Fecha: 05-07-2021

Asignatura: Educacion Artística Grado: 2do Prof. Francisco M. García Villamán

Contenidos para Completivos-Recuperación
Jonathan Hernández Nuñez
EL formato para evaluar en completivo es Tema I (El Arte) tiene un valor
de 50 puntos; mientras que el Tema II tiene un valor de 50 puntos.
Tema I: EL ARTE. Realiza en tu cuaderno las siguientes las preguntas y
dibuja una obra de arte que desees.
¿Qué es el Arte?

Conjunto de disciplinas o producciones del ser humano de fines estéticos y

simbólicos a partir de un conjunto determinado de criterios, reglas y técnicas

Historia del Arte

La historia del arte es el relato de la evolución del arte a través del tiempo.

Entendido como cualquier actividad o producto realizado por el ser humano con
finalidad estética o comunicativa, a través de la cual se
expresan ideas, emociones o, en general, una visión del mundo, empleando
diversos recursos, como los plásticos, lingüísticos, sonoros o mixtos.

La historiografía del arte, como disciplina académica y entorno institucional

(museos, mercado del arte, departamentos universitarios, producciones
editoriales) se suele restringir a las denominadas artes visuales o plásticas
(esencialmente a pintura, escultura y arquitectura), mientras que otras artes
son más específicamente objeto de estudio de otras disciplinas claramente
delimitadas, como la historia de la literatura o la historia de la música, siendo
todas ellas objeto de atención por la denominada historia de la cultura o historia
cultural, junto con las historias sectoriales enfocadas a otras manifestaciones
del pensamiento, como la historia de la ciencia, la historia de la filosofía o
la historia de las religiones. Algunos campos de conocimiento estrechamente
relacionados con la historia del arte son la estética y la teoría del arte.

A lo largo del tiempo el arte se ha clasificado de muy diversa manera, desde la

distinción medieval entre artes liberales y artes vulgares (o «mecánicas»),
pasando por la moderna distinción entre bellas artes y artes menores o
aplicadas, hasta la multiplicidad contemporánea, que entiende como arte casi
cualquier manifestación de la creatividad del ser humano.

La sucesiva ampliación del listado de las «artes principales» llegó en el

siglo XX hasta el número de nueve: la arquitectura, la danza, la escultura,
la música, la pintura, la poesía —entendida de forma amplia como literatura con
intención estética, que incluye los distintos géneros del teatro y la narrativa—,
la cinematografía, la fotografía y la historieta (o cómic).

Al solapamiento conceptual de términos entre artes plásticas y artes

visuales se añadieron los de diseño y artes gráficas. Además de antiquísimas
formas de expresión artística como la moda y la gastronomía, actualmente se
suelen considerar artes nuevos vehículos expresivos como la publicidad,
la animación, la televisión y los videojuegos.

La historiografía del arte es una ciencia multidisciplinar, procurando un examen

objetivo del arte a través de la historia, clasificando culturas,
estableciendo periodizaciones y observando sus características distintivas e
influencias. El estudio de la Historia del Arte se desarrolló inicialmente en
el Renacimiento, con su objeto limitado a la producción artística de
la civilización occidental. No obstante, con el tiempo se ha impuesto una visión
más amplia de la historia artística, intentando una descripción global del arte de
todas las civilizaciones y el análisis de sus producciones artísticas en términos
de sus propios valores culturales (relativismo cultural), y no solo de los de
la historia del arte occidental.

El arte goza hoy día de una amplia red de estudio, difusión y conservación de
todo el legado artístico producido por la humanidad a lo largo de su historia.
Durante el siglo XX han proliferado las instituciones, fundaciones, museos
y galerías, de ámbito público y privado, dedicados al análisis y catalogación de
las obras de arte, así como su exposición a un público mayoritario. El auge de
los medios de comunicación ha sido fundamental para el mejor estudio y
divulgación del arte.

Eventos y exposiciones internacionales, como las bienales de Venecia y São

Paulo o la Documenta de Kassel han ayudado al fomento de nuevos estilos y
tendencias. Premios como el Turner de la Tate Gallery, el Premio de la
Fundación Wolf de las Artes, la Medalla Picasso de la UNESCO, el Premio
Velázquez de Artes Plásticas, el Premio Pritzker de arquitectura, el Premio
Nobel de literatura, la Medalla Mozart de la Unesco de música clásica,
el Pulitzer de fotografía y los Óscar de cine también fomentan la obra de los
mejores creadores a nivel internacional. Instituciones como la UNESCO con el
establecimiento de un Patrimonio de la Humanidad ayudan igualmente a la
conservación de los principales monumentos del planeta

Redacta en un resumen o síntesis las siguientes eras del Arte:

El Arte en la Prehistoria

Denominación que engloba el conjunto de manifestaciones artísticas realizadas

por el hombre desde el Paleolítico Superior hasta la romanización (30.000-133
a. C.).

En el Paleolítico superior (30.000-10.000 a. C) abundan las pinturas rupestres,

realizadas al abrigo de cuevas y cavernas a base de pigmentos naturales. Tras
ellas se esconde una intención mágico-suntuaria. Los motivos más
representados son animales como bisontes, ciervos, corzos, gamos, mamuts,
cabras, toros… aunque también se encuentran motivos antropomorfos,
impresiones de pies y manos etc. Las obras más maduras se dan en el periodo
Magdaleniense y se caracterizan por su naturalismo y su viva policromía.
Francia y España poseen los conjuntos más importantes de este periodo. En
escultura el periodo más fecundo es el Auriñacense. Proliferan los objetos de
hueso y marfil como agujas, arpones, anzuelos, cuchillos… en los que
coinciden el fin práctico y la intención estética. En piedra encontramos relieves
y figuras de bulto redondo como las venus esteatopigeas, asociadas a ritos de
fecundidad. Se conservan medio centenar de estas piezas, entre las que
destaca la venus de Willendorff (Alemania). En el periodo Mesolítico (10.000-
5.000 a. C) las pinturas rupestres se caracterizan por su pequeño formato, por
el uso de siluetas estilizadas y por la tendencia a la monocromía. Los temas
revelan cierto carácter narrativo e incluyen escenas de caza y recolección,
danzas, batallas etc. La figura humana es protagonista. Durante el Neolítico
(5.000-1.700 a. C) se producen numerosos cambio sociales, económicos y
culturales que tienen su reflejo en las manifestaciones artísticas (generalización
del comercio y la navegación, aparición de los primeros tejidos, de la cerámica
y la arquitectura). A este periodo corresponde la producción de monumentos
megalíticos, así llamados por sus grandes proporciones, que se extienden
desde Japón hasta la Península Ibérica. Sus principales tipologías son el
menhir, las alineaciones, los dólmenes y los cromlech. En pintura se acentúa la
estilización de las figuras y la tendencia a la abstracción. Los conjuntos más
importantes se localizan en el sureste de Francia y en el levante español. En la
Edad de Bronce (1.700-800 a. C) aparece el enterramiento de caja o cista. Al
final de la edad se difunde la incineración y con ella el desarrollo de la
cerámica, sobre todo en forma de urnas o vasos cerámicos en forma humana
(prosopomorfas) o de casa (ecomorfas). La Edad de Hierro (desde el 800 a. C)
conoce un gran desarrollo de la arquitectura y el urbanismo: se construyen
ciudades fortificadas, provistas de murallas, canalización de agua etc. En este
periodo los celtas invaden Occidente y difunden su sentido de la ornamentación
a base de ritmos curvilíneos y esmaltes de color aplicados sobre el metal.

El arte prehistórico en la Península Ibérica

Las zonas de mayor desarrollo son el área cantábrica, la costa mediterránea y
puntos aislados del interior, destacando las pinturas de las cuevas de Altamira,
El Castillo o La Pasiega. Durante el epipaleolítico (8000 – 6000 a. C.), se
producen expresiones abstractas y las muestras son relativamente escasas. En
el Neolítico (6000 – 2500 a. C.), se desarrolla el arte macroesquemático en la
región levantina caracterizado por pinturas en paredes rocosas de factura
estilizada. En las últimas fases de la Edad del Bronce (6000 – 750 a. C.),
aparecen piezas y monumentos relacionados con el mundo funerario como
estelas decoradas y piedras monolíticas. Sobre este sustrato se desarrolla el
arte tartésico, el ibérico, el celtibérico y la cultura castreña, marcando la
invasión romana una nueva etapa en la historia del arte español

El Arte Antiguo

El arte antiguo, también llamado como arte de la antigüedad, es un arte que se

originó en la Edad Antigua y cuya historia crea una gran división en la historia
del arte. Desde dicha división, la historia del arte se centra más en la
interpretación y el estudio de las obras de arte que en su explicación.
Se considera como la división de la historia del arte que se centra en su estudio
e interpretación formal, técnica, estructural, e ideológica (iconográfica,
iconológica) y en su explicación histórica.

Este estilo de arte se ubica cronológicamente desde el comienzo de la historia

del arte (por el milenio IV a. C) hasta la derrota del Imperio romano en el
Occidente (en el siglo V).

Además de la definición de este estilo de arte, que hemos comentado

anteriormente, también existen otra más coloquial que dice que este tipo de
arte son todas aquellas obras de arte u objetos que se consideran
“antigüedades. Por ello, el arte antiguo se puede considerar a todos los objetos
u obras de arte que no están dentro del estilo de Qué es el arte moderno

Existen varias disciplinas que son estudiadas hoy en día de la Edad antigua y
con estas disciplinas podemos observar el cambio que ha dado el arte a lo
largo de los siglos. Como ejemplo tenemos la música del arte antiguo, la
historia de la danza, la literatura antigua.

Dentro de la literatura podemos encontrar la historia de la escritura y dentro de

la historia de la escritura encontraremos varias clases como, por ejemplo: la
caligrafía y la epigrafía.

Existen otras formas de arte como son las artes menores, las artes efímeras o
las artes suntuarias que estaban dentro del arte antiguo. Estas formas a partir
del siglo XX se les denominaron como diseño, pero en la edad antigua
podíamos encontrarlas con sus propios nombres, es decir, artesanías, artes y
oficios, artes aplicadas, oficios artísticos y artes aplicadas. Dentro de estas
formas de arte podemos destacar: la orfebrería, la cerámica, la gastronomía y
la perfumería (evidentemente había muchas más). Si hablamos del arte
efímero podíamos destacar expresiones específicas como son los triunfos
romanos o las ceremonias religiosas que se hacían, además de las artes
marciales. Hoy en día estas formas de arte se agrupan en un solo término, pero
ese término engloba a todas esas formas de arte que hemos comentado
anteriormente, aquí se puede ver otra evolución que presenta este estilo de
arte.

El Arte Clásico

El arte clásico es el conjunto de formas artísticas que se mezclan a partir de las

diversas influencias de una sociedad humanista como la griega, que continua
hasta en el mundo romano, que intentar expresar la visión sensible y
sentimental que tenía el artista acerca del mundo, ya fuera este mundo real o
imaginario. Este estilo de arte además de incluir las disciplinas básicas que
todos los artes incluyen (pintura, arquitectura y escultura) también incluyen la
literatura de distintas formas, tanto la literatura griega como la latina. En esta
última literatura se incluyen a la poesía, al teatro y a la filosofía. Se desarrolla
durante el primer milenio a.C. y hasta la primera mitad del primero dC., como
expresión plástica de la unión de las civilizaciones griega y romana.

Sin embargo, aunque este tipo de arte se puede observar en varios países ya

que fue una agrupación de diferentes culturas, donde más destacó fue en
Grecia y en Roma, pero en Roma duró poco tiempo y aunque se pueden
observar muchas obras de esta clase de arte no son tan abundantes como las
hay en Grecia

El Arte Medieval

El arte medieval es un periodo de la historia del arte que desarrollo un largo

periodo para una grande extensión espacial. En la Edad Media, que va desde
el siglo X al siglo XV, son más de mil años de este tipo de arte para África del
norte, Europa y Oriente medio. Es por lo que el arte medieval está considerado
uno de los periodos más largos de la historia del arte. Se incluyen varios
movimientos artísticos en diferentes períodos entre ellos se encuentran los
regionales, locales y nacionales, tiene diversos géneros, varias etapas de
florecimiento a las cuales se les llamaron renacimiento, tiene obras de artes
destacadas y propios artistas que en la Alta Edad Media se mantenían en el
anonimato. En la Antigüedad tardía se incorporó la herencia artística clásica
traída por el Imperio romano con contribuciones del cristianismo primitivo y de
la cultura bárbara. Por la mezcla de estilos artísticos se produjo unas
características artísticas muy particulares.

El arte medieval se manifestó en diferentes medios y distintas disciplinas tanto

artísticas como técnicas entre ellas destacan: manuscritos, orfebrería,
escultura, pintura en tabla, mosaicos, frescos, arquitectura, entre otras.
También tenemos que incluir los oficios y las artes que no se incluían
normalmente en las bellas artes como por ejemplo la confección de la
vestimenta medieval.

El Arte en la Edad Moderna

Al hablar de arte en la Edad Moderna nos referimos al período que va desde el

final de la Edad Media hasta el estallido de las revoluciones políticas y
económicas a finales del siglo XVIII. Una época con enormes cambios
filosóficos y políticos que tienen su reflejo en el arte renacentista y barroco. La
afirmación del individualismo y la valoración de la persona humana tienen
reflejo en el impulso que reciben los artistas que abandonan el anonimato
medieval y mejoran su situación al amparo de los grandes mecenas. Frente a
la deshumanización de la figura humana durante la Edad Media en el
Renacimiento se buscará la belleza y en el Barroco el naturalismo. Durante el
período medieval las figuras daban poca sensación de volumen por falta de
modelado y por la visión frontal o de perfil sin escorzo. Con la Edad Moderna
las composiciones presentan simetría, relaciones de proporción, perspectiva
con punto de fuga central, las figuras presentan tratamientos volumétricos.  En
la arquitectura, aunque se siguen construyendo edificios religiosos, aunque ya
no tan grandes como en el gótico y se comienzan a edificar edificios civiles
como palacios, ayuntamientos, hospitales, etc. El diseño de las edificaciones ya
es consciente, aparece el concepto de proyecto, el poder representar fielmente
la realidad mediante la perspectiva.

Tras la inicial reacción renacentista de recuperación de los valores clásicos en

el siglo XIV dos siglos después surgen el manierismo como resultado de un
cierto agotamiento entre los artistas de las formas clásicas. El abandono y
 alejamiento definitivo del ideario clásico llegará con el Barroco que en Francia
evolucionará al Rococó. No se volverá a lo gótico y medieval hasta el
romanticismo del siglo XIX con la difusión de estilos neogóticos e historicistas,
estilos que ya quedan fuera de la Edad Moderna.

El Arte Contemporáneo

El arte contemporáneo, explicado técnicamente, es un concepto que se utiliza

para denominar de manera general a las expresiones artísticas originadas
durante el siglo XX, es decir, de una manera más coloquial podríamos decir
que el arte contemporáneo es el que está realizado en nuestra época, pero
esto es dependiendo de la persona que hable de él ya que hay varias formas
de entender este concepto. Para algunas personas este concepto surgió en las
últimas décadas, para otros este concepto se creó en la Segunda Guerra
Mundial (1945), también hay personas que creen que este concepto se
desarrolló en la Edad Contemporánea (finales del siglo XVIII). Por lo tanto, todo
depende de quién utilice este concepto ya que mucha diversidad de opiniones
en el origen de este concepto. Aunque definición más general de este concepto
es que nació en el último siglo.

Menciona 5 Artistas de las siguientes eras del Arte y mención cual fue su
obra de arte clave:

Artistas de Arte Clásico

1. Mona Lisa, Leonardo da Vinci.

2. La Última Cena, Leonardo da Vinci.
3. Guernica, Pablo Picasso.
4. Las Meninas, Diego Velázquez.
5. La Noche Estrellada, Vincent Van Gogh.
6. El Grito, Edgard Munch.

Artistas de Arte Medieval

 Catedral de Pisa, románico italiano.

 San Miniato al Monte.

 Catedral de Chartres, gótico francés.

 Stavkirke de Borgund, arquitectura nórdica en madera, Noruega.

 Catedral de Cefalú, arte árabe-normando, Sicilia, siglo XII.

Artistas de Arte Edad Moderna

1. La alegría de vivir, Matisse, 1906.

2. Las señoritas de Avignon, Picasso, 1907.
3. Nenúfares, Monet.
4. La persistencia de la memoria, Salvador Dalí, 1931.
5. La noche estrellada, Vincent Van Gogh.

Artistas de Arte Contemporáneo

 Escultura de sombra y luz.

 Escultura Serra do Corvo Branco.

 Goldfish Salvation.

 Double disque évidé par les toits.

Gary (Dennis Busenitz)

Tema II. Los Animales Bailan. Realiza en tu cuaderno las siguientes las
preguntas y realiza una coreografía que desees (No merengue, bachata,
reggaetón, salsa).

¿Qué es la Danza?

La danza o el baile es un arte donde se utiliza el movimiento corporal

generalmente con música, como una forma de expresión y de interacción social
con fines de entretenimiento, artísticos, reproductivos y religiosos.

Redacta un resumen sobre la Historia de la Danza.

La actitud de la Iglesia Cristiana hacia la danza, a partir del S IV y durante toda
la Edad Media fue ambivalente. Por un lado, encontramos el rechazo de la
danza como catalizadora de la permisividad sexual, lascivia y éxtasis por
líderes de la Iglesia como S. Agustín (354-430) cuya influencia continuó
durante toda la Edad Media. Por otro lado, antiguos Padres de la Iglesia
intentaron incorporar las danzas propias de las tribus del norte, Celtas,
anglosajones, Galos. en los cultos cristianos.

Las danzas de celebración estacional fueron a menudo incorporadas a las

fiestas cristianas que coincidían con antiguos ritos de fin del invierno y
celebración de la fertilidad con la llegada de la primavera. A principios del siglo
IX Carlomagno prohibió la danza, pero el bando no fue respetado.

La danza continuó como parte de los ritos religiosos de los pueblos europeos,
aunque camuflados con nuevos nombres y nuevos propósitos. Durante esta
época surgió una danza secreta llamada la danza de la muerte, propiciada por
la prohibición de la iglesia y la aparición de la Peste Negra. Nacida como danza
secreta y extática durante los siglos XI y XII la danza de la muerte comenzó
como respuesta a la Peste Negra que mató a más de 50 millones de personas
en 200 años. Esta danza se extendió desde Alemania a Italia en los siglos XIV
y XV y ha sido descrita como una danza a base de saltos en la que se grita y
convulsiona con furia para arrojar la enfermedad del cuerpo.

El advenimiento del Renacimiento trajo una nueva actitud hacia el cuerpo, las
artes y la danza. Las cortes de Italia y Francia se convirtieron en el centro de
nuevos desarrollos en la danza gracias a los mecenazgos a los maestros de la
danza y a los músicos que crearon grandes danzas a escala social que
permitieron la proliferación de las celebraciones y festividades. Al mismo
tiempo la danza se convirtió en objeto de estudios serios y un grupo de
intelectuales autodenominados la Pléyade trabajaron para recuperar el teatro
de los antiguos griegos, combinando la música, el sonido y la danza.

En la corte de Catalina de Medici (1519-1589), la esposa italiana de Enrique II,

nacieron las primeras formas de Ballet de la mano del genial maestro Baltasar
de Beauyeulx. En 1581, Baltasar dirigió el primer ballet de corte, una danza
idealizada que cuenta la historia de una leyenda mítica combinando textos
hablados, montaje y vestuario elaborados y una estilizada danza de grupo. En
1661, Luis XIV de Francia autorizó el establecimiento de la primera Real
Academia de Danza. En los siglos siguientes el ballet se convirtió en una
disciplina artística reglada y fue adaptándose a los cambios políticos y estéticos
de cada época.

Las danzas sociales de pareja como el Minuet y el Vals comenzaron a emerger

como espectáculos dinámicos de mayor libertad y expresión. En el siglo XIX, la
era del ballet romántico refleja el culto de la bailarina y la lucha entre el mundo
terrenal y el mundo espiritual que trascende la tierra, ejemplarizado en obras
tales como Giselle (1841), Swan Lake (1895), y Cascanueces (1892).

Al mismo tiempo, los poderes políticos de Europa colonizaron África, Asia y

Polinesia donde prohibieron y persiguieron las danzas y los tambores por
considerarlos bastos y sexuales. Esta incomprensión de la danza en otras
culturas parece cambiar al final de la Primera Guerra Mundial y las danzas de
origen africano y caribeño crean nuevas formas de danza en Europa y en
América.

La Danza en el Siglo XX
Después de la I Guerra Mundial, las artes en general hacen un serio
cuestionamiento de valores y buscan nuevas formas de reflejar la expresión
individual y un camino de la vida más dinámico. En Rusia surge un
renacimiento del ballet propiciado por los más brillantes coreógrafos,
compositores, artistas visuales y diseñadores. En esta empresa colaboraron
gentes como: Ana Pavlov, Claude Debussy, Stravinski, Pablo Picasso.

Paralelamente a la revolución del Ballet surgieron las primeras manifestaciones

de las danzas modernas. Como reacción a los estilizados movimientos del
ballet y al progresivo emancipa miento de la mujer surgió una nueva forma de
bailar que potenciaba la libre expresión. Una de las pioneras de este
movimiento fue Isadora Duncan. A medida que la danza fue ganando terreno,
fue rompiendo todas las reglas.

Desde los años 20 hasta nuestros días nuevas libertades en el movimiento del
cuerpo fueron los detonantes del cambio de las actitudes hacia el cuerpo. La
música con influencias latinas, africanas y caribeñas inspiraron la proliferación
de las salas de baile y de las danzas como la rumba, la samba, el tango o el
cha cha. El renacer del Harlem propició la aparición de otras danzas como el
lindy-hop.

A partir de la década de los 50 tomaron el relevo otras danzas más

individualistas como el rock and roll, el twist y el llamado free-style; luego
apareció el disco dancing, el breakdancing…

La Danza, con mayúsculas, sigue formando parte de nuestras vidas al igual

que lo hizo en la de nuestros antepasados. Es algo vivo que evoluciona con los
tiempos, pero es consustancial con la naturaleza humana. 

1- ¿Cuáles son los tipos de Danza?

2- Vals.
3- Tango.
4- Cha-Cha-Cha.
5- Rumba.
6- Samba.
7- Mambo.
8- Danza Académica.
9- Danza Tradicional.
10-Danza Moderna

¿Qué es la Coreografía?
La coreografía (del griego χορεία 'danza circular', 'corea', y γραφή, 'escritura')
es el arte de ejecutar una serie de movimientos corporales sucesivos
previamente organizados.

¿Cuáles son los elementos de una coreografía? Definir cada uno de estos
elementos

La danza se compone de diversos elementos básicos que se interrelacionan,

logrando transmitir emociones al público y para el mismo bailarín.
 Movimiento: Es un cambio de posición en el espacio de algún tipo de
materia de acuerdo con un observador físico.
 Ritmo: puede definirse generalmente como un movimiento marcado por
la sucesión regular de elementos débiles y fuertes, o bien de condiciones
opuestas o diferentes.
 Expresión corporal: Con material educativo, la expresión corporal se
refiere al movimiento, con el propósito de favorecer los procesos de
aprendizaje, estructurar el esquema corporal, construir una apropiada imagen
de sí mismo, mejorar la comunicación y desarrollar la creatividad.
 Espacio: es el espacio donde se encuentran los objetos y en el que los
eventos que ocurren tienen una posición y dirección relativas.
 Estilo:  Un movimiento artístico es una tendencia referente al arte.

¿Cuáles son los enfoques de la Danza? Definir cada uno de estos

enfoques

Enfoque Pedagógico Ferreira, M. (2009). Nos dice que la danza se utiliza como
medio para la educación integral en los alumnos para que aprendan a utilizar
destrezas, procedimientos y conceptos que les permitan generar
conocimientos, habilidades, hábitos y actitudes con las que puedan satisfacer
sus necesidades y adaptarse bien al medio. Esto se consigue provocando en
los alumnos el surgimiento de la Creatividad, asociada a una actitud de
constante búsqueda de evolución para la vida. Todas las actividades que se
propongan tienen, entonces, que servir para que el alumno aprenda a aprender
mediante experiencias corporales placenteras en las que existan procesos de
reflexión. Respecto al debate sobre los estilos de enseñanza directivos y no
directivos en el ámbito de la danza y la expresión corporal, la autora (Ferreira,
M.) no le ve sentido ya que, según ella, a lo que siempre debe darse
importancia, sea el estilo de enseñanza que sea, es a la vivencia y a la
exploración del propio cuerpo, de sus posibilidades motrices, de la relación con
los demás y del medio. Sin embargo, la autora (Ferreira, M.) sí ve clara la
necesidad, sobre todo en las primeras etapas de la educación, de favorecer la
autonomía del alumno, la libertad y la espontaneidad en sus respuestas
motrices.

Enfoque Terapéutico La danzaterapia utiliza la danza y el movimiento de

manera psicoterapéutica para alcanzar la integración de procesos corporales,
emocionales y cognitivos. También funciona como un medio para el desarrollo
de la personalidad. Por un lado, es una terapia artística, y por el otro, una
psicoterapia corporal que se centra especialmente en lo que el movimiento
representa, tomando en consideración que el cuerpo tiene memoria. En los
años 80 se establece