TRAZOS BÁSICOS Y UNIDADES DE 

MEDIDA
Posted on July 30, 2016 by elrincondelarte308

¿Qué es un trazo en el dibujo?

Un trazo es una línea o raya. ... El término se utiliza para nombrar a las rectas y
curvas que forman un carácter o que se escriben a mano sin levantar el
instrumento de escritura (lápiz, birome, etc.) de la superficie.

Mucha gente se pregunta entonces, ¿cuándo se determina qué es un trazado en

plano?

El trazado plano es el que realizamos sobre una superficie plana, muy utilizado

en calderería por las chapas de poco espesor, se realiza de igual forma que
cuando dibujamos sobre una hoja de papel. La punta de trazar son varillas de
acero fundido, formadas por el cuerpo y la punta.

Ahora, ¿cuáles son los trazados geométricos básicos?

Los trazados geométricos básicos o fundamentales son aquellas operaciones

gráficas que se usan con gran frecuencia para resolver problemas geométricos o
parte de ellos. Son operaciones sencillas que debemos dominar para poder
realizar construcciones geométricas más complejas y que forman la base del
dibujo técnico.

Pero también, ¿qué es la línea para niños?

Cualquier línea es en realidad una sucesión infinita de puntos en el espacio

o en el plano. Estos están interrelacionados entre sí y pueden estar orientados
siempre en la misma dirección (línea recta) o ir cambiando (línea curva).

TRAZOS BÁSICOS PARA DIBUJAR

IMPORTANCIA DE REALIZAR LOS TRAZOS.

El dibujo a línea es realizar formas sin recurrir al sombreado ni al tono. Al ser la forma mas
elemental del dibujo es fundamental para las demás técnicas artísticas ya que la línea por si sola
ofrece un enorme campo de acción. Si observamos nuestro entorno podremos contemplar los
diferentes tipos de líneas: En una ventana líneas finas y rectas, curvas en unas frutas,  rizadas en un
helecho y  paralelas en una escalera, entre otras.

Por lo tanto es necesario dedicar diariamente 5 o 10 minutos para buscar y dibujar diferentes tipos
de línea, igualmente este ejercicio servirá para "soltar" la mano y mejorar cada vez más el trazo.

El realizar estos ejercicios nos ayudará fundamentalmente al desarrollo de muestra motricidad y

fortalecer nuestro pulso.
Trazo

Un trazo es una línea o raya. El término se utiliza para nombrar a las rectas y curvas que
forman un carácter o que se escriben a mano sin levantar el instrumento de escritura (lápiz,
birome, etc.) de la superficie.

Tipos De Trazos

 Trazos finos (Líneas delgadas que conllevan una figura)Los trazos finos (invisible,
cotas, etc.) con HB.
  Trazos Gruesos (Que levan líneas gruesas y un poco toscas)Los trazos gruesos
(líneas de corte, rótulos) con 2B
 Los trazos normales (visible, rayados, etc) con B.
  Mano alzada: Es la que se realiza a pulso y sin regla para mejorar la motricidad
física.
 -Zig-zag: Se utiliza para indicar que hay interrupciones, en una pieza o en un
elemento.
 Discontinua: Se utiliza para indicar en contornos ocultos en un dibujo isométrico o
en volúmenes irregulares.

Líneas según su forma:

   Curva: Es aquella en la que los puntos están unidos entre si conservando diferentes
distancias.
   Recta: Es aquella en la que formamos 2 puntos conservando una misma división.
 Línea quebrada: Es una linea formada por secciones de lineas rectas que se van
cortando cambiando de dirección.
   Linea mixta: Son aquellas que combinan el uso de lineas rectas y curvas.Líneas
según su posición en el espacio.
 Paralelas: Son aquellas que se encuentran en un mismo plano, conservando la
misma distancia entre sus puntos de manera que nunca pueden unirse.
 Convergentes: son aquellas que parten de un punto diferente y se van uniendo al
proyectar sus extremos.
 Divergentes: son aquellas que parten de un mismo punto y se van separando.
 Oblicuas: Es toda linea que se encuentra con una horizontal formando siempre un
ángulo de 90º
 Perpendicular: es aquella que forma un ángulo de 90º con otra linea.
  

también veremos un poco de unidades de medidas en algunos objetos (esto va depende que
te pongan a hacer un cuadrado en pulgas o en centímetros) lo principal aquí son como
manejes el espacio.

Composición

La composición consiste en distribuir de manera adecuada, todos y cada uno de los

elementos que conforman la representación, teniendo en cuenta el color, el tamaño, las
texturas, las tonalidades, el espacio y las formas en general que se vayan a implementar.
Tipos de composición

Composición Simétrica

Consiste en agrupar simétricamente cada uno de los elementos de la composición,

generando un equilibrio visible en toda la imagen compositiva. Este tipo de composición
puede darse de manera vertical u horizontal, teniendo en cuenta el color, las formas y los
tamaños.

Composición Asimétrica

Consiste en agrupar de manera asimétrica todos y cada uno de los elementos compositivos,
generando armonía, pero sin la rigurosidad de mantener el equilibrio de manera simétrica.

Composición Radial

Consiste en seleccionar un elemento de la composición como el objeto principal de la

misma, a la vez que es ubicado en el centro del espacio compositivo, no dejando de lado los
demás elementos que complementan la composición. Es importante guardar siempre
armonía en la composición.

LOS COLORES Y SU DEGRADACIÓN TONAL Y OTRAS COSAS

Posted on July 30, 2016 by elrincondelarte308

El color  es una experiencia visual, una impresión sensorial que recibimos a través de los
ojos, independiente de la materia colorante de la misma.El color ademas de ser una
experiencia visual tiene propiedades las cuales pueden adecuarse para cada tipo de trabajo
artístico. Las propiedades del color son:

 Tono
 Saturación
 luminosidad

Tono: Es la propiedad que diferencia un color de otro y por la cual designamos los colores:
verde, violeta, rojo, etc. EJ:
  

 
La Saturación representa la intensidad cromática o pureza de un color. En otras palabras, es
la claridad u oscuridad de un color, está determinado por la cantidad de luz que un color
tiene. EJ:

la luminosidad hace referencia a cuánto de oscuro o de claro es un color. A mayor

luminosidad de un color mayor luz reflejará.

 
  

Por ultimo una cosa, la cual es el inicio de todo artista las planchas para poder aprender los
trazados de los diferentes tipos de trazados del lápiz (todos pasaremos por esto aunque no
lo queramos). Las diferentes cuadriculas se pueden hacer diagonales, horizontales,
verticales y compuestas

Escalas

Diagrama graduado de valores, colores, intensidades o texturas en orden creciente o

decreciente, numérico y geométrico, con el objeto de organizar los intervalos (y.) y ejercitar
su control. La escala más usada es la de Ross-Pope por su simplicidad y fácil manejo. (V.)
Notación del color, Gradiente
  

Volúmenes en figuras

El volumen es el espacio ocupado por un cuerpo al conocimiento del cual llegamos por
medio de la luz y de las sombras, y que nos permite tener una percepción tridimensional de
ese cuerpo o de ese objeto que deseamos representar en un dibujo o en una pintura. El
volumen es, junto con la forma, uno de los aspectos que distingue a los objetos que nos
rodean. Depende de la luz y, por consiguiente, de las sombras que ésta produce. La
definición correcta del volumen de un objeto consiste en valorar exactamente las
intensidades de sus sombras.

Podemos establecer dos clases de sombras: las propias y las proyectadas.

Sombras propias son las que se origina el objeto a sí mismo, y las proyectadas son las que
produce en las superficies vecinas. También hay que tener en cuenta los reflejos producidos
por la luz que proyectan las superficies u objetos vecinos, ya que aclaran la sombra propia.

Entre la luz y la sombra, hay una zona de transición o de medias tintas, y que puede variar
en extensión dependiendo de la intensidad de la luz.
  

Plano Básico

Plano Básico físico o estático: El plano físico  o estático, es una superficie rasa, llana, vacía,
regular e infinitamente uniforme. Sus lados adoptan direcciones verticales y horizontales;
es decir, congruentes con el plano de partida; orientación derecha.

bueno mas que todo un plano básico se hace a base de escalas (estos no son planos de
arquitectos ) mas que todos estos son  unas figuras unidas entre si con las mismas medidas


CURSOS
 DIPLOMADOS
 PROMOCIONESNUEVO
 DOCENTES
 EMPLEOS
 NOTICIAS

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 MARKETING DIGITAL
 FOTOGRAFÍA
 DISEÑO
 ILUSTRACIONES
 TECNOLOGÍA
10 técnicas de dibujo para aprender
a dibujar paso a paso

Cristina Yupán

 238074

En este artículo te revelaremos 10 técnicas de dibujo para aprender a dibujar paso a

paso, ya que no todos conocen a profundidad de lo que se necesita como base para empezar
en esta carrera. Asimismo, cuando hablamos sobre técnicas de dibujos o ilustraciones,
pretendemos que estos sean y se vean como muestras certeras de lo que pretendemos
plasmar sobre un papel. Como una traducción gráfica y casi perfecta de la realidad,
dependiendo de cómo estos se quieran desarrollar.

1. La técnica de dibujo a lápiz, ideal para principiantes

En primer lugar debes saber y conocer sobre los lápices especiales para dibujo. Por
ejemplo, los de formato estándar se utilizan a menudo para dibujar. debido a que, estos
vienen en una variedad de estilos y tamaños, que a la vez contienen minas blandas y duras.
Cuanto menor sea el número, más suave será la mina. Cabe señalar que, las blandas son
utilizadas para añadir matices y tonos mientras que las más duras se utilizan para trazar los
contornos.

Sobre la técnica de dibujo a lápiz, esta es aplicada en dos grandes etapas. La primera se
basa en dibujar las líneas que formarán el esqueleto del dibujo, y la segunda que abordará el
sombreado. Existen distintas graduaciones de lápices, que harán su trazo más o menos duro
e influirán directamente en la técnica de sombreado. Esta se puede dar en un zigzagueo
abierto, en líneas paralelas o en líneas dispares. Otras formas de sombreado, casi nunca
usadas, son el circulismo y el suavizado. Estas consisten en pasar un papel o una tela sobre
el grafito del dibujo, generando un efecto le brindará otra apariencia. 

Te dejamos como referente el trabajo del diseñador Doaa Moaz. Instagram: @doaa_moaz

2. La técnica de dibujo con carboncillo, un estilo clásico

La técnica de dibujo con carboncillo y el grafito son dos de los implementos más usados
para la creación de dibujo a mano alzada. Estos implementos también son usados para las
técnicas secas de dibujo. Asimismo, el grafito puede ser utilizado sobre superficies suaves
como el papel ingres y canson. Además, dependerá de la absorción, peso o gramaje y
textura.   

En el caso del carboncillo, algunos artistas lo utilizan para ayudarse a crear líneas, pues es
de fácil borrado y se difumina fácilmente. Así como también hacen uso del carbón, el cual
es adecuado tanto para línea como para mancha y excelente para bocetos previo antes de
empezar a pintar. 

Te dejamos un referente, el trabajo de la diseñadora Georgina Kreutzer.

Instagram: @georgina_kreutzer

3. La técnica de dibujo con pluma o tinta

Este tipo de técnica de dibujo con pluma es especial, puesto que se trabajan con plumas
elaboradas con un fino material, las cuales según el grosor, flexibilidad y requerimiento del
artista. También, pueden adquirirse en cualquier tienda especializada, así como la tinta
china.

Las plumillas tienen un sin fin de usos, como los lápices. Todo ello, dependerá de cada
objetivo para poder adquirirlas, pues existen diferentes tipos y características. Como las que
se usan para bosquejar, las de caligrafía para escribir y plumillas especiales para trazar
algún borde o línea, ya sea gruesa o delgada.

En el caso de la técnica de dibujo con tinta, se utiliza la china, la india o de lapicero.

Igualmente, los trazos hechos con tinta serán más lineales que los que se desarrollan con
lápiz, y las valoraciones tonales serán más profundas. Una de sus grandes ventajas es que
esta puede ser desarrollada en varias capas, solo debes tener en cuenta el secado de cada
capa sobre el papel.

Te dejamos un referente, el trabajo del diseñador Leonardo Pereznieto.

Instagram: @artistleonardo
4. Aprender a dibujar con la técnica de dibujo con acuarela

La técnica de dibujo con acuarela es uno de los mejores recursos de los artistas para
dibujar y pintar. Dado que, el material elaborado con lápices de acuarela se activa con agua,
lo cual permite la capacidad de combinar las técnicas de la acuarela con las de dibujo.

Esta técnica se utiliza especialmente para realizar pinturas artísticas y recreativas, la

cuales son trabajadas esencialmente con agua y usada generalmente sobre papel, tela o
madera. Asimismo, toda superficie sobre la que se llevará a cabo el dibujo deberá ser
resistente al agua, y es posible trabajar capa sobre capa. Por otro lado, la acuarela deberá
ser aplicada con pinceles de pelo, que sirven para componer los pigmentos. 

El arte con acuarelas permite realizar una gran variedad de dibujos mediante la técnica de
húmedo sobre húmedo, que se logra pintando sobre una base mojada, con el pincel
excesivamente cargado de agua que se va diluyendo sobre los pigmentos, creando un efecto
artístico increíble.

Te dejamos un referente, el trabajo de la artista Veneta Docheva.

Instagram: @veneta_docheva_watercolor
5. Utiliza la técnica de dibujo con rotuladores

Así como los niños pueden usar rotuladores de colores en sus libros para pintar, igualmente
los artistas. Con esta técnica de dibujo con rotuladores usted podrá dibujar todo lo que su
imaginación le permita, pues existe una gran variedad de tamaños de puntas que permitirán
enfrentar un proyecto de dibujo de principio a fin, incluyendo el trazo inicial y los colores
que forman parte de la composición.

Te dejamos un referente, el trabajo del diseñador Juantastico. Instagram: @el_juantastico

6. Las técnicas de dibujos con aerógrafos

El cómo hacer dibujos en base a la técnica de aerógrafo consiste básicamente en un tipo

de pintura por aspersión. Para ello debes usar un aerógrafo que ayude a esparcir el color
sobre la superficie. Es una de las técnicas más singulares que utilizan aquellos artistas con
cierto nivel de entrenamiento, y es muy valorada por la posibilidad de aplicarla sobre
superficies poco uniformes, creando resultados realmente asombrosos.

Te dejamos un referente, el trabajo del diseñador Rafa Fonseca. Instagram: @rafafonsecaart

7. Usa la técnica de dibujo a lápiz de color

Los colores se fabrican de la misma forma que los de grafito, salvo que las minas no se
calientan en un horno, pues destruirían los pigmentos requeridos. Las barras de pigmento se
sumergen en cera derretida para que adquieran las propiedades necesarias para el dibujo.

Los lápices de color son muy sensibles a la naturaleza de la superficie del soporte. El papel
blanco hecho con un 100% de trapos y la superficie H.P. es el mejor para su permanencia y
detalles. Gracias a la técnicas de dibujo a lápiz de color, se pueden crear desde bocetos en
tonos suaves hasta trabajos de gran detalle con una amplia gradación tonal.

Te dejamos un referente, el trabajo del diseñador  Jennifer de Boer. Instagram: @ennife

8. Las técnicas de dibujo con plumones

La técnica de dibujo con plumones, es una de las más modernas y usada en su mayoría
por todos los nuevos artistas. Se aplica utilizando un marcador, plumón o fibrón, para la
realización de arte abstracto, o dibujos con combinación de colores. La ventaja del
marcador es que en la mayoría de los casos no es necesario repetir el trazo, ya que con una
sola pasada es suficiente para llenar cualquier espacio.

Te dejamos un referente, el trabajo del diseñador Nick Prodromou. Instagram: @by_nick

9. Una técnica de dibujo sanguina, algo diferente

La sanguina es una variante del pastel. Una barrita de pigmentos secos en polvo. Lo que la
diferencia respecto del pastel es el origen de sus pigmentos ya que se trata de un óxido de
hierro, conocido como hematites. Con esta técnica de dibujo de sanguina, llamada dibujo
“a tres couleurs”; la cual es utilizada mayormente para retratos, se puede conseguir el
efecto de crear una imagen a todo color usando sólo tres: la sanguina, el blanco y el negro, 

Esta técnica de dibujo por naturaleza crea sensaciones diferentes de luminosidad en la

ilustración. La calidez y suavidad que aporta la sanguina al dibujo es una de sus
características principales; por ello los artistas han utilizado esta técnica también para
desnudos.

Te dejamos un referente, el trabajo del diseñador Karl. Instagram: @karlkopinski

10. La técnicas de dibujo con pincel

Esta técnica de dibujo con pincel es una de las más difíciles y clásicas. En este caso, el
pincel que se utilice, solo se mete hasta aproximadamente la mitad de las cerdas sin llegar
hasta la férula. Luego se saca el pincel de la pintura, y se pasa un poco por el borde del bote
para quitar el exceso de pintura en el pincel, sobretodo de la punta para después seguir
pintando.

Se puede trabajar sobre dibujos o bocetos ya hechos o hacerlos al instante. Obviamente

que para no cometer errores durante ese proceso se necesita de mucha práctica, es por ello
que es una técnica muy valorada y practicada por muy pocos artistas.

Te dejamos un referente, el trabajo del diseñador James Llewis. Instagram: @jamesllewis

11. Conoce la técnica de dibujo digital

Ahora que conoces los diferentes tipos de dibujo que se pueden realizar a mano, te
brindamos un plus, que es la técnica de dibujo digital, la cual trata de transformar un
boceto básico hecho a lápiz a una ilustración vectorial. Para este método, solo debemos
saber los cursos básicos del Pack Design, Illustrator Creativo y Photoshop Creativo, ya que
serán de mucha ayuda para realizar tu dibujo vectorial.

Existen diferentes tipos de ilustraciones digitales en la que te puedes especializar, pero la

forma correcta de comenzar a realizar este nuevo estilo es escanear el boceto en la
computadora y abrirlo en Illustrator, y de a pocos ir dándole la forma que se quiere
obtener, para luego darle efectos en Photoshop si lo requiere, logrando un resultado
increíble.
METODOLOGÍA PARA EL DIBUJO A MANO
ALZADA
Autores e infomación del artículo
Yamila Irene Cordovés Pérez
Universidad de Las Tunas

yamilacp@ult.edu.cu

Resumen
Se  realizó una investigación  con el objetivo de elaborar  una Metodología para el dibujo a
mano alzada. Para la elaboración de la misma, se partió de las insuficiencias encontradas en
Programas Analíticos de las enseñanzas: Secundaria Básica, Técnica y Profesional y
Educación Superior,  por la necesidad de impartir  el contenido de Croquizado, siendo no 
tratado por autores de la actualidad, debido a que los  adelantos científico-técnicos,
imponen realizar dibujos mediante el uso de recursos de multimedia, siendo medios muy
atractivos para aprender dibujo en soporte. Los estudiantes de todas las enseñanzas,
poseen poco conocimiento de las mediciones, las representaciones de piezas, los tipos de
líneas necesarios para realizar dibujos, por esta razón no tienen grado de independencia, en
cuanto a lograr habilidades para realizar dibujos sin instrumentos, o croquis o también
llamado dibujo a mano alzada. Esta Metodología garantiza un nivel de aplicación y reflexión
para los estudiantes, despojándose de elementos reproductivos. Compuesta la misma por
cinco etapas, la cual dota al estudiante de sistemas de conocimientos y  de habilidades que
contribuyen al descubrimiento y desarrollo de determinadas aptitudes en el estudiante.  La
misma incluye imágenes  y desde  el  punto  de  vista  fisiológico,  una  imagen  dice  más
que  cien palabras, manteniendo el equilibrio entre la palabra y la imagen, ya que esto
facilita los procesos  del  desarrollo  del  pensamiento  en  general  y,  en  particular  en  el
proceso  de aprendizaje-enseñanza, en la disciplina Dibujo.
Palabras claves: Metodología, dibujo, croquis.

Para citar este artículo puede uitlizar el siguiente formato:

Yamila Irene Cordovés Pérez (2015): “Metodología para el dibujo a mano alzada”, Revista
Atlante: Cuadernos de Educación y Desarrollo (abril 2015). En línea:
https://www.eumed.net/rev/atlante/04/dibujo.html

CAPÍTULO 1: IMPORTANCIA  DE LA DISCIPLINA DIBUJO.

1.- Breve reseña histórica del Dibujo
Desde  tiempos muy remotos se ha usado un lenguaje universal, un lenguaje gráfico, que
permitió a los más antiguos hombres comunicar sus ideas y pensamientos entre sí. Estos
dibujos constituyen las formas más primitivas de escritura, que luego se convirtió en
símbolos, usados en la escritura actual. El hombre desarrolló la representación gráfica en
dos direcciones distintas, atendiendo a su propósito: el dibujo artístico y el dibujo técnico.
Desde el comienzo de los tiempos, los artistas utilizaron dibujos para expresar ideas
estéticas, filosóficas o abstractas. En los tiempos antiguos, prácticamente todo el mundo
era iletrado. No existía la imprenta, y por tanto, no había periódicos ni libros. Las gentes
aprendían escuchando a sus generaciones anteriores, mirando esculturas, cuadros o
dibujos en los lugares públicos.
Un dibujo puede estar asociado a dos vertientes, una, al llamado Dibujo Artístico, que es
aquel que el hombre representa mediante tonos claros y oscuros de determinadas formas
de los objetos, de manera abstractas o no y esto lo logra por medio de la representación
sobre una superficie de una imagen del mundo real. La otra es el llamado Dibujo Técnico,
que es aquel con el cual, mediante la aplicación de determinadas reglas, principios  y
convencionalismos preestablecidos,  el  hombre  muestra las formas y dimensiones de los
objetos que desea construir, y es precisamente este tipo de Dibujo al cual está referido el
presente trabajo.
Desde la prehistoria los primeros hombres utilizaron el dibujo como una forma de
comunicación, por medio de figuras de tamaño reducido, ubicados en (abrigos) rocosos,
covachas y el interior de cuevas. El hombre desarrolló la representación gráfica en dos
direcciones distintas, atendiendo a su propósito: La Artística y Técnico.
Desde sus orígenes, el hombre ha tratado de comunicarse mediante grafismos o dibujos.
Las primeras representaciones que conocemos son las pinturas rupestres, en ellas no solo
se intentaba representar la realidad que le rodeaba, animales, astros, al propio ser humano,
etc., sino también sensaciones, como la alegría de las danzas, o la tensión de las cacerías. A
lo largo de la historia, esta ansia de comunicarse mediante dibujos, ha evolucionado, dando
lugar por un lado al Dibujo Artístico y por otro al Dibujo Técnico. Mientras el primero intenta
comunicar ideas y sensaciones, basándose en la sugerencia y estimulando la imaginación
del espectador, el dibujo técnico, tiene como fin, la representación de los objetos lo más
exactamente posible, en forma y dimensiones.
La primera manifestación del dibujo técnico, data del  año 2450 a.C, en un dibujo  de
construcción que aparece esculpido en la estatua del rey sumerio Gudea, llamada El
arquitecto, y que se encuentra en el museo del Louvre de París. En dicha escultura, de forma
esquemática, se representan los planos de un edificio. Del año 1650 a.C. data el papiro de
Ahmes. Este escriba egipcio, redactó, en un papiro de 33 por 548 cm, una exposición de
contenido geométrico dividida en cinco partes que abarcan: la Aritmética, la Esteorotomía,
la Geometría y el cálculo de pirámides.
1.2.- La disciplina Dibujo y su importancia
Con el triunfo de la Revolución se sientan las bases para una industrialización acelerada, la
cual tuvo como máximo impulsor al Comandante Ernesto Guevara, cuando estuvo al frente
del Ministerio de Industrias, y se emprende una política de construir las piezas de repuesto
necesarias, para no detener la producción de innumerables fábricas. Esto trajo como
consecuencia una rápida demanda de dibujantes y proyectistas que obligó a implementar
en los planes de estudio el dibujo como parte de la formación integral del futuro egresado.
Así con el desarrollo de la industria el uso de dibujos fue siendo más exigente hasta llegar  a
constituir una de las disciplinas fundamentales en el estudio de cualquier rama técnica,
tomando así carácter de documentos, por medio de los cuales se construyen las piezas,
máquinas, etc.
El dibujo es una marca indeleble en el surgimiento de la sociedad humana, que se
manifiesta como un sistema convencional de signos, creado por los hombres en el proceso
de comunicación y transmisión de la experiencia histórico-cultural, es un lenguaje gráfico,
el cual se integra a los sistemas de medición instrumental del alumno y por lo tanto, de todo
esto se deduce que el dibujo, como el lenguaje oral (la palabra), también es un instrumento
mediador de signos (símbolos) de las funciones psíquicas superiores del estudiante
(Estrada,  Reyes, Pantoja, 2010).  
En la actualidad, el  dibujo, es considerado una disciplina de las más importantes en el
currículum de una especialidad  de Ciencias, es puramente práctica de la mano, una vez que
el estudiante adquiere los conocimientos.
 El profesor de Dibujo  que conduce el aprendizaje, a partir de los fundamentos teóricos que
sustentan su didáctica, lo que conlleva a la aplicación consecuente de la política
educacional cubana, esto implica que se hace necesaria su preparación metodológica en el
uso de medios, teniendo en cuenta los requerimientos necesarios para que los profesores
orienten, controlen y evalúen el estudio independiente, que de forma autodidacta realizan
los profesionales en formación.
Dibujo  es una de las disciplinas más  importantes en  el nivel superior o técnico, ya que
constituye el lenguaje que el ingeniero o técnico  emplea para comunicarse. El dibujo es el
lenguaje universal de la técnica,  por medio del cual los ingenieros y técnicos expresan y
registran sus ideas y la información necesaria para la construcción de piezas, estructuras y
otros elementos (Doménech, 2008).
El dibujo en si cumple una doble función, o sea, es la forma de expresión e interpretación
del ingeniero y a la vez es el medio mediante el cual el profesor enseña a sus estudiantes el
contenido que imparte de forma gráfica (Torres, 2010), por lo que es idioma gráfico, cada
uno de los especialistas tiene sus características propias así como sus normas, por lo que es
una necesidad urgente el rescate de las habilidades del dibujo a mano alzada que poseían
los técnicos y profesionales de la década del 1960  y 1970 (Torres, 2009).
Se abren las puertas del siglo XXI, que exigirá a los profesionales, cada año en mayor grado,
la utilización de las TIC, lo cual va dejando de ser algo novedoso y espectacular para irse
convirtiendo en una realidad integrada a la vida del hombre. Si bien la pantalla del
ordenador es un plano, que debería de plantear los mismos problemas o dificultades que el
sistema tradicional, este medio ofrece la posibilidad de incorporar el movimiento,
favoreciendo la ilusión de espacio. Otro elemento propio de este medio es la interactividad,
con la que el alumno puede adoptar un papel más activo, siendo un aliciente importante
para él.
Cuba no está exenta de los cambios a los cuales debe someterse la educación general. Todo
profesor universitario debe  elevar la calidad de la enseñanza, que significa,  la búsqueda
constante de nuevos métodos que conduzcan a la eliminación del tipo de enseñanza que
promueve el aprendizaje dogmático y puramente reproductivo, en que profesores y
estudiantes se limitan a la simple repetición de definiciones (Góngora, 2008).
1.3.-  Reflexiones del Programa de la disciplina
La disciplina de Dibujo es el núcleo de las carreras de ingeniería; no puede diseñarse un
proceso, un equipo particular o un conjunto, sin haber previamente realizado un análisis de
cómo debe estar colocado cada elemento, como interactúan unos con otros y los ajustes
existentes entre elementos que se desplazan. Estos solo son posibles mediante su
representación gráfica y para ello han de seguirse los principios y convencionalismos
establecidos por las normas vigentes.
La revisión de documentos, el Programa Analítico, la preparación de la disciplina, el  texto
básico, textos complementarios de la disciplina Dibujo, el Modelo Pedagógico de la
Universidad en los municipios, demostró que existen  insuficiencias para lograr que el
estudiante pueda adquirir conocimientos y habilidades en las representación de los dibujos
a mano alzada, denominado Croquizado en el Programa Analítico, por lo que se hace
énfasis en la  necesidad de  un Sistema de Conocimientos y  Habilidades. Para los
estudiantes poder representar una pieza se debe de conocer la técnica del dibujo a mano
alzada.
-¿Cómo desarrollar este contenido?
-¿Cómo desarrollar un  Sistema de Conocimientos?
-¿Cómo desarrollar un Sistema de Habilidades?
Los autores  (Lehmann, 1968; Prokop, 1975; French, 1972; Rodríguez, 1986; Straneo, 1971),
no relacionan en los libros, el tema del dibujo a mano alzada. (Doménech, 2008),
recomienda cuatros pasos para realizar una  técnica del dibujo a mano alzada, no
constituyendo así un sistema de conocimientos ni habilidades para lograr que el estudiante
pueda cumplir los objetivos del tema.
CAPITULO 2. METODOLOGÍA PARA REALIZAR EL DIBUJO A MANO ALZADA
2. Concepto de Metodología
Metodología es un vocablo generado a partir de tres palabras de origen griego: metà (“más
allá”), odòs (“camino”) y logos (“estudio”). El concepto hace referencia al plan de
investigación que permite cumplir ciertos objetivos en el marco de una ciencia. Cabe
resaltar que la metodología también puede ser aplicada en el ámbito artístico, cuando se
lleva a cabo una observación rigurosa. Por lo tanto, puede entenderse a la metodología
como el conjunto de procedimientos que determinan una investigación de tipo científico o
marcan el rumbo de una exposición doctrinal (Torres, 2008).
En el ámbito de las ciencias sociales, el recurso de la metodología se enfoca en la realidad
de una sociedad para arribar a una conclusión cierta y contundente acerca de un episodio
valiéndose de la observación y el trabajo práctico típico de toda ciencia.
Es importante la distinción entre el método (nombre que recibe cada plan seleccionado
para alcanzar un objetivo) y la metodología (rama que estudia el método). El metodólogo
no se dedica a analizar ni a verificar conocimiento ya obtenido y aceptado por la ciencia: su
tarea es rastrear y adoptar estrategias válidas para incrementar dicho conocimiento.
La metodología es una pieza esencial de toda investigación (método científico) que sigue a
la propedéutica ya que permite sistematizar los procedimientos y técnicas que se requieren
para concretar el desafío. Cabe aclarar que la propedéutica da nombre a la acumulación de
conocimientos y disciplinas que son necesarios para abordar y entender cualquier materia.
El término proviene del griego pró (“antes”) y paideutikós (“referente a la enseñanza”).
En otras palabras, la metodología es un recurso concreto que deriva de una posición teórica
y epistemológica, para la selección de técnicas específicas de investigación. La
metodología, entonces, depende de los postulados que el investigador crea que son
válidos, ya que la acción metodológica será su herramienta para analizar la realidad
estudiada. La metodología para ser eficiente debe ser disciplinada y sistemática y permitir
un enfoque que permite analizar un problema en su totalidad.
2.1 Metodología para el Dibujo a mano alzada
Etapa I-Sistema de conocimientos y habilidades  que se realizan con instrumentos de
dibujo.
Paso 1-Sistema de conocimientos que comprende:

A. Tipos de líneas fundamentales, según las Normas Cubanas.

B. Ejemplo que demuestra los tipos de líneas fundamentales.
C. Terminología para la indicación de las medidas, según las Normas Cubanas.
D. Ejemplo que demuestra la Terminología para la indicación de las medidas.

A-Los tipos de líneas  fundamentales, según las Normas Cubanas.

La Norma Cubana  (N C, 1970), es la que regula las líneas más usadas en Dibujo.
En la representación  de los dibujos, las líneas juegan un papel importante al  constituir una
de las principales diferencias entre el Dibujo Técnico y el Dibujo Artístico. La calidad de los
dibujos técnicos dependen en gran medida de la calidad obtenida en el trazado de las
líneas, así como del uso adecuado apropiado que se les dé, ya que ellas pueden variar en
grosor y su significado también varía según varíe su continuidad.

1. Línea gruesa continua.

Esta línea se utiliza para representar los contornos exteriores y bordes visibles. Su grosor es
hasta 1 milímetro.

2. Línea de trazos cortos.

Esta línea se utiliza para representar los contornos ocultos. Su grosor es la mitad de la línea
gruesa continua, 0,5 milímetro.

3. Línea de trazos largos y cortos.

Esta línea se utiliza para indicar los ejes de simetría y para marcar los centros de las
circunferencias y arcos. Su grosor es la cuarta parte  de la línea gruesa continua, 0,25
milímetro.

4. Línea fina continua.

Esta línea se utiliza para el trazado inicial de los dibujos, para las líneas de cotas y las líneas
de extensión, para el rayado de cortes y secciones. Su grosor es la cuarta parte  de la línea
gruesa continua, 0,25 milímetro.
B-Ejemplo que demuestra los tipos de líneas fundamentales.
Este ejemplo, el estudiante lo realiza en su libreta, con los instrumentos de dibujar (los
milímetros en los dibujos se representan con las letras mm).         
C-Terminología  para la indicación de las medidas según (N C, 1970).

o Cota:

Se denomina al valor numérico de una dimensión, representado en cifras, letras o símbolos.

o Línea de extensión:

Es una línea continua fina, que prolonga una línea de contorno o punto de la misma,
limitantes de una dimensión.

o Línea de dimensión:
Es una línea continua fina, terminadas en sus extremos con una cabeza de flecha o punto,
sobre la que se coloca la cota.

o Saeta: es la cabeza de flecha ubicada en ambos extremos de la línea de  

dimensión.

D-Ejemplo que demuestra  la Terminología para la indicación de las medidas.

 Este ejemplo, el estudiante lo realiza en su libreta, con los instrumentos de dibujar.
Etapa II - Sistema de conocimientos para dibujar a mano alzada.
Paso 1-Sistemas de conocimientos que comprende:

A. La definición  de croquis.

B. Mostrar un dibujo de un grafito en su lápiz.
C. Realizar  tres veces el afilado del grafito, para obtener los grosores aproximados de
los tipos de líneas fundamentales.
D. Ejemplo   de un lápiz de madera con el grafito en su interior.

A-El concepto de croquis.

Es undibujo rápido, sin precisión ni detalles, en el que se representan las líneas principales o
más significativas y las cotas de un espacio o un objeto por ser a mano alzada, no se realizan
con instrumentos, pero sí mantienen las relaciones de proporción (Diccionario, 1969).
B-Mostrar un dibujo de un lápiz, con el grafito en su interior, que será el elemento que se usa
para referencia, en el dibujo es la punta de la derecha y de color negra.
C-Realizar   tres veces  el afilado del grafito, para obtener los grosores aproximados de los
tipos de líneas fundamentales. (En este paso se necesitan tener en el puesto de trabajo, tres
lápices.)
Primer afilado. Se tiene  que  utilizar un primer  lápiz.

 Línea gruesa continua. Su grosor se obtiene aproximadamente en el primer afilado

del grafito del lápiz.

EL grafito del lápiz es de diámetro 2 milímetros. Al quitar la madera parar destacar la punta,
se obtiene el grafito en un grosor aproximado de 1 milímetro. Este grosor es aproximado, se
tomará de referencia para dibujar a mano alzada la línea gruesa continua.
Ejemplo para obtener el grosor aproximado de la línea gruesa continua, mediante el afilado 
del grafito, por vez primera.                                                             
Segundo afilado.

 Línea de trazos cortos. Su grosor se obtiene aproximadamente con el segundo 

afilado del grafito del lápiz.
EL grafito  tiene un grosor aproximado de 1 milímetro, al afinar la punta del grafito por
segunda vez, se obtiene un grosor aproximado de 0, 5 milímetros.
Ejemplo para obtener el grosor aproximado de la línea de trazos cortos, mediante el afilado 
del grafito, por segunda vez.                                                       
Tercer afilado.   

 Línea de trazos largos y cortos

 Línea  fina continua.

 Estas dos líneas mencionadas tienen el mismo grosor, 0,25 milímetro. Se obtiene
con el afilado máximo que se le pueda realizar al grafito.

Ejemplo para obtener el grosor aproximado de la línea de trazos largos y cortos y la línea
fina continua, mediante el afilado  del grafito, por tercera vez.                   
D-Ejemplo   de un lápiz de madera con el grafito en su interior.
Paso 2-Medidas aproximadas para dibujar a mano alzada, que están presentes en el cuerpo
de las personas.
Demostrar las medidas aproximadas, que están en el cuerpo de las personas, estas son:

 Medida de 10 milímetros.
 Medida de 25 milímetros
 Medida de 200 milímetros    
 Medida de un metro.                                             
 Medida de  un metro y medio.

Visualización de las medidas aproximadas que se encuentran en el cuerpo del hombre.

 Medida de 10 milímetros.

Si se observa la foto, la mano está compuesta por los cinco dedos, en  el dedo meñique, el
artista trabaja. El ancho de este dedo donde se ubica  la uña, es de aproximadamente  de 10
milímetros.

 Medida de 25 milímetros.

Si se observa la foto, para obtener el largo de 25 milímetros, se demuestra el extremo del

dedo pulgar hasta la primera falange.

 Medida de 200 milímetros.                                                  

Para obtener el largo de  200 milímetros, se muestra una cuarta de la mano.       
  Medida de un metro.

Para obtener el largo de un metro (1 metro) se demuestra un paso grande, la distancia entre
los dos pies.Se muestran los dos brazos abiertos.
Al finalizar esta etapa, los estudiantes deben de demostrar lo aprendido, mediante medidas
aproximas que tienen en su cuerpo.
Etapa III- Sistema de habilidades para dibujar a mano alzada las líneas horizontales y
verticales.
A-Trazado de líneas horizontales.
B-Trazado de líneas verticales.
Paso 1- Trazado de líneas horizontales.
Enseñar a los estudiantes lo que es el  trazado de líneas, ya que los pasos se realizan en la
pizarra y los estudiantes seguirán las indicaciones del profesor.
Paso 2-Colocar el Punto de partida.
En el margen  izquierdo se realiza una marca poco visible que será el punto de partida.
Paso 3-Punto de llegada final.
En el margen  derecho  se realiza una marca poco visible, que será el punto de llegada final,
a una distancia de 25 milímetros, que es la figura que muestra el extremo del dedo pulgar.
Paso 4-Trazado de la línea de ensayo.
Unir de forma horizontal ambas marcas, desde el punto de partida,  hasta el punto final, 
con  líneas discontinuas fina y clara, con movimientos de ensayo (Línea de ensayo).
Paso 5-Reforzar la línea de ensayo.
Trazar una línea débil sobre la línea discontinua trazada, (Línea de ensayo), con dos o tres
impulsos.
Paso 6-Dar grosor a la línea gruesa continua.
Trazar una línea gruesa sobre la línea de ensayo y borrar ambos marcas (Punto de partida y
punto de llegada final). Esta línea será de un grosor de 1 milímetros.
B-Trazado de líneas verticales.
Para realizar el trazado de líneas verticales de utilizan los mismos pasos del Paso 1, hasta  el
paso 6, solo cambia la posición de la línea.
Etapa IV- Sistema de  habilidades para dibujar a mano alzada figuras geométricas.
Paso 1- Trazado de un cuadrado.
Se traza un cuadrado de lados 25 milímetros, se marcara un punto en el extremo izquierdo
de la hoja, siendo el punto de partida  y se coloca la falange en este punto, marcando en el
otro lado el punto de llegada final.
Paso 2-Unir los puntos de partida y de llegada final.
Unir de forma horizontal y vertical las marcas, desde el punto de partida, hasta el punto
final, con líneas discontinuas fina y clara, con movimientos de ensayos, de izquierda a
derecha y de arriba hacia abajo (Línea de ensayo).
Paso 3-Reforzar las  líneas de ensayo trazadas.       
Paso 4-Se traza la línea gruesa continua, sobre las líneas de ensayo trazadas.
Etapa V-Acotado a mano alzada.
Paso 1-Trazar las líneas de extensión en los bordes del cuadrado.
En este paso se coloca el dedo meñique en el borde izquierdo del cuadrado y
posteriormente en el borde derecho, y  hacer  un punto donde termina el grosor del dedo.
Paso 2-Trazar la línea de dimensión.
Después de trazadas las líneas de extensión, se unen ambos extremos, para
horizontalmente obtener la línea de dimensión.
Paso 3-Dibujar las saetas o cabezas de flechas en ambos extremos de la línea de dimensión.
Paso 4-Rotular la dimensión o medida de 25 milímetros en el centro de la línea de
dimensión.   
Paso 5-Acotar el cuadrado con las dimensiones reales. 
CAPÍTULO 3. INVESTIGACIÓN DESARROLLADA EN EL MUNICIPIO JESÚS MENÉNDEZ.
3.1 Resultado de investigaciones desarrolladas  en el municipio Jesús Menéndez sobre la
aplicación de la Metodología  para el dibujo a mano alzada aplicada a  estudiantes de la
Enseñanza  Técnica y Profesional, en el Politécnico “Orlando Pantoja” y de la        Educación
Superior, en  la Filial  Universitaria  Municipal “Jesús Menéndez”   
Desde el curso escolar 1997-1998, hasta la actualidad, se  aplica a los estudiantes una
prueba de diagnóstico inicial (Tabla 1 y 2) con el objetivo de comprobar el conocimiento
que poseen los mismos sobre las técnicas elementales del dibujo a mano alzada, los
resultados se exponen a continuación:
•          Los estudiantes presentan dificultad para trazar dibujos con instrumentos.
•          Los estudiantes carecen de conocimientos para realizar mediciones.
•           Los estudiantes presentan dificultad para proponer una medida por
aproximación.
•          Los estudiantes desconocen pasos, para trazar a mano alzada.
•          Los estudiantes tienen dificultad para trazar dibujos a mano alzada.
Se  aplica una prueba de diagnóstico final, y  en los resultados obtenidos, es  evidente que
los estudiantes lograron transformaciones, según  los indicadores, y comparados con el
diagnóstico inicial, permite valorar avances positivos en el aprendizaje de los estudiantes.
Los resultados de aplicar la Metodología para el dibujo a mano alzada se exponen a
continuación:

 Contribuye a una mayor asimilación de los conocimientos.

 Se incrementa el  interés por la disciplina Dibujo y en especial por el Dibujo a mano
alzada.
 Aumenta la actividad de los estudiantes como resultado de una mayor 
independencia de su trabajo al realizar ejercicios en los puestos de trabajo.
 Desarrolla interés y al mismo tiempo, relaciona el aprendizaje con los fenómenos de
la vida práctica vinculado con la especialidad.
 Desarrolla habilidades y capacidades junto con la apropiación de        conocimientos.
 Familiariza a los estudiantes con el trabajo colectivo.

 La propuesta de la  Metodología para el dibujo a mano alzada,  incluye Sistemas de

Conocimientos y Habilidades, logrando  transformar  la idea desfavorable de los
estudiantes, sobre el contenido del Croquizado.
 La Metodología para la enseñanza-aprendizaje del dibujo a mano alzada  demostró
que estimula la participación creadora de los estudiantes, resuelve una insuficiencia
de la disciplina, que no mostró el qué hacer y cómo hacer para lograr cumplir,  los
objetivos en el tema Croquizado.

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Recibido: 03/10/2014 Aceptado: 26/03/2015 Publicado: Abril de 2015

Estrategias para estimular el dibujo en los estudiantes de educación inicial

Arturo Saúl Mujica Jiménez arturosaulmujicajimenez@yahoo.es 

Universidad Pedagógica Experimental Libertador. Instituto Pedagógico de Caracas.

RESUMEN

Los docentes de educación inicial, en su afán de ayudar a los pequeños a desarrollarse

como seres independientes y exitosos, se formulan interrogantes a la hora de
estimular sus capacidades dibujísticas o creativas dentro del aula. El trabajo intenta
responder algunas de las preguntas más frecuentes, por lo cual propone a los docentes
una serie de estrategias pedagógicas para mejorar el disfrute del dibujo en los
estudiantes de educación inicial. La investigación se fundamenta en la revisión
documental de las referencias relacionadas a la problemática planteada y la
experiencia del autor en el área de estudio. Se describen las principales acciones
pedagógicas con el apoyo de la teoría de la doctora Edwards (1984). La importancia
del trabajo radica en simplificar las estrategias a seguir por los docentes, con el fin de
garantizar el disfrute infantil del dibujo como herramienta natural de expresión.

Palabras clave: Educación inicial; dibujo infantil; estrategias pedagógicas; creatividad

Strategies to stimulate the drawing in the students of initial education

ABSTRACT

The education initial’s teachers, in their eagerness of help the children in the
development as individual and successful beings, formulate questions to themselves
when the time comes to stimulate the drawing or creative skills inside the classroom.
The work tries to answer some of the frequently asked questions in the matter,
whereby it proposes to the teachers a series of pedagogic strategies to improve the
enjoyment of the drawing in the students of initial education. The research fundaments
itself in the documental revision of the references related to the raised problematic and
the experience of the author in the field area. The main pedagogic actions are
described with the support of the theory of the doctor Edwards (1984). The importance
of this work lies in the simplification of the strategies to follow by the teachers, with
the purpose of guarantee the children’s enjoyment of the drawing as a natural tool of
expression.

Key words: Initial education; childhood drawing; pedagogic strategies; creativity

INTRODUCCIÓN
El dibujo artístico es un medio de expresión espontáneo, libre de normas y, por ello,
pleno de satisfacción y alegría. Para los niños, el dibujo es un acto asociado al juego,
por lo cual es el producto de un encuentro agradable entre el lápiz y su mundo interior,
es un medio maravilloso para comunicarse con el lenguaje de las líneas. El pequeño
sólo necesita de su capacidad lúdica natural para dibujar, de su deseo de querer
transmitir un mensaje no verbal, una imagen que refleja su propia capacidad para
concebir y estructurar la realidad. Lowenfeld (1958; 1972) ha resumido las etapas de
maduración del niño y ha clasificado cada momento como parte de un proceso natural
de aprendizaje experimentado por el ser humano. Sin embargo, en algunas de las
escuelas venezolanas han entendido que tal proceso debe ser “reforzado” con técnicas
dibujísticas copiadas de libros para enseñar a dibujar y colorear con modelos
previamente diseñados; Inclusive, les imponen esos “ejercicios” a los niños bajo el
supuesto de que así lograrán mayor “maduración” de la psicomotricidad fina. Con tal
exigencia sólo consiguen agotar la paciencia y el interés de los niños, al punto de
perder el deseo de dibujar espontáneamente. Igualmente, se somete al niño a la copia
de “modelos” pre-dibujados que se cree, ayudan a adquirir la habilidad del dibujante,
como por ejemplo: frutas, animales, casas con chimenea – aunque no la hayan visto
nunca-, y demás estereotipos. El resultado es una gran frustración, pues ni los
modelos se corresponden con la realidad, ni se le respeta al niño su deseo natural de
expresión antes bien, se le encadena su creatividad y se le condena a esperar del
maestro un modelo adecuado para expresarse, convirtiéndolo en un ser pasivo y
dependiente. Sin duda, las actividades descritas anteriormente para enseñar la
expresión dibujística en los niños conducen a una profunda frustración de sus
habilidades comunicativas naturales y a la mutilación de sus capacidades creativas.
Entonces, ¿qué hacer? ¿Cómo facilitar el feliz desenvolvimiento de la habilidad gráfica
en el niño? ¿Qué estrategias podrían ser más adecuadas para motivar la creatividad y
el disfrute del dibujo en la educación inicial? La presente investigación aspira ofrecer
algunas respuestas a las interrogantes formuladas, y propiciar una indagación más
profunda sobre el tema del dibujo con la finalidad de ayudar a los maestros en la
delicada tarea de estimular la expresión en los niños de educación inicial y de las
primeras etapas de la escuela.

MÉTODO

El presente estudio se enmarca dentro del paradigma cualitativo dentro del campo de
las Ciencias Sociales, y se fundamenta en una investigación documental de tipo
descriptiva. Para abordar el problema investigativo se realizó una indagación
documental de las referencias relacionadas con la temática planteada. Con base en la
información obtenida y la experiencia docente del autor, se procedió a analizar la
teoría necesaria para darle respuesta a las interrogantes del problema, corroborando
cada afirmación con las fuentes consultadas.

RESULTADOS

Desde los primeros dibujos realizados en las piedras, conocidos como petroglifos, y las
hermosas pinturas geométricas hechas en las cavernas por los pobladores del territorio
venezolano antes de las llegada del conquistador español, hasta los sorprendentes
efectos logrados por las computadoras contemporáneas, el dibujo ha sido visto
fundamentalmente como una forma de expresión, como la capacidad para transferir en
imágenes las ideas, sucesos o cosas de un individuo o comunidad. La principal
motivación del ser humano para grabar una línea sobre la superficie sigue siendo la
maravilla de crear algo nuevo y disfrutar el resultado, para luego nombrarlo y ser
reconocido por otros como propio, casi como un hijo entrañable. En las manos de un
niño, el lápiz adquiere la voluntad de producir los más hermosos garabatos, monigotes,
personajes y monstruos jamás vistos. La poderosa inventiva infantil le imprime
singular fuerza a la línea, al trazo y la mancha. El experimento, el ensayo, el
atrevimiento, la búsqueda, el juego, el deseo de encontrar, no le permiten al niño
desmayar en su firme voluntad de ennegrecer la hoja, de dejar su huella y, sin muchos
apuros, es capaz de abandonar su dibujo y continuar con otro juego. Efectivamente, el
dibujo es una de las formas lúdicas de relación con su entorno. El niño juega a la línea,
la disfruta y teje con ella la más hermosa estructura, y refleja en ella también su
propia ruta hacia la madurez (ver Dibujo 1).

Dibujo 1. Mamá, te quiero. (Autora Débora Mujica Creyón sobre papel 21 x 28,5 cm)

Es evidente que el infante no requiere especial aprendizaje de técnicas y complicados

procedimientos dibujísticos para expresarse, sólo lápiz y papel le bastan. Es la
experiencia de dibujar, simplemente, y no la intromisión de esquemas, prototipos,
modelos o prácticas adultas erradas, lo que le permite al aprendiz desarrollar su
potencial creativo. Palópoli (2006), resume las cualidades del arte: El arte en general,
y en particular el plástico-visual, en nuestro caso, es esencialmente formativo y
humano. Despierta y desarrolla en el hombre sus visiones más sublimes, amplía
nuestra conciencia, eleva nuestro espíritu, nos transporta al mundo de las fantasías y
los sueños.

También permite al hombre transformar en metáforas visuales sus miedos, sus

visiones y recuerdos (p. 32). Pero ¿qué papel juega el maestro en el proceso
dibujístico del niño? Es importante señalar que las estrategias usadas por el docente
para introducir al estudiante en el arte, incidirán permanentemente en este, alentando
o frustrando su deseo de expresarse. Autores como Loomis (s/f), Lamber (1996),
Smith (1983) y Hayes (1980), señalan la necesidad de utilizar esquemas lineales para
construir el dibujo, proporcionarlo o hacerlo más realista, sin embargo, no aportan
estrategias adecuadas para implementar su enseñanza o estimular el desarrollo
creativo. Por su parte, Camp (1982), propone la copia de reproducciones de “los
grandes maestros” como destreza básica para aprender las técnicas pictóricas; no
obstante, esos temas ilustrados no motivan a los más pequeños pues los ejemplos
para hacer el duplicado están dirigidos a jóvenes y adultos. Para que este método sea
efectivo hace falta el concurso de representaciones realmente significativas, adaptadas
al país donde se desarrolle dicho modelo. En el caso de los estudiantes de los primeros
niveles escolares, los posibles modelos deberían ser tomados de una iconografía
adaptada a estos y cuyos contenidos le permitan comprender la cultura del país.

Un estudio más interesante, es el propuesto por Edwards (1984), el cual se resumirá

seguidamente con el propósito de suministrar una guía práctica de dibujo para los
maestros. Edwards (1984) desarrolló un ingenioso método para conectar al dibujante
con los procesos cerebrales del hemisferio derecho, el cual está encargado de procesar
la información gráfica de modo particular. Su valioso aporte consiste en demostrar que
cualquier persona puede desplegar sus facultades dibujísticas adormecidas o detenidas
durante su infancia. Los ejercicios propuestos por esta autora permiten disfrutar del
dibujo y están dirigidos a jóvenes y adultos deseosos de experimentar. El maestro
puede encontrar vías para sensibilizarse con la expresión gráfica y así poder ayudar a
los niños con más propiedad. En términos generales Edwards (1984), propone tres
etapas para comprender cómo se dibuja en forma realista, los cuales se describen a
continuación.

Dibujo de contornos puros. Se trata de delinear cualquier cosa que se desee dibujar
pero sin mirar la hoja donde se traza con el lápiz. Lo necesario es no mirar la hoja
donde se marca hasta el final de la observación, con lo cual se impide cualquier juicio
despectivo sobre lo elaborado. Esto permite desconectarse del proceso de desarrollo
del apunte y de la respuesta verbal del hemisferio izquierdo, el cual se especializa en
descalificar el esfuerzo creativo dibujístico. Se da paso entonces a los procesos del
hemisferio holístico, sensible, el lado creativo del cerebro. Ante la imposibilidad de ver
la hoja donde se traza, el dibujante tiene la oportunidad de detallar minuciosamente el
objeto dibujado, de disfrutar su trabajo sin emitir ningún veredicto fatídico o
despreciativo del mismo. El resultado de esta experiencia es un conjunto de líneas sin
orden aparente, pero percibidas de acuerdo a lo visto por el ojo mientras recorre el
modelo. Es necesario realizar los ejercicios de esta primera etapa durante un mes
aproximadamente, colocarle la fecha de realización, y tener paciencia, elaborando
estos registros sin darle importancia al resultado final (ver Dibujo 2).

Dibujo 2. Modelo descansando, 1992. (Tinta sobre papel. 24 x 33 cm.)

El dibujo de los vanos. Posterior a esta primera parte, Edwards (1984) propone la
observación de los contornos externos del objeto, de los espacios residuales o vacíos,
algo equivalente a “recortar la imagen”. Este paso constituye un modo especial de
observación, pues estimula la concentración de la mirada en el vano o hueco como
algo material, consistente, con vida propia, desde el cual se puede estructurar o
proporcionar el dibujo. Observar los vacíos permite tomar conciencia de los planos o
grupos de elementos que van apareciendo ante los ojos del dibujante y le ayuda a
descubrir una nueva manera de ver las cosas (ver Dibujo 3).

Dibujo 3. Matero, 1992 (Lápiz sobre papel. 24 x 32 cm)

Dibujo con referencia. Finalmente, la doctora Edwards (1984) propone la construcción

de las imágenes uniendo las dos experiencias descritas anteriormente. El dibujante no
mira el papel mientras realiza la línea (como en el ejercicio 1) pero, al sentirse
“perdido”, vuelve a ver la hoja donde traza para ubicar el lápiz en su lugar y continuar
con su trabajo, (de este modo se elaboró el Dibujo 4). Este proceso se repite tantas
veces como sea necesario con el fin de construir los trazos en forma más real, debido a
que se dibuja en el papel y se mira el modelo de manera simultánea. Así, se logra
proporcionar la imagen de acuerdo a lo contemplado. El dibujo se va haciendo en
forma progresiva a partir de la comparación de sus distintos vacíos o planos
integrantes, alcanzando gran similitud con el modelo observado (ver Dibujo 4).

Dibujo 4. Serie bocetos.

Carboncillo sobre papel. 21 x 28,5 cm. 1992. En resumen, dibujar con el lado derecho
del cerebro ayuda al maestro a experimentar un cambio en su percepción ordinaria y le
estimula a entrar en el camino creativo y placentero del dibujo, con lo cual puede
contribuir con más propiedad en la delicada labor de orientar las inquietudes artísticas
de sus educandos. Incluso, puede experimentar este método dentro del salón de clases
con los niños, y animarlos a ver de este modo la realidad.

Seguidamente se exponen en forma breve algunas razones por las cuales el dibujo es
considerado un medio privilegiado para la expresión infantil y se proponen
recomendaciones para ayudar a los niños de educación inicial con su trabajo en el área
de arte.

El dibujo como forma compleja de procesar la información espacial

Según Piaget e Inhelder (1982) «el dibujo es una forma de la función semiótica que se
inscribe a mitad de camino entre el juego simbólico… y la imagen mental con la que
comparte el esfuerzo de imitación de lo real» (Itálicas añadidas) (p. 70). Para este
autor, el niño dibuja por imitación, en otras palabras, entiende el dibujo como un
proceso de copia progresivamente más realista. Tal afirmación constituye un obstáculo
para entender el dibujo como una fuente de creatividad y recomposición de la realidad
del creador, aunque este último sólo tenga siete años de edad.
Para explicar las etapas de maduración del niño Piaget e Inhelder (1982) se apoyan
teóricamente en Luquet, quien clasificó los cambios del dibujo según las edades
expresando que: El dibujo del niño, hasta los ocho o los nueve años, es esencialmente
realista de intención, (Itálicas añadidas) pero que el sujeto comienza por dibujar lo que
sabe de un personaje o de un objeto mucho antes de expresar gráficamente lo que ve
en él (pp. 70-71). Es decir, el niño dibuja la imagen mental de aquello que desea
representar y paulatinamente lo hará en forma cada vez más realista. Desde esta
perspectiva, se puede argumentar la necesidad de mostrar “modelos correctos” al
estudiante con el fin de que estos puedan practicar y hacerlo más parecido. No
obstante, estos patrones, lejos de estimular en los aprendices el deseado realismo,
producen una gran frustración y desconfianza en sus propias habilidades, al punto de
creerse incapaces de dibujar.

En tal sentido, es necesario aclarar: (a) estos psicólogos no sugieren a los maestros la
adopción de modelos para enseñar a dibujar, como quizá se ha pensado, sino que
tratan de explicar, a partir del dibujo, lo ocurrido en la mente del ser humano como
proceso de maduración; (b) los modelos pueden ayudar si son mostrados sólo como
referencia, es decir, en una lámina general, por ejemplo: para señalar las partes del
cuerpo, y luego el niño las dibuja en su cuaderno; pero no en forma específica: con las
partes del cuerpo dibujadas previamente en una hoja, la cual se le da al niño para que
las pinte “sin salirse del contorno”. Como se puede observar, lo importante es señalar
que los psicólogos utilizan el dibujo como evidencia tangible de los complejos procesos
internos ocurridos en el ser humano cuando realiza dicha actividad. Más allá de la
simple imitación y sin negar su importancia, el arte en general implica un proceso
complejo y específico del ser humano para procesar la información visual.

Los recientes estudios sobre los hemisferios cerebrales corroboran la importancia del
arte para estimular el desarrollo de la inteligencia espacial (Brites y Almoño, 2004, pp.
125-139) y los procesos creativos. La teoría de las Inteligencias Múltiples desarrollada
por Gardner (1994), amplía la percepción de las habilidades mentales del ser humano
pues diversifica los criterios para considerar a una persona inteligente. De acuerdo con
este autor, el ser humano es capaz de procesar la información de múltiples maneras,
las cuales son entendidas como capacidades para: (a) abstraer, (b) decodificar, (c)
utilizar el cuerpo con destreza y plasticidad, (d) sensibilidad para la música y los
ritmos, (e) percibir formas, (f) relacionarse con los demás, (g) con uno mismo, y (h)
con la naturaleza. Estas habilidades se encuentran potencialmente latentes en todo ser
humano y su desarrollo dependerá de sus condiciones culturales. El despliegue de una
o varias capacidades sobre otras, determinará la vocación del individuo y su
desempeño como ser útil a la sociedad. De acuerdo con Gardner (1994), el dibujo se
corresponde con la inteligencia visual-espacial, o habilidad para percibir en forma de
imágenes, representarlas o construirlas en forma anticipada. Para Brites y Almoño
(2004), «el dibujo es también una técnica de pensamiento, favorece la solución de
problemas, es una poderosa ayuda conceptual» (p. 125). A continuación se sugieren a
los maestros de educación inicial algunas ideas o estrategias fundamentales para
ayudar a los pequeños en el proceso del dibujo y la expresión en general. Estrategias
para ayudar a los pequeños en el proceso del dibujo

• Dime cómo se hace. Hay que preparar al niño para la clase de arte y enseñarle los
hábitos de limpieza concernientes al trabajo y todas las conductas que crea necesarias
para su buen desempeño en esta área. La mejor estrategia para lograr un aprendizaje
significativo en el arte es la demostración del docente: explíquele al niño cómo lo haría
y aclare todas las dudas técnicas antes de empezar, pero al momento de hacer arte,
debe dejársele libre.
• Me gustan los creyones de colores vivos. Permitir al niño disponer de su espacio
para dibujar, con suficiente iluminación y variedad de materiales o instrumentos de
dibujo: lápices de colores, hojas de reciclaje, marcadores, entre otros. En este punto
es necesario insistir en darle al pequeño todos los recursos disponibles y de excelente
calidad, como: lápices de dibujo, creyones acuarelables, pinceles de diferentes
tamaños y papeles o libretas para trabajar con técnicas de pintura.

   Hay que pensar si la exitosa experiencia de las orquestas infantiles venezolanas,

reconocidas mundialmente por su calidad y alto nivel de impacto social, hubiese sido
posible con instrumentos baratos o desafinados. Es preferible solicitar a cada
representante un sólo pincel o material de calidad para compartir en clase entre los
estudiantes, y no todo el costoso equipo para cada hijo. Los niños que comparten sus
materiales aprenden a trabajar en equipo y se sienten más integrados a su clase.

• Si oigo música me siento feliz. La música es uno de los elementos fundamentales
en la clase de arte. El llamado Efecto Mozart surgió de pruebas sobre rendimiento
donde los estudiantes mejoraron su desempeño cuando trabajaron oyendo música de
Mozart y de otros clásicos. Actualmente existe suficiente información en la Web sobre
el tema, con páginas electrónicas donde se sugieren algunas composiciones útiles para
estimular a los pequeños dentro de las actividades escolares.

• Yo aprendo cuando lo hago. De acuerdo con lo expresado en el marco teórico, es

necesario no proporcionarle al niño modelos previamente elaborados o tomados de
libros para copiar o colorear, como por ejemplo: tarjetas de navidad, del día de las
madres o del árbol. Estas imágenes son diseñadas para servir de “dibujos base” o para
ser completados por los pequeños, sin embargo, producen un efecto adverso en el
desarrollo de su personalidad, por distintas razones:

(a) limitan la creatividad natural del niño, pues lo encierran en patrones

preconcebidos, supuestamente “correctos”;

(b) estimulan la pasividad o falta de iniciativa para dibujar, porque el niño se

acostumbra a esperar que le den casi todo hecho, y a copiar solamente;

(c) algunas veces, las imágenes usadas introducen valores o contenidos incompatibles
con las costumbres venezolanas, como las fiestas de Hallowen, por ejemplo.

Frente a esta actividad castradora, es preferible estimular a los estudiantes leyéndoles

cuentos o historias que le permitan fantasear y describir con imágenes propias su
dibujo. El mejor diseño es el realizado por el propio niño, así se sentirá valorado y
querido por lo que hizo con sus propias manos.

• Me siento feliz dibujando. En lo posible, hay que permitir al niño expresarse
libremente, sin imponer modelos o conductas supuestamente adecuadas. Es necesario
respetar su dibujo, esto aumenta su autoestima y lo estimula a buscar soluciones
propias a sus necesidades en otras áreas. El arte es un medio de expresión de los
sentimientos, deseos ocultos y angustias, entre otros. En el siguiente ejemplo (ver
Dibujo 4), se puede corroborar la importancia del dibujo como medio de expresión del
niño.

Dibujo 5. La perra negra, 2001. Autora: Irene Mujica (Lápiz sobre papel. 28 x 21,5
cm)
El dibujo fue realizado por una niña que observó cómo su perra atacaba mortalmente a
un gato callejero. Nótese que el animal está representado con una mirada
atemorizante y en el espacio correspondiente a su estómago, la pequeña dibujó el
gato, simbolizando lo ocurrido. El hecho violento conmovió la mirada infantil y el dibujo
le permitió drenar esa angustia. Se debe privilegiar la expresión por encima de la
técnica de no salirse de la línea, como ocurre en la cola del animal representado por la
pequeña. La práctica continua del dibujo hará que se ajuste el coloreado al contorno
del dibujo en forma progresiva, sin presionar al educando para que esto ocurra. Una
de las razones por las cuales los pequeños desisten de dibujar, es la imposición
ejercida sobre ellos para no salirse de la línea del contorno del objeto representado
cuando lo están colorando con creyones. Esta solicitud tiene como fundamento el
desarrollo de la motricidad fina en el estudiante, sin embargo, reduce el disfrute del
dibujo y estimula el desagrado por esta actividad. El dibujo es una herramienta para
mostrar el nivel de madurez alcanzado por el niño y nunca un recurso para imponerle
condiciones, para limitar su desempeño con la copia o el relleno del espacio dado.

• Me gustan las plantillas. Si el niño colorea y se sale de la línea se debe sugerirle
hacer lo contrario: pintar desde el borde externo del dibujo, así le dará la oportunidad
de concientizar lo interno y lo externo como partes de un mismo espacio pictórico. Se
puede aplicar en este punto la experiencia del método de Edwards (1984) referida a
los vacios. Fernández (2008), propone el uso de plantillas de cartón con siluetas
sencillas creadas por los estudiantes.

Los moldes sirven de dos maneras: (a) para colorear el papel directamente con estos,
con lo cual se impide que las líneas se salgan de los bordes de la figura; y (b)
dibujando la imagen repetidas veces en el papel, sin importar la superposición lineal de
estas, para luego darle color donde ocurran las intersecciones (p. 46). El uso de
plantillas elaboradas por los mismos niños, así como máscaras y otros objetos hechos
en clase, aumentan la confianza en sí mismos como seres creativos.
• Quiéreme así, como soy. Es mejor evitar cualquier juicio sobre el trabajo creativo
de los niños, por lo que es importante no tratar de escribir sobre los dibujos o
calificarlos con nota. Cualquier trazo hecho sobre la hoja donde el niño ha trabajado
constituye una invasión a su espacio creativo, una falta de respeto. Si se desea
expresar algo, se debe escribir detrás de la hoja o en papel aparte. Todo dibujo está
bien realizado, aunque se salga del formato o lo haga muy pequeño. Si esto último
ocurre, puede ser un síntoma de baja autoestima, lo cual se debe corregir con mucho
amor y aceptación, y no con más crítica. El calificativo de malo y feo, escrito sobre el
trabajo, convierte al maestro en un desagradable crítico, juez o verdugo, además de
irrespetarlo, le baja la autoestima, le crea una profunda dependencia hacia la opinión
ajena, y le desestimula a disfrutar del placer de dibujar para expresarse. Ayude al niño
observar el trabajo de sus compañeros, lentamente él mismo tomará conciencia de sus
logros e irá mejorando con la práctica.

• Me siento importante cuando expongo mi trabajo. No importa si se crea o no

cuán acertados están las obras del niño, siempre son expresivas y por lo tanto son el
resultado de un sentimiento, de una inquietud exteriorizada, por eso se debe mostrar a
los demás y comentar con respeto. Muchos niños dejan de dibujar simplemente porque
nunca exponen sus trabajos en cartelera, en la pared o en cualquier espacio digno, por
lo cual concluyen que no saben hacerlo, o su trabajo no vale, aunque nunca se lo
cuenten al maestro.

• Somos felices juntos. Una vez expuesto dignamente el dibujo, de ningún modo se
deben comparar entre sí, cada niño tiene su propio proceso de maduración y debe
recorrerlo felizmente. Si se comparan sus trabajos, lejos de ayudar, lo abochornará
delante de los compañeros y se sentirá destruido y lleno de culpabilidad. La burla o la
comparación empobrecen la autoestima y perjudican el desempeño creativo.

• Soy un artista. Nunca se debe castigar a un niño por marcar la pared o cualquier

lugar del salón o de su casa. Esto mataría el deseo de volver a dibujar y le enseñaría
que es malo porque “ensució” su espacio y jamás volvería a sentir el placer de dejar su
huella. Tampoco se puede obligar a borrarlo, para el niño, esa imagen tiene
importancia, está colmada de significado, por lo cual espera de usted un halago ante el
esfuerzo de crearlo. Antes bien, hay que sugerirle que puede hacer apuntes sobre
hojas de papel colocadas en la pared o en el sitio donde le gusta dibujar. Cualquier
expresión negativa borrará para siempre en el pequeño su deseo de trazar libremente,
se habrá aniquilado al artista, y si vuelve a dibujar, lo hará sólo por obligación y sin el
menor deseo de disfrutarlo.

• Vamos a celebrar. Finalmente, una exposición con todos los trabajos realizados por
los niños durante el año escolar es lo recomendable, para ello se debe reunir a los
padres, a los otros maestros e inaugurar el evento donde se usen palabras de aliento.
Ese será un día hermosamente recordado por los niños y los ayudará a sentirse
orgullosos de sí mismos. Para Hervás (2007) «Hacer exposiciones es una manera de
reflejar el trabajo realizado durante un tiempo, que nos permite valorar el goce y el
esfuerzo de crear» (p. 48). Además, afirma esta autora, dignifica el trabajo del
pequeño y del docente, refleja sus intereses y sirve de estímulo para seguir creando.

Las estrategias señaladas hasta aquí aspiran ser suficientes para ofrecer a los
maestros de educación inicial y de las primeras etapas de la escuela básica algunas
herramientas útiles en su labor diaria para la formación en arte. Queda abierta la
posibilidad de seguir investigando en herramientas novedosas, como los programas de
dibujo empleados en las nuevas tecnologías, para su incorporación en la escuela.

CONCLUSIONES

La difícil tarea de los educadores consiste en ayudar al estudiante a disfrutar del

conocimiento, a gozar de la libertad dentro de las normas, a cultivar el espíritu, en fin,
a desarrollar todo su potencial como ser humano. De este gran esfuerzo se obtiene un
ciudadano feliz de ser venezolano, de vivir en una patria hermosa y acogedora, a la
cual le dará lo mejor de sí con su trabajo. En el proceso de crecer, el dibujo se
convierte en una especie de confidente, en un diario de imágenes maravillosas para
narrar la vida transcurrida. El arte está llamado a ser testimonio cultural, por eso,
quien hace dibujo, pintura o cualquier expresión artística, se convierte en una parte de
la historia del país. Su obra hará revivir la conciencia de pertenencia a una tradición
milenaria de creadores y se incorporará a ésta, acrecentando su patrimonio. Por tal
motivo, todos los esfuerzos por hacer de los pequeños y jóvenes unos seres creativos,
habrá valido la pena.

REFERENCIAS

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dinámicas para multiplicar las formas de aprender utilizando al máximo las
capacidades de la mente. Buenos Aires.Bonum.        [ Links ]

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1979).        [ Links ]

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la escuela. Venezuela: El Nacional.         [ Links ]

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Rodríguez (Dir.). La educación artística en la escuela. (pp. 43- 50). Caracas:
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dibujo. (María Teresa Velcarce Labrador, trad.) Madrid: Hermann Blume         [ Links ]

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