Nombre:

Dayana Zamora

Clase:

Música

Maestra:

Josune Barroeta

Tema:

Música en el Cine

Fecha: 10 de mayo del 2020

 El cine mudo
En los inicios de la música en el cine debemos remontarnos a comienzos del siglo
pasado (comienzos del XX pero también los últimos años de la década de 1890) a la
explosión tecnológica y científica de aquellos momentos en los que los hermanos
Lumière y George Méliès hacían su magia, en todos los sentidos. Pocas composiciones
han sobrevivido de este período, pero no por ello desconocemos el uso que se le daba
por aquel entonces a la música, recurso imprescindible en las salas donde se
proyectaban las películas que precedieron al sonoro.
Pese a la ausencia de sonido en las películas, la música cumplía una curiosa función
más allá de la de ambientar al espectador: era una herramienta muy útil a la hora de
ocultar el sonido producido por el proyector, que distraía la atención del público. Era
habitual escuchar a músicos tocando en vivo, especialmente pianistas. Las salas más
modestas contaban con un fonógrafo, y en algunos casos incluso disponían de una
orquesta sinfónica o un coro, situados tras la pantalla.
Esta música era improvisada, aunque los intérpretes también recurrían a partituras de
música clásica o propias del repertorio teatral. Dado el éxito de el cine como nueva
forma de entretenimiento estas distintas melodías fueron almacenándose en
catálogos, conformado la llamada música de photoplay; eran los propios músicos
quienes enviaban las partituras que debían acompañar a cada film. Todo esto
fue habitual hasta la llegada de las composiciones originales para películas, siendo la
primera de ellas la que realizó Joseph Carl Breil para El nacimiento de una nación, de
Griffith.
La música en el cine mudo se utilizaba para crear un tema asociado a los personajes
principales o a situaciones argumentales, y el público podía identificar las distintas
melodías cada vez que se repetían o variaban. Además, se empleaban diversas
secuencias armónicas para representar los diferentes estados de ánimo presentes en
la cinta. Todos tenemos en mente algún fragmento de Chaplin o Keaton, e incluso de la
Disney primigenia, en los que un alegre personaje alegre por su rostro, exceptuando
claro está a Keaton, pero también por el hilo musical que acompaña al fragmento en
nuestra cabeza camina con aire grácil hasta que su felicidad se ve truncada por un
suceso X, al que acompaña una música muy distinta.
Por desgracia hemos perdido gran parte de esta música que acompañaba al cine en su
primera etapa.
 Música incidental
La música incidental es una obra integral, similar en estructura a la música clásica,
orquestada, instrumental, extensa, cíclica y con un tema recurrente que la mayoría de
las veces acompaña las escenas de principio a fin y a la vez crea un vínculo narrativo
transversal con el discurso cinematográfico.
La historia de la música dentro del cine o para cine tiene un pasado muy marcado en la
obra del compositor de la época del romanticismo alemán Richard Wagner, creador de
la obra de arte total, la cual consistía en tener todas las artes: visuales, poéticas,
escénicas y musicales. Otra cosa muy importante es que él escribía la obra no sólo
musicalmente, sino también el guion, la coreográfia, el vestuario, etc. Se encargaba de
todo. Y estas obras son evidentemente óperas, pero fueron una revolución en todas
las artes, por la cantidad de elementos y su calidad estética.
Musicalmete se empezó a usar lo que hoy se conoce como la base de la música
incidental: Leitmotiv (palabra alemana que se usa para el motivo o tema en específico
para un personaje o momento en ese entonces se usaba para los personajes en sus
óperas) el ejemplo más claro y el que la mayoría a escuchado es: La cabalgata de las
valquirias (Richard Wagner 1856) en la que en cuanto suenan las primeras notas
nuestro cerebro hace la relación a todo eso. Suenan los violines con mucha tensión
hasta que las trompetas empiezan a sonar y nos dicen con un canto de gloria que las
valquirias están en camino, motando sus caballos, siempre triunfantes. Son las gueras,
los que hoy podríamos llamar heroínas, sobre todo con esos intervalos de quinta justa
que nos da esa sensación de heroísmo y valentía.
Otro ejemplo ya en el cine es TIBURÓN (Steven Spielberg 1975), en la que el
compositor John Williams usa los violines para crear tensión con un timbre agudo,
usando intervalos de segunda menor para generar mayor tensión, subiendo la
intensidad y volumen hasta que llega el momento en el que pasa la acción. Del mismo
compositor, podemos ver esto en Star Wars: El imperio cotraataca (Irvin Kershner
1980, filme en el que en cada aprición de Darth Vader, villano principal, suena su tema,
la famos “Marcha imperial” en la que, aunado a verlo en escena, la música nos lo
reafirma haciendo sonar su tema.
 Música diegética
Es la que proviene de fuentes naturales que el espectador puede reconocer
físicamente en la película que está viendo. Por ejemplo, la que surge de radios,
equipos de música, instrumentos tocados ante la cámara, etc. La oyen o escuchan los
personajes del filme y su sentido es realista. Ubica la música en un lugar concreto y su
duración es exacta.
La música diegética es aquella que forma parte del mundo ficticio que plantea la obra.
Cuando decimos que forma parte de ese mundo ficticio queremos decir que al ver la
película uno puede ver de dónde sale la música. Un ejemplo podría ser un actor
silbando una melodía; en ese caso, la melodía se convierte en música diegética, ya que
forma parte del mundo en el que se encuentra el personaje. Así, la música diegética es
aquella que escuchan a la vez tanto el público como el personaje.
Dentro de la trama, la esta música puede tener una justificación narrativa o
argumental, o bien ser meramente testimonial y no tener relevancia directa con el
devenir de la historia.
En esta escena podemos observar claramente música diegética, ya que proviene de
fuentes naturales que son reconocibles tanto por los personajes como por el
espectador. En este caso el sonido proviene de unos violines que interpretan la
canción "Nearer, my God, to Thee"  (en español "Más cerca, oh Dios, de ti") con el
motivo de que los pasajeros del barco no perdieran la calma ni las esperanzas.

https://youtu.be/iHsx1cvACkY
Otro ejemplo es esta escena de la película "Ray", la cual fue merecedora del Premio
Oscar al Mejor Sonido en el año 2004.

https://youtu.be/YvY7hXqz6uI
 Proceso de la creación de :
La banda sonora
Charles Pathé, visionario del cine, combinó fonógrafo y cinematógrafo, llegando a
fabricar unas 1900 películas cantadas. También en la misma época, Léon Gaumont
desarrolló un sistema de sonorización de films parecido, que presentó en la Exposición
Universal de París de 1902. Otros inventos posteriores, en la segunda década del siglo
XX, son importantes como primeros experimentos, pero no tuvieron éxito a causa de la
mala calidad del sonido resultante o problemas con la sincronización.

(Charles Pathé 1863- 1957)

Spotting
El compositor generalmente entra al proceso creativo hacia el final del rodaje, más o
menos al mismo tiempo que la película está siendo editada, aunque en algunas
ocasiones el compositor está disponible durante todo el rodaje, especialmente cuando
la música es parte de la acción y los actores han de reaccionar a ella . Al commpositor
se le muetra un boceto de la película, antes de que se complete la edición y habla con
el director o productor sobre que tipo de música se requiere para la película en cuanto
estilo y tono. Dependiendo de la producción será el editor quien cambie la película
para adaptarse a la música o el compositor o editor musical quienes cambien la música
para ajustarse a la película, la cual a menudo sufre cambios hasta el último
momento. El Director Godfrey Reggio editó sus películas Koyaanisqatsi y Powaqqatsi
basadas en la música del compositor Philip Glass. En otro ejemplo notable, el final de
E.T., el extraterrestre fue editado para que coincidiera con la música de John Williams:
tal y como se relata en un documental complementario del DVD, Steven Spielberg dio
a Williams completa libertad con la música y le pidió que grabara la señal sin imagen;
después, Spielberg volvió a editar la escena para que coincidiera con la música.
En algunas circunstancias, se le pedirá a un compositor que escriba música en función
de sus impresiones del guion o guiones gráficos, sin ver la película en sí, y se le otorga
más libertad para crea música sin la necesidad de cumplir con longitudes de cue
específicas o reflejar el arco emocional de una escena en particular.

Sincronización
Estos incluyen el uso de software de secuenciación para calcular los tiempos, el uso de
fórmulas matemáticas y el tiempo libre con los tiempos de referencia. Usando una
técnica llamada Free Timing, un conductor usará un cronómetro o un cronómetro de
tamaño de estudio, o mirará la película en una pantalla o monitor de video mientras
conduce los músicos a tiempos predeterminados. En ambos casos, los tiempos en el
reloj o las líneas trazadas en la película tienen tiempos correspondientes que también
están en puntos específicos en la puntuación del compositor / conductor.

Composición
Una vez que se ha completado la sesión de spotting y se determinan los tempos
precisos de cada pieza, el compositor trabajará en la composición de la música. 8
Trabajar con software permite a los compositores crear demos de las piezas basadas
en MIDI para su revisión antes de ser grabadas por la orquesta. El contenido musical
de la partitura de una película depende completamente del tipo de película para la que
se esté componiendo música, y de las emociones que el director desee que la música
transmita. Se puede usar cualquier tipo de sonido, desde orquestas sinfónicas hasta
instrumentos individuales solistas, bandas de rock y combos de jazz, junto con una
multitud de influencias de música étnica y mundial, solistas, vocalistas, coros y texturas
electrónicas e incluso ruidos del día a día.
El estilo de la música que se escribe también varía enormemente de un proyecto a
otro, y puede verse influido por el período de tiempo en que se establece la película, la
ubicación geográfica de la acción de la película e incluso los gustos musicales de los
personajes.

Orquestación
La naturaleza y el nivel de la orquestación varía de proyecto a proyecto y de
compositor a compositor, pero en su forma básica el trabajo del orquestador es tomar
la música escrita por el compositor y anotarlo creando una partitura y crear las partes
específicas de cada instrumento. Algunos compositores, como Ennio Morricone o
Alexandre Desplat, orquestan su música, sin la ayuda de orquestadores extra. Algunos
compositores dan muchas instrucciones sobre como quieren que sea la música, hasta
el punto de que el trabajo del orquestador se convierte en algo técnico, sin necesidad
de toma de decisiones creativas. Sin embargo, otros compositores desean que el
orquestador o la orquestadora sean creativos y llenen los huecos en la orquesta como
prefieran, llegando incluso a tener que orquestar desde versiones de piano solo, en
algunas ocasiones En muchos casos, las limitaciones de tiempo determinadas por el
calendario de posproducción de la película dictan si los compositores orquestan sus
propios puntajes, ya que a menudo es imposible para el compositor completar todas
las tareas requeridas dentro del margen de tiempo permitido.
A lo largo de los años, varios orquestadores se han vinculado al trabajo de un
compositor en particular, a menudo hasta el punto en que uno no funcionará sin el
otro.

Grabación
Cuando la música ha sido compuesta y orquestada, la orquesta o conjunto musical la
interpreta, a menudo con la dirección del compositor. Sin embargo, algunas películas
recientemente han comenzado a acreditar a los músicos contratados en los álbumes
bajo el nombre Hollywood Studio Symphony después de un acuerdo con la American
Federation of Musicians. La orquesta toca frente a una pantalla grande que representa
la película.

Compositores de bandas sonoras através de la historia

 Jerry Goldsmith

(1929-2004)

Su nombre completo era Jerrald King Goldsmith, fue uno de los compositores más
importates y reconocidos de la cinematográfia.
De origen judío, Goldsmith aprendió a tocar el piano a la edad de seis años. A los
catorce, estudió composición, teoría y contrapunto con los maestros Jakob Gimpel y
Mario Castelnuovo-Tedesco, ambos miembros de la tradición musical judía
europea. Goldsmith ingresó en la Universidad del Sur de California, con el maestro
Miklós Rózsa, quien escribió la partitura de la película de Alfred Hitchcock Spellbound
de 1945. Goldsmith se interesó en escribir música para el cine al ser inspirado por la
música compuesta por el mismo Rózsa.
Tocó todos los géneros a lo largo de su carrera, aunque es en el cine fantástico donde
logró sus éxitos más populares: El planeta de los simios, varias partes de la saga Star
Trek, la trilogía de La profecía, Logan's Run, Atmósfera cero, Alien, el octavo
pasajero o Total Recall, por citar algunos títulos. Por su cualidad rítmica, también
destacó en el género del suspense de acción. Sin embargo, siempre declaró preferir las
películas pequeñas y de personajes, por lo que durante mucho tiempo mencionó
que La isla del adiós era su trabajo favorito.
Su música no se quedaba estancada en ningún estilo, sino que se adaptó a las
exigencias de la película, llendo desde el jazz hasta las grandes obras
sinfónicas, pasando por música folk, étnica e incluso por el sintetizador. Aun así, se
podría definir su música como enérgica, pues es especialmente brillante en lo
rítmico, sin por ello desdeñar la melodía. Fue un defensor de utilizar la música
solamente cuando sea estrictamente necesario, por lo que en numerosas ocasiones
acusó al cine reciente de tener demasiada música. Ponía como ejemplo su propia
partitura para Patton, en la cual solamente hay media hora de música, pese a tratarse
de una cinta que supera las dos horas de metraje.

Durante los últimos años de su vida, compaginó la composición con la

enseñanza, impartiendo cursos de composición para cine a jóvenes músicos de la
Universidad del Sur de California . Se casó en dos ocasiones y tuvo cuatro hijos, uno de
los cuales, Joel Goldsmith, también se dedicó a la composición cinematográfica.
Fallecio en los Angeles a los 75 años de edad.

Filmográfia de nominaciones por Oscar

 El rostro del fugitivo

 A Patch of Blue
 The Sand Pebbles
 El planeta de los simios
 Patton
 Papillon
 Chinatown
 El viento y el león
 Los niños del Brazil
 Star Trek: The Motion Picture
 Poltergeist
 El reto del samurai
 Under Fire
 Hoosiers
 Basic Instict
 L.A Confidential
 Mulan
 La profecía – premio Oscar a la mejor banda sonora

Bernard Herrmann
 ( 1911-1975)

Fue un compositor y director de orquesta estadounidense. Tras estudiar en la

Universidad de Nueva York y en la Academia Juilliard, desarrolló su carrera profesional
en la radio, y desde los años 30 compaginó su faceta de director de orquesta (que
inició en 1938 en la orquesta de la CBS) con su labor como compositor, de la que se
recuerdan especialmente sus magistrales creaciones para Hollywood.

Referencia indiscutible de la música para el cine, su nombre es indisociable del de dos

cineastas de los que fue colaborador habitual, los realizadores Orson Welles y Alfred
Hitchcock. El primero fue quien lo hizo debutar en el mundo de la composición
cinematográfica con Ciudadano Kane (1940) y El cuarto mandamiento (1941), después
de unos años dedicado a la creación de bandas sonoras radiofónicas, incluida la de La
guerra de los mundos (1938). Para el segundo firmó algunas de las mejores partituras
de la historia del séptimo arte, como El hombre que sabía
demasiado (1956), Vértigo (1958), Con la muerte en los talones (1959)
y Psicosis (1960). Su colaboración con el rey del suspense se prolongó a lo largo de
once años y ocho películas.
Posteriormente trabajó con François Truffaut y Brian De Palma; suya es también la
música de Ultimátum a la Tierra (1951) –una de las primeras bandas sonoras que
incluyen instrumentos electrónicos–, El séptimo viaje de Simbad (1958), Viaje al centro
de la Tierra (1959) y la del filme de Martin Scorsese Taxi Driver (1975), su último
trabajo. Fuera del ámbito del cine, Bernard Herrmann compuso algunas interesantes e
infravaloradas obras, entre las que se cuentan las Variaciones sobre “Deep
River” (1933) para orquesta, todavía bajo el influjo de Aaron Copland, la cantata Moby
Dick (1938), inspirada en la obra de Herman Melville, y la ópera Cumbres
borrascosas (1950), con libreto basado en la novela homónima de Emily Brontë.
Sus famosas obras:

 Jasón y los Argonautas

 Ciudadano Kane
 El cabo del terror
 Psicosis
 Simbad y la princesa
 Con la muerte en los talones
 Taxi Driver
 El fantasma y la señora Muir
 Marnie, la ladrona
 Vértigo (de entre los muertos)

Henry Mancini
 (1924-1994)
Compositor estadounidense reconocido como uno de los grandes creadores de bandas
sonoras para el cine. Formado musicalmente en Pittsburgh y Nueva York, se sintió
tempranamente inclinado hacia el jazz, llegando a ser pianista de la orquesta de Glenn
Miller. Se mantuvo en ella desde el final de la Segunda Guerra Mundial hasta 1952, año en
el que ingresó en el departamento musical de la Universal Pictures.

Muy poco después de empezar a componer para el cine demostró sus dotes como
arreglista en Música y lágrimas (1954). Compuso partituras y canciones para numerosas
películas, pero serían sus temas para la serie de televisión Peter Gunn (1959) y la partitura
para Mr. Lucky (1960) los que asentaron su prestigio en la industria. La banda sonora
de Peter Gunn (serie dirigida por Blake Edwards, con quien colaboraría en veintisiete
largometrajes) cautivó a la audiencia con su aire jazzístico propio de las grandes orquestas.
Su estilo colorista se integraba muy bien en la acción cinematográfica y encajaba a la
perfección en los temas satíricos o de suspense. Es el caso de Desayuno con
diamantes (1961), adaptación de la novela de Truman Capote protagonizada por Audrey
Hepburn: la música de Mancini, oscarizada no sólo por el conjunto de la banda sonora,
sino también por la celebérrima canción Moon River (con letra de Johnny Mercer), terminó
de dar homogeneidad al conjunto del filme, amén de contribuir en no poca medida a su
popularidad. Se recuerda también el espléndido tema musical de regusto latino que
acompaña el impresionante plano-secuencia con que se abre Sed de mal (1958), de Orson
Welles.
La partitura de La pantera rosa (Blake Edwards, 1964) fue sin duda una de las más
populares. Mancini ganó de nuevo el Oscar por la canción de Días de vino y rosas (1962,
con Jack Lemmon y Lee Remick) y por la partitura de ¿Víctor o Victoria? (1982). Entre sus
restantes bandas sonoras merecen destacarse las de las películas de Stanley
Donen Charada (1963) y Dos en la carretera (1967), la de ¡Hatari! (1962), filme de Howard
Hawks protagonizado John Wayne, y las que compuso para El guateque (1968), Los
indomables (1970), Basil, el ratón superdetective (1986) y El zoo de cristal (1987).
Obras más famosas:

 Sed de mal (1958)

 Desayuno con diamantes (1961)
 Hatari! (1962)

 Charada (1963)
 Días de vino y rosas (1963)
 La pantera rosa (1964)
 Dear Heart (1964)
 El nuevo caso del inspector Clouseau (1964)
 Dos en la carretera (1967)
 El guateque (1968)

John Williams

John Towner Williams es un compositor, director de orquesta y pianista

estadounidense. Ha compuesto casi toda la música que se escucha en las películas
de Star Wars. También ha compuesto partituras para muchas otras películas y
programas de televisión reconocidos.
John Towner Williams nació el 8 de febrero de 1932 en New York, más concretamente
en Flushing, un barrio del distrito de Queens. Se crió en una familia de músicos: su
padre, Johnny Williams fue un reputado baterista de jazz, por lo que John y sus
hermanos (Jerry, Don y Joan) estuvieron rodeados de música desde su niñez, viendo a
su padre ganarse la vida con la batería.

Estudió solfeo y piano, aunque también experimentó con otros instrumentos como el

trombón, la trompeta, el clarinete, el fagot o la percusión, antes de decidir que quería
ser pianista profesional. Hasta el día de hoy, el piano ha sido su inseparable
compañero y su herramienta de trabajo. En Los Ángeles, John hijo continúa estudiando
música y, tras pasar su adolescencia en la North Hollywood High School, estudia
composición y piano en la Universidad de California en Los Ángeles , además de asistir
a clases de orquestación en Los Ángeles City College. En 1951 inicia su servicio militar
tocando el piano en la banda de la Fuerza Aérea .

También dirige y realiza arreglos para esta formación, lo que le permite conocer en
profundidad la música militar americana, lo que influirá en el estilo bélico y marcial de
algunas de sus composiciones. En el 54 finaliza el servicio militar y vuelve a Nueva York
para matricularse de nuevo en la Juilliard School para perfeccionar sus conocimientos
sobre el piano. Para pagarse los estudios, tocará el piano en clubes
nocturnos, consiguiendo una gran soltura en el mundo del jazz. Trabajó como pianista
de estudio grabando la música de películas muy populares de segunda mitad de los 50
y principios de los 60, como Peter Gunn de Henry Mancini, o Los siete magníficos y
Matar a un ruiseñor de Elmer Bernstein, en las que el piano fue grabado por sus
manos.

Pudo aprender de grandes maestros de la música de cine como Bernard

Herrman, Alfred Newman o Jerry Goldsmith, iniciándose como arreglista y
orquestador, y por tanto tomando contacto directo con las partituras originales y los
recursos musicales de los grandes de la época. Algunas series y programas como
General Electric Theater, Playhouse 90, Tales of Well Fargo, Bachelor Father, Wagon
Train, etc. llevaron su música.

1960s: Inicios en el cine

En 1958 debuta en el cine con Daddy-O, una película de serie B. Con la música de Los
rateros consigue su primera nominación al Oscar por mejor música original.

Obras famosas:

 Marcha Imperial de Star Wars

 Jurassic Park
 Superman
  Tiburón
 Indiana Jones
 La lista de Schindler
 Harry Potter
 Rescatando al soldado Ryan
 E.T: El extraterrestre
 Mi pobre angelito

La música en los dibujos animados

La infancia es una etapa en la que la persona recibe y asimila un sinfín de estímulos de

manera consciente e inconsciente, muchos de ellos terminan siendo recuerdos
significativos que perdurarán por el resto de la vida de las personas. Gracias al estudio
de psicólogos y pedagogos como Jean Piaget, sabemos que en esta etapa el sujeto es
más susceptible a dichos estímulos por lo que resulta fácil implantar nuevos
conocimientos en el niño.
En más de una ocasión nos hemos recordado de hechos o eventos gracias a un estimulo
sonoro y no, no me estoy refiriendo a estudiar con musica (aunque tambien es valido)
sino a recordar series de nuestra infancia con solo escuchar su opening o aun mejor
recordar emociones y evocar recuerdos gracias a la musica.
Disney, sabiendo el impacto que genera la música en los infantes, fue de los primeros
en implementar el uso de la música clásica en sus caricaturas. No por nada una serie de
sus primeros cortos animados tomaron el nombre de Silly Symphonies. De dicho
nombre, posteriormente se derivarían las series de Warner Bros. Looney Tunes y
Merrie Melodies. Todas ellas con un vínculo muy cercano con la música que la
acompañaba.

Tal es la importancia de la música en los dibujos animados que es un tema recurrente a

lo largo de su historia. Por ejemplo, a pesar que Disney ya había empleado el
technicolor en otros cortos, Mickey Mouse había permanecido en blanco y negro
porque la compañía consideraba que era suficientemente exitoso para aparecer a
color.  Fue hasta el año de 1935 cuando apareció el primer corto a todo color y fue
precisamente en uno relacionado a la música: el clásico The Band Concerto.
Sin duda, la película Fantasía es el epítome de esta comunión entre los dibujos
animados y la música “clásica”. El segundo largometraje de la compañía Disney (1939)
prescinde de la mayoría de los diálogos por lo que la música pasa a ocupar un lugar
preponderante en la narrativa del filme.

https://www.youtube.com/watch?v=2DX2yVucz24
Por otra parte, la música original de las caricaturas también ha iniciado a varias
generaciones de melómanos (que siente pasión o emoción por la musica.)

Al parecer, las canciones de películas animadas y de caricatura son de las favoritas de

los jueces en los Óscares pues han ganado dicho galardón las canciones de las películas:
Frozen, Toy Story 3, Monsters Inc., Tarzán, Pocahontas, El Rey León, Aladdín, La Sirenita
y Pinocho.
Pero más allá de las películas de Disney existen otras caricaturas – desde los Tom y Jerry
hasta Los Simpson – que se han encargado indirectamente de mostrarnos el mundo de
la mal llamada “música clásica”. The Cat Concerto ganó el premio de la Academia por
mejor cortometraje animado en 1946 y Johann Mouse (basado en el trabajo del
compositor Johann Strauss) fue el último corto de Tom y Jerry que se alzó con el Óscar
en la misma categoría en el año 1952. El último cortometraje de este tipo que fue
galardonado con la estatuilla dorada fue Pedro y el Lobo (2006), el cual está
musicalizado con la obra de Sergei Prokofiev.

Es evidente el significativo aporte pedagógico que las caricaturas han brindado

al conocimiento de la música clásica. Del mismo modo, es claro que la música
ha dotado a los dibujos animados de un medio idóneo para transmitir su
mensaje, enfatizar la acción de sus personajes y hacer florecer la emoción de
sus espectadores. Seamos chicos o grandes, todos hemos disfrutado de
buenos ratos frente al televisor o en una sala de cine escuchando los grandes
clásicos de ayer y hoy sin que necesariamente lo supiéramos.

Esta canción sin duda es un gran progreso en el área musical para Hora de
Aventura que anteriormente nos había traído muchos éxitos, la mayoria
compuestos por Rebecca Sugar.

https://www.youtube.com/watch?v=Vu_oJR2psGY
 El Sistema Dolby en el cine

Dolby Cinema es el nombre de un concepto de cine premium de Dolby Laboratories.

Comprende diseño y tecnologías avanzadas de Dolby Laboratories como el sistema de
sonido Dolby Atmos y el sistema de proyección Dolby Vision. Actualmente hay 11 cines
en el mundo con esta denominación: 8 en Estados Unidos y 3 en Europa (2 en Holanda
y 1 en España) El más reciente y uno de los más grandes es el de el centro comercial La
Maquinista en Barcelona.
El primer Dolby Cinema fue el de JT Bioscopen en Eindhoven (Holanda) en diciembre
de 2014. El viernes 6 de noviembre de 2015 se presentó en Barcelona el de Cinesa en
La Maquinista. La primera película en utilizar Dolby Vision y Dolby Atmos (por tanto
aprovechaba las dos principales tecnologías de Dolby Cinema) fue Tomorrowland (El
mundo del mañana) de Disney. Después vinieron Inside Out (Del revés) de Disney-Pixar
, San Andreas (San Andrés) de Warner Bros., Mission Impossible - Rogue Nation de
Paramount y otras, hasta 13 títulos anunciados o ya estrenados con Dolby Atmos y
Dolby Vision.
Dolby Cinema utiliza un sistema de proyección Dolby Vision desarrollado por Dolby
Laboratories junto con Christie Digital. El sistema consiste en dos proyectores láser
modulares Christie 4K 6P (primarios) con un diseño personalizado para permitir un
camino de luz único. El sistema es capaz de entregar hasta 14 pies-lambert en
pantallas blancas mate de ganancia unitaria para 3D (y hasta 31 pies-lambert para 2D),
una mejora sustancial en los sistemas 3D de generación actual que ofrecen en el rango
de 3 a 4 pies-lambert para 3D. El resultado es un brillo, color y contraste mejorados
en comparación con los proyectores de xenón tradicionales. Los primeros teatros
usaron temporalmente proyectores láser Christie 4K duales listos para usar hasta que
se enviaron los compatibles con Dolby Vision en la primavera de 2015.
Dolby Atmos es el sistema de sonido inmersivo de Dolby Laboratories presente ya en
más de 1200 salas en todo el mundo y más de 300 títulos de películas con este
sistema. Dispone de altavoces alimentados por señales independientes repartidos por
toda la sala, incluso en el techo. Puede tener hasta 64 altavoces dependiendo del
tamaño y forma de la sala.