Vanguardias  Artísticas  

en  la  II  mitad  del  siglo  XX

Por  :  Milena  Aguirre  Lozano
Mg.  En  Historia  del  Arte
Esp.  en  Docencia  Universitaria
UNIVERSIDAD  DEL  ATLÁNTICO
Barranquilla
2019
 1945 EN ADELANTE
NEOVANGUARDIAS Y POSVANGUARDIAS

Body Art
Land Art
Arte Póvera
Conceptual
Action
Painting Neodadá
1952 1960 1980
1949 1958 1970
Informalismo
Nuevos Salvaje
Pop Transvanguardia
Nuevo Realismo
Cinético
Op

2
ž El arte Óptico
ž Arte Cinético
ž La Nueva Figuración
ž Minimal Art
ž El Pop Art/El Nuevo realismo
ž El arte sicodélico y el mundo underground
ž El Arte Conceptual
ž El arte del Comportamiento
ž Body Art
ž Arte Póvera
ž El Arte Ecológico
ž El Hiperrealismo
ž Intermedia y Video arte
ž Ambiente y espacios lúdicos
ž Arte de acción:
ž Happenings rituales
ž Happenings y la política
ž El fluxus
ž Mitologías individuales
Op Art
Surge  en  EE.UU.  hacia  1958.
La  primera  exposición  oficial  tiene  lugar  en  el  Museo  de  Arte  
Moderno  de  Nueva  York  en  1965  y  se  tituló  "The Responsive Eye"  
(El  ojo  sensible).  Ese  mismo  año,  Vasarely,  cuyos  experimentos  
ópticos  se  remontan  al  año  1932,  recibió  el  primer  premio  de  la  
Bienal  de  São  Paulo.
En  Europa,  el  Op-­art  surgió  a  mediados  de  los  años  sesenta  como  
un  movimiento  denominado  nueva  tendencia en  el  que  se  engloban  
varios  grupos  diferentes  de  artistas.
El  Op-­art  tuvo  una  gran  aceptación  popular,  aunque  muchos  críticos  
lo  calificaron  como  "poco  inteligente".  Muchos  de  los  diseños  de  las  
obras  "op"  fueron  explotados  con  fines  comerciales  por  la  industria  
de  la  moda,  de  los  tejidos  y  de  la  publicidad.  Esta  saturación  del  
diseño  "op"  contribuyó  a  la  banalización  y  rápido  envejecimiento  de  
este  estilo  artístico.
CARACTERÍSTICAS
• Ausencia  de  figuración  o  de  referencias  subjetivas  de  carácter  
emocional.
• Creación  de  efectos  visuales  (vibración,  parpadeo,  movimiento  
aparente,  muaré)  mediante  tramados,  líneas  sinuosas  paralelas,  
contrastes  bi o  policromáticos,  cambios  de  tamaño,  inversiones  
de  figura  y  fondo,  seriaciones,  repetición  y  multiplicación  de  
estructuras,  combinaciones  de  formas  y  figuras  ambiguas  .
• Composiciones  estructuradas  mediante  espacios  
geométricamente  ordenados  de  diferente  tamaño  o  mediante  
módulos  repetitivos  y  en  variación.
• Participación  del  observador:  en  muchos  casos  el  observador  
necesita  moverse  delante  de  la  obra  para  apreciar  toda  la  gama  
de  efectos  ópticos.
• Empleo  frecuente  de  pintura  acrílica  para  conseguir  colores  
impecablemente  lisos  y  uniformes.
• Colores  planos  de  contornos  netos  (hard edge).
Victor Vasarely
Cheyt  M.
Victor  Vasarely
K-­ Tridem
Victor Vasarely
Vonal Ksz
Movimiento que surge a finales de la
década de 1950 en Inglaterra y USA,
caracterizándose por el empleo de
imágenes y temas tomados de la
sociedad de consumo y la
comunicación de las masas.

Se caracteriza mucho pos las

técnicas libres y las tipografías
coloridas.

La figura humana, se observa

caricaturesca, y por lo tanto pierde
el acercamiento a la realidad.
ž El Pop Art se enraíza más en
una integración con el
contexto social.
ž Su formulación formal
consiste en la elevación de
los objetos de la vida
moderna a obras de arte, a
través de una frialdad que
no se interesa por la
originalidad.
ž Como iniciadores de la
tendencia se señala
generalmente a Robert
Rauschenberg y a Jasper
Johns, pero los
representantes típicos son:
Oldenburg, Wesselmann,
Rosenquist, Indiana,
Kienholz, Warhol y
Lichtenstein.
ž Estos artistas plantearon la
ironización de la civilización
del consumo mediante el
uso de objetos, de focos
publicitarios, de tiras
cómicas y de otros
elementos cuyas pautas
estéticas eran generalmente
subestimadas en favor de un
desenfrenado consumo.
žEl concepto
del Arte Pop
no hace
tanto énfasis
al arte en sí,
sino a las
actitudes
que lo
conducen.
Se destaca el uso del "Benday-dots", el
sistema de impresión comercial similar al
puntillismo, que, en el trabajo de
Lichtenstein.
Se interesa por el tema de la
sensualidad y la mujer como reclamo
publicitario y como objeto de consumo.
Elige las partes mas sensuales del
cuerpo de la mujer y los mezcla con
objetos cotidianos.
Fumadora .1973. Óleo sobre tela. 210,8 x
227,3 cm.
En sus montajes pinturas e
instalaciones incorpora objetos reales,
recreando espacios habituales de la
burguesía Americana.
En la serie de GRANDES DESNUDOS
AMERICANOS, el artista realiza:

•Desnudos femeninos.

•Pinturas de grandes dimensiones y

color intenso evitando los detalles.

•Representación del cuerpo de la mujer

en un símbolo sexual despersonalizado.
En estos cuerpos femeninos creados
por Wesselmann se aprecia una
silueta compacta y textura
acompañada de dibujos manteniendo
una superficie plana que luego
adquirirá tridimensionalidad.
En sus obras muestra formas simples y
puras de los cuerpos desnudos de las
mujeres rubias pertenecientes a la
modernidad americana.
Exalta el erotismo y un toque de
impersonalidad al crear mujeres sin
rostros haciendo evidente signos mas
sensuales y sugerentes.
En estos cuerpos se observa la
mezcla con la publicidad, en los
que predomina la figura desnuda
de una mujer a la cual, en algunas
ocasiones, vemos acompañada de
un televisor, un teléfono y un
aparato radiofónico que invaden
su espacio íntimo.
ž Es una tendencia radical de la pintura
realista surgida en Estados Unidos a finales
de los años 60 del siglo XX que propone
reproducir la realidad con más fidelidad y
objetividad que la fotografía.

ž El término hiperrealismo es también

aplicable a la pintura, la escultura y la
historieta.
Chuck Close es un pintor y
fotógrafo especializado en
el hiperrealismo. Close
utiliza una retícula para
ampliar sus retratos en
primer plano a escalas en
ormes. el método “Grid”.
Chuck  Close
Autorretrato
Autorretrato, 1973
Es  un  pintor  estadounidense  
conocido  por  sus  pinturas  
hiperrealistas.
Sus cuadros consisten
generalmente en
retrospectivas de ciudades
alejadas y en paisajes
geométricos de ambientes
urbanos en donde los
automóviles, forma de
vestir, carteles publicitarios
y escaparates, representan
el ambiente de la época.
Diner
1971
Óleo sobre lienzo
101.7 X 126.8
Hirshhorn Museum and
Sculpture Garden
Calle Paris
1972
Óleo sobre lienzo
101.6x152.4
Marlborough
Gallery, NY
Club Canadian
1974
oil on masonite
121.92 x 152.4
Marlborough
Gallery, NY
Accesorios de novia
1975
Óleo sobre lienzo
91.44 x 121.92
Marlborough Gallery, NY
Autorretrato doble
1976
Óleo sobre lienzo
60.96 x 91.44
Mr. and Mrs. Stuart M.
Speiser Fund
34th Street Manhattan
Looking East
1979
Óleo sobre lienzo
231.14 x 231.14
Marlborough Gallery,
NY
Accademia
1980
Óleo sobre lienzo
60.96 x 125.73
Marlborough Gallery, NY
Vista hacia La Salute,
Venice
1980
Óleo sobre lienzo
91.44 x 182.88
Marlborough Gallery, NY
http://www.denispeterson.com/GalleryP
age.html
Su impresionante obra tiene como objetivo representar la
realidad de una manera increíble. Mediante óleos y acrílicos.
Pintor  realista    que  realiza  sus  
enormes  versiones  de  
fotografías  caseras  con  bolígrafo  
bic  azul.
Ama de casa
1969 - 1970
Óleo , fibra de vidrio , cabello,
tejido , rizadores , anteojos ,
sillón, otomana, maleta , secador
de pelo , platillo , cigarrillos ,
revistas y zapatillas.
111.7 x 88.9 x 155
Turistas
1970
Resina de poliéster y fibra de
vidrio , pintado al óleo y
técnicas mixtas.
Hombre 152x80.5 x 31cm; Mujer
160x 44x 37
National Galleries of Scotland
Señora en el supermercado
1970
Fibra de vidrio pintada , poliéster y
prendas de vestir, carro de compras
con los paquetes de productos
166 x 70 x 70 cm
Aachen, ludwig Forum für
Internationale Kunst
Jóven compradora
1973
Poliéster y fibra de vidrio policromada
en aceite , con accesorios a tamaño real.
The Saatchi Gallery, London
Duane Hanson's Escultura
de un drogadicto de 1974 (
junto con un invitado
museo no identificado ) .
Foto tomada en Louisiana
Museum of Modern Art,
Denmark.
Duane Hanson, Autorretrato con modelo, 1979.
Duane Hanson
Queenie 2,
1988.
Turistas II
1988
Fibra de vidrio y técnica mixta
con accesorios de la vida real
The Saatchi Gallery, London
Viajero
1988
Fibra de vidrio
y técnica
mixta con
accesorios de
la vida real
The Saatchi
Gallery,
London
La familia de Ron
Mueck eran jugueteros,
así que el creció entre
muñecos y disfraces y
pese a no tener
formación artística se
decidió por este tipo de
obras donde utiliza
pinturas acrílicas,
silicona y fibra de
vidrio para recrear las
composiciones.
RON  MUECK  
Papá  Muerto  
UNIVERSIDAD DEL ATLÁNTICO • FACULTAD DE BELLAS ARTES • PROGRAMA DE ARTES PLÁSTICAS
Este movimiento surgió a mediados de los años sesenta como
una reacción al subjetivismo y la emoción de expresionismo
abstracto con su énfasis en la improvisación y la
espontaneidad, proponiendo en su lugar un arte totalmente
preconcebido, de ejecución anónima y de gran claridad, rigor
conceptual y simplicidad.
Ø Reducción  y  síntesis  en  la  forma.  

Ø Economía  de  lenguaje  y  medios.  Se  elude  el  tema  en  la  obra.

Ø Se  prefieren  formas  geométricas  elementales.

Ø Producción  y  estandarización  industrial.  Usan  materiales  industriales  como  

hierro  galvanizado,  tubos  fluorescentes  o  ladrillos  térmicos.  

Ø Utilizan  sistemas  modulares  y  serializaciones.

Ø Máximo  orden  y  mínimos  medios.    Menos  es  más.

Ø Purismo  estructural  y  funcional  .  Austeridad  con  ausencia  de  ornamentos.

Ø Precisión  en  los  acabados.

Ø Se  insiste  en  la  forma  pura  y  poco  expresiva,  no  hay  gestualidad,  sino  la  
búsqueda  de  una  factura  impersonal.  
Nació el 16 de septiembre de 1935 en Quincy, Massachusetts.
Es uno de los nombres claves del arte minimal. Cursó estudios en la Academia Phillips
de Andover, Massachusetts, dirigida por Maudy Patrick Morgan. En el año 1957 se
instala en Nueva York, donde conoció a Frank Stella con el que compartió estudio en
1959.

Utiliza en su obra el material tal y como lo produce la industria (ladrillos, troncos de

madera, placas de metal, bloques de cementos sintético, etc.), redefiniendo la escultura
en sus características elementales: material, masa, espacio, volumen y gravitación. Su
trabajo durante cuatro años para la compañía Pennsylvania Railway, se ve más tarde
reflejado en los "Element series" (1960), en los que se combinan elementos idénticos
superpuestos o yuxtapuestos cuyo desarrollo en el espacio define el lugar donde se
ubican.

En 1966 realiza las "Floor series", consistentes en placas metálicas reunidas en

cuadriláteros de poco espesor que terminan integrándose en el piso hasta que
desaparecen del campo visual del espectador. En 1972 la Tate Gallery adquirió la obra
Equivalente VIII, que consiste en una serie de 120 ladrillos dispuestos en un rectángulo
sobre el suelo del museo. Casado con la artista cubana Ana Mendienta, Andre fue
acusado de asesinato en septiembre de 1985, cuando tras sostener una fuerte
discusión, Mendieta cayó desde la ventana de su departamento en Manhattan, situado
en el piso 34, fue absuelto en 1988.
Carl  Andre. Lever,  1966
Carl  Andre. Equivalent VIII,  1966
Carl  Andre. Equivalent VIII,  1966
Carl  Andre. Trabum,1972.
Escultor estadounidense vinculado al minimalismo.

No recibe una educación artística formal y será hasta1959 cuando toma

gran interés por el arte. En un principio se siente atraído por la
pintura, dedicación que abandona en 1963 cuando comienza a trabajar
con tubos fluorescentes; crea entonces entornos estáticos mediante la
utilización de éstos combinados con luces de neón. Se trata de
composiciones simples que evitan cualquier efecto complicado y que
acentúan las cualidades energéticas, coloristas y vibratorias de los
tubos, otorgando especial importancia a la luz diagonal.
La carrera de este artista ±un largo recorrido en la experimentación
con la luz, el color y los espacios interiores-, fuera de los medios
tradicionales de pintura y escultura le sitúan como progenitor y figura
clave del minimal art.
La magia producida por la combinación de la luz y el color en la
obra de Dan Flavin, han convertido a este representante del
minimalismo en uno de los artistas más significativos del arte
contemporáneo. La exposición permite contemplar la emoción que
se desprende de piezas basadas en composiciones de tubos
fluorescentes, algo que en una primera impresión podría parecer
frío o banal, pero la realidad es que tras la belleza de las obras de
Flavin se esconden también gran cantidad de sensaciones vividas
por el artista, que van del sufrimiento a la alegría y del juego a la
meditación a través del uso del color Flavin, que no gozó de
demasiada fama en vida, encontró en Giuseppe Panza uno de sus
primeros y mayores admiradores. Éste empezó a adquirir obras del
americano, siendo hoy día la colección europea permanente con
más piezas de Dan Flavin, y contribuyendo así a la posterior fortuna
de este artista clave del siglo.
 Dan  Flavin.
A  retrospective.  22nd  november
2006  -­ 04th   march 2007.  
Pinakothek del  Moderne.
Munich
 Dan  Flavin.
Untitled   ,  1973
 Dan  Flavin.
Sans  titre  (Monument   pour  
Vladimir   Tatlin),   1964-­1975
Excelsior Springs, EE UU, 1928-NuevaYork, 1994).
Escultor estadounidense. Su trayectoria artística pasó de una primera
etapa como pintor abstracto de composiciones geométricas bastante
austeras a una segunda etapa como crítico de arte (durante los años
cincuenta) y a una tercera como escultor, desde comienzos de la década
de 1960. Este último período es el que lo convirtió en una figura de
proyección universal y en uno delos principales representantes y teóricos
del minimalismo. En sus primeras realizaciones utilizó la madera, pero
pronto incorporó el plexiglás y el acero inoxidable, su material más
característico. Con ellos creó obras basadas en yuxtaposiciones y
superposiciones mediante las que intentó expresar relaciones afines a
las progresiones matemáticas. Todas sus creaciones son obras frías,
carentes de cualquier intención decorativa o implicación emocional, en
las que a menudo utiliza el color para de esta manera acentuar la
estructura de las piezas
Donald  Judd. Untitled,  1969
Donald  Judd. Untitled 1971
Donald  Judd. Untitled,  1969-­1982
Donald  Judd. Untitled,  1975
Pintor y escultor estadounidense.
Se formó en Boston y en París. Su obra se caracteriza por el rechazo
de todo ilusionismo y por el empleo de colores puros y de formas
rigurosamente geométricas, estética propia del estilo hard-edge.

Kelly estudió Bellas Artes en su país y realizó un largo viaje por

Europa, a fin de conocer de primera mano las obras de los grandes
maestros. A su regreso a EE. UU, experimentó con pinturas de
enorme simplicidad, mezclando ordenadamente blanco y negro o
blanco con otro color. Se situaba así en una encrucijada justo a
medio camino entre el abstracto geométrico y el minimalismo, de
manera que ha llegado a ser calificado como "the maximum
minimalist". En algunas de sus pinturas, se ve clarísimamente la
influencia de los campos de color de Mark Rotkho.
“Siempre he tratado de liberar la forma de su contexto para así
establecer una relación definitiva con el espacio que la rodea”
Ellsworth Kelly.
 Ellsworth  Kelly.
Red,  Yellow,   Blue  I,  1963
ž Nació en Connecticut en 1928, en el seno de una familia de
judíos inmigrantes de Rusia. En 1949 viaja a Europa gracias a una
beca de la Universidad de Syracuse donde recibirá la influencia
de los grandes maestros de la pintura. Tras participar en la
Guerra de Corea se muda en los años 50 a Nueva York donde
continúa con su interés por el diseño gráfico trabajando para el
Seventeen Magazine. En esa época descubre los estudios
fotográficos secuenciales de principios de siglo de
Muybridge hecho que, combinado con su trabajo en el MOMA de
Nueva York, influiría enormemente en su carrera como artista.
En el MOMA tuvo la oprtunidad de relacionarse con grandes
nombres como Jasper Johns, Robert Rauschenberg o Frank
Stella.
Sol  Lewitt. Serial  Project  No.  1.  (ABCD),  1966.  83  x  576  x  576  cm  
Sol  Lewitt. Five  Modular   Structures,  1972
Sol  Lewitt. Cube  without  a  Cube,  1989
Robert  Morris. Untitled (L-­Beams),1965
Robert  Morris. Installazione,   New  York,  1964
Robert  Morris. Untitled,  1969
(Postminimalista)
ž Richard Serra (n. San Francisco, Estados Unidos, 2 de noviembre de
1939) es un escultor minimalista estadounidense conocido por trabajar
con grandes piezas de acero corten.

Estudió Literatura en la Universidad de Berkeley, entre 1957 y 1961.

Posteriormente estudió Arte en la Universidad de Yale. Mientras vivía en
la costa oeste, se mantenía trabajando en una acerería, actividad que
lo influyó en su trabajo.

El trabajo más temprano de Serra era completamente abstracto; hecho

de plomo fundido lanzado contra la pared de un estudio o de un espacio
de la exposición, era un claro ejemplo del process art. Sin embargo, es
mejor conocido por sus construcciones minimalistas de grandes rodillos
y de hojas del acero corten. Muchos de estos pedazos son
autosuficientes y acentúan el peso y la naturaleza de los materiales.
Rollos del plomo se diseñan para ceder en un cierto plazo. Sus
esculturas de acero en exteriores, llevan un proceso inicial de
oxidación, pero después de 8 a 10 años, este color se mantiene
relativamente estable.
Otro trabajo famoso de Serra es gigantesca escultura Snake, un trío de
sinuosas hojas de acero que crean una trayectoria curva, fue
establecido permanentemente en la galería más grande del museo
Bilbao de Guggenheim. En 2005, el museo montó una exposición de
más trabajos de Serra. Sin embargo, no siempre le ha ido tan bien en
España. También en 2005, el Centro de Arte Reina Sofía en Madrid
anunció que una de sus esculturas, de 38 toneladas, “había sido
perdida.”
Richard  Serra. Splashing,  1968
Pintor estadounidense. Estudió historia en la Universidad de
Princeton y se trasladó luego a la ciudad de Nueva York. A partir de
un expresionismo abstracto, pasó a un estilo esencial, constituido
por bandas monocromas o de colores planos, montadas sobre
bastidores irregulares (cuadrados o en forma de H o X) dentro de la
abstracción geométrica, con las que preanunciaba el minimal art de
los años sesenta.
De esa etapa destacan una serie de pinturas monocromas de tonos
oscuros (las llamadas pinturas negras o rayadas, 1958-1960) cuyo
interior estaba recorrido por líneas paralelas al marco del bastidor.
A través de ellas, Stella perseguía la síntesis entre la estructura
interna y la estructura externa del cuadro, búsqueda que sentaría
las bases del arte minimalista. Obras como A una profundidad de
seis millas, (1960, Tate Gallery, Londres) o La abadía de Newstead
(1960, Stedelijk Museum, Amsterdam) son paradigmáticas de una
investigación en la que la pintura abandona el ilusionismo de la
profundidad para avanzar en su definición como "cosa en sí", como
puro objeto.
 “What  you  see  is  what  you  see”

Frank  Stella  (1936). The  Marriage   of  Reason  and  Squalor  ,  1958-­60.   Esmalte sobre tela.  
Museo de  Arte  Moderno,   New  York.
Frank  Stella:  Jarama  II  
(1982).  Washington.
1960
ž Ready Made 1915
Es una creación por negación,
porque utiliza objetos desechados
en si mismos, pero que al ser
presentados fuera de su contexto
habitual, adquieren sentido,
cuestionando el concepto
tradicional de arte.

Marcel Duchamp plantea al objeto

como una protesta e ironía frente al
mundo, sus formas llegan al límite
absoluto de lo informal y provocan
en el observador un estado de
escepticismo y confusión.

Según Duchamp el arte va ligado a Marcel  Duchamp.  Fuente.  1917.  

la transmisión de sensaciones pero Ready Made
no necesariamente de belleza
ž Se refiere esencialmente aquel tipo de
proposiciones que marginan la realización
material en favor de un énfasis de los
contenidos mentales, los cuales se esbozan y
proyectan para estimular la capacidad
imaginativa e intelectual del espectador.

ž Elmomento creador se sitúa en la realización

del boceto, que convierte al espectador en
integrante activo de la producción artística,
en cierto modo, elabora la idea.
ž Shusaku Arakawa (Japón, 1936; residente en
Nueva York), On Kawara (Japón, 1933; residente
en Nueva York)
ž Hans Hacke
ž Bruce Nauman
ž Gordon Matta Clark
ž Lichel Asher
ž John Baldessari
ž Dan Graham, entre otros.
ž En España, Ferrán García Sevilla, Francisco Abad,
Antoni Muntadas, Jordi Benito, Francisco Torres,
Joan Brossa, entre otros.
ž Ejerce el papel de un investigador
comunicacional que busca la definición de
medios para transmitir ideas sin una
dependencia directa de la materialidad de
una obra.
ž Entre los primeros artistas que promovieron
esta vertiente estética tenemos:
ž Joseph Kosuth

ž Joseph Boys

ž Víctor Burgin
 Arte Povera
Arte Pobre

Land Art
Vertientes dentro Earth Art
Arte Ecológico
del Arte
Conceptual

Narative art
Arte Procesual

Body Art
Arte Corporal-
Behaviour art
Happening
Performance
ž Artista norteamericano, nacido en Ohio en 1945.
Joseph construye su obra usada por los
movimientos artísticos de los años 60 y 70.
Flujos, caracterizados por una corriente anti-
arte de combinar diferentes representaciones
visuales, es su principal influencia. Preocupado
por la estética de cada pieza - y lo que
representa - Kosuth transmite preguntas
elaboradas por medios completamente simple, y
que pronto el espectador para entender la
profundidad de lo que se considera trivial e
inútil.
ž Su arte es puramente conceptual.
ž Bernd Becher(Siegen,1931-­2007) y Hilla
Wobeser (Postdam, 1934) se conocieron en la
Kunstakademie de Dusseldorf donde estudiaban
pintura a finales de los cincuenta y comenzaron a
colaborar en 1959. Su primera exposición se celebró
en 1963 en la galería Ruth Nohl y en 1972 su trabajo
se pudo ver ya en la Documenta 5.

ž Su trabajo se basa en la documentación

sistemática de tipologías de edificios y objetos
industriales obsoletos;; una búsqueda de nueva
objetividad. Se utiliza la fotografía como herramienta
para sacar de contexto estos edificios y
reinterpretarlos con un lenguaje propio. Su trabajo
responde también a la intención de la escuela de
Dusseldorf;; neutralidad en la mirada de la sociedad y
las cosas.
ž Obra multimedial.
ž Multidimensional.

ž Multiforme.
ž Creada para un espacio privado, exterior o
interior.
ž Las instalaciones solo existen en el tiempo en
que están montadas, pero pueden recrearse
en diferentes lugares o Sites Specific.
ž Antecedentes:Duchamp,Schwitters,
futurismo, dadaísmo y surrealismo
Relación  del  cuerpo  
Humano  con  el  espacio
Rudolf Schwarzkogler.
Rudolf Schwarzkogler. 6 Azione, 1966
ORLAN. Le Drapé Le Baroque, Installation
d'une Chapelle Élevée à Sainte-ORLAN,
photographie noir et blanc, 30 x 20 cm,
1980.
 ORLAN. Le Drapé Le Baroque, Installation d'une Chapelle
Élevée à Sainte-ORLAN, photographie noir et blanc, 30 x 20
cm, 1980.
Ana   Mendieta
Sin  Título
(Serie   Transformaciones   faciales  y   de   cabello)
1972
Ana   Mendieta
Variaciones   cosméticas  faciales,   1972
Trabajo  experimental   de   estudiante,   nunca  
impreso  o   publicado  por  la   artista
Ana   Mendieta
Sin  título,  1972
(Escena  de   violación)
“La performance es
cuerpo, tiempo y espacio;
a partir de esto se gestan
las acciones”.
María Teresa Hincapié.
Vitrina (1990), María
Teresa Hincapié
María Teresa Hincapié.
Esta tierra es mi cuerpo..., Performance, 1992.
Mona Hatoum.
Incomunicado.
1993.
Mona Hatoum. Sin
título (Silla de
ruedas).
Mona Hatoun, "La luz al final”, instalación, 1989.
Mona Hatoum. Roadworks (Performance-Still) 1985-1995