Exámen de Historia del cine de 2° año.

(2018)
Sol Felicitas Araya Medina
DNI: 42.257828
Mail: solsol07solsol@gmail.com

PRIMERA SEMANA

El primer par de películas seleccionadas son: Érase una vez un mirlo cantor
de Otar Iosseliani del año 1971 y El cuchillo bajo el agua de Roman Polanski
estrenada en el año 1962.
“Érase una vez un mirlo cantor” es una película soviética que retrata el día
de un joven músico de una orquesta, que siempre anda apurado, corriendo
de un lado al otro y llegando tarde a todos sus compromisos. A parte de la
música su otro amor son las mujeres, se distrae todo el tiempo por ellas, y
termina, a lo largo de la trama metido en situaciones enredadas por
seguirlas.
Por otro lado, el protagonista también es bastante despistado y siempre
está al borde de un accidente. Aquí es donde un componente fundamental
dentro de los recursos más “poéticos” de la trama comienza a tomar peso; y
este elemento es un reloj.Todo el tiempo suena un reloj en distintas partes
de la trama, o también hay problemas con los relojes y el tiempo en
general. Éste elemento se resignificará hacia el final donde el protagonista,
en el segundo día de la trama comienza un día que por lo que se puede
ver, es igual que todos los días, reflejando cierta rutina repitiendo
elementos, lugares y comportamientos. Pero ese día no será igual a los
anteriores ya que el protagonista será atropellado al cruzar la calle por
distraerse con una chica con la que coquetea en algunos momentos de la
película. Es entonces, que podemos deducir que las distintas apariciones
del elemento “tiempo” entran a jugar un papel fundamental en el suspenso
y el desarrollo de la trama, marcando que al protagonista se le acababa el
tiempo. Si bien no sabemos que es lo que le sucede después del accidente,

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ya que el film termina cuando a él se lo lleva la ambulancia podemos
asumir que al menos grave iba a terminar.
Por otro lado no encuentro tintes políticos como suele pasar en las
películas soviéticas de la época ya que el estado financiaba películas y por
ende bajaba línea de pensamiento, discurso y censuraba a películas que no
cumplan con sus requisitos.
Pero si, hay un detalle que puede leerse como una crítica a las burocracias
y a las exigencias, muchas veces absurdas de las instituciones. Este detalle
es que si bien, el protagonista siempre llega muy justo de tiempo (casi
siempre está al borde de no llegar), reitero, siempre llega, pero eso le trae
muchos problemas con sus superiores que se alteran y en una ocasión
incluso lo sacan de uno de los ensayos. A parte es clave mencionar que el
personaje, en la orquesta donde toca, toca un instrumento de percusión
que solo entra al principio y al final de cada espectáculo y por ende él se
retira en todo el medio, que es bastante tiempo.

Por otro lado, la película el cuchillo bajo el agua, es una película que
también retrata la vida de los protagonistas en un pequeño recorte de 24
horas o tal vez un poco menos.
La trama principal es que una pareja, se está yendo a pasar el día en su
yate, cuando de pronto encuentran en el camino a un chico al que casi
atropellan, y deciden acercarlo a algún lugar, pero el termina sumándose en
el día de yate.
En el yate irán pasando muchas cosas y situaciones diferentes, todas,
sostenidas por el diálogo, fundamentalmente. La trama es muy simple, pero
gira en torno a lo que suele suceder cuando en un espacio alejado (o no)
hay dos hombres y una mujer, la cual solo cumple una función: ser el
interés romántico de ambos. Entonces ambos se pelearán sutilmente o,
mejor dicho, quien tiene más poder, (que es el hombre de la pareja) pondrá
en situaciones límites al tercero en discordia que es el hombre más joven.
Lo cual funciona casi como espejo de la sociedad en la que vivimos pero
también es importante destacar quien es el director de la película: Roman
Polansky , es quien filtra ese recorte ficcional con su mirada sumamente
machista.

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Otro detalle no menor es que la joven del matrimonio es notablemente
menor a su pareja, lo cual no es algo demasiado extraño para la época,
pero resulta incómodo al ser Polansky el director de la obra, quien, para
rememorar, tiene acusaciones de abuso sexual a una menor.
Para hacer una comparación entre ambos films, lo primero que se me viene
a la cabeza es que ambas películas son objetivamente hermosas
estéticamente. Las imágenes son bien equilibradas, el contraste y el grano
le dan una textura muy bella a ambas películas.
Por otro lado, en cuanto a las tramas, las similitudes que puedo encontrar
es que ambas películas suceden en un tiempo aproximado de 24 hs. Si
bien, en Érase una vez un mirlo cantor, hay más personajes dando vueltas,
la trama gira en torno a una sola persona y sus conflictos; y en
contraposición Cuchillos bajo el agua, reduce el campo de posibilidades de
interacción de los protagonistas con otros personajes ya que son los tres
protagonistas aislados en el mar.
Otra similitud que puedo encontrar es que los personajes masculinos
terminan en aprietos o en situaciones complicadas por seguir ciegamente a
las chicas que les gustan.
En resumen, ambas películas son comedias trágicas en las que suceden
cosas inesperadas y los conflictos se van desarrollando de manera simple.
Considero que ambas películas se corren, no de la narrativa clásica, ya que
si tienen 3 actos pero si tienen un tinte mucho más anecdótico y no tan de
desarrollo en profundidad de los conflictos que proponen.

El otro par de películas seleccionadas en éste examen son: El mundo frente

a mí de Tony Richardson, del año 1962 y Los amores de una rubia de
Milos Forman del año 1965.
Por un lado, El mundo frente a mí, es una película inglesa que retrata la
vida de un joven: Colin Smith proveniente de una familia obrera, que
después de un robo que lleva a cabo con su amigo, termina en una
institución penitenciaria para jóvenes. Allí, los directivos del centro lo
impulsan a llevar adelante una carrera como deportista de atletismo.

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Durante su entrenamiento, Colin se da cuenta que al fin y al cabo está
representando a una institución que lo oprime. Es notorio en esta película el
tinte político y revolucionario que tiene. Es una gran crítica social de la que
nadie se salva; critica al estado, a las instituciones de “corrección” (cárceles
y reformatorios) al sistema capitalista y al trabajo casi esclavo de los
obreros para el enriquecimiento de los empresarios, también critica a los
policías, y a la familia como otra institución.
Esta película se desarrolla dentro de un movimiento conocido como Free
Cinema que empezó a mediados de los 50 y se extendió durante toda la
década de los 60, que básicamente el movimiento lo que refleja es las
problemáticas sociales y se usa como medio de protesta dentro de la
realidad que viven los jóvenes de la época.
Por otro lado, Los amores de una rubia trata de una chica muy joven
también: Andula que trabaja en una fábrica y vive en una pensión con sus
compañeras de trabajo. En la ciudad donde viven no hay muchos hombres,
pero una noche llegan un montón de soldados y se organiza una gran
fiesta. Esa noche Andula se encuentra con un joven músico tras haber
bebido, y pasan la noche juntos. unos días después Andula decide ir a
visitar al muchacho, pero él vive con sus padres y esto detona en una
situación absurda y cómica.
En este film Andula es una chica joven y enamoradiza que, tras ser juzgada
por sus acciones, por conocer a varios hombres al mismo tiempo decide ir a
la casa de un chico al que acaba de conocer, los padres del joven no la
reciben muy bien ya que de alguna manera esto arruinría el honor de la
familia.
Andula no tiene un carácter revolucionario o de cuestionarse todo a su
alrededor como Colin, sino que más bien es una chica un tanto idealista
que mira la vida con ojos de adolescente y cree en el amor para toda la
vida y que de alguna manera aun no se enfrentó con la realidad tal como
es.
Sin embargo, no tolera de ninguna manera la violencia y se “para” frente a
situaciones violentas como la que tiene con su novio cuando él se da
cuenta de que no tiene el anillo de compromiso. Lo cual me parece una
característica del personaje bastante particular para la época.

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Los amores de una rubia, de Milos forman pertenece al movimiento: La
nueva ola Checoslovaca la cual tiene una búsqueda más inocente y
surrealista de contar historias. Busca contar con otros recursos que se
alejen un poco de la realidad. Este movimiento, nace de los años de
socialismo que hicieron crecer muchísimo la industria cinematográfica
soviética, pero esta ola vanguardista surge de la necesidad de los artistas
de alejarse un poco de los modos más crudos o documentales que
reflejaban la realidad de las sociedades en la que vivían pero se acercaba
mucho más a búsquedas poéticas.
Aquí tenemos la primera diferencia entre ambas películas, ambas tienen
una diferencia de 3 años entre sí. Y si bien cuentan historias de jóvenes,
de clase obrera y las problemáticas que atraviesan, son dos búsquedas
completamente diferentes, que parten de dos modelos socioeconómicos
también diferentes.
El movimiento inglés busca mostrar la realidad alejándose un poco del
entretenimiento y el movimiento checo, cansado de siempre mostrar la
realidad más cruda se inclina más hacia la comedia menos política (que ni
aun así, deja de tener una gran carga y crítica).
Ambos films se pueden enmarcar dentro del género de la comedia, y
ambos tienen una gran importancia del romance en el desarrollo de la
trama.
En los amores de una rubia, el amor, es la trama principal pero en El
mundo frente a mi, también la trama romántica tiene un peso importante.
Creo que ambas películas también muestras las problemáticas que
atraviesan los más jóvenes en la época que vieron a sus padres crecer
como obreros sin poder desarrollarse en otras actividades, y muestra un
rechazo de esta generación a replicar estos modos, ya que todo el tiempo
los jóvenes quieren viajar, conocer lugares, gente, pasar buenos momentos
y ser felices, no vivir trabajando para obtener a cambio un par de monedas.
En cuanto a la realización ambas películas son muy lindas, y de puestas
sencillas sin grandes pretensiones.
Otra coincidencia que veo entre ambas películas es que las dos comienzan
con una canción que se irá desarrollando a lo largo de la trama. En el caso
de los amores de una rubia es una canción cantada por una de las

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compañeras de casa de Andula que cuenta más o menos lo que pasará en
la película.
Por otro lado, el mundo frente a mi, presenta al personaje principal
corriendo largos tramos, acompañado de la música y luego al personaje
encadenado yendo al reformatorio.
De alguna maneras ambas películas presentan en su primera escena lo
importante de la trama y lo desarrollan a lo largo del film.
Para concluir creo que es importante recalcar que estas dos películas
reflejan dos modelos de países opuestos, pero las problematicas que
atraviesan los jovenes son similares.

SEGUNDA SEMANA

El primer par de películas seleccionadas es: “Los jóvenes viejos” de

Rodolfo Kuhn del año 1961, y “Los venerables todos” de Manuel Antín del
año 1962.
“Los jóvenes viejos” es una película que relata la vida de un grupo de 3
jóvenes un tanto existencialistas, que están un poco aburridos de sus vidas,
y que buscan, para sentir algo, y tener algunas emociones, encontrar al
amor de su vida.
A lo largo de la película conocerán a dos grupos de chicas, el primer grupo
pasa sin pena ni gloria. Con el segundo grupo, pasarán a ser inseparables
al cabo de un día. Los jóvenes se enamoran y tienen aventuras en mar del
plata.
Los chicos deben irse a sus casas para trabajar y estudiar, pero deciden
volver a la semana siguiente. Uno de ellos, Roberto, que trabaja como
productor en un programa de televisión, decide invitar a Sonia; su amada a
pasar unos días en Buenos Aires y de paso, le ofrece participar en su
programa de televisión como modelo, a lo que Sonia accede.
Pasan unos días de puro romance, pensando en el futuro y en casarse
(recordemos que se conocen hace tan solo dos días). El fin de semana,
vuelven a mar del plata, donde las otras chicas estarán esperando a sus
amores fugaces, pero lo que los chicos no saben es que todas ellas tienen
novios, y están llegando ese mismo día.

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Entonces, la película comenzará a tratar algunas temáticas como el ser
cobarde, el ser valiente. Las chicas tienen sus novios oficiales con los que
se van a casar, pero de alguna manera, el amor intenso que vivieron esos
días les hicieron replantearse si es que realmente quieren compartir la vida
con quienes son sus novios o si en realidad, están abiertas a otras
posibilidades.
La película trata varías temáticas muy interesantes: la soledad, la nostalgia,
la función de la televisión, el amor, la amistad, la juventud, entre varias
otras cosas. Tiene diálogos muy interesantes donde los jóvenes logran
expresar sus sentimientos más profundos.
En los diálogos, los personajes expresan en varias ocasiones que no tienen
voz, y que de alguna manera son una generación perdida a la que lo único
que le queda es esperar a que sus hijos puedan tener una voz; lo cual tiene
mucho sentido, ya que es una película filmada una la transición entre una
dictadura y otra. Y como bien se sabe, estos procesos políticos, generan
cierto miedo y silencio principalmente entre los más jóvenes.
La película logra retratar, la realidad económica en la argentina de esa
época, que si bien no es una temática central ni mucho menos, de alguna
manera se ve la desigualdad en la que se vivía (que no ha cambiado
mucho), por un lado los chicos provienen de una clase social alta,
acomodada, al igual que sus enamoradas. Pero por ejemplo en el camino a
mar del plata, pasan un buen rato por una villa e incluso ellos hacen un
comentario sobre eso; lo cual no me parece inocente ni casual, sino que tal
vez sin explayar mucho o sin profundizar en la problemática se busca,
visibilizar la situación.
Para el final de la película, hay un debate moral que plantea una de las
chicas cuando los chicos descubren que ellas tienen novios. Lo que ella
dice es que en el mundo hay dos tipos de personas, los cobardes y los
valientes. Muy angustiada, y con ganas de quedarse con su nuevo amor,
ella decide ir rápidamente a su casa a esperar a su novio. Sin embargo,
Sonia y Roberto se quedan en la playa besándose a pesar de las
consecuencias que esto podría llegar a tener.
Por otro lado, yendo directamente a la realización del film, me resultó
interesante que Roberto y Ricardo todo el tiempo hablan de filmar una

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película, de como sería, como la filmarían, y que temáticas tratarían… y la
película que ellos cuentan es muy similar a la que puede verse, lo cual por
un lado remite a las problemáticas de una juventud entera, y por otro lado
genera cierta complicidad con el espectador.
En cuanto a la fotografía me resulta interesante, que, en varios momentos,
utilizan los espejos y juegan bastante con eso en algunas ocasiones.
También es interesante que la mayor parte de la película transcurre en
exteriores lo cual permite ver como era buenos aires y mar del plata en esa
época.
Por otro lado, los venerables todos, retrata las internas de un grupo de 5
amigos, de los cuales no se sabe mucho, pero dedican todo su tiempo a
hacer bromas (algunas más inofensivas que otras), serían como una
especie de grupo de mafiosos bastante inofensivos. El grupo comienza a
tener algunos problemas internos, ya que, entre ellos comienzan a pelearse
por varias cosas, pero la principal es que, a Ismael, que es el personaje
más “débil” del grupo, le hacen bromas constantemente y él ya está
cansado de eso. Entonces, Dora, su esposa, comienza a intervenir en estas
situaciones metiéndose a fondo en el grupo para poder resolverlo, incluso,
se acuesta con el líder del grupo que le promete que, si ella hace eso, él
daría la orden de dejar a su marido en paz.
El film retrata distintas temáticas, bastante diferentes a las de la película de
Kohn, algunas de ellas son: las relaciones humanas, la traición, las
mentiras y los engaños, el poder, entre otros. Y los desarrolla, si bien es en
la misma época (con diferencia de un año) desde la perspectiva de los
adultos un poco más grandes, no desde la mirada de los jóvenes.
La película, que surge de una novela original del director, como bien lo dice
Manuel Antín es más anecdótica que conflictiva en sí. Si bien hay varios
conflictos que se relacionan unos con otros, no hay un conflicto central que
los protagonistas deban resolver sino que funciona mas como retrato de un
grupo y sus relaciones.
Estéticamente la película se asemeja mucho a lo que fue el cine negro y el
policial negro, las imágenes contrastadas, oscuras y misteriosas hacen que
la película sea muy interesante estéticamente.

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Otra diferencia que me parece destacable es el uso de los interiores en Los
venerables todos, que se aleja mucho del contexto histórico de la Argentina
de la época y se centra principalmente en sus personajes y las
problemáticas que ellos sufren.
En Los jóvenes viejos, el uso de exteriores resulta fundamental para
entender cual es el contexto en el que se desarrolla la película, mientras
que en los venerables todos, esto parece casi indiferente.
Los venerables todos es un film bastante atemporal que podría sucederse
en cualquier tiempo y lugar, y la historia seguiría funcionando de todas
formas.
Algo que me parece importante para pensar, es que el rol de las mujeres en
todas las películas de esta época, es casi decorativo, las mujeres no tienen
una trama que se desarrolle, ni una evolución de su personaje y en ambas
películas no sabemos nada de ellas además de, de quien son novias, con
quien se acuestan o de quien están enamoradas.
Las mujeres, en el cine siempre ocuparon estos lugares, y no resulta
extraño que se replique también en el cine Argentino.
Las mujeres tampoco llevan a cabo las tramas principales de las películas
sino que mas bien suelen ser las causantes de los problemas a los que se
enfrentan los varones.
Ambas películas; “los venerables todos” y “los jóvenes viejos” son películas
que remiten a un movimiento que se conoció como la “Nueva ola de
directores hispanoamericanos” donde Kuhn y Antín fueron pioneros junto a
otros directores de la época. Proponían un cine que muestre la realidad de
una manera más cruda, pero también con muchos tintes existencialistas en
contextos urbanos de las ciudades mas importantes.

El otro par de películas seleccionadas son “Mosaico. La vida de una modelo”

de Néstor Paternostro del año 1970 y “Pajarito Gómez, una vida feliz” de Kuhn
del año 1965.

Mosaico. La vida de una modelo; como su nombre lo indica relata la vida de

una modelo. Retrata como un publicista contrata a una mujer para un trabajo, y
ella termina siendo muy famosa y adinerada.

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La película retratará varias de las aventuras de la joven en el trabajo, y en el
amor principalmente. Paula, la protagonista, es una chica bastante particular en
su aspecto y también en su personalidad; se la muestra como a una chica
bastante ingenua y soñadora.

Como Paternostro lo indica en una entrevista, la película es más bien un

collage de situaciones sin una historia lineal, es digamos, una experiencia de
recortes de la vida de una modelo, y la tarea nuestra como espectadores es
tratar de ordenar esas piezas, si es que lo consideramos necesario.

La realización, remite mucho a la forma en la que alguien contaría la vida de la

chica a otra persona, yendo y viniendo en el tiempo, en las situaciones y los
personajes.

Es una película vanguardista, muy interesante en cuanto a la realización ya que

es bastante particular la forma en la que está contada y los recursos que utiliza,
como por ejemplo: la multiplicidad de pantallas, los cortes muy veloces, el uso
de material de archivo, el uso del sonido bastante particular en la construcción
de las atmosferas, el uso del recurso de la publicidad dentro de la película; con
esto me refiero a que por ejemplo: vemos como graban una publicidad y el
rodaje, pero también vemos una parte de como se ve luego esa publicidad. Me
imagino también que la película si fuera a color, sería bastante extravagante,
colorida y contrastada.

La película, si bien cuenta la experiencia de Paula dentro del mundo de la

publicidad, considero que funciona como retrato de ese micro mundo tan
particular. Pero, un retrato desde la crítica principalmente, ya que expone
muchas formas de trabajar y situaciones que deben ser muy habituales para
las personas que trabajan en ese medio. Medio del cual Paternostro sabe
bastante ya que él, en ese momento se dedicaba principalmente a la
publicidad, y que junto a otros 4 realizadores de la época, serían recordados
hasta el día de hoy como el “grupo de los 5”, que fueron realizadores que
surgieron de la publicidad e impusieron una forma de hacer cine, bastante
diferente a la que era la habitual, utilizando recursos que para la publicidad
eran mas convencionales.

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Por otro lado, la película de Kohn “Pajarito Gomez” retrata la vida de un
cantante, sería como una biopic pero ficcional.

Cuenta desde los orígenes hasta la muerte fatal de un ídolo popular del twist,
principalmente seguido por muchísimos jóvenes.

Muestra y critica el mundo de la música, las exigencias a las que se exponen

los cantantes, y como se monta todo un circo a su alrededor, la película todo el
tiempo da la sensación de agobio por parte de Pajarito ya que todo el tiempo
hay mucha gente pidiéndole que haga ciertas cosas, que pose para tal foto o
que cante, entre otras cosas.

También muestra como muchas veces la vida de los cantantes está manejada
por sus agentes, sus romances, la compra de ciertas cosas… todo, está
mediado por un grupo de ejecutivos que deciden cuales son los movimientos
mas convenientes en cuanto a la imagen del artista.

Así es que al final de la película, los publicistas al enterarse que pajarito murió
en vez de ponerse tristes comienzan a pensar como van a levantar su imagen
haciendo que su “novia” saque un disco de canciones tristes.

Para comparar ambas películas, una de las aristas que aparece es la pata
musical fundamental de ambas películas, la música tanto en la película de
Kuhn como en la de Paternostro, funcionan como leit motiv del personaje
principal y lo acompañan en todo su arco dramático.

Otra cosa que puede compararse entre ambas películas es que las mujeres, de
nuevo tienen roles muy estereotipados, sin embargo en Pajarito, hay mujeres
que tienen personajes mas “influyentes” de alguna forma pero no dejan de ser
la madre, la novia o la fan del hombre famoso.

Por otro lado, en Mosaico, Paula es la protagonista pero muchas veces la

retratan de una manera bastante infantilizada y no te da mucha información de
sus orígenes, que hace y como era su vida antes de ser modelo, sino que, más
bien hace un recorte de su vida en el corto período de su paso por la
publicidad.

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Ambas películas también funcionan como un retrato de la industria (musical y
publicitaria) hacen una fuerte critica a los manejos internos que estas tienen y
la crueldad con la que muchas veces se manejan.

Por otro lado, un detalle no menor que me parece importante destacar es que
en ambas películas los protagonistas están relacionados con una violación, lo
cual pasa casi desapercibido como dando a entender que es algo que suele
suceder en esos espacios.

En la película de Kuhn pajarito abusa sexualmente de una fan y en Mosaico,

Paula sufre un abuso sexual por parte de un fotógrafo.

Por último, me parece importante destacar que el patrimonio fímico tiene una
muy mala conservación y a ambas películas se las pueden encontrar en
YouTube en la peor calidad posible, grabadas desde el televisor de alguien.

Lo cual es una gran herida a la memoria del cine nacional, que no se hayan
cuidado correctamente films que son de gran valor histórico, social y cultural.

A diferencia de producciones extranjeras de los mismos años que se pueden

encontrar en muy buena calidad y muy fácilmente en internet.

TERCERA SEMANA

El primer par de películas seleccionadas es: Los muchachos de antes no

usaban arsénico de José A. Martínez Suárez del año 1976 y Soñar, soñar de
Leonardo Favio del año 1976.
Los muchachos de antes no usaban arsénico, es una comedia negra que
cuenta la historia de una actriz retirada: Mara, que vive con su marido y con sus
dos amigos, que a su vez, uno de ellos era su médico y otro su administrador.
En un momento, Mara decide vender su casa a través de una joven agente
inmobiliaria, a lo que sus convivientes se opondrán y harán todo lo posible para
evitarlo llevando sus juegos, bromas y engaños hasta las últimas
consecuencias.
Ésta ocurrente comedia, cuenta con una estructura clásica que funciona a la
perfección, el guión es claro, preciso, cada personaje tiene objetivos e
intereses bien delimitados.
Los puntos de giro, están muy bien ubicados, y siempre sucede algo
inesperado que hace que la trama se vuelva todo el tiempo más atrapante. La
película sostiene el interés y lo renueva minuto a minuto a lo largo del
desarrollo de la trama.

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La película está filmada casi en una sola locación, y con tan solo 5 personajes
entre los que se sucederá todo el desarrollo de la trama principal casi sin lugar
a tramas secundarias.
La película da una sensación de agobio y soledad en la que viven los
personajes, aislados del mundo y la globalización.
También hace varios guiños a lo que fue la ultima dictadura argentina, ya que
en varios momentos hacen referencias a gente que se esfumó y que nunca se
supo nada más de ellas.
Que en realidad, una de las personas de las que hablan fue la exesposa de
uno de los hombres del grupo y a su vez hermana de mara. Lo que en realidad
pasó, es que ellos la mataron y la enterraron dentro de una estatua que está en
la casa, pero sin embargo en esta época decir que alguien se fue o que
desapareció era algo muy habitual a lo que nadie respondía con muchas
preguntas ya que era meterse probablemente en algunos problemas, a demás
de que era un tema tabú, principalmente en los estratos altos de la sociedad
argentina.
El grupo de los tres hombres, es una metáfora y hace referencia a la junta
militar argentina que en ese momento eran quienes gobernaban. Tres
personas, que podían decidir a su goce quienes merecían vivir, quienes morir,
y que jugaban cínicos juegos con las personas para obtener lo que querían.
Los tres viejitos, por más indefensos que parecen, mataron entre los tres
primero a la esposa de uno y luego a la esposa de otro. Eran muy ocurrentes
para montar escenas y hacerle creer a las personas sus mentiras;
principalmente a Mara quien nunca se dio cuenta de las atrocidades que se
cometieron en su casa.
No así, la joven y astuta agente inmobiliaria, que si bien es bastante mala y
cínica, rápidamente se da cuenta de los crímenes que se han cometido en la
casa e intentará extorsionar a los viejitos para que firmen los papeles para que
ella pueda quedarse con la casa. Los viejitos se negarán repetidamente, pero
al final de la película, ellos montarán una escena en la que parecerá que van a
matarla, pero ella terminará cayendo en su trampa y tomando veneno para
suicidarse, manipulada por los tres señores.
En cuanto a la realización es una película poco pretenciosa que se centra
principalmente en la trama sostenida por los diálogos y donde el montaje juega
un rol fundamental haciendo de contrapunto entre lo que se dice y lo que
realmente sucede.
El espectador funciona como un testigo de todas las situaciones enterándose
cada vez mas de lo que piensan, sienten y ocultan los personajes.
Sin embargo, es una película en la que el rol de las mujeres son otra vez,
estereotipos. El rol de Mara es el de la esposa molesta que se interpone en los
deseos de los viejitos de vivir su amistad tal como quieren. Y el de la joven

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agente inmobiliaria es el de la mala, la cínica que busca sacarles algo
aprovechándose de sus encantos.
Pero a pesar de todo esto, considero que es una película de gran valor
argumental y de contexto que puede ser leída desde muchos puntos de vista,
lo cual la hace una película imperdible y casi una clase magistral de guión,
realización y producción.
En el año 2019 el famoso director argentino Juan José Campanella, realizó una
adaptación de la película que se llamó “El cuento de las comadrejas” la cual no
le hace justicia a la increíble novela que escribió José Matinez Suarez.
Por otro lado, Soñar Soñar cuenta la historia de un joven pueblerino, Carlitos
que trabaja como empleado municipal pero sueña con ser artista y que un día
conoce a un viajero “El rulo” al que se une para ir a Buenos Aires, a trabajar de
artista. Desde un comienzo todo está mal, el viajero no era lo que parecía y
muestra su verdadera personalidad que es la de un oportunista y estafador. Sin
embargo, la historia retrata una linda amistad entre ambos llena de idas y
vueltas.
La película de Favio es un hermoso retrato de estratos sociales más bajos que
luchan para sobrevivir ante las adversidades. La película está sostenida
principalmente por icónicos diálogos, que quedarían en la historia del cine
popular.
En cuanto a la realización, es una película que retrata la vida en los pueblos y
en las ciudades cuando uno es joven e intenta alcanzar el éxito. Retrata
también la lucha de los artistas por ingresar a la industria.
Los protagonistas pasan por el circo y también por el cine. También roban,
estafan y se pelean entre sí, e incluso terminan en la cárcel, pero sobre todo
fortalecen su amistad.
Algo muy interesante de Soñar Soñar es que el protagonista “Carlos” está
protagonizado por Carlos Monzon quien fue después campeón de boxeo y
también un femicida.
Soñar Soñar estaba siendo filmada cuando se sucedió el ultimo golpe militar en
la argentina y fue estrenada durante el mismo, y posterior a esto el director
sería exiliado del país.
Resulta interesante que el film, hace hincapié principalmente en los sueños y el
éxito, dos ejes que para los jóvenes de la época quedaban bastante de lado ya
que a muchos de ellos se los habían arrebatado.
En cuanto a la estructura, Soñar Soñar tiene un planteamiento bastante clásico,
la fotografía filtrada por la mirada de Favio hacen que sea una película muy
bella estéticamente en cada plano.
Ambas películas son retratos de la misma época, y fueron estrenadas en el
mismo año, y si bien ambas son comedias, retratan las dos caras de una

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misma moneda, los dos estratos sociales de una misma sociedad, la clase
trabajadora y la clase alta acomodada.
Otra de las diferencias puede verse en los modelos de producción, ya que una
está filmada en casi una locación y busca retratar la relación de los personajes
y hacer una metáfora de la época mientras que en la película de Favio el
contexto es algo fundamental que se expresa directamente en los planos, las
locaciones y los personajes.
Sin mucho mas que agregar, ambas películas tienen gran valor no solo en lo
técnico, y en lo narrativo sino también en la forma en la que dos directores
muestran como era la vida en la dictadura sin mencionarla directamente.
El otro par de películas seleccionadas es República Perdida de Miguel Pérez
estrenada en el año 1983 y Memoria del Saqueo dirigida por Pino Solana
estrenada en el año 2004.
República perdida hace una reconstrucción histórica de la política en Argentina
desde la segunda presidencia de Hipólito Irigoyen hasta la jura de la junta
militar compuesta por Videla, Macera y Agosti.
La película tiene una búsqueda de la reconstrucción de la memoria argentina,
basándose en los hechos históricos más relevantes de la argentina
deteniéndose cuidadosamente en un profundo análisis de cada gobierno,
elegido democráticamente como así también gobiernos de facto.
La película tiene una estructura parecida a lo que hoy sería un documental de
televisión sostenido por una voz en off que relata los hechos e imágenes que
acompañan el relato sin generar disputas ni contrapuntos.
La República perdida está hecha con material de archivo que reconstruye con
imágenes lo que el relator va narrando.
Es una película que si bien busca cierta objetividad en el relato termina
haciendo un sutil hincapié a favor de los gobiernos radicales, pero también en
el de los gobiernos de Perón como hechos multitudinarios y populares.
Tambien describe y analiza a Evita y a Isabelita quienes fueron esposas de
Perón e influyeron mucho en la historia argentina, siendo esta última también
presidenta por un breve período.
Por otro lado Memorias del saqueo también reconstruye la historia política
Argentina desde mas o menos el año 83 hasta que explota uno de los hechos
históricos más populares de la argentina en el año 2001.
La película de Pino Solanas juega con varios recursos de montaje, entre ellos
el color, los intertítulos, el contrapunto del discurso y la imagen, también la
música juega un papel importante en el desarrollo de la trama.
Una de las cosas más impactantes de Memorias del saqueo es el uso de
entrevistas a personas comunes y corrientes en las calles luchando, como
también a médicos, e intelectuales; lo que hace que el espectador llegue a

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empatizar con la historia que se le está contando y que muchas veces termine
con la piel de gallina.
El hambre, la desocupación, el vaciamiento de las empresas y la privatización
son los temas fundamentales en los que se concentra pino en esta película.
Por otro lado, ambas películas hacen especial hincapié en la memoria y en la
importancia de la misma. Ya que popularmente se dice que la argentina es una
sociedad sin memoria, y es impactante ver como a lo largo de décadas las
historias se repiten, la clase aristocrática se sigue enriqueciendo a costas de
los trabajadores y la argentina está cada vez con menos recursos.
Lo que resulta más impactante es ver como las problemáticas sociales y
económicas en la argentina, siguen siendo las mismas en el año 1983, en el
2004 e incluso hoy, en el 2021, las crisis económicas siguen golpeándonos día
a día y las políticas de ajuste se repiten históricamente.
La deuda externa, que como bien explica Pino Solanas es una deuda ilegitima,
hoy se sigue discutiendo si debe pagarse o no, lo cual como ya vimos, trae
siempre consigo, el saqueo del pueblo argentino, políticas que atentan contra la
integridad de los estratos sociales más bajos, el empobrecimiento del estado e
incluso la destrucción de las pequeñas y grandes empresas.
Una de las temáticas que recalca mucho Pino en su película es como funciona
la clase política, y cuales son los movimientos que suelen hacer; usa la plabra
traición para hablar de los políticos argentinos, que le mienten al pueblo y
prometen cosas que luego, al llegar al poder, se olvidarán y traicionarán a los
ciudadanos que los votaron y confiaron en ellos.
Otra cosa que me parece importante destacar en la película de Pino es la
música, la película tiene muchas canciones que explotan los recursos técnicos
del director, incluso el rap que tiene al final hace que el cierre del film sea épico
y te den al menos ganas de ir a una marcha con ganas de romper todo.
Por otro lado, me parece injusto que estas películas no las muestren en las
escuelas y sean de conocimiento popular, son películas que en las que
aprendes más de historia que en todo el secundario.
Sin nada más que agregar, quiero destacar la importancia de que como pueblo
argentino tengamos memoria, ya que estamos en un contexto que pende de un
hilo y en el que puede explotar todo en cualquier momento.

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