COLEGIO CRISTIANO JOSBET

NOMBRE:

ISAMAR VASQUEZ SANTANA

ASIGNATURA:

ARTISTICA

NO #:

20

TEMA:

LA DANZA, EL TEATRO, DANZA MODERNA,POSMODERNA Y

EXPRESIONISTA, EL RENACIMIENTO Y EL ARTE DOMINICANO

MAESTRA:

ZULEIKA ENCARNACION

GRADO:

3RO DE SECUNDARIA
 INTRODUCCION
En este trabajo informare sobre la historia de la danza

La danza moderna, posmoderna y expresionista

La historia del teatro

El teatro en renacimiento

Historia del arte dominicana

Antes de empezar el trabajo dar una breve exposición de cada uno

La historia de la danza es el relato cronológico de la danza y el baile como

arte y como rito social. Desde la prehistoria el ser humano ha tenido la
necesidad de comunicarse corporalmente, con movimientos que expresan
sentimientos y estados de ánimo. Estos primeros movimientos rítmicos
sirvieron igualmente para ritualizar acontecimientos importantes (nacimientos,
defunciones, bodas).

La diferencia entre danza moderna y posmoderna y expresionista. La

danza moderna es un género de danza que se basa en la interpretación y
visión individual del bailarín o coreógrafo. La danza Expresionista es el
estancamiento artístico del ballet clásico y para la madurez en el futuro del arte
en general.

Como teatro se denomina el género literario constituido por el conjunto de

obras dramáticas concebidas para su representación en el escenario. Teatro
forma parte de las llamadas artes escénicas, que combina las áreas de
actuación, escenografía, música, sonido y espectáculo.

El teatro renacentista es un teatro que pretende imitar a los autores clásicos

grecolatinos.

El arte en República Dominicana encuentra sus antecedentes históricos en

las pictografías que realizaban los taínos.

Y procedemos a ver el trabajo…

 HISTORIA DE LA DANZA
Es el relato cronológico de la danza y el baile como arte y como rito social.
Desde la prehistoria el ser humano ha tenido la necesidad de comunicarse
corporalmente, con movimientos que expresan sentimientos y estados de
ánimo. Estos primeros movimientos rítmicos sirvieron igualmente para ritualizar
acontecimientos importantes (nacimientos, defunciones, bodas). En principio, la
danza tenía un componente ritual, celebrada en ceremonias
de fecundidad, caza o guerra, o de diversa índole religiosa, donde la
propia respiración y los latidos del corazón sirvieron para otorgar una primera
cadencia a la danza.
Los orígenes de la danza se pierden en el tiempo, ya que en su vertiente ritual
y social ha sido un acto de expresión inherente al ser humano, al igual que
otras formas de comunicación como las artes escénicas, o incluso las artes
plásticas, como se demuestra por las pinturas rupestres. El baile y la danza han
sido un acto de socialización en todas las culturas, realizado con múltiples vías
de expresión. Por su carácter efímero resulta prácticamente imposible situar su
origen en el espacio y en el tiempo, ya que solo es conocido por testimonios
escritos o artísticos (pintura y escultura), los cuales comienzan con las
civilizaciones clásicas (Egipto, Grecia, Roma). Por otro lado, desde tiempos
antiguos ha existido una dicotomía entre danza como expresión folclórica y
popular y la danza como arte y espectáculo, integrado en un conjunto formado
por la propia danza, la música, la coreografía y la escenografía. Parece ser que
fue en la Antigua Grecia cuando la danza empezó a ser considerada como arte,
el cual se representaba frente a un público. En tiempos más modernos, la
consideración de la danza como arte más propiamente llamado ballet comenzó
en el Renacimiento, aunque la génesis del ballet moderno cabría situarla más
bien en el siglo XIX con el movimiento romántico.
Grecia fue el primer lugar donde la danza fue considerada un arte, teniendo
una musa dedicada a ella: Terpsícore. Los primeros vestigios provienen de los
cultos a Dionisio (ditirambos), mientras que fue en las tragedias principalmente
las de Esquilo donde se desarrolló como técnica, en los movimientos rítmicos
del coro.
Los griegos conocieron este arte desde tiempo inmemorial, y en el octavo libro
de La Odisea vemos que los feacios obsequiaron ya en aquellos remotos
tiempos al hijo de Laertes recién llegado a la corte de Alcínoo con un baile
ejecutado por una tropa de jóvenes al son de la armoniosa lira de Demódoco,
los que bailaron con tanto primor y ligereza que Ulises quedó arrebatado por la
encantadora movilidad de sus pies. A las sabias leyes de Platón se debió el
que este arte llegase al último grado de perfección entre los griegos, como
que ateneo nos dice que los escultores más hábiles iban a estudiar y dibujar las
varias actitudes de los bailarines, para copiarlas después en sus obras.
Platón reconoció tres especies de danzas, dos de honestas y una de
sospechosa:

 La primera, de pura imitación, que con dignidad y nobleza se ajusta a las

expresiones del canto y de la poesía.
 La segunda, destinada a procurar la salud, ligereza y buena gracia en el
cuerpo.
 La tercera o sospechosa era de las bacantes y otras semejantes que con
pretexto de cumplir con ciertos ritos religiosos imitaba la embriaguez y se
abandonaban a toda suerte de excesos. Por esta razón, al paso que juzgó
las dos primeras de la más grande utilidad para la república, desterró la
última como contraria a la moral y buenas costumbres

Los griegos introdujeron el baile en la escena, cuya invención se atribuye

a Batilo de Alejandría y a Pílades: el primero lo unió a la comedia y, el segundo,
a la tragedia. Esta diversión, que forma uno de los principales placeres de la
juventud, no podía menos de gustar a los romanos y a los demás pueblos que
les sucedieron.
Como es considerado el inventor de las danzas con que los griegos y romanos
adornaron sus banquetes. Primero fueron como unos intermedios de aquellas
comidas que la alegría y la amistad ordenaban en las familias, pero el placer, la
glotonería y el vino dieron después mayor extensión a este divertimento,
degenerando de su primitivo origen.
Sócrates es alabado por los filósofos que le sucedieron porque bailaba con
primor. Platón mereció ser vituperado por haber rehusado bailar en un baile
que daba un rey de Siracusa: y Severo Catón, que en los primeros años de su
vida no cuidó de instruirse en un arte que ya se miraba entre los romanos como
un objeto serio, creyó que debía sujetarse a los 59 años de edad a las ridículas
instrucciones de un maestro de baile en Roma.
 DANZA MODERNA, POSMODERNA Y EXPRESIONISTA
La danza moderna se origina en una época de muchos cambios. A principios
del siglo XX, el mundo empezó a experimentar cambios drásticos a nivel social,
político y económico.

No es casualidad que la danza moderna una danza que busca la libre

expresión del creador surja en este ambiente de cambios drásticos. Bailarines,
tanto en Europa como en Estados Unidos, comenzaron a experimentar con
nuevas formas de danza que no respondían a ninguna regla establecida.

Estos bailarines abordaron el baile como un arte capaz de expresar la

complejidad de la experiencia humana, con todas sus emociones,
contradicciones, conflictos y malestares. Se inventaron una nueva forma de
danza muy diferente a los bailes que se conocían hasta entonces. Esta nueva
forma de danza se bautizó con el nombre de danza moderna.

El lenguaje de la danza moderna

En la danza moderna el bailarín, o coreógrafo, crea los movimientos de su
danza usando sus emociones, estados de ánimo, visión artística y/o ideas. Su
danza puede ser abstracta o narrativa, simbólica o metafórica, o simplemente
basada en la improvisación.

En la danza moderna no existe el concepto de pasos estructurados que se

aprenden de antemano para crear una danza. En vez, el bailarín o coreógrafo
usa las diferentes técnicas de danza moderna que ha aprendido para crear una
danza. El bailarín descubre esta expresión corporal en su cuerpo y en el
espacio.

Sus ideas, metáforas, emociones, símbolos y o estados son el contenido de su

danza.

A pesar de que no existen pasos estructurados en la danza moderna. el

lenguaje de la danza moderna tiene características específicas que lo
diferencian de otros tipos de danza, como las siguientes:

Fuerza de gravedad: El bailarín juega con la fuerza de gravedad. Usa el peso

de su cuerpo para crear diferentes dinámicas de movimiento. Ejecuta
movimientos a diferentes niveles y encuentra el punto de balance en esos
diferentes momentos. Pierde y recupera el balance, hace caídas al suelo y
saltos.

Trabajo de suelo: El bailarín usa el suelo como parte de su espacio

coreográfico. En la danza moderna se exploran todas las posibilidades de
movimiento que se puedan hacer sobre el suelo en diferentes posiciones.
Movimientos naturales: En la danza moderna los movimientos son naturales
y libres. Surgen de una manera orgánica siguiendo las curvaturas naturales de
la espina dorsal y los principios anatómicos del cuerpo. Casi todas las técnicas
de danza moderna basan sus movimientos en la soltura corporal y flexibilidad.

Respiración: Los bailarines de danza moderna coordinan sus movimientos con

la respiración.

Ritmo: A pesar de que la danza moderna no está asociada a ningún tipo de

música, la danza moderna utiliza el ritmo en su composición. El bailarín puede
jugar con diferentes patrones rítmicos en sus movimientos, ya sea con música
o sin música.

Calzado: En la danza moderna se baila casi siempre descalzo. Pero también

se puede bailar con el tipo de zapato que requiera la coreografía en específico.

El movimiento de la danza pos-moderna creció a través del movimiento de la

danza moderna, el cual empezó a comienzos del siglo XX en América. Por los
años 50, los bailarines empezaron a superar las rígidas formalidades y
tradiciones de los géneros como el ballet y el modernismo, y desarrollaron
nuevos estilos. La más famosa entre estos pioneros fue probablemente Anna
Halprin. Su grupo, el Taller de Bailarines, evitaba usualmente la técnica
tradicional y se presentaba en exteriores en lugar de en un escenario
convencional. Otro pionero de la danza moderna, Robert Dunn, creía que el
proceso del arte era más significativo que el producto final. Merce Cunningham
experimentó con la relación entre la danza y la música, y creó coreografías que
no se relacionaban con la música que las acompañaban.

LA HISTORIA DE LA POSMODERNA
Los historiadores de la danza marcan el inicio de la danza posmoderna en
1962. Ese año un grupo de bailarines que estudiaban con el coreógrafo y
bailarín Robert Dunn presentaron sus innovadoras danzas en el Hudson
Memorial Church en la ciudad de Nueva York.

Este espacio se convirtió en un lugar de experimentación artística donde se

desarrolló la danza postmoderna. El grupo de bailarines y artistas que iniciaron
este movimiento, llamado el Hudson Dance Theater, desarrollaron nuevas
maneras de crear una composición coreográfica que no dependían de las
técnicas de la danza moderna.

Se alejaron de la técnica de contracción y relajación de la Técnica Graham. No

siguieron ninguna de las reglas que la danza moderna había establecido, como
el bailar descalzo.

Se enfocaron en descubrir las posibilidades de movimiento que ofrecía el

cuerpo mediante el uso de la improvisación. Experimentaron con la voz como
elemento de danza, con diferentes tiempos y tempos inesperados y con
estructuras no lineales libres de puntos culminantes y frases narrativas.

Los creadores de la danza posmoderna también experimentaron con el uso del

espacio. Son los primeros que crean danzas que se montan en una galería
como una pieza de arte (y no como una presentación teatral en un escenario).

¿Y sus características?
 No dependen de una historia o narración.
 Las frases de movimiento no tienen que llegar a un punto culminante.
 A menudo carecen de expresión emocional.
 Usan movimientos de la vida cotidiana.
 Tienen cambios impredecibles en ritmos, velocidad y dirección.
 Pueden tener una apariencia desordenada en su estructura, sin
embargo, están bien pensadas.
 Pueden romper con el marco escénico y usar el espacio de maneras no
tradicionales.
 El uso de la improvisación es más importante que el uso de cualquier
técnica en el proceso creativo.
 El bailarín puede usar su voz.
 El bailarín no tiene que bailar descalzo ni con zapatillas. No hay reglas
de calzado.

HISTORIA DE LA DANZA EXPRESIONISTA

El ballet tradicional se percibía como el austero, mecánico y firmemente
sostenido en formas fijas y convencionales.
Este nuevo baile fue más libre, natural y menos regido por reglas. Estuvo
fuertemente influido por las artes visuales del expresionismo. La danza
expresionista floreció hasta la Segunda Guerra Mundial, cuando desapareció
casi por completo en Europa Central.

Típico de la danza expresionista era la celebración de muchas noches de baile.

Estas estuvieron influidas por los reclamos individuales para crear y presentar
sus propias obras coreográficas. Coreógrafos y bailarines eran a menudo una
persona y la misma persona.

La terminología es diversa y el concepto de «danza expresionista» surgió a

mediados del siglo XX, y se introdujo en el concepto más amplio de la danza
moderna hacia finales del siglo XX, llegó a unirse y fundirse con el ballet
tradicional.

La danza expresionista estuvo marcada por el paso del modernismo, el

vitalismo, el expresionismo, el vanguardismo y la protesta general contra el
estancamiento artístico y la vieja sociedad. El ballet fue percibido como un
entretenimiento superficial. La nueva danza sería arte, tanto creación individual
como artística, y fue descrita como el arte del movimiento.

Sería más expresiva y mostraría más el espíritu y la emoción y menos

virtuosismo. El baile sería improvisado, desinhibido y provocativo. Los futuros
movimientos espirituales y de reforma corporal se expresaron en una nueva
danza desnuda, natural. Las mujeres tomaron el centro del escenario. Una de
las principales protagonistas fue Isadora Duncan, quien, alrededor de 1900,
había estudiado la técnica y el vestuario de la danza clásica. También se quitó
los zapatos de baile: «no toques el piano con los guantes puestos». Ella quería
unir el cuerpo, la mente y el espíritu en su arte, y buscó inspiración con Olga
Desmond en el antiguo arte griego y el arte del antiguo Egipto, durante la
época del orientalismo.

Los movimientos revolucionarios en Alemania y los Estados Unidos fueron los

más obvios, dos países que no tenían una tradición de ballet antiguo. Las
primeras bailarinas en Europa fueron, por ejemplo, Clotilde von Derp, Hertha
Feist, Hilde Holger, Loie Fuller, Mihaly y especialmente Mary Wigman.

HISTORIA DEL TEATRO

El teatro es una de las actividades culturales y artísticas más antiguas que
conoce la humanidad. Es una de las artes escénicas, es decir, aquellas que
tienen lugar sobre un escenario, y consiste en la recreación de una o varias
historias de distinta índole mediante actores, discursos, música y escenografía.

El teatro ha sido cultivado a lo largo de la historia con muy distintos fines, pero
siempre comprendido como una herramienta para comunicar ideas
masivamente. De hecho, los antiguos griegos lo empleaban como un
instrumento de educación religiosa y ciudadana, poniendo en escena sus mitos
y sus célebres tragedias.

Por otro lado, también las vanguardias del siglo XX vieron en el teatro un
campo de experimentos, en el cual podían someter al público a experiencias y
reflexiones de distinta índole.

Se trata, pues, de una forma de arte muy versátil, que combina el ejercicio
intelectual con la representación de situaciones graciosas, conmovedoras,
impactantes, etc. Existen formas muy variadas de representación teatral,
algunas de las cuales ni siquiera tienen lugar dentro de un teatro, sino en la
calle, y algunas incluso exigen la participación del público.

Aunque ambos términos suelen usarse como sinónimos, en sentido estricto

conviene no confundir al teatro (la representación escénica) con la dramaturgia
(la escritura del texto teatral). El primero es un género escénico, mientras que
la segunda es un género literario. Tampoco debemos confundir al teatro en
tanto género artístico, con el teatro como edificación en la que tienen lugar este
tipo de representaciones.

Aunque distintas formas de representación teatral o escénica, como danzas

chamánicas, bailes religiosos o ceremonias de todo tipo tuvieron lugar en la
sociedad humana desde sus épocas más primitivas, el teatro como forma de
arte proviene de la antigüedad clásica, específicamente de la Grecia antigua.

Eso no significa que no hubiera antecedentes importantes en culturas

anteriores, como la egipcia. Por ejemplo, era común en el Imperio Medio la
presencia de actores que, disfrazados con máscaras, relataban los mitos
fundacionales de la muerte y resurrección de Osiris.

Sin embargo, fueron los griegos los primeros en cultivarlo profundamente:

incluso la palabra teatro deriva del vocablo griego théatron, que traduce (del
verbo theáomai, mirar, del que proviene también teoría). Las representaciones
de la época se daban en un espacio central para la actividad cívica, y solían
asistir los ciudadanos de todas las edades, como parte de su educación cívica,
política y religiosa.

EL TEATRO EN EL RENACIMIENTO
Este teatro del Renacimiento presenta varias características de acuerdo al
posicionamiento de Garcilaso de la Vega uno de los máximos referentes del
renacimiento español.

 El autor presenta al hombre renacentista como el saber y la fortaleza y

no tan solo presenta bien las armas, sino que también posee una cultura
mostrándose hábil con la espada y la pluma.
 Surgirá un debate por si es mejor la vida activa o la vida contemplativa y
la acción, relacionada con la guerra o la reflexión, relacionada con el
cultivo de las letras.
 Se componen obras dramáticas enfocadas desde el hombre y más
centradas en los personajes y sus costumbres que en la moralidad.
 Descubrimiento de la imprenta de Gutenberg que promovió la
publicación de obras literarias con su lectura.
 Aparición de clases sociales más cultas a quiénes les interesaba una
literatura más culta
 El teatro renacentista pretende o cree ser una resurrección del teatro
clásico. Su idea de tragedia no es la griega, sino la romana, pensada
como una obra de salón y cuya escenografía debió ser muy complicada.

El teatro renacentista es un teatro que pretende imitar a los autores clásicos

grecolatinos. La tendencia humanística del teatro culmina con el carácter
puramente renacentista. Dentro de este teatro se establecen varios tipos
diferenciados como el teatro profano, el religioso o el palaciego.

El teatro renacentista data en el siglo XVI y se caracteriza por la corriente del

humanismo. Un movimiento intelectual desarrollado durante el siglo XV que
rompía con las tradiciones de la edad media y exaltaba su totalidad con las
cualidades propias de la naturaleza humana. Pretendía descubrir al hombre y
dar un sentido racional a la vida tomando como referentes a los clásicos
griegos y latinos. Desde Espectáculos BCN te contamos en detalle sus
principales características, sus obras y sus autores principales.

HISTORIA DEL ARTE DOMINICANO

La historia del arte en la República Dominicana comenzó como lo hizo en todo
el resto del mundo. Lo que significa que no sabemos cómo o cuándo comenzó
realmente el arte en esta región del Caribe. Para obtener una mejor
comprensión de esta historia, la línea de tiempo del arte dominicano se puede
dividir en tres etapas principales, o épocas:

El arte dominicano, en sentido estricto el producido en la Republica Dominicana

desde la Independencia en 1844, tiene sus antecedentes históricos en las
pictografías taínas realizadas con líneas simples y pigmentos vegetales sobre
paredes rocosas, la cerámica y otras producciones "menores", y en la pintura y
escultura religiosas españolas traída por los conquistadores desde los viajes de
Colón.

Posteriormente a la Independencia, como en el resto de la América Hispana,

las artes visuales siguen la senda del afianzamiento de la identidad nacional,
sobre todo a través de los retratos de patricios y de un creciente
reconocimiento del paisaje como un medio de descubrimiento y de
identificación con el entorno. Igualmente, las modas del criollismo y el
indigenismo se manifestaron en la pintura, y como suele ocurrir en las periferias
artísticas, los elementos procedentes de los lenguajes visuales característicos
de los movimientos surgidos en los centros del arte, específicamente en Paris y
otras capitales europeas, aparecen mezclados de modo indiscernible.
Realismo, romanticismo, neoclasicismo académico, e incluso ribetes
simbolistas, se fusionan en la pintura de finales del XIX y comienzos del XX, en
Sisito Desangles, Alejandro Piñeyro, Rodríguez Urdaneta o García Godoy.
 CONCLUSION
Estos temas son algo extensos mas educativos mas lectura y mas desarrollo

La historia de la danza según lo yo leído y escrito digo que alienta la

creatividad y la imaginación de los niños al igual que en los adultos desarrolla
la sensibilidad, también da serenidad y concentración permitiendo que fluyan
los sentimientos con total libertad. La danza enseña disciplina tanto física como
mental, ayudando al desarrollo de la personalidad del ser humano

En la danza posmoderna leí y según lo que puse en el trabajo que La danza

posmoderna transformó las prácticas de danza y corporales, paralelamente
cambió la manera de entender el cuerpo, las relaciones entre los bailarines, y
con el espacio escénico.

La danza moderna es un género de danza que se basa en la interpretación y

visión individual del bailarín o coreógrafo en sus movimientos en lo que va
hacer al siguiente momento ya que es un género muy usado ya que en la
actualidad todos los días surgen nuevos géneros.

La danza expresionista es un término empleado para definir un movimiento

que surgió en 1900 como una protesta contra el estancamiento artístico del
ballet clásico y para la madurez en el futuro del arte en general este género es
muy antiguo usado en protestas y ocasiones no muy vistas.

El teatro es un género literario que se constituye por un conjunto de obras

dramáticas hechas para su representación en el escenario el Teatro forma
parte de las artes escénicas, tambien las áreas de actuación, escenografía,
música, sonido y espectáculo.

El teatro se desarrolla en las cortes y palacios con despliegue y acompañado

de danza, música y vestuario pero el teatro renacentista tiene una
característica principal la imitación de los autores clásicos grecolatinos supongo
que está claro eso.

El arte dominicano es lo que pertenece al campo visual como muchas

expresiones: arquitectura, artesanía, cerámica, escultura, fotografía, gráfica en
general y pintura, que forman parte de nuestra cultura dominicana.

Hasta aquí mi conclusión en el tema en general de todo lo que leí aprendí e

investigue
 BIBLIOGRAFIA
La historia de la danza

 Abad Carles, Ana (2004). Historia del ballet y de la danza moderna.

Alianza Editorial, Madrid

Danza moderna, posmoderna y expresionista

 https://www.geniolandia.com/13125272/historia-de-la-danza-
posmoderna
 Wikipedia en catalán, concretamente de esta versión, publicada por sus
editores bajo la Licencia de documentación libre de GNU y la Licencia
Creative Commons Atribución-Compartir Igual 3.0 Unported.
 https://ladanzaunmundo.blogspot.com/2015/04/que-es-la-danza-
posmoderna-cual-es-su.html
 https://www.geniolandia.com/13125272/historia-de-la-danza-
posmoderna
 https://brainly.lat/tarea

La Historia del teatro

 https://es.wikipedia.org/wiki/Teatro
 https://concepto.de/teatro/

Teatro en el renacimiento

 https://www.espectaculosbcn.com/teatro-renacentista-caracteristicas-
obras-y-autores/
 https://tiposdearte.com/teatro/renacimiento

Historia del arte dominicano

 https://www.google.com/url?sa=i&url=https%3A%2F
%2Fdominicancult.blogspot.com%2F2018%2F04%2Fhistoria-del-arte-
dominicano
 https://www.galeriadeartedominicana.com/cat.php?id=110650
 https://www.enciclopediadetareas.net/2010/05/historia-del-arte-
dominicano.html
 https://dominicanartandculture.wordpress.com/2015/05/17/historia-del-
arte-dominicano/

Estas fueron las fuentes en las que busque la investigación de cada uno de
estos temas espero que le haya gustado todo el contenido gracias a cada tema
pude desarrollar bien este trabajo.