BENEMÉRITA UNIVERSIDAD AUTÓNOMA DE PUEBLA

PREPARATORIA: LICENCIADO” BENITO JUÁREZ GARCÍA”

“ARTE”

Tema a desarrollar: “Estilos Artísticos”

ALUMNAS:

Lorena Cruz Zárate

Alessandra Cecilia Filomeno Rivera

PROFESOR: Marcelino Cisneros Tecpanecatl

GRADO Y GRUPO: 2 ”A” TURNO:MATUTINO

CICLO ESCOLAR 2018-2019

 ÍNDICE
OBJETIVOS GENERALES Y PARTICULARES ................................................................................... 3
INTRODUCCIÓN ........................................................................................................................... 4
ARTE BIZANTINO ......................................................................................................................... 5
ARTE ROMÁNICO......................................................................................................................... 8
ARTE GÓTICO............................................................................................................................. 13
ARTE ISLÁMICO ......................................................................................................................... 16
ARTE MUDÉJAR ......................................................................................................................... 20
ARTE RENACENTISTA ................................................................................................................. 23
ARTE BARROCO ......................................................................................................................... 27
ARTE COLONIAL ......................................................................................................................... 30
ARTE NEOCLASICA ..................................................................................................................... 32
ARTE ROMANTICISMO .............................................................................................................. 34
GLOSARIO DE CONCEPTOS……………………………………………………………………………………………………36

CONCLUSIÓN ............................................................................................................................. 37
BIBLIOGRAFÍA ............................................................................................................................ 37

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 OBJETIVOS GENERALES Y PARTICULARES

Competencias
2. Es sensible al arte y participa en la apreciación e interpretación de sus expresiones en
distintos géneros.
2.1 Valora el arte como manifestación de belleza y expresión de ideas sensaciones y
emociones.
2.2 experimenta al arte como un hecho histórico compartido que permite la
comunicación entre individuos y culturas en el tiempo y espacia, a la vez que
desarrolla un sentido de identidad.
2.3 Participa en prácticas relacionadas con el arte.
4. Escucha, interpreta y emite mensajes pertinentes en distintos contextos mediante la
utilización de medios, códigos y herramientas apropiadas.
4.1 Expresa ideas y conceptos mediante representaciones lingüísticas, matemáticas o
gráficas.
4.2 Aplica distintas estrategias comunicativas según quienes sean sus interlocutores, el
contexto en el que se encuentra y los objetos que persigue.
4.3 Identifica las ideas clave del texto o discurso oral e infiere conclusiones a partir de
ellas.
4.5 Maneja tecnologías de la información y comunicación para tener información y
expresar ideas.
8. Participa y colabora de manera efectiva en equipos diversos
8.1 Propone maneras de solucionar un problema o desarrollar un proyecto en equipo,
definiendo un curso de acción con pasos específicos.
8.2 Aporta puntos de vista con apertura y considera los de otras personas de manera
reflexiva
8.3 Asume una actitud constructiva, congruente con los conocimientos y habilidades
con los que cuenta dentro de los distintos equipos de trabajo.

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 INTRODUCCIÓN

Los movimientos artísticos que reúne esta investigación, son aquellos que se gestaron en el
proyecto moderno occidental, y que tuvieron como propósito la ilusión tecnológica que generaba la
ideología de progreso. Este es un breve trabajo historiográfico que pretende rastrear la relación arte
y tecnología.

En esta posible línea de investigación no sólo se promueve una conciencia histórica sino que pone
sobre la mesa ciertas tesis que provienen de movimientos como la estética de la maquinaria así los
procesos de legitimación que se están gestando actualmente para lograr encontrar puntos
delimitados por las vanguardias y por los movimientos artísticos de finales de siglo XIX.

Ya que el corte comienza precisamente cuando esa ruptura se hace totalmente evidente. Las
ciencias científicas estaban separadas de las ciencias humanas. La metodología es radicalmente
distinta, y es dentro de la ciencia que se supone una suerte de progreso que aspira a la
transformación de la sociedad. Sin embargo el avance tecnológico es totalmente agresivo casi desde
sus inicios, es decir, la revolución industrial genera una clase proletaria y unas consecuencias de
orden histórico social, que resulta casi evidente una posición artística, que además muchas de las
veces será crítica, como una de sus tantas respuestas. No es que el quehacer artístico esté
determinado por las estructuras geopolíticas sociales, pero definitivamente si forma parte de manera
integral del espíritu de cada época.

Es así que encontraremos en el transcurrir de esta historiografía del arte a través de movimientos
que en un principio se revelan en contra de todo lo que estipula la tradición de las artes plásticas y
que después cuestionarán la promesa del progreso.

Donde el legado de todos estos movimientos no sólo se debe a su carácter crítico, o por el
desmontaje de la representación tradicional sino porque también inauguraron un nuevo lenguaje
dentro de la composición formal que se desligaba por completo del arte tradicional, (incluso es en
esta época es donde se habla de la muerte del arte), y proponían problemas estéticos que, entre otras
cosas, provocaban una extensión artística hacia otros campos del conocimiento; estamos hablando,
en un primer momento, del cuestionamiento de la obra como pieza en si misma terminada
(cuestionamientos, quizás, sobre los soportes tradicionales); del papel del espectador frente a la
pieza (lo que origina la intención de interpelación y lo que en otras palabras se conocería como
interacción o interactividad), y que de tener un papel pasivo (el espectador) pasaría a una
participación activa para la integración total de la pieza, que quizás en algún principio sería sólo
interpelando su movimiento físico o su percepción visual (como el arte cinético y el opart) y más
tarde su participación mental (como en el arte del concepto). Y que lograría dar pauta para una serie
de proyectos artísticos que se vincularían con otras áreas del conocimiento, y que desembocarían en
proyectos interdisciplinarios (en donde conviven las disciplinas) y transdisciplinarios (en donde
para la realización de un proyecto se tiene que cruzar la frontera del conocimiento de una disciplina
a otra, es decir, como la que se forma en un artista ingeniero).

4
 ARTE BIZANTINO
Contexto Histórico
Formalmente, el bizantino es el arte desarrollado en el
Área del Imperio Bizantino entre el siglo IV y 1453.
La fusión Iglesia-Estado propia de Bizancio se refleja
en su arte, donde se exalta lo divino y se glorifica el
poder civil estableciendo paralelismos entre el poder
sobrenatural y el humano.
Se utiliza la imagen como medio de educación para los
que no sabían leer ni escribir. Hasta el siglo V, la
imagen ha de expresar lo esencial, porque es una
imagen de “servicio”: para algunos, tendrá un carácter
sagrado, como vehículo de adoración a Dios y a los
santos y como reflejo del mundo sobrenatural.
A partir del siglo V, se desarrolla una tendencia contra
la figuración, especialmente la de carácter humano:
sólo escaparon a esa corriente las figuraciones
animalísticas.
Constantinopla y Rávena fueron los centros artísticos
más importantes: la primera por ser la capital; la otra, a
partir de 540, por ser la ciudad destinada a irradiar su
influencia por el ya devastado limes romano.
Las notas definitorias de la arquitectura bizantina son
sus variadas y ricas cúpulas, asociadas a las bóvedas
Cabe destacar que los emperadores, y especialmente
Justiniano, utilizaron la arquitectura como un
instrumento político para impresionar a los pueblos,
tanto del interior como del exterior del Imperio.
paleocristiana. Sin embargo, la situación cambia
totalmente en el siglo VI.
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celestiales y construidas mediante hiladas concéntricas
en ritmo decreciente hacia la cima; el colosalismo,
acorde con el poderío de la Iglesia y con el
triunfalismo del régimen político bizantino; el
contraste entre la sencillez y la austeridad de los
exteriores y el brillo y la riqueza decorativa de los
interiores; el uso del ladrillo como material
constructivo, solo o combinado con aparejos de piedra
y la planta de cruz griega inscrita en un cuadrado o
rectángulo como tipología dominante en las iglesias.
El arte bizantino constituye uno de los episodios más
grandiosos del arte universal, ya que se fundamenta en
el arte griego y paleocristiano, con grandes influencias
orientales (persa y musulmana).
Para los templos, se usa con preferencia la planta
centralizada o de cruz griega con grandes cúpulas
sobre pechinas. Aunque los materiales constructivos no
son especialmente ricos, sí lo es su decoración a base
de mosaicos y pinturas murales, donde la
representación de la figura humana, solemne y
hierática, genera una gran sensación de espiritualidad
que heredará posteriormente el arte románico.
Hasta la llegada de Justiniano al poder, las
construcciones religiosas tanto en oriente como en
occidente se habían basado en la basílica romana
Occidente continúa adepto a la basílica, pero la
arquitectura justiniana rompe con esta tradición.
El emperador prefiere iglesias de planta central y
abovedadas, inspirándose en modelos del Bajo Imperio
Romano que se habían desarrollado en torno a salones
palaciegos, pabellones de jardín y construcciones
funerarias.
Con Justiniano, pues, la planta central cupulada con
bóvedas de ladrillo se va a convertir en norma para
construir los edificios religiosos, independientemente
de cuál fuera su función litúrgica. Al parecer, la
influencia de la liturgia fue determinante para esta
elección. La liturgia que se había desarrollado en las
costas del Egeo (Acheiropoietos) requería la nave
Santa Sofía de Constantinopla
Santa Sofía se construyó entre los años 532 y 537,
inmediatamente después de la destrucción de la
primitiva basílica constantiniana debido a un incendio
que brotó durante la llamada Insurrección de Nika, en
el mismo año 532.
Santa Sofía es una iglesia palatina construida junto al
palacio imperial y como el emperador quería realizar
una construcción eminentemente grandiosa con el fin
de manifestar así su poder, mandó llamar a dos
ingenieros especializados en construcciones militares
porque se consideraba que así podría ejecutarse una
obra con más innovaciones técnicas que si la dirigiese
un arquitecto. Estos ingenieros fueron Isidoro de
Mileto y Antemio de Tralles.
Trabajaron en este edificio más de diez mil obreros y
sabemos, especialmente por Procopio, que
prácticamente todas las provincias del Imperio
enviaron sus materiales más preciados para la
decoración de esta iglesia. El elemento más grandioso
es su gran cúpula, pero se hundió en torno al 550 y
tuvo que ser reconstruida entre los años 558 y 562 por
Isidoro el Joven, sobrino de Isidoro de Mileto.
Como característica fundamental, se trata de un
edificio en el que se compatibilizan a la perfección, la
tendencia basilical con su sentido dinámico y ritmo
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central como lugar exclusivo para el coro. Un edificio
de planta central en cambio no requiere este tipo de
separación. La zona central está ocupada con el coro y
el deambulatorio por los fieles. De este modo se
facilita enormemente el desarrollo de esta liturgia
oriental que se manifiesta distinta a la que se realizaba
en Roma y en parte del occidente europeo.
longitudinal y la tendencia centralizada con la cúpula
como elemento principal. La primera cúpula iba
cubierta con un mosaico de oro. La definitiva, al
parecer,
llevaba
como
decoración una enorme cruz.
Parece evidente que la iglesia de Santa Sofía no
presentaba mosaicos figurativos.
Las principales características estéticas de la basílica
son:
• Materiales ricos y exóticos que buscan el
destello de las piedras y de las teselas de los
mosaicos con el fin de diluir la estructura
arquitectónica y de crear un ambiente
trascendente que fuese manifestación de Dios
y de su lugarteniente en la tierra, Justiniano.
• Perfección técnica de la obra, irrepetible en la
arquitectura del mundo Mediterráneo.

El exterior es similar a la de los otros edificios de estilo
bizantino: achaparrado, muy voluminoso, donde
destaca la cúpula pero no de manera estilizada, sino
muy baja y con un tambor poco desarrollado. Los
minaretes son producto de la invasión turca.
El interior es, sin embargo, soberbio. Se accede desde
un atrio y tiene dos exonártex. La planta es
cuadrangular (70 x 77 metros aproximadamente), en la
Pese a la centralización, los ingenieros fueron capaces
de desarrollar una serie de elementos que hacen que
impere el eje este-oeste hacia el ábside. Para ello,
lanzan de pilar a pilar
unos muros que cubren
totalmente las naves
laterales y que forman
arcos sujetos por
pilares. Además,
debido al gran tamaño
de la cúpula, tuvieron
que transmitir los
empujes a unas
semicúpulas que a su
vez los transmiten a
unos cuartos de cúpulas
que hay en los
extremos y que tienen
forma de nicho.
La decoración del interior se debe a reformas turcas, la
decoración vegetal destaca de manera especial
MATERIALES: piedra y ladrillo. Mosaicos
cubriendo los muros.
ELEMENTOS SUSTENTANTES: muros y sobre
columnas con capiteles cúbicos.
ELEMENTOS SUSTENTADOS: Arquerías de
medio punto. Empleo sistemático de la cúpula sobre
pechinas. Bóvedas de cañón y de aristas.
DECORACIÓN: placas de mármol de colores,
mosaicos y pinturas sobre fondo de oro.
El lujo ornamental oriental se apodera de todos los
ámbitos de los edificios. Se crean grandes espacios
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que hay dos ejes perfectamente diferenciados: este-
oeste y norte-sur. En el eje este-oeste es donde nos
encontramos con el planteamiento característico de una
planta centralizada, pues está presidido sobre una
enorme cúpula que está levantada sobre pechinas y se
soporta sobre cuatro grandes pilares. Esta cúpula mide
32 metros de diámetro y está formada por 40
plementos curvos en cada uno de los cuales hay una
ventana que ilumina directamente la nave y que en
determinados momentos del año y del día provoca el
efecto "cúpula colgante.
Todo ello termina en un presbiterio formado por un
tramo cubierto por bóveda de cañón y una exedra
semicircular cubierta por una bóveda de horno que al
exterior se muestra poligonal. Al otro extremo hay un
tramo cubierto por una bóveda de cañón que da al
nártex. Las naves laterales están cubiertas por bóvedas
de arista que alternan con tramos cubiertos por bóveda
de cañón, que coinciden con los contrafuertes. En el
piso de tribuna la cubrición se hizo a base de pequeñas
cupulitas. Hay una gran diferencia de altura entre las
naves laterales y la central.
La iglesia primitiva era prácticamente igual a la actual,
por lo que se supone que lo que hizo Isidoro el Joven
cuando la cúpula primitiva se hundió fue agrandar los
pilares para que no volviera a ocurrir.
Probablemente en el siglo VII u VIII se tuvieron que
añadir unos enormes contrafuertes.
unificados y centralizados bajo las enormes cúpulas.
Todo simboliza la grandeza del
emperador.
Se sigue utilizando la cúpula
trompas -bovedilla
cónica en el ángulo de dos
muros utilizada para convertir
una planta cuadrada en
poligonal o circular-, pero se
impone un nuevo tipo de cúpula, sobre PECHINAS
CÚPULAS BIZANTINAS: La gran aportación de la
arquitectura bizantina fue el empleo de cubiertas
curvas sobre un espacio cuadrado, mediante la
utilización de pechinas. Para aligerar el peso de la
cúpula se emplean piedras muy ligeras, de consistencia
muy porosa, pero también elementos de cerámica,
huecos, tales cono tubos o dos tejas opuestas. Con
estas piezas formaban una red de radios que después
cubrían. Contrarrestos de presiones mediante
semicúpulas, contrafuertes, bóvedas y muros gruesos
CÚPULA SOBRE PECHINAS: Clásico, tipo
teodosiano (herencia romana) empleado durante el
siglo IV como evolución del corintio y tallado a
trépano, semejando a avisperos.
CAPITEL BIZANTINO: deriva del capitel corintio,
tiene forma tronco-cónica. Formado por dos cuerpos,
el inferior con decoración vegetal y que se denomina
propiamente capitel y el superior o cimacio que puede
ser liso o decorado con temas bíblicos.
o Decorado con motivos vegetales planos.
o El uso del trépano da lugar a efectos pictóricos
de claroscuro. A veces tiene un segundo cuerpo
encima llamado CIMACIO con el fin de aliviar
la carga sobre el decorado capitel.
Ya en la segunda mitad del siglo IX de un tratado
llamado "Hermeneia" en donde se dicta cómo se deben
ARTE ROMÁNICO
El origen del arte románico se sitúa en Francia e
Inglaterra, siendo en Francia el país donde adquiere
mayor desarrollo por lo que podría colocarse a la cabeza
del estilo. La cronología abarcaría desde finales del siglo
X hasta el XII, aunque en algunas zonas podría
extenderse hasta el XIII. La arquitectura románica es
eminentemente religiosa y crea un tipo de templo
abovedado, bastante uniforme, de interiores oscuros que
mueven al recogimiento.
Para fijar una cronología más o menos clara de este
estilo artístico, a pesar de lo difícil que resulta este
aspecto por las variaciones que existen en las distintas
zonas y países europeos, podemos seguir al historiador
Isidro Bango, que divide el Románico en los siguientes
periodos:
Primer Románico o Románico Lombardo
El "Primer Románico" nace de la fusión de elementos
arquitectónicos y artísticos europeos prerrománicos
Esta arquitectura del Primer Románico se extiende a
otros lugares de Europa: Suiza, sur de Alemania y sobre
todo al sur de Francia y noreste de España (norte de
Cataluña y algo en Aragón) a finales del siglo X, pero
sobre todo durante todo el XI.
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realizar las escenas y que escenas deben colocarse en
cada lugar del templo.
De este modo, surgió un proyecto decorativo que va a
ser común para todas las iglesias.
La Hermeneia no se conserva, pero la conocemos muy
bien porque en el siglo XIX se encontró un manuscrito
que recogía la Hermeneia en un monasterio del monte
Athos, en Grecia. En función de la Hermeneia las
escenas y las figuras disponen de la misma manera:
• El nivel inferior (en los muros): deben
aparecer exclusivamente patriarcas del
Antiguo Testamento, profetas, apóstoles,
mártires y obispos.
• En el nivel medio (trompas, pechinas,
tímpanos...): deben aparecer historias de la
vida de Cristo que recojan sus momentos más
trascendentales.
• En el nivel superior (cúpulas y bóvedas de
horno en los ábsides): debe aparecer Cristo en
majestad, la Vírgen y los ángeles.
• Primer Románico o Protrorrománico (finales
del siglo X – último tercio del siglo XI)
• Pleno Románico (último tercio del siglo XI –
mitad del siglo XII).
• Románico Final o Tardorrománico (mitad del
siglo XII – mitad del siglo XIII).
El término románico se introduce en la historia durante
el siglo XVIII, en relación con la lingüística: lenguas
romances. En arte, el románico se consideraba como un
arte derivado del romano, en oposición al término
gótico, creado para marcar una notable diferencia
respecto a lo clásico.
Las características de las iglesias del
Primer Románico son:
• No hay escultura.
• Empleo del sillarejo para
hacer los muros: piedra escuadrada pero no
pulida.
• Se usan pilares y pilastras pero no columnas.
• Decoración mural a base de lesenas y arquillos.
• Estructura de naves y ábsides semicirculares y
en ocasiones cimborrio.
 • Las torres son muy características por sus
numerosos pisos escalonados.
Segundo Románico o Románico Pleno
A partir del Primer Románico, se produce un salto
cualitativo acontecido entre 1060 y 1080, generándose
un arte nuevo que se denomina "Segundo Románico" o
"Románico Pleno" (término inventado por el catedrático
Bango Torviso). Su importancia es debida a que:
Las características de las iglesias del Románico Pleno
son:
• Hay escultura monumental abundante y pintura.
• Empleo del sillar para los muros: piedra
escuadrada y pulida.
• Además de otros soportes se usa también la
columna.
• Estructuras similares a las del Primer Románico
pero alcanzando más diversidad y tamaños
mayores.
• También, sus interiores se recubrían con
pinturas murales.
El Románico Pleno se origina y propaga rápidamente
por la Europa del siglo XI por influencia de la
unificación monástica de Cluny y las peregrinaciones.
Llega a España por el Camino de Santiago. Algunas
iglesias del Románico Pleno en España son: San Martín
de Frómista, Catedral de Jaca, San Isidoro de León,
Catedral de Santiago, San Zoilo de Carrión de los
Condes, San Isidro de Dueñas, San Pedro de Arlanza,
Santo Domingo de Silos, etc.
Tercer Románico o Tardorrománico
Es la tercera etapa del arte medieval y es consecuencia
de la evolución del "Románico Pleno" o "Segundo
Románico" hacia formas menos clásicas y más
amaneradas.
Abarca desde la mitad del siglo XII a las primeras
décadas del XIII.
Las características de las iglesias del Tardorrománico
son:
• Protagonismo de la escultura monumental. Si
en el Románico Pleno aparece la escultura, en
el Tardorrománico prolifera aún más.
• La escultura se hace menos hierática y más
naturalista.
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• Sus interiores se recubrían con pinturas
murales.
• Es el primer arte unificador europeo occidental
(excluyendo el Arte Bizantino oriental).
• es homogéneo (aunque hay diferencias en
distintas latitudes de Europa).
• Abarca desde las últimas décadas del siglo XI
al primer tercio del XII).
• Los motivos
decorativos se
hacen más
recargados.
• A veces hay
combinación
con estructuras
arquitectónicas
góticas.
• También, sus
interiores se recubrían con pinturas murales.
• Un fenómeno opuesto: la Reacción Cisterciense
Las iglesias tardorrománicas de la segunda mitad del
siglo XII, recargadas en escultura, conviven con otras
extremadamente sobrias: las de los monasterios del
Císter.
Ello es debido a que San Bernardo de Claraval -principal
impulsor de la Orden del Císter- establece que en los
monasterios cistercienses no exista escultura figurada
por considerar que supone un gasto innecesario y una
distracción para los monjes.
Así tenemos un panorama en la segunda mitad del siglo
XII con dos tendencias opuestas. Una recargada de
decoración y otra completamente sobria.

Románico en Barcelona
Aunque el inicio de este arte en la actual provincia de
Barcelona viene marcado por las modas
lombardocatalanas, hay también numerosas obras del
estilo internacional, donde sobresale su elevado número
de encantadores claustros monacales.
Románico en Girona
Esta provincia es clave en el panorama románico de
Cataluña y de España, dada su cercanía y comunicación
con Francia y el Arco Mediterráneo. Por eso tenemos
monumentos claves como Sant Pere de Rodes, el
Monasterio de Ripoll o la Catedr al de Seu d'Urgell.
Románico en Lleida
Aparte de la magnífica Seu Vella de la capital y de las
portadas de la "Escuela Leridana", asociamos el
románico leridano a los valles pirenacos con sus iglesitas
lombardas de gran pintoresquismo, como en el caso del
Vall de Boí.
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Románico en A Coruña
La gran capital cultural y artística de A Coruña es
Santiago de Compostela con su majestuosa catedral, fin
de la ruta jacobea que comunicó a toda la Europa
medieval. Al margen de este hito, hay que decir que
abundan, como en toda Galicia, las pequeñas e iglesias
parroquiales y tampoco faltan monasterios.
Materiales:
o En los edificios más tempranos: Aparejo
irregular propio de una arquitectura insegura
En la mayoría: Sillares de piedra; caliza,
granito o pizarra.
o Suele aparecer cortado de forma regular,
formando la piedra de cantería propia del
Románico. En algunos casos: Mármol, donado
por algún noble.
o Ladrillo, como en Saint Sernin de Toulouse
o Edificios Templo Monasterio
o Decoración del Templo: Se encuentra en las
puertas o portadas, que se forman con una serie
de arcos concéntricos o archivoltas
o Sustentados por jambas o columnas
o Con cornisa (dintel), que se sustenta con las
jambas y una columna central o parteluz
o El espacio entre arquivoltas y dintel es el
tímpano, que se decora con esculturas
o Las puertas y ventanas son abocinadas.
Decoración del Templo: Portada Archivoltas
Tímpano Dintel Parteluz Jambas Jambas
Arquitectura del Templo Plantas: Según las
necesidades, pueden ser: Basilical
o De cruz latina
o De salón
o Se modifican según las necesidades
EL SISTEMA DE SOPORTES INTERNOS:
o Las pesadas techumbres de piedra se
soportan por medio de: gruesos muros,
reforzados en su exterior por contrafuertes,
gruesos pilares y columnas.
o El típico pilar románico tiene el núcleo de
sección cuadrada o rectangular, en cuyos
frentes se adosan semicolumnas que
recogen el peso de los arcos fajones que
sostienen la bóveda y de los arcos formeros.
Los primeros volteados en sentido
transversal al eje de la nave, y los segundos
en sentido longitudinal. Exteriormente los
pilares se corresponden con los
contrafuertes. Hubo, no obstante, algunas
variaciones.
o En ocasiones se combinó el pilar y la
columna en otras se utilizaron grandes
columnas, sobre todo cuando la cubierta era
menos pesada.
o La evolución natural del pilar románico
tendió a la complejidad a medida que se le
iban adosando columnas o pilastras.
Aparecerán pilares cruciformes,
poligonales, etc.
o Los capiteles se utilizan como soporte para
narrar mediante relieves escultóricos pasajes
evangélicos.
EL ALZADO DEL TEMPLO:
o La nave central suele ser más alta que las
laterales. De este modo se consiguen dos
cosas: la construcción de vanos que
posibilitan la iluminación del templo y que
las naves laterales actúen como refuerzo o
entibo de la nave central.
o Cuando la nave central tiene dos pisos, al
segundo se le llama tribuna y al conjunto de
aperturas de la tribuna sobre la nave central,
se le llama triforio.
o En el crucero se levanta, con frecuencia, un
cuerpo poligonal llamado cimborrio, que
sobresale sobre el conjunto del edificio,
coronándose, a veces, por una linterna.
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o Las construcciones románicas suelen tener
una cimentación profunda y robusta, dado
que la pesadez del edificio (cubiertas
abovedadas de piedra) lo exige. Esto
posibilita la construcción de criptas
subterráneas.
o Los muros, que son los verdaderos
elementos de sustentación del edificio, son
gruesos, construidos a doble pared rellena
de ripio.
o Los muros se refuerzan exteriormente por
medio de contrafuertes. La necesidad de
dotar de robustez al muro impide la apertura
de grandes vanos en el mismo; por esta
razón, en la arquitectura románica
predomina el macizo sobre el vano.
o La existencia de un gran muro desnudo,
obliga a los arquitectos a introducir
numerosos elementos decorativos que lo
animen exteriormente.
o Así, encontramos: pilastras, arquillos
ciegos, canecillos, modillones de rollo,
ajedrezado o taqueado jaqués, etc.
o Las tribunas del piso superior, al estar
cubiertas con ½ bóvedas de cañón, actúan
como arcos que trasladan el peso de la
bóveda que cubre la nave central hacia el
exterior.
LOS SISTEMAS DE CUBIERTAS:
o El sistema de cubiertas característico
evoluciona desde las primeras techumbres de
madera hacia las bóvedas de piedra.
o El tipo más empleado es la bóveda de cañón
reforzada por arcos fajones, utilizada
especialmente en la nave central.
o La bóveda se va construyendo por tramos, de
tal forma que el defecto o la ruina de uno de
ellos no afecte al conjunto de la iglesia.
o En las naves laterales y en la girola, se emplea
más frecuentemente la bóveda de arista.
o La evolución constructiva del románico
supone, al final, la aparición de la bóveda de
cañón apuntado, reforzada por arcos fajones
igualmente apuntados.
o Los ábsides se cubren con bóvedas de ¼ de esfera.
o El cubrimiento de las iglesias de planta
centralizada o de los cimborrios de muchas
iglesias basilicales, se realiza con frecuencia en
España con cúpulas de arcos entrecruzados de
clara tradición musulmana.
decoración exterior es típico el taqueado o
ajedrezado. Ejerció enorme influencia en Aragón y
Castilla.

o También se emplean las cúpulas, bien sobre

trompas (arcos que se sitúan en los ángulos) o bien
sobre pechinas (triángulos esféricos).

LAS FACHADAS O PORTADAS:

o Las fachadas, tanto a los pies de las naves como en

los extremos de los brazos del crucero, suelen estar
enmarcadas por las torres, y concentran los San Isidoro de León: sobre una antigua iglesia visigoda
principales programas ornamentales del edificio. se hizo en 1059 la cripta o Panteón Real, de planta
cuadrada y dividido en nueve compartimentos con
o En general, las portadas, sobre todo las de acceso a bóvedas de arista por cuatro robustas columnas, con
las naves, reflejan en su estructura y disposición la bellísimas pinturas. Hacia 1090 el maestro Petrus
propia organización del espacio interior del templo Deustamben construyó la iglesia de planta basilical de
(el número de naves, la mayor altura de la nave tres naves separadas por pilares cruciformes y con arcos
central, sus divisiones en altura, etc.). de medio punto peraltados, sin girola. En el crucero hay
arcos lobulados, de influencia islámica.
o Suelen tener formas abocinadas (rehundimiento
progresivo del arco que las conforma), al igual que
los vanos del edificio. Ello es debido al grosor de
los muros.

o Cada uno de los tramos rehundidos del arco recibe

el nombre de arquivolta (arcos concéntricos con
molduras que van reduciendo el ancho de la
abertura del vano). San Martín de Frómista: Fundada hacia 1066, es
la iglesia del Camino de Santiago en Palencia,
o La decoración suele ser antropomórfica y que consta de planta basilical, tres naves, tres ábsides,
geométrica. crucero que no sobresale en planta, pilares cruciformes y
cubierta con bóveda de cañón. Presenta dos torres
o Sobre la puerta suele haber un tímpano con circulares en la fachada de los pies y
decoración escultórica. torre cimborrio poligonal sobre el crucero.

o La puerta puede estar dividida por un pilar central,

llamado parteluz.

o En los aleros suele haber decoración animal o

vegetal.

o Se suelen decorar con arcadas ciegas que simulan

elementos de sustentación

Construcciones más importantes del arte románico

Catedral de Jaca: edificada hacia 1080 es la obra más
importante en el Camino de Santiago aragonés.
Consta de planta basilical, tres ábsides
semicirculares y tres naves separadas por
alternancia de pilares cruciformes y columnas.
Tiene cimborrio con nervios sobre trompas. En
Catedral de Zamora: pertenece al románico tardío de la
Escuela del Duero (como la Colegiata de Toro y la Torre
del Gallo de Salamanca), del año 1170. De tres naves y
tres ábsides. Lo más original es el cimborrio
sobre pechinas del crucero, con cúpula gallonada de
nervios, decorado con escamas y elevado sobre un

12
tambor de ventanas. Al exterior presenta cuatro
torrecillas cilíndricas. Presenta influencia del románico
francés del Poitou.
ARTE GÓTICO
El arte gótico se desarrolló en un largo período en
el cual la cultura europea experimentó cambios
profundos que influyeron en el arte. En los siglos
XI y XII, el campo era más productivo y
el comercio había resurgido. Las ciudades
comenzaron a recuperarse, y en la época del
gótico surgió un nuevo grupo social,
la burguesía que aumentó su protagonismo. Se
construyeron edificios civiles, palacios, y, sobre
todo, catedrales, como un símbolo del nuevo
orgullo urbano. El interés por las cosas terrenales,
por el placer y por el refinamiento del arte volvió
a surgir y se empezó a forjar el espíritu moderno
junto con una visión religiosa del mundo.
El dinero adquirió más importancia y surgieron
hombres que convirtieron la pobreza en virtud.
La religiosidad era centrada en imitar a Cristo.
Predominaban las plantas de cruz
latina distinguiendo la cabecera, el crucero y
las naves. La cabecera tenía girola y capillas
radiales y la nave central y el crucero eran más
anchos. Se le dio mucho valor a la portada de los
edificios donde se colocaban torres y puertas.
Las fachadas tenían forma de H. Los edificios
cobran vida y espontaneidad utilizando
un empirismo de ingeniería para crear espacios de
gran altura y llenos de color.
BÓVEDAS DE CRUCERÍA:
El arte gótico logró transformar castillos, iglesias,
catedrales en prácticamente casi toda Europa por
medio de sus características, entre ellas podemos
citar:
• Los edificios eran muy altos de manera
que barrieron hacia arriba con altura y
gracia.
• Una de las características fundamentales
de la arquitectura gótica era su altura.
Las nuevas técnicas de construcción les
13
permitieron a los arquitectos extender el
peso de las paredes para hacerlas más
altas al igual que con las torres.
• El contrafuerte volador es la
característica más importante y que
define la arquitectura gótica. Estos
contrafuertes actúan
para separar el peso de
las paredes Soportan la estructura
transfiriendo la fuerza directamente hacia
el suelo.
• La innovación y construcción del arco
apuntado fue otra característica clave de
la arquitectura gótica. Su significado
fue práctico y meramente decorativo.
• El arco gótico tenía un valor estético y
una gran belleza que influyó en muchas
otras características del diseño gótico,
especialmente el techo abovedado.
• Los techos abovedados e irregulares
utilizaban la tecnología del arco
apuntado para separar la fuerza y el peso
de los pisos superiores.
• Tenía secuencia temporal y era un arte
enfocado en el aspecto religioso.
• Se construyeron imponentes e
importantes catedrales
o La técnica más importantes fue la bóveda
de crucería. Se trata de un sistema de
bóvedas que cruza dos arcos ojivados o
apuntados.
o Este cruce genera una serie de nervaduras
visibles en la estructura que distribuye el
peso de la construcción hacia los pilares,
 ahora más estilizados, y los arbotantes y
contrafuertes externos.
ARBOTANTES Y CONTRAFUERTES:
o Aparecen también los arcos arbotantes,
que consisten en medio arco exterior que
recibe el peso que distribuyen las
bóvedas de crucería. A su vez, los
arbotantes distribuyen el peso hacia los
contrafuertes. Así, los muros que antes
servían para contener el peso del edificio
se hacen innecesarios.
o Los contrafuertes se remataban
con pináculos, los cuales cumplen una
función decorativa y, al mismo tiempo,
simbólica, ya que dan mayor altura al
edificio.
VITRALES Y ROSETONES:
o Gracias a las nuevas técnicas
arquitectónicas, los muros macizos se
sustituyeron por grandes ventanales
donde se hicieron vitrales.
Los vitrales permitieron la resuelta
iluminación solar del interior de los
edificios por primera vez en la historia.
14
Al mismo tiempo, sustituyeron a los
frescos propios del arte románico.
o Se usaron los vitrales con forma de arcos
apuntados y también los rosetones, que
son ventanas circulares caladas
dispuestas radialmente.
o Los vitrales multicolores proporcionaron
una iluminación absolutamente
novedosa, efectista e impactante. La luz
dentro de las catedrales fue concebida
como un elemento de contemplación
divina.
El arte gótico tiene un carácter didáctico. Su
mensaje se orienta a la celebración del Dios
encarnado y la unión de Dios con sus criaturas, lo
que se hizo visible en las artes figurativas,
tanto escultura como pintura.
Las fachadas de las catedrales góticas aún serán
concebidas como libros de piedra abiertos al
transeúnte, llenas de relieves escultóricos,
originalmente pintados en colores vivos.
En el caso de la decoración interior, los vitrales
serán comprendidos como una puerta hacia la
revelación, pues sus efectos favorecen la
contemplación espiritual.
Elementos formales de la arquitectura gótica:
o ARCO APUNTADO: El arco apuntado
u ojival está formado por dos porciones
curvas que se cortan, dibujando un
ángulo curvo en la clave y cuyo intradós
es cóncavo.
o BÓVEDA DE CAÑÓN: Obra arqueada
que cubre el espacio entre dos muros.
 o ARCO ARBOTANTE: Arco rampante
que descarga, sobre un contrafuerte
exterior al edificio, el empuje de las
bóvedas.

SUBESTILOS:
o CISTERCIENSE: Estilo arquitectónico
que los cistercienses emplearon, de
acuerdo con las normas de su Orden, para
disponer de mejor coloquio con Dios, y
en un plano más terreno y estéticamente Catedral de San Esteban – Viena
sugestivo, permitiera mejor la unión
entre naturaleza y arquitectura
La Catedral de San Esteban (Stephansdom)
o TARDÍO: París había encabezado el arte en Viena es uno de los destinos preferidos por los
y la cultura europeas desde 1230 sin viajeros. La Catedral ha sido el centro y corazón
embargo, tras los estragos de la peste y el de la ciudad por siglos. Por varios siglos fue el
estallido de la guerra de los Cien Años, a edificio más alto de Europa, midiendo casi 137
mediados del siglo XIV, París perdió la metros
supremacía y se convirtió en uno más
entre los centros artísticos que
florecieron en ese período.

La catedral: Centraliza el espacio urbano, refleja

el cambio de mentalidad.

Verticalidad: Acercamiento a Dios desde la

razón (escolástica)

Desmaterialización del espacio, mediante

la luz, los brillos y reflejos. Acercamiento a Dios
como fuente de vida, de alegría y
felicidad (neoplatonismo).
El naturalismo: Invade las esculturas de las
portadas de la catedral. Influencia de
la predicación de San Francisco: acercamiento a
un Dios que crea y ama a sus criaturas.
También influye el gusto burgués por un arte
menos conceptual y más emotivo.
Se construyó el año 1147, pero el duque Rodolfo
IV de los Habsburgo ordenó una completa
reconstrucción de la iglesia al estilo gótico. La
construcción empezó en 1359 y no se terminaría
hasta 1579, cuando se terminó la torre norte en
estilo renacentista.
La catedral tiene dos características notables. La
primera es su gigantesco techo multicolor de 111
metros y 230 mil azulejos. Cuando el armazón fue
destruido en la Segunda Guerra Mundial,
decidieron reconstruirlo con acero debido a que
usar madera (el material original) hubiera
requerido todo un kilómetro cuadrado de bosque.
La otra característica es su delgada torre sur de
136,7 metros, caso raro para la época medieval.
Tiene un observatorio al que se puede llegar
subiendo 343 escalones en un apretado espiral.

15

. Terminada a mediados del siglo XIII , la Catedral
El interior tiene muchos tesoros como la tumba
del príncipe Eugenio de Saboya, el Altar Wiener
Neustad, el púlpito de Anton Pilgram, el sepulcro
del Emperador Federico III y otros miembros de
la familia Habsburgo —incluyendo 56 urnas con
los intestinos de los miembros de esta dinastía— y
el altar gótico alado.
Catedral de Zagreb
ARTE ISLÁMICO
Tras la muerte de Mahoma se produce un proceso
de expansión política y religiosa de la nueva
civilización islámica más allá de sus fronteras
naturales, circunscritas a la península Arábiga. Su
rápida conquista de parte del imperio Bizantino,
16
Ubicada en el Barrio de kaptol , y rodeada de los
principales puntos de interés que nos ofrece la
ciudad , La Catedral de Zagreb tiene sus orígenes
en el año 1040 cuando el Rey Ladislao formó la
archidiócedis de la ciudad.
de Zagreb o Catedral de la Asunción , fue
terminada en lo que se conoce como estilo Gótico
religioso de los Alpes.
Visible desde la mayoría de puntos de la capital
croata , seguramente su principal estandarte lo
encontremos en sus dos enormes torres , que se
alzan sobre el cielo por encima de la mayoría de
edificios cercanos.
Su fachada , repleta de detalles , cuenta con
algunos grabados y esculturas de gran valor
arquitectónico , que no debemos pasar por alto
Ya en el interior , podemos hacernos una idea de
la importancia de la Catedral de Zagreb ,
observando su envergadura y sus muchos detalles
, presentes en forma de obras de arte y
representaciones artísticas.
Sus altísimos techos y las coloridas vidrieras que
adornan el templo , dan señas de el cuidado en los
detalles que hubo durante la construcción y
futuras remodelaciones que sufrió la Catedral de
la Asunción.
del Norte de África y de la península Ibérica, pone
en contacto al mundo musulmán con las
tradiciones culturales del mundo occidental que en
todas estas zonas tiene como referencia común la
tradición clásica. Además considerando la
capacidad de adaptación del Islam a la
idiosincrasia de los nuevos territorios que
conquista y asimismo, su capacidad de síntesis, no
debe extrañar el desarrollo de una nueva expresión
artística, que en la parte occidental de su Imperio
da como resultado un arte ecléctico, en el que se
mezclan elementos clásicos, bizantinos, griegos,
romanos e incluso de algunos pueblos bárbaros
(visigodos en la península Ibérica, el arco de
herradura), junto a la particular fundamentación
religiosa del mundo musulmán. Tal vez, el
entorno en el que mejor se aprecia esta síntesis sea
precisamente el arte desarrollado en Al- Ándalus,
el bastión más occidental del Imperio islámico.
Entre 571 y 632, Mahoma, un comerciante de la
Meca, consigue, a través de una nueva religión, el
Islam, unificar a las distintas tribus de la península
arábiga. Los musulmanes son los que creen en
Alá, siguiendo fundamentalmente las enseñanzas
de Mahoma depositadas en el Corán. Los
sucesores de Mahoma comenzaron un rápido
proceso de expansión que llevará al Islam a
dominar hasta la India hacia oriente, el Norte de
África y la península Ibérica hacia occidente .La
ausencia de una cultura y un arte árabe previo les
llevará a asumir elementos de la cultura romana,
persa, bizantina, egipcia, aprendiendo de todas las
civilizaciones dominadas hasta conseguir un
lenguaje propio, que presenta sin embargo
considerables variaciones geográficas.
Características generales del Arte Islámico:
Pocas culturas como la musulmana se ven
impregnadas en todos sus aspectos por el hecho
religioso, hasta el punto de no existir la diferencia
entre lo laico y lo sagrado. Así ocurre también con
la expresión artística que está totalmente
configurada a partir de su fe, de su concepto de la
divinidad y del influjo constante que sobre la vida
y las acciones del musulmán (el creyente) ejerce el
Corán, libro sagrado del Islam (sumisión a Dios),
que constituye su credo y también su norma de
vida.
o El arte islámico se expresa sobre todo en
la arquitectura y en las artes aplicadas.
o La falta de desarrollo notable de la
pintura y la escultura se entiende
teniendo en cuenta el papel en que queda
la imagen figurativa en el arte religioso.-
o Manifiesta poco interés por los
problemas constructivos y dedica mayor
atención a la decoración entre otras
variadas razones porque no se plantea
17
construcciones para la eternidad: ni la
mezquita ni el palacio lo son.-
o La arquitectura islámica está ligada al
suelo: no busca la elevación salvo en el
alminar que, como veremos, tiene una
función de llamada.
o Es una arquitectura que evita la
sensación de macizos por lo que los
planos arquitectónicos son movidos o
calados o bien embellecidos por
decoraciones.
o Los materiales empleados por los
arquitectos árabes eran muy variados
pero generalmente pobres. La piedra fue
muy poco usada porque su trabajo y
extracción resultaban costosos y
preferían construir deprisa.
o Debe tenerse en cuenta que las
construcciones eran de poca elevación y
peso por los que los elementos
sustentantes no precisaban tener una
gran resistencia. Por todo ello los
materiales preferidos eran el ladrillo, la
mampostería, la madera, yeso y el estuco
(cal, polvo de mármol y yeso).
o Como elementos sustentantes usaron los
pilares como las columnas; éstas suelen
ser de fuste delgado debido a la ligereza
de las cubiertas. Se elige
preferentemente:
o Columna de línea corintia: Imita a la
naturaleza. Otros capiteles, fueron el
cúbico, el de mocárabes (Nazarí formado
por racimos de estalactitas), el de
avispero (Córdoba, debido a los orificios
que perfora el trépano al moldear las
hojas de acanto), el de ataurique (Nazarí,
decorado con piñas y veneras), el
encintado (almohades).
o Capitel nazarí de ataurique y de
mocárabes
o Capitel de avispero. (Se puede apreciar
claramente la pervivencia del capitel
compuesto romano).
o De los elementos sustentados destacan el
arco, la cúpula y la bóveda.
o El arco es un elemento muy presente en
esta arquitectura.
o A lo largo del tiempo se desarrolló una
gama de formas a menudo más
decorativas que puramente constructivas.
o Los más característicos son: el arco de
herradura, (ya usado por los visigodos),
a menudo enmarcado en el alfiz o
arrabá; el arco túmido o de herradura
apuntado; el arco lobulado o
polilobulado, cuya aplicación se
 extenderá al arte románico y el arco
mixtilíneo, formado por líneas rectas y
curvas combinadas.
o Los elementos básicos de esta
decoración musulmana en sentido
estricto sin ninguna función constructiva
son tres: la caligrafía, los motivos
vegetales y los motivos geométricos.
o Los árabes fueron maestros indiscutibles
en el uso de la geometría aplicada a la
decoración, particularmente en el
trazado de lacerías.
o La estructura es reticular y el elemento
base suele ser un polígono regular de 6 u
8 lados, las estrellas originadas al unir
periódicamente sus vértices se van
entrelazando hacia el infinito sin retornar
jamás al punto de origen.
o Las inscripciones árabes (caligrafía), no
sólo juegan un papel ornamental, sino
que tienen un valor iconográfico porque
actúan como sucedáneo de la imagen
religiosa y ello porque como ya sabemos
Dios sólo ha revelado su Naturaleza a
través de la palabra. Se diferencian dos
tipos de escritura: la cúfica que
presentan trazos rectos y lanasjí que
tiene trazos más libres y cursivos. En la
parte superior de los muros, junto al
techo, o bien encima de los alicatados
separando la parte inferior del muro de
la intermedia, nos encontramos en
muchas edificios árabes textos que, en
múltiples ocasiones, son versículos del
Corán y, a veces, poesías
o La decoración vegetal, - denominada en
el arte andalusí con el nombre de
ataurique, generalmente tallos con hojas
alargadas que se enroscan y cubren toda
la superficie de manera muy estilizada.
Pueden aparecer reflejados tanto en yeso
como en barro vidriado.
o En cuanto a la decoración geométrica (a
base de polígonos, estrellas y lazos
combinados), coincide perfectamente
con la estética islámica porque resulta
idónea para reflejar la perfección, la
repetición y la multiplicidad de formas,
todos ellos elementos propios de la
naturaleza de Dios.
o La vemos emplear en madera, yeso y en
alicatados o barro vidriado (especie de
mosaico o alicatado en el que cada
elemento decorativo era una pieza
independiente de barro vidriado que se
unía al muro. Se usa sobre todo para
18
cubrir las partes bajas de los muros,
formando zócalos).
o La arquitectura islámica tiende a ocultar
los elementos constructivos y la
estructura de sus edificaciones, y a
confundir dichos elementos con la
ornamentación. Ello por el deseo de
ocultar la pobreza de los materiales y de
adecuar los edificios a su función
práctica o religiosa.
SISTEMA ARQUITECTÓNICO:
La climatología provocó también que la
arquitectura se volcara hacia dentro, buscando
espacios frescos y confortables. En este sentido
clave el papel del agua y la naturaleza, integrados
a través de fuentes, canalizaciones en superficie y
agradables jardines. El edificio más destacado es
la mezquita, lugar de reunión de la comunidad
musulmana y su estructura deriva de la casa de
Mahoma en Medina, aunque también observamos
ecos de las basílicas paleocristianas. Sus partes
fundamentales son:
o El patio ("sahn"), rodeado de arquerías.
o La torre ("alminar" o "minarete"), junto a
la puerta de acceso al patio.
o La fuente para abluciones ("sabil"),
generalmente bajo un templete.
o La gran sala de oración ("haram"),
dividida en numerosas naves.
o El muro orientado hacia La Meca
("qibla").
o El nicho o lugar santo en el centro de la
qibla ("mihrab").
o El recinto cercado para el califa o imán
("maxura").
o El púlpito ("minbar").
En cuanto a los soportes se emplean columnas
reaprovechadas y pilares de ladrillo. Se utilizan
también columnas con capiteles que de forma
tosca imitan el mundo clásico. Los arcos más
usuales fueron el apuntado, el de medio punto, el
de herradura, el lobulado, el mixtilíneo y los arcos
entrecruzados. En las cubiertas utilizan
carpinterías de madera labrada, junto a bóvedas y
cúpulas.
El desarrollo de la cúpula, basado en los modelos
del mundo romano y bizantino, fue espectacular;
así surgen variedades de gran belleza, como la
cúpula con forma de bulbo; la califal, formada por
nervios que no se cruzan en el centro, o la
gallonada, compuesta por gallones o segmentos
cóncavos parecidos a los gajos de una naranja.
La disposición reiterativa y repetitiva de los
recursos ornamentales, que se multiplican hasta el
infinito, generando sensaciones de movilidad,
agitación y densidad ornamental (Horror vacui).
LA DECORACIÓN EN EL ARTE
ISLÁMICO:
• Puede decirse que el arte islámico consiste en
un número relativamente limitado de formas
simples, muchas de las cuales pueden ser usadas
intercaladas en diferentes medios. Estas formas
básicas son de nuevo elaboradas a veces hasta un
grado extraordinariamente complejo.
• La ornamentación islámica tiene un vocabulario
particular y sus principales categorías son:
caligráfica, vegetal (ataurique), geométrica
(lacería) y figurativa (muy escasa). Todas estas
formas heterogéneas se combinan para formar un
todo estilísticamente único. Figuras de animales y
humanas se entrelazaron, de acuerdo con
determinadas leyes rítmicas, con diseños
geométricos o con arabescos para la serie de
eslabones de una sola cadena.
• Los motivos vegetales se utilizan ampliamente
en el arte y la arquitectura islámica, pero los
artistas musulmanes no buscan la similitud con el
mundo natural, al contrario, procuran dar a sus
diseños una apariencia abstracta e irreal.
TAJ MAHAL
El interior
La sala central del Taj Mahal presenta una
decoración que va más allá de las técnicas
tradicionales, y emparenta con formas más
elevadas del arte manual, como la orfebrería y la
joyería.
19
Aquí el material usado para las incrustaciones no
es ya mármol o jade, sino gemas preciosas y
semipreciosas. Cada elemento decorativo del
exterior ha sido redefinido mediante joyas.
La sala principal contiene además los cenotafios
de Mumtaz y Sha Jahan, obras maestras de
artesanía virtualmente sin precedentes en la época.
La forma de la sala es octogonal y aunque el
diseño permite ingresar por cualquiera de los
lados, sólo la puerta sur, en dirección a los
jardines es usada habitualmente. Las paredes
interiores tienen aproximadamente 25 metros de
altura, sobre las que se construyó una
falsa cúpula interior decorada con motivos solares.
Ocho arcos apuntados definen el espacio a nivel
del suelo. Igual que en el exterior, a cada
medio arco se le superpone un segundo a media
altura en la pared. Los cuatro arcos centrales
superiores forman balcones con miradores al
exterior. Cada ventana de estos balcones lleva una
intrincada pantalla de mármol calado, o jali.
Además de la luz proveniente de los balcones, la
iluminación se complementa con la que ingresa
por los chattris en cada esquina de
la cúpula exterior.
Cada uno de los muros de la sala ha sido
bellamente decorado con zócalos en bajo relieve,
intrincadas incrustaciones de pedrería y refinados
paneles de caligrafía, reflejando incluso a nivel de
miniatura los detalles expuestos en el exterior del
complejo.
Materiales:
El material constructivo es el ladrillo forrado de
placas de mármol blanco, cuyo tono cambia según
la luz del día, creando una sutil variación que
produce una sensación de tranquilidad inmaterial.
La decoración geométrica y floral, con
incrustaciones de lapislázuli, coral, ámbar y jade,
enmarca todos los vanos del edificio y se
completa con versículos del Corán incrustados en
piedra negra.
Piedras preciosas fueron traídas desde Bagdad,
China, Afganistán, el Tibet, Egipto, Persia,
Yemen, Rusia y Ceilán, adornando el interior y el
exterior del Taj Mahal. Materiales usados: Junto
con los trabajadores que se reunían a Agra,
también comenzaron a llegar los materiales para la
construcción. La piedra arenisca principalmente
roja de minas de mármol cerca de las colinas de
Makrana del sudoeste de Jaipur en Rajasthán,
aunque las caravanas viajaron por todo el imperio
en busca de materiales preciosos. Del Turkestan
chino en Asia central vinieron el jade y el cristal
de nefrita; del Tíbet la turquesa; de Birmania
superior el ámbar amarillo; de Badakhshan en las
montañas altas del noreste de Afganistán, el
lapizlázuli; de Egipto las crisolitas; del océano
índigo, las cáscaras raras del coral y de madre
perla. Topacios, ónix, granates, zafiros, rubíes, en
total cuarenta y tres tipos de gemas, que van desde
el cuarzo de Himalaya hasta los diamantes de
Golconda.
La Entrada
El recinto está flanqueado al norte y al sur por dos
sectores oblongos más pequeños: en el meridional
se alza una puerta de piedra arenisca que da
entrada al complejo y algunos edificios auxiliares
de finalidad incierta; en el septentrional, paralelo
al cauce del Yamuna, se levanta el mausoleo. El
emperador accedía al lugar por el río, en barca,
junto con su séquito. Los demás visitantes debían
entrar por un gran patio, en el lado sur, donde se
daba la limosna a los pobres y donde, en cada
aniversario de la muerte de Muntaz, se distribuían
enormes sumas de dinero entre los menos
favorecidos. En el mundo musulmán, estas puertas
también tenían un fuerte simbolismo, pues
representaban la entrada al paraíso: desde el punto
de vista metafísico, eran consideradas el punto de
transición entre el mundo exterior de los sentidos
y el mundo interior del espíritu.
Los Jardines
El complejo, alineado de norte a sur, tiene una
planta rectangular de 580 m de largo por 305 de
ancho. En el centro ‘del rectángulo se sitúa un
jardín cuadrado de 300 m, cuyo eje principal se
extiende de sur a norte, desde la puerta hasta el
mausoleo. Con una extensión de 6,9 hectáreas, fue
proyectado como representación del paraíso
terrenal, al estilo de los jardines persas
ARTE MUDÉJAR
Contexto Histórico
Uno de los acontecimientos posiblemente el de
mayor trascendencia en la historia del arte español
es la aparición del estilo llamado "MUDÉJAR"
20
introducidos en la India por Babur, el primer
emperador mogol. Originalmente contenían
multitud de flores y árboles exóticos, todo: ellos
en disposición geométrica y perfectamente
simétrica: los jardineros trabajaron con el empeño
consciente de traducir la perfección celeste a
términos terrenales, siguiendo una serie de
fórmulas bien conocidas. Así, el cuatro, número
sagrado en e Islam, fue la base de todo el diseño.
La Mezquita y el Jawab
El mausoleo propiamente dicho está flanqueado al
este y al oeste por dos edificios simétricos
idénticos, la mezquita, al oeste y, al este, el
correspondiente jawab o «respuesta». Sobre la
finalidad de este segundo edificio, se ha supuesto
que servía como albergue de peregrinos, lugar de
reunión de los fieles antes de la oración; sin
embargo, lo más probable es que su propósito
último fuera puramente arquitectónico, para dotar
de equilibrio estético al conjunto y contribuir a la
simetría de las estructuras situadas en la
plataforma.
Un alto muro con torres octogonales rodea la
sección norte y el jardín central; quedan fuera, por
el sur, los establos y estancias para los guardias.
En el lado occidental, cerca de la mezquita, se
sitúa un pequeño recinto de piedra para recordar el
primer lugar donde fueron depositados los restos
de Muntaz Mahal
El Mausoleo
De planta cuadrada, el mausoleo tiene cuatro
fachadas idénticas, con esquinas achaflanadas y
un impresionante arco de 33 m de alto en cada una
de ellas, enmarcado con bandas de caligrafía en
relieve. Los artesanos que trazaron estos relieves
con versículos del Corán utilizaron un truco
óptico, consistente en ir aumentando el tamaño de
las letras a medida que aumentaba la distancia,
para conseguir que sus dimensiones parecieran
idénticas
como mixtificación de las corrientes artísticas
cristianas (románicas, góticas y renacentistas) y
musulmanas de la época.
El origen histórico-social del mudéjar hay que
buscarlo en el avance de la reconquista leonesa,
castellana y aragonesa que supuso la
incorporación de territorios con población
musulmana, que aportan su saber en el campo de
diversas artes.
Es comúnmente aceptado que la aparición del
mudéjar hay que datarla en el siglo XII en la -por
entonces- poderosa ciudad de Sahagún. Esta
población leonesa del Camino de Santiago se
convirtió en un fuerte centro religioso y
económico en los siglos XII y XIII como indica el
Códice Calixtino "prodigio de todo tipo de
bienes". Es posible que algunas cuadrillas de
alarifes de Toledo fueran contratadas para acelerar
los diversos proyectos arquitectónicos que en ese
momento se desarrollaban en la ciudad leonesa.
En este siglo XII, las iglesias de San Tirso, San
Pedro de Dueñas y la no muy lejana de Santervás
de Campos pararon sus costosas fábricas de
sillería románica para ser continuadas con ladrillo
basadas en una decoración novedosa, todavía
dubitativa pero con acusada personalidad. Había
nacido la arquitectura mudéjar.
El mudéjar se consolida en el siglo XIII y es
exportado hacia el sur y sureste, a tierras todas
ellas llanas y con escasas canterías de piedra
(Zamora, Salamanca, Valladolid, Ávila,
Guadalajara, Madrid y oeste de Segovia, sin
afectar apenas a Burgos, Palencia y Soria)
El foco toresano se caracteriza por el uso de
decoración mural basada en arcos de gran longitud
(mientras que el foco de Tierra de Pinares lo
hace mediante la superposición de varios cuerpos
con arquerías de altura menor.
No cabe duda de que el origen mestizo del arte
mudéjar, así como sus diversas variedades
21
regionales y una larguísima evolución en el
tiempo que abarca desde el siglo XII al XVII
hacen de él un estilo controvertido y sujeto a todo
tipo de interpretaciones y valoraciones por los
estudiosos.
Mudéjar castellanoleonés
El arte mudéjar castellanoleonés tiene en la amplia
comarca "Tierra de Pinares" su máxima
concentración. En un hipotético pentágono
trazado entre las ciudades de Zamora, Salamanca,
Ávila, Segovia, Valladolid y cerrado de nuevo en
Zamora, el mudéjar castellanoleonés se desplegó
en miles de templos concejiles, de los que quedan
restos actualmente en varios cientos. Algunas
importantes ciudades de este territorio, como
Toro, Alba de Tormes, Arévalo, Madrigal de las
Altas Torres, Cuéllar, Coca y Olmedo, tienen en el
mudéjar su verdadero sello de identidad artístico.
Si comparamos una edificación románica del
periodo clásico construida en piedra y otra
mudéjar de ladrillo, encontramos coincidencias
plenas, pero también adaptaciones obligadas por
el cambio de material, creando volúmenes y
estéticas nuevas que le dan a este estilo su
personalidad.
La planta de la mayoría de los edificios será la
habitual de los templos rurales románicos, es decir
de una sola nave rectangular engarzada a una
cabecera, que a su vez se articula en tramo
presbiterial y ábside semicircular de menor
diámetro.
La cabecera, dirigida a oriente de manera
canónica, tiene tramo recto abovedado con medio
cañón (en ocasiones apuntado) y rematado en
hemiciclo con bóveda de cuarto de esfera al modo
románico habitual.
 En las mejores muestras del "mudéjar
castellanoleonés" se emplean, para decorar los
muros tanto exteriores como interiores de la
cabecera, franjas o cuerpos superpuestos de arcos
ciegos de medio punto, normalmente doblados,
también se combinan con pisos de recuadros, muy
al estilo de la segoviana ciudad de Cuéllar. Estos
arcos y recuadros están rodeados por alfiz.
Las cornisas, a diferencia del románico de piedra,
cuyos aleros están sustentados por canecillos
labrados, son aquí sostenidas habitualmente por
filas superpuestas de ladrillos a sardinel, en
esquinilla o cortados en perfil de nacela.
Las originales cubiertas de las naves serían de
madera de par y nudillo, pero que no han
perdurado hasta nuestros tiempos. Este tipo de
techumbre anulaba la necesidad del uso de
contrafuertes de las iglesias románicas
abovedadas.
Las naves se rodeaban de muros normalmente
más pobres, de mampostería encintada con hiladas
de ladrillo. Interiormente, cuando eran tres, se
separaban con arcos doblados de medio punto o
apuntados que apoyaban sobre pilares cuadrados
descantillados en los ángulos o de sección de cruz
griega, rematadas por voladizos de ladrillo en
perfil de nacela, en imitación de los capiteles del
románico pétreo.
Las puertas de la arquitectura mudéjar, también
imitan el románico de piedra, aunque suelen ser
más pequeñas, disponiendo de varias arquivoltas
planas de ladrillo, con arcos semicirculares o algo
apuntados, siempre apoyadas sobre ladrillos
cortados en formal de nacela.
Las torres pertenecientes a estilo "mudéjar
castellanoleonés" no tienen una ubicación fija con
22
respecto al resto de la iglesia, aunque se prefiere el
costado septentrional de las iglesias.
Mudéjar Toledano
La cabecera, tanto triabsidal como monoabsidal
sigue dirigida al este presentando las mismas
plantas y abovedamientos que el mudéjar
castellanoleonés y románico puro.
Sin embargo, la decoración mural es mucho más
barroca y variada de gran sabor oriental, influida
por las formas almohades.
Los muros siguen estando estructurados en
cuerpos superpuestos decorados por arcuaciones
ciegas, pero son más variadas que el mudéjar
castellanoleones. Los arcos de la franja inferior
suelen ser de medio punto doblados, los del
segundo son túmidos (de herradura apuntados)
trasdosados de arco polilobulado y en caso de
haber otros cuerpos superiores puede haber arcos
de herradura normal, de nuevo de medio punto o
entrecruzados, etc.
Otro elemento diferenciado del mudéjar toledano
con respecto al castellanoleonés son las puertas,
mucho más islamizadas. Es frecuente encontrar en
las iglesias toledanas en que se han conservado
puertas con rica ornamentación a base de arcos de
herradura angrelados.
Mudéjar de Aragón
• No suelen presentar atauriques de yeso,
sino que las paredes del interior de las
iglesias se suelen pintar o esgrafiar.
• La decoración mural exterior de ladrillo es
mucho más compleja y barroca que el
mudéjar de otras partes de España,
creando verdaderos entramados de
"encaje" de ladrillo a base de frisos de
esquinillas, espinas de pez y sobre todo
rombos, arquerías murales a base de arcos
mixtilíneos o de herradura entrecruzados,
 lacerías, etc.
Esta decoración de ladrillos salientes del
muro crea un importante efecto de
claroscuros, que es reforzado por los
brillos de la cerámica vidriada que se verá
posteriormente. El efecto alcanzado es de
vida y movimiento.
• El alfiz se emplea para enmarcar tanto los
arcos murales decorativos como los
constructivos.
• Los vanos pueden ser de medio punto o
apuntados y hay gran predilección por los
ajimeces con mainel central.
• La cerámica vidriada es uno de los sellos
de interés de la arquitectura mudéjar en
ARTE RENACENTISTA
Renacimiento es el
nombre dado en el
siglo XIX a un
amplio movimiento
cultural que se
produjo en Europa
Occidental durante
los siglos XV y
XVI. Fue un
período de
transición entre la
Edad Media y los
inicios de la Edad Moderna. Sus principales
exponentes se hallan en el campo de las artes,
aunque también se produjo una renovación en las
ciencias, tanto naturales como humanas. La
ciudad de Florencia, en Italia, fue el lugar de
nacimiento y desarrollo de este movimiento, que
se extendió después por toda Europa
De forma genérica se pueden establecer las
características del Renacimiento en:
La «vuelta a la antigüedad»: resurgieron tanto las
antiguas formas arquitectónicas como el orden
clásico y la utilización de motivos formales y
plásticos antiguos. Asimismo, se tomaron como
motivos temáticos la mitología clásica y la
historia, así como la adopción de antiguos
elementos simbólicos. Con ello el objetivo no era
efectuar una copia servil, sino la penetración y el
conocimiento de las leyes que sustentan el arte
clásico. Buena parte de esta revalorización del arte
clásico vino por los hallazgos arqueológicos de
piezas como monedas, camafeos o esculturas
23
Aragón. Se emplean grandes platos
circulares y otras figuras para decorar los
muros e incluso se da en bastantes iglesias
que los fustes de las columnas se hacen de
este material. Los colores predominantes
son el blanco, verde, rosado
.
romanas, así como la recuperación de tratados
clásicos como los de Vitruvio, esenciales en la
renovación de la arquitectura.
Surgimiento de una nueva «relación con la
naturaleza», que iba unida a una concepción ideal
y realista de la ciencia. La matemática se va a
convertir en la principal ayuda de un arte que se
preocupa incesantemente en fundamentar
racionalmente su ideal de belleza. La aspiración
de acceder a la verdad de la naturaleza, como en la
antigüedad, no se orienta hacia el conocimiento de
fenómeno casual, sino hacia la penetración de la
idea.
El Renacimiento hace al «hombre» medida de
todas las cosas. Presupone en el artista una
formación científica, que le hace liberarse de las
actitudes gremiales y mecanicistas más propias
del medievo y elevarse en la escala social. Esto
supone revestir al artista de una nueva
consideración, la de «creador». La figura humana
es el nuevo centro de interés del artista, que
estudia con detenimiento la anatomía para hacer
una representación fidedigna, al tiempo que valora
aspectos como el movimiento y la expresión.
El «mecenazgo»: las clases altas patrocinaban y
encargaban obras constantemente, ya que el arte
era visto como un instrumento de prestigio y
refinamiento, lo que condujo a un momento de
gran brillantez en todas las disciplinas artísticas.
Los principales centros de mecenazgo fueron la
Florencia de los Médicis en el Quattrocento y la
Roma papal en el Cinquecento.
La arquitectura renacentista tuvo un carácter
marcadamente profano en comparación con la
época anterior. Surgió en una ciudad en donde la
arquitectura gótica apenas había penetrado,
Florencia. A pesar de ello, muchas de las obras
más destacadas fueron
edificios religiosos.
Decorativos: pilastras, frontones, pórticos,
motivos heráldicos, almohadillados, volutas,
grutescos, guirnaldas, motivos de candelieri
(candelabros o pebeteros) y tondos o medallones.
Algunos de estos ya se habían utilizado en el
gótico, otros son creaciones originales y la

Los elementos
constructivos más
característicos del estilo
renacentista fueron:

Estructurales: arco de
medio punto, columnas,
cúpula semiesférica,
bóveda de cañón y
cubierta plana con
casetones.30 Todos
ellos habían sido usados en la antigüedad,
especialmente por el arte romano, y se recuperan mayoría se inspiraron en modelos romanos y
ahora, modificándolos. Decae paulatinamente el griegos. En cuanto a la decoración, el
tradicional método de construcción del gótico, y Renacimiento preconizó el despojamiento, la
se abandona en gran medida las bóvedas de austeridad, el orden. Solo a finales del siglo xvi
crucería, el arco apuntado, las naves escalonadas esta tendencia se rompería en favor de la fantasía
y, sobre todo, la impresión de colosalismo y y la riqueza decorativa con el manierismo.
multiplicidad de los edificios medievales.
Predominarían ahora valores como la simetría, la
claridad estructural, la sencillez y, sobre todo, la
adaptación del espacio a la medida del hombre.

Pintura

24
 En pintura, las Dentro de las diferentes escuelas que surgen en
novedades del Italia en el Cinquecento, la de Venecia presenta
Renacimiento se especiales características. Si los florentinos ponían
introdujeron de el acento en el disegno, es decir, en la
forma paulatina composición y la línea, los pintores venecianos se
pero irreversible a centrarían en el color. Las especiales
partir del siglo características del estado veneciano pueden
XV. Un explicar algo de esta particularidad, puesto que se
antecedente de las trataba de una sociedad elitista, amante del lujo y
mismas fue
Giotto, pintor
aún dentro de
la órbita del
gótico, pero
que desarrolló
en sus pinturas
conceptos
como volumen

tridimensional, perspectiva y naturalismo, que

alejaban su obra de los rígidos modos de la
tradición bizantina y gótica y preludiaban el
Renacimiento pictórico. Miguel Ángel es, muy relacionada con Oriente. La escuela
cronológicamente, la segunda gran figura. veneciana reflejaría esto
Fundamentalmente escultor, se dedicó a la pintura mediante una pintura
de forma esporádica, a petición de algunos refinada, hedonista,
admiradores de su obra, sobre todo el papa Julio menos intelectual y más
II. Los frescos de la Capilla Sixtina muestran el vital, muy decorativa y
atormentado mundo interior de este artista, colorista. Precursores de
poblado de figuras monumentales, sólidas y la escuela veneciana del
tridimensionales como si fueran esculturas, y de Cinquecento fueron
llamativa presencia física. En su Giovanni Bellini y,
obra cobra mucha importancia el sobre todo,
desnudo, aun cuando la casi Giorgione, pintor de
totalidad de la misma fue hecha alegorías, paisajes y
para decorar iglesias. asuntos religiosos,
melancólicos y
Rafael Sanzio completa la tríada misteriosos. Deudor
de genios del clasicismo. Su de su estilo fue Tiziano, el mayor pintor de
estilo tuvo un enorme éxito y se esta escuela, excelente retratista, quizá el
puso de moda entre los más demandado de su tiempo; autor de
poderosos. La pintura de Rafael complejas y realistas composiciones
buscaba ante todo la grazia, o religiosas, llenas de vida y colorido. En la
belleza equilibrada y serena. Sus última etapa de su vida deshace los
madonnas recogen las contornos de las figuras, convirtiendo sus
novedades de Leonardo en lo cuadros en puras sensaciones de luz y color,
que se refiere a composición y anticipo del impresionismo. Tintoretto,
claroscuro, añadiendo una Paolo Veronese y Palma el Viejo
característica dulzura. Anticipa continuaron esta escuela llevándola hacia el
claramente la pintura manierista en sus últimas manierismo y anticipando en cierta manera la
obras, cuyo estilo agitado y dramático copiarán y pintura barroca.
difundirán sus discípulos.

Escultura

25
Como en las demás manifestaciones artísticas, los
ideales de vuelta a la antigüedad,
inspiración en la naturaleza,
humanismo antropocéntrico e
idealismo fueron los que
caracterizaron la escultura de este
período. Ya el gótico había
preludiado en cierta manera
algunos de estos aspectos, pero
algunos hallazgos arqueológicos
(el Laocoonte, hallado en 1506, o
el Torso Belvedere) que se dieron
en la época supusieron una
auténtica conmoción para los
escultores y sirvieron de modelo e
inspiración para las nuevas
realizaciones.
El Cinquecento (siglo xvi): esta
época está marcada por la
aparición estelar de uno de los
escultores más geniales de todos los tiempos,
26
Miguel Ángel. Hasta tal punto marcó la escultura
de todo el siglo que muchos de sus
continuadores no fueron capaces de
recoger todas sus novedades y estas
no se desarrollaron hasta varios siglos
después. Miguel Ángel fue, como
tantos otros en esta época, un artista
multidisciplinar. Sin embargo, él se
consideraba preferentemente escultor.
En sus obras finales el artista desdeña
de la belleza formal de las esculturas
y las deja inacabadas, adelantando un
concepto que no volvería al arte hasta
el siglo xx. Miguel Ángel continuó
con la tradición de monumentos
públicos heroicos y profanos que
inició Donatello y la llevó a una
nueva dimensión con su conocido
David, esculpido para la Piazza della
Signoria de Florencia.
 ARTE BARROCO
La arquitectura barroca es Entre las iglesias, el punto de partida de la
un período de la historia de arquitectura barroco puede considerarse la Iglesia
la arquitectura que vino del Gesù de Roma, construida a partir de 1568
precedida del según el proyecto de Jacopo Vignola. El edificio,
Renacimiento y del que representa una síntesis entre la arquitectura
Manierismo; se generó en renacentista, manierista y barroca, satisfacía
Roma durante el siglo plenamente las nuevas exigencias surgidas tras la
XVII y se extendió hasta Contrarreforma: la disposición longitudinal de la
mediados del siglo XVIII planta permitía acoger al mayor número de fieles,
por los Estados absolutistas mientras que la planta de cruz latina con
europeos. numerosas capillas laterales suponía un retorno a
la tradición del Concilio de Trento.
Ya en el siglo XVI, Miguel
Ángel Buonarroti había Por otro lado, la presencia de una cúpula
anunciado el Barroco de
una forma colosal y masiva
en la cúpula de la Basílica
de San Pedro de Roma, así
como las alteraciones en las proporciones y las
tensiones de los órdenes clásicos expresados en la
escalera de acceso a la Biblioteca Laurenciana de
Florencia, del mismo autor, y la enorme cornisa
añadida al Palacio Farnese. Estas intervenciones
habían suscitado diversos comentarios en su época
por su brusca alteración de las proporciones
clásicas canónicas. No obstante, en otras obras
Miguel Ángel había cedido a la influencia subrayaba la centralidad del espacio hacia el
manierista, por lo que fue sólo tras el fin del fondo de la nave, y presagiaba la búsqueda de una
Manierismo cuando se redescubrió a Miguel integración entre el esquema longitudinal y el
Ángel como el padre del Barroco. centralizado. También la fachada, construida
según el proyecto de Giacomo della Porta,
El nuevo estilo se desarrolló en Roma, y alcanzó anticipaba los elementos más marcadamente
su momento álgido entre 1630 y 1670; a partir de barrocos, comparables a los de los alzados de
entonces el Barroco se extendió por el resto de Santa Susana y San Andrés del Valle.
Italia y de Europa.
De este modelo derivaron una serie de iglesias de
planta longitudinal centralizada o planta central
La influencia del Barroco no alargada, caracterizadas por el eje longitudinal y
se limitó al siglo XVII; a por la presencia de un elemento catalizador de la
principios del siglo XVIII se composición, generalmente una cúpula.se
desarrolló el estilo construyó en los años 1985
denominado Rococó, que no
siendo una pura continuación
del primero podría ser
considerado como la última
fase del Barroco.

27
Cortes

28
29
 ARTE COLONIAL

El arte colonial hispanoamericano es el produjeron en los dos centros geográficos de más

desarrollado en las colonias españolas en relevancia en la era precolombina: México y Perú
América, desde su descubrimiento por Cristóbal
Colón en 1492 hasta la independencia de los La arquitectura
diversos países americanos a lo largo del siglo barroca colonial se
XIX (los últimos Cuba y Puerto Rico en 1898). caracteriza por una
Los españoles llevaron al nuevo continente su profusa decoración
idioma, cultura, religión y costumbres, los cuales (Portada de La
impusieron a la población indígena, que Profesa, México;
anteriormente había desarrollado grandes fachadas revestidas
civilizaciones como la maya, la azteca y la inca. de azulejos del
Así, el arte colonial será fiel reflejo del arte estilo de Puebla,
efectuado en la metrópoli, suponiendo el final de como en San
las representaciones artísticas autóctonas, el arte Francisco Acatepec
precolombino. Vemos por tanto en el arte colonial en San Andrés
los mismos estilos artísticos que se desarrollan Cholula y San
paralelamente en el continente europeo, Francisco de
principalmente el Renacimiento, el Barroco y el Puebla), que
Rococó. resultará
exacerbada en el
llamado “ultrabarroco” (Fachada del Sagrario de
la Catedral de México, de Lorenzo Rodríguez;
Iglesia de Tepotzotlán; Templo de Santa Prisca de
Taxco). En Ciudad de México, la arquitectura
civil alcanzó cotas de gran lujo y ostentación, con
la construcción de grandes palacios de los ricos
magnates del negocio minero (Palacio del Conde
San Mateo de Valparaíso, actual Banco Nacional;
Palacio del Marqués de Jaral del Barrio; Palacio
del Conde de Santiago Calimaya, actual Museo de
la Ciudad de México).

En Perú, las construcciones desarrolladas en Lima

La llegada de los conquistadores supuso una gran y Cuzco desde 1650 muestran unas características
revolución sobre todo en el terreno de la originales que se adelantan incluso al barroco
arquitectura, con la traslación de las diversas europeo, como en el uso de
tipologías de edificios propios de la cultura muros almohadillados y de
europea: principalmente iglesias y catedrales, columnas salomónicas (Iglesia
dado el rápido desarrollo de la labor de de la Compañía, Cuzco; San
evangelización de los pueblos nativos americanos, Francisco, Lima). En el siglo
pero también edificios civiles como XVIII la arquitectura se
ayuntamientos, hospitales, universidades y orientó a un estilo más
palacios y villas particulares. En el terreno exuberante, otorgando un
religioso, se dio a menudo la circunstancia de que aspecto inconfundible al
muchas iglesias fueron construidas sobre antiguos barroco limeño (Palacio del
templos indígenas. Aun así, frecuentemente se Marqués de Torre-Tagle,
produjo una síntesis entre los estilos colonizadores actual Ministerio de Asuntos
y las antiguas manifestaciones precolombinas, Exteriores). La Iglesia de San
generando una simbiosis que dio un aspecto muy Agustín de Lima (1720)
particular y característico a las originales destaca por su fachada,
tipologías europeas. Así, observamos cómo las concebida como un gran retablo. Otras obras de
principales muestras de arte colonial se relevancia son las iglesias de la Compañía de
Arequipa (1698) y Quito (1722-1765).

30
Fachas del centro de Puebla

Centro histórico de Cartagena, Colombia

31
 ARTE NEOCLASICA
El neoclasicismo es el último movimiento
artístico de dimensiones universales. Afecta a
todas las artes y en todo el mundo. Es un
movimiento filosófico,
moralizante, social e El arte del neoclasicismo se
intelectual muy ligado a los
ideales ilustrados y a los de
la Revolución francesa de la
burguesía liberal. Aunque
afecta a todo el mundo, su
centro es Francia,
concretamente París, que se
convierte en la capital del
mundo artístico
reemplazando a Roma.
Este movimiento se fragua en el último cuarto
del siglo XVIII. El descubrimiento de
Pompeya y Herculano despierta el gusto por
la antigüedad clásica. Pero no es una vuelta
imitativa a los modelos antiguos sino una
reinterpretación de sus formas. En Francia
Diderot y D’Alembert han publicado la
Enciclopedia, como resultado de la
compilación del saber humano sobre todos
los temas. Se trata de un arte didáctico que
32
pretende recuperar los valores de la
antigüedad clásica y el Renacimiento. Francia
es la primera potencia artística del momento.
caracterizó por basarse en la
cultura clásica, los artistas
tenían la intención de
ilustraste en la arquitectura
antigua.
El arte en el neoclasicismo,
se enfocaba en la expresión
de los sentimientos, en el
movimiento, es decir
buscaban retomar las
técnicas empleadas por los clásicos, buscaron
recuperarlos valores clásicos.
Las Academias desempeñaron un papel
fundamental en la difusión de los principios
del arte clásico ya que eran las encargadas de
formar a los artistas. En España se funda la
Academia de Bellas Artes de San Fernando.
33
 ARTE ROMANTICISMO
El romanticismo es una corriente que nace en la literatura, la que fija su mirada en el período de civilización
románico-cristiano de la Edad Media en Europa a manos de Chateaubriand y Víctor Hugo en Francia los que
alaban las catedrales y el Medioevo en sus obras, por su parte Goethe en Alemania hacía lo mismo con el
arquitecto de la catedral de Estrasburgo, Erwin von Stainbach. Esta premisa literaria hace que se incremente
el gusto estético hacia el estilo gótico y con ello la arquitectura de la época gira hacia el regreso a esa
corriente en sus obras, lo que le ha valido también el nombre de Neo-gótico al estilo arquitectónico.

El movimiento romántico en la arquitectura nace en Inglaterra pero es en Alemania donde logra la mayor
acogida, mientras que por su parte en los países latinos lo que se hace al respecto es muy poco y se limita en
general a la restauración de castillos e iglesias medievales.

Inglaterra

El estilo gótico ha sido una vieja tradición en Inglaterra y aunque al principio las construcciones vacilan entre
lo neoclásico y lo romántico, la vieja tradición se impone y acapara la mayor parte de las obras religiosas. Las
construcciones civiles tienden también a lo gótico ya que las extensas obras de tipo medieval con sus torres se
adaptan mejor al resto del paisaje que las basadas en normas clásicas. Fruto de este período es el Parlamento
de Londres mostrado en la figura 1 a continuación.

Parlamento de Londres

Alemania

Alemania que no había dejado de construir un gótico tardío durante el Renacimiento y el Barroco acoge con
mucho arraigo la nueva tendencia Neo-gótica, especialmente en Munich donde se utiliza el eclecticismo
mencionado arriba y se construyen en una misma localización edificaciones de varios estilos según la futura
utilización y sus características. De esta forma se fabrican la Basílica de San Bonifacio (mostrada en la figura
2 a la derecha) en la que la tendencia romántica se dirige a lo medieval en dirección mayor a lo románico que
a lo gótico; igualmente sucede con la Biblioteca Estatal de Munich en la que la tendencia romántica está
dirigida a formas renacentistas es decir hacia en Neo-renacimiento.

34
Basílica de San Bonifacio en Munich Biblioteca estatal de Munich

Francia

Como ya se ha dicho, en los países latinos como Francia el romanticismo no adquiere fuerza, de modo que las
construcciones neo-góticas son escasas, una de las mas representativas, pero llevada a cabo por un arquitecto
alemán, Franz Christian Gaus, es la Iglesia de Santa Clotilde de París que se muestra abajo en la figura 4.
Otras obras dignas de mención son el castillo de Pirrefonds cerca de París y la magistral reconstrucción de
Notre Dame en París llevadas a cabo por Viollet-le-Duc.

Santa Clotilde en París Planta del romanticismo

35
 GLOSARIO DE CONCEPTOS

Acotar: Poner cotas en los planos topográficos, de arquitectura, croquis, etc. // Cambiar de escala
las magnitudes de un problema para acomodarlas al cálculo.

Agralado: En términos arquitectónicos, concierne a las piezas de heráldica, las monedas y los
adornos de arquitectura.

Alamín: Oficial que en lo antiguo contrastaba las pesas y medidas y tasaba los víveres.

Alarife: Arquitecto o maestro de obras. Alero: Parte inferior del tejado, que sale fuera de la pared
y sirve para desviar de ella las aguas llovedizas.

Aloaria: Cada uno de los triángulos curvilíneos que forma el anillo de una cúpula.

Ancón: Cada una de las dos ménsulas (repisas) colocadas a uno y otro lado de un vano para
sostener la cornisa.

Borrominesco: Dícese del gusto introducido en la arquitectura española por los italianos borromini
y otros, en el siglo XVII.

Bovedilla: Bóveda pequeña que se forja entre viga y viga del techo de una habitación, para cubrir
el espacio comprendido entre ellas. Antiguamente se hacían de yeso; hoy se hacen de ladrillo u
hormigón.

Cimborrio: Cuerpo cilíndrico que sirve de base a la cúpula y descansa inmediatamente sobre los
arcos torales. // Bóveda semiesférica que cubre el edificio o parte de él. Cocó: (En cuba). Tierra
blanquecina que emplean los albañiles para las obras de mampostería y suelos de hormigón.

Cúpula: Forma primitiva de cúpula, obtenida por aproximación sucesiva de hiladas. // Torre de
hierro, redonda, cubierta y giratoria, que tienen algunos buques blindados, dentro de la cual llevan
uno o más cañones de grueso calibre.

Renacimiento: El historiador y artista Giorgio Vasari fue el primero que utilizó la palabra
"renacimiento" (rinascita) para describir la ruptura con la tradición artística medieval, a la que
calificaba como un estilo de bárbaros, que más tarde recibirá el calificativo de Gótico. Vasari
opinaba que las artes habían entrado en decadencia al hundirse el Imperio Romano y solo habían
sido rescatadas por los artistas de la Toscana a partir del siglo XIII.

Jerarquía: Es el conjunto de características de las que debe disponer un entorno, producto o

servicio para ser utilizable en condiciones de confort, seguridad e igualdad por todas las personas
y, en particular, por aquellas que tienen alguna discapacidad.” (Libro Blanco ACCEPLAN) Indica la
división de un área en sectores homogéneos conforme a ciertos criterios.

36
 CONCLUSIÓN

Si bien el arte no sólo es una disciplina en el que el ser humano se recrea a través de diversas técnicas como
medio de expresión sino que también es fundamental en dicho contexto el conjunto de lenguajes codificados
que surgen en las distintas obras con el único fin de comunicar y comprender al mundo de acuerdo al nivel
histórico en el que nos desarrollamos día a día.

De tal forma que los movimientos artísticos son una gran virtud, disposición y habilidad por la necesidad de
hacer algo nuevo, en sí es un acto de expresar o imitar lo material o lo invisible o lo que nuestra mente pueda
alcanzar.
Sin duda alguna es todo lo que se hace por la habilidad del hombre, para expresar la belleza, sus sentimientos
y sus expresiones por medio de las artes. Y gracias a ello han llegado hasta nosotros frutos de la imaginación
del hombre.

Bibliografía:

https://toledoolvidado.blogspot.com/2009/04/la-iglesia-de-san-lucas.html

http://jmnavarron.blogspot.com/2013/05/arte-islamico-contexto-historico.html

https://es.slideshare.net/Muchoarte/contexto-histrico-y-caractersticas-generales-del-arte-islmico-12021546

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https://www.arteguias.com/bizantino.htm

https://www.arteguias.com/mudejar.htm

https://es.wikiarquitectura.com/edificio/taj-mahal/

https://www.euston96.com/arte-gotico/

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