en la combinación de colores.

 Cómo hacer piel: La piel humana no tiene un color específico. Como artista utilizamos diferentes
combinaciones y armonías de colores para crear la carne humana. Tratamos de usar colores más cálidos
sobre todo con un toque de colores fríos para lograr alcanzar esa mirada. Una piel humana no está
compuesta solamente de color rosa, para lograr una verdadera combinación de color piel será necesario que
consideremos mezclar blancos, verdes, morados y por supuesto el color base.
 Transparencia: Esto se logra aplicando colores opacos encima de los colores transparentes. De esta
manera crearemos un efecto de color más saturado que funcione como sombreado para las partes más
oscuras.

 El uso de capas: La pintura al óleo nos permite pintar y cubrir completamente lo que esté de fondo y demás
capas de pintura, siempre y cuando estén secas. Si estamos utilizando múltiples capas, comencemos con
capas más delgadas de pintura de un color más claro. Poco a poco hacemos nuestro camino hacia capas
más gruesas y colores más oscuros. La idea es pintar de claros a oscuros.

 Intensificar los colores: Diluir la pintura de diversos cursos para crear contraste que intensificarán los
colores. Al utilizar esta técnica, dejamos el color de fondo para el final. La zona diluida contrasta con la zona
más densa del objeto.
 Contraste de colores: Para crear una sensación tridimensional debemos contrastar los colores en nuestra
pintura añadiendo volumen y profundidad.

 La pintura blanca: En figuras monocromáticas podemos agregar volumen haciendo luces con los tonos
blancos. Para ello, aplicamos la pintura blanca espesa sobre el color base. No pintemos demasiado con la
pintura blanca en el objeto. Las marcas de pincel y las sombras no deben ser fáciles de distinguir.
 Añadiendo sombras al paisaje: Al pintar paisajes que requieran sombras, utilizamos mejor los colores fríos
como azules, violetas, púrpuras y grises. Esto le dará un tono más romántico al paisaje y le dará una
sensación de calma al ambiente. Así cuando vean nuestra obra podremos transmitir un poco de quietud y
paz por los colores que hemos escogido.

 Efectos especiales: A pesar de que un pincel es una herramienta estándar para los artistas, hay muchas
otras herramientas que se pueden utilizar para hacer otros efectos posibles en la pintura al óleo. Un cuchillo,
una paleta, un trapo, una esponja miles de cosas que se te puedan ocurrir funcionan para crear texturas.

 Efecto de Profundidad: Para hacer el efecto de los árboles lejanos. Usamos pinceladas sueltas suavizadas
para pintarlos. Para los árboles en primer plano, aplicamos mezclas más oscuras que den sensación de
cercanía y por supuesto usamos formas más definidas. Luego, podemos ir haciendo formas más difusas a
medida que se vayan alejando.

 Efecto de Esponja: Utilizamos una esponja para hacer una textura áspera. Podemos crear la ilusión de
granito con esta técnica.
 Spatter o salpicaduras: Es excelente para hacer los efectos de arena o piedras. Usemos una mezcla
espesa de pintura y diluyente con un viejo cepillo de dientes; llenamos el cepillo de pintura y damos
pequeños toques para que salpique en el lienzo de forma irregular.

 Raspado: Con  el borde de la espátula podemos raspar el color que ya esté seco. Esto revelará el color que
hayamos puesto por debajo y es una manera simple de dar buen efecto a la hierba si cubrimos primero con
amarillo, luego con verde al raspar revelarás el amarillo y este se mezclará sutilmente con el verde.
Empujamos suavemente con un movimiento ascendente para crear el efecto del pasto.

 Nubes: Para hacer las nubes, permitimos que algunos de los colores que hayamos colocado en el cielo de
fondo se mezclen en las zonas de sombras para crear profundidad. Con la ayuda de un pincel redondo
damos movimientos circulares para crear las nubes con un blanco bastante diluido.
Pintura a la acuarela
La acuarela (del italiano acquerello) es una técnica
sobre papel o cartulina con colores diluidos en agua. También es el nombre
de la técnica empleada en este tipo de pintura y de los colores con los que se
realiza.1
Los colores utilizados son más o menos transparentes según la cantidad de
agua con la que se mezcla, y a veces dejan ver el fondo del papel, que suele
ser blanco y que actúa como un verdadero tono.

Características fundamentales de la acuarela

 La acuarela es un tipo de pintura que se diluye en agua para ser utilizada. Contrario a la pintura acrílica o en
aceite que requiere de un medio químico, la acuarela solo requiere de agua para ser activada.
 Los ingredientes que la componen y su manera de ser activada, hacen que esta sea traslúcida, o sea, semi
transparente.
 Donde al pintar podremos ver la capa inferior de la superficie dónde estamos pintando.
 La superficie más común es el papel de algodón, el cual está diseñado para absorber el agua y la acuarela.
 El blanco del papel es lo que se utiliza para crear zonas de luz. Y el agua es lo que se utiliza para aclarar los
colores, contrario a otros medios de pintura en el que para estos propósitos se utiliza pintura blanca.

Tipos de acuarela
Los diferentes tipos de acuarelas tienen características similares.
 Acuarela en Pastilla: Es de las más conocidas por su uso en las manualidades infantiles. Como es lógico,
las acuarelas en pastilla empleadas en Bellas Artes no son las mismas. Estos tipos de acuarela, están formados
por «cubitos» de pigmento útil seco prensado. Su uso y el tamaño del pincel está condicionado por el tamaño de
la pastilla. Por ese motivo, sombrear grandes superficies puede resultar muy costoso. Entre todas las acuarelas
en pastilla puedes encontrar dos formatos. Las acuarelas en pastilla enteras (godet o godet entero) y las
acuarelas en «media pastilla» (medios godet)

 Acuarela en Tubo: Este tipo de acuarelas es muy fácil de emplear por su enorme plasticidad. Su formato
permite crear nuevos colores sin necesidad de ensuciar los colores de origen, como ocurre con las pastillas.
También resultan muy útiles para trabajos minuciosos, porque tarda un poco más en secar que otros tipos de
acuarela.

 Acuarela en Barra: La particularidad de las barras de acuarela es que se pueden emplear tanto en seco como
en húmedo. La manera de trabajarlas en seco es muy similar a la técnica del pastel. A diferencia de esta,
después se complementa añadiendo un poco de agua para acuarelar el dibujo final. También se puede emplear
a modo de pastilla o godet humedeciendo el pincel y pasándolo directamente por la barrita.

 Acuarelas Líquidas: Son las más fluidas y brillantes. Esto se debe a los aglutinantes con los que están
mezcladas. Para utilizarlas, es necesario trabajarlas en una superficie muy húmeda, cosa que complica su
puesta en práctica. De todas formas, el resultado compensa el esfuerzo y el tiempo invertido en dominar la
acuarela líquida.
 Lápices Acuarelables: Son muy sencillos de utilizar. Esto se debe a que se pueden emplear como los lápices
de grafito de toda la vida. A diferencia de estos, al ponerse en contacto con el agua crean una sensación visual
sobre el soporte acuosa. Estos lápices de colores ofrecen unos resultados muy expresivos. Además sirven como
complemento perfecto para pequeños detalles sobre otros tipos de acuarelas.

 Rotuladores de Acuarela: Son muy empleados en el campo del diseño y la ilustración. Esto se debe a que son
muy fáciles de utilizar y muy  limpios a la hora de trabajarlos. Estos rotuladores resisten muy bien a la luz y
permiten mezclarse con otros tipos de acuarelas. La forma de trabajar con ellos es muy similar a la de los lápices
acuarelables.

Elementos necesarios para la acuarela.

 Acuarelas: Como ya sabemos hay muchos tipos de acuarelas. Respecto a las marcas cada artista tenemos
nuestra favorita pero, si recién vamos a iniciarnos en este mundo creativo, lo recomendable es que busquemos
una gama estudiante dentro de la marca que elijamos. 
 Pinceles para acuarela: Para comenzar a pintar con acuarela podemos hacerlos con un par de pinceles para
acuarela normalitos. Con tres o cuatro pueden ser suficientes por lo que a veces un set de pinceles es la mejor
opción. Escoger diferentes tipos y tamaños para poder utilizarlo en base a nuestras necesidades. Podemos
empezar por comprar pinceles redondos y planos de diferentes tamaños. De esta forma tendremos pinceles para
detalles y para grandes superficies.

 Papel de acuarela: El gramaje idóneo es entre 200 gr y 300 gr. Lo recomendable es que empecemos con
papeles de alto gramaje ya que sobre todo al comienzo, utilizaremos mucha agua a la hora de pintar. También es
recomendable que utilicemos un papel de grano fino. El grano es la «textura» de un papel y normalmente
hay: grano fino, satinado, medio o grueso. Para empezar a pintar con acuarela lo idóneo es utilizar fino o
satinado ya que son más fáciles de utilizar al principio.

 Lienzos de acuarela: Entre la gama de soportes especiales para acuarela encontramos lienzos de tela y tablillas
enteladas. Ambas son una gran opción para darle un toque diferente a nuestras acuarelas.  Las tablillas
enteladas son más baratas por lo que  resultan una opción más que interesante.
 Agua: Buscamos dos botes para llenarlos de agua y limpiar nuestros pinceles. Lo mejor de la acuarela es que no
necesita ningún médium especial.

 Trapo o papel: Prepararnos un pequeño trapo o papel para asegurarnos que nuestros pinceles se queden
secos. Es importante darles un buen cuidado para que nos duren mucho más tiempo.

 Paleta de mezclas: Servirá cualquier superficie no absorbente. Lo importante es que tengamos espacio para
poder crear nuestras mezclas sin miedo. Añadir o quitar colores todas las veces que queramos.
 Base: La base para pegar nuestro papel en el caso de que no venga engomado debe de ser de madera, un
tablero de los que venden en las tiendas de manualidades finas es suficiente.

 Cinta adhesiva: Esta cinta nos servirá para pegar nuestro papel de acuarela a la base de madera.La que mejor
resultado da es la cinta de carrocero, típica de los pintores de brocha gorda que usan para tapar enchufes,
marcos.

Degradación tonal
Consiste en mojar o humedecer el papel sobre el que vamos a pintar y, a continuación, con el pincel bien
cargado de color damos pinceladas, horizontales, suaves, inclinado el papel para que corra el color consiguiendo
un degradado. Después, y una vez seca la primera capa, se pueden superponer.

Las Técnicas en acuarela.

 Aguada Plana / Flat Wash: “Aguada” o “wash” es cómo se le suele decir a pintar con la acuarela muy fluida.
Esta técnica es probablemente la más básica de todas. Consiste en pintar un color plano en nuestra área de
trabajo, logrando que tenga una apariencia uniforme, de una sola tonalidad, sin importar que grande sea el área
 en el que lo vamos a aplicar. Para hacer que el color quede uniforme se aplica con mucha agua, de forma que no
se noten los trazos de pincel. Se puede utilizar para pintar grandes superficies, normalmente, la primera capa
(veladura) de fondo.

 Húmedo sobre seco: Es la técnica que más se utiliza al pintar con acuarela y en ella lo que hacemos es aplicar
una veladura o capa de pintura, esperamos a que se seque y entonces podemos aplicar otras capas de color
sobre esta, utilizando la misma mecánica (papel seco y pincel húmedo, diluido con pigmento). Para esta técnica
mojamos el pincel y aplicamos sobre el papel seco. Este método permite un mayor control sobre a dónde va la
pintura, y mientras que las orillas de la pintura aún pueden estar ligeramente difuminadas cuando estén en
contacto con alguna otra área de la pintura, lo que acabamos de aplicar no se desvanece ni se destiñe tanto
como en la técnica de húmedo sobre húmedo.

 Húmedo sobre húmedo: En este caso habremos de aplicar una capa nueva de pintura (comúnmente no muy
cargada), mientras la capa anterior sigue mojada, para permitir que los colores se mezclen y obtener una
hermosa variedad de matices. Con la técnica de húmedo sobre húmedo podemos obtener un efecto impredecible
y fluido. Es una muy buena técnica para cubrir grandes áreas, por ejemplo, como un cielo, o área donde
necesitas una pintura de fondo suave, ligera (como la primera capa de una pintura, por ejemplo).

 Seco sobre húmedo: Con esta técnica conseguiremos efectos similares al húmedo sobre húmedo, pero con el
pigmento del pincel mucho más puro. La técnica de seco sobre húmedo no es una sobre las que se suela hablar
demasiado en cuanto a pintar con acuarelas se refiere. Pero tiene dos grandes fortalezas:
 En primera, esta técnica es una muy buena manera de crear distintas formas con bordes suaves
en nuestra pintura. Cosas como colinas distantes y árboles al fondo suelen tener una apariencia
más suave que aquellos objetos que están más al frente y la técnica de seco sobre húmedo es
perfecta para lograr esta apariencia de objetos distantes, especialmente de la forma en la que se
ven en días lluviosos o de mucho viento.
En segunda, aplicar esta técnica es una gran manera de buenos detalles obscuros sólidos y a la
vez transparentes en tu pintura. Esto claro, si estamos dispuesto a aplicarlos directamente en un
lavado húmedo. Se lleva algo de práctica, pero podemos lograr efectos impresionantes. 

 Aguada en gradiente / claroscuro: Esta técnica para pintar con acuarela la utilizamos cuando intentamos
representar una transición de claro a oscuro. Empezamos por cargar bastante de color nuestro pincel y entonces
debemos comenzar a aplicar la pintura en el área que será la más oscura, para después limpiar nuestro pincel,
cargarlo con agua y con ella llevar la pintura previamente colocada sobre el papel hacia toda la demás área de
trabajo. Este método también se puede hacer con varias manos de acuarela que tengan distintas cantidades de
pigmento. La primera pasada debe tener más color y solo aplicarse en el área obscura. En la siguiente pasada,
usaremos menos pigmento en el pincel y más agua, mezcla que aplicaremos solo en el área del tono medio. La
intención es que quede superpuesta a la primera. Este proceso lo podemos repetir nuevamente, utilizando en
cada ocasión menos pigmento. Incluso puedes incluir un color distinto dependiendo de los colores que quieras
en ambos extremos de tu gradiente.

 Transparencia: Implica la superposición de capas finas de pintura, una sobre otra. Además se basa en la
blancura del papel para obtener efectos y toques de luz. Esta es la forma más común de trabajar con las luces en
la pintura con acuarela. Al pintar con acuarela, entre más “lavados” o pasadas con el pincel,  el color se hace
más oscuro y adquiere más profundidad.
 Raspado: Consiste en retirar pintura con alguna herramienta, por ejemplo, un pincel seco y limpio. En esta
técnica es en la que vamos a utilizar la aguja, raspando con está sobre el área deseada mientras aún está
húmeda (también puede ya estar seca).También podemos utilizar punzones o una lija fina, aunque en el caso de
utilizar esta última, ser cuidadoso y no aplicar demasiada presión.

 Efecto con sal: Aplicando sal sobre la acuarela húmeda, ésta absorberá el agua y cuando la retiremos para lo
cual debe estar totalmente seca la pintura tendrá un aspecto jaspeado. Es muy recomendable que probemos
estos efectos que pueda darnos esta técnica.

 Esponja: Al limpiar con una esponja podemos conseguir diferentes efectos dependiendo de los diferentes
estados de humedad del lavado o aplicación. Es una técnica que se utiliza mucho para crear la ilusión de nubes.

 Alcohol: El alcohol y la acuarela son como el agua y el aceite. Una vez que hemos pintado un lavado, tomamos
un utensilio (como un pañuelo de papel o el plástico para envolver) y con esto aplicamos algo de alcohol sobre la
superficie húmeda. Creará un efecto como de teñido anudado.
 Desbastes: En esta técnica se dejan caer gotas de agua sobre la base de color. Se forman manchas con
acabados caprichosos difíciles de controlar, pero muy expresivas y de gran belleza. Los factores que intervienen
son: altura de caída de las gotas y del pulso, de la inclinación del papel, del grado de disolución de la gota y de la
humedad del papel. Se puede utilizar para texturizar árboles, piedras pequeñas, etc.

 Salpicadura: Es una técnica a la que se recurre mucho al pintar con acuarela. Es fácil de utilizar incluso para los
principiantes aunque lograr utilizarla a modo requiere su periodo de prueba. Dicho esto, para aplicarla usar un
cepillo de dientes o un pincel viejo. Tomamos la cantidad deseada de pigmento y agua y pasamos nuestro dedo
por las cerdas del cepillo/pincel tratando de dirigirlo hacia donde queramos aplicar la técnica.

 Sustracción: Con un trapo limpio o agua clara, levantaremos el exceso de color.

 Levantar: Se le llama "levantar la acuarela" a esta técnica porque es lo que ocurrirá en cierto grado. Después de
aplicar el color (con una buena cantidad de agua), aún estando fresca la pintura, colocamos el plástico para
envolver con todos sus dobleces y arrugas. Presionamos ligeramente y al secarse, retiramos el plástico. Esto
dejará efectos muy interesantes y se llevará algo de la pintura consigo.
  Lijar: Se aplica la pintura y, cuando esté seca, se levanta raspando con papel de lija.

 Cera y acuarela: Otra forma de "bloquear" ciertas áreas o trazos es usar un lápiz de cera. Dibuja con cera sobre
el papel y la acuarela no podrá penetrar ahí donde la hayas aplicado. Está técnica fue muy empleada por Turner
y otros grandes acuarelistas del siglo XIX.

Formas de utilizar una paleta de colores de acuarela limitada y qué colores elegir.
 No necesitamos una caja de lujo de 80 colores para obtener fabulosos resultados de mezcla con acuarelas.
Con una paleta de colores de acuarela limitada, incluso de sólo 3 colores o hasta de 8 podemos obtener una
gran cantidad de tonos por sus mezclas, que nos sorprenderá.

Acuarela realizada con una paleta limitada de sólo 3 colores

CMY o Cian, Magenta y Amarillo.

Se requiere un poco de cuidado y consideración al elegir una paleta

limitada para pintar con acuarela.
Idealmente, cuando seleccionamos nuestras pinturas, debemos
elegir una cantidad mínima de colores que produzcan toda la gama
de posibilidades de mezcla, incluidos los valores oscuros, y lo más
cerca posible del negro.
Estas pinturas serían la base de una buena paleta de colores de
acuarela.

¿Por qué utilizar una paleta limitada de colores para pintar con acuarela?
Usar una cantidad limitada de colores de nuestras pinturas de acuarela tiene varias ventajas:
 Probablemente sea la mejor manera de aprender sobre la mezcla de colores. Si tenemos demasiadas opciones
de color en nuestra paleta, intentar recordar las posibilidades de mezcla sería mucho más complicado.

 Una paleta limitada es más asequible. Comenzar con una pequeña cantidad de pinturas es mucho más barato.

 Puede ser bastante liberador usar una pequeña gama de colores porque hay menos opciones para hacer. Como
resultado, esto ayuda a acelerar su proceso de pintura.

 Otra ventaja de una paleta limitada es que crea armonía de color mejorada en nuestros cuadros. Y esto es muy
importante y valioso para cualquier artista principiante.

 Nos ayudará a tener más coherencia entre nuestros trabajos también. De manera que nos resultará más fácil
exponerlos juntos y tener un estilo propio, dado también por los colores seleccionados.

Todo lo que necesitamos hacer ahora es elegir la menor cantidad de pinturas para obtener los mejores
resultados posibles.
¿Cuáles son nuestras opciones?
Los colores que debemos elegir son:

 Paleta de 3 colores de acuarela (Usar sólo los primarios clásicos Rojo, Amarillo y Azul.)

Tres pinturas son el mínimo estricto necesario para mezclar todos los tonos alrededor de la rueda de colores.
Esto se conoce como tríada primaria clásica o tradicional, basada en los 3 colores primarios de la luz,
también llamado modelo RGB de color o en español RAA (Rojo- Amarillo- Azul), usado en las pantallas o
monitores.

Tradicionalmente pensamos en los colores primarios como Rojo, Amarillo y Azul.

En las pantallas se da esto, porque trabajan con colores luz. También llamados RGB que producen una gama de colores
muy amplia.
Pero al trabajar con pigmentos en nuestras pinturas, tanto de acuarelas como de otras técnicas, esto es muy diferente
porque en teoría, todos los colores se pueden mezclar utilizando solo tres colores primarios, pero no estos 3 colores sino
los que veremos más adelante (los primarios pigmento, que son diferentes)
En realidad estamos restringidos por la apariencia de color creada por los pigmentos utilizados en los ingredientes de la
pintura.
En términos generales, algunos pigmentos tienen un sesgo cálido y otros tienen un sesgo frío. Por ejemplo, puede
encontrar pinturas rojas frías o pinturas rojas cálidas, azules fríos y azules cálidos, etc.
(Nota: los colores se pueden "percibir" como cálidos o fríos. Esta idea surge de ciertos desencadenantes psicológicos.
Por ejemplo, asociamos los colores cálidos con la luz del sol, pero los tonos fríos están más asociados con la sombra)

Desafortunadamente, mezclar con pinturas que coincidan con los criterios de amarillo, azul y rojo no nos daría una gama
completa de potencial de mezcla de colores.
Como puede ver, las naranjas creadas por esta gama de pinturas son agradables y saturadas, pero los verdes y violetas
son apagados y carecen de saturación.

Círculo cromático con los 3 primarios Rojo -

amarillo -azul y sus mezclas

La importancia de realizar un círculo cromático  con tu selección de colores de tu paleta de acuarelas.

Al mezclar los tres colores de acuarela, con esta paleta, no obtenemos el color negro, sino un gris algo opaco,
neutro.
  Paleta de acuarela de 3 colores pigmento (el modelo de color CYM)

Debido a que el modelo RYB o Colores Luz, tiene algunas fallas en términos de saturación de color, muchos
artistas argumentan que un Tríada primaria "verdadera"o de "colores pigmento" debe estar compuesto
por Cian, Amarilloy Magenta. (Este es el modelo de color CMY que es el mismo que se usa en la impresión
moderna, todas las impresoras utilizan estos 3 colores más negro (CMYK) para obtener todos los demás
colores por mezcla).

Un equivalente cercano al cian, amarillo y magenta en términos de colores de pintura de acuarela en una paleta limitada
incluiría:

 Azul Ftalo

 Amarillo Limón

 Rosa de Quinacridona

Esta vez todos los colores están muy saturados. Los verdes son intensos y los morados bastante vivos. Y al mezclar los
tres colores juntos puede acercarse un poco más al negro, aunque admito que esto aún es difícil de lograr y lleva tiempo
ajustar el equilibrio de los pigmentos.
Por lo tanto, la paleta de tres colores "CYM" o de colores primarios pigmento (cian, magenta y amarillo) es
probablemente más versátil, ya que te permite mezclar una gama más amplia de colores mientras mantiene la saturación
de color en comparación con la paleta "RYB".
Este sistema de color es ampliamente aceptado y utilizado en las escuelas de arte para enseñar los conceptos básicos
de mezcla de colores. Entonces, si estamos buscando una cantidad mínima absoluta de pinturas para lograr una amplia
gama de tonos, nada mejor que esta paleta de colores de acuarela de solo 3 tonos.
Sin embargo, la mezcla con tríadas primarias como estas requiere habilidad para su uso, y mucha práctica.

Todo debe mezclarse cuidadosamente y, desde el punto de vista de la usabilidad, carece de comodidad y conveniencia.
Además los colores se gastarán muy rápido debido a que son solo 3 para obtener todos los demás.
Y a pesar de lo que sostienen algunos puristas, incluso la selección de pinturas de CYM o CMA, es imperfecta.
Esto es debido a que algunas de las mezclas de colores todavía carecen de una buena saturación de color.
Las naranjas y azules, por ejemplo, son menos vibrantes y notablemente más apagados que otras opciones de mezcla
de pintura.
Tratar de elegir las tres “mejores” pinturas para la tríada primaria puede resultar muy intelectual; ya que una paleta
debería elegirse para usarse cómodamente y disfrutarse por los colores que produce.
Por último podemos decir, que estas combinaciones de tres pinturas son solo un ejemplo de muchas combinaciones
posibles. No hay nada que te impida experimentar con muchas otras opciones.
 Paleta de acuarela de 6 colores primarios

Para ayudar a resolver las limitaciones de las tríadas de colores, los artistas suelen optar por  paleta de seis colores de
acuarelas para usar como base de mezcla.
Y al elegir estas seis pinturas, una cosa con la que la mayoría de los acuarelistas estarán de acuerdo es que se
obtiene una versión fría y otra cálida de cada color primario.
En este círculo podremos ver cómo se obtienen mezclas vibrantes y saturadas, es la base de la  paleta primaria
llamada dividida.
Esta rueda de colores representa el concepto primario dividido. Como podemos ver, esto se denomina círculo cromático
de "división primaria" porque "divide" cada color primario en dos utilizando una versión cálida y fría de cada primario.
Esta paleta primaria dividida de seis colores ofrece lo mejor de los modelos de color RYB y CYM anteriores al
combinarlos.
La ventaja de esta combinación de colores es que ofrece una gama más amplia de posibilidades de mezcla, es más fácil
de usar y ayuda a distribuir los problemas de saturación de las tríadas primarias de manera más uniforme.

En otras palabras, se puede mezclar más fácilmente colores brillantes y saturados alrededor de toda la rueda de colores.
 Una paleta alternativa de seis colores, (3 primarios y 3 secundarios)

La idea detrás de la paleta de seis colores anterior es agregar más pinturas para mejorar la intensidad del color de los
colores mezclados, en particular de colores secundarios: verdes, violetas y naranjas, ósea es usar la tríada primaria CYM
(cian, amarillo y magenta) y luego agregar colores para los secundarios verde, violeta y naranja.

Los colores de acuarela a seleccionar para esta paleta

  Amarillo: Amarillo limón

 Verde Ftalo

 Cian: Azul Ftalo

 Violeta: Azul ultramar francés

 Magenta: Rosa de quinacridona

 Naranja pirrol

 Verde Phtahlo o Ftalo (tiene una apariencia de color vívida y algo irreal, pero es ideal para mezclar otros verdes.)

 Azul cálido francés ultramar (es un pigmento que tiende al violeta, se usará para representar el violeta.)

 Naranja pirrol (tiene una apariencia cálida de color rojo anaranjado, por ello es ideal para obtener bonitos
naranjas vibrantes y saturados.)

Agregar una pintura verde a la paleta puede ayudar a iluminar los verdes mixtos que de otro modo serían aburridos.
Por sí solo, el verde Ftlao o Phthalo es un verde vivo que no se ve mucho en la naturaleza, pero cuando se mezcla con
amarillos o azules, produce una gama extremadamente útil de tonos verdes. En realidad es el pigmento que
encontrarémos en muchas pinturas verdes premezcladas, como verde savia, verde permanente, verde oliva, etc.
Agregar pinturas secundarias altamente saturadas como estas mejora la intensidad del color de sus mezclas y es una
excelente opción que vale la pena probar.
 Paleta de acuarela de 8 colores

Para aprovechar los seis colores de la paleta primaria dividida, que ofrece una amplia gama de posibilidades de mezcla
bien saturadas y construir una paleta de ocho colores, las dos pinturas que puedes agregar son:

 Amarillo Hansa oscuro o Amarillo Cadmio

 Tierra de sombra Natural

El color Tierra de sombra natural, es un tono tierra oscuro algo rojizo, y es extremadamente útil para paisajes, así como
para lograr tonos piel en retratos, por lo que es una gran opción y aporta más posibilidades a tu paleta de colores de
acuarela limitada pero óptima.

Puedes crear por mezcla casi cualquier color que necesite con solo estos 8 colores.

La tierra de sombra natural tiene una hermosa apariencia cálida de color, y creo que probablemente sea uno de los
mejores colores de mezcla que podemos agregar a nuestra colección.
Aparte de su utilidad para los tonos tierra, mezclado con ultramar francés es una de las formas más fáciles de conseguir
negros o casi negros muy intensos y algunos grises oscuros interesantes.

Aquí hay un ejemplo de cartilla de mezcla con estos 8 colores:

Es sorprendente saber cuántos tonos maravillosos podemos mezclar con una pequeña cantidad de colores de acuarela,
así que ¿por qué agobiarnos con tantas opciones en una paleta mucho mayor?
Usar solo un puñado de pinturas, quizá 6 u 8, es mucho más barato y más fácil de manejar.
Si elegimos sabiamente nuestras pinturas, deberíamos poder mezclar una increíble gama de colores con solo unas
pocas acuarelas en pastilla o tubos

El retrato con acuarelas.

Es la técnica más complicada de todas las que podemos hacer con acuarela.  Si por regla general tenemos que ser
impecables en el dibujo cuando trabajamos con acuarelas, en el retrato aún  tendremos que ser más exquisitos y
minuciosos con el dibujo para que podamos obtener un resultado profesional.
Los mejores materiales para pintar retratos con acuarela

Pasos que tienes que tener en cuenta al pintar un Retrato en Acuarela

 Elegir el modelo correcto para pintar: Cuando se hace un retrato, podemos hacerlo de una foto o de un modelo
real. Si estamos empezando, un consejo es que hagamos muchos de fotos para equivocarnos todo lo que
necesitemos, que aprendamos a encajar los ojos, la boca, la personalidad y la expresión del rostro. En el retrato, la
mirada es lo más importante, así que tendremos que elegir bien la posición de la cara, si de frente, de perfil, y
recordemos que si es un retrato de tres cuartos, lo tenemos que hacer aproximadamente hasta el principio de los
hombros y dejar siempre espacio arriba y a los lados para que quede bien encajada la pintura.

 Hacer el boceto del retrato a lápiz muy tenue: Para empezar a pintar un retrato con acuarela, lo primero y lo más
esencial es haber encajado muy bien a lápiz de manera muy tenue los rasgos de la cara. De nada nos servirá
dominar a la perfección la técnica del color y el manejo del agua y el pincel si la base del dibujo no es el correcto.
Hay artistas que son tan buenos dibujantes y han pintado tanto, que ya en su cabeza han encajado a la perfección el
retrato y lo saben dibujar perfectamente, pero son muy pocos los que alcanzan ese nivel, además de por supuesto,
de haber pintado ya ciento de retratos y tienen tan memorizados los rasgos, que son capaces de plasmarlo sin
dudarlo. Recordemos que en la acuarela no nos podemos equivocar, ya que la acuarela que pongamos se quedará y
no podremos pintar encima.
  Marcar las sombras: Una vez bien encajado a lápiz muy suave el retrato, es conveniente suavizar ligeramente
las sombras para dar más realismo e ir buscando la luz, detalle que después hará la diferencia.
Es suficiente con que pases el pincel húmedo sobre los bordes de la zona que te interese.

 La Mirada y los ojos: La mirada. La expresión de los ojos, es fundamental en el retrato ya que la mirada será la que
determine la personalidad. Para conseguir una mirada expresiva, debemos fijarnos en darle redondez al párpado de
arriba colocando suavemente la sombra en el párpado de abajo.
El parpado inferior es muy importante, ya que será el que de la diferencia entre unos ojos bien encajados a otros que
queden flotando, robándole la importancia que tiene la mirada.
Otro detalle fundamental a la hora de dibujar los ojos expresivos, fijarnos muy bien en delinear muy bien la unión del
párpado superior en el pliegue cuando ése está abierto.

 Los Labios y la Boca: Al igual que los ojos, la boca también será el otro factor determinante que hará que la
expresión de la persona le dé el parecido o no. Según la incidencia de la luz que tenga el rostro, debemos aplicar las
pinceladas muy suaves.
Para que la boca parezca más fresca y viva, recordemos dejar una zona sin pintar en el labio para que le dé volumen
y luz.
 Conservar los blancos para diferenciar las luces y las sombras: La luz es el otro detalle que le dará a nuestro
retrato una diferencia fundamental, las sombras que dibujemos y la luz que le dejemos harán el resto del trabajo. En
cuanto a la piel, tengamos mucho miramiento como mezclemos los colores, ya que el resultado variará muchísimo.
Recordemos siempre que, en la acuarela, podremos colocar siempre un poco más de pigmento, pero nunca
eliminarlo o taparlo con más pintura como pasa con el acrílico o el óleo y otras técnicas de pintura.

 El volumen: Para darle el volumen adecuado, tenemos que comprender muy bien los volúmenes que dibujamos en
el rostro los huesos de la cara. Por ejemplo, la redondez de la frente o la peculiaridad de las mejillas, dejando el
blanco del papel en la zona donde queremos que brille la incidencia de la luz.