En la actualidad se crearon y desarrollaron nuevas formas de arte.

¿Qué es el arte?
El arte es toda forma de expresión de carácter creativo que poseen los seres humanos. Es la capacidad
que tiene el hombre para representar sus sentimientos, emociones y percepciones acerca de sus vivencias y
el entorno que lo rodea.
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A través de las diferentes disciplinas artísticas, un individuo puede expresar lo que es y lo que siente
mediante una infinidad de formas y técnicas entre las que se destacan el uso de recursos lingüísticos,
plásticos y sonoros. En muchos países, el arte es uno de los componentes más importantes de la cultura.
A lo largo de la historia, la palabra “arte” se ha ido expandiendo por todo el mundo en todas sus formas.
Antiguamente, solo se consideraba arte a algunas disciplinas, como la pintura, el dibujo, el canto,
la literatura y la danza. Hoy el concepto de arte abarca muchas más técnicas y formas.
El avance de la tecnología es uno de los pilares fundamentales que permitieron la creación y el desarrollo de
nuevas formas de arte. Sin embargo, no todos los historiadores y filósofos están de acuerdo con la
definición de arte actual.
Comúnmente, el término “arte” es confundido con el de «artesano». Un artesano es aquel que reproduce
múltiples obras y las comercializa, mientras que, tradicionalmente, se considera que el arte se basa en obras
únicas e irrepetibles.
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Origen del arte

El hombre prehistórico pintaba escenas de su vida cotidiana y de lo que lo rodeaba.

Las primeras representaciones artísticas de las que se tiene registro datan de la prehistoria: la Edad de
Piedra (Paleolítico, Mesolítico y Neolítico) y la Edad de los Metales. Durante este período (que se extendió
desde el inicio de la evolución humana hasta el 3000 a. C.) surgieron las primeras obras de arte.
Una de las manifestaciones artísticas de las que se tiene mayor cantidad y calidad de registro es la
pintura rupestre. Los seres humanos que habitaron en la prehistoria se caracterizaron por tener un estilo de
vida nómade y habitar en cuevas.
Se utilizaban pigmentos naturales, como la arcilla y el óxido, para realizar dibujos sobre la piedra de
las cuevas; en ellos representaron su estilo de vida y lo que observaban en el medio que los rodeaba.
Pintaron animales (leones, hienas, caballos y rinocerontes) y escenas de caza.
La mayoría de las pinturas rupestres de esta época están en cuevas dentro de los actuales territorios de
Francia y España. Estas primeras representaciones artísticas constituyeron lo que se denomina el arte
prehistórico y, en muchos casos, se caracterizaron por su sentido figurativo y su carácter espiritual o
religioso.
Sin embargo, el hallazgo de pinturas anteriores a la aparición del homo sapiens sugiere que el arte rupestre
posee una larga tradición cultural y que fue iniciado por el hombre de Neandertal que habitó hace más de
40.000 años.
Otro registro artístico prehistórico fueron las llamadas “venus paleolíticas”, pequeñas estatuas de figuras
femeninas talladas en piedra, madera, hueso o barro que eran utilizadas en ritos de fecundación.
Las primeras civilizaciones también elaboraron herramientas y utensilios de piedra, madera y hueso, aunque
se cree que estos tenían un fin más utilitario que artístico.
La invención de la escritura puso fin a la era prehistórica y dio comienzo al auge de las
grandes civilizaciones en Egipto y Mesopotamia que desarrollaron una vasta identidad artística.
Características del arte

El arte es producido en todas las culturas y sociedades.

 Es dinámico. El arte está en constante transformación. Las representaciones artísticas varían con
el tiempo y según las diferentes sociedades o culturas.
 Es subjetivo. El arte está formado por representaciones artísticas originales y únicas que no pueden
ser replicadas. Cada artista traduce, interpreta y representa el mundo según su propio punto de vista.
 Es universal. El arte y la capacidad de producirlo es inherente al ser humano. Las expresiones
artísticas son realizadas por individuos y grupos sin distinción de cultura, raza o género.
 Es un medio de expresión. El arte se erige como el medio de expresión por excelencia para el ser
humano. A lo largo de la historia, el hombre creó y encontró diversas maneras de transmitir y
expresar emociones, opiniones, pensamientos y valores a través de los diferentes lenguajes artísticos.
 Es contemplativo. El arte no tiene un fin utilitario. Su fin es estético y es considerado una forma de
expresión que busca la belleza.
 Es una actividad creativa. El arte es la actividad creativa por excelencia. A través de las diferentes
 disciplinas artísticas, el ser humano utiliza su potencial y capacidades para crear.
 Es multidisciplinario. El arte se vale de multiplicidad de herramientas y métodos para ser
representado. El sonido, la escritura, la pintura son algunos de los recursos más utilizados en el arte.
Importancia del arte
El arte posee una serie de funciones clave para el desarrollo del ser humano y de las sociedades.
En primer lugar, contribuye a la documentación y registro de la historia de las civilizaciones. Los
registros artísticos que existen de las diferentes sociedades y culturas han permitido conocer
las costumbres e identidad de tribus y comunidades. Las expresiones artísticas funcionan como un medio
para la trasmisión de valores, cultura y modos de ver el mundo. Brindan testimonio tanto grupal como
individual.
El arte es un medio para el desarrollo creativo y el canal de expresión por excelencia del ser humano. A
través de las diferentes disciplinas artísticas, el individuo transmite emociones y sentimientos, y da a
conocer su visión del mundo. Es una herramienta clave dentro de la educación.
Además, es un canal para que el individuo pueda comunicarse consigo mismo y con los demás; funciona
como una herramienta terapéutica y de autoconocimiento.
¿Cuáles son las disciplinas artísticas?

La fotografía se basa en la captura de imágenes que se encuentren o no en movimiento.

El arte suele ser representado a través de diferentes disciplinas artísticas. Todos estos tipos de arte han ido
avanzando con el tiempo. Entre los más importantes se destacan:
ARTES VISUALES
 Arquitectura. Conjunto de técnicas que se utiliza para proyectar y concretar la construcción de
casas y edificios. Es un proceso que abarca el diseño de estructuras para un uso futuro, como las
escuelas, instituciones u hospitales. Siglos atrás, la arquitectura se realizaba mediante procesos muy
diferentes a los actuales, con otros materiales y métodos de construcción.
 Arte corporal. Disciplina artística que utiliza al cuerpo humano como soporte. Dentro de este tipo
de arte se encuentra el maquillaje, el vestuario, los piercings y los tatuajes.
 Arte digital. Disciplina artística que utiliza medios digitales y tecnológicos para la confección de
piezas. Es uno de los recursos artísticos más utilizados en los últimos años.
 Cinematografía. Técnica artística mediante la cual se reproducen secuencias de imágenes lo que
crea una sensación de movimiento. La cinematografía surgió en 1895.
 Dibujo. Técnica artística que se basa en la representación gráfica de cualquier tipo de elemento. Es
el tipo de arte más conocido y uno de los recursos que funciona como base para otros tipos de arte.
 Escultura. Técnica artística que se basa en la creación de obras modeladas con las manos con varios
tipos de materiales como el barro, la arcilla, la madera o el metal.
 Fotografía. Técnica basada en la captura de cualquier tipo de imagen que se encuentre o no en
 movimiento. Durante los últimos años esta técnica ha ido avanzando con rapidez.
 Historieta. Disciplina artística que combina relatos cortos con imágenes y dibujos que se plasman
en recuadros o viñetas.
 Pintura. Disciplina artística en la que se crean imágenes por medio de pigmentos de color. Es
realizada sobre una gran cantidad de superficies como la madera, el papel, el metal.
ARTES ESCÉNICAS
 Danza. Disciplina artística en la que se utiliza el movimiento del cuerpo humano acompañado,
generalmente, de música. La mayoría de las culturas posen un tipo de danza característico.
 Teatro. Disciplina artística en la cual un grupo de personas (actores y actrices), realizan una
representación de un drama literario sobre un escenario.
 Artes musicales
 Canto. Técnica artística que se realiza haciendo uso de la voz.
 Música. Disciplina artística en la cual se utiliza cualquier tipo de instrumento musical
o sonidos para generar un ritmo. La música también incluye al canto.
ARTES LITERARIAS
 Poesía. Composición literaria escrita en verso o prosa que se utiliza para expresar ideas,
sentimientos y emociones.
 Narrativa. Composición literaria escrita en prosa que cuenta una historia a través de un narrador.
Entre las formas más comunes están los cuentos y las novelas.
 Drama. Composición literaria basada en el diálogo entre dos o más personas. A través del diálogo
se presenta una historia en la que se desarrollan las acciones de los personajes.
Arte y cultura
A menudo se encuentra el concepto de arte asociado al de cultura. El concepto de cultura es un término
amplio que abarca todas las manifestaciones individuales y colectivas de una determinada sociedad. Es
decir que la cultura incluye tanto el arte como las creencias, tradiciones, valores y costumbres de una
comunidad.
La cultura está formada por conocimientos, bienes materiales e inmateriales que transmiten la
identidad, la historia y la forma de ver el mundo de un grupo de individuos e incluye la lengua, la religión,
la vestimenta, la gastronomía, las artes visuales, los sitios históricos.
Existen diversos tipos de culturas que varían según los elementos que las componen y construyen su
identidad. La cultura es trasmitida de generación en generación y el arte es un componente fundamental de
toda cultura.

¿Qué es la cultura?
Cuando hablamos de cultura nos referimos a un término amplio, muy abarcador, en el que están contempladas las distintas
manifestaciones del ser humano, en oposición a sus aspectos genéticos o biológicos, a la “naturaleza”. Sin embargo, presenta
diversas formas de entenderse.
Se llama cultura el modo de hacer las cosas propio de una comunidad humana, por lo general determinado por sus
características singulares de tiempo, espacio y tradición. Así, al hablar de cultura lo hacemos también de la manera de ver la vida
de una comunidad humana, su modo de pensarse a sí mismos, de comunicarse, de construir una sociedad y una serie de valores
transcendentes, que pueden ir desde la religión, la moral, las artes, el protocolo, la ley, la historia, la economía y un largo y
variopinto etcétera. Según algunas definiciones, todo lo que el humano haga es cultura.
La palabra cultura proviene del vocablo latino cultus, a su vez derivado de colere, es decir, “cuidar del campo y del ganado”, lo
que hoy en día llamamos cultivar. El pensador romano Cicerón lo empleó como cultura animi (“Cultivar el espíritu”) para referirse
metafóricamente al trabajo de hacer florecer la sabiduría humana, y desde entonces se vinculó con esos aspectos.
De esa manera nace también el uso de “culto” y “culta” para referirse a aquellos individuos que han cultivado su espíritu, y se le
da al término cultura un significado similar al de civilización, de “ser civilizado”. De allí proviene también la distinción entre una
cultura elevada o “alta” y una popular o “baja”, de acuerdo a la distinción entre las clases sociales.
Sin embargo, hoy en día el concepto se emplea mucho más amplia y democráticamente, como dijimos al principio, para significar
todos los aspectos espirituales, racionales y sociales de la humanidad.
Puede servirte: Arte popular
Tipos de cultura

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Es posible también dividir las culturas en base a su raíz religiosa.
Existen muchísimas maneras de clasificar la cultura (o las culturas), algunas de las cuales pueden ser:
 Según estrato social. Se habla de alta y baja cultura para referir, respectivamente, a la cultura de las clases privilegiadas
y dominantes, y la del vulgo y la tradición popular. Durante muchos siglos se tuvo la primera como la verdadera cultura,
pero hoy se entiende que ello es únicamente porque pertenecía a la élite letrada.
 Según uso de la escritura. Se puede hablar de culturas orales o ágrafas, para aquellas que no conocen la escritura y
dependen de la memorización para transmitir y conservar sus tradiciones, y de culturas letradas para aquellas que
manejan la escritura y dependen de ella para hacerlo.
 Según estado de desarrollo histórico. Dependiendo del lugar que ocupen en el transcurso de la historia humana, es
posible hablar de culturas primitivas u originarias (aquellas con que inició la humanidad), culturas nómadas (errantes, de
cazadores y recolectores), culturas agrícolas (aquellas centradas en la vida del agro), culturas urbanas (propias de
la ciudad) o culturas industriales (posteriores a la Revolución Industrial y su cambio de valores).
 Según religión. Es posible también dividir las culturas en base a su raíz religiosa, la cual determinó históricamente su
rango de valores y su normativa moral y ética. Así, se habla de cultura cristiana, cultura islámica o musulmana, cultura
judaica, etc.
Elementos de la cultura

Se dice que el lenguaje es el espejo de la cultura.

Toda cultura se conforma a partir de seis elementos básicos, que son:
 Valores. Consideraciones compartidas de lo deseable e indeseable, lo transcendente y lo efímero, así como la dirección
que ha de tener la existencia respecto a la sociedad.
 Normas y sanciones. Un código de leyes, básicamente. Una normativa por la cual las sociedades eligen regirse, ya sea
explícitamente (lo legal), protocolarmente o subjetivamente. No todas las leyes están dichas, ni escritas en piedra.
  Creencias. Un conjunto de ideas sobre cómo operan la vida y el universo, sobre el propio ser humano y su lugar en el
mundo, y le dan propósito y dirección a la vida.
 Símbolos. Emblemas, formas o signos que contienen un significado potente dentro de la cultura, representando su
modelo de vida o su tradición ancestral, o algún elemento considerado icónico e identificativo de la misma, como es la
cruz del cristianismo, por ejemplo.
 Idioma. El código compartido de sonidos que permite comunicarse, junto con el modo específico de hablarlo, derivarlo,
cambiarlo y emplearlo creativamente (literatura), forman parte vital del acervo de una cultura. Se dice que el lenguaje es
el espejo de la cultura.
 Tecnología. El cuerpo de conocimientos y aplicaciones de ellos que se derivan del deseo humano por manipular
la realidad y adaptarla a sus necesidades y sus antojos. Las grandes revoluciones tecnológicas acarrearon cambios
culturales profundos.
Ejemplos de cultura
Algunos ejemplos de cultura pueden ser:
La cultura china. Propia de una de las naciones más antiguas de la tierra, cuyo origen rico y diverso les aseguró un lugar
dominante en el Asia antigua y moderna.
La cultura europea. Se llama así a aquella que identifica los valores propios de la región, centro cultural, tecnológico y comercial
del mundo antiguo, y que supo imponerse a los demás continentes a lo largo de los siglos.
Las culturas precolombinas. Se llama así al conjunto de las civilizaciones americanas previas a la llegada de Colón, como fueron
los mexicas (aztecas), los incas, los taínos, los caribes, etc.
La cultura 2.0. Propia del Internet y de las redes sociales, así como de las interacciones que este adelanto tecnológico permite en
materia de creación de comunidades on-line.

La pintura es una de las Bellas Artes.

¿Qué son las Bellas Artes?
Las Bellas Artes refieren a las principales formas
de realización artística o representación estética
cultivadas históricamente por la humanidad, y
consideradas formas “puras” de arte que
emplean técnicas, materiales y procedimientos
diferentes entre sí. Cada una de las siete, no
obstante, engloba una multitud de prácticas, estilos
y tendencias reconocidas.
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Estas artes forman parte tradicionalmente de los
elementos duraderos y trascendentales de la humanidad: aquellos considerados dignos de un lugar central en la alta cultura,
tanto como documentos o testimoniales de una época, una forma de sentir, o como símbolos que atañen a una concepción
específica del mundo y de la existencia.
Tradicionalmente se reconocen seis formas de las Bellas Artes: la pintura, la música, la literatura, la danza y la escultura.
Posteriormente se añadieron el cine (el séptimo arte), la arquitectura y la narrativa gráfica o arte secuencial (el noveno arte).
Hay que decir que el concepto de Bellas Artes está vinculado con la idea del museo y del arte histórico, y no tanto del arte
contemporáneo, que ha puesto en jaque o en cuestionamiento dicho concepto. Hoy en día el arte se contempla desde
perspectivas diversas, dado que la noción tradicional de Bellas Artes ha sido acusada a menudo de ser etnocéntrica (privilegia la
concepción europea del arte) y culturalmente excluyente.
Ver además: Arte popular
Historia de las Bellas Artes
Los antiguos griegos estudiaron la representación artística (sobre todo Aristóteles) y la comprendían en dos categorías oponibles:
las superiores y las menores. Las primeras eran más elevadas, poéticamente poderosas y trascendentales, mientras que las
segundas eran más vulgares y sencillas. Esta distinción se suponía a partir de los sentidos empleados para percibir la belleza
(vista y oído eran los sentidos superiores).
Sin embargo, el término Bellas Artes se empleó propiamente a partir del siglo XVIII para agrupar a las prácticas artísticas
valoradas en la época y tratar de unificar las numerosas teorías que había sobre la belleza, el estilo o el gusto. Inicialmente se
incluía entre ellas la declamación y la oratoria, pero fueron sustituidas en el tiempo.
¿Cómo se clasifican las Bellas Artes?

La música busca alcanzar la belleza mediante ritmos, melodías y sonidos.

La división clásica de las Bellas Artes se establece a partir de los materiales que usa y del modo en que los utiliza, de la siguiente
manera:
 Arquitectura. Emplea los diversos materiales de construcción para confeccionar viviendas, edificaciones y espacios
urbanos que sean hermosos y funcionales, estéticos y habitables al mismo tiempo.
 Danza. Emplea el cuerpo humano y el ritmo musical como una forma de expresión de contenidos artísticos.
 Escultura. Emplea la piedra, la arcilla o diversos materiales sólidos para lograr representaciones artísticas
tridimensionales, ya sean figurativas o abstractas.
 Pintura. Emplea pigmentos obtenidos de diversas fuentes naturales y artificiales, para representar estéticamente
la realidad mediante el color y las formas sobre lienzos y otras superficies.
 Música. Mediante diversos instrumentos construidos por el ser humano, busca alcanzar la belleza mediante ritmos,
melodías y sonidos armónicamente orquestados para suscitar una experiencia estética en el escucha.
 Literatura. Empleando el lenguaje como materia prima, compone relatos, representaciones teatrales
o descripciones poéticas que luego pueden leerse y disfrutarse estéticamente.
 Cine. Empleando instrumentos técnicos complejos, capta la luz, el sonido y el tiempo mismo en secuencias de eventos
simulados o reales que componen un relato, un discurso o una representación audiovisual de la realidad.
Características de las Bellas Artes
Las Bellas Artes son diversas entre sí, pero suponen un conjunto uniforme de características:
 Aspiran a la belleza. Del modo que sea y a través de las técnicas y materiales que sean, pero las Bellas Artes buscan
comunicar una experiencia específica de lo bello, lo armónico, lo trascendente o lo profundo.
 Son universales. En principio, las obras de arte tendrían que ser apreciables por toda la humanidad, sin importar las
particularidades de su proveniencia, religión o sexo.
 Son duraderas. Las obras de arte deberían durar en el tiempo y poder comunicar su contenido a las generaciones
venideras, ya sea en museos, reproducciones o soportes especializados para ello.

Las obras de arte son un producto de las llamadas Bellas Artes.

¿Qué es una obra de arte?
Por una obra de arte u obra artística se entiende un objeto elaborado empleando técnicas artísticas y con un
propósito estético o social. Es decir, se trata tradicionalmente del producto de las llamadas Bellas
Artes: pintura, escultura, literatura, música, danza, teatro, cine, fotografía e historieta.
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Sin embargo, no es sencillo definir una obra de arte, ni restringir el uso de esta expresión, que puede emplearse
también para aludir metafóricamente a algo muy bien hecho, alguien muy hermoso o simplemente algo que nos
gusta en demasía. Y esta dificultad se debe a que es también difícil definir el arte en sí.
De hecho, lo arbitrario del criterio respecto a lo que es o no es arte, hoy en día, es materia de debate y no existe un
criterio único, científico. El arte es una construcción histórica y social, a la que se le
atribuyen valores trascendentales de la civilización humana. Estos pueden ser de tipo histórico (documental),
estético (técnico) o simbólico (social).
Tradicionalmente se supone que una obra de arte es un objeto que representa los valores universales más
trascendentes de la humanidad, o que en todo caso conlleva una reflexión importante respecto a ellos.  Pero no
siempre se cumplen dichos criterios para todo el mundo por igual.
Los museos, como instituciones protectoras y seleccionadoras de lo artístico, pueden ser acusados de seguir un
criterio ideológico, culturalista o de algún otro sesgo, así que su criterio tampoco habría de ser tenido por una verdad
absoluta. Además, debido a su naturaleza, muchas obras artísticas no pueden ser guardadas en un museo.
Por otro lado, en la contemporaneidad la idea de obra artística ha estado sujeta a críticas y desconstrucción, a medida
que el arte prolifera hacia variantes más imprevisibles y menos controlables, más modernas y atrevidas, menos
vinculadas con la tradición histórica. Los museos de arte moderno, de hecho, suelen ser escenario de dicho debate, en
torno a lo que puede o no ser considerado como una obra.
Ver además: Arte popular
¿Para qué sirve una obra de arte?

Las obras de arte nos recuerdan cuánto ignoramos del

mundo y de nosotros mismos.
La respuesta más simple a esta pregunta es: para nada. El arte no tiene una finalidad específica que cumplir, un rol
o una utilidad. Puede ser empleado como decoración, como documento histórico o como exploración de las
sensibilidades de una época, como quien intenta comprobar cuáles son las perspectivas personales más usuales en un
período determinado.
Sin embargo, y por complejo que parezca, las obras de arte tienen un único y simple cometido: recordarnos quiénes
somos y de dónde venimos, con quiénes vivimos en el mundo y cuánto sabemos y cuánto ignoramos de él, y de
nosotros mismos.
Tipos de obras de arte
Podríamos clasificar las obras de arte según las técnicas empleadas para hacerlas:
 Obras pictóricas. Fruto de la pintura y el dibujo o la ilustración.
 Obras escultóricas. Producto de la escultura, abstracta o figurativa.
 Obras musicales. Fruto de la composición musical y que pueden interpretarse por artistas con instrumentos
musicales.
 Obras literarias. Escritas por autores de literatura en sus géneros: poesía, ensayo, dramaturgia y narrativa.
 Obras teatrales. Dirigidas y escenificadas por un director e interpretadas por actores, en base a un guión.
 Obras cinematográficas. Las que son producidas por un equipo y filmadas en película fotosensible.
  Obras escénicas. Producto de otras formas de arte visual que requieren un escenario.
Características de una obra de arte

Las obras de arte deben poder conservarse y exhibirse a generaciones venideras.

De nuevo, es difícil establecer las características comunes a toda obra de arte. Pero convengamos en que una obra
maestra debería de ser:
 Duradera. Debe poder conservarse y exhibirse a generaciones venideras.
 Contextual. La obra no existe sin su contexto histórico y sin todo aquello que podemos decir sobre ella, pues
todo eso es justamente lo que ella representa.
 Simbólica. Las obras de arte no siempre contienen un mensaje explícito, sino que representan sentidos y
significados, es decir, contienen mensajes implícitos que debemos aprender.
 Valiosa. Su valor no es necesariamente mensurable en dinero o en bienes preciosos, sino que posee un valor
cultural, pues se trata de un objeto irrepetible.
 Original. No existen otras idénticas a la obra de arte, sino que se trata de algo único e irrepetible.
Lenguaje del arte
Se entiende por lenguaje artístico o lenguaje del arte aquel medio que una forma artística emplea para transmitir
sus contenidos: la pintura y la escultura son eminentemente visuales, mientras que la cinematografía es audiovisual y
la música meramente auditiva.
Se le llama lenguaje porque el arte existe sólo en la medida en que comunica un mensaje, incluso si ese mensaje no
siempre está muy claro o es fácil de descifrar.

Gran parte del arte sólo puede apreciarse correctamente conociendo su contexto histórico.
¿Qué es el contexto histórico?
El contexto histórico es el conjunto de circunstancias temporales, sociales y culturales que rodean un evento,
una obra artística o un referente determinado, y que pueden resultar relevantes para entender mejor
su contenido. Dicho de otro modo, se trata de la diversa información circunstancial que enmarca un evento o un
objeto y que establece su relación con el resto de las cosas que sucedían en su época.
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Así, a la hora de revisar el contexto histórico de algo, simplemente debemos ubicarlo en un lugar y un  tiempo, ya
que todos los eventos del universo tienen siempre un dónde y un cuándo. De esa manera puede observarse qué tipo
de relación existía entre aquello que estudiamos, y su entorno.
Comprender los contextos históricos permite conocer a mayor cabalidad lo que un suceso significó en su
momento o, por el contrario, lo que significa hoy en día, una vez pasado el tiempo suficiente como para tener una
perspectiva. Así, evitamos emitir juicios extemporáneos, o sea, ser injustos con nuestra evaluación del objeto.
Supongamos, a modo de ejemplo, que leemos sobre la democracia ateniense, la primera que existió en el mundo (en
el siglo VI a. C.). Si la juzgamos con los criterios de hoy en día, nos resultará paradójicamente muy poco
democrática: los únicos con voto eran los ciudadanos varones atenienses libres y mayores de edad.
Entonces estaban excluidas las mujeres, los extranjeros y obviamente los esclavos. Nadie en ese momento
reclamaba el derecho al sufragio de las mujeres, ni el respeto de los derechos humanos de los esclavos, ni muchas de
las normas con que entendemos hoy la democracia moderna.
Pero si tomamos en cuenta su contexto histórico, comprenderemos que el caso ateniense era único en la  Antigüedad,
 dado que la mayoría de las ciudades-estado griegas se regían por la monarquía más o menos absoluta.
Por otro lado, el resto de los imperios del Medio Oriente eran teocráticos, gobernados por una casta sacerdotal y
militar, en la que el poder se ejercía verticalmente y los reyes eran considerados dioses en la Tierra. Visto así, nadie
dudaría de considerar el gobierno de Atenas como una democracia.
Otro caso típico de falta de contexto histórico tiene que ver con muchas obras artísticas, especialmente en
el arte moderno y contemporáneo, cuyas formas y estrategias estéticas pueden ser muy rupturistas o revolucionarias
en su momento, para luego convencionalizarse en la historia del arte.
Así, por ejemplo, célebre urinario del surrealista francés Marcel Duchamp (1887-1968), presentado con el
título Fuente en la Sociedad de Artistas Independientes de 1917, bajo el seudónimo “R. Mutt”, fue una provocación,
una bofetada a los conceptos de arte de la época.
Cien años después, el propio Duchamp se hubiera reído del destino del urinal, que hoy en día forma parte del canon
artístico. Su importancia no se debe a que tenga un valor estético en sí mismo, sino porque dado su contexto
histórico, condensa a la perfección la actitud revolucionaria de la época, que entre otras cosas intentaba volver a
cuestionar la naturaleza del arte.
Sin embargo, si lo evaluamos despojado de todo contexto histórico, toda esa información se nos perdería, y
podríamos llegar a la absurda conclusión de que cualquier cosa es arte, que el arte no existe, o que se trata de un
asunto para esnobs.
En conclusión, el contexto histórico es siempre relevante a la hora de juzgar algo o alguien, de emitir opiniones o
de comprender la importancia de los eventos que la humanidad elige recordar en contra del paso del tiempo.

El contexto social impacta en el desarrollo de personas, organizaciones y

hechos.
¿Qué es el contexto social?
El contexto social, ambiente social o el entorno social es el espacio dentro de
la sociedad que un evento o una cosa ocupa, es decir, las situaciones de tipo
social (o sea, referidas al funcionamiento de la sociedad) en las que se produjo o
que condicionaron su aparición. Es decir, es la configuración de la sociedad en el
momento histórico en que un hecho se produjo, o en el que una organización opera, o en el que un individuo vivió su vida.
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En este sentido, todo contexto social es a la vez un contexto histórico. Sin embargo, se trata de una categoría menos ambiciosa y
menos abarcativa, ya que el contexto histórico abarca incluso el estado de otras sociedades, ajenas a la que resulta de nuestro
interés.
Por ejemplo, si pensamos el poeta irlandés Oscar Wilde, muchos aspectos de su vida estuvieron determinados por el momento
histórico en que vivió, pero al mismo tiempo dicho contexto histórico fue diferente para las personas de diferentes clases sociales.
Esto último es, precisamente, una forma del contexto social.
Así, a la hora de hablar de este tipo de contexto se toma en cuenta la forma de operar de la sociedad local, pero también el modo
en el objeto estudiado se posiciona dentro de ella. Por ejemplo, una empresa puede operar mejor que otra en determinado
contexto social o socioeconómico, y un descubrimiento científico bien puede estar condicionado por el contexto social de las
organizaciones implicadas en ello.
También se llama entorno social al conjunto de redes de apoyo emocional, social y psicológico de un individuo en un momento
dado. En este sentido, son muy importantes para el san desarrollo de cada persona.
Ver también: Contexto en comunicación
Tipos de contexto social
El contexto social puede referirse específicamente a:
 La clase social, es decir, el lugar que un individuo ocupa dentro de los estratos de la sociedad.
 La situación sociopolítica, en la medida en que el balance de poderes de una sociedad pueda determinar (a través de las
políticas sociales) el modo en que un evento ocurre.
 El imaginario colectivo, o sea, los discursos que circulan más frecuentemente entre los medios de comunicación y la
 propia ciudadanía, forjando en su recorrido ciertas maneras de pensar y sentir.
 La idiosincrasia nacional, que equivale al temperamento colectivo o el modo tradicional, acostumbrado, de hacer y
pensar las cosas en una sociedad determinada.
Ejemplo de contexto social

La reacción a la muerte de Floyd se entiende en el contexto social de racismo y violencia.

Un claro ejemplo de contexto social es lo ocurrido en Estados Unidos con el asesinato del ciudadano George Floyd a manos de la
policía en 2020, que motivó una intensa oleada de protestas en todo el país. El contexto social en que ocurre este homicidio es
que Floyd era afroamericano, y que dicho colectivo posee una larga historia de discriminación racial sistémica en los Estados
Unidos.
Además, cada cierto tiempo un afroamericano es ejecutado por la policía en condiciones cuestionables. Así, el contexto social
explica por qué fue un homicidio tan significativo como para disparar un conjunto de acciones civiles y de calle a lo largo del país.
Contexto social y contexto cultural
Una línea muy delgada separa el contexto social del cultural. Estrictamente hablando, el primero alude a la configuración de la
sociedad, y el contexto cultural abarca los discursos que una sociedad produce, o sea, el modo de pensar que la sostiene. Pero
una cosa no puede darse, lógicamente, sin la otra, dado que las sociedades responden en gran medida a sí mismas y a sus
propios impulsos.
Así, podríamos decir que el contexto social de un individuo es el modo en que vive la cultura en que está inmerso; mientras que el
contexto cultural es el patrón mental, colectivo, que la sociedad maneja. Es posible diferenciarlos como la práctica y la teoría.
Sin embargo, también podemos referirnos a “contexto cultural” como sinónimo de contexto educativo, especialmente si hablamos
de una persona. De ese modo, nos estaríamos refiriendo a qué tanto se educó y a qué tipo de ideas y formación tuvo acceso, por
ejemplo.
Contexto histórico
Así como existe el contexto social, también es común hablar del contexto histórico, esto es, de la coyuntura de eventos locales
que son relevantes a la hora de pensar o estudiar un evento u objeto determinado.
Dicho de otro modo, el contexto histórico se refiere al panorama del momento, a todos los aspectos de interés que sean
coetáneos con lo estudiado. Solamente tomando en cuenta el contexto histórico puede evitar hacerse juicios injustos, por
retrospectivos o extemporáneos.

Las Artes visuales abarca técnicas de Artes plásticas tradicionales y otras

más novedosas.
¿Qué son las Artes visuales?
Las Artes visuales hacen referencia a un conjunto de técnicas y disciplinas artísticas que van desde
las Artes plásticas tradicionales, hasta las tendencias más novedosas y poco convencionales que aprovechan
las nuevas tecnologías disponibles, como el arte digital, el arte urbano y otras más surgidas durante el siglo
XX y lo que va de XXI.
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Estos términos se usan para insistir en la dimensión común que engloba tantas técnicas y recursos
diferentes, y que es lo visual, entendido como aquello que requiere de la atención del espectador para
percibir a través de la mirada los detalles que componen la obra.
Sin embargo, este término puede llegar a ser un poco arbitrario, si consideramos que en casos como el
videoarte se involucran también otros sentidos.
La lista de las artes visuales es grande, y abarca técnicas tradicionales y otras novedosas, llegando incluso a
incorporar ciertas artes escénicas como el performance, en las que priva la percepción visual de los
eventos artísticos.
En ese sentido, ha servido de objeto de estudio a disciplinas de la interpretación como
la psicología (gestalt), interesadas por la manera en que percibimos la realidad y la organizamos
mentalmente.
En ese sentido, el Arte visual presta mucha atención a la dinámica que hay en sus obras entre el fondo
y la figura representada, entre el contorno, las tendencias hacia la agrupación de los elementos y la
manera en que se generan efectos anímicos, estético e incluso éticos en torno a lo percibido.
Puede servirte: Obra de arte.
Historia de las artes visuales
Las artes plásticas tradicionales tienen su propia historia, dado que provienen de los tiempos más antiguos
de la humanidad, en especial la pintura y escultura. Sin embargo, luego del cambio de paradigma
tecnológico que significó la Revolución Industrial y las posteriores revoluciones tecnológicas del siglo XX,
hoy en día existen vertientes modernas como la fotografía o el cine, y otras aún más recientes como el
videoarte, el net.art (arte en Internet), el Land Art o el happening o performance. La historia del arte visual
es la de una innovación cada vez más atrevida.
¿Para qué sirven las artes visuales?

El Arte Visual puede abrir los ojos respecto a ciertos significados que no se consideran.
Convengamos en que el arte, como decía Oscar Wilde, no sirve para nada. Es decir, no tiene una utilidad
práctica, no es intercambiable económicamente ni sirve para reparar la estufa cuando se daña en invierno.
Sin embargo, el arte visual tiene a menudo aplicaciones decorativas en hogares, edificaciones o
simplemente en la ciudad, como el arte urbano (street art) que pueden brindar al espectador cierta
sensación de armonía o por el contrario abrirle los ojos respecto a ciertos significados que, normalmente, ni
siquiera considera.
Clasificación de las artes visuales
Las artes visuales son numerosas y eso incluye al menos las siguientes categorías:
 Artes plásticas tradicionales: pintura, escultura, arquitectura, dibujo, grabado.
  Artes visuales del siglo XX: fotografía, cine, arte cinético, arte abstracto, Land art (arte con la tierra
o el suelo mismo), arte urbano, grafiti, performance.
 Artes digitales o de la nueva era: videoarte (arte multimedia), net.art, arte digital, fanart y las
instalaciones (conjunción de escultura, pintura y diversos elementos plásticos en torno a un espacio
determinado).
Características del arte visual

Las Artes Visuales puede echar mano a técnicas, formas o tradiciones y combinarlas con otras.
El arte visual, entendido como categoría global, presenta las siguientes características:
 Transdisciplinariedad. Este término significa que las artes visuales se mueven entre diversas
disciplinas, en lugar de quedarse estancada en una sola o de respetar las “fronteras” entre ellas. En
principio se puede echar mano a cualquier técnica, forma o tradición y combinarla con cualquier otra
que resulte conveniente.
 Tiende a la apropiación. Las artes visuales tienden a reciclar tendencias y exploraciones previas o
tradicionales, y a resignificarlas con capas nuevas de sentido mediante intervenciones y giros
irónicos.
 Es un arte global. Se maneja muy bien en el imaginario heterogéneo y contaminado de
la globalización, donde pocas cosas se tienen por “puras” o “inamovibles” y se valora la mezcla y el
atrevimiento.
 Maneja estrategias de exposición. No se contenta con los museos y espacios controlados, sino que
invade lo urbano, sale en búsqueda del espectador y a menudo exige de él cierta colaboración o
cierta complicidad para formar la obra.
 Última edición: 6 de junio de 2019. Cómo citar: "Artes

El artista realiza un trabajo mental previo al dibujo.

¿Qué es Dibujo?
El dibujo es el arte y técnica de dibujar. Mediante el acto de dibujar, queda plasmada una imagen, sobre un
papel, lienzo o cualquier otro material, haciendo uso de diferentes técnicas.
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El dibujo es una forma de expresión gráfica en un plano horizontal, o sea en dos dimensiones. Es también una
de las artes visuales. A lo largo de los años la humanidad lo ha utilizado como una forma de expresión universal y
también de transmisión de la cultura, el lenguaje y demás.
El dibujo sirve de herramienta expresión de los pensamientos o de los objetos reales, cuando hay cosas que las
palabras no pueden explicar se dice que es mejor dibujar. Siempre el artista realiza un trabajo mental previo a
plasmar sus ideas, en donde mezcla ideas, sentimientos, recuerdos u otros para obtener el acabado final.
Ver también: Artes plásticas
Tipos de dibujos

El dibujo técnico se usa para planos de arquitectura o dibujos topográficos.

Artístico. En este tipo de dibujo se expresan las ideas del artista, haciendo uso de diferentes técnicas, como la
perspectiva, e incluso de materiales, ya que existe una extensa variedad de lápices y otros elementos para dibujar,
como el carboncillo.
Técnico. Este segundo tipo es utilizado para hacer representaciones de diferentes cosas, por ejemplo planos
de arquitectura o dibujos topográficos. En el dibujo técnico la principal intención es representar de la mejor forma
posible, de la más exacta, las dimensiones y la forma de un objeto determinado. Es la clase  de dibujo que utilizan
los profesionales en su trabajo (ingenieros, arquitectos, geólogos, etcétera). A su vez, el dibujo técnico tiene cuatro
clasificaciones: natural, continuo, industrial y definido.
De acuerdo con el objeto del dibujo, puede clasificarse en:
Dibujo de concepción
Dibujo de definición
Dibujo de fabricación
Dibujo industrial
Muchos artistas afirman que no es importante tener una gran habilidad para ser justamente dibujante o pintor, sino
que lo más importante es la capacidad de expresión.
Puede servirte: Pintura
Elementos usados en el dibujo
 Instrumentos. Comprende todos los artefactos que trazan las líneas y también aquellos que permiten
hacerlas, así como los lápices de grafito y las reglas.
 Tintas. Son los pigmentos y los colores que el artista utiliza para dar más cuerpo a su obra. Pueden
aplicarse con ayuda de instrumentos secos, como los lápices, o húmedos, como los marcadores.
  Soporte. Todos elemento que ayude a sostener el papel o sobre el que se dibuje, como un lienzo.

El dibujo técnico muestra dimensiones, formas y características de objetos

materiales.
¿Qué es dibujo técnico?
El dibujo técnico es una rama del dibujo conocido como el sistema que representa gráficamente uno o más objetos, con el fin de
otorgar información útil para un posible y consecuente análisis que permitirá una próxima construcción y mantenimiento del
objeto.
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El dibujo técnico es el lenguaje gráfico que se utiliza para comunicar, en el marco de actividades industriales y de diseño, desde
las ideas más globales hasta los detalles vinculados con un contenido tecnológico.
El dibujo técnico también se ha definido como el sistema de representación gráfica de objetos ya existentes o bien de prototipos,
atendiendo a normas y convenciones preestablecidas por instituciones reguladoras. Eso permite describir de forma precisa y con
claridad las dimensiones, formas y características de esos objetos materiales.
Cabe señalar que la idea de dibujo técnico va a menudo en oposición a la de dibujo artístico. Mientras el primero tiene por
finalidad manifestar impresiones o sensaciones personales, influenciadas por la imaginación y las vivencias individuales, por lo
que resulta eminentemente subjetivo, el dibujo técnico pretende ser objetivo y representar los objetos lo mejor posible tal cual
son, de forma totalmente objetiva, a fin de proporcionar a cualquier observador la información técnica necesaria para su análisis
técnico, ayudando eventualmente a su diseño, construcción y/o mantenimiento.
Respecto de la historia del dibujo técnico, no se puede dejar de mencionar a los primeros matemáticos griegos como Tales,
Pitágoras y Euclides, quienes sentaron las bases de la denominada geometría del espacio, fundamental en esta disciplina.
Durante el Renacimiento sobresalen los aportes de Brunelleschi y del célebre y polifacético Leonardo da Vinci.
Los esquemas, los croquis, los diagramas y los planos son modalidades de dibujo técnico que contienen especificaciones
correspondientes a medidas de longitud, de altura, de ángulos, de superficie, etc. Las vistas básicas en el dibujo técnico son la de
planta (vista desde arriba), la de alzada, que puede ser la frontal o lateral; y la de secciones o cortes en dos proyecciones. La
definición de escalas ayuda a la interpretación de estas representaciones.
Ver además: Diagrama de flujo
Tipos de dibujo técnico

El dibujo arquitectónico sirve para realizar

planos de construcción de casas, edificios, etc.
Dentro del dibujo técnico se engloban algunos tipos puntuales, como:
 Dibujo técnico arquitectónico. Engloba diferentes representaciones gráficas, las cuales sirven para realizar planos para la
construcción futura de edificios, casas, puentes, institutos, etcétera.
 Dibujo técnico mecánico. Su uso es requerido para la realización de planos que representen partes de una máquina,
automóviles, aviones, motocicletas y maquinaria industrial.
 Dibujo técnico eléctrico. Sirve para representar instalaciones eléctricas simples, como las de una vivienda, o más bien
complejas, como las de una industria. Estos últimos suelen representar claramente la ubicación del tablero principal, de
los interruptores y toma corrientes, entre otros.
 Dibujo técnico geológico. Usado en los campos de geología y geografía para la representación de las diversas capas de
la tierra mediante una simbología que permite conocer los minerales que se hallan en dicha capa.
 Dibujo urbanístico. Se emplea para representar de manera funcional el desarrollo y la infraestructura de ciudades y
demás centros urbanos, tanto de aquellos ya existentes o los que están en etapa de proyecto.
 Dibujo topográfico. Se dedica a plasmar en un plano las principales características de un terreno, como la altura, la
pendiente, la presencia de accidentes naturales o artificiales, las cotas, las curvas de nivel.
 Dibujo técnico de las instalaciones sanitarias. Tiene como objetivo representar todas las instalaciones sanitarias: baño,
ducha, lavamanos, etcétera. A su vez representa también la ubicación de tuberías externas e internas.
 Dibujo técnico electrónico. Se basa en la representación de gráficos y croquis electrónicos de circuitos de circulación de
corriente.
 Dibujo técnico de construcciones metálicas. Representa planos para la construcciones de estructuras de herrería.
 El dibujo técnico se puede plasmar en diferentes soportes (papel, acetato, passe-partout), y se lleva a cabo
generalmente sobre un tablero, con la ayuda de elementos como regla T, escuadra, cartabón, tiralíneas, compás,
rotulador. Mediante el desarrollo de programas como el AutoCAD, por ejemplo, la informática ha contribuido en gran
medida al desarrollo del dibujo técnico.
 Puede servirte: Dibujo
Líneas utilizadas en el dibujo técnico

La línea de ruptura representa una pieza larga la cual es

acortada.
Dentro de la rama del dibujo técnico aparece la línea, una característica fundamental de éste, importante para ilustrar los
diferentes objetos. Existen, entonces, diferentes tipos de líneas, entre las principales se encuentran:
 Línea guía. Sirve para señalar una parte del objeto a la cual hace referencia una nota.
 Línea de ruptura. Utilizada con el fin de representar una pieza larga la cual es acortada.
 Línea oculta. Líneas segmentadas que representan esquinas o vértices de objetos que se encuentran ocultas a
la percepción.
 Línea de corte plano. Se utiliza para representar dónde se realizó un corte imaginario.
 Un boceto puede servir para ejercitarse o para marcar el
camino deseado.
¿Qué es un boceto?
Un boceto, bosquejo, esbozo, estudio, croquis, borrador o sketch, en arte, literatura, arquitectura y en otras
disciplinas, engloba las pruebas o intentos previos que se realizan de un proyecto antes del diseño definitivo o la obra final. Se
trata de diseños tentativos, incompletos y de poca precisión, en los que no se invierte tanta energía, tiempo y dedicación como
en la obra definitiva. Sirven para ejercitarse o para marcar el camino.
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No existe una diferenciación clara entre todos los términos asociados a estos intentos previos, pero sí suelen preferirse
algunos a otros dependiendo de la disciplina.
Por ejemplo, en dibujo y pintura se suele hablar indistintamente de bosquejo (del catalán bosquejar, rebajar la superficie de un
leño para trabajarlo), boceto (del italiano bozzetto, diminutivo de bozzo, “piedra sin pulir”), sketch (del inglés sketch, a su vez
del italiano schizzo, “improvisación”) o de estudio; mientras que en las artes escritas se prefiere borrador y en la arquitectura,
en cambio, croquis (del francés croquer, “cascar” o “crujir”).
Los bocetos son muy comunes en las artes, e incluso pueden formar un propio estilo (estilo “abocetado”, o sea, similar a un
boceto). Cuando forman parte de los intentos previos de un gran maestro del arte, suelen exponerse también en museos o
galerías, dado que poseen valor histórico y documental, como antecedentes de alguna obra artística de renombre.
Ver además: Bellas Artes
Características de los bocetos
En general, los bocetos se caracterizan por lo siguiente:
Son rápidos, poco trabajados y poco detallistas, dado que buscan dar una impresión general del trabajo por venir.
Suelen hacerse a mano alzada, en el caso de las artes pictóricas, aunque también pueden emplearse instrumentos
y técnicas profesionales. Sin embargo, al boceto no suelen dedicarse demasiados recursos, dado que es un intento no
definitivo.
Puede haber más de un boceto de una misma obra final, más o menos distintos entre sí.
No suelen ser demasiado diferentes de la obra finalizada, al menos en lo que a sus patrones generales se refiere.
Tipos de boceto
En general, se diferencian tres tipos de boceto, más que nada en las artes visuales. Estos tipos son el boceto burdo, el
comprensivo y el dummy.
 Boceto burdo. Consiste en la representación en papel de las primeras ideas que se tienen de la obra, y por lo tanto
es el tipo de boceto más impreciso, general y desprovisto de detalles.
 Boceto comprensivo. Se entiende como un paso adelante hacia la precisión, mejorando la calidad (y por ende la
comprensión) de un boceto burdo, aplicando herramientas técnicas más similares a las que se emplearán para la
obra final.
 Boceto dummy. Su nombre proviene del inglés dummy (“muñeco” o “cadáver”), y básicamente es una versión previa
de la obra final, en la que ya pueden apreciarse sus detalles y efectos visuales con un importante margen de
 precisión. Estos bocetos suelen ser paso previo a la obra final, en el que se prueban diferentes efectos o recursos
antes de decidir una en específico.
Ejemplos de bocetos

Sigue con: Layout

La pintura utiliza pigmentos naturales y sintéticos mezclados

con sustancias aglutinantes.
¿Qué es la pintura?
Cuando hablamos de pintura o de artes pictóricas nos referimos
a una forma artística que busca representar la realidad
gráficamente, empleando para ello formas y colores sobre una
superficie, a partir de pigmentos naturales y sintéticos
mezclados con sustancias aglutinantes (pinturas).
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En ese sentido, la pintura echa mano conceptualmente al dibujo, la teoría del color y la composición pictórica, así
como a la perspectiva y a otros conocimientos que atañen a la visión y a la física de la luz.
Se trata de una de las Bellas Artes de la humanidad, junto con la literatura, la escultura, la música, la danza,
la arquitectura, el cine, la fotografía y la historieta. Y es probablemente una de las más antiguas que se conocen.
Imprimiendo el color y la textura sobre un lienzo de papel, tela o cualquier otra superficie lisa que lo permita (una
pared, un trozo de madera, etc.), la pintura representa las características de la luz a través de una diversidad
de técnicas, más o menos figurativas (es decir, más o menos abstractas en su representación).
Dichas técnicas, además, han evolucionado históricamente y se han adentrado en las nuevas técnicas digitales y
virtuales, como el videoarte o el arte digital. Las obras de los grandes pintores de la historia se preservan en
museos e iglesias y forman parte del acervo histórico y artístico de las naciones, así como un patrimonio espiritual
de la humanidad.
Ver además: Obra de arte
Historia de la pintura
 El arte abstracto surgió a mediados del siglo
XX.
La pintura inicia como técnica de expresión humana hace 32.000 años, con las primeras pinturas rupestres en las
paredes de las cavernas que habitaba el hombre primitivo. Empleaba para ello sangre y otras sustancias, que en lo
sucesivo serían reemplazadas paulatinamente por aceites y pigmentos. Sus principales focos fueron, durante su
historia, el paisaje, el desnudo humano, la naturaleza muerta (o bodegón) y finalmente, el abstraccionismo.
La pintura acompañó los lugares ceremoniales y funerarios de las civilizaciones antiguas, como los túmulos
funerarios egipcios, los templos romanos o las catacumbas cristianas paleocristianas.
A partir del Renacimiento europeo, se impuso junto a la escultura como una de las grandes formas de expresión
humana, siendo muy cultivada por artistas de la talla de Miguelángel, Rafael o Leonardo Davinci.
Un segundo momento de importancia lo tendría durante el siglo XIX, cuando las tensiones entre
el Romanticismo alemán y la Ilustración francesa dieran lugar a numerosas expresiones pictóricas de importancia,
y todavía un tercer momento de esplendor durante la época de las vanguardias, a inicios del siglo XX, bajo la
conducción del Cubismo, Surrealismo y otras tendencias estéticas similares. Finalmente, el arte abstracto haría
su entrada a la pintura a mediados del siglo XX.
Técnicas de pintura

Para pintar con pasteles se utilizan directamente las

manos.
Las técnicas de pintura son los métodos usados para fijar los pigmentos en la superficie del soporte.  Algunas de
las más populares son:
 Óleo. Empleando aceites y un disolvente llamado trementina, se elabora una pasta pigmentada, viscosa y
de origen vegetal, con que se pueden adherir los colores al lienzo, empleando pinceles u otras
herramientas. Al secar, los colores quedan fijos a la superficie.
 Cera. Se pinta la superficie con ceras calientes, que contienen pigmentos aglutinados, aplicadas mediante
pincel o espátula. Finalmente se le aplica un trapo de lino sobre una capa de cera sin pigmento a modo de
protección y pulido.
 Acuarela. Consiste en el uso de colores diluidos en agua, de consistencia transparente, que se aplican
sobre papel o cartulina con pinceles. Con esto se logra una mayor soltura y brillantez, pero requiere de
trazos libres e imprecisos.
  Témpera. Llamada también gouache, es un material semejante a la acuarela pero con una carga de talco
industrial o blanco de zinc, que aporta al pigmento una tonalidad opaca y no traslúcida, ideal para aplicar
capas claras sobre otras oscuras y jugar con la luz representada.
 Acrílico. Se llama así a una pintura de secado rápido, cuyos pigmentos se sostienen en una emulsión de
acrílico (cola vinílica) y aunque son solubles en agua, al secarse son sumamente resistentes.
 Tinta. Conocida como “tinta china”, se usa sobre papel y sobre todo en tonos negros o sepia, usando una
pluma o plumín. Es muy frecuente en el arte oriental, sobre todo en su caligrafía pictórica.
 Pastel. Se usan barras de colores fabricadas a partir de pigmentos en polvo diluidos en goma o resina
hasta formar una pasta compacta y seca. No se necesitan herramientas para su uso, sino directamente se
sujetan con la mano.
Pintura rupestre

Las pinturas rupestres, generalmente, son marcas tribales y dibujos

de animales.
Se conoce como pintura rupestre a las que dejó la humanidad primitiva en las paredes de cuevas y otras
superficies, y que se preservaron en el tiempo para ser descubiertas siglos después. Se trata por lo general
de marcas de manos, dibujos de animales de presa y otras formas de narración ritual o de marcas tribales.
Las más conocidas fueron halladas en las cuevas de Altamira, en Francia, en 1868.

La estatua de la libertad es obra del escultor francés Frédéric

Bartholdi.
¿Qué es Escultura?
La escultura (del latín sculpere, esculpir) es una forma de
expresión artística consistente en tallar, moldear, esculpir o
cincelar un material para crear una forma con volumen.
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La escultura es considerada una de las Bellas Artes, además
de la pintura, la música y la arquitectura. También se le da el nombre de escultura a la obra que surge como
resultado del proceso artístico.
Ver además: Obra de arte
Características de la escultura

La escultura tiene un gran componente de imitación y de creación original.

Los materiales de trabajo de la escultura pueden ser de los más variados, desde el barro, la piedra y la madera,
hasta el mármol, la cera, el yeso y diferentes tipos de metales (bronce, hierro, cobre, plata, oro). A medida que
la tecnología permitió el desarrollo de nuevos materiales, la escultura comenzó a utilizar resinas y plásticos que, al
tener nuevas propiedades de resistencia y flexibilidad, permitieron el desarrollo de nuevos estilos artísticos en la
escultura.
La escultura tiene un gran componente de imitación, y también de creación original, ya que la representación
puede abarcar desde figuras concretas como personas, animales, objetos naturales y artificiales, con una absoluta
proporcionalidad, o bien pueden ser esculturas abstractas que desafíen la percepción del espacio.
El manejo del espacio es muy importante en la escultura, lo cual implica que la composición final que el artista
persiga debe tener en cuenta aspectos espaciales tales como el alto, el ancho, la profundidad, el volumen, la forma,
la disposición de líneas, la textura, la consistencia de los materiales, la óptica del ambiente donde estará la
escultura, y en algunos casos, el movimiento de la escultura.
Técnicas de escultura

El tallado de madera implica instrumentos tales

como el cincel y la lija.
Existen numerosas técnicas de trabajo de la escultura, según las intenciones y medios del artista. Las técnicas
dependen en gran medida del material sobre el que se trabaje.
En el caso de la madera y la piedra, la técnica implica un tallado con instrumentos tales como el cincel y la lija,
mientras que en el caso de materiales más blandos como la arcilla y la plastilina, se utiliza el modelado manual.
Cuando el material es un metal, la técnica implica la fundición y el uso de moldes. También se utilizan técnicas
de perforación, pintura y conservación, así como la articulación de piezas diferentes para crear movimiento en la
obra.
Los moldes son utilizados comúnmente para la reproducción de esculturas. Se hacen con yeso, resina o goma,
reproduciendo con exactitud la obra terminada.
Función y usos de la escultura
Socialmente, la escultura puede tener usos y funciones muy diversas. Originalmente las esculturas  tenían una
función religiosa, para los rituales mágicos, los ritos funerarios, las prácticas de culto, etc.
Posteriormente, también adquirió funciones políticas, para manifestar el poder de las monarquías, conservar
la memoria de los pueblos, defender proyectos políticos. Otro uso de la escultura, que se volvió con el tiempo su
función más común, es el estético, que busca representar la belleza o los ideales artísticos de una época, o bien
crear objetos de carácter decorativo para interiores o exteriores.

La arquitectura ha sido incluida entre las Bellas Artes de la

humanidad.
¿Qué es la arquitectura?
La arquitectura es el arte y la técnica de concebir, diseñar y
construir edificaciones que funcionen como hábitat para el ser
humano, ya sean viviendas, lugares de trabajo, de recreación o
memoriales. El término proviene del griego antiguo, formado por los
vocablos arch– (“jefe, autoridad”) y techné (“creación,
construcción”), de donde se desprende que es el arte de la construcción.
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En un sentido estricto, la arquitectura es inherente a la civilización humana y no puede escaparse de ella mientras
se viva en sociedad. Cuando el ser humano erige una choza con maderas para guarecerse de los elementos, cuando
pavimenta la tierra para erigir encima una plaza con las estatuas de sus mártires, cuando diseña un templo con que
rendir culto a sus dioses, o cuando erige una torre inmensa de oficinas, el hombre pone en práctica
sus conocimientos arquitectónicos.
Los diversos estilos y modos de la arquitectura en la historia humana, de hecho, reflejan muchas de las
condiciones y momentos de su pensamiento, ya sea en términos artísticos o pragmáticos. De hecho, su
conocimiento se basa en tres principios fundamentales: belleza, firmeza y utilidad.
Al mismo tiempo, la arquitectura ha sido incluida entre las Bellas Artes de la humanidad, junto a la pintura,
la literatura, la música, la escultura, la danza, el cine, la fotografía y la historieta.
Ver además: Dibujo Técnico
Historia de la arquitectura

En el siglo XX los estilos de arquitectura se

desvincularon de la tradición.
El primer tratado sobre saberes arquitectónicos proviene del siglo I a.C. y se trata de Architectura del romano
Vitruvio. Sin embargo, el empeño por fabricar estructuras y ambientes hermosos, útiles y duraderos precede con
creces a dicha época de la humanidad. Las grandes obras de las culturas antiguas que hoy en día sorprenden por su
hechura, como las pirámides de Egipto, las ciudades de piedra mesoamericanas, los templos de la antigüedad
grecorromana o los habitáculos cristianos de Capadocia, son apenas algunas pruebas de ello.
La arquitectura antigua, medieval y moderna exhibe los métodos y tendencias estéticas de las distintas culturas
que le dieron origen. Por ejemplo, la arquitectura medieval europea trasluce el dominio de la religión cristiana y
el oscurantismo, mientras que la renacentista deja ver el empeño renovador y rupturista que predominó en la
época.
Posteriormente, con la llegada de la industrialización y el descubrimiento de nuevos materiales, la arquitectura
daría un salto enorme hacia adelante y se nutriría de nuevos saberes y tecnologías, lo cual daría durante el siglo
XX inicio a una verdadera explosión urbana y arquitectónica a lo largo y ancho del mundo, y a la aparición de
estilos totalmente originales de arquitectura, desvinculados con la tradición y el patrimonio construido.
Tipos de arquitectura
Se puede estudiar y clasificar la arquitectura desde numerosos puntos de vista, como el histórico, el cultural o
funcional. A grandes rasgos, definamos las siguientes tres clasificaciones:
Según su funcionalidad. Es decir, según el cometido con que se edifica.
Arquitectura religiosa. Aquella cuyas obras tienen funciones de adoración, como las iglesias, los templos, los
monumentos místicos, etc.
Arquitectura militar. Aquella que se propone edificaciones de uso estratégico, táctico o defensivo, como son los
castillos, las murallas, los cuarteles, etc.
Arquitectura civil. Aquella que concibe estructuras y espacios para el uso de los ciudadanos de a pie: desde casas
y edificios, hasta plazas y monumentos cívicos o espacios culturales (teatros, bibliotecas, escuelas, etc.).
Según su técnica de construcción. Esto es, según el criterio que rige la construcción.
Arquitectura estilística o histórica. Aquella que se conecta con la tradición de la que proviene y que ha
producido piezas tradicionales, duraderas, empleando métodos e imaginarios heredados.
Arquitectura popular. Construcciones hechas por la propia gente, como artesanos o personas de poca
instrucción, empleando materiales naturales y por lo general sin mayores aspiraciones de grandeza.
Arquitectura común o vulgar. Aquella realizada por profesionales del área obedeciendo a un criterio meramente
pragmático, es decir, de uso y funcionalidad, sin tomar en cuenta mayormente una tradición arquitectónica.
Según su período histórico. Pueden nombrarse tantos estilos arquitectónicos como momentos y contextos
históricos hubiere, es decir, cientos de ellos. En Occidente, los tres más reconocibles son:
Arquitectura romana. Aquella propia del Imperio Romano y su herencia griega, se caracterizó por una gran
funcionalidad y lógica, que no dejaba de lado los motivos de su importante mundo religioso.
Arquitectura barroca. Caracterizada por la gran abundancia de detalles y ornatos, es propio de los siglos XVI y
XVII en Europa y América Latina.
Arquitectura neoclásica. Típico del siglo XVIII europeo, representó un retorno a los valores clásicos de la
antigüedad grecolatina, de la mano de la recién descubierta fe en la razón y la ilustración humana.
Arquitectura y urbanismo
El urbanismo es una disciplina muy próxima a la arquitectura y que se encarga de la comprensión,
conceptualización y mejoramiento de las ciudades.
Para ello emplea la geografía como herramienta fundamental, para procurar el diseño más idóneo no sólo de
edificaciones y espacios públicos, sino de vías y sistemas de desplazamiento, para sacar mejor provecho al relieve,
al clima y atender así las necesidades sociales y culturales de la población. Como se verá, tiene muchísimos
puntos de contacto con la arquitectura, y suelen estudiarse de manera conjunta.

El patrimonio cultural incluye baile, canto,

arquitectura y otras formas culturales.
¿Qué es el patrimonio
cultural?
El patrimonio cultural de una nación o una región
específica, es su herencia cultural particular, o
sea, el conjunto de bienes materiales e
inmateriales que se hallan fuertemente
vinculados con su identidad social y cultural, es
decir, que son percibidos como característicos de
dicho país o región.
Todas las comunidades atesoran y mantienen algún tipo de patrimonio cultural, que han recibido de generaciones
previas. Este patrimonio suele convertirse en un atractivo turístico.
Entre las manifestaciones culturales que componen el patrimonio cultural se hallan cosas muy diversas, yendo
desde lugares, construcciones y obras de arquitectura, hasta bailes, cantos, y desde luego las Bellas Artes, como
la pintura, literatura y escultura. Son reconocidas por entidades internacionales como Unesco (adscrita a la
Organización de las Naciones Unidas).
De hecho, su Convención sobre la Protección del Patrimonio Mundial Cultural y Natural de 1972 perseguía el
establecimiento de una política internacional unificada en torno a la conservación y promoción de lugares
considerados emblemáticos o insignes de una cultura, una región o una etnia determinadas, o incluso de
la humanidad como un todo.
Puede servirte: Paisaje cultural
Ejemplos de patrimonio cultural
 Los szopkas son decoraciones navideñas que se realizan desde el siglo XIX.
Algunos ejemplos posibles de patrimonio cultural de distintos países son:
La Torre Eiffel. Construida en París, Francia, en 1889, como ejemplo de las innovaciones en ingeniería y
materiales típica de la reciente época industrial.
El Chichén-Itzá. Son las ruinas de una ciudad o centro ceremonial de la antigua cultura Maya, ubicado en la
península mexicana de Yucatán.
Los Carnavales de Humahuaca. Celebrados en la Quebrada de Humahuaca en el norte argentino, conteniendo
reminiscencias de la cultura española y la indígena, así como de la historia de la región próxima a Bolivia y Perú.
La Ciudad Universitaria de Caracas. El campus principal de la Universidad Central de Venezuela y una obra
arquitectónica insigne de la modernidad sudamericana, fruto del genio del venezolano Carlos Raúl Villanueva, y
dotada de murales y esculturas de artistas como Jean Arp, Fernand Léger, Victor Vasarely y Mateo Manaure.
Los nacimientos navideños tradicionales de Cracovia. Conocidos en Polonia como szopkas, son maquetas
livianas de belenes navideños cuya confección data desde el siglo XIX.
Patrimonio cultural y patrimonio natural

El patrimonio natural, como el

Parque de Zhangjiajie, no fue creado por el ser humano.
La Unesco diferencia en sus preceptos entre dos tipos de patrimonio humano: el cultural y el natural.
El patrimonio cultural es aquel que proviene de la historia humana, o sea, que es un recuerdo o un remanente
de actividades y prácticas ancestrales, heredadas como un recordatorio o un símbolo a las nuevas generaciones. Se
trata, pues, de patrimonio fabricado por la humanidad misma, como puede ser una estatua, una obra arquitectónica
o un conjunto de danzas.
En cambio, el patrimonio natural hace referencia a los lugares, seres vivos u otros elementos significativos
de la naturaleza que, a lo largo del tiempo, han cautivado al ser humano con su belleza. Son  recordatorios de las
fuerzas ajenas que moldean nuestro planeta.
El patrimonio natural es recibido por la humanidad sin que ella misma participe en su confección. Puede ser una
caída de agua particularmente alta, una selva enormemente biodiversa o una isla paradisíaca de
especies animales únicas en el mundo.
Más en: Paisaje natural
Patrimonio cultural material e inmaterial
Asimismo, usualmente se distingue entre dos tipos primordiales de patrimonio cultural, que son:
Patrimonio cultural material o tangible. Aquel que puede ser tocado, que es concreto y físico, como estatuas,
obras arquitectónicas, trajes, piezas de utilería, etc., ya sea que puedan o no moverse de un sitio a otro.
Patrimonio cultural inmaterial o intangible. Aquel que, por el contrario, no puede ser sujetado ni desplazado, al
no consistir en objetos físicos, sino en prácticas verbales, musicales o imaginarias, orales o sociales, como cantos,
versos, bailes o coreografías.
Patrimonio cultural de México

La celebración del Día de los Muertos es parte del patrimonio

cultural mexicano.
El caso particular del patrimonio cultural de México es bastante fecundo y diverso. Es producto de los distintos
períodos históricos de esta nación, que se remontan a la antigüedad precolombina, con sus culturas frondosas y
particulares como los Mayas, Olmecas, Aztecas y demás.
Su patrimonio cultural también proviene de la época de la colonia, con su sociedad controlada desde la metrópoli y
obligada al cristianismo. Los ejemplos más recientes provienen de la época independiente, especialmente la
memoria revolucionaria de inicios del siglo XX.
Muchos de los íconos y tradiciones de este conjunto son consumidos globalmente como objetos exóticos o
llamativos, o como evidencia arqueológica que potencia importantes investigaciones antropológicas.
A muy grandes rasgos, en el patrimonio cultural mexicano podemos hallar:
Piezas, decoraciones y ruinas arquitectónicas provenientes de las culturas originarias mesoamericanas.
Lenguas precolombinas sobrevivientes a la imposición del español en la época colonial, así como el imaginario
asociado a ellas (relatos, canciones, bailes, etc.).
Prácticas heredadas de devoción católica sincrética (mestiza) o particular de las diversas regiones mexicanas.
El Mariachi y sus formas de canto e interpretación, tanto en su variante tradicional como moderna.
Prácticas culinarias y gastronómicas únicas de la región mexicana, reconocibles en el mundo entero.
La celebración del día de los muertos, un conjunto de fiestas indígenas asimiladas con el imaginario cristiano
que llaman la atención del mundo entero.