1 Historia Del Arte

2º
Bachillerato de Arte
Escuela de Arte Talavera
Historia del Arte
Bloque Temático 1
1. El arte como expresión humana en el tiempo y en el espacio:
significado de la obra artística.
Los seres humanos, las personas, hemos colonizado la totalidad del planeta
gracias a una ventaja evolutiva: la capacidad de adaptación al medio. Y esta capacidad de
adaptación al medio sólo ha sido posible en la medida en que el ser humano ha sido
capaz de transmitir conocimientos y elaborar ideas complejas, abstractas. De esta
manera, han ido surgiendo a lo largo de la Historia grandes inventos que han hecho la
vida más cómoda y fructífera; artefactos, sistemas y utensilios destinados a cubrir
nuestras necesidades primarias: el abrigo, la comida, la reproducción, la salud, etc.
Sin embargo, a la par que se desarrolló una faceta práctica, también se fueron
desarrollando otra serie de facetas genuinamente humanas e interrelacionadas. Entre
ellas podemos encontrar los rituales, el lenguaje o el sentido estético: el arte.
En efecto, lo que caracteriza a una obra de arte, ya sea
un objeto artístico, una pieza musical, una obra literaria, etc.,
es el hecho de que satisface una necesidad no material, una
necesidad espiritual. Esta necesidad estaría relacionada con
las emociones. En este sentido, debemos evitar nuestras
ideas preconcebidas sobre el arte, ya que esta estimulación
de las emociones no tiene por qué estar relacionada con la
belleza, la simetría, la proporción o el equilibrio. Cuando
disfrutamos en el cine de
una película de suspense o
de terror no dudamos en
calificarla de obra de arte;
cuando un poema o una
canción nos hace reír o
llorar, bien puede tratarse
de una obra de arte;
incluso cuando
contemplamos una pintura
o una exposición sobre
temas que nos hacen
reflexionar sobre hechos
escabrosos, también, a veces, nos referimos a ella
como expresión artística.
Historia del Arte. Bloque 1 1

También suele ocurrir que a veces
encontramos en los museos útiles, objetos o
herramientas que no dudamos en calificar como
obras de arte, pero que en su día no se
hicieron, quizás, con esta pretensión. Quizás las
pinturas rupestres fueran parte de algún ritual
chamánico, quizás las hachas pulimentadas del
Neolítico fueron concebidas exclusivamente
como herramientas de trabajo, etc. El concepto
de arte, por tanto, va cambiando con el tiempo,
y lo mismo puede decirse de su función social.
Y, por último, hay que señalar que no
todo lo que para una persona es arte lo
es de la misma manera para cualquier
otra. Así, los graffiti callejeros son para
unas personas genuinas expresiones
artísticas de nuestro tiempo mientras
para otras es simple vandalismo; lo que
para alguien es un objeto de culto
religioso puede ser para una segunda
persona un icono artístico; un tatuaje
puede resultar repulsivo para una
generación mientras para otra constituye
el contrapunto ideal de la belleza
corporal.
Dar una definición sobre qué es el arte no resulta, por tanto sencillo, y, de hecho,
no existe consenso ni siquiera entre los más prestigiosos historiadores del arte para
definirlo, lo que nos indica la complejidad del concepto. Gombrich llegó incluso a decir
que “no existe el Arte, tan sólo hay
artistas”. Y Dino de Formaggio rizó arte. (Del lat. Ars, artis) amb. Virtud, disposición y
el rizo de las definiciones al asegurar habilidad para hacer alguna cosa. || 2. Acto o
que “Arte es todo lo que el Hombre facultad mediante los cuales, valiéndose de la
llama Arte”. Ni siquiera del materia, de la imagen o del sonido, imita o expresa
el hombre lo material o lo inmaterial, y crea
diccionario de la Real Academia de
copiando o fantaseando. || 3. Conjunto de preceptos
la Lengua podemos obtener una y reglas necesarios para hacer bien una cosa. || 5.
definición unívoca, ya que para “arte” Cautela, maña, astucia.
nos da varias definiciones demasiado
Fuente: Diccionario de la Lengua Española (R.A.E.)
genéricas.
Con todos los elementos anteriores podemos aventurarnos a dar una definición
de lo que es el arte, o, al menos, de determinar sus características. El arte podría
considerarse como cualquier tipo de producción humana que provoca de algún
modo una reacción en nuestras emociones; es, además, una experiencia subjetiva y
sujeta a su contexto histórico y social; y, también, es cambiante con el tiempo. Esta
definición no es de ningún modo definitiva ni cerrada, sino que debe constituir sólo un
punto de partida.

También podemos hablar del arte como un lenguaje. Todo lenguaje tiene una serie
de elementos que también podemos encontrar en las manifestaciones artísticas. Algunos
de ellos son obvios y alcanzamos a comprenderlos sin esfuerzo:
• El emisor o artista.
• El receptor o espectador.
• El canal o medio (la vista, el oído, la pintura, el sonido, etc.).
Sin embargo, otros elementos merecen un análisis más detenido:
• El contexto. Se trata de la situación histórica y
cultural. Los estilos artísticos cambian con el
tiempo, y, a nivel cotidiano, por ejemplo, está claro
que a nosotros y nosotras nos parecen arte muchas
expresiones que a nuestros progenitores les
parecerían sólo expresiones absurdas, cuando no
repulsivas.
• El mensaje y el código. Muchas obras de arte llevan
consigo un mensaje que el artista quiere transmitir.
Muchas veces el mensaje es claro, pero otras
muchas suele ser oscuro o, cuando menos,
alegórico, de manera que el espectador debe estar
acostumbrado a utilizar una serie de símbolos (un
código): por ejemplo, si no se sabe que el pez es el
símbolo de Jesucristo no podremos apreciar el
lenguaje de ciertos sarcófagos paleocristianos, y si
no sabemos que el color blanco es el color del luto en China no podremos
comprender la función de muchas de sus manifestaciones cerámicas.
• La situación. La situación es también muy importante. Por poner un ejemplo, si un
artista conceptual lleva a cabo una acción la cual consiste en vomitar en la mesa
de un restaurante de comida rápida para protestar contra el consumismo, su
carácter de obra de arte sería discutible según la situación en la que se llevara a
cabo: no es lo mismo si se realiza en un ámbito controlado (sala de exposiciones,
museo, etc.) que si se realiza sin aviso previo y en una situación real.

De lo anterior se deriva también que para
apreciar el arte es necesaria una educación previa
que posibilitará un ejercicio de reflexión. Y, a su vez,
se precisa una atención que en el caso que nos
ocupa (las artes plásticas) se convierte en
contemplación. Esta contemplación ha de ser
además un ejercicio crítico, ya que, como está
demostrado, nuestros sentidos pueden ser
engañados fácilmente, ya sea tanto por recursos
plásticos, como los anamorfismos o la perspectiva,
como por los mecanismos intrínsecos de la
percepción humana.
Para poder corroborar

empíricamente lo anterior no hay
más que hacer un recorrido
somero por los descubrimientos
de la escuela alemana de
psicología de la Gestalt) o por
los test de personalidad de
Rorschach usados en psicología
clínica freudiana, donde entran
en juego no sólo nuestros
sentidos sino también nuestras
pulsiones y deseos más íntimos.

La Gestalt
Gestalt significa en alemán algo así como “forma”. La Escuela psicológica de
la Gestalt basa sus investigaciones en que la percepción humana no es simplemente
la suma de los datos que nos ofrecen nuestros sentidos, sino que nuestro cerebro los
reestructura en formas (Gestalten) que se descomponen si las queremos analizar
parte por parte. La Gestalt descubrió y trabajó una serie de leyes básicas sobre la
percepción humana y una serie de efectos ópticos sobre los que se sigue investigando.
Entre otros, destacan:
• El fenómeno Phi: es el fundamento del cine, y se basa en la persistencia de las
imágenes en la retina.
• Ley de emergencia: nuestro cerebro
capta imágenes completas a partir de
datos incompletos o parciales de los
sentidos.
• Ley de proximidad: tendemos a
agrupar los objetos cercanos.
• Ley de semejanza: equivalente al
anterior, pero referido a las formas
semejantes. Ambas leyes tienen una
importancia vital en la adaptación al medio.
• Ley de completamiento o Fenómeno de cierre:
nuestro cerebro tiende a completar las líneas y
contornos de ciertos objetos.
• Ley de familiaridad: tendemos a completar figuras
que nos resultan familiares.
La Ley del Equilibrio: tendemos a separar la forma
•
del fondo según el área de una figura, de manera
que cuando las áreas de éstas se equilibran nos cuesta diferenciarlas.
Existen muchos otros fenómenos y leyes que nos deben hacer reflexionar,
precisamente, sobre las paradojas de la percepción humana, que tantos artistas han
sabido utilizar a lo largo de la historia, desde los arquitectos y urbanistas hasta los
pintores y escultores de todos los tiempos, desde las correcciones ópticas del
Partenón o el uso de la perspectiva geométrica hasta los grabados de Escher, las
anamorfosis de Holbein o los recursos escultóricos de Miguel Ángel.

2. 2. La obra en su contexto histórico.
2.1. La función social del arte en las diferentes épocas: artistas,

mecenas y clientes.
Ni el concepto de Arte, ni las obras de arte ni los propios artistas han tenido la

misma consideración a lo largo de la Historia. Del mismo modo, la función del Arte en la
sociedad también ha ido cambiando
paulatinamente y viene estrechamente unida a
la estructura económica de la sociedad en la
que se inserta, como bien estudió el famoso
historiador alemán Arnold Hauser.
De hecho, el artista o persona que
ejecuta la obra de arte se consideró hasta
prácticamente el siglo XVI como un mero
artesano.
En la prehistoria no se puede hablar de
artistas diferenciados del grupo social, ya que
las expresiones artísticas suelen estar realizadas por cazadores o, quizás, por chamanes
que llevaban a cabo una especie de magia simpática.
Los primeros artistas o artesanos aparecen con el Neolítico, al darse alguna

especialización del trabajo y surgir los primeros núcleos urbanos. Aparecen así
talladores, albañiles, orfebres, tintoreros, etc., a sueldo de aquellas personas que les
pueden pagar, que generalmente suelen ser las clases que detentan el poder, es decir,
las oligarquías militares, religiosas y económicas,
que acabarán convergiendo en la realeza ya en época
histórica.
El arte del Mundo Antiguo es, pues, un arte de
exaltación del poder, con un claro componente
suntuario o propagandístico. Es el arte de las
pirámides, de los relieves asirios o de las fortalezas
hititas, pero también el de los templos griegos o los
grandes edificios romanos. También tenemos que situar
en este contexto la escultura, que si bien empieza
representando gobernantes y dioses cristalizará en la
época clásica grecorromana en un arte a la medida
del ser humano.

En Occidente, tras la caída del Imperio
Romano, las únicas instituciones capaces de
sufragar los enormes gastos que suponen las obras de
arte en una época de colapso económico son la Iglesia
y la monarquía. Por ello, la Edad Media es una época
en la que el arte es eminentemente religioso,
cristiano en el ámbito europeo y musulmán en el
asiático y norteafricano. El arte se pone al servicio de
la doctrina, y primará su carácter pedagógico, para
enseñar a los fieles las verdades de la fe. Por ello, el
arte deja de ser realista para pasar a ser
expresionista, ya que lo importante es el mensaje (no
la perfección realista de las formas) y la durabilidad.
Es la época en la que los artistas y artesanos se
agrupan en gremios que controlan hasta los más
ínfimos detalles de la producción, y en la que la
imaginación es superada por la autoridad de la tradición. El plagio o copia servil de
obras maestras no se considera negativo sino incluso encomiable.
Sin embargo, en la Baja Edad Media se vuelven a abrir las rutas comerciales y con
el comercio se empiezan a acumular en Europa grandes fortunas en manos de grandes
nobles o de familias acaudaladas de comerciantes de los burgos (de ahí burgueses).
Estos burgueses ricos tienen suficiente fortuna como para competir con la nobleza y la
Iglesia, y empiezan a contratar a
artistas para embellecer sus
haciendas. Surge así la pintura del
gótico internacional o los sepulcros
escultóricos como el Doncel de
Sigüenza, y florecerá en los Países
Bajos y la Italia del siglo XV el
Renacimiento, un arte a la medida
del Hombre. El artista empieza a ser reconocido
socialmente y a escalar en la jerarquía social apoyado
económicamente por quienes encargan sus obras: los
mecenas.
En el Renacimiento el artista cambia su estatus y deja
de ser un artesano para pasar a ser un creador que
investiga el arte de la Antigüedad para emularlo y
superarlo. Aparecen los primeros tratados y el arte se
refina, se intelectualiza, pero sigue siendo un arte al
servicio del poder económico, en esencia porque nadie
sino los poderosos pueden permitirse el lujo de pagar
exorbitantes sumas por las obras de arte. Esta tendencia
se consolidará durante el Barroco, asistiendo a un arte
netamente propagandístico de las grandes cortes
europeas (como Versalles) y de la Contrarreforma.

Con la Revolución Industrial y la
Revolución Francesa, con la llegada al
poder de las burguesías industriales, el
arte se democratiza y sigue unos
derroteros distintos a todo lo anterior.
Empiezan a aparecer los primeros
estilos artísticos, como el
Neoclasicismo, inspirados por la
ideología de la clase dominante, e incluso
empieza a eclosionar otro tipo de
movimientos que simpatizan con los
desfavorecidos o con los extraños, como
el Romanticismo y el Realismo. Ahora empieza a aparecer el artista puro, el artista que
hace las obras de arte que le apetece hacer. Pero también aparecen la Academias,
instituciones creadas para depurar el arte pero, también, para ponerlo al servicio del
Estado. Aparece en esta época el tópico del artista
apasionado y bohemio que hace del arte no sólo una
profesión sino una forma de vida, y aparecen las
primeras obras comprometidas o provocadoras, como
en el caso de Courbet, o simplemente se hará arte
puro, sin pretensiones sociales, como los
impresionistas.
Por fin, en el periodo anterior a las Guerras Mundiales,
se desarrollará un arte de vanguardia, de
experimentación, en el que será posible cualquier vía de
investigación y de expresión. Sin embargo, el arte y los
artistas seguirán
utilizando el arte
para fines de
propaganda en
apoyo de las más
variadas causas, como demuestra la aparición del
cartel político o los collages reivindicativos, por
ejemplo.
Y, por último, ya en los siglos XX y XXI
asistimos al imperio del consumismo, del mercado,
con un arte al servicio de la publicidad y la sociedad
de masas y de consumo. Pero, al mismo tiempo, el
arte se ha liberado de todos sus corsés y campa a
sus anchas en todos los aspectos de la vida, desde el
diseño hasta la arquitectura, pasando por las artes
aplicadas, el cómic o el cine, de manera que,
agotada la vía de la belleza o la emoción, se
experimenta con cualquier tipo de sensación,
incluido lo repulsivo, lo horroroso o, en palabras de
Eugenio Trias, lo siniestro.

2.2. La mujer en la creación artística.
Desde el inicio de la raza humana hasta

prácticamente el siglo XX la mitad de la población,
las mujeres, ha estado sometida a la otra mitad (los
hombres) en todos los aspectos: económico, de
relevancia social, cultural, etc. En todas las esferas de
la vida la mujer ha estado relegada al papel de
madre, esposa o ama de casa, o, como mucho, a
objeto de placer, contemplación, o deseo. En
aquellos casos en los que se la ha considerado como
sujeto pensante la mayoría de las veces ha estado
rodeada por la polémica, la marginación, el rechazo y
hasta la violencia.
La mujer como individuo en pie de igualdad
con el hombre es algo totalmente novedoso en
términos históricos. De hecho, la lucha por la igualdad
de derechos se inicia en el siglo XIX con las
sufragistas, que culminaron su reivindicación del derecho al voto femenino en
Occidente en época reciente (el primer país que reconoció el derecho al voto de la mujer
fue Nueva Zelanda en 1898; España reconocería el derecho al sufragio femenino durante
la IIª República; e, incluso, la democrática Francia sólo lo reconocerá desde 1945).
La Historia del Arte no constituye tampoco una excepción en este sentido. De
hecho, cualquier persona de nivel cultural medio es capaz de nombrar sin problemas una
docena de artistas hombres; sin embargo, resulta muy difícil que la mayoría de la
población conozca al menos una mujer artista.
El movimiento feminista surgido de la Revolución cultural de 1968 se preguntó por
este hecho y llegó a la conclusión de que la inexistencia de mujeres artistas con
notoriedad histórica no significaba que no las hubiera habido, sino que la sociedad se
había encargado de minimizar sus logros y restar valor a sus obras de la misma manera
que consideramos unas artes mayores (escultura, pintura,
arquitectura) y otras muchas como menores (cerámica,
orfebrería, etc.). Así, comenzaron a investigar y sacaron a la
luz la obra de muchas de estas artistas, una obra que fue,
en muchos casos, de calidad equiparable o superior a la de
sus contemporáneos varones y se realizó a contracorriente,
sorteando todas las trabas impuestas por el orden social
vigente en cada época, que las trataba como rarezas o
como desviaciones a corregir.
En efecto, el papel de la mujer en el arte ha sido casi
siempre pasivo: exceptuando los retratos de corte,
aparecía la mayoría de las veces formando parte de la propia
obra de arte, encarnando bien a diosas o bien a cualidades
o alegorías que tenían que ver con el supuesto carácter
femenino: sumisión, dulzura, intuición, espíritu maternal,
veleidosidad, blandura, etc.

Un caso particular es el desnudo
femenino, un tema omnipresente en la
Historia del Arte, tratado siempre desde
una óptica masculina y plasmando casi
siempre un ideal de belleza lánguido y
estereotipado hasta prácticamente la
obra de Courbet. En efecto, las mujeres
que aparecen en las obras de arte
anteriores al siglo XX suelen ser
imágenes ideales (santas, diosas,
ninfas, alegorías, etc.), casi nunca
personas con un valor por sí mismas. El
culmen de este desprecio por lo femenino
se alcanza en el Neoclasicismo, donde todas las cualidades consideradas como
positivas se asocian, indefectiblemente, al varón, mientras que lo negativo, lo débil, lo
indeseable, se personaliza en la mujer.
No será hasta la aparición del realismo
cuando empezamos a ver mujeres de carne y
hueso, muchas veces rudas campesinas o
matronas proletarias. El propio Courbet solía
decir: “si queréis que pinte diosas,
mostradmelas”. Una de sus obras más
polémicas e impactantes, “El origen del
mundo”, marcó un antes y un después en la
Historia del Arte y en el tema de la mujer.
A pesar de ello, la mujer siguió siendo
representada desde un punto de vista
masculino, bien como “el sexo débil”, la
“mujer florero”, bien, a veces, como prostituta
o encarnación del vicio o, al menos, la vida de la farándula.
Sin embargo, mujeres artistas las ha habido desde siempre. Casos paradigmáticos
son, por ejemplo, Luisa Roldán, “la Roldana”, famosa escultora del barroco que llegó a
ser nombrada escultora de cámara por Carlos II y
Felipe V, o la pintora Artemisia Gentileschi (1593
1652), que fue de las mejores entre los
caravaggistas.
Pese a la calidad de estas artistas, las
academias creadas desde el siglo XVIII pusieron
serias trabas al ingreso de las mujeres en igualdad
de condiciones, hecho que fue superado por
muchas de ellas, como las pintoras del siglo XVIII
Rosalba Carriera o Angelica Kauffmann.
No sería hasta finales del siglo XIX e inicios
del siglo XX, con la aparición del impresionismo y,
más tarde, con la eclosión de las vanguardias,
cuando aparecen las mujeres creadoras, las

artistas prestigiosas, si bien muchas veces fueron eclipsadas por sus compañeros
varones.
Mary Cassatt, Berthe Morisot o Marie Bracquemond
fueron grandes pintoras cercanas a los círculos
impresionistas, aunque, como se dijo, fueron
minusvaloradas respecto a sus camaradas hombres
(Camille Claudel, por ejemplo, excelente escultora, no se
pudo separar jamás de la sombra proyectada por su
maestro y amante, Auguste Rodin). Incluso en el seno
de un movimiento tan rompedor como el dadaísmo,
Hannah Höch, una de sus piezas fundamentales, apenas
es mencionada en los manuales al uso de Historia del
Arte, lo mismo que la española María Blanchard. Casos
equivalentes son los de Frida Kahlo, eclipsada por Diego
Rivera, o Sonia Terk (la primera mujer en exponer en el
Museo del Louvre en
¡¡1964!!), que tomaría el apellido de su famoso marido,
Robert Delaunay.
Será en las llamadas nuevas artes (el cine, la
fotografía, el cómic, etc.) donde la mujer será
apreciada como artista en una mayor medida.
Fotógrafas de enorme calidad y transcendencia como
Cindy Sherman, la combativa Claude Cahun o la
madre del documento social, Dorothea Lange, o
ilustradoras como Marjan Satrapi o Victoria Francés
se encuentran entre las mayores y más reconocidas
personalidades de su campo.
Afortunadamente, desde 1968, tras la convulsión
del movimiento
feminista y otros
movimientos
paralelos (como el
que agrupó a gays y lesbianas en defensa de sus
derechos), el mundo del arte, como cualquier otra
faceta humana, está dejando de ser campo exclusivo
de los hombres. Si bien durante unas décadas el
arte hecho por mujeres tendió, por las
circunstancias, a ser un arte combativo y
reivindicativo, a veces de manera muy violenta y
espectacular, como las performances de Gina
Pane, hoy en día no se puede hablar de un arte
específicamente hecho por y para mujeres. Artistas
como Bridget Riley son ya personalidades
consagradas, y el futuro cercano promete la eclosión
de nuevas generaciones donde el sexo biológico
del artista sea algo anecdótico.

Ejercicios de los Temas 1 y 2.
1. Elaboración de un eje cronológico
Elaboración de un eje cronológico en el que podamos ver gráficamente, de manera

aproximada, los cambios producidos en la apreciación de la función social del arte y l@s
artistas (epígrafe 2.1).
2. Trabajo cooperativo
a) Se organizarán grupos de cinco personas y se realizará una búsqueda de información
sobre una mujer artista de cualquier lugar o época. En caso de que haya problemas para
llevar a acabo las agrupaciones, éstas se harán por orden de lista alfabética entre quienes
no tengan grupo constituido.
b) Se presentará el trabajo en forma de presentación de diapositivas, y tendrá cuatro
apartados:
• Una pequeña biografía.
• Las obras más importantes y representativas.
• Una apreciación subjetiva de su importancia artística y repercusión social.
• Una lista de la bibliografía y los recursos utilizados.
c) Una vez concluido el plazo de entrega, se designará por sorteo una persona como
portavoz de cada grupo, y ésta explicará a la clase su trabajo.
d) La nota será doble: por una parte, se calificará con una misma nota a quienes
compongan cada grupo, y, además, quien ejerza de portavoz tendrá una nota por la
exposición oral.

3. Las peculiaridades del lenguaje plástico y visual.
3.1. Materiales, técnicas y elementos formales.
Como hemos venido insinuando, el Arte precisa no sólo de una contemplación y
una reflexión, sino que también es necesario conocer un código que nos permita, en
cierto modo, descifrar una obra de arte. Para ello es necesario, como condición sine
qua non, conocer las diversas técnicas y
materiales utilizados así como los Hasta el siglo XX se usó dentro del mundo del
elementos formales. Existen muchos arte una nomenclatura que dividía el arte en
tipos de artes, pero nos centraremos, de Artes Mayores (Arquitectura, Pintura y
momento, en las erróneamente llamadas Escultura) y Artes Menores (las artes
artes puras: la arquitectura, la pintura y aplicadas y el resto de expresiones artísticas en
general). Hoy en día esta división está obsoleta,
la escultura1.
porque se considera como arte tanto una
Repasaremos de manera breve catedral como un graffiti callejero o un
algunos conceptos que serán revisados, broche de joyería. Sin embargo, a efectos
profundizando en ellos, a lo largo de todo didácticos, aún se sigue utilizando en cierta
el curso. forma, pero no debemos olvidar que se trata de
una visión sesgada y obsoleta.
3.1.1. LA ARQUITECTURA.
TIPOLOGÍAS,
CARACTERÍSTICAS Y ELEMENTOS CONSTITUTIVOS.
La arquitectura es la construcción de edificios y monumentos no sólo desde el

punto de vista técnico sino como representación de los sentimientos y de la
mentalidad de las personas. Así pues, la arquitectura como arte es distinta a la
construcción como técnica.
LAS TIPOLOGÍAS
• Religiosa: son edificios dedicados al culto religioso (templos) o a todo lo
relacionado con él (por ejemplo, los monasterios, mausoleos, etc.).
• Militar: todo tipo de edificación destinada a la defensa (murallas, castillos,
fortalezas, etc.), al acuartelamiento (campamentos, cuarteles, etc.), etc.
• Civil: toda la que no es de los tipos anteriores, y puede ser:
◦ Conmemorativa: la que no es habitable, generalmente con función ornamental
(columnas, arcos de triunfo, etc.).
◦ Doméstica: la constituida por viviendas.
◦ Lúdica: edificios de uso recreativo (estadios, teatros, etc.).
◦ Institucional: ayuntamientos, basílicas, palacios, etc.
• Existen otros muchos tipos, y a veces un edificio o construcción puede pertenecer a
dos o más tipologías anteriores (por ejemplo, una ermita puede ser un edificio
conmemorativo y religioso a la vez).
LOS MATERIALES
• Arcilla: se utiliza mezclada con agua y/o materia orgánica y puede presentarse bajo
1 En la materia de “Técnicas de expresión gráfico-plástica se puede recabar información mucho más extensa y
completa sobre estos epígrafes.

la forma de teja, tapial (tierra pisada), ladrillo (cocido) o adobe (secado al sol y
mezclado con paja). Es un material pobre pero de rápida edificación, normalmente
utilizado con argamasa de cemento o yeso, y a veces va recubierto de un
revestimiento decorativo de diversos materiales, desde el estuco pintado al mármol.
• Piedra. Es el material más noble aunque también es el más costoso, tanto por el
precio de la materia prima como por el proceso constructivo. Se usan muchos tipos:
caliza, arenisca, mármol, granito, etc.
• Madera. Se usa habitualmente para los soportes y las cubiertas. Muchas de sus
formas arquitectónicas después se pasan a la piedra, tanto en lo constructivo como en
lo decorativo. Es un material relativamente barato y versátil, aunque perecedero y
necesitado de continuo mantenimiento.
• Hormigón. Es el material constructivo por excelencia, basado en el cemento. Es
extremadamente plástico, fuerte y duradero. El hormigón armado (con varillas de
hierro en su estructura) potencia su fortaleza.
• Otros materiales: plásticos como el PVC, vidrio y fibra de vidrio, aluminio, titanio,
planchas de metal, recubrimientos ornamentales (yeso, estuco, etc.), etc.
ELEMENTOS DE LA ARQUITECTURA
Podemos considerar como tales a la planta, a los elementos sustentantes (que
soportan el peso del edificio, como muros, columnas pilares, etc.), a los elementos
sustentados (las cubiertas y los vanos).
La Planta, Plano o Plan
Se define como el dibujo arquitectónico de una obra representada en sección
horizontal, normalmente a escala. Se contrapone al alzado, que es el conjunto de
elementos verticales de un edificio. Este alzado se representa siempre sin perspectiva.
El alzado frontal es la representación de una fachada.
Las plantas pueden obedecer a dos planes:
• Central: tienen un centro de simetría. Se suele cubrir con cúpulas. Pueden ser
circulares, poligonales, cuadrangulares, de cruz griega, etc.
• Axial: cuando es un eje el que determina la simetría. Las más importantes son:
◦ De salón. Rectangulares y con naves laterales a la misma altura que la principal.
Se da en los templos clásicos, góticos y en la actualidad.

◦ Basilical. Tiene forma rectangular con un ábside semicircular o recto. Número
impar de naves, la central más ancha y alta que las laterales. En el mundo
cristiano se transformará mediante un brazo transversal (transepto o crucero)
cerca de la cabecera. En el ábside se coloca el altar.
◦ De cruz latina: aparece por
evolución de la basilical al
añadirle un brazo transversal.
Consta de una nave
longitudinal subdividida en
otras tres (la central más alta y
ancha que las laterales), el
crucero y el ábside. A medida
que avanza el arte medieval
aparecen las girolas, zona de
comunicación entre las naves
laterales por detrás del crucero
y del altar mayor.
Los Elementos Sustentantes
Dentro de ellos podemos estudiar: los muros, los elementos que transmiten el
peso a la tierra (columnas, pilares, pilastras, pies derechos y contrafuertes) y los
elementos que transmiten el peso a los muros (ménsulas, modillones y canes).
• Muros: Forman paños de paramento. Pueden estar formados por hormigón,
tapial, ladrillo, o piedra. Éstos últimos se llaman ciclópeos cuando están formados por
grandes piedras sin labrar y unidas con escasa argamasa o sin ella ( a hueso). Se
suele encontrar en la parte baja de los muros. Cuando está construido a base de
sillares, se denomina sillería, y mampostería cuando están compuestos por piedras
pequeñas sin labrar unidas por argamasa.
El aparejo (los bloques de piedra o los
ladrillos usados para construir el muro) se
trabaja de diferentes modos. A veces alterna
unos sillares trabajados a soga (horizontales)
con otros a tizón (perpendiculares). Cuando
los sillares están dispuestos en hiladas
iguales al aparejo se le llama isódomo o
regular. Cuando se rehunden las líneas de
unión de los sillares y el frente queda en relieve, tenemos el almohadillado.
Si el muro es de materiales pobres se cubre con una capa de enfoscado y otra
más fina, enlucido. Se los suele cubrir también con cerámicas o yeserías.
En los muros hay que distinguir los macizos o partes sólidas y los vanos que son
los huecos (ventanas o puertas).
• Columnas: Son elementos verticales exentos de sección circular, y no suelen ser
monolíticas, sino formadas por tambores. Tienen tres partes:
◦ Basa: formada por molduras llamadas toros (convexas) y escocias (cóncavas).
◦ Fuste: generalmente cilíndrico, a veces presenta un ligero ensanchamiento en

la parte central llamada éntasis.
◦ Capitel: es la parte más decorada. Sustenta el arquitrabe o el arco. Posee:
▪Collarino o astrágalo: cordón que rodea al fuste y sirve de base al capitel.
▪Equino: es la parte más decorada, y posee variadas formas.
▪Ábaco: especie de tablilla que remata el capitel y sobre la que descansa
directamente el arquitrabe o el arco.
Dórico Jónico Corintio

• Pilares: Soportes de sección cuadrangular, poligonal o
cruciforme. Se puede presentar sólo o rodeado de pequeñas
columnas recibiendo entonces el nombre de fasciculado.
• Pies derechos: Son elementos de madera, generalmente
cuadrangulares, que sujetan los entablamentos. A veces se
apoyan en un plinto (basa de sección trapezoidal y planta
cuadrada), que suele ser de piedra en los pisos bajos y en
los superiores de madera. En la parte superior del pie
derecho se encuentra una especie de capitel horizontal
(zapata) para que la viga se apoye mejor. Las vigas
maestras son las que descansan directamente en las
zapatas.
• Pilastras: Son pilares adosados a una pared.
• Contrafuertes: Son elementos que refuerzan al muro y le
sirven de apoyo en los lugares donde va a recibir más peso.
Normalmente los muros se refuerzan desde fuera, y cuando
se refuerzan desde el interior, los contrafuertes se convierten
en pilastras. Unidos al muro de llaman estribos, mientras
que en el gótico, el contrafuerte está separado del muro y
recibe el peso por medio de un arbotante.
• Elementos que transmiten el peso
a los muros: Son soportes que
sobresalen del muro pero sin
descansar en el suelo y que sirven
para apoyar en ellos, a modo de
repisas, los salientes de los tejados,
cornisas, balcones, esculturas, etc.
Según su tipo de decoración y su
tamaño son ménsulas, modillones o
canes (canecillos).

Los Elementos Sustentados: los vanos y cubiertas
Los vanos
Los vanos son las puertas, ventanas y, en general, los huecos de un edificio.
Pueden ser:
a) Adintelados. Constan de las siguientes partes:
• Dintel: pieza horizontal, generalmente monolítica que cubre el vano.
• Jambas: partes verticales que enmarcan el vano.
• Antepecho: cerramiento de una ventana para apoyarse en él.
• Umbral: en el caso de una puerta, es la parte inferior que se opone al dintel.
La anchura del vano recibe el nombre de luz, y la altura desde la línea de impostas, de
flecha.
B) Abovedados
Formados por arcos, que son elementos sustentantes que descargan los empujes
lateralmente y que están destinados a franquear espacios más o menos grandes por
medio de un trayecto generalmente curvo.
Los elementos del arco son:
• Dovelas o riñones: piedras en forma de cuña en las que se puede despiezar un
arco. La dovela central se llama clave y suele estar decorada. Los salmeres u
hombros son las dovelas qué descansan sobre las impostas que son la parte superior
de las jambas.
• Intradós: es la parte interior del arco.
• Extradós: parte superior del arco.

• Rosca: parte frontal del arco. También se llaman arquivoltas.
• Tímpano: espacio macizo que en algunos arcos está comprendido entre el arco y el
diámetro del mismo. Suelen ir
decorados. Son más propios de
puertas que de ventanas.
• Parteluz o mainel: es una
columna que divide en dos una
puerta o ventana.
• Alfiz: propio de los arcos de
herradura musulmanes, consiste en
una moldura rectangular tangente a
los lados del arco. Las partes del
muro que quedan entre el arco y el
alfiz que lo enmarca son las enjutas.
Las clases más importantes de arcos son:
°De un solo centro
–Medio punto: semicircular, su centro se encuentra en la línea de impostas.
–Peraltado: es el de medio punto cuyo centro se encuentra más alto de la línea de
impostas. Está sobrealzado por medio de dos líneas rectas.
– Rebajado:cuando el centro se encuentra más bajo
de la línea de impostas. Cuando el centro se
encuentra por debajo de la línea de impostas en
una medida igual al radio o más, se le llama
escarzano.
–Herradura: es un arco ultrasemicircular, es decir, peraltado, pero que prolonga sus
lados en línea curva y no en línea recta.
°De dos centros
–Apuntado: está formado por dos curvas que se cortan con un ángulo también curvo.
Sus centros están en la línea de impostas. Normalmente, los más estrechos son los
más antiguos.
–Túmido: es un arco de herradura apuntado.
–En cortina: cuando los centros están sobre la línea de impostas y se forma con
elementos convexos.
°De tres centros
–Carpanel: tiene tres curvas. Dos centros
están próximos a las jambas y determinan
las líneas o ramas laterales pequeñas y el
tercero está mucho más bajo que la línea
de impostas y determina el arco central.
°De cuatro centros
–Conopial (Tudor): típico del Gótico
flamígero, se caracteriza por tener cuatro
segmentos de arco, dos cóncavos y dos
convexos, simétricos entre sí.

°De varios centros
–Mixtilíneos: constan de partes rectas y curvas.
–Lobulados: propios del arte musulmán; también se
dan en el Gótico. Pueden ser:
-Trilobulados: tienen tres lóbulos.
-Polilobulados: tienen muchos lóbulos. Típicos del
arte de las taifas musulmanas, suelen presentarse
también entrelazados o encabalgados.
-Rampante o tranquil: es aquel que tiene una altura
distinta en cada extremo.
-Angrelados: pequeños lóbulos a modo de
decoración en la rosca del arco.
Abocinados: son aquellos cuya luz va
disminuyendo progresivamente desde el exterior al
fondo del mismo. Las arquivoltas son cada uno de
los arcos de un conjunto abocinado. Cada arquivolta
se apoya en un elemento sustentante propio que
puede ser columnas, pilastras, etc. La última
arquivolta va apoyada en una ménsula.
C) Óculos o Rosetones
Son vanos circulares generalmente muy decorados. Pueden ser abocinados si el
muro es muy grueso y decorados con elementos semejantes a las arquivoltas. A veces
presenta tracerías, elementos simétricos de decoración, etc. Aparecen a fines del
Románico y se van complicando a lo largo del Gótico.
Las cubiertas
Son los elementos sustentados que cubren espacios horizontalmente.
Esencialmente hay de dos tipos: abovedadas y adinteladas.
A) Adinteladas
Cuando los elementos sustentados
ejercen presiones verticales solamente,
tenemos una cubierta adintelada,
sustentada por el entablamento,
horizontal y formado por:
°Arquitrabe: parte horizontal que
descansa sobre el ábaco del
capitel.
°Friso: franja colocada sobre el
arquitrabe.
°Cornisa: moldura ligeramente
saliente, sostenida a veces por
ménsulas, que protege de la
lluvia al edificio. Sirve de
elemento sustentante para el
tejado y la cubierta.

B) Abovedadas
Se basan en el empleo de arcos y cubiertas curvas. Las presiones que se
ejercen son laterales (oblicuas). Son de variadas
tipologías:
• De cañón: formada por la proyección de un arco de
medio punto. De sección semicircular, su peso
recae sobre los muros laterales, por lo que éstos
deben ser muy espesos. Típicas del románico.
• Apuntada: se forma por la sucesión de arcos apuntados y aparece a finales del
siglo XII. Sus características son idénticas a la anterior.
• De nervios o de crucería: quienes reciben las tensiones no son las superficies de la
bóveda, sino los nervios que se cruzan en el centro de la bóveda, donde a veces se
coloca, como decoración, una clave pinjante u otro ornamento. decoración unos
medallones o claves. Los nervios transmiten el peso a las columnas o pilares y
liberan al muro de su función sustentante. Las partes de las bóvedas que quedan
entre los nervios se llaman plementos y al conjunto de éstos plementería, que suele
estar hecha de materiales ligeros. A medida que la bóveda nervada se complica lo
hacen también los pilares en que se apoya y se van convirtiendo en pilares
fasciculados de sección cruciforme. Hay varios tipos de bóveda de crucería:
◦ Nervada o de crucería simple. Es la más sencilla.
◦ Nervada sexpartita: la plementería se compone de
seis fragmentos al haber un tercer nervio horizontal.
Suele aparecer a fines del siglo XIII.
◦ Nervada con terceletes: a la bóveda simple se le
añaden los terceletes que son unos nervios formados
por la bisectriz del ángulo constituido por los arcos
formeros o los arcos fajones y los nervios. En el punto
de unión de cada par de terceletes se sitúa otra clave
y de ésta arranca otro nervio o ligadura que se une
con la clave central formándose así una cruz de
terceletes y combados.
◦ En abanico: propia de Inglaterra, tardía, donde los
nervios se despliegan desde el dentro del pilar como
las agujas de un paraguas y forma cubiertas muy decorativas.
• De arista: es la surgida del cruce perpendicular
de dos bóvedas de cañón o apuntadas. Las
líneas de corte se llaman aristas.
• De cuarto de esfera: generalmente se
encuentra precedida por una bóveda de cañón.
Suele estar en los ábsides románicos.
• Vaída (Baída): cúpula que ha sido cortada por
cuatro planos verticales paralelos ortogonales
entre sí.

• Cúpula. Es un tipo de abovedamiento
semiesférico elevado sobre planta circular o
poligonal, a menudo sobre una estructura
elevada (tambor). El paso de la planta
cuadrada o poligonal a la circular,se resuelve de
dos formas:
– Pechinas: triángulos esféricos que
arrancan de los vértices del cuadrado.
–Trompas: son bóvedas de superficie curva
que parten de los vértices del cuadrado del
polígono de base y se despliegan en
saledizo. Intuitivamente se pueden asimilar a
una pechina que se hubiese “vaciado”).
–La linterna: es una especie de templete
construido a base de un tambor con amplios
vanos que corona la cúpula para dejar entrar la luz.
–El cimborrio es una construcción elevada sobre el crucero que habitualmente
tiene forma de torre cuadrada u octogonal. Se cubre mediante una cúpula
rematada por un chapitel (que es una cubierta a cuatro aguas, generalmente de
teja o de pizarra). Lateralmente presenta una serie de ventanas.
3.1.2. LA PINTURA. TIPOLOGÍAS, CARACTERÍSTICAS Y ELEMENTOS.
La pintura es la representación de figuras en una superficie plana y utilizando
el color. Aunque los soportes pueden presentar cualquier forma y superficie, suele
representarse casi siempre plana, dos dimensiones. Podemos considerar como
elementos al dibujo, la luz y el color.
El dibujo
Pueden considerarse como elementos del dibujo:
La perspectiva
Es el modo de representar la tercera dimensión. Las más importantes son:
– Lineal o geométrica: tiene en cuenta la
forma y dimensiones de los cuerpos según
su posición respecto al espectador. Las
líneas convergen hacia un punto del fondo
(el punto de fuga), y los cuerpos se
empequeñecen según se alejan del plano
del espectador.
– Aérea: la profundidad se logra
difuminando los objetos cuanto más lejos
se encuentren del espectador, así como dotar a los objetos más lejanos de gamas frías de
color.
– Jerárquica: representa a las figuras con un tamaño proporcional a su importancia.
– Conceptual o vertical: las figuras se disponen en planos superpuestos.

La composición
Es la disposición de las figuras y objetos, de manera que el cuadro quede
equilibrado de manera armónica. Las variedades
toman el nombre de las líneas que de manera
dominante enlazan las figuras unas con otras:
–Diagonal: las líneas compositivas son oblicuas.
Sugiere dinamismo y movimiento.
–Piramidal. Las figuras más importantes se
enmarcan en un triángulo. Sugiere estabilidad,
equilibrio y movimiento ascensional. En el caso
contrario (con un triángulo invertido) sugiere
desequilibrio y movimiento.
–Espiral o serpentiforme: las figuras se sitúan en
un patrón espiral.
–Centrípeta (cerrada): los elementos se sitúan
alrededor de un eje.
–Centrífuga (abierta): el caso opuesto al anterior.
La luz
La luz es un elemento importantísimo en la
pintura, ya que gracias a ella podemos dotar a los
cuerpos de efectos que los dotan de volumen. El
efecto fundamental es el claroscuro, que consiste
en realizar una gradación de colores de manera
que representaremos con las gamas más claras
aquellas partes de las figuras que están más cerca
del foco de luz. Un ejemplo extremo es el
tenebrismo, recurso que se basa en iluminar el
cuadro con focos de luz fuerte con rayos estrechos
e intensos.
El color
El color es fundamental en la pintura. Aunque a
veces encontramos obras en blanco y negro, como
las grisallas (técnicas para sugerir volúmenes
escultóricos), generalmente es el elemento predominante. Si lo estudiamos según su
grado de pureza, podemos clasificarlos en:
–Fundamentales, primarios o básicos: son el rojo, amarillo y azul.
–Binarios o secundarios: son los que resultan por

mezclas simples de dos de los
primarios. Son el verde (azul+amarillo), el naranja (amarillo+rojo) y el violeta (azul+rojo).
–Complementarios: son las parejas de colores secundarios y primarios de manera que
en la composición de los secundarios no entra el primario complementario. Así, los
colores complementarios son amarillo y violeta, el verde y el rojo y el naranja con el azul.

Los colores complementarios
tienen la propiedad de que se
potencian entre sí y de que las
sombras asociadas a cada uno de
los colores se forman
preferentemente también con su
complementario.
También podemos agruparlos
según la gama, según la luz que
absorban.
–Gama cálida: son aquellos colores
que despiden luz: rojos, naranjas,
amarillos y marrones (ocres).
–Gama fría: son los colores que se
supone que absorben luz: azules, verdes y violetas.
Los soportes empleados en la pintura son muy diversos, desde las paredes
usadas por las personas del paleolítico hasta el papel, la tabla, la seda, el lienzo, etc.
Según el soporte se aplican los colores con diferentes técnicas, que toman su
denominación, generalmente, del aglutinante o el disolvente de la pintura aplicada. Así,
tenemos:
–Temple: el color se aplica disuelto en una emulsión de agua y cola, clara de huevo o
goma vegetal. La superficie se trata con un enlucido de yeso y la pintura forma una
costra superficial.
–Óleo: el aglutinante es un aceite
(óleo) de secado rápido, como el de
linaza u otras semillas. Permite las
correcciones y superposiciones
aplicadas en veladuras o en empastes
espesos. El color es brillante y penetra
en la superficie del cuadro,
generalmente lienzo.
–Acuarela: el aglutinante es el agua, a
la que se añade a veces una goma
para ligarlo. El soporte suele ser el
papel.
–Aguada,
témpera o gouache: los
colores son más espesos y vivos que la acuarela y se diluyen en agua o cola mezclada
con yema de huevo o miel.
–Pastel: el color se aplica con lápices en los que se aglutina con, yeso, goma arábiga, etc.
Se aplica sobre superficies rugosa. Los colores son vivos, pero se deterioran con
facilidad.
–Frescos: los colores se aplican disueltos en agua de cal sobre un enlucido de argamasa
fresca, de manera que éstos penetran en el paramento y son muy duraderos.

El grabado
Aunque el grabado no puede considerarse en puridad dentro de la pintura, se le
suele englobar dentro de ésta. El grabado es la técnica que permite la reproducción
seriada de una imagen generalmente sobre papel (a veces también se hace sobre tela,
metal, etc.). Puede ser:
• Xilografía: la superficie impresora se encuentra en relieve y suele estar realizada
en madera.
• Huecograbado: la superficie impresora presenta surcos o mordeduras realizadas
mediante buril, agua fuerte, etc., que se rellenan de tinta y pasan al papel
mediante presión. Cuando la superficie es de cobre el grabado se denomina
calcográfico.
• Litografía: la impresión se realiza usando como soporte una superficie lisa, de
piedra, aprovechando las propiedades de inmiscibilidad entre las tintas con base
de agua y las de base grasa.
• La serigrafía es la reproducción de una imagen a través de una plantilla, que en un
principio solía ser de seda y que actualmente se realiza con tejido sintético y
métodos fotomecánicos.
3.1.3. LA ESCULTURA. CARACTERÍSTICAS Y ELEMENTOS.
La escultura es la representación de las figuras en tres dimensiones. En su

estudio debemos tener en cuenta tanto los materiales utilizados como los recursos
técnicos.
Los materiales
El material condiciona la técnica utilizada y, a su vez, los efectos pretendidos. Se
puede usar prácticamente cualquier material, aunque tradicionalmente los más usados
son la piedra (en particular el mármol), el metal (con el bronce como material más
prestigioso), la madera (el más tradicional), el barro cocido, etc. Cuando se trabaja el oro
o la plata hablamos de orfebrería.

La técnica
Obedece tanto al material como a los efectos perseguidos. Las dos tipologías
esenciales son el relieve y el bulto redondo (esculturas exentas), cada una de ellas con
sus propios recursos.
En cuanto al relieve, podemos clasificarlo en variedades según sobresalgan las
figuras del soporte, de modo que serán bajorrelieves, mediorrelieves o altorrelieves
según sobresalgan menos, igual o más (respectivamente, de la mitad de su volumen.
También podemos hablar de
relieve rehundido cuando las
figuras talladas se encuentran
debajo del nivel del plano. Es
muy importante en esta
modalidad el estudio de las
partes del cuerpo en
perspectiva (los escorzos).
Las técnicas de trabajo son
también variadas, desde la
talla (arrancando trozos al
material), el modelado
(formando las figuras por
presión), el moldeado
(mediante moldes), el vaciado (crear un molde de un original para fundirlo en otro
material), el ensamblaje (unir piezas diversas), etc. Es importante también conocer
algunas técnicas de acabado de las superficies, como el cincelado, el bruñido, el
pulido, la policromía o el estofado (simular tejidos mediante impresión o pegado de
telas).
También podemos hacer una clasificación de las esculturas exentas (de bulto
redondo) cuando representan seres humanos, según la posición que estos presentan.
Así, tendríamos esculturas de pie, yacentes (tumbadas bocaarriba), orantes (rezando,
generalmente de rodillas), sedentes (sentadas), ecuestres (a caballo; si el caballo está
apoyado sólo en sus patas traseras, se dice que está en corveta),
en busto (desde la cabeza hasta la mitad del tórax), en torso
(como el busto pero sin cabeza ni brazos), etc.
Otro aspecto fundamental es el canon, entendido éste como
una regla de las proporciones humanas conforme a un tipo
considerado ideal. Se aplica tanto a la pintura como a la escultura,
y varía según la época o artista. Por ejemplo, el canon de Policleto
estipulaba que el cuerpo de un varón debía medir siete veces la
medida de su cabeza, mientras que el canon de Lisipo era siete
veces y media.
El canon se suele aplicar a figuras antropomorfas (que

representan a personas), pero también existen cánones para
figuras zoomorfas (que representan animales), especialmente
caballos.

3.2. Importancia del lenguaje iconográfico.
Estuvimos viendo en temas anteriores cómo una obra de arte no puede ser
comprendida y disfrutada atendiendo sólo a elementos como la técnica, el acabado
perfecto o la composición, sino que debemos estudiarla, analizarla, realizar un ejercicio
de reflexión e interpretación, para lo que es necesario conocer su significado, tanto el
evidente (el referido al tema) como todo lo que gira alrededor de la simbología y el
contexto en que se enmarca la obra de arte.
Ya comprobamos en el tema 2 cómo la
obra de arte cambia de significado según el
contexto político, económico y social de la
época en que se enmarca. Comprobamos
cómo un mismo tema puede significar cosas
muy distintas, e incluso opuestas, según la
época, y que de un estudio en profundidad
podemos incluso desvelar la ideología
general tanto del artista como de la persona
que encarga la obra y de la época en que se
sitúa. Por ejemplo, vimos cómo la figura
femenina se ha tratado de formas muy
diferentes a lo largo de la Historia del Arte, y
descubrimos cómo, detrás de una apariencia
inocente, subyacen los prejuicios,
condicionamientos sociales y presiones
selectivas que recibe el artista o la artista de
su entorno y que debemos sacar a la luz
mediante un análisis.
Uno de los principales elementos a los que
debemos atender para realizar tal análisis
artístico, es desgranar su iconografía. La
iconografía puede definirse como la ciencia
que estudia el conjunto de signos, símbolos,
atributos, etc., que nos permiten identificar el
contenido de una obra de arte, y, además, el sentido que las formas, imágenes,
relaciones, etc., poseen en lo concerniente a lo alegórico y lo simbólico.
En el tema 1 descubrimos que el arte es
un lenguaje, una forma de comunicación, cuyo Una alegoría es la representación
código era, precisamente, la iconografía. simbólica de ideas abstractas
Algunos de los más prestigiosos historiadores personas o lugares por medio de un
del arte, como E. Gombrich o E. Panofsky, han conjunto de figuras, objetos o
incidido en que lo más importante en la obra de atributos (símbolos) que representan
arte es precisamente, el estudio de su una idea, lugar, hecho o cosa.
significado, que no sería otra cosa distinta que
el estudio de su iconografía. Este estudio de una obra de arte se llevaría a cabo en
tres fases o niveles:

1. Nivel preiconográfico: identificación de lo representado.
2. Nivel iconográfico: identificación del tema y los valores simbólicos, alegóricos, etc.
3. Nivel iconológico: identificación del significado, de las ideas, conceptos o valores
que nos quieren transmitir.
Ejemplo de las fases de un estudio iconográfico:

Parte superior de la Estela del Código de Hammurabi (hacia 1750 a.n.e.)
1. Nivel preiconográfico:
observamos, en un bajorrelieve de una
estela (piedra plana y alargada
dispuesta en forma vertical) de
basalto, coronando un texto jurídico
grabado en caracteres cuneiformes,
cómo un personaje sedente, con los
pies sobre un escabel y con una
especie de rayos que salen de su
espalda, entrega un bastón y un aro a
otro personaje dispuesto ante él.
Ambos visten ropas de época
paleobabilónica.
2. Nivel iconográfico: el personaje
sedente es sin duda un dios (en este
caso, Marduk), porque los rayos que
irradia son símbolo inequívoco de
poder sobrenatural. Además, sus pies
descansan sobre el escabel para no
tocar el suelo (símbolo de realeza,
para no ensuciarse), y está en un trono, lo que simboliza el poder sobre la figura
de la izquierda, que representa a Hammurabi, el rey de Babilonia en esa época.
El bastón de mando y el aro son símbolos del poder (un cetro) y de la realeza (el
aro, una corona), que son entregados a Hammurabi por el propio Marduk.
3. Nivel iconológico: el mensaje que se quiere transmitir está muy claro en este
caso. Ya que Hammurabi es rey y tiene el poder por deseo expreso de Marduk, la
voluntad del rey (la Ley expresada en el Código grabado en la estela) no sólo debe
respetarse por ser una ley del Estado, sino que también es sagrada, y, por tanto,
quien no la cumpla incurrirá, además de en un delito, en un sacrilegio, y se
granjeará la ira divina. Además, el poder del rey no está basado sólo en el
consenso o en la fuerza militar, sino que es sagrado, es por voluntad divina, y, por
lo tanto, la legitimidad reside en Marduk, por lo que el rey mismo no puede ser
destronado contra la voluntad de un dios. Por tanto, la imagen no es sólo una
advertencia, sino que supone además la justificación de un statu quo político.

4. Aplicación de un método de análisis e interpretación de obras de arte
significativas en relación con los estilos y con artistas relevantes.
El análisis de la obra de arte se ha venido haciendo tradicionalmente en forma de
comentario artístico, y, de manera análoga a los comentarios de texto, debemos
utilizar varios enfoques y varios niveles de análisis y concreción para llevarlo a cabo.
El comentario artístico puede llevarse a cabo con diversos enfoques que
abarquen desde un análisis estilístico o histórico al descriptivo (materia, tipología,
estructura, composición, etc.), las implicaciones sociales de la obra de arte (función),
etc. Usaremos un enfoque ecléctico, que aúne los siguientes puntos de vista:
• Formalista (identificación de estilos, materiales, elementos clave, composición,
etc.).
• Iconográfico (simbología).
• Biográfico (abundando en la obra de cada artista).
• Sociológico (adscripción a un contexto temporal socioeconómico y su finalidad o
uso político o sociológico).
• Hermenéutico (relecturas actuales).
• Estructuralista (leer la obra de arte de manera análoga a un texto, una estructura
semántica más allá de la apariencia externa).
• Además, aunque no aplicaremos de forma general el enfoque impresionista (la
écfrasis o libre evocación), tampoco se dejarán de indicar las emociones que
producen las obras de arte cuando éstas sean significativas.
Intentaremos confeccionar el comentario artístico de manera que seamos
conscientes del enfoque aplicado en cada caso, incluso, a veces, indicando el enfoque
que le queremos dar.
El modelo de comentario que usaremos a lo largo del curso se ajustará, grosso
modo, a las siguientes características:
 Análisis formal: descripción material de la obra (autor, título, fecha, dimensiones
y formato, material, soporte y técnica de ejecución, lugar de procedencia y/o de
emplazamiento, etc.)
 Análisis conceptual o iconográfico: análisis del significado (tema,
individualización del contenido, descripción de los personajes actitud, papel en la
escena, disposición en el espacio, simbología, finalidad, etc.)
 Análisis técnico: análisis del lenguaje visual (línea, superficie, plasticidad, color,
luz, volumen, composición, etc.).
 Análisis estilístico: valoración estética (lo que la obra nos sugiere, estilo en el
que se enmarca y sus implicaciones pasadas influencias y precedentes en los que
se inspira o nos recuerda la obra y futuras proyección en el futuro e influencia en
obras posteriores).
 Análisis historiográfico: estudio del autor y de su contexto históricocultural.

Sin embargo, un comentario artístico es siempre un ejercicio personal y
subjetivo, en el que cada persona puede aplicar un modelo distinto. En cada caso
particular, incidiremos más en unos aspectos que en otros, por lo que el modelo expuesto
debe ser una guía, no un conjunto de compartimentos estancos que tengamos que llenar
obligatoriamente.
Ejercicios de los temas 3 y 4.
1. Elaboración de un esquema
Elabora un esquema del Tema 3. Recuerda que un esquema no es un resumen,
y que debería ser suficiente una cara de un folio.
2. Trabajo de análisis iconográfico
Realiza, en el espacio máximo de una cara de un folio, de manera individual o
en grupo de dos o tres personas, un análisis iconográfico de la portada de un disco
de un grupo musical, de libre elección, según el modelo de página 27. En el caso de hacer
el trabajo en grupo, una de las personas integrantes hará el papel de portavoz y explicará
oralmente las conclusiones, derivándose una nota personal de ello.
3. Trabajo de interpretación
Realiza, en el espacio máximo de una cara de un folio, de manera individual, tres
breves comentarios artísticos sobre una misma obra de arte de libre elección, cada
uno usando uno de los enfoques mencionados en el Tema 4.

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Historia del Arte. Bloque 1 2

Historia del Arte. Bloque 1 3

Para poder corroborar

Historia del Arte. Bloque 1 4

Historia del Arte. Bloque 1 5

2.1. La función social del arte en las diferentes épocas: artistas,

Ni el concepto de Arte, ni las obras de arte ni los propios artistas han tenido la

Los primeros artistas o artesanos aparecen con el Neolítico, al darse alguna

Historia del Arte. Bloque 1 6

Historia del Arte. Bloque 1 7

Historia del Arte. Bloque 1 8

Desde el inicio de la raza humana hasta

Historia del Arte. Bloque 1 9

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La arquitectura es la construcción de edificios y monumentos no sólo desde el

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Dórico Jónico Corintio

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–Binarios o secundarios: son los que resultan por

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Historia del Arte. Bloque 1 27

Historia del Arte. Bloque 1 28

Historia del Arte. Bloque 1 29

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