T2 PERÍODO ENTRE

GUERRAS
&
ESTÉTICAS POST
SEGUNDA GUERRA
MUNDUNDIAL
American Streamline - Escuela de Ulm -
Pop - Grupo Memphis

(Autora)
María Terán

(Docente)
Concepción Gª de la Torre Raboso

Trabajo de Primer Cuatrimestre

Historia del Diseño Industrial
Madrid, mayo 2021.

Técnico en Modelismo Industrial

ESCUELA ARTEDIEZ
INDICE
Siglo XX ............................................. 4
Henry Dreyfuss ....................................... 9
Mercury Trains ............................................. 9
The Westclox Big Ben alarm clock .......................... 10
Telefono Modelo(302 ) ..................................... 10
La medida del hombre: factores humanos en diseño .......... 11
Thermos carafe ............................................ 11
La Hochshule fur Gestaltung de Ulm .................. 12
Hochschule fur Gestaltung (HfG) de Ulm .................... 12
Dieter Rams ......................................... 15
Pocket Radio (model T3) ................................... 15
Portable Transistor Radio and Phonograph (model TP 1) ..... 16
Automatic Slide Projector (model PA 2) .................... 16
Sun Lamp (model HUV 1 XX) ................................. 17
606 Universal Shelving System ............................. 17
Calculator (model ET 55) .................................. 18
¿es mi diseño un buen diseño? ............................. 19

POP ................................................. 20
Ingo Maurer ......................................... 22
Bulb ...................................................... 22
Ya Ya Ho Adjustable Lighting System ....................... 23
Lucellino Wall Lamp ....................................... 23
Los Minimalos Dos Table Lamp .............................. 24
Porca Miseria! Candelabro ................................. 25
La Valentine (“The Portable Red”) ......................... 29

Grupo Menphis ....................................... 25
Ettore Sottssass .................................... 27
Gabinete Casablanca en miniatura .......................... 27
Ultrafragola mirror ....................................... 27
Tappeto Volante" (Flying Carpet) sofá ..................... 28
Teléfono Enorme) .......................................... 28
La Valentine (“The Portable Red”) ......................... 29
Cabinet no. 69 ............................................ 30

Comparativa ......................................... 32
Bibliografía ........................................ 33

Siglo XX

Introduciendo al siglo XX, los años entre 1895 y 1914 se
caracterizan por un acelerado crecimiento económico, a raíz de la segunda
revolución industrial.
Los problemas socio económicos y políticos derivados de la búsqueda de
materia prima y nuevos mercados en África y Asia, dan inicio a una carrera
de armamento en Europa promovida por los grandes imperios. Sobre el tablero
Alemania y Francia en conflicto por la supremacía de Europa; la agenda
política del imperio Británico como guardián mundial con su poder
desplegado en la flota naval; así como el malestar estructural por
cuestiones políticas, lingüísticas, religiosas, versus territorio. Devienen
a que e el 28 de julio de 1914 estalle la Primera Guerra Mundial, que deja
un continente europeo debilitado y a Estos Unidos y Japón en pugna por una
hegemonía global.

La expansión del imperialismo, así como el robustecimiento

exponencial del capitalismo, genera tensiones sociales e ideológicas que
crecen desmesuradamente. A su vez Rusia desde 1917 con la revolución y el
auge del comunismo, avanza y esparce doctrinas totalitarias por todo el
continente. Aunque en los años 20´s ocurre una relajación del
enfrentamiento, por otra parte surge el fascismo italiano en el año 22.
Con una democracia liberal craquelada, el sistema capitalista entra en
crisis, dando la brutal caída de la bolsa de valores de Estados Unidos;
llamada La Gran Depresión de las naciones industrializadas.

Con problemas que de base no fueron saneados, Europa continua en

conflicto con una participación mundial en ello. El mundo se divide en los
aliados versus las potencias del eje. Esto representa la contienda bélica
mas grande de la historia, en la que se invirtió todo esfuerzo económico,
tecnológico y militar. Esto dio como resultado el Holocausto, la
destrucción masiva y la catástrofe nuclear. Desde el año 1939 hasta el 45,
penetró y transformó profundamente el orden político y las estructuras
sociales. Con la rendición de Japón y la captura de Berlín, Estados Unidos
y la URSS quedan enfrentadas en lo que sería por 46 años la Guerra Fría.
Por otro lado, se concretan los procesos descolonizadores de Así y África,
e inicia los planes de recuperación económica y cohesión política sobre
todo en occidente.

A partir de los años 60´s en general, se adoptan estrategias menos

combativas; las ideologías tienden hacia una coexistencia. Los comunistas
hacia una posición mas social-democrática; y los liberales a un
neocapitalismo en Europa. Aunque este ultimo, por tendencia estructural del
consumo, provoca nuevas problemáticas como la masificación. Esto, queda
evidenciado en el desequilibrio medioambiental y social, que serán
defendidos por los movimientos contraculturales; a estos se les debe la
liberación de la mujeres y la denuncia abierta en contra al racismo.
 En 1970, la crisis energética provoca una recesión a lo largo de
diez años, cuyo tratamiento en países como Inglaterra y Estados Unidos, fue
liberar el mercado. En los 80´s ya con el espíritu combativo agotado, el
escepticismo frente a las grandes instituciones aumenta. La era posmoderna
que de panorama tiene un futuro incierto, es una sociedad desprovista de
cualquier confianza en la política.

Aunque en 1990 el internet inaugura una época de avance y evolución

tecnológica sin precedentes, por otro lado el conflicto del Oriente Medio y
la degeneración del medio ambiente parecen no dar señales de terminar. La
desigualdad entre clases sociales es cada vez mas marcada, existiendo
países en completa miseria que generan movilizaciones migratorias masivas.
Streamline
La investigación técnica, científica e ingenieril, demandada por el
floreciente campo de la aviación, daba como resultado figuras redondeadas,
lisas, ligeras, que proporcionaban estabilidad y seguridad a las naves.
Similar a la fascinación de los futuristas, en Norteamérica la fijación
por maquina, el movimiento, la velocidad, será insignia dentro de la
historia del diseño estadounidense. Representaba la idea de vivir con
dirección al futuro, en constante movimiento.

“Lo aerodinámico se fue convirtiendo así en un argumento formal que

significaba velocidad y eficacia y, por extensión, se convertía en la
metáfora del progreso y el símbolo del modelo espíritu
norteamericano.”
(Campi, 2015)

A raíz de la Gran Depresión, el mercado estadounidense estaba en la

búsqueda de estrategias para motivar al consumidor. El llamado
aerodinamismo, que en su origen fue un recurso funcional destinado a la
industria del transporte, sería absorbido como tendencia, styling 1 . La
silueta con forma de lagrima, abultada hacia lo posterior y delante en
punta, que se aplicó a trenes, aviones, coches; también se hizo en lo
objetos mas comunes de la vida diaria. Aplicado a objetos que nada tenían
que ver con el mundo de la velocidad. Pero que sin embargo, hacían uso
simbólico de los materiales y formas. Recurrían a lo estético en búsqueda
de un futuro “mejor”.

Forma de Gota

Forma generada a partir del
corte transversal de
un segmento diseñado para
mejorar su resistencia
aerodinámica.

Basada los estudios de

resistencia en túneles de
viento en los años 20.

1
El styling puede considerarse como el primer estilo
propiamente estadounidense. No respondía a cánones teóricos, y
sí a las exigencias del mercado. Sus diseños entraban en
consonancia con los procesos de producción, lo que permitía
abaratar costes y estar al alcance de más sectores de
población. (Silvestre, 2018)

 La conjugación el color blanco, esquinas romas, piezas cromadas,
aparatos automáticos comunicaban eficiencia, tecnología e higiene. Es
evidente tratamiento simbólico/comercial de este movimiento, sin embargo,
también responde a las exigencias de varias de las técnicas y materiales de
fabricación industrial. Siendo los contornos redondeados aptos para el
desmolde; el metal y el plástico óptimos para la inyección, prensado y
troquelado (por decir unos pocos).

Lavadora modelo
Lavadora
32-33
Maytag Maytag
Motor a la vista, a combustible Partes mecánicas fueron cubierta con
Iowa, Estados Unidos una carcasa metálica blanca, detalle
1937 de un borde cromado, motor eléctrico
Iowa, Estados Unidos
1939

1937
En 1939 el concepto de objetos utilitarios “para toda la vida”,

cambio por un flujo de productos reemplazables con ciclo de vida muy corto;
a esto se le llamo obsolescencia programada.
El Streamline encontró en los electrodomésticos, un espacio para evocar el
significado de la casa moderna. Aunque ciertamente, muy vinculado a la
publicidad y al mero consumo, también fue la gran oportunidad que tubo el
diseño para preguntarse sobre las nuevas necesidades de una sociedad
industrializada.

Streamline Lounge
Chair Plancha
Ken Weber Raymond Loewy
Madera, perfiles metal cromado,
cuero Hierro
EEUU,1939 EEUU, 1930-1940

Henry Dreyfuss

Cuando se lee o pronuncia el apellido Dreyfuss en un ámbito de
diseño, es inevitable que alguna referencia bibliográfica salte a la mente.
Nacido el 2 de 1904 en Nueva York; Henry Dreyfuss pasará a la historia a
través del estudio del Diseño Industrial por su obra, tanto de carácter
creativo, como metodológico. Y es que si se habla de educación en esta
disciplina, fue Dreyfuss quien sentará algunas bases sobre el trabajo del
diseñador, así como también dejará algunos textos emblemáticos para quien
estudia dicha carrera.

Desde temprana edad, colaboraba en producciones teatrales en

Broadway; en otros casos, se confiaba en su criterio para evaluar,
negociar y proponer soluciones directamente con los fabricantes de
mercancías. Dreyfuss contaba con la habilidad de expresarse a través de
dibujo, atributo que le permitía señalar con claridad como mejorar un
diseño; aunque para el, la comunicación con el fabricante debía emprenderse
desde la primera fase de la producción, y no solo como un ajuste.

Mercury Trains
Henry Dreyfuss
Locomotora Hudson producida para el ferrocarril central de
Nueva York y su principal servicio expreso a Chicago.
EEUU, 1938

 Destacó en una serie de productos punteros en su época; diseños
interfaz de nuevas tecnologías, tecnología fresca que estaba buscando
forma. En 1930 crea para Bell Laboratories el teléfono “Princess”, un
artefacto pensado para la mano de una adolescente; se trata de diseño
enfocado a sector especifico del mercado.
Su rango creativo fue amplio; cabe destacar que se trata de los primeros
ejemplares de un producto direccionado a un ámbito especifico del mercado.
Es un punto de desarrollo de la disciplina, que se empieza a indagar en el
consumidor. En su edad, genero, medidas, aspectos que serán cruciales de
aquí en adelante para el diseño producido a escala industrial.

The Westclox Big Ben Teléfono Modelo 302

alarm clock Henry Dreyfuss
Henry Dreyfuss Manufacturación: Western Electric
Manufacturación: Westclox Company, Moldeado en baquelita
Division of General Time 1937
Instruments Corp. (La Salle,
Illinois)
Metal, metal cromado, esmalte,
cartón impreso

Dreyfuss, astutamente, nota los puntos de inflexión entre los
objetos y las personas, nota los cambios, recolecta información y en el año

1960 publica The Measure of Man. Este libro puede ser considerado una obra
indispensable en la biblioteca de cualquier diseñador, ya que
reúne/describe al cuerpo humano y sus movimientos. Hoy en día la Ergonomía
constituye una clave imprescindible para la a comprensión del factor humano
en el diseño.

 La medida del hombre:
factores humanos en
diseño

Henry Dreyfuss
Whitney Library of Design
Tratado de antropometría en el
que explica de forma detallada
las medidas del hombre, al cual
acota en su totalidad, y en
función de los elementos de
diseño que a éste le rodean, como
pueda ser un coche o una silla.

EEUU, 1 enero 1967

Thermos carafe

Henry Dreyfuss
Manufacturadpo: The American
Thermos Bottle Company
Esmalte, aluminio, corchovv
14.9 × 15.2 × 12.7 cm
Norwich, Connecticut. EEUU, 1935



La Hochshule fur
Gestaltung de Ulm
A mediados de la década del 40, la pedagoga Inge Scholl y el
diseñador gráfico Otl Aicher abren un centro de formación para adultos,
donde logran reunir a mas de dos mil socios para el aprendizaje de oficios
manuales y ciclos de conferencias. Para la dupla, la democracia y la
educación estaban profundamente conectadas; buscaban inculcar una cultura
estética como base para la reconstrucción no solo material, sino espiritual
del pueblo alemán. Entiendo el contexto del uso perverso de la estética en
la Alemania nazi, este intentaban emancipar la forma del antiguo régimen.
Así, entre los años 1949 y 1950, la pareja y Wegner Richter (escritor)
emprenden el programa para una escuela de cultura y política.

En el 49 Scholl y Otl se encargan de organizar la exhibición Gute

Form 2 e n Ulm, muestra comisionada por la Werkbund Suiza. Uno de sus
autores, Max Bill, coincidía con estas ideas de reformar a la cultura no a
través del arte, sino a través de los productos comerciales- Esta
distinción, que entiende al diseño como un conjunto de actividades
políticas, será la arteria principal del programa de la Escuela de Ulm.
Y así pues, Bill asumirá la dirección de la misma, desvinculando a Wegner
Richter para evitar problemas con la administración pública. Esta serie
parámetros iban muy en consonancia con el Plan Marshall para la
desnazificación desde dentro, con lo que consiguieron financiación a través
de el.

Hochschule fur Gestaltung (HfG) de Ulm

Max Bill
Am Hochsträß 8, Ulm, Alemania
1950-1955

2
El término "Gute Form" fue acuñado en la década de 1950 en Alemania y
representa un diseño que debe ser atemporal. Una estética basada en
priorizar la funcionalidad del objeto, donde la validez del diseño
permanezca allá del espíritu de moda.
 En 1953, en una ciudad alemana ubicada entre Stuttgart y Múnich, se
funda la Hochshule fur Gestaltung de Ulm. Una escuela cuyos principios
progresistas y socialmente responsables, harán que toda la esfera del
diseño, regrese a ver y aplique esos valores. El grupo de intelectuales
liderado por Scholl, consigue financiar el proyecto con el apoyo de varios
inversores privados, y a su vez, el gobierno de Estados Unidos. Una de las
ideas cardinales, fue el uso de la educación como herramienta para la
regeneración del tejido roto dejado por la guerra; en ese sentido, un
objetivo de la HFG, era restaurar la sociedad a través de los objetos de
consumo. Y para ello, habían de tomar el caos y reordenarlo, haciendo uso
de la Gestlatung3 como metodología para el diseño.

El esquema de estudios se ofrecían formaciones de cuatro años

intensivos, de hecho, continuado con la idea de colonias de artistas, la
HFG funcionaba como internado. Se impartían enseñanzas en: Diseño de
Producto, Comunicación Visual, Construcción Industrializada y Ciencias de
la Información. Estaba clasificada como un enseñanzas superiores, pero no
contaban con titulación oficial. El ingreso era a través de exámenes y
entrevistas, en los que se debía demostrar un talento distintivo y una
actitud especial; fue un proyecto que tenia capacidad para educar a 100
estudiantes por año, a pesar de ello, luego de 15 años solo graduaron
alrededor de 600. Contaban con un puñado no mas grande que de veinte
profesores fijos, pero organizaban conferencias y seminarios por los que
pasaron mas de doscientos invitados.

Fue una escuela que cuyo legado radica no radica en los objetos o
tendencias producidos, sino, en la investigación de metodologías y para el
diseño… y por el trabajo de sus docentes queda claro que allí no sólo se
trasmitían conocimientos sobre el diseño como profesión sino que además se
puso gran empeño en generar nuevos conocimientos sobre la disciplina. De
hecho, se trasladó la profesión del diseño del estudio del artista al
laboratorio. (Campi, 2016) Tenían un claro enfoque hacia el diseño como
encuentro de no solo estético, pedagógico y ético; sino de la integración
de las humanidades, ingeniería, ciencias, política y economía. A demás se
distingue de cualquier otra escuela de su tipo por abordar la cuestión de
la responsabilidad social de los diseñadores y el fuerte impulso para el
desarrollo del diseño como una actividad basada en la investigación.

Compartía con la Bauhaus esta visión unificada de diversas formas de

actividad creativa para la formación de un técnico generalista, basado en
un fuerte juicio crítico y una sólida experiencia. Así, el primer año era
de carácter general y obligatorio Grundlehre; era un año compartido con

3
Gestalt es un término alemán, sin traducción directa al castellano, pero
que aproximadamente significa "forma", "totalidad", "configuración”. El
Enfoque Gestáltico (EG) es un enfoque holístico; es decir, que percibe a
los objetos, y en especial a los seres vivos, como totalidades.
toda la escuela, que tenía el fin de entender y reconocer las
interrelaciones entre disciplinas. Sin embargo, la Bauhaus persiguió la
idea de la reactivación de las artes bajo la primacía de la arquitectura;
mientras que la Escuela de Diseño de Ulm quiso dar respuestas constructivas
a las demandas tecnológicas. Otra de las diferencias fundamentales fue la
diferenciación entre el carácter emocional artístico de la Bauhaus frente
al enfoque racional técnico de Ulm. Y de esta ultima, uno de los valores
que mas se rescatan y prevalecen hasta la actualidad, primar la
responsabilidad social del diseño, y con esto quiere decir abandonar el
genio romántico de las formas aisladas, para optar por el análisis del
contexto Tienen que empezar analizando el contexto y olvidarse de la idea
romántica de crear formas aisladas. Los diseñadores están involucrados en
todos los sectores de la economía. Por tanto, también forman parte de todos
los problemas que tenemos que afrontar en la actualidad, los recursos, la
contaminación, la energía, etc.
Dieter Rams
Dieter Rams (nacido el 20 de mayo de 1932 en Wiesbaden, Hessen) es
un diseñador industrial alemán estrechamente asociado con la empresa de
productos de consumo Braun y la escuela funcionalista de diseño industrial.
Comenzó sus estudios de arquitectura y decoración de interiores en la
Escuela de Arte de Wiesbaden en 1947. Fuertemente influenciado por la
presencia de su abuelo, un carpintero, en el año 1948 se dedica al
aprendizaje de dicho oficio. Mas tarde en el mismo año, reanuda sus
estudios en la Escuela de Arte de Wiesbaden en 1948 y se gradúa en el año
1953 con honores, después de lo cual comienza a trabajar para el arquitecto
Otto Apel, en Frankfurt. En 1955, fue contratado por Braun como arquitecto
y diseñador de interiores, convirtiéndose en director de diseño de Braun
desde 1961 hasta 1995.

Pocket Radio (model T3)

Dieter Rams,
Manufacturación: Braun AG
Plástico moldeado
Hochschule für Gestaltung, Ulm, Germany
1958
 Rams propone salirse de las estéticas historicistas y emocionales
que habían sido usadas hasta el momento, plantea me una metodología de
trabajo entre el departamento técnico y de diseño, en la que el producto y
su forma serán la consecuencia racional de su funcionamiento y la
integración de sus elementos. “Un diseñador que quiere lograr un buen
diseño no debe considerarse un artista que, según el gusto y la estética,
no es más que vestir productos. […] El trabajo del diseñador es en gran
parte racional, lo que significa que las decisiones estéticas están
justificadas por la comprensión del propósito del producto ". (Rams, 2020)

Esta armonización entre técnicos y diseñadores también iba sostenido

por un código de color y una modulación de la forma. La paleta reducida a
gris, blanco y crema, de base; la geometrización máxima de cualquier botón
o interruptor; la tendencia ubicar todo sobre el plano frontal, para
favorecer la comprensión del equipo. Y sobre todo, weniger, aber besser;
Antoine de Saint Exupery ya lo había dicho, La perfección no se alcanza
cuando ya no queda nada por añadir, sino cuando no queda nada por quitar.

Portable Transistor Radio Automatic Slide

and Phonograph (model TP Projector (model PA
1) 2)

Dieter Rams Dieter Rams

Manufacturación: Braun AG Manufacturación: Braun AG
Carcasa de plástico, marco de Aluminio esmaltado, plástico,
aluminio y correa de cuero. acero esmaltado, aluminio y
4.4 x 23.5 x 15.2 cm vidrio
Frankfurt, Alemania Dimensiones
1959 21,6 x 19 x 24,1 cm
Frankfurt, Alemania
1956

 Al producir aparatos electrónicos que destacaban por su estética
austera y facilidad de uso, Rams convirtió a Braun en un nombre familiar en
la década de 1950. Durante su carrera, junto con su equipo, diseñó más de
100 dispositivos icónicos, algunos de los cuales aparecen permanentemente
en las colecciones de diseño del MoMA, o son muy demandados por los
coleccionistas de diseño en la actualidad. "Lo que hicieron Dieter Rams y
su equipo en Braun fue producir cientos de objetos maravillosamente
concebidos y diseñados: productos que se hicieron con gran belleza en
grandes volúmenes y que eran ampliamente accesibles". (Ive, 2013) Rams y su
personal diseñaron muchos productos memorables, incluido el famoso
tocadiscos SK-4 y la serie "D" de alta calidad (D45, D46) de proyectores de
diapositivas de película de 35 mm.

Desde 1960 también empezó a colaborar con Vitsœ, un fabricante de

muebles para el que diseñó todas las piezas que producía, desde el
asombroso sistema de estantería universal 606 hasta las mesas y sillas. La
apariencia de los productos que diseñó encaja perfectamente con su función,
sin sobrecargarlos con nada superfluo: su estética es la pura contraparte
de su función.

Sun Lamp (model HUV 1 XX) 606 Universal

Shelving System
Dieter Rams, Reinhold Weiss, Dietrich Lubs
Manufacturación: Braun AG Dieter Rams
Técnica desconocida Manufacturación: Vitsœ,
Frankfurt, Alemania Aluminio extruido
1964 anodizado, aluminio
fundido a presión y
poliéster
acero con recubrimiento
en polvo, tablero de
fibra lacado y acero.
Dimensiones variables.
1960

 De 1981 a 1997 enseñó en la Hochschule der bildenden Künste
(Academia de Bellas Artes) de Hamburgo. Miembro numerosas academias,
asociaciones, consejerías y clubs de diseño alrededor del mundo. Ha
recibido varios reconocimientos incluido un título honorífico del London
Royal College of Art en 1989, la World Design Medal de la Industrial
Designers Society of America en 1996 y el Compasso d'Oro Lifetime
Achievement Award en 2014. En el año 1995 publicó por primera vez el
exitoso libro “Less but better” (Design Verlag, 1995), una monografía
fundamental sobre el trabajo que realizó en Braun y su filosofía de diseño.

Todo lo que creó en sus 40 años en Braun es extraordinariamente

minimalista y elegante, increíblemente fácil de usar y sin mediación:
utilizando diseño gráfico, las proporciones, la forma y los materiales
correctos, creó orden y precisión. La formula de Rams es tan pulida, que
varias marcas ya han hecho referencia directa de su obra. La apariencia de
la aplicación de calculadora incluida en iOS 3 imita la apariencia de la
calculadora Braun ET 66 de 1987 diseñada por Rams y Dietrich Lubs; o la
apariencia de la pantalla que ahora se reproduce en la propia aplicación
Podcast de Apple imita la apariencia del carrete Braun TG 60 grabadora de
cinta de carrete. No es raro que se le considere uno de los diseñadores
industriales más influyentes del siglo XX. Su obra y su criterio son muy
relevantes hasta hoy en día, ya que Rams aplicaba el diseño ya atendiendo
la creciente e irreversible escasez de recursos naturales; alertaba sobre
la necesidad de que los diseñadores asuman más responsabilidad por el
estado del mundo y el entorno que los rodea.
Los diez principios de "buen diseño"

Calculator (model
ET 55)

Dieter Rams, Dietrich Lubs

Manufacturación: Braun AG
Carcasa de polímero ABS
13,6 x 7,8 x 1 cm
Frankfurt, Alemania
1980

Rams introdujo la idea de que la obsolescencia era un crimen en el diseño
en la década de 1970. En consecuencia, se hizo la siguiente pregunta:

¿es mi diseño un buen diseño?

La respuesta continua vigente hasta hoy.

POP
Al finalizar la Segunda Guerra Mundial, el funcionalismo se había
extendido a lo largo del mundo. Iba muy bien con el movimiento
internacional acrecentado por la industria aérea, los viajes cada vez eran
mas rápidos y mas accesibles. Fue un momento donde se generaron empresas
transnacionales, negocios, y en general el mundo vio un antecedente de
globalización. Por lo que el llamado Estilo Internacional encaja; era
neutro, elegante, contenido, iba bien en los aeropuerto, en los hoteles,
pero también en las oficinas. Así, fue vinculado con una jerarquía social,
llegando a su crisis en los años 60´s, por el cuestionamiento al
funcionalismo y a estructuras verticales.

La generación que llego a la juventud en los años sesentas, los

llamados baby –boomers, no vivieron las privaciones de un mundo en guerra;
mas bien, encontraron un mundo en abundancia, con muchas fuentes de
trabajo, espacios para el ocio y esparcimiento. Una reformada clase social
que exigía nuevos productos y nuevas estéticas; además cuestionaban los
valores hegemónicos del buen gusto.

En este contexto surge el Pop-Art, un movimiento artístico alineado

con la cultura de consumo; en su obra se encuentran expresiones/estéticas
propias de la producción masiva como el periódico, el comic, los artículos
desechables, así como símbolos relacionados a marcas comerciales. Y por
supuesto, el plástico en todos los colores y formas de aplicación. La
propuesta del Pop era salir de la neutralidad y angulosidad del
funcionalismo con colores llamativos, alto contraste, textura; formas
sinuosas y abombadas. En consonancia con los avances científicos, el diseño
pop expresaba una autentica fascinación por la artificialidad… se empeñaban
en conseguir materiales artificiales, entonos artificiales, y en
desarrollar la inteligencia artificial. (Campi, 2016) Atraídos hacia estas
ideas, usaban materiales sintéticos, como pieles, cuero, texturados
contrahechos, etc.

La rebeldía de esta generación se manifestaba en una pluralidad de

tendencias, entre ellos el Op Art, la psicodelia, ciencia ficción y el
espacio estelar. Estos dos últimos muy alimentados por la carrera espacial.
La misión Apolo XI no solo era un pequeño paso para un hombre un gran paso
para la humanidad, también representaba un avance en la creación de
materiales con propiedades térmicas superiores, la escala mínima en la
fabricación de circuitos, y la informática en general. La llegada del
hombre a la Luna sembró fe en la tecnología y fascinación por todo lo que
se relacionara con este evento. Se comienzan a diseñar objetos mas pequeños
y mas tecnológicos. El concepto de belleza galáctica se componía de
materiales sintéticos, preferentemente plástico blanco y texturas
metalizadas. (Campi, 2016) Productos esféricos con formas “futurísticas”,
todo lo que pidiese recordar a un casco de astronauta o a un satélite.

A la par, el estudio científico de sustancias psicoactivas como el LCD y la

marihuana, los efectos visuales lograron salirse del laboratorio y se
esparcieron entre el movimiento hippie. Fue muy utilizado en las artes
graficas, y en la textilería, los efectos de distorsión, fractales y
geometrías concéntricas, entre otros. En segunda mitad de la década,
estaban las investigaciones ópticas OpArt, aplicadas en el campo pictórico
y grafico, aunque frecuentemente utilizadas en todo tipo de gadgets.
Ingo Maurer
Ingo Maurer fue un artista alemán nacido en el año 1932, se formó en
la ciudad de Múnich como diseñador gráfico especializado en tipografía. En
el año 1960 viaja a Estados Unidos y trabaja como independiente unos años
en New York y California. Cuando regresa a Alemania, en el año 1963, abre
su propia empresa de diseño y fabricación de luminaria, Design M.

Su diseño parte de apropiación de las formas y productos del mundo

de la producción masiva, usándolos con ligereza e ironía, integrando
artesanía y tecnología e innovación. En Bulb, replica la forma de una
bombilla común y exagera sus partes, la convirtió en un símbolo, revaloriza
un objeto cotidiano hasta llevarlo a la galería. al tratar la bombilla en
sí misma como una pieza de diseño notable, mostró al mundo la capacidad de
ver lo que otros a menudo pasan por alto (Clevenger, 2019) En tan solo
tres años, había conseguido que una de sus obras Bulb (1966) fuera parte de
la exhibición de diseño del MoMa,

Bulb

Ingo Maurer
Fabricante: Ingo Maurer GmbH
Metal y vidrio cromados
29,8 x 20 cm
Alemania
1966

En su obra es frecuente encontrar formas arcaicas, objetos muy

habituales, dispuestos de manera particular, ya sea suspendidos en el aire,
o llevándolos a un plano arbitrario al uso normal. Para Maurer La calidad
de la luz es más importante que su forma, esto le llevo a la
experimentación con diferentes tecnologías. Fue a ser pionero en el uso del
LED en el campo comercial-decorativo.
 En el año 1984 presentó el sistema de cables de baja tensión YaYaHo,
compuesto por dos cuerdas metálicas fijadas horizontalmente y una serie de
elementos de iluminación orientables con bombillas halógenas, se convirtió
en un éxito instantáneo. Esta pieza abrió las puertas al Centre Georges
Pompidou en Paris y la Villa Medici en Roma. Unos años mas tarde en el 89,
hace su primera pieza de concepción no seriada, se trata de Lumière Hasard
Réflexion, presentada en la fundación Cartier; esta le abriría las puertas
a varios museos y galerías alrededor del mundo.

Ya Ya Ho Adjustable
Lucellino Wall Lamp
Lighting System
Ingo Maurer
Ingo Maurer
Fabricante: Design M Ingo
Fabricante: Design M Ingo Maurer GmbH,
Maurer GmbH, Múnich
Múnich
Alas de vidrio, latón, plástico
Bombillas de vidrio, porcelana, metal,
y plumas de ganso
plástico y halógenas
25,4 x 20,3 x 10,8 cm
Alemania
Alemania
1983–1984
1992

Encuentra inspiración en lugares inverosímiles, como lo demuestra el

Zettle’z Chandelier (diseñado en 1997). Tomó el aspecto de un candelabro
bohemio estándar y reemplazó las gotas de cristal con notas garabateadas.
“Como diseñador siempre he buscado la satisfacción emocional, por encima de
cualquier otro factor. Esa es la clave de mi trabajo, pero lo vivo como una
intuición más que como un deber ” En una entrevista para la revista
DesignBoom, Maurer afirma su interés por generar imágenes lúdicas, como en
su colección Birds del año 1992; son bombillas aladas llamadas Lucellino,
que significa pajarito de luz. Se encuentran mas referencias a la
naturaleza en lámpara de mesa Five Butterflies, que muestra un grupo de
mariposas bailando alrededor de una luz. O la lámpara colgante serpentina
Alizz C, que parece una serpiente deslizándose desde la rama de un árbol.
 Fue un diseñador muy activo, cuya obra abarca distintas escalas y
ámbitos públicos y privados. Fallece en el año 2019, dejando dos salas de
exhibición una en Alemania y otra en Estados Unidos, y un exitoso estudio
con mas de sesenta personas en Schwabing, Munich.
Su departamento de proyectos ha evolucionado constantemente desde el diseño
de exposiciones en ferias, festividades e instalaciones especiales del
sistema de iluminación YaYaHo. Ingo Maurer asume los encargos de la
iluminación y la planificación de la iluminación interior. Además de la
venta de sus productos habituales, los proyectos son ahora una parte
importante de sus actividades.

Los Minimalos Porca Miseria! Candelabro

Dos Table Lamp
Ingo Maurer
Fabricante: Ingo Maurer GmbH,
Ingo Maurer
Metal y porcelana
Fabricante: Ingo Maurer
149,9 x 109,9 cm
GmbH,
Alemania
Acero inoxidable, acero
1994
hilado y aluminio.
60 x 15 x 75 cm
Alemania
1994
Grupo Menphis
En Italia a partir de los años setenta aparecen dos tendencias con
respecto al diseño de producto; una seguía muy ligada al mundo de la
producción industrial y evolucionaba hacia la especialización y la
sofisticación metodológica, y la otra, que Greogotti 4 llamo el mundo de la
licencia poética, mucho mas lúdica, se relacionaba con la moda y las artes
plásticas.
Después del gran boom económico, a finales de los años sesenta el diseño
italiano empezó a mostrar ciertos signos de crisis. En la Triennale de
1968, un grupo de jóvenes artistas pedían el fin de dicho certamen, además
reclamaban una gestión democrática y transparente de las instituciones
relacionadas.

En el año 1972 Italia fue invitada a exponer su producción y diseño

en el MoMA, la exposicio reflejaba el descontento de los diseñadores
jóvenes que empezaban a poner en tela de juicio el papel del diseñador como
agente del cambio social. La muestra tenia dos secciones: una dedicada al
diseño como actividad capaz de proponer en términos materiales la solución
de problemas ambientales y socio-culturales y otra experimenta, una especie
de manifiesto del contradiseño, que proponía soluciones míticas y
alternativas en relación al espacio domestico convencional. La propuesta
critica partía de la idea de que todo ya está creado y no hay posibilidad
real de innovar, lo único que se puede es trabajar a partir de elementos
existentes; por lo que usaban estrategias de rediseño y decoración, cortar
y pegar física y conceptualmente, una mezcla entre poético y banal. Una
mirada posmoderna y nihilista, en la que solo importa la superficie y no el
interior de las cosas.
Uno de los grupos que encarnaron esta visión del Nuovo Design italiano, fue
Memphis; impregnado del concepto de banalidad lo cual les llevaba a diseñar
utilizando materiales falsos, laminados plásticos, colores chillones y
técnicas compositivas como la reunión inconexa de diversos elementos
simbólicos, es decir abiertamente kitsch.

Memphis estaba integrado por un grupo internacional de jóvenes

diseñadores que trabajaba en técnicas diversas como el mobiliario, la
cerámica, el textil, la estampación, la ilustración y la orfebrería,
liderados por Ettore Sottsass Jr. En su libro manifiesto, Barbara Radice,
critico parte del grupo dice:

Un proyecto Memphis es un proyecto permisivo, no comunica

pensamientos estructurados sino “estadios intermedios”, juegos de
relaciones, no se basa en como pensamos las cosas sino en como
experimentamos, no describe, imita o pretende explicar la

4
GREGOTTI, Vittorio: Il disegno del prodotto industriale.
Italia, 1980.
 experiencia sino que “alude” a la experiencia, habla el lenguaje del
mito mas que el lenguaje del logos, no pretende convencer sino
seducir.

Fue oficialmente fundado durante una exposición que tuvo lugar en

Milán, en la galería Arc´74, el 18 de septiembre de 1982. Sus muebles se
construían en talleres artesanos, rescatando el papel de la artesanía en
un paisaje salvajemente industrial. El mobiliario decorado con laminados
plásticos o agresivos estampados y sus objetos de porcelana y cristal de
vivos colores, tuvieron enseguida impacto enorme en los medios de
comunicación y fueron copiados en todo el mundo generando una moda que fue
llamada Nuevo diseño, el estilo postmoderno. Su éxito contribuyó para
refrescar el lenguaje del diseño, con objetos mas libres y permisivos en
su forma y en su función, considerándolos como una experiencia creativa
vivificante.
El grupo fue disuelto en el año 1987, sin embargo las imágenes de su obra
incluso hoy en día circulan en las redes con mucha popularidad.

Ettore Sottssass
Sottsass nació en la ciudad montañosa de Innsbruck, en la Austria en
1917. Su padre, Ettore Sottsass Sr., era arquitecto, en 1929 la familia se
mudó a Turín, Italia, donde Sottsass Sr. tenía trabajo y donde Sottsass Jr.
asistió al prestigioso Politecnico di Torino. Se graduó en 1939 con una
licenciatura en arquitectura, estuvo al servicio del ejército italiano
durante la Segunda Guerra Mundial.
Cuando Italia pasó a las fuerzas aliadas en 1943, los alemanes capturaron a
muchos soldados italianos, incluyendo Sottsass. Vivió el resto de la guerra
en un campo de concentración en Sarajevo, donde su lengua materna alemana
le resultó útil, y sobrevivió al ser puesto a cargo de la tienda de
alimentos del campo.

Gabinete Casablanca en Ultrafragola mirror

miniatura Ettore Sottsass
Fabricante: Poltronova
Ettore Sottsass- Memphis Plástico con bombilla en
laminado color rosa
27 × 6 × 39 cm 195 x 100 x 13 cm.
Italia 1970
1986

En 1946 se trasladó a Milán, donde fue comisario de una exposición

para la Trienal y empezó a contribuir a la revista de diseño Domus. Una
década después, visitó Nueva York por primera vez y trabajó con el
diseñador George Nelson, una experiencia que lo llevó a cambiar el enfoque
de la arquitectura al diseño. A su regresó a Italia, trabajó como director
de arte para la empresa de diseño Poltronova. En 1958, tomó un trabajo en
la división de electrónica de Olivetti, un fabricante italiano de máquinas
de escribir fundado en 1908 y conocido por su atención al diseño
industrial. Esa posición lo llevaría a algunos de sus diseños más icónicos,
como la computadora central Elea 9003 y la máquina de escribir Valentine. A
mediados de la década de 1960, Sottsass diseñó una serie de armarios
laminados de plástico llamados "Superboxes" para Poltronova, que, con sus
colores brillantes y forma de tótem, fueron los primeras piezas en Memphis.

Su insaciable curiosidad le llevo a inspirarse en una variedad de

fuentes, como la literatura, la antropología, la etnología, la geografía y
la arqueología. Era un fotógrafo ávido y tomaba miles de imágenes
dondequiera que iba, desde detalles de paredes y puertas hasta las camas en
las que dormía. Como parte de un círculo social impresionante, tomó
retratos de luminarias como Bob Dylan, Pablo Picasso, Max Ernst, Chet Baker
y Robert Mapplethorpe.

Tappeto Volante"
Teléfono Enorme
(Flying Carpet) sofá
Ettore Sottsass
Ettore Sottsass Fabricante: Enorme
65.4 x 217.2 x 107 cm Carcasa de polímero ABS
Maniufactura: Bedding Brevetti 5,7 x 19,3 x 10,2 cm
Frutales, tela, terciopelo, Italia
alfombra 1986
Italia

1974

A lo largo de su obra, el color desempeñó un papel fundamental y fue

una preocupación constante. No abordó el color con rigor científico, sino
que quedó cautivado por su capacidad para evocar recuerdos y emociones. El
rojo era importante para él no solo porque tenía una presencia audaz, sino
por lo que simbolizaba. El rojo es “el color de la bandera comunista, el
color que hace que un cirujano se mueva más rápido y el color de la
pasión”, decía. El historiador del diseño y biógrafo de Sottsass, Deyan
Sudjic, relata un recuerdo de su tiempo en Montenegro, donde el diseñador
realizaba acuarelas basadas en coloridos patrones textiles. "Un día estaba
allí, pero no le quedaba pintura, así que describió todos los colores",
escribe Sudjic. "Había 30 de ellos y usó una palabra diferente para cada
uno, increíble".

“Leemos el mundo sensualmente… también lo catalogamos y lo

intelectualizamos, pero la fuente de todo siguen siendo los
sentidos. Para un funcionalista, la superficie de esta mesa es un
cuadrado geométrico; para mí, es un trozo de plástico, tibio o frío"
Sottsass

Para Sottsass, diseñar era un esfuerzo más complejo que simplemente

construir una casa o crear un nuevo objeto de consumo: se trataba de lograr
una conexión más profunda con el mundo que nos rodea. Consideraba que el
diseño debería ayudar a las personas a ser más conscientes de su
existencia: el espacio en el que viven, cómo organizarlo y su propia
presencia en él.
Describe a la maquina de escribir Valentine de color rojo brillante para
Olivetti, como una herramienta para usar en cualquier lugar que no sea una
oficina, para no recordarle a nadie las monótonas horas de trabajo. La
llamó "una máquina anti-máquina" y "un juguete sin pretensiones". Su
enfoque no estaba en la tecnología de la máquina, sino en cómo se sentiría
la persona que la usaba. Cada detalle es táctil e invita a la interacción:
la carcasa de plástico liviano está biselada en las esquinas para reducir
su peso visual, la superficie está terminada con una textura mate que evoca
la flor del cuero, los dos carretes de máquina de escribir en el interior
están terminados con una tapa naranja que tiene una punta circular en el
centro, una leve sugerencia de un pezón, que agrega un toque inesperado de
humor.

La Valentine (“The Portable Red”)

Ettore Sottsass, Perry King
Fabricante: Olivetti
Plástico moldeado
1968
 Sottsass desarrolló una serie de objetos icónicos que trascendían
sus características físicas: estaban llenos de simbolismo, referencias
globales e históricas, y tenían la capacidad de apelar a las emociones de
sus usuarios. La tensión entre el propósito comercial aparente de un objeto
industrial y su capacidad para moldearse de tal manera que cuestione los
valores y la cultura de la sociedad que lo creó .

Cabinet no. 69

Ettore Sottsass
arce, madera de peral, arce, aluminio esmaltado
225 × 61 × 199 cm
Italia/ Holanda
2006

Comparativa

El siglo XX fue colmado de acontecimientos, en el territorio del

diseño se vio reflejado en el pluralismo de estilos que no se encuentran
legitimados por una teoría solida, pero tuvieron un éxito social
indiscutible. Cuando el ideal del “buen diseño” fue cuestionado, se abrió
la brecha de la posmodernidad.

El Streamline fue un estilo típicamente industrial y norteamericano

que surgió en los años treinta de la asociación entre los conceptos de
modernidad y eficiencia aerodinámica. Lógicamente fue elaborado en el mundo
del transporte donde la eliminación del rozamiento es una cualidad
indiscutible. Pero dichas formas también fueron adoptadas por los
fabricantes de electrodomésticos y de toda clase de objetos. La Hochshule
fur Gestaltung de Ulm, hizo de modo pionero el paso de la profesión a la
disciplina ya que uno de sus objetivos fundacionales era la investigación.
De ahí su profundización en la metodología y sus esfuerzos por desmarcar el
diseño del arte y relacionarlo con la ciencia. La HfG de Ulm fue sin duda
el modelo pedagógico a seguir para todas las escuelas de los años cincuenta
y sesenta.

En los años sesenta, la cultura del consumo se vistió de Pop, un

estilo entusiasta adopatado por los diseñadores y los consumidores jóvenes,
hartos del buen gusto y del supuesto Good Design. A continuación el “Nuevo
Diseño” proponía una alternativa radicalmente opuesta modernismo y a los
valores del buen gusto “oficial”. Del mismo modo que el pop se relaciona
con los estudios sobre el consumo y la cultura de masas, el diseño
posmoderno se relaciona con una serie de manifiestos y textos filosóficos,
críticos de la arquitectura y el diseño que fueron fundamentales para el
movimiento. El lenguaje del diseño del grupo Menphis
Hace referencia a ideas como la catástrofe de la modernidad, el bricolaje
creativo y la vuelta a los historicismos.

Aunque fue Quetelet en 1870 el creador de la Antropometría, el

esfuerzo que Dreyfuss hizo para vincular esta ciencia al diseño industrial,
será indispensable a la hora de buscar metodologías para el diseño de
producto. Asi pues, el diseño racionalista de Rams sin lugar a duda hizo
uso de esta herramienta. Mas allá de la tendencia aerodinámica, el
streamline hizo un esfuerzo para la búsqueda de formas a través de
herramientas técnicas; similar a las estrategias de Ulm.

Por otro lado, la rebeldía y el cuestionamiento sobre el buen diseño son

posturas centrales en el Pop y del grupo Menphis. El material que trabajan
era ya un manifiesto acerca de sus preocupaciones, los sintéticos y lo
artificial, como experimentación pero también como critica.
Bibliografía
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experimento narrativo occidental. Universitat de Barcelona.
http://diposit.ub.edu/dspace/bitstream/2445/102327/10/ICiV_5de8.pdf

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YDesign Group. https://www.ylighting.com/blog/ingo-maurer-50-years-of-
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https://www.vitsoe.com/files/assets/1000/17/VITSOE_Dieter_Rams_speech.pdf.

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http://historia-disenio-industrial.blogspot.com/2013/10/diseno-
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Convergências - Revista de Investigação e Ensino das Artes , VOL IX (18)
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to me than its form.
https://www.designmuseum.de/en/ueberdesign/interviews/detailseiten/i
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