Bueno Francisco José | Profesor de Artes Visuales | Cuadernillo Plástica 3 A TV EES 3 | 2020

 ACTIVIDADES

Propuesta 1: para esta actividad, será necesario investigar sobre el arte

zentagle. “El Zentangle es una técnica artística que consiste en la creación de imágenes
a través de patrones que se repiten. Esta técnica, busca conseguir la calma en quien lo
realiza o incluso en quien lo observa, sin ir más lejos su nombre, zentangle, proviene de
las palabras zen, meditación y tangle, enredo. Este método fue inventado en 2004 por
los estadounidenses Maria Thomas y Rick Roberts. Es importante saber que para llevar
a cabo esta técnica no es necesario saber dibujar, cualquier persona puede hacerla en
cualquier lugar, solo con un lápiz y un papel”.

Veamos algunas obras a modo de ejemplo:

Luego de analizar los distintos elementos compositivos de cada obra (punto y tipos de
líneas), se deberá realizar un dibujo sobre hoja lisa y con lápiz donde se refleje el arte
zentagle. Podrán utilizar lapicera negra o microfibra negra para finalizar el trabajo, pero
no podrán utilizar colores (solo blanco y negro).

Propuesta 2: para comenzar la actividad, se recomienda visualizar imágenes del artista

argentino Pérez Celis. Se deberán analizar sus obras prestando especial atención a los
colores y su disposición en el plano. A continuación, visualizaremos algunas pinturas del
artista.

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Elaborar 5 imágenes sobre papel utilizando temperas y una tarjeta plástica.

Colocaremos la pintura de diversos colores sobre la parte superior de la hoja, y con la
tarjeta, desplazaremos la misma para generar una mancha. Veamos:

Paso 1: Colocamos pintura

en la parte superior de la hoja.
La idea es utilizar distintos
colores para generar diversos
contrastes y un abanico más
amplio de posibilidades
cromáticas.

Paso 2:
Posteriormente,
desplazamos para abajo
la pintura con la tarjeta,
buscando generar las
manchas deseadas.
Podemos realizar
movimientos curvos
para darle movimiento
a la imagen.

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Paso 3: comenzaremos a
apreciar las manchas que
generamos, sabiendo que el
movimiento de nuestra mano
es la que genera el dinamismo
en la obra. Podemos realizar el
movimiento de manera
vertical, horizontal, diagonal o,
directamente, mover la tarjeta
en diversos sentidos buscando
generar la forma.

Propuesta 3: para comenzar la actividad, debemos elegir una letra de alguna

canción que nos guste. Posteriormente, realizaremos un dibujo sobre la canción
elegida, utilizando una hoja blanca sin renglones y un lápiz negro. Terminado nuestro
dibujo, adaptaremos en forma de caligrama las frases de la canción (no
necesariamente el texto entero, puede ser un fragmento). Se escribirá siguiendo el
contorno del dibujo o llenando su perfil de manera que los versos no sobrepasen el
contorno fijado por el dibujo. Luego, borraremos los trazos de lápiz con el que se
fijaron los bordes del dibujo para dejar solo visibles las palabras y los versos que
conforman el caligrama. Ejemplos:

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Propuesta 4: Se deberá realizar una obra de arte óptico, utilizando un lápiz negro,
una regla, una hoja blanca y fibras de diversos colores. A continuación, les comparto el
link del video para que observen los paso a paso de la técnica.

https://www.youtube.com/watch?v=81e6iZEun-k

El arte óptico es un movimiento artístico y una tendencia nacidos en Estados

Unidos en el año de 1958. Utiliza fenómenos ópticos para producir imágenes pictóricas
abstractas. Este tipo de arte crea sensaciones de movimiento en superficies
bidimensionales. El arte óptico surge como una variación o interpretación de la
abstracción geométrica y se vale de principios científicos y estructuras repetitivas para
crear ciertos efectos en el espectador quien en algunos casos puede cambiar la
configuración de la propia obra. Esta tendencia en el arte busca crear en el espectador una
sensación de movimiento, gracias a efectos ópticos que desencadenan en el observador
una respuesta visual y psicológica ante la sensación percibida. Este tipo de arte es de tipo
técnico y en muchas ocasiones impersonal.

Aclaración: Los principales iniciadores de esta tendencia

fueron: Víctor Vasarely, Bridget Riley, Frank Stella, Josef
Albers, Lawrence Poons, Kenneth Noland y Richard
Anuszkiewicz.
Posteriormente, han destacado otros artistas como: Yaacov
Agam (Israel, 1928) , Carlos Cruz-Diez (Venezuela,
1923), Piero Dorazio (Italia, 1927 – 2005), Julio Le
Parc (Argentina, 1928), Youri Messen-Jaschin (Suiza,
1941), Omar Rayo (Colombia, 1928 – 2010), Bridget
Riley (Inglaterra, 1931), Eusebio Sempere (España, 1923 -
1985), Jesús Soto (Venezuela, 1923 -2005).

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Propuesta 5: para comenzar la actividad, observarán imágenes pictóricas

del artista Piet Mondrian, analizando las formas y los colores que utiliza en cada obra:

La actividad será realizar un trabajo con formas geométricas sobre papel y con
lápiz (se puede utilizar regla, compas o formas para realizar el contorno). Luego, se
utilizarán témperas de colores fríos (verde, azul, violeta) y cálidos (rojo, naranja,
amarillo) para pintar las formas geométricas. Ejemplos:

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Propuesta 6: para comenzar la actividad, observarán imágenes pictóricas

del artista Vasili Kandinski, analizando las formas y los colores que utiliza en cada obra:

Vasili Kandinski: pintor ruso nacido en Moscú en 1866, precursor

del arte abstracto en pintura y teórico del arte. El arte abstracto es
una forma de expresión artística que prescinde de toda figuración y
propone una nueva realidad distinta a la natural. Usa un lenguaje
visual de forma, color y línea para crear una composición que puede
existir con independencia de referencias visuales del mundo real.

La actividad será realizar un

trabajo con formas abstractas (se
pueden incluir formas geométricas
también) sobre una hoja gruesa, con
témperas de diversos colores y
pincel.

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Propuesta 7: realizar un retrato (la

cara de frente) de una persona (simetría).
La idea es colocar una bolsa transparente
o un folio sobre una ventana sostenida
con cinta. Luego, ubicamos a la otra
persona sobre el otro lado de la ventana
(opuesta a ustedes) y comenzamos a
dibujar las líneas del rostro sobre la bolsa
o el folio, utilizando un fibrón
permanente (un fibrón que no se borre).
Por último, pueden pintarlo con fibras o
pinturas de diversos colores.

 TEORIA PARA TENER EN CUENTA

 Equilibrio compositivo: simetría y asimetría.

La simetría es una de las características que podemos observar en las

composiciones visuales y plásticas. Básicamente es una relación entre las figuras,
según su ubicación en la imagen. La simetría es una relación espacial que ordena el
cuerpo de una figura de modo que se formen partes iguales, pero contrapuestas. Los
elementos iguales de una figura se encuentran a la misma distancia pero opuestos del
eje de simetría. Cada punto de una figura se corresponde con otro de la misma figura.

 Hay distintos tipos de simetría:

 Simetría axial: la simetría axial se da cuando los puntos de una figura coinciden con
los puntos de otra, al tomar como referencia una línea que se conoce con el
nombre de eje de simetría. En la simetría axial se da el mismo fenómeno que en
una imagen reflejada en el espejo. Ejemplos:

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 Simetría radial: cada punto de una figura se corresponde con otro de la misma
figura. Los puntos simétricos están en la misma recta, opuestos y a igual distancia
del centro de simetría.
 Ejemplos
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 Asimetría: la ausencia de simetría implica la composición de la imagen con una

explícita ruptura del eje o del centro de rotación de la simetría. La asimetría
implica una “desviación” explicita respecto de un eje. De allí que el artista deberá
sostener el equilibrio apelando a otros recursos. Ejemplos:

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 Los Indicadores Espaciales: son unos recursos que permiten trabajar en

superficies planas y se caracterizan por sugerir mayor o menor
profundidad, entre ellos existen:

 Superposición y transparencia: es uno de los más simples. Consiste en que una

figura u objeto oculta parcialmente a otro. La figura que se ve completa se
encuentra en primer término y
la incompleta en segundo
término. Habitualmente se
percibe a ambas figuras
completas o incompletas,
provocando una
interpenetración que sugiere
profundidad. Es importante
señalar que todo depende de
cómo se utilice el color.

 Movimiento Diagonal: recurso utilizado

mucho por la pintura. Consiste en
utilizar una diagonal que rompe la
ortogonalidad del plano. A veces la
diagonal no necesariamente existe
como línea, sino que se completa
perceptualmente al asociar objetos o
formas, lo que sugiere una relativa
profundidad.

 Perspectiva: La perspectiva consiste en usar uno o

más puntos de fugas adonde se dirigen ciertas líneas
que forman los objetos o cosas. Se acentúa el efecto
al haber reducción de tamaño de los objetos y
representar con ello la distancia. Los primeros niveles
espaciales parecen más cerca y los últimos sugieren
la lejanía.

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 Disminución de Detalle: consiste en

“esfumar” los objetos o formas que están
lejos, haciendo disminuir los bordes y el
contraste. En la imagen vemos un dibujo
japonés donde se puede percibir las hojas
más lejanas como desvanecidas. Es decir,
disminuir los detalles y unificar el color y
valor (lejanía).

 Contraste de colores cálidos y fríos: el uso

de estos colores generan
una dinámica espacial: un "avance" y un
"retroceso" de las figuras.
Este fenómeno psicológico hace que los
colores cálidos se "acerquen" al
espectador, mientras que los fríos se
"alejen" de él.

 Contraste de valor: con los valores se

produce una dinámica de "avance-
retroceso" similar a la que acontece con
la dinámica de la temperatura de color.
Los valores altos (próximos al blanco) se
aproximan al espectador mientras que los
valores bajos (próximos al negro) tienden
a retroceder. Precisamente entonces, el
uso deliberado del contraste del
claroscuro se constituye así en una eficaz
herramienta para generar profundidad
espacial.

 Contraste de tamaño: es la posición entre tamaño grande y chico, de forma tal que
los objetos más grandes están ubicados en "primer plano" y los objetos más chicos
en el fondo de la obra. Es una representación de nuestra
experiencia perceptibles cotidiana, en donde la ilusión óptica juega el papel de
hacer las cosas, mas próximas, a nosotros más grandes que las cosas más lejanas
que se ven pequeñas.

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 Conceptos operatorios: El ritmo. El ritmo es una secuencia (repetición

ordenada) de figuras o formas. Dicha secuencia puede seguir distinto orden
o regla, y es así que se diferencia cada ritmo.
En este caso, veremos tres tipos de ritmo, el continuo o uniforme,
creciente-decreciente y alterno.

 Ritmo Continuo / Ritmo Uniforme: es aquel ritmo en que las figuras se repiten de
manera idéntica.

 Ritmo Creciente – Decreciente: es aquel ritmo que la figura de secuencia mantiene

su forma pero se modifica progresivamente su tamaño, ya sea agrandándose o
achicándose.

 Ritmo Alterno: es aquel ritmo que alterna su figura de una repetición a otra, es
decir, que comienza con una figura “A” y luego hay algún tipo de modificación que
podríamos llamar “B”, y continúa como A, B, A, B y así sucesivamente. Aclaremos
que dicha modificación para tener la figura “B” puede ser de muchas maneras,
como podría ser de tamaño (sin llegar a ser ritmo creciente-decreciente), color,
forma, dirección de figura, etcétera.

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 Las líneas y sus variables:

 Quebrada: es la recta que cambia de dirección y se transforma en un ángulo.

Producen el efecto similar a la rotura, a la fragmentación.

 Ondulada: es el resultado de varias curvas y sugiere equilibrio y ritmo simple.

 Vibrada: es aquella que se modula de acuerdo al sentimiento y la emoción del

artista; es una línea sentida, nerviosa, que expresa fuerza y dinamismo; se la
descubre en obras de artistas como Van Gogh, y en autores expresionistas entre
otros.

Podemos mencionar también la línea continua y la línea discontinua.

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 Además, podemos mencionar a las líneas homogéneas y moduladas: la

línea homogénea es la que se presenta con igual grosor en todo su
recorrido. Mientras la línea modulada es aquella que sufre engrosamientos
y adelgazamientos paulatinos; expresa mayor fuerza y robustez, una
sensación de elasticidad y movimiento más elegante y variado que el de la
línea homogénea.

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