ESTETICA

Enrique Blanco

Zaida García

70% trabajo ind o grup

30% prueba objetiva (puntuación mínima de 3)

80% de asistencia

80% de prácticas hechas en fecha

Walter Gropius, europeo y posteriormente americano, dirigió la escuela de Harvard. Al igual

que Mies Van Der Rohe (que entró en el MIT) fue director de la Bauhaus.

Existe una triada: lo que piensas, lo que dices, lo que haces. La coherencia reside en que estas
3 cosas se refieran a lo mismo.

Bruno Munari dice que la estética es el modo coherente en el que las partes forman un todo.

Un diccionario de estética es necesario para entender ciertos conceptos.

Nuria Rguez dice que la historia puede ser una simple enumeración o, más hondamente, un
medio para ver causas y consecuencias, delinear tendencias…

Piranesi se dedicó en el sXVIII a dibujar ruinas como medio de conocimiento e investigación

para averiguar cómo fue el pasado de la civilización romana.

Nuria rguez. Dice que la teoría es un conocimiento especulativo e intelectual, no practico, lo

que correspondería a la metodología. Así los libros de teoría de diseño suelen hablar de cosas
como el concepto, de relaciones del diseño con política, economía, tecnología, etc. En cambio
un libro de metodología y practica del diseño tratara sobre técnicas y procedimientos, empleo
de materiales, cálculo de estructuras…

El tratado de Vitrubio contiene la teoría sobre la arquitectura romana para que toda ciudad del
imperio pudiese avanzar siguiendo las directrices romanas.

La estética puede considerar una parte de teoría, puesto que supone una reflexión intelectual
y especulativa, en muchas ocasiones filosófica e incluso espiritual, sobre los objetos y la
actividad misma de diseñar, aunque centrándose en l dimensión estética, es decir, abordando
los hechos de diseño en cuanto a fenómenos estéticos.

La estética es una disciplina autónoma. Estudio filosófico y especulativo de las categorías y del
fenómeno estético. Esto es un hecho de sensibilidad, lo sensorialmente perceptible.

Tomas Maldonado, escritor de la escuela de Ulm de El diseño industrial reconsiderado dice en

los años 70 que el diseño industrial ha fracasado por no hacer llegar los productos a las masas.
Entiende que se tiende a definir el diseño industrial como la proyección y fabricación seriada
de productos, pero no termina de ser exacta.

El International Council of Societies of Industrial Design dice que la función del DI es proyectar
la forma de un producto.

Jacques Vienot y las 13 leyes del arte industrial

− Economía: optimización de recursos

− Capacidad de empleo y del valor funcional
− Unidad y composición
− Armonía forma-uso
− Estilo
− Evolución y relatividad
− Gusto
− Satisfacción
− Movimiento
− Jerarquía o finalidad
− Comercial
− Honestidad

La última definición del ICSID en 2005 dice:

El diseño es una actividad creativa, cuyas directrices establecen las múltiples facetas y
cualidades de los objetos, procesos, servicios y sistemas a lo largo de todos sus ciclos de vida.
Por lo tanto, el diseño es un factor primordial de la innovación humana de las tecnologías y un
factor crucial del intercambio cultural y económico.

Objetivos del diseño: El diseño busca descubrir y evaluar las interrelaciones estructurales,
organizativas, expresivas y económicas con la misión de:

Mejorar la sostenibilidad mundial y la protección medioambiental

Aportar libertades y beneficios a toda la comunidad humana, individual y colectivamente. A los

usuarios-finales productores y agentes de mercado.

Soporte de las diversidades culturales a pesar de la globalización mundial

Aportar y dotar a los productos, servicios y sistemas de formas expresivas y coherentes con su
propia complejidad.

La disciplina del diseño se ocupa de que los productos, servicios y sistemas sean concebidos con
herramientas, métodos, y sistemas propios de la organización industrial, no solo por la
producción en serie. El adjetivo industrial pone en relación al diseño y la industria, la
producción, y en general, con la actividad industrial.

Así, Diseño es una actividad que se relaciona con un amplio espectro de profesiones en cuyos
productos, servicios, gráficos, interiores, y arquitecturas, todas ellas tienen su participación.
Todas estas actividades, profesiones, deberían trabajar juntas, como un equipo interdisciplinar
integrador; por una mejora global de la calidad de vida. Por eso, el termino diseñador se refiere
al individuo que ejerce una profesión intelectual y no simplemente un trabajo formal o de
servicio para una marca o una empresa.
Renato de Fusco, catedrático de arquitectura de una universidad italiana reflexiona acerca de
cómo la industrialización es un proceso de diseño, entre otras cosas. Gillo Dorfles en El diseño
industrial y su estética se plantea que objetos son de DI y apunta que no sería posible sin
maquinas, a que debe ser repetible y a que tiene una intención o coeficiente estético.

Tipos de fuentes:

Primarias: acontecimientos, reflexiones o pensamientos de primera mano (monumentales

como obras de arquitectura, inéditas como bocetos, orales como entrevistas, impresas como
revistas o icónicas como fotos o videos)

Secundarias: materiales elaborados a partir de fuentes primarias, como una traducción (libros,
artículos, blogs…)

Terciarias: selección y recopilación de fuentes I y II (catálogos, índices…).

IDEAS ESTETICAS

Sigfried Gideon (1888-1968), profesor en el politécnico de Zúrich, fue importante por

contactos con Bauhaus y otras escuelas y tiene un libro “Egipto como tiempo eterno”.

Los egipcios diseñaban utilizando el rio Nilo como eje N-S y el eje horizontal, marcado por la
salida y puesta del sol por las montañas laterales, como E-O. Durante cientos de años, en
Egipto todo fue igual, solo hubo cambios muy sutiles, una especie de condiciones de
laboratorio, un presente eterno

Cambios útiles con el fin de continuidad + orden-> eternidad

Nilo: la benéfica tiranía del Nilo

Relación inmutable: hombre + naturaleza

Faraón: símbolo relación hombre + naturaleza

Grandeza, solidez masa, durabilidad seguridad…

Utilizando así estos principios, hacen posible la simetría, la axialidad, la modulación, etc… Le
Corbusier explicaba la arquitectura con la iluminación de formas puras y el ejemplo claro es
Egipto. Cuánto más cercano al faraón y a estos principios de grandeza fuese el producto o
construcción, más nobles los materiales y más largo en el tiempo su deseo de perdurar.

La Grecia actual no se corresponde con la de la antigüedad que se extendía hasta Italia.

Conceptos fundamentales:

− Belleza
− Experiencia estética
− Arte
− Creación artística
− Mimesis
BELLEZA

Kalon/armonía/simetría/euritmia: es lo que gusta, lo que suscita admiración y atare la mirada,

pero también lo que es justo y bueno.

Para los sofistas es aquello que produce placer por medio de la vista o el oído.

No obstante la percepción de la belleza varía en el tiempo

EXPERIENCIA ESTETICA:

Importante en la estética contemporánea. Hace referencia a la respuesta humana a la

percepción de la belleza. Esto no lo tuvieron en cuenta los griegos, para los que todo era
theoría=observación.

ARTE

Techno: toda actividad humana productiva según Aristóteles. Ahí cabría todo. En la Grecia
antigua no había distinción entre arquitectura, escultura, pintura…

Hay dos actitudes hacia el arte: los procesos intelectuales son muy elevados pero ser un
proceso físico es muy mundano y si requiere de remuneración aún más.

CREACION ARTISTICA

Artista=creador. No pensaban que la creación artística se diferenciaba de otras creaciones

humanas.

Arte= habilidad (con 3 factores básicos): material:

− Concedido por la naturaleza

− Conocimiento: transmitido por la tradición
− Trabajo: procedente del artista

Importante en una obra de arte: no novedad, no originalidad y sí adecuación a la tradición,

perfección, duración, universalidad…

MIMESIS

Hoy: mimesis=imitación o copia de la realidad

En Grecia había 3 definiciones: gestos de los sacerdotes, expresión de experiencias internas o

vividas o en referencia a la música, danza o poesía.

Evolución:

Demócrito: remedar, imitar a la naturaleza en sus modos de obrar

Sócrates: pintura y escultura tienen carácter representativo, copiando el exterior de las cosas.

Platón: el primer que lo asocio a la copia de la realidad

Así podemos concluir que carecía de la idea de creación artística y de experiencia estética. Ya
tenían la mimesis y tenían una idea más ampliada de la belleza y el arte.

CANON

Entendido como forma obligatoria. Ha habido periodos canónicos y no canónicos en la historia.

Grecia fue un tiempo canónico, por ejemplo.

El canon se caracteriza por ser una justificación artística, flexible porque permite ajustes y
correcciones, así como mejoras y, por último, se refieren a las proporciones geométricas.

Punto de partida filosófico: el canon lo buscan los artistas, más la búsqueda la provocaban los
filósofos.

Tatarkiewicz dice:

1. Ante todo se basan en un pensamiento filosófico. Las partes de los elementos se

deben relacionar entre sí y pertenecer al todo.
2. La observación a los seres vivos para medidas antropométricas
3. El conocimiento de las leyes de la estática. Los templos griegos eran el resultado de la
experiencia y el conocimiento de los materiales

El canon en ocasiones interviene en las escalas, donde debemos aclarar que algo puede estar
diseñado en escala humana o en escala monumental, si se referencia a si mismo.

Cuando los griegos diseñaban sus templos, los hacían a escala monumental, pero mirando
desde los ojos del hombre, haciendo pequeñas correcciones ópticas para que una vez fuese
visto, pareciese perfecto. Y estos principios de escala, proporción y orden, fueron igualmente
aplicados en el resto de objetos.

HERENCIAS DE MIES VAN DER ROHE

En el proyecto del monumento a Bismarck se ven las influencias de Peter Bherens. En los años
20 desarrolla el pabellón alemán de la expo Barcelona 1929 y la casa tughendatt en el 30,
ambas con herencia clásica (horizontales).

En américa, hizo el proyecto Resor. El IIC le permite toda su técnica para crecer como
arquitecto, como el proyecto Concert Hall o el plan del campus para el IIT

Mies, ante el problema de la esquina, utiliza 2 lenguajes distintos, en las fachas cortas y en las
fachadas largas. Enfatiza la estructura.

Desarrolló diseños basados en la idea de liberar los interiores de apoyos estructurales.

Desplaza la estructura al perímetro pero no pone columnas en las esquinas, dando mayor
fluidez.

En el Crown Hall utiliza el mismo lenguaje en las dos fachadas de las esquinas.

En los apartamentos Promontory, la estructura es de hormigón

En los Lake Shore es de acero y utiliza montantes equidistantes cerrando hasta la esquina.

En el edificio Seagram opta por separar la fachada de la estructura.

De este modo, utiliza la historia de Grecia como herramienta para solucionar problemas
eternos pero con técnicas distintas.

EL CANON EN EL CUERPO HUMANO

EL HOMBRE

En el mundo clase había una conciencia antropocentrista. Los griegos proyectaban

características humanas en sus dioses mitológicos. Somos totalmente herederos de este
mundo clásico.

En el 530 aC en la obra Kouros de anavyssos el cuerpo humano se representa rígido, con un pie
adelante, mientras que en el discóbolo de 450aC, el cuerpo se representa en una posición de
tensión, donde se trabajó el físico. Sin embargo la expresión facial es tranquila, no tensa,
porque es un ideal.

Para los griegos todo esto era techné, no separaban entre disciplinas. En el Doríforo del 450aC,
la techné representa un canon lleno de orden y proporciones. 7 cabezas de altura,
proporciones muslo, torso…

Sin embargo, si nos vamos a la edad media, el cuerpo desnudo se convierte en un tabú. Pero
Leonardo da Vinci, coge el tratado de Vitrubio (arquitecto romano) y lo interpreta, dando
como resultado un hombre desnudo, de nuevo.

En el renacimiento se despierta lo clásico, y miguel Ángel crea el David. Una escultura

monumental donde se juega con los tamaños y proporciones para que el observar, desde
abajo, vea correctamente la escultura. Algo que no haría un griego, pues buscaba representar
la realidad, no hacer que el observador la viera.

El Napoleón de marte pacificador idealiza al Napoleón de verdad. Es algo que nos hemos traído
a la actualidad, y prueba de ello es la publicidad en colonia (Kouros de Yves and Laureant) o
deportistas n spots.

LA MUJER

A diferencia del hombre, no se representa desnuda desde los inicios. Las Koré del 540 aC se
muestra constreñida como el hombre, muy rígida. En la Afrodita de praxiteles, Venus o
Afrodita pierde la ropa, con una actitud pudorosa ante todo y utilizando el baño como excusa.
En el siglo XV con Botticelli ocurre lo mismo con el nacimiento de Venus.

En la Venus de la casa de la concha, de Pompeya, se ve a Venus tumbada, en la posición

horizontal, yacente, representando una postura totalmente distinta a la del hombre. Antonio
Cánovas, en la Venus Victrix del 1805, vuelve al desnudo yacente, con todas las connotaciones
que ello tuvo, pues la modelo era la hermana de Napoleón y tuvo que posar desnuda.

La postura yacente se mantiene desde la antigüedad pero el significado ha variado

indudablemente. La venus de Urbino de Tiziano se tapa, pero no tiene una actitud pudorosa,
tiene una mirada insinuante. No es clásico. En el caso de la venus del espejo, Velázquez anima
al observador a que interprete el ideal de belleza, dado que la cara no se da visto
correctamente en el espejo, por la calidad de los espejos de aquella época.

En la Olympia de Manet, se tapa, pero no es pudor lo que representa. Tiene un lazo en el

cuello, está jugando con un zapato y está recibiendo un regalo de un hombre. Se trata de una
representación de la prostitución. Fue una obra prohibida en su momento.

Dalí creó la Venus con cajones, una representación de la diferencia entre el mundo clásico y el
de la época. Se había descubierto el psicoanálisis, capaz de abrir profundos cajones. Hacia la
actualidad uno de los mayores referentes en Marilyn.

LA GEOMETRIA EN EL DISEÑO

Bruno Munari profundizó en la idea del círculo, el triángulo y el cuadrado. Respecto al

triángulo, vio su presencia en la naturaleza, en las representaciones antiguas, en la planta de
edificios, en otros diseños.

DE GRECIA A LA EDAD MEDIA

HISTORIA
«…podría definirse como la materia que se ocupa de los problemas históricos del diseño y de
su desarrollo a lo largo del tiempo; o lo que es lo mismo, la materia que estudia los
acontecimientos y factores que ha ido determinado la situación, cambios y evolución del
diseño industrial, teniendo como uno de sus objetos principales la temporalidad en sí y la
explicación de dichos fenómenos en un contexto histórico-cultural determinado, en cuanto
que fenómenos históricos que son. Ahora bien, dependiendo de la profundidad de
aproximación, la historia del diseño se reducirá a una mera sucesión diacrónica de hechos o
bien tratará de averiguar causas y consecuencias, delinear tendencias, etc….»

La historia de la belleza es un libro de Humberto Eco que nos ayuda a entender las cosas, las
herencias. Se puede apreciar la evolución de la representación de nuestras reinas, la
importancia de la geometría en el cuerpo humano y en cualquier objeto.

− HISTORIA DE GRECIA
o PITAGORICOS (matemática)
o DEMOCRITO (naturaleza)
o SOFISTAS (retórica)
o SOCRATES (Idealización)
o PLATON (Academia)
o ARDITOTELES (Liceo)
o PLOTINO
− HISTORIA DE LA EDAD MEDIA
o SAN AGUSTIN
o SANTO TOMAS

Para los pitagóricos la música tenía un poder psicacógico, es decir, que controlaba el alma,
dada su composición fundamentalmente matemática.

Demócrito era el filósofo de la naturaleza. Para los griegos encontrar el lugar donde construir
era algo importante. Por ello deja a un lado lo espiritual y solo se basa en lo empírico. Decía
que el arte debe remedar a la naturaleza, es decir, imitarla. Acerca de la inspiración dice que
no puede haber ni un poeta sin entusiasmo ni un soplo de locura, pero no se debe a
inspiración divina. También dice que la armonía y la proporción nos hacen estar en equilibrio y
por tanto nos dan salud. Asimismo, decían que los átomos de un objeto se deforman por el
aire cuando son vistos, por eso los objetos perfecto no se perciben como tal y son necesarios
los juegos de perspectiva, las correcciones ópticas….Sobre los colores dice que el negro es
aspereza, el rojo calor, el blanco suavidad y el amarillo alegría.

Los sofistas eran vistos como sabios aparentes, ya que cobraban por sus servicios, lo que no
estaba bien visto. Quizás el nombre más asociado a los sofistas sea el de Protágoras. Sostenía
que la verdad no interesaba como algo objetivo, pues son más prácticos. Decía que las
estatuas proporcionan placer a la contemplación pero ninguna utilidad a la vida de los
hombres. Los poemas no se hacen con vista a la verdad, sino al placer de los hombres. La
belleza es lo que produce placer por medio del oído y de la vista. También sostenían la
relatividad de ciertas cosas. Es bello que las mujeres se arreglen y se pinten, pero es feo en los
hombres. Hacer bien a los amigos es bello, a los enemigos, es feo. Los tatuajes a veces son
admirados y otras, son condición de reo.

Sócrates dice que pocos hombres son perfectos pero que en las estatuas se reúne lo mejor de
cada uno.

Platón habla de la vara de medir mentalmente la belleza.

Aristóteles dice que la causa motriz de una escultura es el artista, la final es la idea de reforzar
la idea de atleta, la material es el bloque y la formal la forma de la estatua. Defendió el poder
del arte, que su máxima finalidad era el ocio. La belleza para él está condicionada por la
composición pero también por la percepción, entendida como valor subjetivo. Se acercó a la
idea de experiencia estética.

EDAD MEDIEVAL

La edad media comprende un abanico de casi mil años, desde el sV hasta el XV. A pesar de su
amplio desarrollo atemporal, fue una estética fundamentalmente cristiana que permitió
acomodar y conciliar ideas procedentes de otras fuentes y sistemas a su doctrina religiosa.

La arquitectura generale de Vitrubio: esto era la teoría para la arquitectura romana, a pesar de
las diferentes condiciones topográficas. En el capítulo 1 se habla de la necesidad de la
combinación de teoría y práctica para que todo se dé correctamente. La creación del hombre
que no esté soportada por la teoría será vago y lo que solo sea teoría no valdrá para nada. Si
bien los griegos construían templos o teatros, los romanos hacían puentes, teatros,
anfiteatros, vías, circos…

Venustas (belleza), Firmitas (firmeza), Utilitas (utilidad) serían 3 círculos y la intersección entre
ellos sería el tipo. Si cogemos un templo griego y uno romano formalmente son iguales, su
tipología es la misma. Sin embargo se diferencian por su contexto: el romano presenta una
escalinata mientras que el griego está en la naturaleza. Podemos decir pues que los romanos
tomaron el lenguaje de los griegos pero aplicaron nuevas técnicas. Un claro ejemplo es el de
los teatros. La morfología de los griegos se acomoda mucho más a la naturaleza que la de los
romanos. Los griegos buscaban el lugar idóneo para ubicarlo, procurando unas condiciones
óptimas de luz, vientos, topografía, etc. mientras que los romanos lo construían donde querían
con los medios que tenían.

EDAD MEDIA – IDEAS GENERALES

Tatarkiewicz señala que las tesis medievales estéticas son de dos tipos:

Convicciones: tesis de carácter general que se establecieron muy pronto.

Observaciones: no fueron muy significativas, porque lo más interesante era la teología, no la

estética. Así, el arte y la estética dejaron de ser dos aspectos que se influían mutuamente.

San Agustín (354-430) cristianizó el pensamiento de Platón y Plotino y Santo Tomás retomo el
pensamiento aristotélico.

SAN AGUSTIN

Uno de los padres de la estética cristiana. Algunos lo consideran el último de la antigüedad y

otro el primero de los medievales, por lo que se piensa que perteneció a dos épocas. Sentó lo
fundamentos del cristianismo que se extendieron lo largo de toda la edad media. Sus
aportaciones se reflejan en las obras:

De pulchro et apto (380), De música (390). En este último aborda cuestiones estéticas y toma
como fuentes a Platón fundamentalmente y Plotino.

Dice que algo es hermoso por que gusta o gusta porque es hermoso? Esto último es lo
verdadero. La belleza es algo externo al hombre.

Belleza-Arte: el arte aspira a la belleza. La finalidad del artista es acercarse a dios. Debe
representar el mundo espiritual y la verdad divina. Las artes miméticas no imitan la naturaleza,
sino que proporciona formas sensibles a su medida y armonía.

Evaluación de las artes:

SANTO TOMAS

Cristianizó a Aristóteles, no escribió ningún tratado especifico pues las cuestione estéticas no
le interesaban y sus aportaciones sobre arte y belleza son suelas. Según él es bello algo que
percibimos por admiración y bueno es aquello sensible al gusto o el olfato. Pero la belleza no
se debe a esa idealización sino a la verdad divina.

San Agustín dice que el mundo es bello por haberlo creado dios y Santo tomas le pregunta: si
es bello, por que cabe la fealdad? La respuesta que le da es que eso son visiones parciales.

Las condiciones de la belleza son la proporción (armonía, orden, mesura a nivel cuantitativo o
material y cualitativo o espiritual) y el resplandor (luz divina).
Según él se obra mal si la meta es la belleza sensible pero se obra bien se persigue una belleza
superior.

Para el la división de las artes las separa en liberales: Trívium (gramática, retórica y dialéctica) y
quadrivium (aritmética, geometría, astronomía y música) y en mecánicas (alimento,
arquitectura, medicina, navegación, diversión…).

En conclusión, este tiempo medio de la edad media se encarga de plasmar que lo importante
es la teología y que toda actividad del hombre está siempre condicionada por esa verdad
divina. No obstante, no toda creación artística responde a esto, sino que también se hacen
obras “paganas” como “Los efectos del buen gobierno” de Ambrogio Lorenzetti.

Es interesante cómo el enfrentamiento de 2 estoas (serie de columnas) cubierto para hacer un

espacio interior, era resuelto por los romanos con exaedras en los extremos, haciendo una
doble simetría, como las basílicas. Pero, es más interesante aun, como la eliminación de una de
esta exaedras le da direccionalidad a la basílica y ya condiciona el uso interior. Con el paso del
tiempo los techos de las exaedras fueron susceptibles de decoración y, más tarde los techos,
dando lugar así a los diferentes estilos posteriores, como el gótico.

DEL RENACIMIENTO AL SIGLO XIX

1. INTRODUCCION
2. HUMANISMO
2.1. Alberti
2.2. Da Vinci
2.3. Miguel Angle
2.4. Descartes
2.5. Baumgarten
3. ILUSTRACION
3.1. Kant
4. XIX
4.1. Ruskin

Italia se encontraba en Ruinas y eso significaba que podía reconstruirse. Un punto de inflexión
en este proceso fue la catedral de las flores de Florencia, donde os gremios no se veían
capaces de resolver una cúpula muy similar en dimensiones a la del panteón de Roma, pero
mucho más elevada. Esta época marca la aparición de los arquitectos, que beben de las
herencias pasadas y de nuevas técnicas de representación.

Las manieras son las utilizaciones personales de un estilo en un tiempo concreto.

1ª maniera- 1ªXV- Brunellesqui

Alberti: Emplea las matemáticas como unión de ciencia y arte. En 1436 en “Della Pintura”
expone el método para dejar atrás el arte medieval. Su filosofía es el uso de las matemáticas
en busca de la perfección, el circulo es para él la figura perfecta.
Para mantener la correspondencia tenia 3 posibilidades: continuar con el estilo primitivo

Da Vinci es el ejemplo que separa ciencia del arte. Considera que no hay certeza cuando las
matemáticas no se pueden aplicar. Emplea circulos y cuadrados en sus obras busca el
equilibrio la proporción y la unidad.

Los barrocos se veian a si mismos como modernos y veian a los renacesntistas como algo soso.
Los renacentistas serian mazinger zeta y los barrocos Transformers.

Así en barroco consideran que aportar más masa a las construcciones es más moderno,
aportando organicidad.

Tras todo esto llega descartes, método cartesiano, pura racionalidad, es decir, justo lo que no
hacían los barrocos. Para el el racionalismo era la doctrina de los que no conocen mas que la
razón, rechazadno la revelación de la fe. Establece así, 4 reglas:

1. Regla de la evidencia

Es la primera y más importante de las reglas del método. Consiste en aceptar como
verdadero sólo aquello que se presente con “claridad y distinción”, es decir, con evidencia. Es
el ejercicio de la intuición.
Esta regla da lugar a la duda metódica y, tras su superación, al conocimiento como ciencia
o saber estricto. En los “Principios de filosofía”, Descartes nos dice que nunca nos
engañaremos si nos limitamos a describir en nuestros juicios sólo aquello que conocemos clara
y distintamente. El error tiene su origen en que juzgamos antes de tener un conocimiento
exacto de lo juzgado. La voluntad, que es imprescindible para que demos nuestro asentimiento
a un juicio, pude ir más allá de lo que se ofrece con claridad y distinción, y por lo tanto
llevarnos al error. Descartes consideró que siempre que nos equivocamos es por mal uso de
nuestra voluntad.

2. Regla del análisis

El análisis (“resolución”) es el método de investigación consistente en dividir cada una de las

dificultades que encontramos en tantas partes como se pueda hasta llegar a los elementos
más simples, elementos cuya verdad es posible establecer mediante un acto de intuición.
En el “Discurso del método” nos la presenta como la segunda regla. Consiste en
descomponer las aserciones complejas hasta llegar a los últimos elementos que las
constituyen. Permite llegar a las “naturalezas simples”. Con este método conseguimos que las
proposiciones más oscuras se puedan comprender al observar cómo dependen de otras más
simples. Dice Descartes en las “Meditaciones” que es también un buen método de enseñanza
pues muestra el camino por el que una cosa fue metódicamente descubierta, y es el que sigue
en esa obra para mostrar la verdad de proposiciones complejas (por ejemplo “la mente es
distinta del cuerpo”, “la mente puede existir sin el cuerpo”, “Dios existe”). En esta obra la
proposición elemental a la que llega el análisis, y a partir de la cual posteriormente y mediante
un proceso de síntesis se podrá demostrar la verdad de las proposiciones complejas citadas,
es el cogito, cuya verdad se muestra mediante intuición.

3. Regla de la síntesis
 O método de la composición. Consiste en proceder con orden en nuestros pensamientos,
pasando desde los objetos más simples y fáciles de conocer hasta el conocimiento de los más
complejos y oscuros.

En el “Discurso del método” nos la presenta como la tercera regla del método. Recomienda
comenzar por los primeros principios o proposiciones más simples percibidas intuitivamente (a
las que se llega mediante el análisis) y proceder a deducir de una manera ordenada otras
proposiciones, asegurándonos de no omitir ningún paso y de que cada nueva proposición se
siga realmente de la precedente. Es el método empleado por la geometría euclidiana. Según
Descartes, mientras que el análisis es el método del descubrimiento, y es el que utiliza en las
“Meditaciones Metafísicas” y el “Discurso del método”, la síntesis es el método más apropiado
para demostrar lo ya conocido, y es el empleado en los “Principios de Filosofía”.

4. Regla de la enumeración

Descartes la cita en el “Discurso del método” como la cuarta regla. Consiste en revisar
cuidadosamente cada uno de los pasos de los que consta nuestra investigación hasta estar
seguros de no omitir nada y de no haber cometido ningún error en la deducción.

Descartes decía que la belleza de un objeto depende de la similitud de los elementos que lo
componen y de la proporción aritméticas que existe entre ellos. A mayor parecvido, mayor
proporción, mayor belleza.

La belleza de un objeto está en relación directa con el placer que su conocimiento provoca. A
su vez este placer depende de la dificultad que el entendimiento debe enfrentar para
conocerlo. A mayor dificultad, mayor belleza, siempre que no sea tanta que prodzca dolor.

Un objeto bello será claro y distinto, pero al mismo tiempo ha de tener un cierto “residuo
misterioso” no captable por la razón.

BAUHAUS 1919-1933

Intro. Los experimento santeriores

1ª etapa. La bauhaus de Weimar

2ª etapa. La de dessau

Los 3 directores. Gropius, meyer y mies

Conclusiones

Bauhaus fue algo breve pero muy rico en materia. No busco crear un estilo, sino ser una idea.
No estaba ligada a ninguna idea política pero sus ideas liberales políticas acabaron por hacer
que se cerrase. No eclosiona sin más sino que ya hubo varios intentos anteriormente: el
primero fue arts and crafts y luego Deutsche Werkbund

Pugin empieza a tratar el tema del mal de la maquina. Fue uno de los inetntos para echar
abajo la industrialización. Realizo una serie de dibujos que represnetaban Glasgow pre y post
industrial.

Otro hombre importante fue John Ruskin, quien creó la hermandad prerrafaelita, pues
consideraban que hasta Rafael la pintura fue como debía ser. Para ellos el esfumato de da vinci
era un pecado. Un claro ejemplo es Ofelia, una pintura donde todos los detalles s
erpepresnetasn con las misma nitidez independientemente del plno que ocupe en la pintura.

Mas tarde vino la Deutsche Werkbund tratando de conseguir que las maquinas.

El streamline moderne, también llamado simplemente streamline o streamlining (en español

llamado estilo aerodinámico o aerodinamismo) fue una rama del estilo art decó tardío que
tuvo su apogeo en el año 1937. El estilo se caracterizaba por el uso de formas curvas, líneas
horizontales largas y a veces elementos náuticos, como barandas y ventanas de portillo.

El styling (en inglés: estilización) es un término que se usa para referirse a una de las filosofías
de diseño con énfasis en hacer un producto atractivo para los consumidores con el fin de
venderlo. Esta filosofía se opone al funcionalismo y su mayor representante fue el diseñador
industrial norteamericano Raymond Loewy.

En los años 30 se supera la crisis del 29, vuelve el éxito comercial, aceptación del publico. Las
estrategias de diseño y venta consisten en incentivar la compra para dinamizar el mercado.

Eero Saarinen

Cuando hablamos de él, la condición de la que hablamos es la atemporalidad. Sus diseños

fueron vistos como muestras del futuro. Podemos encontrar mucha info del autor en l
biblioteca del congreso y en la de Yale.

Fue un arquitecto, un precursor de los ideales de la modernidad. Jugaba con la modernidad

desde la tradición. Era consciente de que a cosas estaban cambiando pero no fue capaz de dar
el salto a los nuevo smateriales, nuevas formas de hacer, etc.
Algunos conseideran que el diseño nordico es moderno con respecto a lo clásico. Fue
fundamental la figura de su padre, con el que trabajó codo con codo en algunos proyectos. Se
formo en Paris del 29 al 30 aprendiedno a pintar y esculpir y en Yale en la escuela de
arquitectura. Siempre lograba ganar o quedar segundo en los concursos y supervisiones de
diseño de la escuela.

Todo esto ocurrió en un panorama conocido como la gran depresión que vina tras el crac del
29. Fue a partir de los años 30 cuando comenzamos a reinventar todo, aumentando las ventas,
dinamizando el mercado con el styling y el Streamline. Se empezaron a vender casas por
catlogo. Se llegaron a vender 200000 viviendas.

Por la academia de Cranbrook pasaron muchos de los personajes importantes de EEUU. Frank
Lloid Write, Charles Eames, Eero Saarinen, Le Corbusier…

Knoll fueuna empresa impotante que figura escrita en un gavado en el suelo de Cranbrook.

EEron sintetizo 4 ideas del padre.

Lo formal tiene que ver con los retornos a lo esencial en forma y material

Respeto a la artesanía de calidad

Regreso a la artes

Referencia romántica a la naturaleza

En la gran escala, lo que hace es llamar viejos a loa anteriores diseñadores y reconocer que las
cosas cambian, que se abre un nuevo periodo del que solo conoce las reglas y que durara al
menos 100 años. En la pequeña escala trabaja con Eames y crea piezas como la Tulip chair.
Reconoce que todo tiene un contexto y que se debe diseñar con respecto a aquello que rodea
a la solución que buscamos. Utiliza la pequela escala para maquetar sus piezas d ela gran
escala.

Con respecto a la forma, dice que la estructura (que según sus antecesores debía ser honesta)
debe ser explotada, que puede enfatizar el significado que se quiere dar. Innovo formalmaente
apostand o por la organicidad pero tb en materiales en el Technical center de generla motors,
empleando neoprenos para los sellamientos.

Eero decidia que encargos hacer, construia propiamente el edificio y formalizaba la

inauguración

CONSTRUCTIVISMO

Las obras constructivistas pretenden llegar a todas las artes, no solo la arquitectura. Una
película de esta correinte es El acorazado Potemkin, donde sucede la famosa escena de un
carrito de bebe cayendo por las escaleras. Otra sería una película de tipo cubista que sura hora
y media y esta compuesta por corta pegas de escenas en san petesburgo sin diálogos pero a un
ritmo vertiginoso.
Antes de la invención de la perspectiva se juega con los tamaños a moo simbolico, haciendo
mas grande a quien es mas importante. Cuando Brunelleschi comienza a utilizar la perspectiva
3D en un plano 2D. Ahí es cuando la pintura empieza a representar la realidad, e incluso se
llegana ahcer juegos de perspectiva como Velazquez en las meninas.

A medida que las cámaras fotogrficas aparecían, la pintura comenzó a buscar nuevas vías,
porque el realismo ya lo podían asumir las fotografías. El punto de inflexión fue Las señoritas
de Avignon de Picasso. Este pintor era un prodigio. Tan solo con 6 años era capaz de
representar la realidad como velazquez. Pero la no necesidad de hacer realismo es lo que le
lleva a nuevas vías, como el cubismo. Las señortitas de Avignon es un cuadro donde representa
la cruda realidad de las prostitutas del carrer de Avignon de Barcelona.

Es a partir de ahora cuando el arte se intelectualiza y nos obliga a tener un coinocimiento

previo, lo que hizo que muchos se negasen a ello y tuviesen miedo de las vanguardias. Un
efecto de las vanguardias fue la perspectiva axonometrica. Se trata de una perspectiv que
entendemos ero que nunca veremos en la realidad.

En Italia surge otro ismo, el futurismo, criticado por no tener en cuenta las nuevas tecnologías,
los avances en higiene, etc. No existe muchas representaciones arquitectónicas construidas,
aunque si pictóricas.

En la expo 010 Malevich expone el suprematismo y Tatlin el productivismo. En esta expo se

reunio a 15 artistas para que mostrasen sus obras. Malevich habla de la expresividad del arte
por si misma, no considera que tenga un fin más allá. Por suprematismo entendía la
supremacía del arte por si misma. La realidad llega al lienzo sin objetos, haciendo de este un
desierto donde solo llega la sensibilidad. Acerca de su cuadrao negro sobre fando blanco dice
que el publico y los críticos se quejaron. No obstante, no se queda ahí y va más alla, con
intención artística y buscando la sensiblidad con su Cuadrado blanco sobre fondo blanco. Y no
solo se queda en la pintura, llega a hacer maquetas y bocetos de efificios a los que llamo
arquitectones.

En esta expo 010 tambien expuso Tatlin su productivismo, poniendo el arte al servicio de la
sociedad (se acababa de instalar el comunismo, el sistema amado después de haber terminado
con la zares). Tatlin desarrolla esculturas experimentando con materiales y buscando la
sensiblidad, per siempre al servicio de la sociedad. Es el arte de la revolución. Letatlin es otra
de sus obras productivistas que se explicaba como la maquina que permitiría volar al
proletariado. No se trataba de una maquina real, tan solo era la idea. Rodchenko pretende
llegar a la moda, enre otras cosas, diseñando la moda de los trabajadores industriales.

El Lissitzky es el punto en que se produce la confluencia entre Bauhaus y constructivismo.

Comienza trabajando para Malevich. En un viaje a europa enferma y queda en suiza en un
hospital pagado por el gobierno ruso a cambio de que hiciese carteles de la nueva sociedad
que se estaba instaurando en suiza.

Proun es el proyecto de lo nuevo, llevando el trabajo de Malevich al 3D. Se mete no solo en la

pintura sino también en la escutura y el dieño arquitectónico.

Schlovsky considera que es posible representar nuevas realidades a partir de objetos ya

conocidos. Todo se basa en relaciones para el. Lo llama extrañamiento semántico y lo aplicara
a su arte. Se basa en, por ejemplo, rayar el cielo, poner la puerta en la fachada trasera… Una
de sus obras es el rascacielos horizontal. La tribuna d eLenin parece que se cae, la piscina de
pingüinos.

Melnikov diseña en pabellón soviético. Estaba proyectado para ser constrido en metal pero
cuando fue a Paris y vio que el cambio de moneda hacia que el metal fuese algo imposible de
permitirse, lo hizo en madera tal cual, sin varias nada en el diseño, algo impensable para Mies,
por ejemplo. No es que no le importasen las características del material, pero le daba más
importancia al esquema de relaciones.

Melnikov también diseñó el club de obreros Rusakov, donde 3 auditorios se incrustan del revés
en la zona alta. Su propia casa es otro ejemplo reseñable. Se trata de dos cilindros macladosn
con ventanas exagonales que se deben a los ladrillos empleados en la construcción. No se
hacían ventanas donde eran necesarias, sino que se tapaban donde no lo eran. En su casa
tenia un estudio y, a medida que se ascendida en pisos, aumentaba la compartimentación.

El bloque de viviendas Narkomfin resuelve de modo distinto la idea tradicional de bloque. Solia
ponerse un corredor central y vivendas a ambos lados. Lo que el hace son viviendas a
diferentes alturas de tal forma que hay ventilación cruzada.

Le Corbusier diseña el pabellón des soviets convencido de que va a ganar pero el ganador
resulto ser Boris Ofan, con un edificio tremendo, monumental y en escala.