EL CINE SONORO (IMAGEN SONORA + I.

VISUAL)
1. Historia del Registro Sonoro.

El cine sonoro es aquel que incorpora en las películas sonido sincronizado o

tecnológicamente aparejado con la imagen. Por su parte el cine mudo es
aquel que no posee sonido, consistiendo únicamente en imágenes. Antes de
la existencia del cine sonoro los cineastas y proyectistas se habían
preocupado de crearlo, pues el cine nace con esa voluntad. Raras veces se
exhibía la película en silencio. Por ejemplo, los hermanos Lumière, en 1897,
contrataron un cuarteto de saxofones para que acompañase a la proyección
de la película en su local de París. Hacia el año 1926, el cine mudo había
alcanzado un gran nivel de desarrollo en cuanto a estética de la imagen y
movimiento de la cámara. Había una gran producción cinematográfica en
Hollywood y el público se contentaba con las películas producidas. No se
exigía que los personajes comenzaran a hablar, ya que la música aportaba el
dramatismo necesario a las escenas que se proyectaban en pantalla.
Los primeros experimentos con el sonido en el cine llegaron de la mano del
físico francés Démeny, quien en 1893 inventó la fotografía parlante. Charles
Pathé, combinó fonógrafo y cinematógrafo. En la mísma época, León
Gaumont desarrolló un sistema de sonorización de películas, que presentó en
la Exposición Universal de París de 1900.
Basicamente los sistemas utilizados fueron Sound on Disc y Sound on film
En 1918, se patentó el sistema sonoro TriErgon, que permitía la grabación
directa en el celuloide. Pero el invento definitivo surgió en 1923, el Phonofilm,
creado por el ingeniero Lee de Forest, quien resolvió los problemas de
sincronización y amplificación de sonido, ya que lo grababa encima de la
misma película; así, rodó 18 cortos para promocionar la técnica, entre ellos
uno de 11 minutos de Concha Piquer, que se considera la primera película
sonora en español. No obstante, por falta de financiación el invento se
postergó hasta 1925, año en que la compañía Western Electric apostó por él.
En 1927, los estudios Warner Bros se encontraban en una situación
financiera delicada y apostaron por integrar el nuevo sistema de sonido
Vitaphone, sistema en el cual la banda sonora estaba presente en discos
sincronizados con la proyección. Se incorporó por primera vez en una
producción comercial titulada Don Juan (1926) de Alan Crosland, así como
en otra de sus películas, Old San Francisco (1927). En ésta incorporó por
primera vez ruidos y efectos sonoros. Sin embargo la película sonora más
exitosa fue El cantante de jazz (1927) en la que Al Jolson se inmortalizó
pronunciando las palabras inaugurales: «ustedes aún no han escuchado
nada». En este film solo las canciones y algunos textos fueron sincrónicos el
resto del film no lo era. Ante el éxito, pronto todos los grandes estudios
montaron sus propias películas sonoras, y el cine mudo quedó olvidado.
Sin embargo, tres importantes problemas persitían llevando a las imágenes
en movimiento y al sonido grabado a tomar caminos separados durante una
generación:

1. Sincronización – La imágenes y el sonido se grababan y reproducían

por aparatos separados, que eran difíciles de comenzar y mantener
en sincronización.4 Aunque los proyectores de imágenes en
movimiento pronto permitieron que el cine se mostrara a audiencias
más grandes de teatro, la tecnología de audio, antes del desarrollo de
la amplificación eléctrica, no podía sobresalir para llenar
satisfactoriamente grandes espacios.Ningún sistema de entrelazado
era completamente fiable, y el sonido podía desincronizarse debido a
saltos en el disco o cambios de minutos en la velocidad de la película,
requiriendo la supervisión constante y el ajuste manual frecuente

2. Fidelidad de la grabación – Los sistemas primitivos de la era producían

sonido de muy baja calidad, a no ser que los intérpretes estuvieran
colocados directamente en frente de los voluminosos aparatos de
grabación (altavoces de trompeta, por lo general), imponiendo serios
límites en el tipo de películas que podían crearse con sonido grabado
en directo
 .
Las innovaciones continuaron en otros frentes. En 1907, al francés Eugene
Lauste —que había trabajado en el laboratorio de Edison entre 1886 y 1892
— se le otorgó la primera patente de tecnología de sonido óptico,
involucrando la transformación del sonido en ondas de luz que eran grabadas
fotográficamente de forma directa en celuloide. Como describía el historiador
Scott Eyman
Era un sistema doble, esto es, el sonido estaba en una parte diferente del
celuloide que la imagen.... En esencia, el sonido se capturaba con
un micrófono y se traducía en ondas de luz a través de una válvula de luz,
una delgada cinta de metal sensible sobre una diminuta hendidura. El sonido
que llegaba a esta cinta se convertiría en luz por el escalofrió del diafragma,
enfocando las ondas de luz resultantes a través de la hendidura, donde sería
fotografiado en una parte del celuloide, en una cinta de una décima parte de
pulgada de ancho.7

Sound-on-film finalmente saldría victorioso sobre sound-on-disc por un

número de ventajas técnicas fundamentales:

 Edición: los discos no podían ser editados directamente, limitando

severamente la capacidad de hacer alteraciones en sus películas
acompañantes después de la edición original
 Distribución: los discos fonográficos añadían gastos y complicación extra
a la distribución de películas
 Uso y desgaste: el proceso físico de reproducir los discos los degradaba,
requiriendo su reemplazo después de aproximadamente veinte
proyecciones

Sin embargo, en los primeros años, sound-on-disc tuvo ventajas sobre el

sound-on-film de dos maneras considerables:

 Coste de producción y capital: era generalmente menos caro grabar

sonido en un disco que en el celuloide y los sistemas de exhibición
principales—tocadiscos/entrelazado/proyector—eran más baratos de
fabricar que los complejos proyectores que leían los patrones de imagen y
sonido requeridos por sound-on-film
 Calidad de audio: los discos de gramófono, los Vitaphone en particular,
tenían un rango dinámico superior al de la mayoría de los procesos
sound-on-film del tiempo, al menos durante las primeras reproducciones,
 mientras el sound-on-film tendía a tener una mejor respuesta en
frecuencia, esto era superado por una mayor distorsión y ruido
A medida que la tecnología sound-on-film mejoraba, estas dos desventajas
fueron superadas.
El tercer conjunto de innovaciones cruciales marcó un importante paso hacia
adelante en tanto la grabación en directo del sonido como su eficaz
reproducción:

El final del cine mudo en Occidente y en Japón fue impuesto por la industria y
el mercado, no por ninguna necesidad interna o evolución natural... El cine
mudo era una forma completamente madura y sumamente agradable. No le
faltaba nada, al menos en Japón, donde había siempre la voz humana
haciendo los diálogos y la narración. Las películas sonoras no eran mejores,
sólo más económicas. Como propietario del cine ya no tenías que pagar un
salario a los músicos y al benshi. Y un buen benshi era una estrella lo que
exigía un pago de estrella.

El nuevo lenguaje, pros y contra

La aparición del cine sonoro introdujo grandes cambios en la
técnica y expresión cinematográfica, por ejemplo:
A corto plazo, la introducción de la grabación del sonido en directo
causó importantes dificultades en la producción. Las cámaras eran
ruidosas, así que se usó un cuarto insonorizado en muchas de las
primeras películas habladas para aislar el ruidoso material de los
actores, a expensas de una drástica reducción en la libertad de
movimiento de la cámara.

Durante un tiempo, el rodaje con múltiples cámaras fue usado para

compensar la pérdida de movilidad y técnicos de estudio
innovadores pudieron a menudo encontrar maneras de liberar la
cámara para rodajes particulares.
La necesidad de estar dentro del rango de los micrófonos fijos
significó que los actores a menudo también tuvieron que limitar sus
movimientos de manera poco natural. 

Show Girl in Hollywood (1930), de First National Pictures (que

Warner Bros. había comprado gracias a su rentable aventura con el
sonido), ofrece una visión detrás de las cámaras de algunas de las
técnicas que se usaban en el rodaje de las primeras películas
habladas. Varios de los problemas fundamentales causados por la
transición al sonido fueron solucionadas pronto con nuevas
carcasas para las cámaras, diseñadas para ahogar el ruido y los
micrófonos boom que podían mantenerse fuera del encuadre y
moverse con los actores. Como describe David Bordwell, las
mejoras tecnológicas continuaron a un ritmo rápido: "Entre 1932 y
1935, [Western Electric y RCA] crearon micrófonos direccionales,
aumentaron el rango de frecuencias de las grabaciones, redujeron
el ruido de tierra...y ampliaron el rango del volumen." Estos
avances técnicos a menudo significaron nuevas oportunidades
estéticas: "Aumentar la fidelidad de las grabaciones...realzó las
espectaculares posibilidades del timbre vocal, el pitch y el
volumen."70 Otro problema básico—célebremente parodiado en la
película de 1952 Cantando bajo la lluvia—era que algunos actores
de la era muda simplemente no tenían voces atractivas; aunque
esta cuestión fue frecuentemente exagerada, hubo preocupaciones
relativas a la calidad vocal general y el casting de intérpretes por su
habilidades dramáticas en papeles que también requerían talento
cantando. Para 1935, la regrabación de los diálogos por los actores
originales o por diferentes actores en postproducción, se había
convertido en una práctica habitual. El sistema de grabación
ultravioleta introducido por RCA en 1936 mejoró la reproducción de
silbidos y notas altas.
1. La cámara perdió movilidad quedando relegada a la posición fija
del cine primitivo y la imagen perdió su estética cediéndole
 importancia al diálogo.

2. Los actores también se vieron limitados en sus desplazamientos

y gestualidad por el corto alcance de los micrófonos de la epoca

3. Los actores también se vieron implicados en este cambio

técnico. Algunas grandes estrellas fílmicas de Hollywood vieron
naufragar sus carreras ante su mala dicción, su pésima voz o su
excesiva mímica. Debido a esto surgieron nuevos actores en su
reemplazo.
4. Una película que retrata esta transición del cine mudo al sonoro
es el famoso musical "Cantando bajo la lluvia" (1952) y también
la película "El artista" (2011) al estilo de película muda en blanco
y negro.
Quizás el único de los grandes del cine mudo que siguió haciendo filmes
sin sonido fue Charles Chaplin como Tiempos modernos" (1936). Sin
embargo, a partir de 1940 comienza a realizar películas con sonido, la
primera de las cuales es "El gran dictador". Así mismo, Eisenstein,
Pudovkin y Alexandrov publicaron un

El film sonoro trajo nuevas leyes rítmicas. Las palabras habladas tienen un ritmo
acústico real que puede medirse con un metrónomo y que ninguna técnica podía
acelerar o frenar sin que se altere sentido o el papel dramático del discurso. Pero
en el el cine sonoro también hay escenas mudas que siguen su propio ritmo.

5. El cine sonoro obliga a la imagen a ser reproducida en tiempo real

mientras que en el cine mudo se utilizaba con frecuencia la imagen
acelerada y a veces ralentada.
6. El cine sonoro hizo desaparecer la funció n que cumplía el conjunto
musical al acompañ ar el visionado del cine mudo. El silencio cobra
importancia como nuevo elemento dramá tico desconocido por el
cine mudo. Se introduce el concepto de banda sonora.
7. La llegada del sonido permitió también el desarrollo de la
comedia musical, género harto más amable, incluso de
evasión, . en donde primaba el peso de los números musicales y
canciones por sobre la historia, y que fue el vehículo de
lucimiento para diversos bailarines. Los más importantes fueron
la dupla conformada por Ginger Rogers y Fred Astaire. El gran
clásico del género es Cantando bajo la lluvia (1952).
8. El film sonoro descubrió nuevas posibilidades para el dibujo animado
”El sonido no era una conquista, sino un problema que un vez resuelto podría
constituir una extraordinaria aportación. Esto debía suceder cuando el sonido del film,
como la toma visual. se hubiera convertido en un medio tan dócil y maleable como la
imagen. Es decir, tan pronto como la reproducción técnica del sonido se transformara
en un arte creativo, como la toma visual.

Si el film sonoro pretende hablar, cantar y ofrecer música, como el teatro hace desde
siglos. Solo será un procedimiento de reproducción técnicamente elevado pero en
ningún caso un nuevo arte

El film sonoro descubrirá nuestro ámbito acústico. La voz de las cosas, el lenguaje
intimo de la naturaleza. Todo lo que nos habla sin emplear el lenguaje humano, en la
gran conversación de la vida y que influye y dirige constantemente nuestro
pensamiento.

Hasta ahora hemos considerado los sonidos cotidianos como un rumor caótico.

El Film sonoro nos enseña El film sonoro nos libera del caos del ruido porque lo
abarcará como expresión dándole significado. El film sonoro nos enseña, El film
sonoro nos libera del caos del ruido, porque lo abarcara como expresión dándole
significado.entos

Cuando el Film Sonoro descomponga el ruido en sus elementos, cuando pueda

comprender los sonidos aislados e íntimos acercándonoslos en un ”primer plano
sonoro” Cuando estos sonidos fracmentados y aislados puedan ser compuestos por
medio del “montaje sonoro”, el film sonoro se transformará en un nuevo arte.. Cuando
el Director pueda guiar nuestro oído igual que nuestro ojo en el film mudo, no dejará
entonces que el sonido del mundo pase como una masa acústica muertasino que
entrará en el y le dará forma.

El Sonido se Inmiscuye

1. El Dialogo, papel dramático. cuando

2. La Batalla del Sonido.
3. Silencio y Espacio
4. Funcion Dramatica del Sonido en la Imagen
5. Formatos: Ficcion, Documental, Cine, TV
 6. Importancia de Sonido y su relación con la Imagen. La Imagen
Sonora.

El SONIDO ES INDIVISIBLE

La naturaleza del sonido influye en la composición, montaje y guión del film

sonoro. La cámara con sonido incorporado no descompone el sonido en
partes. En el espacio, el sonido se escucha completo, indiviso y homogéneo,
lo que significa que posee el mismo carácter en cualquier lugar de él. Puede
ser más bajo o más alto, más lejano o más cercano, y mezclarse de
distintas maneras con otros sonidos. En el local de nuestro ejemplo, en las
cercanías de la orquesta de jazz, solo se escuchara música, mientras que
en las proximidades de una mesa con un grupo ruidoso, dominarán las voces
agudas y las risas.

EL CARÁCTER ESPACIAL DEL SONIDO.

Cada sonido tiene un carácter espacial, De sus matices se infiere si ha

resonado en una habitación, un sótano, una sala o un bosque. Este carácter
espacial une los distintos planos que se desarrollan en un mismo espacio.

El film sonoro a educado nuestro oído a oir exactamente los matices

sonoros, o debiera haberlo hecho. Aprendimos a oir tanto como a ver. Pero
el cine sonoro- que pudiera haber empledo el sonido como material
artístico al igual que la imagen la impresión visual- cedió pronto el terreno
al puro film hablado. Un retroceso al campo del teatro fotografiado.
La posibilidad que da el cine sonoro de escuchar el espacio sin verlo, de
ver los primeros planos más íntimos y simultáneamente escuchar la
profundidad del enorme espacio, permite efectuar contrapuntos que se
han utilizado en pocas ocasiones y casi nunca en su totalidad. Un rostro
girado hacia el mar: sólo veo la cara, muy próxima, al mar lo oigo. Percibo
la relación de la infinidad delespacion con el extasis interior que se
refleja en el rostro.

El Film Sonoro no es una evolución orgánica del film mudo, sino otro
Tipo de arte

Período sonoro del cine venezolano: Inicio (1932-1964)

En 1932, Max Serrano filmó Forasteros en Caracas y Ayarí o El Veneno del Indio,
últimas películas silentes del cine venezolano. El primer filme sonoro fue La Venus
de Nácar, de Efraín Gómez, realizado en el LCN. La Danza de los Esqueletos
(1934), cortometraje de dibujos animados fue producido por el LCN, que ese mismo
año estrenó La Revista de Agosto de 1934, primera revista con sonido sincrónico
realizada en el país.
Si bien en 1931 se hicieron algunos intentos de sonido con la película La
Venus de Nácar, no sería hasta 1938 con el estreno del cortometraje Taboga
que se puede hablar verdaderamente de cine sonoro en Venezuela.
Igualmente se rueda el primer largometraje sonoro en el país: El
Rompimiento, de Antonio Delgado Gómez.
A finales de la década de los treinta, Rómulo Gallegos crea los Estudios Ávila
en la ciudad de Caracas, y a principios de los años 40, Guillermo Villegas
Blanco constituye formalmente la empresa Bolívar Films, la cual comienza a
realizar alianzas estratégicas con el mexicanoRodolfo Espino y el
argentinoLino Veluvirretti, para producir largometrajes dentro de un esquema
industrial. Tal vez su película más conocida La Balandra Isabel llegó esta
tarde, de Carlos Hugo Christensen, llegó a ganar el premio a mejor fotografía
en la cuarta edición del Festival Internacional de Cine de Cannes en el año
1951.
En el año 1959, la película documental Araya de Margot Benacerraf logra el
Premio de la Crítica en el Festival de Cannes (compartido con Hiroshima,
Mon Amour de Alain Resnais), el mayor reconocimiento obtenido por una
película venezolana hasta el momento. La misma Benacerraf sería nombrada
directora de la Cinemateca Nacional de Venezuela en 1966.