Se denomina Edad Contemporánea al periodo histórico comprendido entre la Revolución francesa (1789) y

la actualidad. Es una época caracterizada por las revoluciones y por las grandes transformaciones artísticas,
demográficas, sociales, políticas, tecnológicas y económicas.
Hoy en día, existe una amplia gama de artistas contemporáneos latinoamericanos que se han posicionado a
nivel internacional por su innovación en técnicas y temáticas. La categoría de arte latinoamericano surgió
aproximadamente en la década de 1970 y por más de 50 años los artistas contemporáneos en Latinoamérica han
hecho importantes contribuciones al arte y las nuevas tendencias, ha estado, en gran parte, influenciado por las
dictaduras militares, la diversidad de la cultura y la búsqueda de identidad.
El arte contemporáneo se caracteriza porque atrae a un gran número de visitantes e interesados en analizar y
reflexionar sobre cada obra y su historia.

los escultores comenzaron a experimentar con nuevos materiales y diferentes enfoques para crear su trabajo de
una forma que trascendiera. combinaciones de fuentes de energía, superficies y objetos variados, la abstracción
geométrica y el minimalismo, comenzaron a incorporar movimiento.

La escultura define no solo el espacio físico, sino también el psíquico, el ámbito conceptual, el entorno político,
nuestra presencia en él, nuestra relación con él, nuestro movimiento a través de él, nuestra responsabilidad en la
sociedad. tiene como propósito de contar historia y llevar a la reflexión profunda.

Desde el siglo XX, se han producido varios cambios en la concepción de las obras de arte, considerando que se
descartaba la representación de la figura humana para representar formas geométricas. Los escultores utilizan el
expresionismo como lenguaje para transmitir sus ideas y desarrollar nuevas técnicas para centrarse en el vacío y
la representación del espacio.

La principal característica de la escultura contemporánea  es el cambio de la técnica a la función. Las

funciones religiosas y políticas que caracterizaban a la escultura fueron disminuyendo y se abrieron paso a
nuevos símbolos, experimentó una evolución más contundente en el siglo XX. Es por eso que las tendencias se
asemejan a la pintura y muchos escultores se vuelven también pintores.

 la escultura deja de imitar la realidad y empieza a valorar el vacío, jugar con la luz y el volumen se
agregan movimiento a través de acciones mecánicas o agentes atmosféricos.  cualquier objeto es susceptible
de ser arte, a diferencia del arte tradicional.

REPRESENTACION DEL VACIO Y ESPACIO:

VOLUMEN VACÍO Es una técnica de la escultura que aparece con los movimientos del siglo XX.
La forma de experiencia de los espacios, tanto físicos como representados, no es estática, se establece mediante el
recorrido físico y configuraciones mentales registradas durante nuestra observación multidireccional. Nuestra percepción
se constituye de pequeños fragmentos mientras lo observamos.
Volumen lleno Es una técnica de la escultura en que el volumen no presenta espacios y es compacto. Volumen vacío Es
una técnica de la escultura que aparece con los movimientos de vanguardia del siglo XX, que consiste en introducir
espacios Tipos de esculturas cinéticas:
Los estables: Son esculturas cuyos elementos son fijos, pero están dispuestos de tal manera que el espectador debe
rodearlos para percibirlos.
Los penetrables: Son estructuras ubicadas en un espacio real y requieren que el espectador entre en ellas, para percibirlas
a medida que las recorre.
FERNANDO BOTERO

Cuando pensamos en Fernando Botero siempre nos vienen a la mente formas y personajes voluptuosos. Este artista
colombiano creó un estilo único y característico, aunque al inicio de su carrera tuvo poca aprobación, fue expulsado de
una academia por su estilo.

Hoy en día es considerado el artista latinoamericano vivo, más cotizado a nivel mundial.

Su estilo figurativo tiene nombre oficial: el «boterismo». Tanto en pintura como en escultura, realiza figuras más
robustas y gruesas de lo habitual, es decir, gordos.

Parece gustarle lo grotesco, por sus recurrentes imágenes obesas, pero su obra se puede interpretar como una
crítica sarcástica a la sociedad actual puede personificar crítica política o humor, dependiendo de la pieza.
Él prefiere explicar su obra como una búsqueda de la sensualidad a través del volumen, una búsqueda compartida con
todo el mundo
LA MANO:
1975. Colección Museo de Antioquia. Bronce
Está hecha en metal y no está pintada, lo que le da un color plateado oscuro propio del material con que está hecha.
La Mano de Botero o La Mano Gorda es una escultura del artista colombiano Fernando Botero que representa una mano h
umana, posiblemente de una persona obesa. La obra en sí, es un regalo del escultor a la ciudad de Madrid. Se encuentra en 
el Paseo de la Castellana, en Madrid, España.

Es de grandes proporciones, aproximadamente es tan alta como una persona de pie.

ADAN

Hechas de bronce, la representación de Adán no se expone a religioso, sino como un concepto paradigmático del
patriarcado, estar por encima de Eva y su diminuto miembro.

GATO
Material: bronce
Medidas: longitud de siete metros, dos metros de ancho y otros dos de altura,
El monumento de Botero representa un elemento de cotidiano con grandes proporciones
Esta escultura está situada en la Rambla del Raval de Barcelona. Allí destaca con especial intensidad este “Gato Gordo”,
como es conocido j “El Gato Botero”. Todo el mundo reconoce la figura del gato grande y gordo, de cara infantil y larga
cola,
Se trata de un gato negro con cola estirada, con una cara de sorpresa e ingenuidad, que tiene un cascabel en su cuello, por
lo que se cree es un gato casero y sedentario con sobrepeso.
EL CABALLO
Material: Bronce
Fecha de inauguración: 1997
Este robusto animal, que representa al Caballo de Troya, constituye uno de los mejores ejemplos escultóricos del artista y,
sin duda, llama la atención por su escala y sus características. Es obeso y armónico a la vez, con formas redondeadas bien
definidas.
La escultura fue una donación del artista a la ciudad de Santiago.
GABRIEL OROZCO

Nació: 27 de abril de 1962 (edad 60 años), Xalapa-Enrique (México)

Ocupación: Artista, escultor, pintor, fotógrafo, dibujante, artista de instalaciones, artista conceptual.

 Sus técnicas que incorporan objetos comunes y cotidianos. Los materiales que investiga permiten al
público explorar asociaciones creativas entre objetos frecuentemente ignorados
 Mezclando arte y realidad, perturbando el limite entre el objeto de arte y el medio ambiente.
 la magia y la transformación toman forma frente al espectador,

Matrix Movil ESQUELETO DE BALLENA

Material: Esqueleto del mamífero,

Ubicación: Biblioteca Jose Vasconcelos, al norte de la Ciudad de México.
"El esqueleto es como una máquina, por lo que el dibujo la dinamiza."

Es una escultura de tamaño natural del esqueleto de una ballena gris con una superficie estaba cubierta de
marcas de grafito. Esta obra colgaba del techo.
Orozco decidió hacer esta creación al ver la enorme estructura de la biblioteca, al entrar le hizo pensar en "un
animal grande flotando, una ballena". Y lo hizo.
Este esqueleto fue recogido de la Reserva de la biosfera El Vizcaíno, en  California Sur.
El trabajo de Orozco consistió en decorarlo con curvas trazadas a partir de la estructura ósea natural.

En muchas de sus obras, Orozco enfrenta lo familiar con lo extraño. Objetos encontrados recontextualizados,
reconfigurados y manipulados

ASTROTURF CONSTELLATION

Es una colección de escombros dejados por atletas y espectadores en el Astroturf de un campo de juego en el
Muelle 40 en Nueva York.
Orozco exhibe estos artículos, que incluyen monedas, logotipos de zapatillas, pedacitos de balones de fútbol,
envoltorios de dulces, chicles y marañas de hilo, que nuevamente suman casi 1200, en una gran plataforma
para reflexionar.

ELEVADOR

era un ascensor abandonado que el artista modificó para adaptarlo a su estatura,

CRUZ DIEZ

Nació: 17 de agosto de 1923, Caracas, Venezuela

Falleció: 27 de julio de 2019, París, Francia

Sus investigaciones lo revelan como uno de los pensadores del color del siglo XX.
Propuso concebir el color como una realidad autónoma que se desarrolla en el tiempo y en el espacio, sin ayuda
de la forma o necesidad de soporte

CROMOESTRUCTURA :
Son treinta y dos elementos cromáticos de geometría perfecta, de largas y finas rayas azules, ocres, negras y
verdes, en la tierra, sobre angostos filos de inclinados
los cuales, el visitante al circundarlos, se le parecen caer al suelo, al tiempo que al avanzar, su aparente
inamovilidad geométrica asemejan a un gigantesco abanico que mueve sus varillas, se inclinan y regresa. Efecto
visual.
Como contó el maestro en el libro Carlos Cruz Diez en conversación con Ariel Jiménez (Fundación Cisneros,
2010), el presidente Luis Herrera Campins lo llamó para que pensara en una gran obra para Barquisimeto que
fuera el regalo de la democracia, porque hasta entonces la ciudad solo el Obelisco.

La obra resalta por su complejidad: cada módulo pesa 5,32 toneladas y están concebidos con las bases
enterradas a buena profundidad. Están hechos para aguantar vientos de 120 kilómetros por hora.

los cálculos que hizo un joven ingeniero muy preparado tuvo que corregirlos un viejo ingeniero checo que tenía
su taller en Barquisimeto, y que participó en la producción del monumento.

Cromoestructura Radial en homenaje al sol” busca recrear el efecto de los crepúsculos a través del movimiento.

INDUCCION CROMATICA
Fuente de Inducción Cromática Tres Arcos 
Materiales: Acero, cerámica y concreto y compuesta por 3 arcos (Dim. ø 8 x 0,80 m ancho de la superficie
lateral).
Ubicación: Margarita, Porlamar (Venezuela)
y originalmente funcionaba como una fuente que era capaz de intercomunicar los arcos mediante chorros de
agua finos.

FISICROMIA

Son estructuras que se modifican según el desplazamiento, la intensidad de la luz del ambiente y del espectador.
proyectando el color en el espacio y creando una situación evolutiva de color y reflejo.

Las fisicromías actúan como “trampas de luz” en un espacio donde interaccionan los colores. Se crean
variaciones cromáticas mediante el desplazamiento del espectador o de la fuente luminosa.
MARCELA DIAZ

Es una artista contemporánea de Mérida, Yucatán. multifacética, ha recorrido un largo trayecto participando en
más de 40 exposiciones colectivas y 12 individuales en México, Europa y Estados Unidos. Fue seleccionada en
tres bienales entre ellas la X Bienal de la Habana, Cuba

Su obra está inspirada en el trabajo artesanal, en la representación de la cultura, tradición y artesanía mexicana.
A través de su trabajo, ha explorado las esculturas textiles, cuerdas hechas y pintadas a mano con pigmentos
naturales y nudos que representan los momentos importantes de la vida.

Las cuerdas representan la vida y los nudos el aprendizaje.

Es la obra lo que nos conecta. Sus esculturas masivas hechas de cuerda de fibras o algodón

Las cruces claveteadas con cactus, las cuerdas y nudos enroscados como si fueran cuerpos en la muerte y la
vida, los vestidos

las cruces

un símbolo pero no religioso para ella.

Dijo “Mis cruces no son símbolos de cristianismo – mis cruces son símbolos del hombre y de la mujer,” “Estas
pueden acostarse en abyecta desesperación, estas pueden pararse fuertemente con los brazos tirados de par en
par como si estuviesen diciendo “aquí estoy, abrace a quien soy”. O podrían liberar sus espinas de ira hacia el
mundo, porque guardar esa ira adentro es igual a morir.”

Vestidos

Los vestidos son como ‘artificios’, máscaras que usamos como mujeres, con los papeles que desempeñamos o
somos forzadas a realizar. Estas representan los confines de una sociedad preocupada por la percepción y lo
apropiado.
Representan la fuerza y la individualidad en nosotros mismos, pero que frecuentemente no se ve ni se abraza.
Son la muestra de la Doña, la Esposa, la Niña, la Madre

lleva consigo una gran historia de extrema riqueza y pobreza, fuerza y fragilidad, belleza y dolor

ENTEREZA

Representan la salida de una travesía dolorosa, en la que, la artista, a través de hilos y espinos, círculos y
espacios, canales y cascadas, forma y textura aspera, viaja y se desborda hasta emerger logrando el equilibrio.
Jesús Soto
Nació en Ciudad Bolívar, Venezuela, 5 de junio de 1923.

 Falleció en París, Francia, 14 de enero de 2005) f ue un artista venezolano, figura importante del arte
cinético, que inicia y desarrolla a finales de los años 50.

Soto fue particularmente famoso por sus "penetrables" esculturas dentro de las cuales, las personas pueden
caminar e interactuar. el arte de Soto es inseparable del observador.

fue una de las figuras principales del arte cinético, se formó en la Escuela de Bellas Artes de Caracas y vivió en
París en 1950, en donde formó parte de “Los Disidentes”, un grupo de artistas de la diáspora venezolana que
buscaban renovar la plástica de su país.

Soto es comúnmente asociado con el op art y su obra se caracteriza por el continuo estudio del movimiento y la
desmaterialización de la forma, produciendo construcciones de carácter cinético en las cuales la participación
del espectador es activa.

Ganador del Premio Nacional de Artes Plásticas en 1969 y de numerosos reconocimientos internacionales, el
nombre de Soto fue dado al museo de arte moderno de Ciudad Bolívar.
Muchas de sus obras han sido integradas a los espacios urbanos de las ciudades venezolanas. Algunos de sus
móviles se encuentran en edificaciones emblemáticas de Caracas, como el teatro Teresa Carreño y, con
dimensiones monumentales, en el complejo hidroeléctrico de El Guri, al sur del país.

CUBO VIRTUAL:

El cubo suspendido está formado por varillas azules y negras en el aire. Además del efecto visual, se
complementa con el sonido que las varillas al ser movidas por el aire.

las obras de Soto se mueven sin en realidad hacerlo se percibe mientras se observan.
Hechos a base de varillas metálicas, de nailon, de plásticos y también de pinturas, sus trabajos van activándose
y transformándose al ritmo de los pasos de quien los mira.
estas obras se perciben a cada instante de una manera distinta. no solo se pueden observar sino que también se
pueden sentir y escuchar. .
un conjunto de obras rayanas con la abstracción, enfocadas en la geometría, que experimentan ilusiones ópticas
para provocar reflexiones sobre “la participación del espectador la percepción y la naturaleza del objeto”.

PROGRESION AMARILLO

Esta obra fue realizada como camuflaje de un ducto de ventilación de la estación Metro Chacaíto, es una obra
a escala urbana, que se puede percibir como dos piezas separadas, pero están integradas por la continuidad del
espacio, entre la parte externa (Plaza Brión) y la parte interna de la estación (mezzanina de la estación Metro
Chacaíto).

Está formada por varillas amarillas en líneas de menor a mayor.

PENETRABLE AZUL

Permite al espectador vivir una experiencia óptica y táctil. Al ser penetrada puedes sentir la lluvia de cuerditas
por todo el cuerpo mientras las palpa.
Movimiento real o aparente de las líneas.
Creó, a comienzos de la década de los años cincuenta, las primeras manifestaciones del arte cinético.
En principio se trataba de cuadros estáticos que provocaban la sensación de dinamismo o vibración por la
superposición de materiales y al movimiento del espectador frente a la obra.

Basándose en elementos sencillos, como líneas, cuadrados y puntos, alineados en un determinado orden y
repetidos, fue creando un estilo personal.

Soto le decia"la cuarta dimensión".

Cómo buscabas el movimiento?

J. S.: El movimiento existe. La gente nunca se dispondría a pintarlo, sino a fijarlo: una cosa imposible. Nada es
fijo en la realidad, todo está en movimiento constante. La fotografía aun cuando aparezca contradictorio,
contribuye en gran parte a la observación diferente de la realidad: los descuadres, las superposiciones y la
constante intervención del azar desembocan definitivamente en el cine.

¿la función del arte es demostrar algo?

J. S.: No. No tiene, y para nosotros es muy difícil tener que estar explicándolo. Eso no está en el código
artístico. Uno presenta cosas que van ocurriendo, que va intuyendo, y trata de buscar soluciones que siguen
siendo una escritura que no puede transcribirse en palabras, sino en formas.

considera el espacio como «una identidad plena y no un vacío».

NOTAS
El op art, es un estilo de arte visual que hace uso de ilusiones ópticas. Suele usarse en la crítica e historia del
arte la denominación en inglés, op art, aunque también hay referencias al arte óptico. Las obras op art son
abstractas, siendo muchas de las piezas más conocidas creadas en blanco y negro
ARTE CONCEPTUAL La idea principal que subyace en todas ellas es que la verdadera obra de arte no es el objeto
físico producido por el artista, sino que consiste en conceptos e ideas.