The Milk of Dreams toma su título de un libro de

Leonora Carrington (1917–2011) en el que la artista

surrealista describe un mundo mágico en el que la vida
se replantea constantemente a través del prisma de la
imaginación. Es un mundo donde todos pueden
cambiar, transformarse, convertirse en algo o en
alguien más; un mundo liberado, rebosante de
posibilidades. Pero también es la alegoría de un siglo
que impuso una presión intolerable sobre la definición
misma del yo, obligando a Carrington a una vida de
exilio: encerrado en hospitales psiquiátricos, un eterno
objeto de fascinación y deseo, pero también una figura
de poder sorprendente. y el misterio, siempre huyendo
de las restricciones de una identidad fija y coherente.
Cuando se le preguntó acerca de su nacimiento,
Carrington diría que fue producto del encuentro de su
madre con una máquina, lo que sugiere la misma
extraña unión de humano, animal y mecánico que
marca gran parte de su trabajo.

La exposición The Milk of Dreams toma a las criaturas

de otro mundo de Leonora Carrington, junto con otras
figuras de transformación, como acompañantes en un
viaje imaginario a través de las metamorfosis de los
cuerpos y las definiciones de lo humano.

Esta exposición se basa en muchas conversaciones

con artistas mantenidas en los últimos años. Las
preguntas que fueron surgiendo de estos diálogos
parecen capturar este momento de la historia en el que
la supervivencia misma de la especie está amenazada,
pero también resumen muchas otras preguntas que
impregnan las ciencias, las artes y los mitos de nuestro
tiempo. ¿Cómo está cambiando la definición de lo
humano? ¿Qué constituye la vida y qué diferencia a las
plantas y los animales, los humanos y los no humanos?
¿Cuáles son nuestras responsabilidades hacia el
planeta, otras personas y otras formas de vida? ¿Y
cómo sería la vida sin nosotros?

Estas son algunas de las preguntas orientadoras de

esta edición de la Biennale Arte, que se centra en tres
áreas temáticas en particular: la representación de los
cuerpos y sus metamorfosis; la relación entre
individuos y tecnologías; la conexión entre los cuerpos
y la Tierra.

Muchos artistas contemporáneos están imaginando

una condición posthumana que desafía la visión
occidental moderna del ser humano, y especialmente
el presunto ideal universal del “Hombre de Razón”
masculino y blanco, como centro fijo del universo y
medida de todas las cosas. En su lugar, los artistas
proponen nuevas alianzas entre especies y mundos
habitados por seres porosos, híbridos y múltiples que
no se diferencian de las extraordinarias criaturas de
Carrington. Bajo la presión cada vez más invasiva de la
tecnología, los límites entre cuerpos y objetos se han
transformado por completo, provocando profundas
mutaciones que reasignan subjetividades, jerarquías y
anatomías.

Hoy en día, el mundo parece dramáticamente dividido

entre el optimismo tecnológico, que promete que el
cuerpo humano puede perfeccionarse infinitamente a
través de la ciencia, y el temor a que las máquinas se
hagan cargo por completo a través de la
automatización y la inteligencia artificial. Esta brecha
se amplió durante la pandemia de Covid-19, que nos
separó aún más y enjauló gran parte de la interacción
humana detrás de las pantallas de los dispositivos
electrónicos.
La presión de la tecnología, el aumento de las
tensiones sociales, el estallido de la pandemia y la
amenaza inminente de un desastre ambiental nos
recuerdan todos los días que, como cuerpos mortales,
no somos ni invencibles ni autosuficientes, sino parte
de una red simbiótica de interdependencias que nos
unen unos a otros, a otras especies y al planeta como
un todo.

En este clima, muchos artistas vislumbran el fin del

antropocentrismo, celebrando una nueva comunión
con lo no humano, con el mundo animal y con la Tierra;
cultivan un sentido de parentesco entre las especies y
entre lo orgánico y lo inorgánico, lo animado y lo
inanimado. Otros reaccionan a la disolución de
sistemas supuestamente universales, redescubriendo
formas localizadas de conocimiento y nuevas políticas
de identidad. Otros practican lo que la teórica y
activista feminista Silvia Federici llama el
“reencantamiento del mundo”, mezclando tradiciones
indígenas con mitologías personales de la misma
manera que Leonora Carrington.
ESTRUCTURA DE LA EXPOSICIÓN Y
CÁPSULAS DEL TIEMPO
La exposición se desarrolla en el Pabellón Central de
los Giardini, y en la Corderie, Artiglierie y los espacios
al aire libre de Gaggiandre y Giardino delle Vergini en el
complejo Arsenale.

The Milk of Dreams incluye más de doscientos artistas

de 58 países. Más de 180 de estos artistas nunca han
estado en la Exposición Internacional de Arte hasta
ahora. Por primera vez en sus 127 años de historia, la
Bienal incluirá una mayoría de mujeres y artistas de
género no conforme, una elección que refleja una
escena artística internacional llena de fermento
creativo y un replanteamiento deliberado de la
centralidad del hombre en la historia del arte. y la
cultura contemporánea.

La exposición presenta obras contemporáneas y

nuevos proyectos concebidos específicamente para la
Biennale Arte, presentados en diálogo con obras
históricas del siglo XIX en adelante.

A medida que los visitantes recorren la exhibición en el

Pabellón Central y la Corderie, se encuentran con cinco
secciones históricas más pequeñas: constelaciones en
miniatura de obras de arte, objetos encontrados y
documentos, agrupados para explorar ciertos temas
clave. Concebidas como cápsulas del tiempo, estas
muestras dentro de la muestra brindan herramientas
adicionales de investigación e introspección, tejiendo
una red de referencias y ecos que vinculan obras de
arte del pasado, incluidos importantes préstamos de
museos y selecciones no convencionales, con las
piezas de artistas contemporáneos en el espacio
circundante. .
Este enfoque transhistórico de amplio alcance rastrea
los parentescos y las afinidades entre los métodos y
las prácticas artísticas, incluso entre generaciones,
para crear nuevas capas de significado y unir el
presente y el pasado. Lo que emerge es una narrativa
histórica que no se construye en torno a sistemas de
herencia directa o conflicto, sino en torno a formas de
simbiosis, solidaridad y hermandad.

Con una coreografía específica de espacios

arquitectónicos desarrollada en colaboración con el
dúo de diseñadores Formafantasma, estos “gabinetes”
también invitan a reflexionar sobre cómo se construye
la historia del arte en torno a prácticas museísticas y
expositivas que establecen jerarquías de gusto y
mecanismos de inclusión y exclusión. Muchas de las
historias contadas en estas cápsulas aún no han sido
absorbidas por el canon oficial y durante demasiado
tiempo se han considerado menores y oscuras.

Estas secciones participan así en el complejo proceso

de reescritura y relectura de la historia que ha marcado
los últimos años, cuando ha quedado más claro que
nunca que ningún relato histórico puede considerarse
definitivo.
LOS ARTISTAS EN LA EXPOSICIÓN
El punto de apoyo de The Milk of Dreams es una galería
en el nivel inferior del Pabellón Central donde la
primera de las cinco cápsulas presenta una colección
de obras de arte de mujeres artistas de los
movimientos históricos de vanguardia, incluidas, entre
otras, Eileen Agar, Leonora Carrington, Claude Cahun,
Leonor Fini, Ithell Colquhoun, Loïs Mailou Jones, Carol
Rama, Augusta Savage, Dorothea Tanning y Remedios
Varo. Las obras de estas y otras mujeres artistas de
principios del siglo XX, que se muestran en un conjunto
inspirado en las exposiciones surrealistas, evocan un
dominio de lo maravilloso donde las anatomías y las
identidades pueden moverse y cambiar, siguiendo el
deseo de transformación y emancipación.

Muchas de las mismas líneas de pensamiento regresan

en el trabajo de artistas contemporáneos expuestos en
las otras galerías del Pabellón Central. Los cuerpos
mutantes convocados por Aneta Grzeszykowska, Julia
Phillips, Ovartaci, Christina Quarles, Shuvinai
Ashoona, Sara Enrico, Birgit Jürgenssen y Andra
Ursuţa sugieren nuevas fusiones de lo orgánico y lo
artificial, ya sea como medio de auto-reinvención o
como inquietante anticipo de un futuro cada vez más
deshumanizado.
Los vínculos entre el ser humano y la máquina se
analizan en muchas de las obras expuestas, como las
de Agnes Denes, Lillian Schwartz y Ulla Wiggen, por
ejemplo, o las superficies biombo de Dadamaino, Laura
Grisi y Grazia Varisco, recogidos en una segunda
presentación histórica que explora el Arte Programado
y la abstracción cinética en la década de 1960.

Los lazos entre el cuerpo y el lenguaje están en el

corazón de otra cápsula inspirada en Materializzazione
del linguaggio, una muestra de Poesía Visual y
Concreta en la Biennale Arte 1978 que fue una de las
primeras exposiciones abiertamente feministas en la
historia de la institución. Poemas visuales y concretos
de Mirella Bentivoglio, Tomaso Binga, Ilse Garnier,
Giovanna Sandri y Mary Ellen Solt se yuxtaponen aquí
con experimentos de escritura automática y
comunicación mediúmnica de Eusapia Palladino,
Georgiana Houghton y Josefa Tolrà, y otras formas de
“escritura femenina ” que van desde los tapices de
Gisèle Prassinos hasta las micrografías de Unica Zürn.

Signos, símbolos y lenguajes privados también afloran

en la obra de artistas contemporáneos como Bronwyn
Katz, Sable Elyse Smith, Amy Sillman y Charline von
Heyl, mientras que las pinturas tipográficas de
Jacqueline Humphries se yuxtaponen con los grafemas
de Carla Accardi y con el código máquina. que informa
el arte de Charlotte Johannesson, Vera Molnár y
Rosemarie Trockel.

En contraste con estos escenarios hipertecnológicos,

las pinturas y ensamblajes de Paula Rego y Cecilia
Vicuña visualizan nuevas formas de simbiosis entre
animales y seres humanos, mientras que Merikokeb
Berhanu, Mrinalini Mukherjee, Simone Fattal y
Alexandra Pirici elaboran narrativas que entrelazan
preocupaciones ambientales con ctónicas antiguas.
deidades, produciendo innovadoras mitologías
ecofeministas.

La exposición en el Arsenale abre con el trabajo de

Belkis Ayón, una artista cuyo trabajo se basa en las
tradiciones afrocubanas para describir una sociedad
matriarcal imaginaria. El redescubrimiento del
potencial creador de mitos del arte también se puede
ver en las pinturas a gran escala de Ficre Ghebreyesus
y las visiones alucinatorias de Portia Zvavahera, así
como en las composiciones alegóricas de Frantz
Zéphirin y Thao Nguyen Phan que mezclan historias,
sueños y religiones. Basándose en el conocimiento
indígena y subvirtiendo los estereotipos colonialistas,
el artista argentino Gabriel Chaile presenta una nueva
serie de esculturas monumentales, hechas de arcilla
sin cocer, que se elevan como los ídolos de una
fantasiosa cultura mesoamericana.
Muchos artistas en la exposición imaginan nuevas y
complejas relaciones con el planeta y con la
naturaleza, sugiriendo formas sin precedentes de
coexistir con otras especies y con el medio ambiente.
El video de Eglė Budvytytė cuenta la historia de un
grupo de jóvenes perdidos en los bosques de Lituania,
mientras que los personajes de un nuevo video de
Zheng Bo viven en total, incluso sexual, comunión con
la naturaleza. Una sensación similar de asombro se
puede encontrar en las escenas nevadas bordadas por
la artista sámi Britta Marakatt-Labba, y las antiguas
tradiciones también se superponen con nuevas formas
de activismo ecológico en las obras de Sheroanawe
Hakihiiwe y en las composiciones oníricas de Jaider
Esbell.

The Corderie comienza con otra cápsula del tiempo, en

este caso inspirada en la autora de ciencia ficción
Ursula K. Le Guin y su teoría de la ficción, que relaciona
el nacimiento de la civilización no con la invención de
las armas, sino con las herramientas utilizadas para
proporcionar sustento y cuidado: bolsas, sacos y
vasijas. En esta sección, los caparazones ovoides de la
artista surrealista Bridget Tichenor se yuxtaponen con
las esculturas de yeso de Maria Bartuszová, las
esculturas colgantes de Ruth Asawa y las criaturas
híbridas de Tecla Tofano. Estas obras del pasado
conviven con los jarrones antropomórficos de
Magdalene Odundo y las formas cóncavas de Pinaree
Sanpitak, mientras que la videoartista Saodat
Ismailova examina celdas de aislamiento subterráneas
que sirven como lugares de refugio y meditación.
La artista colombiana Delcy Morelos, cuyas obras
están inspiradas en las cosmologías andinas y las
culturas de la Amazonía, presenta una instalación a
gran escala que presenta un laberinto construido con
tierra. Muchos otros artistas en la muestra combinan
enfoques políticos y sociales con una investigación de
las tradiciones locales, como en las pinturas a gran
escala de Prabhakar Pachpute sobre la devastación
ambiental causada por la industria minera en India, o el
video de Ali Cherri sobre las represas del Nilo. Igshaan
Adams fundamenta sus composiciones textiles
abstractas en temas que van desde el apartheid hasta
las condiciones de género en Sudáfrica, mientras que
Ibrahim El-Salahi transmite su experiencia de la
enfermedad y su relación con el mundo farmacéutico a
través de una práctica meditativa de minuciosos
dibujos cotidianos.

La sección final en Corderie es introducida por la

quinta y última cápsula del tiempo, que gira en torno a
la figura del cyborg. Esta presentación reúne a artistas
que trabajaron a lo largo del siglo XX e imaginaron
nuevas fusiones de lo humano y lo artificial, como
precursores de un futuro posthumano y postgénero.
Esta cápsula incluye obras de arte, artefactos y
documentos de artistas de principios del siglo XX,
como la dadaísta Elsa von Freytag-Loringhoven, las
fotógrafas de la Bauhaus Marianne Brandt y Karla
Grosch, y las futuristas Alexandra Exter, Giannina
Censi y Regina. Aquí, las delicadas esculturas de Anu
Põder representan cuerpos fragmentados que
contrastan con los monolitos de Louise Nevelson, los
tótems de Liliane Lijn, las máquinas de Rebecca Horn y
los robots de Kiki Kogelnik.
Al final de la Corderie, tras recorrer una vasta y diáfana
instalación de Kapwani Kiwanga, la exposición
adquiere tonos más fríos y artificiales y la figura
humana se vuelve cada vez más evanescente,
reemplazada por animales y criaturas híbridas o
robóticas. Las esculturas biomórficas de Marguerite
Humeau se asemejan a seres criogénicos,
yuxtapuestos con los exoesqueletos monumentales de
Teresa Solar. Raphaela Vogel describe un mundo en el
que los animales han vencido a los humanos, mientras
que las esculturas de Jes Fan utilizan materiales
orgánicos como la melanina y la leche materna para
crear un nuevo tipo de cultivo bacteriano.

Escenarios apocalípticos de células enloquecidas y

pesadillas nucleares también aparecen en los dibujos
de Tatsuo Ikeda y en las instalaciones de Mire Lee,
agitadas por el espasmo de maquinarias que asemejan
el sistema digestivo de algún animal. Un nuevo video
de la pionera poshumanista Lynn Hershman Leeson
celebra el nacimiento de organismos artificiales,
mientras que el artista coreano Geumhyung Jeong
juega con cuerpos que se han vuelto completamente
robóticos y pueden volver a ensamblarse a su antojo.

Otras obras oscilan entre la tecnología obsoleta y las

visiones del futuro que parecen espejismos. Las
fábricas abandonadas de Zhenya Machneva y los
mecanismos industriales decrépitos parecen revivir en
las instalaciones de Monira Al Qadiri y Dora Budor, que
zumban y giran como máquinas de soltero. Para
rematar esta serie de dispositivos fuera de control, una
gran instalación de Barbara Kruger concebida
específicamente para Corderie combina eslóganes,
poesía y objetos-palabra en un crescendo de
hipercomunicación. En contraste, las esculturas
silenciosas de Robert Grosvenor revelan un mundo que
parece desprovisto de toda presencia humana. Y más
allá de este universo inmóvil crece el vasto jardín
entrópico de Precious Okoyomon, rebosante de nueva
vida.
Los grandes proyectos de Giulia Cenci, Virginia
Overton, Solange Pessoa, Wu Tsang y Marianne Vitale
cierran la exposición en los espacios exteriores del
Arsenale, que guían a los espectadores al Giardino
delle Vergini a lo largo de un camino que conduce a
través de seres animales, esculturas orgánicas , ruinas
industriales y paisajes desorientadores.

La Leche de los Sueños fue concebida y organizada en

un período de enorme inestabilidad e incertidumbre, ya
que su desarrollo coincidió con el estallido y
propagación de la pandemia del Covid-19. La Biennale
di Venezia se vio obligada a posponer un año esta
edición, un hecho que solo había ocurrido durante las
dos guerras mundiales desde 1895. Por lo tanto, el
hecho mismo de que esta exposición pueda abrir es
algo extraordinario: su inauguración no es
exactamente el símbolo de un volver a la vida normal,
sino el resultado de un esfuerzo colectivo que parece
casi milagroso. Por primera vez, excepto quizás en el
período de posguerra, el Director Artístico no pudo ver
muchas de las obras de arte de primera mano ni
reunirse en persona con la mayoría de los artistas
participantes.
Durante estos meses interminables frente a la pantalla,
me he preguntado qué papel debe jugar la Exposición
Internacional de Arte en esta coyuntura histórica, y la
respuesta más simple y sincera que pude encontrar es
que la Bienal resume todo lo que tenemos. tanto
añorados en los últimos dos años: la libertad de
conocer gente de todo el mundo, la posibilidad de
viajar, la alegría de pasar tiempo juntos, la práctica de
la diferencia, la traducción, la incomprensión y la
comunión.

The Milk of Dreams no es una exposición sobre la

pandemia, pero inevitablemente registra las
convulsiones de nuestra época. En momentos como
este, como muestra claramente la historia de La
Biennale di Venezia, el arte y los artistas pueden
ayudarnos a imaginar nuevos modos de convivencia e
infinitas nuevas posibilidades de transformación.