MARINA PORTAL SOLERA

HISTORIA DE LA PINTURA EXAMEN 2º CUATRIMESTRE

Joseph Beuys, I like America and America Andy Warhol, Brillo Box (Soap Pads), 1964, serigrafía sobre
Likes me, 1974, René Block Gallery, New York madera, 43 x 43,5 x 35,6 cm The Estate of Andy Warhol
Photo: Caroline Tisdall

A su llegada al aeropuerto Jhon F. Kennedy de Nueva York, aparece Beuys envuelto en una manta de fieltro. De inmediato es
conducido en una ambulancia al interior de la Galería René Block. Allí permaneció tres días y tres noches, en un espacio enjaulado
con un coyote salvaje, animal sagrado para los indios de Norte América.
En la foto, de una composición piramidal, se muestra al artista vestido de chamán y al coyote en primer plano. La luz, procedente de
una ventana a la izquierda de ambos, crea efectos de claroscuros que se pueden observar perfectamente en los pliegues de la manta y
en la zona de penumbra perteneciente a la zona superior de la figura del chamán.
La foto se presenta en una escala de grises, propia de la época.
El artista, ocupa el espacio de la galería y cada día que pasa va recopilando ejemplares del Wall Street Journal, diario que
significaba para él, el símbolo del capitalismo en Estados Unidos. Lo acompañan en la acción el drama, una linterna, un bastón, un
triángulo colgado en el cuello con el que de vez en cuando hace música, un magnetófono y una manta de fieltro sobre las que
duerme.
El coyote y el artista están separados del público por unas rejas. Beuys accede al espacio del animal, en algunas ocasiones, con su
cuerpo cubierto por las tiras de fieltro y el bastón de mano, para hablar con el coyote. Nada en la obra de Beuys es banal. El fieltro
de la manta con la que se cubre tiene que ver con una dura experiencia sucedida durante sus años en la guerra: el avión donde el
germano viajaba se estrelló y éste fue recogido por una tribu nativa que lo curó envolviéndolo en fieltro y grasa.
En esta acción el artista se convirtió en una escultura de formas permanentemente variables.
El resultado final es que el coyote se acostumbra a la presencia de Beuys, hasta que el artista llega a dormir sobre las pajas en donde
dormía el animal y el coyote se acuesta en la manta de fieltro del artista.
La acción termina cuando Beuys abraza al animal, para después esparcir, por toda la galería, la paja en la que ambos durmieron
durante los tres días.
De nuevo, Beuys, se cubre su cuerpo con la manta de fieltro y colocado en una camilla es conducido en ambulancia al aeropuerto
sin pisar otro suelo de nueva York que el de la galería.  
En esta acción el artista es el que se presenta como sanador de la sociedad americana. El coyote hace referencia a la supervivencia y
a las primitivas culturas norteamericanas, en contraposición con el capitalismo y consumismo de la sociedad actual representada por
los diferentes objetos con los que artista y animal interaccionan.
La intención de la obra es la reacción del espectador (ya sea positiva o negativa). Está dirigido a impactar en el público como una
imitación de lo intrínsecamente vital.
Durante los tres días, el chamán camina sobre la culpabilidad reprimida de la civilización norteamericana. Una culpabilidad surgida
de la injustificable matanza de la raza india. El indio vivía tan libre como el coyote. Por eso, oprimir o exterminarle fue un
despedazar la propia bandera de la libertad que la sociedad norteamericana decía representar. La angustia de esta contradicción se
esconde en el fondo oscuro de la colectividad del país del norte. Mediante el coyote, el artista atraviesa un presente de máscaras y un
renacer del trauma que nació con el exterminio de la libertad de la raza india. La convivencia de ambos protagonistas de la obra es
una escena simbólica para atravesar la intimidad de una cultura y regresar a su trasfondo de situación traumática.
Realiza una serie de rituales diarios que incluyen conversaciones con el animal. Le ofrece diversos objetos como tela de fieltro,
guantes, linterna, un bastón y cada día el diario The Wall Street Journal , que el  coyote tocaba e incluso orinaba sobre ellos.
Es una obra cargada de simbolismo.

La segunda obra se presentó en la Galería Stable en 1964. Eran bloques de madera serigrafiados con la imagen de las etiquetas de
productos comerciales. Eran de Detergente Brillo, y aparentaban ser cajas de cartón. Es una imagen de consumo popular.
Dos colores rojo, azul y blanco. Textura visual lisa y homogénea.
Era un diseño que había sido pionero en el lenguaje publicitario o que resultaba anticuado. Así, en su obra siempre hay un
reencuentro con el origen, pero con un origen que empieza en el siglo XX, pues la esencia de esta iconografía tiene las raíces en ese
siglo y es lo que le convierte en un artista moderno.
Es una obra que va más allá del ready-made; Las diversas cajas colocadas de distintas formas en el espacio, pueden considerarse
instalaciones minimalistas.
Algo más que le diferencia de la obra anterior es que Brillo Box es una obra en la que no se aprecia implicación personal, con lo
cual logra no tener emoción manifiesta. Técnica perfecta para no mostrar la personalidad del artista y la que más le aproximaba a su
deseo de “ser una máquina”. Una obra mecánica,, nada expresiva, al contrario que la obra anterior.
Representa a América, guardando relación con la obra anterior, pero de manera diferente. Esta obra representa a la América del
momento, pero no de una forma crítica, al contrario que la obra del artista alemán. Dos formas de representar a América, una
mediante la crítica social y la otra mediante la representación de la cotidianeidad del consumo de la sociedad americana, una forma
acertada de representarla.
Las descripciones del envase (“24 paquetes gigantes”, “esponjas con jabón resistentes al óxido”, “saca brillo al aluminio
rápidamente”) muestran el carácter cotidiano, e incluso banal, del motivo, lejos de una elección basada en motivos estéticos.
Aunque el entrenado ojo de publicista le permitió a Warhol tomar ventaja de un buen diseño gráfico previo, basado en los colores de
la bandera de Estados Unidos, y en una forma de ola que representa el carácter arrollador del producto. 

En general, las dos obras se diferencian casi en su totalidad, como he ido citando.
La primera de ellas al ser una performance, va a ser una obra dotada de movimiento, acción. Una escultura viviente de actitud
variable. Al contrario que la obra del artista neoyorkino, asentada en una galería en la quietud de su propia realidad, un producto ya
comercial, a pesar de que no fueron creadas con ese propósito.
La primera es una obra efímera, empieza un día y se acaba otro día determinado; Solo podemos volver a apreciarla a través de
testimonios como vídeos o fotos pero nunca más en el momento en que se llevó a cabo.
Brillo Box se expone en un museo, con la iluminación propia del criterio museístico. Una vez en el interior del museo, será y a
pesar de su cotidianeidad, un objeto divinizado; Un objeto artístico, comercial. Sin embargo, la obra del artista alemán se presenta
en un museo pero de una manera diferente, natural, espontánea, expresiva y sobre todo envuelta por los propios sentimientos y
actitudes naturales del encuentro entre los dos seres vivos. La actitud del artista podría estar meditada, pero la del animal en
absoluto, por lo que Beuys se verá afectado por ello y pasará a ser una actitud dependiente de la actitud del animal.